Franz Schubert to austriacki kompozytor, największy przedstawiciel wczesnego romantyzmu. Twórca romantycznych pieśni i ballad, cyklu wokalnego, miniatury fortepianowej, symfonii, zespołu instrumentalnego. Pieśń przenika kompozycje wszystkich gatunków.
Autor około 600 pieśni (do słów Friedricha Schillera, Johanna Wolfganga Goethego, Gernicha Heine), m.in. z cykli „Piękna kobieta młynarza” (1823), „Zimowa droga” (1827), obie do słów Niemca poeta Wilhelm Müller); 9 kwartetów symfonicznych, trio, kwintet fortepianowy „Forellen” („Pstrąg”, 1819); sonaty fortepianowe (ponad 20), impromptu, fantazje, walce, landlery.
Lata 820-1821 były pomyślne dla Franza Schuberta. Cieszył się patronatem rodów magnackich, zawierał szereg znajomości wśród wpływowych osób w Wiedniu. Jego przyjaciele opublikowali w ramach prywatnej subskrypcji 20 jego piosenek. Wkrótce nadszedł mniej korzystny okres. Operę „Alfonso i Estrella” na libretto Schobera odrzucono (sam Schubert uważał to za swój sukces), pogorszyły się okoliczności materialne. Ponadto pod koniec 1822 r. Schubert poważnie zachorował. Niemniej jednak ten złożony i trudny rok naznaczony został powstaniem wybitnych dzieł, w tym pieśni, fantazji fortepianowej „Wędrowiec” (to prawie jedyny przykład brawurowo-wirtuozowskiego stylu fortepianowego Schuberta) i pełnego romantycznego patosu „Niedokończona symfonia” ( komponując dwie części symfonii rzucił pracę i nigdy do niej nie wrócił).
Wkrótce pojawił się cykl wokalny „Piękny młynarz” (20 pieśni do słów Wilhelma Müllera), śpiewnik „Spiskowiec” i opera „Fierabras”. W 1824 roku powstały kwartety smyczkowe A-moll i D-moll (jego druga część to wariacje na temat wcześniejszej pieśni Schuberta „Death and the Maiden”) oraz sześcioczęściowy Oktet na instrumenty dęte i smyczkowe, wzorowany na popularny w tym czasie Septet kompozycji Ludwiga van Beethovena 20, ale przewyższający go skalą i wirtuozowskim błyskotliwością.
Podobno latem 1825 w Gmunden pod Wiedniem Franz Schubert skomponował częściowo swoją ostatnią symfonię (tzw. „Wielką”, C-dur). W tym czasie kompozytor cieszył się już w Wiedniu bardzo dobrą opinią. Jego koncerty z Foglem przyciągały liczną publiczność, a wydawcy chętnie publikowali jego nowe piosenki, a także utwory i sonaty fortepianowe. Wśród dzieł Schuberta z lat 1825-1826 wyróżniają się sonaty fortepianowe A-moll, D-dur, G-dur, ostatni kwartet smyczkowy G-dur oraz niektóre utwory, w tym „Młoda zakonnica” i Ave Maria.
W latach 1827-1828 twórczość Schuberta była aktywnie komentowana w prasie, został wybrany członkiem wiedeńskiego Towarzystwa Przyjaciół Muzyki, a 26 marca 1828 r. dał w sali Towarzystwa koncert autorski, który był wielkim sukcesem. Na ten okres składa się cykl wokalny „Winter Way” (24 pieśni do słów Müllera), dwa improwizowane zeszyty na pianoforte, dwa tria fortepianowe oraz arcydzieła ostatnich miesięcy życia Schuberta – Msza Es-dur, trzy ostatnie sonaty fortepianowe , Kwintet smyczkowy i 14 pieśni, wydane po śmierci Schuberta w formie zbioru „Swan Song” (najbardziej popularne to „Serenada” do słów L. Relshtab oraz „The Double” do słów G. Heinie).
Tworząc muzykę gatunków instrumentalnych, Schubert kierował się klasycznymi próbkami wiedeńskimi; nawet najbardziej oryginalna z jego wczesnych symfonii, IV (z podtytułem autora „Tragiczna”) i V, wciąż nosi ślady Haydna. Jednak już w Kwintecie Pstrągowym (1819) kompozytor wystąpił jako mistrz absolutnie dojrzały i oryginalny. W głównych opusach instrumentalnych liryczne tematy pieśni (w tym zapożyczone z własnych pieśni Schuberta, jak w kwintecie Pstrąg, Kwartet Śmierć i panieńskie, Wanderer fantasy), rytmy i intonacje muzyki codziennej odgrywają ważną rolę w jego głównych opusach instrumentalnych. Nawet jego ostatnia symfonia, tak zwana „Wielka”, opiera się głównie na temacie typu song-dance, który rozwija się w nim z iście epickim rozmachem.
F. Schubert przez długi czas był znany głównie z pieśni na głos i fortepian. W istocie Schubert rozpoczął nową erę w historii niemieckich miniatur wokalnych, przygotowanych przez rozkwit niemieckiej liryki na przełomie XVIII i XIX wieku. Pisał muzykę do wierszy poetów różnych szczebli, od wielkiego J. W. Goethego (około 70 pieśni), F. Schillera (ponad 40 pieśni) i G. Heinego (6 pieśni z Łabędzi Pieśni) po stosunkowo mało znanych pisarzy i amatorów (np. Schubert skomponował około 50 pieśni do wierszy swojego przyjaciela I. Mayrhofera). Oprócz ogromnego spontanicznego daru melodycznego kompozytor posiadał wyjątkową umiejętność przekazywania muzyką zarówno ogólnej atmosfery wiersza, jak i jego semantycznych odcieni. Począwszy od najwcześniejszych pieśni, pomysłowo wykorzystywał możliwości fortepianu do celów dźwiękowo-obrazowych i ekspresyjnych; Tak więc w Margaricie w Kołowrotku ciągła figuracja w szesnastkach przedstawia kręcenie się kołowrotka i jednocześnie jest wrażliwa na wszelkie zmiany napięcia emocjonalnego.
Pieśni Schuberta są zróżnicowane w formie, od prostych stroficznych miniatur do swobodnych scen wokalnych, często składających się z kontrastujących ze sobą fragmentów. Odkrywszy teksty Mullera, które opowiadają o wędrówkach, cierpieniach, nadziejach i rozczarowaniach samotnej romantycznej duszy, Schubert stworzył cykle wokalne „Piękna Młynarz” i „Zimowa droga” – w istocie pierwszy duży cykl monologów w historii połączone jedną fabułą.
Cechy stylistyczne, wywodzące się z praktyki codziennego muzykowania, łączą się w dojrzałym Schubercie z bezstronną, modlitewną kontemplacją i nagłym tragicznym patosem. W instrumentalnych utworach Schuberta dominują spokojne tempa; odnosząc się do swojego upodobania do spokojnego przedstawiania muzycznych myśli, Robert Schumann mówił o swoich „boskich długościach”. Cechy pisarstwa instrumentalnego Schuberta zostały najbardziej imponująco ucieleśnione w jego dwóch ostatnich głównych utworach – Kwintecie smyczkowym i Sonacie fortepianowej B-dur.
Ważną dziedziną twórczości instrumentalnej Schuberta są momenty muzyczne i impromptu na pianoforte; Od tych utworów zaczęła się właściwie historia romantycznej miniatury fortepianowej. Schubert skomponował wiele tańców fortepianowych i zespołowych, marszów i wariacji do domowego muzykowania.
