W IVALDI (Vivaldi) Antonio (1678-1741), włoski kompozytor, skrzypek wirtuoz. Twórca gatunku solowego koncertu instrumentalnego oraz wraz z A. Corellim concerto grosso. Jego cykl „Pory roku” (1725) jest jednym z najwcześniejszych przykładów programowania w muzyce. św. 40 oper, oratorium, kantat; koncerty instrumentalne o różnych kompozycjach (465) itp.

Gry na skrzypcach uczył się u swojego ojca Giovanniego Battisty Vivaldiego, skrzypka w St. Marka; być może kompozycję u Giovanniego Legrenziego, być może studiował także u Arcangelo Corelli w Rzymie.

18 września 1693 Vivaldi został tonsurą mnicha. 18 września 1700 r. został podniesiony do stopnia diakona. 23 marca 1703 Vivaldi przyjął święcenia kapłańskie. Następnego dnia odprawił pierwszą samodzielną mszę w kościele San Giovanni in Oleo. Ze względu na nietypowy dla Wenecjan kolor włosów był nazywany czerwonym kapłanem. 1 września 1703 został przyjęty do Domu Dziecka Pieta jako maestro w klasie skrzypiec. Nakaz od hrabiny Lukrecji Trevisan odbycia 90 jutrzni wotywnej w kościele San Giovanni in Oleo. 17 sierpnia 1704 otrzymuje dodatkową nagrodę za naukę gry na altówce miłosnej. Po odbyciu połowy jutrzni wotywnej Vivaldi odmawia ze względów zdrowotnych rozkazu Lukrecji Trevisan. 1706 pierwszy publiczny występ w pałacu ambasady francuskiej. Wydanie przygotowanego przez kartografa Coronellego „Przewodnika po Wenecji”, w którym jako wirtuozów skrzypiec wymienia się ojca i syna Vivaldiego. Przeprowadzka z Piazza Bragora do nowego, większego domu w sąsiedniej parafii San Provolo.

W 1723 pierwszy wyjazd do Rzymu. 1724 - druga podróż do Rzymu na premierę opery Giustino. Audiencja u papieża Benedykta XIII. 1711 wydanie 12 koncertów "L'estro armonico" ("Inspiracja harmoniczna") op. 3.1725 op. VIII „Il Cimento dell'Armonia e dell'Invenzione. W tym cyklu „Sztuka harmonii i wynalazków” lub („Spór o harmonię z wynalazkiem”) op. 8 (ok. 1720), który już wtedy robił niezatarte wrażenie słuchaczy z jego gwałtowną pasją i innowacyjnością, teraz obejmowały cztery światowej sławy koncerty „Cztery pory roku”. Jean Jacques Rousseau, który w tym czasie pracował w ambasadzie francuskiej w Wenecji, wysoko cenił muzykę Vivaldiego i lubił wykonywać niektóre z nich cykl na jego ulubionym flecie.Szeroko znane są również koncerty Vivaldiego – „La notte” (noc), „Il cardellino” (finch) na flet i orkiestrę, koncert na dwie mandoliny RV532, wyróżniający się artystycznym przedstawieniem i harmonijną hojnością charakterystyczną dla jego dzieła, a także dzieła duchowe: „Gloria”, „Magnificat”, „Stabat Mater”, „Dixit Dominus”.

W latach 1703-1725 był nauczycielem, następnie dyrygentem orkiestry i kierownikiem koncertów, a także od 1713 kierownikiem orkiestry i chóru w sierocińcu della Pieta w Wenecji, który słynął jako jedna z najlepszych muzyki szkoły dla dziewcząt. W 1735 został ponownie na krótko kapelmistrzem.

Vivaldi jest największym przedstawicielem włoskiej sztuki skrzypcowej XVIII wieku, który zatwierdził nowy udramatyzowany, tzw. „lombardzki” styl gry. Stworzył gatunek solowego koncertu instrumentalnego, wpłynął na rozwój wirtuozowskiej techniki skrzypcowej. Mistrz koncertu zespołowego i orkiestrowego - concerto grosso (concerto grosso). Vivaldi ustalił trzyczęściową cykliczną formę dla concerto grosso, wyodrębniając wirtuozowską partię solisty.

Już za życia dał się poznać jako kompozytor, który w pięć dni potrafił stworzyć trzyaktową operę i skomponować wiele wariacji na jeden temat. Zasłynął w całej Europie jako skrzypek-wirtuoz. Chociaż życzliwy Vivaldi Goldoni po śmierci rudowłosego księdza mówił o nim w swoich pamiętnikach jako o raczej przeciętnym kompozytorze. Na długo o Vivaldim pamiętano tylko dlatego, że J.S. Bach dokonał szeregu transkrypcji dzieł swojego poprzednika, a dopiero w XX wieku podjęto się publikacji pełnego zbioru opusów instrumentalnych Vivaldiego. Koncerty instrumentalne Vivaldiego były sceną na drodze do powstania klasycznej symfonii. W Sienie powstał Instytut Włoski im. Vivaldiego (kierowany przez F. Malipiero).

W połowie maja 1740 muzyk ostatecznie opuszcza Wenecję. Przybył do Wiednia w niefortunnym czasie, właśnie zmarł cesarz Karol VI i rozpoczęła się wojna o sukcesję austriacką. Wiedeń nie był zależny od Vivaldiego. Zapomniany przez wszystkich, chory i pozbawiony środków do życia, zmarł w Wiedniu 28 lipca 1741 r. Kwartalnik lekarz odnotował śmierć „wielebnego don Antonio Vivaldiego z powodu zapalenia wewnętrznego”. Został pochowany na cmentarzu dla ubogich za skromną opłatę 19 florenów 45 krajcarów. Miesiąc później siostry Margherita i Zanetta otrzymały zawiadomienie o śmierci Antonia. 26 sierpnia komornik opisał swój majątek na spłatę długów.

Współcześni często krytykowali go za nadmierny entuzjazm dla sceny operowej, a jednocześnie pośpiech i nieczytelność. Ciekawe, że po produkcji jego opery „Wściekły Roland” przyjaciele nazywali się Vivaldi, nie kto inny jak Dirus (łac. Wściekły). Dziedzictwo operowe kompozytora (około 90 oper) nie przeszło jeszcze na własność światowej sceny operowej. Dopiero w latach 90. Furious Roland został z powodzeniem wystawiony w San Francisco.

Twórczość Vivaldiego wywarła ogromny wpływ nie tylko na współczesnych kompozytorów włoskich, ale także na muzyków innych narodowości, przede wszystkim niemieckich. Tutaj szczególnie interesujące jest prześledzenie wpływu muzyki Vivaldiego na J.S. Bacha, największego niemieckiego kompozytora I połowy XVIII wieku. W pierwszej biografii Bacha, wydanej w 1802 r., jej autor Johann Nikolaus Forkel wśród mistrzów wyróżnił nazwisko Vivaldiego, który stał się przedmiotem studiów młodego Jana Sebastiana. Wzmocnienie instrumentalno-wirtuozowskiego charakteru tematyzmu Bacha w okresie jego twórczości Köthen (1717-1723) jest bezpośrednio związane z badaniem muzyki Vivaldiego. Ale jego wpływ przejawiał się nie tylko w przyswajaniu i przetwarzaniu poszczególnych technik ekspresyjnych – był znacznie szerszy i głębszy. Bach przyjął styl Vivaldiego tak organicznie, że stał się jego własnym językiem muzycznym. Wewnętrzne pokrewieństwo z muzyką Vivaldiego jest wyczuwalne w najróżniejszych dziełach Bacha, aż po słynną Mszę słynną h-moll. Wpływ muzyki Vivaldiego na niemieckiego kompozytora był niewątpliwie ogromny. Według A. Caselli „Bach jest jego największym wielbicielem i prawdopodobnie jedynym, który mógł w tym czasie zrozumieć całą wielkość geniuszu tego muzyka”.

