Sztuka ma wiele sposobów wyrażania się: w kamieniu, w kolorach, w dźwiękach, słowach i tym podobnych. Każda z jego odmian, oddziałując na różne narządy zmysłów, może wywrzeć na człowieku silne wrażenie i stworzyć takie obrazy, które będą spalone na zawsze.
Od wielu lat toczą się dyskusje o tym, która z odmian sztuki ma największą siłę wyrazu. Kto wskazuje na sztukę słowa, ktoś - na malarstwo, inni nazywają muzykę subtelną, a potem najbardziej wpływową sztuką na ludzką duszę.
Wydaje mi się, że jest to kwestia indywidualnego gustu, który, jak mówią, nie jest kwestionowany. Tylko fakt, że sztuka ma pewną tajemniczą moc i władzę nad człowiekiem, jest bezsporny. Co więcej, władza ta rozciąga się zarówno na autora, twórcę, jak i na „konsumenta” wytworów działalności twórczej.
Artysta nie może czasem spojrzeć na świat oczami zwykłego człowieka, na przykład bohatera opowiadania M. Kotsiubinskiego „Kwiat jabłoni”. Jest rozdarty między swoimi dwiema rolami: ojca pogrążonego w smutku z powodu choroby córki i artysty, który nie może nie patrzeć na wydarzenia zagłady swojego dziecka jako materiał na przyszłą historię.
Czas i słuchacz nie są w stanie powstrzymać działania sił sztuki. W „Starożytnej opowieści” Lesji Ukraińskiej można zobaczyć, jak moc pieśni, słowa piosenkarza pomagają rycerzowi zniewolić serce ukochanej. Następnie widzimy, jak słowo, najwyższe słowo pieśni, obala rycerza, który przemienił się w tyrana. A takich przykładów jest wiele.
Oczywiście nasi klasycy, wyczuwając subtelne ruchy ludzkiej duszy, chcieli nam pokazać, jak artysta może wpływać na człowieka, a nawet na cały naród. Chwała takim przykładom, możemy lepiej zrozumieć nie tylko siłę sztuki, ale także docenić kreatywność w człowieku.
Jaka jest magiczna moc sztuki? Jaką rolę odgrywa w życiu człowieka? Czy to prawda, że sztuka odzwierciedla duszę ludzi? Na te i inne pytania próbuje odpowiedzieć pisarz W. Konetsky, autor tekstu proponowanego do analizy. Na przykład, zastanawiając się nad oryginalnością malarstwa rosyjskiego, zwraca uwagę na twórczość takich artystów jak Sawrasow, Lewitan, Sierow, Korowin, Kustodiew. „W tych imionach kryje się nie tylko wieczna radość życia w sztuce. Ukryta jest rosyjska radość, z całą jej czułością, skromnością i głębią. A jak prosta jest rosyjska piosenka, tak prosty jest obraz” – zauważa autorka. Podkreśla, że twórczość tych artystów odzwierciedla postawę naszego ludu, umiejętność cieszenia się pięknem rodzimej natury, umiejętność doceniania jej prostoty i bezpretensjonalności, odnajdywania harmonii tam, gdzie inni jej nie odczuwają.
Sztuka dla człowieka jest także swego rodzaju kołem ratunkowym, ponieważ jest nie tylko środkiem do wyrażania siebie, ale także siłą, która łączy nas z historią i kulturą naszego ojczystego kraju, nie pozwala zapomnieć o jego przestrzeniach, przypomina wszyscy w kółko, jak piękna jest Rosja. W. Konetsky uważa tę właściwość prawdziwej sztuki za bardzo ważną, ponieważ pomaga ludziom urzeczywistniać swoje zaangażowanie w ich historię, swój lud, swoją Ojczyznę: „W naszej epoce artyści tym bardziej nie powinni zapominać o jednej prostej funkcji sztuki - obudzić i oświetlić w współplemieńcu poczucie ojczyzny ”.
Dzieła malarstwa, literatury, muzyki również pełnią bardzo ważną rolę, której nie można pominąć. Podsumowując, pisarz wyraża pewność siebie: „Sztuka jest sztuką, gdy wywołuje w człowieku uczucie szczęścia, choć ulotne”.
Zgadzam się z autorskim punktem widzenia: prawdziwa sztuka zawsze znajdzie sposób, by dotknąć struny naszej duszy, dotrzeć nawet do najbardziej zatwardziałego serca. Jest w stanie podnieść z kolan osobę, która straciła nadzieję, a nawet uratować mu życie.
W ten sposób sztuka wskrzesiła pragnienie życia w bohaterze epickiej powieści Lwa Tołstoja Wojna i pokój. Nikołaj Rostow, przegrywając dużą kwotę z Dołochowem w kartach, po prostu nie widział wyjścia z tej sytuacji. Trzeba spłacić dług z karty, ale młody oficer nie miał tak ogromnych pieniędzy. W tej sytuacji miał być może jedyną opcję rozwoju wydarzeń - samobójstwo. Od ponurych myśli bohatera powieści oderwał się głos siostry. Natasza uczyła się nowej arii. W tym momencie Nikołaj, oczarowany muzyką, oczarowany pięknem głosu Nataszy, zapomniał o problemach, które jeszcze przed chwilą wydawały mu się nie do rozwiązania. Słuchał śpiewu i martwił się tylko o to, czy dziewczyna uderzy w górną nutę. Jej delikatny głos, urok magicznej melodii przywrócił Mikołajowi życie: bohaterka uświadomiła sobie, że oprócz przeciwności losu i smutku, na świecie jest piękno i szczęście, i warto dla nich żyć. To właśnie robi prawdziwa sztuka!