Franciszka Schuberta. Romantyczny z Wiednia
„Podobnie jak Mozart, Schubert należał bardziej do wszystkich -
środowisko, ludzie, natura niż ty,
a jego muzyka była jego śpiewem o wszystkim, ale nie osobiście o sobie…”
B. Asafiew
Franz Peter Schubert urodził się 31 stycznia 1797 roku w Lichtental na przedmieściach Wiednia. Pierwsze lekcje muzyki prowadził jego ojciec, Franz Theodor Schubert, nauczyciel w szkole parafialnej Lichtental. Następnie chłopiec trafił pod kuratelę Michaela Holzera, regenta tutejszego kościoła i najmilszego staruszka - za darmo uczył Schuberta harmonii i gry na organach.
W wieku jedenastu lat Schubert wszedł do cesarskiej kaplicy jako chórzysta i pożegnawszy się z rodzinnym domem, wyjechał do Wiednia (na szczęście z przedmieścia do miasta był to rzut beretem). Teraz mieszkał w cesarskim skazanym królewskim - uprzywilejowanej szkole z internatem. I poszedł do liceum. O tym marzył jego ojciec.
Ale jego życie było ponure: wstawanie o świcie, długie i męczące stanie na kliros, wszechobecni strażnicy, którzy zawsze wiedzą, jak znaleźć winę chłopcom, za co należy ich wychłostać lub zmusić do powtarzania niezliczonych modlitw. Istnienie Franza, przyzwyczajonego do łagodnego mentoringu Holzera, byłoby zupełnie beznadziejne, gdyby nie nowi przyjaciele – stali się przyjaciółmi, tym silniejsi i bardziej bezinteresownie, im bardziej wychowawcy zachęcali dzieci do plotek i donosów, rzekomo wymierzonych w „ratowanie dusz zagubionych towarzyszy”.
Pięć lat (1808 - 1813), spędzone przez kompozytora w skazaniu, byłoby dla niego nieznośnie trudne, gdyby nie wierni przyjaciele, których tu znalazł. Od lewej do prawej F. Schubert, I. Yenger, A. Hüttenbrenner.
A gdyby nie muzyka. Talent młodego Schuberta dostrzegł nadworny kapelmistrz Antonio Salieri. Kontynuował naukę u niego nawet po odejściu ze szkoły w 1813 roku (ze względu na fakt, że głos dorosłego piosenkarza zaczął się załamywać i tracił niezbędną „krystalizację”).
W 1814 roku w Wiedniu miało miejsce wielkie wydarzenie - odbyła się premiera opery Beethovena Fidelio. Tradycja mówi, że Schubert sprzedał wszystkie swoje podręczniki szkolne, aby dostać się na tę premierę. Być może sytuacja nie była aż tak dramatyczna, ale wiadomo na pewno, że Franz Schubert pozostał fanem Beethovena do końca jego krótkiego życia.
Ten sam rok był dla Schuberta naznaczony bardziej prozaicznymi wydarzeniami. Poszedł do pracy w tej samej szkole, w której uczył jego ojciec. Działalność pedagogiczna wydawała się młodemu muzykowi nudna, niewdzięczna, nieskończenie daleka od jego wysokich potrzeb. Ale doskonale zdawał sobie sprawę, że nie może być ciężarem dla rodziny, która już ledwo wiązała koniec z końcem.
Mimo wszystkich trudów te cztery lata, które kompozytor poświęcił na nauczanie, okazały się bardzo owocne. Do końca 1816 roku Franz Schubert był już autorem pięciu symfonii, czterech mszy i czterech oper. A co najważniejsze – znalazł gatunek, który wkrótce go uwielbił. Znalazłem piosenkę, w której muzyka i poezja tak magicznie się połączyły, dwa elementy, bez których kompozytor nie wyobrażał sobie swojego istnienia.
Tymczasem w Schubercie dojrzewała jego decyzja, którą wdrożył w 1818 r. Opuścił szkołę, decydując się poświęcić wszystkie swoje siły muzyce. Ten krok był odważny, jeśli nie lekkomyślny. Muzyk nie miał żadnych innych dochodów poza pensją nauczyciela.
Całe dalsze życie Schuberta jest twórczym wyczynem. Doświadczając wielkiej potrzeby i niedostatku, tworzył jedno dzieło po drugim.
Ubóstwo i przeciwności losu uniemożliwiły mu poślubienie swojej dziewczyny. Nazywała się Teresa Coffin. Śpiewała w chórze kościelnym. Matka dziewczynki wiązała duże nadzieje ze swoim małżeństwem. Oczywiście Schubert nie mógł tego zaaranżować. Możesz żyć z muzyką, ale nie możesz z nią żyć. A matka oddała córkę za mąż za cukiernika. To był cios dla Schuberta.
Kilka lat później powstało nowe uczucie, jeszcze bardziej beznadziejne. Zakochał się w przedstawicielce jednej z najszlachetniejszych i najbogatszych rodzin Węgier – Caroline Esterhazy. Aby zrozumieć, co wtedy czuł kompozytor, należy przeczytać wersety z jego listu do jednego z jego przyjaciół: „Czuję się jak najbardziej nieszczęśliwa, najbardziej nieszczęśliwa osoba na świecie… Wyobraź sobie osobę, której najwspanialsze nadzieje obróciły się w nicość , któremu miłość i przyjaźń nic nie przynoszą, z wyjątkiem najgłębszego cierpienia, w którym grozi zniknięcie natchnienia dla piękna (przynajmniej wywołującego kreatywność)…”
W tych trudnych czasach spotkania z przyjaciółmi stały się ujściem dla Schuberta. Młodzi ludzie poznali literaturę, poezję różnych czasów. Wykonywanie muzyki przeplatało się z czytaniem poezji przy akompaniamencie tańców. Czasami takie spotkania poświęcone były muzyce Schuberta. Zaczęli nawet nazywać je „Schubertiads”. Kompozytor usiadł przy fortepianie i od razu skomponował walce, ziemianki i inne tańce. Wiele z nich nie jest nawet zarejestrowanych. Jeśli śpiewał swoje piosenki, zawsze wzbudzał podziw słuchaczy.
Nigdy nie został zaproszony do występu na publicznym koncercie. Nie był znany na dworze. Wydawcy, wykorzystując jego niepraktyczność, płacili mu grosze, a sami zarabiali dużo pieniędzy. A duże prace, które nie mogły być bardzo poszukiwane, w ogóle nie zostały opublikowane. Tak się złożyło, że nie miał co zapłacić za pokój i często mieszkał z przyjaciółmi. Nie miał własnego fortepianu, więc komponował bez instrumentu. Nie miał pieniędzy na zakup nowego garnituru. Zdarzało się, że przez kilka dni z rzędu jadł tylko krakersy.
Ojciec miał rację: zawód muzyka nie przyniósł Schubertowi sławy, głośnego sukcesu, chwały, powodzenia. Przyniosła tylko cierpienie i niedostatek.
Ale dała mu szczęście kreatywności, burzliwe, ciągłe, natchnione. Pracował systematycznie, każdego dnia. „Każdego ranka komponuję, kiedy skończę jeden utwór, zaczynam inny” – przyznał kompozytor. Komponował bardzo szybko i łatwo, jak Mozart. Pełna lista jego prac obejmuje ponad tysiąc numerów. Ale żył tylko 31 lat!
Sława Schuberta w międzyczasie rosła. Jego piosenki stały się modne. W 1828 roku ukazały się jego najważniejsze dzieła, aw marcu tego samego roku odbył się jeden z jego najważniejszych koncertów. Za dochody z niego Schubert kupił sobie pianino. Tak marzył o posiadaniu tego „królewskiego instrumentu”. Ale przez długi czas nie miał okazji cieszyć się przejęciem. Zaledwie kilka miesięcy później Schubert zachorował na dur brzuszny. Desperacko opierał się chorobie, snuł plany na przyszłość, próbował pracować w łóżku...