Kompozycje
Ponad 40 oper, w tym „Roland - wyimaginowany szalony” (Orlando fiato pozzo, 1714, teatr „Sant'Angelo”, Wenecja), „Nerone, który został Cezarem” (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid.), „Koronacja Dariusza „(L'incoronazione di Daria, 1716, jw.), „Oszustwo triumfujące w miłości” (L'inganno trionfante in amore, 1725, jw.), „Farnace” (1727, jw., później zwane także „Farnacjum, władca Pontu”), Kunegunda (1727, ibid.), Olimpias (1734, ibid.), Gryzelda (1735, Teatr San Samuele, Wenecja), Arystydes (1735, ibid. ), „Oracle in Messenia” (1738, teatr „ Sant'Angelo, Wenecja), "Ferasp" (1739, tamże); oratoria - „Mojżesz, Bóg faraona” (Moyses Deus Pharaonis, 1714), „Juditha Triumphant” (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), „Adoracja Trzech Króli” (L'Adorazione delli tre Re Magi, 1722) ) itp. ;
Autor ponad 500 koncertów, w tym:
44 koncerty na orkiestrę smyczkową i basso continuo;
49 koncertów brutto;
352 koncerty na jeden instrument z towarzyszeniem orkiestry smyczkowej i/lub basso continuo (253 na skrzypce, 26 na wiolonczelę, 6 na viol d'amore, 13 na poprzeczkę, 3 na flety podłużne, 12 na obój, 38 na fagot, 1 na mandolinę );
38 koncertów na 2 instrumenty z towarzyszeniem orkiestry smyczkowej i/lub basso continuo (25 na skrzypce, 2 na wiolonczelę, 3 na skrzypce i wiolonczelę, 2 na rogi, 1 na mandoliny);
32 koncerty na 3 lub więcej instrumentów z towarzyszeniem orkiestry smyczkowej i/lub basso continuo.

Jednym z najbardziej znanych dzieł jest cykl 4 koncertów skrzypcowych „Pory roku” – wczesny przykład programowej muzyki symfonicznej. Wkład Vivaldiego w rozwój instrumentacji jest znaczący (jako pierwszy wykorzystał oboje, rogi, fagoty i inne instrumenty jako samodzielne, a nie powielające).

Ochrona prac projektowych

Kierownik:

nauczyciel muzyki

Tematem mojego projektu jest „Koncert instrumentalny”. Postanowiłem pogłębić swoją wiedzę o cyklu Cztery pory roku Antonio Vivaldiego. Wiele dzieł literackich, obrazowych, muzycznych kojarzy się z obrazami natury. Są to wiersze Puszkina, Jesienina, Tiutczewa, obrazy Lewitana, muzyka Griega, Czajkowskiego.

Cel Moje badania mają na celu ustalenie: jak łączy się sztuka i natura, jakie uczucia wywołuje u kompozytorów i jaki jest sekret popularności muzyki Antonio Vivaldiego?

W trakcie mojej pracy rozwiązałem następujące: zadania.

Koncert instrumentalny to utwór muzyczny w wykonaniu solisty i orkiestry: wirtuozowska partia solisty przeciwstawiona jest barwnemu brzmieniu orkiestry.

W drugiej połowie XVII wieku rozwinęły się dwa rodzaje koncertów. Concerto grosso i koncert solowy.

Wybitny włoski kompozytor, niezrównany skrzypek wirtuoz, genialny dyrygent, żyjący na przełomie XVII i XVIII wieku. Był twórcą gatunku koncertów instrumentalnych. Znanych jest około 450 jego koncertów.

Styl barokowy był charakterystyczny dla epoki, w której żył i tworzył Vivaldi. Dramaturgia w muzyce, kontrast między chórem a solistą, głosy i instrumenty zadziwiły publiczność. prowadzący instrumenty barokowe byli: skrzypce, klawesyn, organy.

W kompozycjach koncertów Vivaldiego przeplatały się partie solowe i orkiestrowe. Zasada kontrastu wyznaczała trzyczęściową formę koncertu.

Zwieńczeniem twórczości Vivaldiego jest cykl „Pory roku”, powstały w 1723 roku. Połączył cztery koncerty na skrzypce solo i orkiestrę smyczkową. Każda z nich ma trzy części przedstawiające trzy miesiące. W tych koncertach muzyka dokładnie podąża za obrazami poetyckich sonetów, którymi kompozytor ujawnia treść każdego z koncertów cyklu: „Wiosna”, „Lato”, „Jesień”, „Zima”. Przypuszcza się, że sonety zostały napisane przez samego kompozytora.

Muzyka ma głęboki podtekst, co jest generalnie charakterystyczne dla sztuki barokowej. W grę wchodzi również cykl życia człowieka: dzieciństwo, młodość, dojrzałość i starość.

Koncert „Wiosna” rozpoczyna się wesołą, beztroską melodią, której każda nuta mówi o zachwytach w związku z nadejściem wiosny. Skrzypce wspaniale imitują śpiew ptaków. Ale nadchodzi grzmot. Orkiestra, grając unisono, naśladuje grzmoty potężnym szybkim dźwiękiem. Błyski piorunów słyszą skrzypkowie w łuskowatych pasażach. Kiedy burza mija, to znowu w każdym dźwięku radość z nadejścia wiosny. Ptaki znów śpiewają, zapowiadając nadejście wiosny.

Koncert „Lato”. Ospałość od upału przenosi cichy dźwięk muzyki, jakby słychać było oddech samej natury, zagłuszany jedynie śpiewem ptaków. Najpierw kukułka, potem szczygieł. I nagle - podmuch zimnego północnego wiatru, zwiastun burzy. A potem wybuchła burza. Podmuchy wiatru, błyski piorunów, dźwięki melodii szybko następują po sobie bez zatrzymywania się, a kulminacją staje się budzący grozę unisono całej orkiestry.

Koncert „Jesień” rysuje polowanie. Muzyka przedstawia pogoń, szczekanie psów, wyścigi konne oraz odgłosy myśliwskich rogów, strzałów i ryk rannego zwierzęcia.

W koncert „Zima” kompozytor wznosi się na wyżyny artystycznej reprezentacji. Już w pierwszych taktach po mistrzowsku oddaje się uczucie przeszywającego zimowego chłodu. Zęby szczękają z zimna, chcesz tupać nogami, żeby się ogrzać, wyje ostry wiatr.

Ale zimą są też radości. Na przykład jazda na łyżwach. W zabawnych, „kołaczących się” fragmentach skrzypiec Vivaldi pokazuje, jak łatwo jest poślizgnąć się na lodzie. Vivaldi, wykorzystując program literacki w swoim koncercie, był twórcą muzyki programowej.