Uratował także Jonesy, bohaterkę opowiadania O'Henry'ego „Ostatni liść”. Dziewczyna, która zachorowała na zapalenie płuc, całkowicie straciła nadzieję na wyzdrowienie. Obserwując bluszcz spadający za oknem, postanawia, że umrze, gdy z jego gałęzi spadnie ostatni liść. Stary sąsiad artysty Berman, dowiedziawszy się o swoich zamiarach od przyjaciela bohaterki, postanawia oszukać los. Nocą, podczas zimnego jesiennego deszczu i silnego wiatru, tworzy swój główny obraz, prawdziwe arcydzieło: maluje listek bluszczu na ceglanej ścianie domu naprzeciwko. Rano Jonesy widzi dzielny ostatni liść, który przez całą noc dzielnie walczy z burzą. Dziewczyna postanawia też zebrać się w sobie i uwierzyć w życie. Odzyskuje dzięki sile miłości, jaką stary artysta włożył w swoją pracę, czyli dzięki sztuce. To właśnie daje jej możliwość życia, wiary w siebie i bycia szczęśliwym.
Dlatego sztuka odgrywa w naszym życiu zasadniczą rolę. Daje możliwość wyrażenia swoich uczuć i myśli, jednoczy różne osoby, pomaga żyć.
Dzieło sztuki może przykuć uwagę widza, czytelnika, słuchacza na dwa sposoby. Jeden określa pytanie "co", drugi - pytanie "jak".
„Co” to przedmiot, który jest przedstawiony w dziele, zjawisko, wydarzenie, temat, materiał, czyli to, co nazywamy treścią dzieła. Jeśli chodzi o rzeczy, które interesują człowieka, w naturalny sposób rodzi się w nim pragnienie zagłębienia się w znaczenie tego, co zostało powiedziane. Jednak dzieło bogate w treść niekoniecznie musi być dziełem sztuki. Prace filozoficzne, naukowe, społeczno-polityczne mogą być nie mniej interesujące niż dzieła artystyczne. Ale ich zadaniem nie jest tworzenie obrazów artystycznych (choć czasami mogą się do nich odwoływać). Jeśli dzieło sztuki interesuje człowieka wyłącznie swoją treścią, to w tym przypadku jego (dzieła) walory artystyczne schodzą na dalszy plan. Wtedy nawet nieartystyczne przedstawienie tego, co jest ważne dla człowieka, może głęboko zranić jego uczucia. Z niewymagającym gustem osoba może być z tego całkiem zadowolona. Żywe zainteresowanie opisywanymi wydarzeniami pozwala miłośnikom kryminałów czy powieści erotycznych na emocjonalne przeżycie tych wydarzeń w wyobraźni, bez względu na niezdarność ich opisu, stereotypowość czy nędzność środków artystycznych użytych w dziele.
Co prawda, w tym przypadku obrazy artystyczne również okazują się prymitywne, standardowe, słabo pobudzające samodzielną myśl widza czy czytelnika i wywołujące w nim jedynie mniej lub bardziej stereotypowe kompleksy emocji.
Inną drogą związaną z pytaniem „jak” jest forma dzieła sztuki, czyli sposoby i środki organizowania i prezentowania treści. W tym tkwi „magiczna moc sztuki”, która przetwarza, przekształca i przedstawia treść dzieła w taki sposób, by ucieleśniała ją w artystycznych obrazach. Sam materiał lub temat dzieła nie może być ani artystyczny, ani nieartystyczny. Obraz artystyczny składa się z materiału, który stanowi treść dzieła sztuki, ale powstaje tylko dzięki formie, w jaką ten materiał jest ubrany.
Rozważ charakterystyczne cechy obrazu artystycznego.
Najważniejszą cechą obrazu artystycznego jest to, że wyraża on emocjonalny i wartościowy stosunek do przedmiotu. Wiedza o przedmiocie służy w nim jedynie jako tło, na którym wyłaniają się doświadczenia związane z tym przedmiotem.
I. Ehrenburg w książce „Ludzie, lata, życie” opowiada o swojej rozmowie z francuskim malarzem Matisse. Matisse poprosił Lydię, swoją asystentkę, o przyniesienie rzeźby słonia. Widziałem - pisze Ehrenburg - rzeźbę murzyńską, bardzo wyrazistą - rzeźbiarz wyrzeźbił z drewna gniewnego słonia. „Podoba ci się?" zapytał Matisse. Odpowiedziałem: „Bardzo". - „I nic ci nie przeszkadza?” - „Nie”. - "Ja też. Ale wtedy przyszedł Europejczyk, misjonarz i zaczął nauczać Murzyna: „Dlaczego wznoszą się kły słonia? Słoń może podnieść trąbę, a kły to zęby, nie ruszają się. ""Murzyn posłuchał..." Matisse zawołał ponownie: "Lydio, proszę przynieś innego słonia." Śmiejąc się przebiegle, pokazał mi figurkę podobną do tej sprzedawanej w domach towarowych w Europie: „Kły są na miejscu, ale sztuka się skończyła.” Afrykański rzeźbiarz zgrzeszył oczywiście przeciwko prawdzie: przedstawił słonia nie tak naprawdę jest. Ale gdyby wykonał anatomicznie dokładną, rzeźbiarską kopię zwierzęcia, jest mało prawdopodobne, aby osoba badająca zwierzę była w stanie przeżyć, doświadczyć, „odczuć” wrażenie widoku wściekłego słonia. najbardziej groźne części jego ciała, wydają się gotowe spaść na ofiarę. Przesuwając je z ich normalnej normalnej pozycji, rzeźbiarz tworzy emocjonalne napięcie w widzu, co jest znakiem, że artystyczny obraz wywołuje reakcję w jego dusza.