Kompozytor zmarł 19 listopada 1828 r. w wieku 31 lat po dwutygodniowej gorączce. Schubert został pochowany na cmentarzu centralnym obok grobu Beethovena, niedaleko pomnika Mozarta, grobów Glucka, Brahmsa. I. Strauss - tak ostatecznie nastąpiło pełne uznanie kompozytora.
Znany wówczas poeta Grillparzer napisał na skromnym pomniku Schuberta na wiedeńskim cmentarzu: „Śmierć pogrzebała tu bogaty skarb, ale jeszcze wspanialsze nadzieje”.
Dźwięki muzyki
„Samo piękno powinno inspirować człowieka przez całe życie –
to prawda, ale blask tej inspiracji powinien rozjaśnić wszystko inne...”
F. Schuberta
VIII Symfonia h-moll „Niedokończona”
Losy wielu wielkich dzieł (a także ich autorów) są pełne perypetii. Wszystkie możliwe z nich przypadły w udziale symfonii „Niedokończona”.
Przyjaciele uwielbiali piosenki Franza Schuberta. Jak delikatnie brzmiały, jak bez wątpienia dotykały najgłębszych strun duszy, te pieśni! Ale oto „duża forma” ... Nie, przyjaciele starali się nie denerwować drogiego Franza, ale nie, nie, powiedzieli między sobą: „Mimo to to nie jest jego”.
Schubert napisał „Niedokończoną Symfonię” w latach 1822-23. A dwa lata później dał jej ocenę jednemu ze swoich najlepszych i najstarszych przyjaciół – Anselmowi Huttenbrennerowi. Aby przyjaciel podarował go Towarzystwu Miłośników Muzyki miasta Graz. Ale przyjaciel nie powiedział. Prawdopodobnie najlepiej. Nie chcąc „hańbić drogiego Franza” w oczach oświeconej publiczności. Sam Huttenbrenner pisał muzykę (preferował m.in. dużą formę). Rozumiał ją. I nie sympatyzował z symfonicznymi wysiłkami swojego szkolnego kolegi.
Tak się złożyło, że jedno z najlepszych dzieł Schuberta „nie istniało” aż do 1865 roku. Prawykonanie „Niedokończonego” miało miejsce prawie czterdzieści lat po śmierci kompozytora. Dyrygowany przez Johanna Gerbecka, który przypadkowo odkrył partyturę symfonii.
„Niedokończona Symfonia” składa się z dwóch części. Symfonia klasyczna to zawsze symfonia czteroczęściowa. Wersję, którą kompozytor chciał dokończyć, „dołożyć do wymaganego tomu”, ale nie miał czasu, należy natychmiast odrzucić. Zachowały się szkice do części trzeciej - niepewne, nieśmiałe. Jakby sam Schubert nie wiedział, czy te próby szkicowania są konieczne. Partytura symfonii przez dwa lata „starzała się” na jego biurku, zanim trafiła w ręce rozsądnego Huttenbrennera. Przez te dwa lata Schubert zdążył się upewnić, że – nie, nie ma potrzeby „kończyć”. W dwóch częściach symfonii wyraził się w pełni, „wyśpiewał” w nich całą swoją miłość do świata, cały niepokój i tęsknotę, że człowiek jest skazany na marność na tym świecie.
Człowiek przechodzi przez dwa główne etapy życia - młodość i dojrzałość. A w dwóch częściach symfonii Schuberta ostrość zderzeń z życiem w młodości i głębia zrozumienia sensu życia w dojrzałości. Odwieczne przeplatanie się radości i smutku, cierpienia i radości życia.
Jak burza z piorunami - z podmuchami wiatru, odległymi grzmotami - zaczyna się "Niedokończona symfonia" Schuberta.
Kwintet A-dur „Pstrąg”
Kwintet pstrągowy (czasami nazywany także Kwintetem Forellena) jest również, podobnie jak Niedokończona Symfonia, nietypowy pod względem formy. Składa się z pięciu części (a nie czterech, jak to zwykle bywa) i wykonywany jest przez skrzypce, altówkę, wiolonczelę, kontrabas i fortepian.
W najszczęśliwszym okresie swojego życia Schubert napisał ten kwintet. Był rok 1819. Wraz z Voglem kompozytor podróżuje po Górnej Austrii. Vogl, pochodzący z tych stron, hojnie „dzieli się” nimi z Schubertem. Ale nie tylko radość z poznawania nowych miejsc i ludzi przyniosła Schubertowi tę podróż. Po raz pierwszy był osobiście przekonany, że jest znany nie tylko w Wiedniu, ale w wąskim gronie przyjaciół. Że prawie każdy, nawet lekko „muzyczny” dom ma odręczne kopie jego piosenek. Jego własna popularność nie tylko go zaskoczyła, ale zszokowała.
W mieście Steyr w Górnej Austrii Schubert i Vogl spotkali namiętnego wielbiciela pieśni Schuberta, przemysłowca Sylwestra Paumgartnera. Raz po raz prosił swoich przyjaciół, aby wykonali dla niego piosenkę „Pstrąg”. Mógł jej słuchać bez końca. Dla niego Schubert (który uwielbiał sprawiać radość ludziom bardziej niż cokolwiek na świecie) napisał Kwintet Forellen, w którego czwartej części brzmi melodia piosenki Trout.
W kwintecie młoda energia kipi, przelewa się. Impulsywne marzenia ustępują miejsca smutkowi, smutek znów ustępuje snom, dźwięcznemu szczęściu bytu, które jest możliwe tylko w wieku dwudziestu dwóch lat. Temat części czwartej, prosty, niemal naiwny, wdzięcznie prowadzony przez skrzypce, kipi wieloma wariacjami. A „Pstrąg” kończy się nieskrępowanym, musującym tańcem, inspirowanym Schubertem, prawdopodobnie tańcami chłopów z Górnej Austrii.
"Ave Maria"
Nieziemskie piękno tej muzyki sprawiło, że modlitwa do Marii Schubert stała się najpopularniejszym utworem religijnym. Należy do szeregu romansów-modlitw pozakościelnych tworzonych przez kompozytorów romantycznych. W aranżacji na głos i chór chłopięcy podkreśla się czystość i niewinność muzyki.
"Serenada"
Prawdziwą perełką tekstów wokalnych jest „Serenada” F. Schuberta. Ta praca jest jedną z najjaśniejszych, najbardziej marzycielskich w twórczości Schuberta. Miękkiej tanecznej melodii towarzyszy charakterystyczny rytm imitujący dźwięk gitary, bo to właśnie przy akompaniamencie gitary lub mandoliny śpiewano serenady pięknym kochankom. Melodia, która porusza duszę od prawie dwóch stuleci...
Serenady to utwory wykonywane wieczorem lub w nocy na ulicy (wł. „al sereno” oznacza to w plenerze) przed domem tego, któremu serenada jest dedykowana. Najczęściej - przed balkonem pięknej pani.