Myślę, że natura często działa jako bodziec dla twórczości artysty, kompozytora, poety, jako źródło pewnych uczuć, emocji, nastrojów, które wyrażają w swojej twórczości. Piękno natury inspiruje kompozytorów, artystów, poetów do tworzenia dzieł sztuki. W historii kultury natura była często przedmiotem podziwu i refleksji.

Jaki jest sekret popularności muzyki Antonio Vivaldiego?

Koncert „Pory roku” kojarzy się z emocjonalnym nastrojem osoby. Słuchając muzyki kompozytora dobrze rozumiemy, co mu się podobało i zdenerwowało, do czego dążył, o czym myślał i jak postrzegał świat.

Postrzeganie otaczającego świata, które brzmi w muzyce Vivaldiego, jest pozytywne i afirmujące życie. Uczucia, myśli, doświadczenia współczesnego człowieka nie zmieniły się wcale w porównaniu z przeszłością. Dzięki temu jego styl jest rozpoznawalny dla szerokiego grona słuchaczy, muzyka jest jasna i nigdy nie traci barw. To chyba sekret popularności muzyki kompozytora Antonio Vivaldiego.

Wyświetl zawartość dokumentu
„Projekt Vivaldi 000 sezonów koncertowych”

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna

liceum nr 1

Praca projektowa:

(Cztery pory roku, Antonio Vivaldi)

Kierownik: Wakulenko Galina Aleksandrowna,

nauczyciel muzyki

Plan:

Wstęp ………………………………………………………………………...

Główną częścią…………………………………………………………………

2.1. Czym jest „koncert”? Historia powstania i rozwoju gatunku..……….

2.2. Cechy muzyki epoki baroku…………………………………………………

2.3. Krótka biografia Antonio Vivaldiego………………………………………….

2.4. Cykl koncertów „Pory roku” A. Vivaldiego………………………………

2.5. Balet „Pory roku” do muzyki Antonio Vivaldiego………………………

Wniosek……………………………………………………………………..

Bibliografia……………………………………………………………

I. Wstęp

Tematem mojego projektu jest „Koncert instrumentalny”. Postanowiłem pogłębić swoją wiedzę na temat cyklu koncertowego Cztery pory roku Antonio Vivaldiego. W historii kultury natura była często przedmiotem podziwu i refleksji. Bardzo często człowiek starał się wyrazić w sztuce swój zmysł natury, swój stosunek do niej.

Wiele dzieł literackich, obrazowych, muzycznych kojarzy się z obrazami natury. Są to wiersze A. Puszkina, S. Jesienina, F. Tiutczewa, obrazy I. Lewitana, muzyka E. Griega, P. Czajkowskiego.

Cel moje badania polegają na ustaleniu:

W jaki sposób sztuka i natura są ze sobą powiązane, jakie uczucia wywołuje u kompozytorów.

Jaki jest sekret popularności muzyki Antonio Vivaldiego?

Aby osiągnąć cel badania, konieczne jest rozwiązanie następujących kwestii zadania:

1. Zbadanie historii powstania i rozwoju gatunku koncertowego.

2. Zapoznaj się z cechami epoki baroku, w której powstał gatunek koncertu i minęło życie kompozytora Antonio Vivaldiego.

3. Zapoznaj się z twórczością Antonio Vivaldiego.

4. Posłuchaj koncertu „Pory roku”, przeanalizuj swoje wrażenia.

5. Znajdź w Internecie informacje o balecie „Pory roku” do muzyki Vivaldiego.

Aby zrealizować przedstawione zadania, należy: metody Badania:

Wyszukiwanie w Internecie materiałów dotyczących twórczości kompozytora Antonio Vivaldiego, epoki baroku, historii powstania i rozwoju gatunku koncertowego.

Studium i analiza materiału na temat projektu w literaturze muzycznej.

Wyszukaj nagranie wideo z koncertu „Cztery pory roku” A. Vivaldiego, przeglądając i analizując swoje wrażenia.

Analiza zebranego materiału, jego usystematyzowanie i stworzenie prezentacji do raportu

II . Główną częścią

2.1. Czym jest „koncert”? Historia powstania i rozwoju gatunku.

Koncert(z włoskiego koncert- harmonia, zgoda i z łaciny koncertować- konkurować) - utwór muzyczny, najczęściej na jeden lub więcej instrumentów solowych z orkiestrą.

Koncert pojawił się we Włoszech na przełomie XVI i XVII wieku jako wokalny, polifoniczny utwór muzyki kościelnej (koncert sakralny) i rozwinął się z zestawienia chórów szeroko stosowanego przez przedstawicieli szkoły weneckiej. ( Concerticlesiastici na podwójny chór Adriano Banchieri).

Przedstawiciele szkoły weneckiej szeroko wykorzystywali akompaniament instrumentalny w koncercie sakralnym, m.in. w napisanych w latach 1602-1611 Stu świętych koncertach Lodovico da Viadana na 1-4 głosy z cyfrowym basem.

C Na początku XVII w. zasada „konkurencji” kilku głosów solowych stopniowo rozprzestrzeniła się na muzykę instrumentalną (w suitach).

W drugiej połowie XVII w. pojawiły się kompozycje oparte na kontrastowym zestawieniu orkiestry (tutti) i solisty lub zespołu instrumentów solowych (in concerto grosso) i orkiestry.

Pierwsze próbki takich koncertów należą do Giovanniego Bononciniego i Giuseppe Torelli, ale ich kompozycje kameralne, dla wąskiego grona wykonawców, były formą przejściową od sonaty do koncertu; w rzeczywistości koncert ukształtował się w I połowie XVIII wieku w twórczości Arcangelo Corelli, a zwłaszcza Antonio Vivaldiego - jako trzyczęściowa kompozycja z dwiema skrajnymi częściami w szybkim ruchu i powolną częścią środkową. W tym samym czasie istniała też forma tzw. koncertu ripieno (wł. ripieno- pełny) - bez instrumentów solowych; takich jest wiele koncertów Vivaldiego i koncertów brandenburskich J.S. Bacha.

W koncertach I poł. XVIII w., jak to przedstawiane są w twórczości najwybitniejszych przedstawicieli baroku, szybkie partie opierały się zwykle na jednym, rzadziej na dwóch tematach, które w orkiestrze były grane w niezmienionej postaci. refren, partia solisty miała najczęściej charakter wirtuozowski; W tym stylu pisali koncerty Johann Sebastian Bach i Georg Friederich Handel.

W 2. poł. XVIII w. w twórczości „klasyków wiedeńskich” ukształtowała się klasyczna struktura koncertu.

1 część. Allegro w formie sonatowej.

2 części. Powolny, często w formie arii, w 3 częściach.

3 części. Szybki, w formie ronda lub tematu z wariacjami.

Tę strukturę stworzyli Joseph Haydn i Wolfgang Amadeus Mozart, a później powstała w twórczości Ludwiga van Beethovena.

Rozwój gatunku koncertowego jako kompozycji na jeden lub więcej („koncert podwójny”, „potrójny”, „koncert poczwórny”) solowy z orkiestrą kontynuowany był w XIX wieku w twórczości Niccolo Poganiniego, Roberta Schumanna, Felixa Mendelssohna, Franciszek Liszt, Piotr Czajkowski i wielu innych kompozytorów. Jednocześnie w twórczości kompozytorów romantycznych nastąpiło odejście od klasycznej formy koncertu, w szczególności powstał jednoczęściowy koncert o małej i dużej formie, który w konstrukcji odpowiadał poematowi symfonicznemu, z charakterystyczną zasadą „przez rozwój”.