Z rozważanego przykładu widać, że obraz artystyczny nie jest tylko obrazem w wyniku odbicia obiektów zewnętrznych, które powstaje w psychice. Jej celem nie jest odzwierciedlenie rzeczywistości takiej, jaka jest, ale wywołanie w duszy ludzkiej doświadczeń związanych z jej postrzeganiem. Widzowi nie zawsze jest łatwo wyrazić słowami to, czego doświadcza. Patrząc na afrykańską figurkę, może to być wrażenie siły, wściekłości i wściekłości słonia, poczucie zagrożenia itp. Różni ludzie mogą postrzegać i doświadczać tego samego na różne sposoby. Wiele zależy tu od subiektywnych cech jednostki, od jej charakteru, poglądów, wartości. Ale w każdym razie dzieło sztuki może wywołać uczucia w człowieku tylko wtedy, gdy zawiera jego wyobraźnię w dziele. Artysta nie może sprawić, by człowiek doświadczył pewnych uczuć po prostu je nazywając. Jeśli po prostu informuje nas, że takie a takie uczucia i nastroje powinny się w nas pojawić, a nawet szczegółowo je opisuje, to jest mało prawdopodobne, abyśmy je mieli. Podnieca doświadczenia, modelując przyczyny, które je zrodziły, za pomocą języka artystycznego, czyli opatrując te przyczyny w swego rodzaju artystyczną formę. Wizerunek artystyczny jest wzorem przyczyny wywołującej emocje. Jeśli model przyczyny „działa”, czyli obraz artystyczny jest postrzegany, odtworzony w ludzkiej wyobraźni, to pojawiają się konsekwencje tej przyczyny - wywołane „sztucznie” emocje. I wtedy dokonuje się cud sztuki – jej magiczna moc oczarowuje człowieka i przenosi go do innego życia, do świata stworzonego dla niego przez poetę, rzeźbiarza, śpiewaka. „Michelangelo i Szekspir, Goya i Balzac, Rodin i Dostojewski stworzyli modele zmysłowych przyczyn, które są prawie bardziej zdumiewające niż te, które przedstawia nam życie. Dlatego nazywa się ich wielkimi mistrzami.
Obraz artystyczny to „złoty klucz”, który uruchamia mechanizm doświadczenia. Odtwarzając siłą swojej wyobraźni to, co jest przedstawione w dziele sztuki, widz, czytelnik, słuchacz staje się w mniejszym lub większym stopniu „współautorem” zawartego w nim obrazu artystycznego.
W sztuce „obiektywnej” (pięknej) – malarstwie, rzeźbie, przedstawieniu dramatycznym, filmie, powieści lub opowiadaniu itp. – obraz artystyczny budowany jest na podstawie obrazu, opisu pewnych zjawisk, które istnieją (lub są przedstawiane jako istniejące). ) w świecie rzeczywistym . Emocje wywoływane w ten artystyczny sposób są dwojakie. Z jednej strony odnoszą się do treści obrazu artystycznego i wyrażają ocenę przez człowieka tych rzeczywistości (przedmiotów, przedmiotów, zjawisk rzeczywistości), które znajdują odzwierciedlenie w obrazie. Z drugiej strony odnoszą się do formy, w jakiej ucieleśnia się treść obrazu, i wyrażają ocenę walorów artystycznych dzieła. Emocje pierwszego rodzaju to „sztucznie” wywołane uczucia, które odtwarzają doświadczenia rzeczywistych wydarzeń i zjawisk. Emocje drugiego rodzaju nazywane są estetycznymi. Wiążą się z zaspokojeniem potrzeb estetycznych człowieka - potrzebą takich wartości jak piękno, harmonia, proporcjonalność. Postawa estetyczna to „emocjonalna ocena tego, jak dana treść jest zorganizowana, zbudowana, wyrażona, ucieleśniona przez formę, a nie sama treść”.
Obraz artystyczny w istocie jest nie tyle odzwierciedleniem zjawisk rzeczywistości, ile wyrazem ich ludzkiej percepcji, przeżyć z nimi związanych, stosunku emocjonalnego i wartościowego do nich.
Ale po co ludziom sztucznie wywoływane emocje, które rodzą się w procesie postrzegania obrazów artystycznych? Czy nie mają wystarczająco dużo doświadczeń związanych z ich prawdziwym życiem? Do pewnego stopnia to prawda. Monotonne, monotonne życie może powodować „głód emocjonalny”. I wtedy osoba odczuwa potrzebę dodatkowych źródeł emocji. Ta potrzeba skłania ich do poszukiwania „dreszczyków” w grze, w świadomym pogoni za ryzykiem, w dobrowolnym tworzeniu niebezpiecznych sytuacji.
Sztuka daje ludziom możliwość „dodatkowego życia” w wyimaginowanych światach artystycznych obrazów.
„Sztuka „przeniosła” osobowość w przeszłość i przyszłość, „przeniosła” ją do innych krajów, pozwoliła człowiekowi „reinkarnować” w inny, stać się na chwilę Spartakusem i Cezarem, Romeem i Makbetem, Chrystusem i Demonem, a nawet Białym Kieł i Brzydkie Kaczątko; zmienił dorosłego w dziecko i starca, pozwolił każdemu poczuć i poznać to, czego nigdy nie mógł pojąć i przeżyć w swoim prawdziwym życiu.
Emocje, które wywołują w człowieku dzieła sztuki, nie tylko sprawiają, że jego postrzeganie obrazów artystycznych jest głębsze i bardziej ekscytujące. Jak pokazał V.M. Allahverdov, emocje to sygnały, które przechodzą z obszaru nieświadomości do sfery świadomości. Sygnalizują, czy otrzymane informacje wzmacniają „model świata”, który wykształcił się w głębi podświadomości, czy wręcz przeciwnie, obnażają jego niekompletność, niedokładność i niespójność. „Przenosząc” się w świat obrazów artystycznych i doświadczając w nim „dodatkowych żyć” człowiek otrzymuje szerokie możliwości weryfikacji i dopracowania „modelu świata”, który wykształcił się w jego głowie na podstawie wąskich osobistych doświadczeń. Sygnały emocjonalne przebijają się przez „pas ochronny” świadomości i skłaniają osobę do uświadomienia sobie i zmiany dotychczasowych niezrealizowanych postaw.