Prezentacja
Dołączony:
1. Prezentacja, ppsx;
2. Dźwięki muzyki:
Schuberta. Symfonia „Niedokończona”, mp3;
Schuberta. Serenada, mp3;
Schuberta. Ave Maria, mp3;
Schuberta. Kwintet A-dur „Pstrąg”, część IV, mp3;
3. Artykuł towarzyszący, docx.
Kompozytorzy mają dwa życia: jedno kończy się ich śmiercią; drugi kontynuuje po śmierci autora jego dzieła i być może nigdy nie przeminie, zachowany przez kolejne pokolenia, wdzięczny twórcy za radość, jaką owoc jego pracy przynoszą ludziom. Czasami życie tych stworzeń zaczyna się dopiero po śmierci stwórcy, bez względu na to, jak bardzo jest gorzkie. Tak potoczyły się losy Schuberta i jego twórczości. Większość jego najlepszych utworów, zwłaszcza wielkich gatunków, nie została wysłuchana przez autora. Wiele z jego muzyki mogłoby zniknąć bez śladu, gdyby nie energiczne poszukiwania i ogromna praca niektórych żarliwych koneserów Schuberta. I tak, gdy żarliwe serce wielkiego muzyka przestało bić, jego najlepsze utwory zaczęły „rodzić się na nowo”, sami zaczęli mówić o kompozytorze, podbijając publiczność swoim pięknem, głęboką treścią i umiejętnością. Jego muzyka zaczęła stopniowo brzmieć wszędzie tam, gdzie docenia się tylko prawdziwą sztukę.
Schubert stworzył ogromną liczbę dzieł wszystkich gatunków, które istniały w jego czasach bez wyjątku - od miniatur wokalnych i fortepianowych po symfonie. W każdej dziedzinie, z wyjątkiem muzyki teatralnej, wypowiedział unikalne i nowe słowo, pozostawił wspaniałe dzieła, które żyją do dziś. Z ich obfitością uderza niezwykła różnorodność melodii, rytmu i harmonii.
Bogactwo pieśni Schuberta jest szczególnie wspaniałe. Jego piosenki są dla nas cenne i drogie nie tylko jako samodzielne dzieła sztuki. Pomogły kompozytorowi odnaleźć swój język muzyczny w innych gatunkach. Związek z pieśniami polegał nie tylko na ogólnych intonacjach i rytmach, ale także na osobliwości prezentacji, rozwoju tematów, wyrazistości i barwności środków harmonicznych. Schubert otworzył drogę dla wielu nowych gatunków muzycznych - improwizacji, momentów muzycznych, cykli pieśni, symfonii liryczno-dramatycznej. Ale w jakimkolwiek gatunku pisze Schubert - tradycyjnym lub stworzonym przez niego - wszędzie pojawia się jako kompozytor nowej ery, epoki romantyzmu, chociaż jego twórczość mocno opiera się na klasycznej sztuce muzycznej. Wiele cech stylu noworomantycznego rozwinęło się wówczas w twórczości Schumanna, Chopina, Liszta i kompozytorów rosyjskich drugiej połowy XIX wieku. Muzyka Schuberta jest nam droga nie tylko jako wspaniały zabytek artystyczny. To głęboko porusza publiczność. Skrapia zabawą, pogrąża się w głębokich refleksjach, czy powoduje cierpienie - jest bliskie, zrozumiałe dla każdego, tak żywo i prawdziwie odsłania ludzkie uczucia i myśli wyrażone przez wielkiego w swej bezgranicznej prostocie Schuberta.
Austriacki kompozytor Franz Schubert żył zaledwie trzydzieści lat, ale zdołał napisać ponad tysiąc utworów muzycznych. Jego talent był naprawdę niesamowity, talent melodyczny niewyczerpany, ale tylko nieliczni współcześni Schubertowi potrafili docenić jego twórczość.
Wspaniała muzyka Schuberta zdobyła najszerszą sławę, gdy kompozytora nie było już na świecie, gdy przeminęło jego krótkie, pełne nędzy i niedostatku życie.
Twórczość Schuberta rozsławiła jego imię w historii światowej sztuki muzycznej. Napisał ponad 600 pieśni, liczne utwory na fortepian (w tym dwadzieścia jeden sonat), kwartety i tria, symfonie i uwertury, opery i singspiel (opery komiczne w duchu ludowym), muzykę do dramatu Rosamunda itp.
Już za życia Schuberta jego piosenki cieszyły się zasłużoną sławą wśród przyjaciół. W tym gatunku jego wielkimi poprzednikami byli Mozart i Beethoven, których piosenki są pełne niegasnącego uroku. Ale to Schubert wypełnił piosenkę niesamowitym poetyckim uczuciem i melodyjnym urokiem. Schubert nadał piosence nowe znaczenie, poszerzył zakres obrazów i nastrojów, znalazł jasny i ekspresyjny język muzyczny, bliski każdemu słuchaczowi.
Ballada „Król lasu” brzmi jak dramatyczna historia. Szczere teksty są przesycone „Rose” i „Serenade” („Moja piosenka leci z modlitwą”), głęboka medytacja jest wyczuwalna w „Wanderer”.
Schubert jest autorem dwóch słynnych cykli pieśni – „Piękna kobieta młynarza” i „Zimowa droga”, w których poszczególne utwory są ogniwami w dużej opowieści. Historia wędrownej miłości młodego młynarza ukazana jest w tak znanych piosenkach cyklu jak „W drodze” („Młynarz prowadzi życie w ruchu”), „Gdzie”, „Kołysanka strumienia” i innych .
Cykl pieśni „Winter Way” należy do ostatnich dzieł Schuberta; dominują w nim smutne i ponure nastroje. Ostatnia piosenka „The Organ Grinder” jest napisana prosto i szczerze. Jego smutna melodia opowiada o przeżyciach biednego i samotnego człowieka.
Schubert był jednym z twórców gatunku lirycznej miniatury fortepianowej. Jego wdzięczni ziemianie - stare niemieckie walce - są melodyjni i pogodni, czasem okryci lekką mgiełką lirycznych marzeń. Powszechnie znane są wspaniałe improwizacje fortepianowe i muzyczne momenty Schuberta.
Pieśń była bardzo droga sercu kompozytora, który często wprowadzał jej obrazy i melodie do swoich osobistych utworów kameralnych i symfonicznych. Piękno melodyjnej melodii pieśni wypełnia jego sonaty fortepianowe. W fantazji „Wędrowiec” (na fortepian) część druga jest wariacją na temat utworu o tym samym tytule.
Pogodą tchnie muzyka słynnego „Forellen Quintet”, w której jednej z partii kompozytor urozmaica melodię „Pstrąg”. A dramatyczny i pełen napięcia „Death and the Maiden” rozwijany jest w kwartecie smyczkowym d-moll. Niezwykłe pięknem i bogactwem melodii są dwa tria fortepianowe Schuberta. Wszędzie i wszędzie w muzyce wielkiego austriackiego kompozytora melodia pieśni płynie swobodnie.
Wśród symfonii Schuberta wyróżniają się dwie – C-dur i h-moll („Niedokończone”), odnalezione dopiero po śmierci kompozytora (w 1838 i 1865). Na stałe wkroczyli w światowy repertuar koncertowy. Symfonia w C-dur jest pełna wielkości i mocy. Kiedy go słuchasz, przed oczami pojawiają się obrazy walki potężnych sił, zwycięskiej, potężnej procesji mas.
Romantycznie wzburzona muzyka symfonii „Niedokończona” to opowieść o przeżyciu, o rozczarowaniach i nadziejach. W symfoniach Schuberta bogactwo treści łączy się z prostotą i przystępnością obrazów muzycznych. I nieprzypadkowo symfonię „Niedokończoną” można usłyszeć w wykonaniu amatorskich, amatorskich orkiestr. Schubert potrafił mówić w muzyce o tym, co wielkie i ważne, o doświadczonych i odczuwanych z prostotą, szczerością i szczerością. To sprawiło, że jego sztuka była na zawsze młoda, kochana i bliska wszystkim ludziom.