Kompozytorzy często zwracali się do gatunku koncertu w XX wieku: powszechnie znane są koncerty fortepianowe Siergieja Rachmaninowa, Siergieja Prokofiewa, Dymitra Szostakowicza, Igora Strawińskiego.

W XVIII i XX wieku powstawały koncerty na niemal wszystkie „klasyczne” instrumenty europejskie – fortepian, skrzypce, wiolonczelę, altówkę, a nawet kontrabas.

2.2. Cechy muzyki epoki baroku.

B arocco- jeden z dominujących stylów w architekturze i sztuce Europy i Ameryki Łacińskiej końca XVI - połowy XVIII wieku. Przypuszczalnie pochodzi od Portugalczyka - perła o dziwacznym kształcie.

Rzeczywiście jest perłą w łańcuchu zmieniających się wartości artystycznych w malarstwie, architekturze, rzeźbie i muzyce. Dla mistrza baroku ważne było uchwycenie boskiego piękna życia. Wraz z nadejściem baroku muzyka zademonstrowała swoje możliwości w świecie emocjonalnych przeżyć. Epokę baroku uważa się za okres 1600-1750. W ciągu tego półtora wieku wynaleziono utwory muzyczne, które istnieją do dziś. U początków tradycji sztuki barokowej w malarstwie leżą dwaj wielcy włoscy artyści - Caravaggio i Annibale Carracci, którzy stworzyli najbardziej znaczące dzieła w ostatniej dekadzie XVI wieku - pierwszej dekadzie XVII wieku.

Kompozytorzy barokowi pracowali w różnych gatunkach muzycznych.Opera , który pojawił się w późnym renesansie, stał się jedną z głównych barokowych form muzycznych. Można przywołać dzieła takich mistrzów gatunku jak Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i inni. Gatunek muzycznyoratoria osiągnął szczyt swojego rozwoju w pracach I.S. Bacha i Haendla.

Takie formy muzyki sakralnej, jak:masa oraz motet , stał się mniej popularny, ale formakantaty zwracał uwagę na wielu kompozytorów, w tym Johanna Bacha. Takie wirtuozowskie formy kompozycji opracowane jakoccata oraz fuga.

Instrumentalnysonaty oraz apartamenty zostały napisane zarówno na pojedyncze instrumenty, jak i na orkiestry kameralne.

W ciągu tych półtora wieku muzyka przeszła niesamowite zmiany: „wynaleziono” formy, które istniały od ponad wieku, na wiele lat ukształtował się zupełnie nowy język harmoniczny.

W tym okresie powstają dwa rodzaje koncertów:

koncert wielki(porównanie całego zespołu (tutti) z kilkoma instrumentami);

koncert solowy(konkurs wirtuoza solisty z orkiestrą).

Setki prac napisanych przez Corelli, Vivaldi, Albinoni i

przez innych kompozytorów na jeden instrument i zespoły świadczą o zadziwiającej witalności włoskiego stylu, który podbił całą Europę.

Utwory klawiszowe były często pisane przez kompozytorów dla własnej rozrywki lub jako materiał dydaktyczny. Takie prace są dojrzałymi dziełami Ja. Z. Bacha, powszechnie uznanych arcydzieł intelektualnych epoki baroku: Klawiatury Nastrojowej, Wariacji Goldbergowskich i Sztuki fugi.

2.3. Krótka biografia Antonio Vivaldi.

Antonio Vivaldi to wybitny kompozytor włoski, niezrównany skrzypek wirtuoz, genialny dyrygent żyjący na przełomie XVII i XVIII wieku.

Vivaldi urodził się 4 marca 1678 r. w Wenecji w rodzinie zawodowego skrzypka: jego ojciec grał w katedrze św. Marka, a także brał udział w produkcjach operowych. Rudowłosy ksiądz - taki przydomek otrzymał Antonio Vivaldi we wspomnieniach Carlo Goldoniego. Rzeczywiście był zarówno rudym jak i księdzem.

W wieku 12 lat Vivaldi zastąpił już ojca w najlepszej orkiestrze miejskiej, aw wieku 15 lat został mnichem. W wieku 25 lat Vivaldi został uznany za pierwszego skrzypka swojego rodzinnego miasta - Wenecji, dziesięć lat później stał się jednym z najsłynniejszych kompozytorów w Europie.

Antonio otrzymał wykształcenie kościelne i przygotowywał się do zostania księdzem. Jednak wkrótce po tym, jak został wyświęcony na kapłana (1703), co dawało mu prawo do samodzielnego odprawiania Mszy św., odmówił, powołując się na zły stan zdrowia (cierpiał na astmę, która była wynikiem urazu klatki piersiowej doznanego przy porodzie).

W 1703 został wymieniony jako nauczyciel skrzypiec w Ospedal delle Pieta. Godność zakonna pozwoliła Vivaldiemu zostać dyrektorem muzycznym kobiecego konserwatorium Ospedalle della Pieta. W tym czasie w oranżeriach uczyły się zdolne muzycznie dzieci w wieku od 7 do 18 lat. Głównym celem oranżerii było szkolenie personelu operowego: śpiewaków, śpiewaków, orkiestrystów, kompozytorów. Vivaldi uczył uczniów śpiewu, gry na klawesynie, skrzypcach, flecie, basie ogólnym i kontrapunkcie (komponowanie muzyki). Jednak najważniejsze w jego twórczości pozostały cotygodniowe koncerty Orkiestry Konserwatorium, czyli, jak mówiono wówczas, chóru. W orkiestrze grały tylko dziewczyny. Pod okiem Vivaldiego osiągnęli takie mistrzostwo, że słuchacze przyjeżdżali na ich występy z całej Europy. Sam kompozytor występował z kaplicą jako skrzypek solo i skomponował do tego ogromną liczbę koncertów, ponad 450.

Antonio Vivaldi pisał opery dla teatrów Wenecji (uczestniczył w ich produkcji). Jako skrzypek-wirtuoz koncertował we Włoszech i innych krajach. Ostatnie lata spędził w Wiedniu. Zmarł 28 lipca 1741 w Wiedniu.

2.4. Koncert „Pory roku” Antonio Vivaldiego.

Wśród muzyków wszech czasów popularne było naśladowanie głosów ptaków. Myśliciele, naukowcy, muzycy szukali źródeł muzyki w śpiewie ptaków. Nic dziwnego, że słowik stał się jednym z symboli sztuki w ogóle, a w porównaniu z nim jest pochwałą dla piosenkarza. Kompozytorzy barokowi napisali dużo pięknej „ptasiej” muzyki. „Jaskółka” K. Dakena, „Zakochany słowik” F. Couperina, „Kukułki” A. Vivaldiego. Najdoskonalszym instrumentem epoki baroku były skrzypce. Skrzypce to najważniejszy instrument orkiestry, „Kopciuszek” współczesnej orkiestry symfonicznej. Ma wspaniały dźwięk i niesamowity zasięg. W swoich pracach A. Vivaldi ukazywał jasność i piękno brzmienia skrzypiec jako instrumentu solowego.

Utworzone w 1723 roku cztery koncerty „Pory roku” kompozytor zadedykował zimie, wiośnie, lecie i jesieni. Każda z nich ma trzy części przedstawiające trzy miesiące.