Dlatego emocje wywoływane przez sztukę odgrywają ważną rolę w życiu ludzi. Emocjonalne przeżycia „dodatkowych żyć” prowadzą do poszerzenia kulturowego spojrzenia jednostki, wzbogacenia jej doświadczenia duchowego i udoskonalenia jej „modelu świata”.
Nierzadko słyszy się, jak ludzie, patrząc na obraz, podziwiają jego podobieństwo do rzeczywistości („Jabłko jest jak prawdziwe!”; „Staje na portrecie jak żywy!”). Powszechna jest opinia, że sztuka – przynajmniej „obiektywna” – polega na umiejętności osiągnięcia podobieństwa między obrazem a przedstawianym. Już w starożytności opinia ta stanowiła podstawę „teorii naśladownictwa” (po grecku mimesis), według której sztuka jest imitacją rzeczywistości. Z tego punktu widzenia ideałem estetycznym powinno być maksymalne podobieństwo obrazu artystycznego do obiektu. W starożytnej greckiej legendzie publiczność zachwycała się artystą, który tak podobnie namalował krzak z jagodami, że ptaki tłoczyły się na nich, by je ucztować. A dwa i pół tysiąca lat później, Rodin był podejrzewany o osiągnięcie niesamowitej wiarygodności poprzez oklejenie gipsem nagiego mężczyzny, zrobienie jego kopii i przekazanie jej jako rzeźby.
Ale obraz artystyczny, jak widać z tego, co zostało powiedziane powyżej, nie może być po prostu kopią rzeczywistości. Oczywiście pisarz czy artysta, który chce zobrazować jakiekolwiek zjawiska rzeczywistości, musi to zrobić w taki sposób, aby czytelnicy i widzowie mogli je przynajmniej rozpoznać. Ale podobieństwo do przedstawionego w żadnym wypadku nie jest główną zaletą obrazu artystycznego.
Goethe powiedział kiedyś, że jeśli artysta rysuje pudla w bardzo podobny sposób, to można się cieszyć z pojawienia się innego psa, ale nie dzieła sztuki. A Gorky o jednym ze swoich portretów, który wyróżniał się fotograficzną dokładnością, ujął to w ten sposób: „To nie jest mój portret. To jest portret mojej skóry”. Fotografie, odlewy dłoni i twarzy, figury woskowe mają jak najdokładniej odwzorowywać oryginały.
Jednak dokładność nie czyni z nich dzieł sztuki. Co więcej, emocjonalny i wartościowy charakter obrazu artystycznego, jak już pokazano, implikuje odwrót od beznamiętnej obiektywności w obrazowaniu rzeczywistości.
Obrazy artystyczne są mentalnymi modelami zjawisk, a podobieństwo modelu do reprodukowanego obiektu jest zawsze względne: każdy model musi różnić się od oryginału, inaczej byłby to tylko drugi oryginał, a nie model. "Artystyczne eksplorowanie rzeczywistości nie pretenduje do bycia samą rzeczywistością - to odróżnia sztukę od iluzjonistycznych sztuczek mających na celu oszukanie wzroku i słuchu."
Postrzegając dzieło sztuki, niejako „w nawiasie widzimy, że obraz artystyczny, który niesie, nie pokrywa się z oryginałem. Przyjmujemy obraz tak, jakby był ucieleśnieniem rzeczywistego obiektu, „układamy” go, by zignorować jego „fałszywy charakter”. Taka jest konwencja artystyczna.
Konwencja artystyczna jest świadomie przyjętym założeniem, zgodnie z którym „fałszywa”, wytworzona przez sztukę przyczyna przeżyć staje się zdolna do wywoływania doświadczeń odczuwanych „tak jak prawdziwe”, choć mamy świadomość, że mają one sztuczne pochodzenie. „Wyleję łzy nad fikcję” – tak Puszkin wyraził efekt konwencji artystycznej.
Kiedy dzieło sztuki budzi w człowieku jakieś emocje, nie tylko je przeżywa, ale także rozumie ich sztuczne pochodzenie. Zrozumienie ich sztucznego pochodzenia przyczynia się do tego, że znajdują w myślach odprężenie. To pozwoliło L.S. Wygotski mówi: „Emocje sztuki są inteligentnymi emocjami”. Połączenie ze zrozumieniem i refleksją odróżnia emocje artystyczne od emocji wywołanych przez okoliczności z życia codziennego.
V. Nabokov w swoich wykładach o literaturze mówi: „W rzeczywistości cała literatura jest fikcją. Każda sztuka to oszustwo... Świat każdego wielkiego pisarza to świat fantazji z własną logiką, własnymi konwencjami...” . Artysta nas oszukuje, a my chętnie oszukujemy. Według francuskiego filozofa i pisarza J.-P. Sartre poeta kłamie, aby powiedzieć prawdę, czyli wzbudzić szczere, prawdziwe doświadczenie. Wybitny reżyser A. Tairow powiedział żartobliwie, że teatr jest kłamstwem wbudowanym w system: „Bilet, który kupuje widz, to symboliczna umowa o oszustwo: teatr zobowiązuje się oszukać widza; widz, naprawdę dobry widz, zobowiązuje się ulec oszustwom i dać się zwieść... Ale oszustwo sztuki - staje się prawdą dzięki autentyczności ludzkich uczuć.
Istnieją różne rodzaje konwencji artystycznych, w tym:
„oznaczające” – oddziela dzieło sztuki od otoczenia. Temu zadaniu służą warunki, które określają obszar percepcji artystycznej - scena teatru, cokół rzeźby, rama obrazu;
„kompensujące” – wprowadza w kontekst obrazu artystycznego ideę jego elementów, które nie są przedstawione w dziele sztuki. Ponieważ obraz nie pasuje do oryginału, jego percepcja zawsze wymaga domysłów w wyobraźni, czego artysta nie mógł pokazać lub celowo przemilczać.