Życie twórcze Schuberta szacuje się na zaledwie siedemnaście lat. Niemniej jednak wymienienie wszystkiego, co napisał, jest jeszcze trudniejsze niż wymienienie dzieł Mozarta, którego droga twórcza była dłuższa. Podobnie jak Mozart, Schubert nie ominął żadnej dziedziny sztuki muzycznej. Część jego dziedzictwa (głównie dzieła operowe i duchowe) zepchnął na bok sam czas. Ale w pieśni lub symfonii, w miniaturze fortepianowej lub w zespole kameralnym znalazły wyraz najlepsze aspekty geniuszu Schuberta, cudowna bezpośredniość i zapał romantycznej wyobraźni, liryczne ciepło i poszukiwanie myślącego człowieka XIX wieku.
W tych dziedzinach twórczości muzycznej innowacyjność Schuberta objawiła się z największą odwagą i rozmachem. Jest twórcą lirycznej miniatury instrumentalnej, symfonii romantycznej – liryczno-dramatycznej i epickiej. Schubert radykalnie zmienia treść figuratywną w głównych formach muzyki kameralnej: w sonatach fortepianowych, kwartetach smyczkowych. Wreszcie prawdziwym pomysłem Schuberta jest piosenka, której stworzenie jest po prostu nieodłączne od samego jego imienia.
Demokratyzm austriackiej muzyki ludowej, muzyki Wiednia, podsyca twórczość Haydna i Mozarta, Beethoven też doświadczył jej wpływu, ale Schubert jest dzieckiem tej kultury. Za swoje oddanie jej musiał nawet słuchać wyrzutów od przyjaciół. Schubert mówi językiem muzyki gatunkowej, myśli obrazami; z nich wyrastają dzieła wysokich form sztuki o najróżniejszym planie. W szerokim uogólnieniu pieśni lirycznych intonacji, które dojrzewały w muzycznej rutynie mieszczan, w demokratycznym środowisku miasta i jego przedmieść - narodowość twórczości Schuberta. Liryczno-dramatyczna symfonia „Niedokończona” rozgrywa się na zasadzie pieśni i tańca. Przemianę materiału gatunkowego można wyczuć zarówno w epickim płótnie „Wielkiej” symfonii w C-dur, jak iw kameralnej lirycznej miniaturze czy zespole instrumentalnym.
Żywioł pieśni przenikał wszystkie sfery jego twórczości. Melodia pieśni stanowi podstawę tematyczną kompozycji instrumentalnych Schuberta. Na przykład w fantazji fortepianowej na temat piosenki „Wędrowiec”, w kwintecie fortepianowym „Pstrąg”, gdzie melodia piosenki o tym samym tytule służy jako temat do wariacji finału, w d-moll kwartet, w którym pojawia się utwór „Death and the Maiden”. Ale w innych utworach, które nie są związane z tematami niektórych pieśni - w sonatach, w symfoniach - pieśniowy magazyn tematyzmu determinuje cechy struktury, sposoby opracowania materiału.
Jest więc naturalne, że choć początek drogi kompozytorskiej Schuberta naznaczony był niezwykłym rozmachem pomysłów twórczych, które skłaniały do eksperymentów we wszystkich dziedzinach sztuki muzycznej, to jednak przede wszystkim odnalazł się w piosence. To w nim, przede wszystkim, błyszczały fasety jego talentu lirycznego wspaniałą grą.
Asafiew w swoim dziele „O muzyce symfonicznej i kamiennej” pisał o twórczości Schuberta:
„Gładki i szczery, czysty jak górski potok pędzący z odległych szczytów, unosi ludzi w muzycznie manifestowanym ruchu, rozpuszczając w nim wszystko, co ciemne i złe, i wywołując w nas jasne poczucie życia”. Piosenka zawiera całą jego twórczą esencję. To właśnie pieśń Schuberta jest rodzajem granicy oddzielającej muzykę romantyzmu od muzyki klasycyzmu. Miejsce pieśni w twórczości Schuberta jest równoznaczne z miejscem fugi u Bacha czy sonaty u Beethovena. Według B. V. Asafieva Schubert zrobił w dziedzinie śpiewu to samo, co Beethoven w dziedzinie symfonii. Beethoven podsumował heroiczne idee swojej epoki; Z drugiej strony Schubert był pieśniarzem „prostych naturalnych myśli i głębokiego człowieczeństwa”. Poprzez świat lirycznych uczuć odzwierciedlonych w piosence wyraża swój stosunek do życia, ludzi, otaczającej rzeczywistości.
Zakres tematów lirycznych w jego twórczości jest wyjątkowo szeroki. Temat miłości, z całym bogactwem jej poetyckich odcieni, czasem radosnych, czasem smutnych, przeplata się z tematem wędrówki, wędrówki, samotności, przenikając całą sztukę romantyczną, z tematem natury. Natura w twórczości Schuberta nie jest tylko tłem, na którym rozgrywa się pewna narracja czy rozgrywają się jakieś wydarzenia: jest „uczłowieczona”, a promieniowanie ludzkich emocji, w zależności od ich natury, zabarwia obrazy natury, nadaje im takie lub inne nastrój i odpowiednia kolorystyka.
Powstały w ten sposób kontrasty ciemności i światła, częste przejścia od rozpaczy do nadziei, od melancholii do prostodusznej zabawy, od obrazów intensywnie dramatycznych do jasnych, kontemplacyjnych. Niemal równocześnie Schubert pracował nad liryczno-tragiczną symfonią „Niedokończona” i radośnie młodzieńczymi pieśniami „Pięknej Młynarza”. Jeszcze bardziej uderza bliskość „strasznych piosenek” „The Winter Road” z wdzięczną łatwością ostatniego improwizowanego fortepianu.
KURS PRACA
w dyscyplinie „Historia muzyki obcej”
na temat: " Romantyzm w muzyce i twórczy wizerunek Franza Schuberta »
Spełniony
uczeń grupy MZ-113 A.A. Nikulina
Książka metrykalna nr 5103511
w kratę
cand. historia sztuki, docent L.V. Kordiukow
Jekaterynburg, 2016
WPROWADZANIE
Franz Schubert to austriacki kompozytor, jeden z twórców romantyzmu w muzyce, autor około 600 kompozycji wokalnych, dziewięciu symfonii, a także wielu kameralnych i solowych utworów fortepianowych. W swoich wspaniałych pracach przeciwstawiał codzienną rzeczywistość bogactwo wewnętrznego świata małego człowieka. Ideologicznym rdzeniem większości prac Schuberta jest zderzenie ideału i rzeczywistości.
Pierwszy romantyczny kompozytor Schubert jest jedną z najtragiczniejszych postaci w historii światowej kultury muzycznej. Jego życie, krótkie i spokojne, zostało przerwane, gdy był w kwiecie wieku i talentu. Nie słyszał większości swoich kompozycji. Pod wieloma względami losy jego muzyki również były tragiczne. Bezcenne rękopisy, częściowo utrzymywane przez przyjaciół, częściowo komuś podarowane, a czasem po prostu zagubione w niekończących się podróżach, długo nie mogły zostać złożone.
Za każdym razem zderzenie marzeń i rzeczywistości otrzymuje indywidualną interpretację, ale z reguły konflikt nie został rozwiązany. W centrum uwagi kompozytora nie jest walka o głoszenie pozytywnego ideału, ale mniej lub bardziej wyraźne obnażanie sprzeczności. To główny dowód przynależności Schuberta do romantyzmu. Jego głównym tematem było temat deprywacji, tragicznej beznadziejności. Ten temat nie jest wymyślony, wyjęty z życia, odzwierciedlający losy całego pokolenia, m.in. i los samego kompozytora. Jak już wspomniano, Schubert swoją krótką karierę zakończył w tragicznym zapomnieniu. Nie towarzyszył mu sukces, naturalny dla muzyka tej rangi.