Do każdego koncertu, jako program literacki, Vivaldi napisał sonet. Pomysł kompozytora nie ogranicza się oczywiście do tematu zmiany pór roku w przyrodzie. Muzyka ma głęboki podtekst, co jest generalnie charakterystyczne dla sztuki barokowej. Oznacza to cykl życia człowieka (dzieciństwo, młodość, dojrzałość i starość), cztery włoskie regiony od wschodu do zachodu, cztery kwadranse dnia od wschodu do północy i wiele więcej. Kompozytor jednak posługuje się chwytliwymi wizualnymi technikami muzycznymi i nieobcy jest mu humor: od czasu do czasu słyszymy szczekanie psów, bzyczenie owadów i grzmoty. A sprawdzona forma i wspaniałe melodie uczyniły te dzieła arcydziełami sztuki wysokiej.

I KONCERT - "WIOSNA" (LA PRIMAVERA )

I h.Allegro .

Nadejście wiosny, spotkanie z dźwięcznym śpiewem,

Ptaki latają w błękitnej przestrzeni,

I słychać plusk strumienia i szelest liści,

Wstrząśnięte pianki z powiewem.

Ale tutaj huczy grzmot i błyskawice strzały

Niebiosa wysyłają, ubrane w nagłą mgłę,

I to wszystko - oznaki wiosennych dni!

Burza ucichła, niebo się rozjaśniło,

I znowu nad nami krąży stado ptaków,

Wesoły śpiew zapowiadający powietrze.

II h. Largo e pianissimo.

Wśród kwiatów, z owczarkiem - prawdziwym przyjacielem,

Pasterz położył się; oni śpią dobrze

Pod szumem ziół, pod szumem liści kochanka,

III h.Allegro .

Dźwięk dud niesie się po łące,

Gdzie kręci się okrągły taniec wesołych nimf,

Wiosenne magiczne światło podświetlone.

Koncert rozpoczyna wesoła, beztroska melodia, której każda nuta mówi o zachwytach w związku z nadejściem wiosny. Skrzypce wspaniale imitują śpiew ptaków. Ale nadchodzi grzmot. Orkiestra, grając unisono, naśladuje grzmoty potężnym szybkim dźwiękiem. Błyski piorunów słyszą skrzypkowie w łuskowatych pasażach. Kiedy burza mija, to znowu w każdym dźwięku radość z nadejścia wiosny. Ptaki znów śpiewają, zapowiadając nadejście wiosny.

Wznosząca się melodia skrzypiec solo ilustruje słodki sen chłopa. Wszystkie inne skrzypce rysują szelest liści. Altos przedstawia szczekanie psa pilnującego snu właściciela. Taniec pasterski kończy część wiosenną.

Burza energii i pogodny nastrój korespondują z końcem wiosny, jaskrawość kolorów wskazuje na przebudzenie natury. Vivaldi był w stanie przekazać całą paletę naturalnych barw dźwiękami orkiestry, wszystkie odcienie radości - pasażami skrzypiec!

II KONCERT - "LATO" (Najemca )

I h.Andantino (wprowadzanie)

Stado wędruje leniwie, zioła więdną,

Od ciężkiego, duszącego upału

Wszystkie żywe istoty cierpią i marnieją.

II h.Allegro .

Kukułka śpiewa w ciszy dębowego lasu,

Turkawka grucha w ogrodzie i delikatnie

Wiatr wzdycha... Ale nagle zbuntowany

Boreas szybował, poruszał się jak trąba powietrzna na niebie

A pasterz płacze, przeklinając swój los.

III h.Adagio mi fortepian

Boi się, słysząc daleki grzmot,

Od błyskawicy w przerażeniu zamarza,

Dręczy go rój dzikich muszek...

IV h.Presto

Ale tu jest burza z piorunami, wrzące strumienie

Od stromych wzniesień po przewracające się doliny,

Ryki, wściekłość na nieskompresowanych polach,

I okrutny grad bije wśród dumnych

Odrywanie kwiatów i zbóż.

Ospałość od upału przenosi cichy dźwięk muzyki, jakby słychać było oddech samej natury, zagłuszany jedynie śpiewem ptaków. Najpierw kukułki, potem szczygły. I nagle - podmuch zimnego północnego wiatru, zwiastun burzy. Wiatr unosi burzę, powraca nastrój wyczerpania z powodu upału. Skrzypce nadają ton narzekania. To jest skarga pasterza, jego lęk przed nieubłaganymi żywiołami natury. I znowu wdziera się wiatr i groźne grzmoty zbliżającej się burzy. Dynamiczny kontrast melodii nie pozostawia wątpliwości, że żywioły się zbliżają.

Nagle jest spokój, to jest przed burzą ... A teraz burza się rozładowuje. Niebiosa otwierają się i strumienie wody wylewają się na ziemię, ukazane przez korytarze przypominające gamma. Podmuchy wiatru, błyski piorunów, dźwięki melodii szybko następują po sobie bez zatrzymywania się, a kulminacją staje się budzący grozę unisono całej orkiestry.

III KONCERT - "JESIEŃ" (L " JESIEŃ )

I h.Allegro

Ożywcze powietrze, czysta pogoda,

Ogrody i gaje w jesiennej dekoracji;

Szczęśliwy oracz ze świąteczną zabawą

Powitanie złotego sezonu.

Na polach zebrano wspaniałe żniwa,

Koniec trudów, zmartwienia stały się ciężarem,

Na piosenki, gry i tańce nadszedł czas!

Bachus leje z beczek, bezcenny dar,

A kto spuszcza szklankę do kropli,

Ten zdrowy sen dopełnia błogości.

II h. Adagio ( śnić)

III h. Allegro

Dmuchają rogi i grasuje stado psów;

Łowcy w cieniu gęstego lasu

Podążają śladem, wyprzedzając bestię.

Wyczuwanie bliskości grożącej śmierci,

Bestia rzuciła się ze strzałą, ale zła wataha

Został zabity w ciemnym gąszczu.

Część jesienna rozpoczyna się tańcem i śpiewem chłopów. Po burzy nadchodzi jesienne dożynki. Rytm melodii oddaje pogodny nastrój. Chłopi tańczą chwiejnym krokiem, śpiewają, choć trudno rozróżnić słowa.

Pod koniec piosenki skrzypce milkną, wszyscy zapadają w spokojny sen. Cicho zapada noc, sprawiając, że dźwięki są tajemnicze i zwodnicze.

Rozpoczyna się jesienne polowanie. Muzyka przedstawia pogoń, szczekanie psów, wyścigi konne oraz odgłosy myśliwskich rogów, strzałów i ryk rannego zwierzęcia.

4- ten KONCERT - " ZIMA"(LINVERNO)

I h. Allegro Muzyka popmolto

Mroźna nawierzchnia rozpościera drogę,

I mężczyzna z zimnymi stopami

Deptanie ścieżki, szczękanie zębami,

Działa, aby się ogrzać.

II h.Largo

Jak szczęśliwy jest ten, któremu ciepło i światło?

Rodzime palenisko osłonięte przed zimowym chłodem, -

Niech śnieg i wiatr się złością...