Taka jest na przykład konwencja czasoprzestrzenna w malarstwie. Percepcja obrazu zakłada, że widz reprezentuje mentalnie trzeci wymiar, który warunkowo wyraża perspektywę na płaszczyźnie, wciąga w umysł drzewo odcięte granicą płótna, wprowadza w statyczny obraz upływ czasu i, odpowiednio tymczasowe zmiany, które są przekazywane na obrazie za pomocą niektórych funduszy warunkowych;
„akcentujące” – podkreśla, uwydatnia, wyolbrzymia istotne emocjonalnie elementy obrazu artystycznego.
Malarze często osiągają to poprzez wyolbrzymianie rozmiarów obiektu. Modigliani maluje kobiety z nienaturalnie dużymi oczami, które wystają poza twarz. Na obrazie Surikowa „Mienszykow w Bieriezowie” niewiarygodnie ogromna postać Mienszykowa sprawia wrażenie skali i siły tej postaci, która była „prawą ręką” Piotra;
„uzupełnianie” - powiększanie zestawu środków symbolicznych języka artystycznego. Ten rodzaj umowności jest szczególnie istotny w sztuce „nieobiektywnej”, gdzie obraz artystyczny powstaje bez odwoływania się do obrazu jakichkolwiek przedmiotów. Nieobrazowe środki znakowe bywają niewystarczające do zbudowania artystycznego wizerunku, a „uzupełnianie” umowności poszerza ich zasięg.
Tak więc w balecie klasycznym ruchy i postawy, naturalnie związane z przeżyciami emocjonalnymi, uzupełniane są warunkowymi symbolicznymi środkami wyrażania pewnych uczuć i stanów. W tego rodzaju muzyce dodatkowym środkiem są np. rytmy i melodie, które nadają narodowy posmak lub przypominają o wydarzeniach historycznych.
Symbol to szczególny rodzaj znaku. Użycie dowolnego znaku jako symbolu pozwala nam, poprzez obraz konkretnej, pojedynczej rzeczy (wygląd zewnętrzny symbolu), przekazać myśli o charakterze ogólnym i abstrakcyjnym (głębokie znaczenie symbolu).
Zwracanie się do symboli otwiera przed sztuką szerokie możliwości. Za ich pomocą dzieło sztuki może zostać wypełnione treściami ideologicznymi, które wykraczają daleko poza ramy tych konkretnych sytuacji i wydarzeń, które są w nim bezpośrednio ukazane. Dlatego sztuka jako drugorzędny system modelowania szeroko posługuje się różnorodną symboliką. W językach sztuki środki migowe są używane nie tylko w ich bezpośrednim znaczeniu, ale także w celu „kodowania” głębokich, „wtórnych” znaczeń symbolicznych.
Z semiotycznego punktu widzenia obraz artystyczny to tekst, który niesie ze sobą estetycznie zaprojektowane, bogate emocjonalnie informacje. Poprzez użycie języka symbolicznego informacje te są prezentowane na dwóch poziomach. Na pierwszym wyraża się bezpośrednio w zmysłowo odbieranej „tkaninie” obrazu artystycznego – w postaci konkretnych osób, działań, przedmiotów eksponowanych przez ten obraz. Po drugie, trzeba ją uzyskać poprzez wniknięcie w symboliczne znaczenie obrazu artystycznego, poprzez mentalną interpretację jego ideologicznej treści. Dlatego obraz artystyczny niesie nie tylko emocje, ale także myśli. O emocjonalnym wpływie obrazu artystycznego decyduje wrażenie, że zarówno informacja, którą otrzymujemy na poziomie pierwszym, poprzez percepcję opisu konkretnych zjawisk nam bezpośrednio przekazanych, jak i ta, którą przechwytujemy na poziomie drugim poprzez interpretację symboliki obrazu, mają na nas. Oczywiście zrozumienie symboliki wymaga dodatkowego wysiłku intelektualnego. Ale z drugiej strony znacznie potęguje to emocjonalne wrażenia, jakie wywierają na nas artystyczne obrazy.
Symboliczna treść obrazów artystycznych może mieć bardzo różny charakter. Ale do pewnego stopnia zawsze jest obecny. Dlatego obraz artystyczny nie ogranicza się do tego, co jest w nim przedstawione. Zawsze „opowiada” nam nie tylko o tym, ale także o czymś innym, co wykracza poza konkretny, widzialny i słyszalny obiekt, który reprezentuje.
W rosyjskiej bajce Baba Jaga to nie tylko brzydka stara kobieta, ale symboliczny obraz śmierci. Bizantyjska kopuła kościoła to nie tylko architektoniczna forma dachu, ale symbol sklepienia nieba. Płaszcz Gogola Akaki Akakjewicz to nie tylko ubranie, ale symboliczny obraz daremności marzeń biednego człowieka o lepszym życiu.
Symbolika obrazu artystycznego może opierać się po pierwsze na prawach ludzkiej psychiki.
Tak więc postrzeganie koloru przez ludzi ma charakter emocjonalny, związany z warunkami, w jakich zwykle obserwuje się ten inny kolor w praktyce. Kolor czerwony - kolor krwi, ognia, dojrzałych owoców - wzbudza poczucie zagrożenia, aktywności, erotycznego pociągu, pragnienia życiowych błogosławieństw. Zielony - kolor trawy, liści - symbolizuje wzrost witalności, ochronę, niezawodność, spokój ducha. Czerń odbierana jest jako brak jasnych kolorów życia, przypomina ciemność, tajemnicę, cierpienie, śmierć. Ciemny karmazyn – mieszanka czerni i czerwieni – wywołuje ciężki, ponury nastrój.