Romantyzm był rodzajem reakcji na Oświecenie z jego kultem rozumu. Jego wystąpienie było spowodowane różnymi przyczynami. Najważniejszym z nich jest rozczarowanie skutkami rewolucji francuskiej to nie uzasadnia pokładanych w nim nadziei.
Dla romantyka światopogląd charakteryzuje się ostrym konfliktem między rzeczywistością a snem. Rzeczywistość jest niska i nieduchowa. Sen to coś pięknego, doskonałego, ale nieosiągalnego i niezrozumiałego dla umysłu.
Romantyzm przeciwstawił prozę życia pięknej sferze ducha, „życiu serca”. Romantycy wierzyli, że uczucia stanowią głębszą warstwę duszy niż umysł. Nieprzypadkowo muzykę uznano za idealną formę sztuki, która ze względu na swoją specyfikę najpełniej wyraża ruchy duszy. Dokładnie muzyka epoki romantyzmu zajęła czołowe miejsce w systemie sztuk.
Artykuł analizuje treść i cechy stylu twórczego Franza Schuberta w kontekście romantycznej sztuki muzycznej.
Celem utworu jest ukazanie twórczego wizerunku Schuberta, uogólnienie wkładu kompozytora w europejski romantyzm XIX wieku oraz wydobycie szczególnych cech muzyki tej epoki.
Podczas pracy konieczne jest rozwiązanie następujących zadań:
1) ujawnienie cech stylistycznych muzyki romantyzmu, jej przesłanek i cech charakterystycznych;
2) uważać Franza Schuberta za pierwszego kompozytora romantyzmu;
3) analizować twórczy wizerunek Schuberta i cechy jego twórczości;
4) analizować twórczość Franza Schuberta.
Praca składa się ze wstępu, dwóch rozdziałów głównych, zakończenia, spisu piśmiennictwa oraz aneksu.
ROZDZIAŁ 1. TWÓRCZOŚĆ SCHUBERTA W KONTEKŚCIE EUROPEJSKIEGO ROMANTYZMU
Romantyzm w muzyce europejskiej XIX wieku. Cechy stylu
Era romantyzmu to jeden z najciekawszych i najbardziej pełnych wydarzeń okresów w historii ludzkości. Rewolucja Francuska, groźne kampanie Napoleona, przerysowanie mapy Europy, zerwanie starego stylu życia i wielowiekowych relacji międzyludzkich – to był czas, który znaleźli pierwsi romantycy.
Zmiana nurtów artystycznych była konsekwencją ogromnych przemian społecznych, które naznaczyły życie społeczne Europy na przełomie dwóch wieków.
Najważniejszą przesłanką tego zjawiska w sztuce krajów europejskich był ruch mas, obudzony przez Wielką Rewolucję Francuską.
Rewolucja, która otworzyła nową erę w historii ludzkości, doprowadziła do ogromnego wzrostu siły duchowej narodów Europy. Walka o triumf demokratycznych ideałów charakteryzuje europejską historię badanego okresu.
Nierozerwalnie związany z ruchem ludowo-wyzwoleńczym wyłonił się nowy typ artysty - zaawansowana postać publiczna, która dążyła do całkowitej emancypacji sił duchowych człowieka, do najwyższych praw sprawiedliwości. Nie tylko pisarze tacy jak Shelley, Heine czy Hugo, ale także muzycy często bronili swoich przekonań, chwytając za pióro. Wysoki rozwój intelektualny, szeroki światopogląd ideowy, świadomość obywatelska charakteryzują Webera, Schuberta, Chopina, Berlioza, Wagnera, Liszta i wielu innych XIX-wiecznych kompozytorów.
Jednocześnie czynnikiem decydującym o ukształtowaniu się ideologii artystów nowych czasów było głębokie rozczarowanie opinii publicznej skutkami Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Ujawniono iluzoryczność ideałów Oświecenia. Zasady „wolności, równości i braterstwa” pozostały utopijnym marzeniem. System burżuazyjny, który zastąpił reżim feudalno-absolutystyczny, wyróżniał się bezlitosnymi formami wyzysku mas.
Oszukani w najlepszych nadziejach, nie mogący pogodzić się z rzeczywistością, artyści nowych czasów wyrazili swój protest przeciwko nowemu porządkowi rzeczy.
Powstał więc nowy kierunek artystyczny - romantyzm.
Belinsky pisze w swoich pismach:
„Romantyzm należy nie tylko do sztuki, nie tylko do poezji: jego źródło tkwi w tym, jakie jest źródło zarówno sztuki, jak i poezji w życiu… W swoim najbliższym i najistotniejszym znaczeniu romantyzm jest niczym innym, jak wewnętrznym światem ludzkiej duszy , najskrytsze życie jego serca. W piersi i sercu człowieka; uczucia, miłość jest przejawem lub działaniem romantyzmu, a zatem prawie każda osoba jest romantykiem. Sfera romantyzmu to „tajemnicza gleba duszy i serca, z której wznoszą się wszelkie nieokreślone dążenia ku lepszemu i wzniosłości, próbujące znaleźć zaspokojenie w ideałach stworzonych przez fantazję” .
Potępienie burżuazyjnej ciasnoty, bezwładnego filistynizmu, filistynizmu stanowi podstawę ideologicznej platformy romantyzmu. To przede wszystkim decydowało o treści ówczesnej klasyki artystycznej. Ale właśnie w naturze krytycznego stosunku do rzeczywistości kapitalistycznej leży różnica między jej dwoma głównymi nurtami; ujawnia się w zależności od zainteresowań jakich kręgów społecznych ta lub inna sztuka obiektywnie odzwierciedlała.
Romantyzm w sztuce jako całości jest zjawiskiem złożonym i niejednorodnym. Każdy z dwóch wymienionych powyżej głównych nurtów miał swoje odmiany i niuanse. W każdej kulturze narodowej, w zależności od rozwoju społeczno-politycznego kraju, jego historii, psychologicznego składu ludu, tradycji artystycznych, cechy stylistyczne romantyzmu przybierały osobliwe formy. Stąd mnogość jego charakterystycznych narodowych odgałęzień. A nawet w twórczości poszczególnych artystów romantycznych różne, czasem sprzeczne nurty romantyzmu czasem krzyżowały się, przeplatały.
Wyzwolenie jednostki z psychologii społeczeństwa feudalnego doprowadziło do stwierdzenia wysokiej wartości duchowego świata człowieka. Artystów bardzo interesuje głębia i różnorodność przeżyć emocjonalnych. Subtelne opracowanie obrazów lirycznych i psychologicznych to jedno z czołowych osiągnięć sztuki XIX wieku. Odzwierciedlając wiernie złożone życie wewnętrzne ludzi, romantyzm otworzył nową sferę uczuć w sztuce.
A w twórczości muzycznej dominujące znaczenie nabiera temat „lirycznej konfesji”, zwłaszcza liryki miłosne, które najpełniej odsłaniają wewnętrzny świat „bohatera”. Temat ten przebiega jak czerwona nić przez całą sztukę romantyzmu, od kameralnych romansów Schuberta po monumentalne symfonie Berlioza, wspaniałe muzyczne dramaty Wagnera. Żaden z klasycznych kompozytorów nie tworzył w muzyce tak różnorodnych i precyzyjnie nakreślonych obrazów natury, tak przekonująco rozwiniętych obrazów ospałości i marzeń, cierpienia i duchowego wybuchu, jak romantyk.