III h.Allegro

Chodzenie po lodzie jest niebezpieczne, ale nawet w tym

Do zabawy dla młodzieży; ostrożnie

Idą po śliskiej, niepewnej krawędzi;

Nie mogąc się oprzeć, spadają z huśtawką

Na cienkim lodzie - i uciekają od strachu,

Pokrywy śnieżne wirują w trąbie powietrznej;

Jakby uciekając z więzienia

W bitwie szaleją czołowe wiatry

Gotowi do walki.

Ciężka zima, ale radość chwili

Czasami łagodzą jej szorstką twarz.

W tym koncercie kompozytor wznosi się na wyżyny artystycznej reprezentacji. Już w pierwszych taktach po mistrzowsku oddaje się uczucie przeszywającego zimowego zimna (pod podmuchami lodowatego wiatru wszystkie żywe istoty drżą na śniegu).

Koniec zimy dla Vivaldiego to także zwiastun nowej wiosny. Dlatego, mimo smutku okresu chłodu, nie ma pesymizmu ani w muzyce, ani w poezji. Utwór kończy się dość optymistyczną nutą. Bardzo zimno. Zęby szczękają z zimna, chcesz tupać nogami, żeby się ogrzać, wyje ostry wiatr. Ale zimą są też radości. Na przykład jazda na łyżwach. W zabawnych, „kołaczących się” fragmentach skrzypiec Vivaldi pokazuje, jak łatwo jest poślizgnąć się na lodzie.

Ale wtedy wiał wiatr południowy - pierwszy znak zbliżającej się wiosny. A między nim a północnym wiatrem toczy się walka. Ta konfrontacja prędzej czy później zakończy się zwycięstwem południowego wiatru i nadejściem wiosny, ale „Zima” i cykl Pór roku kończy się burzliwą dramatyczną sceną konfrontacji.

Vivaldi, wykorzystując program literacki w swoim koncercie, był twórcą muzyki programowej. W XIX wieku powstała muzyka programowa - utwór oparty na podstawach literackich.

Muzyka programu to rodzaj muzyki instrumentalnej. Są to utwory muzyczne, które posiadają werbalny, często poetycki program i ujawniają odciśnięte w nim treści.

Koncerty w twórczości A. Vivaldiego były kontynuacją rozwoju gatunku koncertów instrumentalnych, otrzymując skończoną formę, która stała się wzorem dla kolejnych pokoleń kompozytorów europejskich.

2.5. Balet „Pory roku” do muzyki Antonio Vivaldiego.

Muzyka to jedna z form sztuki. Podobnie jak malarstwo, teatr, poezja jest przenośnym odzwierciedleniem życia. Każda sztuka mówi własnym językiem. Muzyka - język dźwięków i intonacji - ma szczególną głębię emocjonalną. To była ta emocjonalna strona, którą odczuwało się słuchając muzyki A. Vivaldiego.

Muzyka ma silny wpływ na wewnętrzny świat człowieka. Może sprawiać przyjemność lub wręcz przeciwnie, wywoływać silny niepokój psychiczny, skłaniać do refleksji i otwierać przed słuchaczem nieznane dotąd aspekty życia. To muzyka jest przekazywana, by wyrazić uczucia tak złożone, że czasem nie da się ich opisać słowami.

Kiedy solista i orkiestra konkurują w umiejętnościach, z pewnością muszą grać dla publiczności. To właśnie w tej nieustannej przemianie brzmienia orkiestry i jaskrawo brzmiących skrzypiec solo, w poczuciu teatru i dyskusji, w harmonii i harmonii formy muzycznej, wyczuwa się charakterystyczne cechy muzyki barokowej.

W 1984 roku z baletu powstał wspaniały balet do ulubionej przez wszystkich muzyki Vivaldiego. Wystawiono go na słynnym Placu Świętego Marka w Wenecji. Wobec braku scenerii teatralnej jako tło stanowiła bizantyjska architektura katedry. Na tle starożytnych kamieni i form architektonicznych taniec nabrał nowych wymiarów. Na otwartej przestrzeni, przy braku ścian, powietrze jest w ruchu, staje się zauważalne i uruchamiane. Wiatr skutecznie podkreśla ubiór i linie ciała.

Szczególnie imponujące jest jesienią – rzeźbiarskie formy tancerzy nie są klasycznym spokojem, ale barokowe, napięte, porywcze Vivaldiego, trzepocą fałdy ubrań. Do tego wiatr, ciągły ruch powietrza, rymuje się z tematem ogólnym – z ruchem czasu.

Struktura spektaklu jest prosta i wyznaczona przez strukturę dzieła muzycznego. Do czterech koncertów (wiosna, lato, jesień, zima), każdy w trzech częściach, w sumie 12 numerów, dodano jako finał numer 13. (znów do muzyki „Wiosny”).

Ścisła struktura matematyczna dyktuje również ścisłą choreografię geometryczną – zarówno linie, jak i figury są fabułą. Muzyka Vivaldiego i taniec duetów, triów, zespołów zlewają się w jedną całość.

III . Wniosek

Jaki jest sekret takiej popularności A. Vivaldiego? Muzyka - język dźwięków i intonacji - ma szczególną głębię emocjonalną. To była ta emocjonalna strona, którą odczuwało się słuchając muzyki A. Vivaldiego.

Jaki powinien być stan emocjonalny osoby, która w ten sposób postrzega przyrodę? W koncercie „Wiosna” to radość, uczucie szczęścia, uniesienia, triumfu, zachwytu. Poprzez całą gamę uczuć objawia się piękno wiosny, odnowienia życia.

Sonety odgrywają ważną rolę w rozumieniu muzyki. Muzyka dokładnie podąża za obrazami wiersza. Tekst literacki jest podobny do muzycznego, a także opowiada o stanie człowieka, jego uczuciach wywołanych nadejściem wiosny.

Słuchając muzyki kompozytora dobrze rozumiemy, co mu się podobało i zdenerwowało, do czego dążył, o czym myślał i jak postrzegał świat.

Jaka jest natura i sztuka? Myślę, że natura często działa jako bodziec dla twórczości artysty, kompozytora, poety, jako źródło pewnych uczuć, emocji, nastrojów, które wyrażają w swoich dziełach (inspiruje tworzenie dzieł sztuki). Poeta jest w słowach, artysta jest w kolorze, kompozytor w dźwiękach.

Koncert „Pory roku” kojarzy się z emocjonalnym nastrojem ludzkości. Postrzeganie otaczającego świata, które brzmi w muzyce Vivaldiego, jest pozytywne i afirmujące życie. Uczucia, myśli, doświadczenia współczesnego człowieka nie zmieniły się wcale w porównaniu z przeszłością. Dzięki temu jego styl jest rozpoznawalny dla szerokiego grona słuchaczy, muzyka jest jasna i nigdy nie traci barw. To chyba sekret popularności muzyki kompozytora Antonio Vivaldiego.

IV . Bibliografia

Harnoncourt N. Muzyka programowa - koncerty Vivaldiego op. 8 [Tekst] / N. Arnokur // Muzyka radziecka. - 1991. - nr 11. - S. 92-94.

Beletsky I.V. Antonio Vivaldi [Tekst]: krótki zarys życia i pracy / I. V. Beletsky. - L .: Muzyka, 1975. - 87 s.

Zeyfas N. Stary człowiek z niesamowitą niewyczerpaną pasją do kompozycji [Tekst] / N. Zeyfas // Muzyka radziecka. - 1991. - nr 11. - S. 90-91.