Badacze percepcji kolorów, przy pewnych różnicach w interpretacji poszczególnych kolorów, na ogół dochodzą do podobnych wniosków na temat ich psychologicznego wpływu. Według Freelinga i Auera kolory charakteryzują się następująco.
Po drugie, obraz artystyczny można budować na symbolice historycznie rozwiniętej w kulturze.
Na przestrzeni dziejów okazało się, że kolor zielony stał się kolorem sztandaru islamu, a artyści europejscy, przedstawiając zielonkawą mgiełkę za przeciwstawiającymi się krzyżowcom Saracenów, symbolicznie wskazują na leżący w oddali świat muzułmański. W malarstwie chińskim zieleń symbolizuje wiosnę, a w tradycji chrześcijańskiej bywa symbolem głupoty i grzeszności (szwedzki mistyk Swedenberg mówi, że głupcy w piekle mają zielone oczy; na jednym z witraży katedry w Chartres, zielonoskóry i zielonooki Szatan jest przedstawiony).
Inny przykład. Piszemy od lewej do prawej, a ruch w tym kierunku wydaje się normalny. Kiedy Surikov przedstawia szlachciankę Morozową na saniach jadących od prawej do lewej, jej ruch w tym kierunku symbolizuje protest przeciwko przyjętym postawom społecznym. Jednak na mapie po lewej jest Zachód, po prawej Wschód. Dlatego w filmach o Wojnie Ojczyźnianej wróg zwykle atakuje z lewej strony, a wojska sowieckie z prawej.
Po trzecie, tworząc obraz artystyczny, autor może nadać mu symboliczne znaczenie oparte na własnych skojarzeniach, które czasami niespodziewanie oświetlają znane nam rzeczy z nowej perspektywy.
Opis styku przewodów elektrycznych zamienia się tu w filozoficzną refleksję nad syntezą (nie tylko „przeplataniem”!) przeciwieństw, nad martwym współistnieniem (jak to się dzieje w życiu rodzinnym bez miłości) i błyskiem życia w momencie śmierć. Obrazy artystyczne zrodzone ze sztuki stają się często powszechnie akceptowanymi symbolami kulturowymi, swoistymi standardami oceny zjawisk rzeczywistości. Tytuł książki Gogola Dead Souls jest symboliczny. Maniłow i Sobakiewicz, Plyushkin i Korobochka to „martwe dusze”. Symbolami stały się Tatiana Puszkina, Czatskij Gribojedowa, Famusow, Mołczalin, Obłomow i oblomowizm Gonczarowskiego, Jududuszka Gołowlew Sałtykowa-Szczedrina, Iwan Denisowicz Sołżenicyna i wielu innych literackich bohaterów. Bez znajomości symboli, które weszły do kultury ze sztuki przeszłości, często trudno jest zrozumieć treść współczesnych dzieł sztuki. Sztuka jest na wskroś przesiąknięta skojarzeniami historycznymi i kulturowymi, a dla tych, którzy ich nie dostrzegają, symbolika obrazów artystycznych jest często niedostępna.
Symbolika obrazu artystycznego może być tworzona i uchwycona zarówno na poziomie świadomości, jak i podświadomie, „intuicyjnie”. Jednak w każdym przypadku należy to zrozumieć. A to oznacza, że percepcja obrazu artystycznego nie ogranicza się do przeżycia emocjonalnego, ale również wymaga zrozumienia, refleksji. Co więcej, włączenie intelektu w dzieło podczas percepcji obrazu artystycznego wzmacnia i rozszerza efekt tkwiącego w nim ładunku emocjonalnego. Emocje artystyczne, których doświadcza osoba rozumiejąca sztukę, to emocje organicznie związane z myśleniem. Tutaj, w jeszcze innym aspekcie, teza Wygotskiego jest uzasadniona: „emocje sztuki są emocjami inteligentnymi”.
Należy też dodać, że w utworach literackich treść ideowa wyraża się nie tylko w symbolice obrazów artystycznych, ale także bezpośrednio w ustach bohaterów, w komentarzach autora, czasem dochodząc do całych rozdziałów z refleksjami naukowymi i filozoficznymi (Tołstoj w Wojnie i pokoju, T. Mann w „Czarodziejskiej górze”). Wskazuje to dalej, że percepcji artystycznej nie można sprowadzić wyłącznie do oddziaływania na sferę emocji. Sztuka wymaga zarówno od twórców, jak i odbiorców ich twórczości nie tylko emocjonalnych przeżyć, ale także wysiłku intelektualnego.
Każdy znak, ponieważ jego znaczenie może być dowolnie nadane przez osobę, może być nośnikiem różnych znaczeń. Dotyczy to również znaków słownych - słów. Jak pokazał V.M. Allahverdov, „nie można wymienić wszystkich możliwych znaczeń słowa, ponieważ znaczenie tego słowa, jak każdego innego znaku, może być dowolne. Wybór znaczenia zależy od świadomości postrzegającej to słowo. Ale „arbitralność relacji znak-wartość nie oznacza nieprzewidywalności. Znaczenie, raz nadane danemu znakowi, musi być stale nadane temu znakowi, jeśli zachowany jest kontekst jego pojawienia się. Tak więc kontekst, w jakim jest używany, pomaga nam zrozumieć, co oznacza znak.