Bohatersko-rewolucyjny temat brzmi w nowy sposób w twórczości romantyków, który był jednym z głównych w twórczości muzycznej „epoki gluko-Beethovena”. Załamana przez osobisty nastrój artysty nabiera charakterystycznego patetycznego wyglądu. Jednocześnie, w przeciwieństwie do tradycji klasycznych, temat heroizmu wśród romantyków interpretowany jest nie w sposób uniwersalny, ale w zdecydowanie patriotycznym narodowym odbiciu.
Dla sztuki muzycznej nowej epoki zainteresowanie kulturą narodową miało konsekwencje o ogromnym znaczeniu.
Wiek XIX charakteryzuje się rozkwitem narodowych szkół muzycznych opartych na tradycjach sztuki ludowej. Dotyczy to nie tylko tych krajów, które już w minionych dwóch stuleciach wydały kompozytorów o światowym znaczeniu (m.in. Włochy, Francja, Austria, Niemcy). Szereg kultur narodowych (Rosja, Polska, Czechy, Norwegia i inne), które dotąd pozostawały w cieniu, pojawiło się na światowej scenie z własnymi niezależnymi szkołami narodowymi, z których wiele zaczęło odgrywać ważną i czasami wiodąca rola w rozwoju muzyki paneuropejskiej.
W czasach nowożytnych jednak oparcie się na lokalnym, "lokalnym", narodowym staje się decydującym momentem sztuki muzycznej. Na osiągnięcia paneuropejskie składa się obecnie wkład wielu różnych szkół krajowych.
W wyniku nowej ideowej treści sztuki pojawiły się nowe techniki ekspresyjne, charakterystyczne dla wszystkich różnorodnych gałęzi romantyzmu. Ta wspólność pozwala mówić o jedności metody artystycznej romantyzmu jako całości, co w równym stopniu odróżnia ją zarówno od klasycyzmu Oświecenia, jak i XIX-wiecznego realizmu krytycznego. Jest to równie charakterystyczne dla dramatów Hugo, jak i dla poezji Byrona i dla poematów symfonicznych Liszta.
Można powiedzieć, że główną cechą tej metody jest zwiększona ekspresja emocjonalna. Romantyczny artysta przekazał w swojej sztuce żywe gotowanie się namiętności, które nie mieściły się w utartych schematach oświeceniowej estetyki. Prymat uczucia nad rozumem jest aksjomatem teorii romantyzmu. W stopniu podniecenia, pasji, barwności dzieł sztuki XIX wieku przejawia się przede wszystkim oryginalność romantycznego wyrazu. Nieprzypadkowo muzyka, której ekspresyjna specyfika najpełniej odpowiadała romantycznej strukturze uczuć, została uznana przez romantyków za idealną formę sztuki.
Równie ważną cechą metody romantycznej jest fantastyczna fikcja. Świat wyimaginowany niejako wznosi artystę ponad nieatrakcyjną rzeczywistość. Według Belinsky'ego sferą romantyzmu była ta „gleba duszy i serca, z której wznoszą się wszelkie nieokreślone dążenia ku lepszemu i wzniosłości, próbujące znaleźć satysfakcję w ideałach stworzonych przez fantazję.
Na tę głęboką potrzebę romantycznych artystów znakomicie odpowiadała nowa bajecznie panteistyczna sfera obrazów, zapożyczona z folkloru, ze starożytnych średniowiecznych legend. Dla twórczości muzycznej XIX wieku miało to, jak zobaczymy później, pierwszorzędne znaczenie.
Nowe zdobycze sztuki romantycznej, które znacznie wzbogaciły ekspresję artystyczną w porównaniu ze sceną klasycystyczną, obejmują ukazywanie zjawisk w ich sprzeczności i dialektycznej jedności. Przełamując tkwiące w klasycyzmie warunkowe rozróżnienie między sferą wzniosłości i przyziemności, XIX-wieczni artyści świadomie spychali życiowe konflikty, podkreślając nie tylko ich kontrast, ale także ich wewnętrzną więź. Podobna zasada „dramaturgii antytezy” leży u podstaw wielu dzieł tego okresu. Jest to typowe dla romantycznego teatru Hugo, oper Meyerbeera, cykli instrumentalnych Schumanna, Berlioza.
Do cech charakterystycznych metody nowej sztuki XIX wieku należy zaliczyć także pociąg do konkretności figuratywnej, co podkreślane jest wytyczeniem charakterystycznych detali. Detailing jest zjawiskiem typowym w sztuce nowożytnej, nawet dla prac tych postaci, które nie były romantykami. W muzyce nurt ten przejawia się w pragnieniu maksymalnego dopracowania obrazu, znacznego zróżnicowania języka muzycznego w porównaniu ze sztuką klasycyzmu.
Formalne zaplecze artystyczne romantyzmu ukształtowało się w nurtach stylistycznych rokoka i sentymentalizmu, ale decydująca zmiana świadomości nastąpiła pod wpływem rewolucji francuskiej. Szczególnie interesująca była próba rozwiązania problemu wolności i głębokiego rozczarowania - nieudane zakończenie tej próby.
Pisarze, artyści, muzycy byli świadkami wspaniałych wydarzeń historycznych, rewolucyjnych wstrząsów, które w nierozpoznawalny sposób zmieniły życie. Wielu z nich entuzjastycznie przyjęło zmiany, podziwiało głoszenie idei Wolności, Równości i Braterstwa.
Ale z biegiem czasu zauważyli, że nowy porządek społeczny jest daleki od społeczeństwa, które zapowiadali filozofowie XVIII wieku. Czas na rozczarowanie.
W filozofii i sztuce początku stulecia brzmiały tragiczne nuty zwątpienia w możliwość przekształcenia świata na zasadach Rozumu. Próby oderwania się od rzeczywistości i jednocześnie jej zrozumienia spowodowały powstanie nowego systemu światopoglądowego - romantyzmu.
Synteza sztuk, śpiewana przez romantyków, wpłynęła na środki wyrazu muzycznego. Melodia stała się bardziej indywidualna, wrażliwa na poetykę słowa, a akompaniament przestał być neutralny i typowy w fakturze.
Harmonia została wzbogacona o niespotykane dotąd kolory, by opowiedzieć o przeżyciach romantycznego bohatera. W ten sposób romantyczne intonacje ospałości doskonale oddały zmienione harmonie, które potęgują napięcie. Romantycy uwielbiali również efekt światłocienia, kiedy dur został zastąpiony przez molowy o tej samej nazwie, akordy bocznych stopni i piękne zestawienie klawiszy. Nowe efekty znaleziono również w trybach naturalnych, zwłaszcza gdy trzeba było oddać w muzyce ludową atmosferę lub fantastyczne obrazy.
W ogóle melodia romantyków dążyła do ciągłości rozwoju, odrzucała wszelkie automatyczne powtórzenia, unikała regularności akcentów i tchnęła wyrazistością w każdy z jej motywów. A faktura stała się tak ważnym ogniwem, że jej rola jest porównywalna z melodią.
Cel: kształtowanie świadomego emocjonalnie postrzegania obrazu muzycznego na przykładzie dzieł F. Schuberta.
1. Edukacyjne:
- przedstawić twórczość kompozytora romantycznego F. Schuberta;
- pogłębić wiedzę uczniów na temat stylów muzycznych;
- zidentyfikować cechy romantyzmu.
2. Opracowanie:
- dalszy rozwój dorobku artystycznego wybitnych przedstawicieli stylu muzyczno-historycznego.
3. Edukacyjny: pielęgnowanie poczucia smaku, umiejętność słuchowego określania przynależności utworów muzycznych do stylu muzycznego.