Zeyfas N. Concerto grosso w twórczości Haendla [Tekst] / N. Zeyfas. - M.: Muzyka, 1980. - 80 s.

Livanova T. Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 roku [Tekst]. W 2 tomach Podręcznik. T. 1. Do XVIII wieku / T. Livanova. - wyd. 2, poprawione. i dodatkowe - M.: Muzyka, 1983. - 696 s.

Łobanova M. Barok zachodnioeuropejski: problemy estetyki i poetyki [Tekst] / M. Lobanova. - M.: Muzyka, 1994. - 317 s.

Raaben L. Muzyka barokowa [Tekst] / L. Raaben // Pytania o styl muzyczny / Państwo Leningradzkie. w - t teatr, muzyka i kinematografia. - Leningrad, 1978. - S. 4-10.

Rosenshield K. Historia muzyki zagranicznej [Tekst]: podręcznik dla wykonawców. fałsz. ogrody zimowe. Problem 1. Do połowy XVIII wieku / K. Rosenshild. - M.: Muzyka, 1969. - 535 s.

Sołowcow AA. Koncert [Tekst]: literatura popularnonaukowa / A. A. Sołowcow. - wyd. 3, dodaj. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 s.

Wyświetl zawartość prezentacji
„000 koncertów instrumentalnych Vivaldiego”

Praca projektowa

Wykonywane:

Antonowa Sofia

Uczeń 6 klasy

Doradca naukowy: Vakulenko G.A.

Celem projektu jest poznanie:

- Jak łączy się sztuka z naturą, jakie uczucia wywołuje u kompozytorów?

• Jaki jest sekret popularności muzyki Antonio Vivaldiego?

Zadania:

1. Zbadanie historii powstania i rozwoju gatunku koncertowego.

2. Zapoznaj się z cechami epoki baroku, w której powstał gatunek koncertu i minęło życie kompozytora Antonio Vivaldiego.

3. Zapoznaj się z twórczością Antonio Vivaldiego.

4. Posłuchaj koncertu „Pory roku”, przeanalizuj swoje wrażenia.

5. Znajdź w Internecie informacje o balecie „Pory roku” do muzyki Vivaldiego.

koncert wielki

Koncert solowy

Grupa narzędzi

i cała orkiestra

Wirtuoz solisty

i cała orkiestra

Antonio Lucio Vivaldi

(1678 - 1741)

Epoka baroku

XVII - XVIII (1600-1750)

• I część – szybki, energiczny, zwykle bez powolnego wprowadzenia

• Druga część - liryczny, melodyjny, skromniejszy w rozmiarze

• 3. część - ostateczna, mobilna, genialna

Antonio Vivaldi"Pory roku"

KONCERT - "WIOSNA"

Nadejście wiosny, spotkanie z dźwięcznym śpiewem,

Ptaki latają w błękitnej przestrzeni,

I słychać plusk strumienia i szelest liści,

Wstrząśnięte pianki z powiewem.

Ale tutaj huczy grzmot i błyskawice strzały

Niebiosa wysyłają, ubrane w nagłą mgłę,

I to wszystko - oznaki wiosennych dni!

... Burza ucichła, niebo się rozjaśniło,

I znowu nad nami krąży stado ptaków,

Wesoły śpiew zapowiadający powietrze.

KONCERT - "LATO"

Ale tu jest burza z piorunami, wrzące strumienie

Od stromych wzniesień po przewracające się doliny,

Ryki, wściekłość na nieskompresowanych polach,

I okrutny grad bije wśród dumnych

Odrywanie kwiatów i zbóż.

KONCERT - „JESIEŃ”

Dmuchają rogi i grasuje stado psów;

Łowcy w cieniu gęstego lasu

Podążają śladem, wyprzedzając bestię.

Wyczuwanie bliskości grożącej śmierci,

Bestia rzuciła się ze strzałą, ale zła wataha

Został zabity w ciemnym gąszczu.

KONCERT - "ZIMA"

Mroźna nawierzchnia rozpościera drogę,

I mężczyzna z zimnymi stopami

Deptanie ścieżki, szczękanie zębami,

Działa, aby się ogrzać.

Chodzenie po lodzie jest niebezpieczne, ale nawet w tym zabawa dla młodzieży; ostrożnie chodzić po śliskiej, zawodnej krawędzi;

Nie mogąc się oprzeć, spadają z huśtawką na cienkim lodzie - i uciekaj od strachu, pokrywy śnieżne wirują jak trąba powietrzna;

Jakby uciekając z więzienia w bitwie szaleją przeciwne wiatry gotowi rzucić się przeciwko sobie.

Jeden z największych przedstawicieli epoki baroku, A. Vivaldi wszedł do historii kultury muzycznej jako twórca gatunku koncertu instrumentalnego, twórca orkiestrowej muzyki programowej. Dzieciństwo Vivaldiego związane jest z Wenecją, gdzie jego ojciec pracował jako skrzypek w katedrze św. Marka. Rodzina miała sześcioro dzieci, z których Antonio był najstarszy. Nie ma prawie żadnych szczegółów na temat lat dzieciństwa kompozytora. Wiadomo tylko, że uczył się gry na skrzypcach i klawesynie.

18 września 1693 Vivaldi został tonsurowany na mnicha, a 23 marca 1703 przyjął święcenia kapłańskie. W tym samym czasie młody człowiek nadal mieszkał w domu (prawdopodobnie z powodu poważnej choroby), co dało mu możliwość nie opuszczania lekcji muzyki. Ze względu na kolor włosów Vivaldi był nazywany „czerwonym mnichem”. Przypuszcza się, że już w tych latach nie był zbyt gorliwy w swoich obowiązkach duchownych. Wiele źródeł powtarza historię (być może niewiarygodną, ​​ale odkrywczą) o tym, jak pewnego dnia podczas nabożeństwa „rudy mnich” pospiesznie opuścił ołtarz, aby spisać temat fugi, który nagle przyszło mu do głowy. W każdym razie stosunki Vivaldiego z kręgami duchownymi nadal się nagrzewały, a on wkrótce, powołując się na zły stan zdrowia, publicznie odmówił odprawiania mszy.

We wrześniu 1703 Vivaldi rozpoczął pracę jako nauczyciel (maestro di violino) w weneckim dobroczynnym sierocińcu „Pio Ospedale delia Pieta”. Do jego obowiązków należała nauka gry na skrzypcach i viola d'amore, a także czuwanie nad bezpieczeństwem instrumentów strunowych oraz kupowanie nowych skrzypiec. „Nabożeństwa” w „Piecie” (słusznie można je nazwać koncertami) znajdowały się w centrum uwagi oświeconej publiczności weneckiej. Ze względów ekonomicznych w 1709 Vivaldi został zwolniony, ale w latach 1711-16. przywrócony na to samo stanowisko, a od maja 1716 był już koncertmistrzem orkiestry Pieta.