Kiedy staramy się przekazać komuś wiedzę na dany temat, staramy się, aby treść naszego przekazu była jednoznaczna. W nauce wprowadza się w tym celu ścisłe zasady, które określają znaczenie używanych pojęć i warunki ich stosowania. Kontekst nie pozwala na wyjście poza te zasady. Rozumie się, że wniosek opiera się tylko na logice, a nie na emocjach. Wszelkie strony, nieokreślone definicje, odcienie znaczeniowe są wyłączone z rozważania. Podręcznik do geometrii czy chemii powinien przedstawiać fakty, hipotezy i wnioski w taki sposób, aby wszyscy studenci, którzy go studiują, w sposób jednoznaczny iw pełnej zgodzie z intencją autora dostrzegli jego treść. W przeciwnym razie mamy zły podręcznik. Inaczej sytuacja wygląda w art. Tutaj, jak już wspomniano, głównym zadaniem nie jest przekazywanie informacji o jakichś przedmiotach, ale wpływanie na uczucia, wzbudzanie emocji, dlatego artysta poszukuje skutecznych w tym zakresie środków znakowych. Bawi się tymi środkami, łącząc te nieuchwytne, skojarzeniowe odcienie ich znaczenia, które pozostają poza ścisłymi logicznymi definicjami i których nie można użyć w kontekście naukowego dowodu. Aby obraz artystyczny robił wrażenie, wzbudzał zainteresowanie, budził przeżycie, buduje się go za pomocą niestandardowych opisów, nieoczekiwanych porównań, wyrazistych metafor i alegorii.
Ale ludzie są różni. Mają różne doświadczenia życiowe, różne zdolności, gusta, pragnienia, nastroje. Pisarz, wybierając wyraziste środki do stworzenia obrazu artystycznego, wychodzi od swoich pomysłów na siłę i charakter ich wpływu na czytelnika. Wykorzystuje je i ocenia w świetle swoich poglądów w określonym kontekście kulturowym. Kontekst ten wiąże się z epoką, w której pisarz żyje z problemami społecznymi, które dotyczą ludzi w tej epoce, z orientacją zainteresowań i poziomem wykształcenia społeczeństwa, do którego zwraca się autor. A czytelnik postrzega te środki w swoim kontekście kulturowym. Różni czytelnicy, opierając się na swoim kontekście i po prostu na podstawie swoich indywidualnych cech, mogą na swój sposób zobaczyć wykreowany przez pisarza obraz.
Obecnie ludzie podziwiają rzeźby naskalne zwierząt wykonane rękami bezimiennych artystów epoki kamienia, ale patrząc na nie widzą i doświadczają czegoś zupełnie innego niż to, co widzieli i przeżyli nasi dalecy przodkowie. Niewierzący może podziwiać Trójcę Rublowa, ale postrzega tę ikonę inaczej niż osoba wierząca, co nie znaczy, że jego postrzeganie ikony jest błędne.
Jeśli obraz artystyczny wywołuje w czytelniku dokładnie te doświadczenia, które autor chciał wyrazić, to on (czytelnik) dozna empatii.
Nie oznacza to, że doświadczenia i interpretacje obrazów artystycznych są całkowicie arbitralne i mogą być dowolne. Powstają przecież na podstawie obrazu, wypływają z niego, a o ich charakterze decyduje ten obraz. Jednak ta warunkowość nie jest jednoznaczna. Relacja między obrazem artystycznym a jego interpretacjami jest taka sama, jak między przyczyną a jego skutkami: jedna i ta sama przyczyna może powodować wiele konsekwencji, ale nie żadnych, a jedynie z niej wynikające.
Znane są różne interpretacje obrazów Don Juana, Hamleta, Chatsky'ego, Oblomova i wielu innych bohaterów literackich. W powieści L. Tołstoja „Anna Karenina” obrazy głównych bohaterów opisane są z niezwykłą jasnością. Tołstoj, jak nikt inny, umie przedstawić czytelnikowi swoje postacie w taki sposób, by stali się niejako jego bliskimi znajomymi. Wydawałoby się, że pojawienie się Anny Arkadyevny i jej męża Aleksieja Aleksandrowicza, ich duchowego świata, objawia się nam do głębi. Jednak czytelnicy mogą mieć do nich różne nastawienie (aw powieści ludzie traktują ich inaczej). Niektórzy aprobują zachowanie Kareniny, inni uważają je za niemoralne. Niektórzy ludzie absolutnie nie lubią Karenina, podczas gdy inni postrzegają go jako osobę niezwykle godną. Sam Tołstoj, sądząc po epigrafie powieści („Zemsta jest moja, a ja odpłacę”), wydaje się potępiać swoją bohaterkę i daje do zrozumienia, że ponosi ona sprawiedliwą karę za swój grzech. Ale jednocześnie w istocie całym podtekstem powieści wywołuje dla niej współczucie. Co jest wyższe: prawo do miłości czy obowiązek małżeński? W powieści nie ma jednej odpowiedzi. Można współczuć Annie i obwiniać jej męża lub odwrotnie. Wybór należy do czytelnika. A pole wyboru nie ogranicza się tylko do dwóch skrajnych opcji - być może do niezliczonej liczby pośrednich.
Tak więc każdy pełnoprawny obraz artystyczny jest wieloznaczny w tym sensie, że dopuszcza istnienie wielu różnych interpretacji. Są niejako potencjalnie w nim osadzone i ujawniają jego treść, gdy są postrzegane z różnych punktów widzenia i w różnych kontekstach kulturowych. Nie empatia, ale współtworzenie - to jest to, co jest niezbędne do zrozumienia znaczenia dzieła sztuki, a ponadto zrozumienia związanego z osobistym, subiektywnym, indywidualnym odbiorem i przeżywaniem obrazów artystycznych zawartych w dziele.
Pismo
Pismo
Magiczna moc sztuki
Sztuka wzbogaca nasze życie. I jeden z jej typów - literatura spotyka nas na samym początku drogi życia i pozostaje na zawsze. Książka, podobnie jak troskliwi rodzice, kształci i uczy nas. Czytając bajki w dzieciństwie, uczymy się odróżniać dobro od zła, prawdę od kłamstwa, cnotę od podłości.