Materiał demonstracyjny: komputer, rzutnik multimedialny, kurs praktyczny „Nauka rozumienia muzyki” z cyklu „Cyryl i Metody”.
Podczas zajęć
I. Wstęp
- Start organizacyjny
- Powtórzenie
Dziś na lekcji będziemy kontynuować naszą znajomość głównych stylów w sztuce muzycznej.
Slajd nr 1.
Styl to oryginalność tkwiąca w muzyce określonego okresu historycznego, narodowej szkole kompozytorów, twórczości poszczególnych kompozytorów i wykonawców.
Jakie są główne kierunki stylu muzyczno-historycznego, które poznaliśmy na poprzednich lekcjach (barok, rokoko, klasycyzm).
Wymień główne cechy sztuki baroku, rokoka, klasycyzmu (odpowiedzi dzieci)
II. Główną częścią
1. Przemówienie wprowadzające nauczyciela o romantyzmie.
Na początku XIX wieku w Europie narodził się romantyzm - nowy kierunek w sztuce, gloryfikujący prawdę uczuć, idealny świat stworzony przez wyobraźnię. Bardzo jaskrawo romantyzm ucieleśniony był w muzyce.
Zapisz w zeszycie pojęcie „romantyzmu”.
slajd numer 2
Romantyzm to ruch artystyczny w kulturze krajów europejskich, który powstał na przełomie XVIII i XIX wieku.
Po rewolucji we Francji w całej Europie ustanowiono reakcyjne reżimy, wszystko postępowało, rewolucyjne, każdy ruch społeczny był prześladowany. Osobie pozostało tylko jedno - wycofać się w siebie, zagłębić się w świat osobistych przeżyć.
slajd numer 3
Charakterystyczne cechy stylu muzycznego kompozytorów romantycznych: malowniczość, błyskotliwość, figuratywność, liryzm, dbałość o wewnętrzny świat duchowy człowieka. Bohaterski rewolucyjny duch Oświecenia został zastąpiony duchowością XIX wieku.
2. Słuchanie - „Muzyczna chwila” F. Schuberta.
Jaka jest melodia nastroju? (Odpowiedzi dzieci).
Wysłuchaliśmy sztuki „Muzyczna chwila” austriackiego kompozytora, największego przedstawiciela wczesnego romantyzmu Franza Schuberta
Slajd nr 4 - portret F. Schuberta (1797 - 1828)
- „Muzyczny moment” to nazwa niektórych krótkich utworów. Już sama nazwa mówi o szczególnym charakterze tworzenia muzyki – w przypływie natchnienia, w nastroju, który uchwycił kompozytora („moment”). Jego „Muzyczny moment f-moll” urzeka elegancją, swobodnym „taneczeniem”, uduchowieniem.
slajd numer 5
Franz Schubert to jeden z najsubtelniejszych autorów tekstów muzycznych w światowej kulturze, który posiadał genialny dar piosenek. W wieku 18 lat stworzył arcydzieła tekstów wokalnych: „Margarita at the Spinning Wheel”, „Pstrąg”, balladę „Forest King”. Odkrywszy teksty Mullera, opowiadające o wędrówkach, cierpieniach, nadziejach i rozczarowaniach samotnej romantycznej duszy, Schubert stworzył cykle wokalne „Piękna Młynarz” (20 piosenek do słów V. Mullera), „Winter Road” ( 24 piosenki do słów V. Mullera) . 600 piosenek przenikliwie ujawnia uczucia osoby - marzycielskiej, cierpiącej, protestującej. Napisał ponad tysiąc utworów fortepianowych i orkiestrowych. Wśród nich główne miejsce zajmują eleganckie miniatury wypełnione prostym i szczerym uczuciem. Schubert nie rozpoznał chwały życia. Słynna „Niedokończona symfonia” zabrzmiała 40 lat po jego śmierci.
3. Przesłuchanie - F. Schubert „Niedokończona Symfonia” nr 8.
Franz Schubert pisał cykle pieśni w taki sam sposób, w jaki Goya malował serie obrazów. Rezultat był jak powieść w piosenkach, opowieści o ludzkim przeznaczeniu środkami muzycznymi. Był gorącym wielbicielem poezji Goethego, Schillera, Heinego. Swoje pierwsze pieśni kompozytorskie napisał na wersach Goethego. Ponad 70 piosenek napisał Schubert do słów wielkiego niemieckiego poety.
Dziś przejdziemy do ballady „Król Lasu”.
slajd numer 6
4. Słuchanie ballady F. Schuberta „Król Lasu” i opowiadanie o niej.
Czy znasz gatunek ballad? (Odpowiedzi dzieci).
slajd numer 7
- ballada wokalna to piosenka, która rozwija się swobodnie. Fabuła ballady jest dramatyczna. Przeplata rzeczywistość i fantazję, epopeję i teksty.
Zadanie wiodące - Praca brzmi po niemiecku, określ ilość znaków.
Przesłuchanie – „Król lasu” F. Schubert
Ilu aktorów? (cztery)
Posłuchaj rosyjskiego tłumaczenia tekstu W. Żukowskiego.
Jak widać, w poezji i muzyce rysuje się wielki dramatyczny obraz. Ta piosenka to totalny dramat. Muzyka ballady przepełniona jest rozpaczą, melancholią i beznadziejnością. Podąża za tekstem tak elastycznie, że szybko galopujący jeździec z dzieckiem przyciśniętym do piersi i doganiający ich Leśny Król mignął nam przed oczami. Słyszymy podekscytowaną mowę narratora, cierpienie, prośby i przerażenie w okrzykach umierającego chłopca i przebiegle uwodzicielskie przemówienia Leśnego Króla. Tłem, „mocującym” cechy muzyczne, jest akompaniament fortepianu, przedstawiający szybki bieg konia.
5. Słuchanie „Ave Maria” F. Schuberta.
Co człowiek czuje słuchając tego utworu? (odpowiedzi dzieci)
slajd numer 8
Listening - „Ave Maria” F. Schuberta z tekstem.
To najsłynniejsze dzieło Schuberta napisane na podstawie wierszy słynnego angielskiego poety i pisarza Waltera Scotta.
slajd numer 9
W sumie Schubert napisał siedem piosenek do wierszy Waltera Scotta.
Melodia pieśni jest tak przenikliwa, tak intymna, że została wykorzystana jako modlitwa.
Słuchanie - „Ave Maria” (wykonanie instrumentalne) z rozpiętością wizualną.
Slajdy #10-17
- Zurbaran. Madonna z Dzieciątkiem. XVII wiek
- El Greco. święta Rodzina
- Rembrandta. Święta Rodzina 1645
- K.S. Pietrow - Wódkin. Matka. 1913
- Andriej Rublow. Matka Boża Włodzimierska
- Rafał. Madonna Sykstyńska
- Gerarda Davida. Maryja obejmująca ciało Chrystusa
- W. Pierow. Matka Boża i Chrystus nad morzem życia
- Lamberta Lombarda. Łaska
III. Wniosek
1. Podsumowanie lekcji
Muzyka F. Schuberta charakteryzuje się niezwykłą duchową otwartością i szczerością i zawsze trafia do serc słuchaczy. On, ze wszystkimi trudami swojego życia, pisał pogodną muzykę, która mogła uszlachetnić ludzką duszę.
2. Rozprawa wielokrotna – „Muzyczny moment” F. Schubert
3. Wykonanie wyuczonej wcześniej piosenki.
4. Praca domowa: gdybyś był artystą, jak przedstawiłbyś romantyczną osobę? „Narysuj” portret słowny.