Literatura uczy odczuwania, rozumienia, empatii. W końcu każda książka każe nam zastanowić się, co autor chciał przekazać swoją pracą. Jaką myśl włożył w swoje dzieło? Poznając nowych bohaterów, rozumiejąc ich uczucia i myśli, zaczynamy lepiej rozumieć otaczających nas ludzi, a co najważniejsze nas samych. Nie bez powodu wiele wielkich postaci kultury i nauki w chwilach emocjonalnego podniecenia wzięło w swoje ręce fikcję. Odnaleźli w niej spokój i zadowolenie. Książki mogą pomóc, znaleźć właściwą drogę w życiu, której szukanie często się mylimy.
Ale to nie wszystkie zalety literatury. Dzięki niej dowiedzieliśmy się wielu potrzebnych i przydatnych informacji. Na przykład zachowało się bardzo niewiele źródeł o kampanii księcia Igora, a dzieło literackie „Opowieść o kampanii Igora” rzuciło światło na wiele nieznanych faktów.
Opisując życie i obyczaje swoich czasów, pisarz pomaga nam stworzyć obraz czasu.
Książka może nawet wpłynąć na przebieg prawdziwego życia czytelnika. Na przykład po przeczytaniu opowiadania Szołochowa „Los człowieka” wielu ludzi, których życie było podobne do losu bohatera tego dzieła, podniosło się i znalazło siłę do życia.
Myślę, że na tym polega wielka siła sztuki literackiej.
Wiele słów poświęcono na określenie lub zilustrowanie znanej potęgi tego, co nazywamy sztuką, w naszym przypadku literaturą. Poszukują korzeni tego wpływu, zmywają techniczne szczegóły pisania (co z pewnością ważne), budują teorie, wymyślają modele, toczą walkę ze szkołami i opiniami autorytetów, przyzywają duchy antycznych bóstw i wołają o pomoc nowi eksperci... Ale jak to się dzieje, pozostaje zupełnie niezrozumiałe.
Raczej jest nauka zwana krytyką literacką, jest rzeczywista teoria czytania, jest hipoteza o różnych formach psychoaktywności osoby piszącej, jak i osoby, która czyta, ale jakoś nie dochodzą one do sedna sprawy. . Wydaje mi się, że gdyby tak się stało, rozwiązanie tej zagadki, podobnie jak odkrycie fizyki jądrowej, w ciągu kilku lat zmieniłoby nasze rozumienie nas samych.
I tylko najbardziej „dziwni” z teoretyków wiedzą, że siła sztuki polega na tym, że nie przesuwa ona doświadczenia człowieka od góry do dołu, niejako je dopełnia, nie kolidując z nim, i cudownie to doświadczenie przekształca. , które wielu uważało za mało potrzebne, ale czasami całkowicie bezużyteczne śmieci, w nową wiedzę, jeśli chcesz - w mądrość.
OKNO DO MĄDROŚCI
Kiedy właśnie pomyślałem o napisaniu tej książki i powiedziałem wydawcy, o którym wiedziałem, był bardzo zaskoczony: „Dlaczego ty”, zapytał, „czy myślisz, że napisanie powieści jest jedynym wyjściem? Niech lepiej czytają książki, to o wiele prostsze. Na swój sposób miał oczywiście rację.
Czytanie jest oczywiście łatwiejsze, łatwiejsze i przyjemniejsze. Właściwie ludzie właśnie to robią - czytają, odnajdując w świecie tych Scarlett i Holmes, Froda i Conana, Brugnona i Turbina wszystkie istotne dla nich przeżycia, idee, pocieszenia i częściowe rozwiązania problemów.
Tak, przeczytaj książkę, doświadczasz tego samego, co autor. Ale tylko dziesięć razy - dwadzieścia razy słabiej!
A uznając czytanie za bardzo potężne narzędzie, spróbujmy sobie wyobrazić, co możemy osiągnąć, jeśli sami opracujemy partyturę Notorycznie „medytacji”? A potem wszystko „układamy” sami, jak powinno być w takich przypadkach? Oczywiście nie tracąc z oczu faktu, że robimy to w pełnej zgodzie z własnymi, głęboko OSOBISTYMI wyobrażeniami na temat problemu?...
Wprowadzony? Tak, ja też trudno mi sobie wyobrazić, tylko w niewielkim stopniu domyślam się, jaki wpływ na autora może mieć dobrze zorganizowana i dobrze napisana książka. Jestem powieściopisarzem, koneserem tekstów i osób, które zawodowo zajmują się książką, muszę przyznać, że nie wiem jak, dlaczego i na ile tak się dzieje. Ale fakt, że działa z oszałamiającą mocą, która czasami dramatycznie zmienia istotę autora - ręczę za to.
Oczywiście wszystko jest trochę bardziej skomplikowane niż to, co tutaj przedstawiam. Powieść do powieści nie jest konieczna, autor różni się od autora. Czasami nawet wśród pisarzy są takie „rzodkiewki”, że po prostu się zdumiewasz, ale piszą jak słowik - łatwo, dźwięcznie, przekonująco, pięknie! Chodzi chyba o to, że bez powieści byliby jeszcze gorsi, robiliby złe uczynki lub zamienialiby się w szczerze nieszczęśliwych ludzi, unieszczęśliwiając swoich bliskich i przyjaciół.
W każdym razie twierdzę, że powieść, samo pisanie tego rodzaju nieobowiązkowej monografii, służy jako środek zmiany osobowości autora, przyciągający najrzadszą właściwość zmienności psychologicznej, a raczej kreatywności metamorficznej. Bo to swego rodzaju okno na prawdę, samo w sobie otwarte. A jak użyjemy tego narzędzia, co zobaczymy w oknie, jaką mądrość będziemy mogli w rezultacie otrzymać - to, jak mówią, Bóg wie. Całe życie opiera się na tym, że każdy odpowiada tylko za siebie, prawda?