Jeszcze przed nową nominacją Vivaldi dał się poznać nie tylko jako pedagog, ale także jako kompozytor (głównie autor muzyki sakralnej). Równolegle z pracą w Piecie Vivaldi poszukuje możliwości publikowania swoich świeckich pism. 12 sonat triowych op. 1 zostały opublikowane w 1706 r.; w 1711 najsłynniejszy zbiór koncertów skrzypcowych „Harmonic Inspiration” op. 3; w 1714 - kolejny zbiór pt. "Ekstrawagancja" op. 4. Koncerty skrzypcowe Vivaldiego bardzo szybko stały się szeroko znane w Europie Zachodniej, a zwłaszcza w Niemczech. Duże zainteresowanie nimi wykazali I. Quantz, I. Mattheson, Wielki J. S. Bach „dla przyjemności i nauki” osobiście zaaranżował 9 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na klawier i organy. W tych samych latach Vivaldi napisał swoje pierwsze opery Otto (1713), Orlando (1714), Nero (1715). W latach 1718-20. mieszka w Mantui, gdzie pisze głównie opery na sezon karnawałowy, a także kompozycje instrumentalne na dwór książęcy Mantui.

W 1725 roku wyszedł jeden z najsłynniejszych opusów kompozytora, noszący podtytuł „Doświadczenie harmonii i inwencji” (op. 8). Podobnie jak poprzednie, zbiór tworzą koncerty skrzypcowe (jest ich tu 12). Pierwsze 4 koncerty tego opusu kompozytor nazwał odpowiednio: „Wiosna”, „Lato”, „Jesień” i „Zima”. We współczesnej praktyce wykonawczej często łączy się je w cykl „Pory roku” (w oryginale nie ma takiego nagłówka). Podobno Vivaldi nie był usatysfakcjonowany dochodami z wydawania swoich koncertów iw 1733 r. powiedział pewnemu angielskiemu podróżnikowi E. Holdsworthowi o zamiarze porzucenia dalszych publikacji, gdyż w przeciwieństwie do drukowanych rękopisów odręczne kopie są droższe. W rzeczywistości od tego czasu nie pojawiły się żadne nowe oryginalne dzieła Vivaldiego.

Późne lata 20. - 30. często określane jako „lata podróży” (preferowane do Wiednia i Pragi). W sierpniu 1735 Vivaldi powrócił na stanowisko kapelmistrza orkiestry Pieta, ale komitetowi zarządzającemu nie spodobała się podróżnicza pasja jego podwładnego i w 1738 roku kompozytor został zwolniony. Jednocześnie Vivaldi nadal ciężko pracował w gatunku operowym (jednym z jego librecistów był słynny C. Goldoni), wolał jednak osobiście uczestniczyć w produkcji. Spektakle operowe Vivaldiego nie odniosły jednak szczególnego sukcesu, zwłaszcza po tym, jak z powodu kardynalnego zakazu wjazdu do miasta odebrano kompozytorowi możliwość kierowania swoimi operami w teatrze Ferrara (kompozytorowi zarzucono romans z Anna Giraud, jego była uczennica, a odmawiająca „rudowłosemu mnichowi” odprawiania mszy). W rezultacie premiera operowa w Ferrarze nie powiodła się.

W 1740 roku, na krótko przed śmiercią, Vivaldi wyruszył w swoją ostatnią podróż do Wiednia. Powody jego nagłego odejścia są niejasne. Zmarł w domu wdowy po wiedeńskim rymarzu nazwiskiem Waller i został pochowany przez żebraka. Wkrótce po jego śmierci zapomniano o nazwisku wybitnego mistrza. Prawie 200 lat później, w latach 20-tych. XX wiek włoski muzykolog A. Gentili odkrył unikalny zbiór rękopisów kompozytora (300 koncertów, 19 oper, duchowe i świeckie kompozycje wokalne). Od tego czasu rozpoczyna się prawdziwe odrodzenie dawnej świetności Vivaldiego. Wydawnictwo muzyczne „Ricordi” w 1947 roku zaczęło publikować wszystkie dzieła kompozytora, a firma „Philips” niedawno zaczęła realizować równie wspaniały plan - wydanie na płycie „wszystkich” Vivaldiego. W naszym kraju Vivaldi jest jednym z najczęściej wykonywanych i najbardziej lubianych kompozytorów. Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest wspaniałe. Według miarodajnego katalogu tematyczno-systematycznego Petera Ryoma (oznaczenie międzynarodowe - RV) obejmuje ponad 700 tytułów. Główne miejsce w twórczości Vivaldiego zajął koncert instrumentalny (w sumie zachowało się około 500). Ulubionym instrumentem kompozytora były skrzypce (około 230 koncertów). Ponadto pisał koncerty na dwoje, trzy i czworo skrzypiec oraz na orkiestrę i basso, koncerty na altówkę miłosną, wiolonczelę, mandolinę, flety podłużne i poprzeczne, obój, fagot. Trwa ponad 60 koncertów na orkiestrę smyczkową i basso, znane są sonaty na różne instrumenty. Z ponad 40 oper (której autorstwo Vivaldiego zostało z całą pewnością ustalone) zachowała się tylko połowa z nich. Mniej popularne (ale nie mniej interesujące) są jego liczne kompozycje wokalne – kantaty, oratoria, dzieła o tekstach duchowych (psalmy, litanie, „Gloria” itp.).

Wiele instrumentalnych kompozycji Vivaldiego ma programowe napisy. Niektóre z nich odnoszą się do pierwszego wykonawcy (Koncert karbonelli, RV 366), inne do święta, podczas którego ta lub inna kompozycja została wykonana po raz pierwszy (Na święto św. Wawrzyńca, RV 286). Szereg napisów wskazuje na niecodzienny szczegół techniki wykonawczej (w koncercie „L'ottavina”, RV 763, wszystkie skrzypce solo muszą być zagrane w górnej oktawie). Najbardziej typowe nagłówki charakteryzujące panujący nastrój to „Odpoczynek”, „Niepokój”, „Podejrzenie” lub „Inspiracja harmoniczna”, „Cytra” (dwa ostatnie to nazwy zbiorów koncertów skrzypcowych). Jednocześnie, nawet w tych utworach, których tytuły zdają się wskazywać na zewnętrzne momenty obrazowe („Burza na morzu”, „Szczywo”, „Polowanie” itp.), dla kompozytora najważniejsze jest zawsze przekazanie ogólnego lirycznego nastrój. Partytura Czterech pór roku ma dość szczegółowy program. Już za życia Vivaldi zasłynął jako wybitny koneser orkiestry, wynalazca wielu efektów kolorystycznych, zrobił wiele dla rozwoju techniki gry na skrzypcach.

S. Lebiediewa

Wspaniałe dzieła A. Vivaldiego cieszą się wielką, światową sławą. Współczesne znane zespoły poświęcają jego twórczości wieczory (Moskiewska Orkiestra Kameralna pod dyrekcją R. Barshai, rzymscy wirtuozi itp.) i być może po Bachu i Haendlu Vivaldi jest najpopularniejszym wśród kompozytorów muzycznego baroku. Dziś wydaje się, że otrzymał drugie życie.

Za życia cieszył się dużą popularnością, był twórcą solowego koncertu instrumentalnego. Rozwój tego gatunku we wszystkich krajach w całym okresie przedklasycznym związany jest z twórczością Vivaldiego. Koncerty Vivaldiego były wzorem dla Bacha, Locatelliego, Tartiniego, Leclerca, Bendy itp. Bach dokonał transkrypcji 6 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na clavier, z 2 wykonał koncerty organowe i przerobił jeden na 4 claviery.

„W czasie, gdy Bach był w Weimarze, cały muzyczny świat podziwiał oryginalność koncertów tego ostatniego (tj. Vivaldi. - L.R.). Bach przepisał koncerty Vivaldiego nie po to, by udostępniać je szerokiej publiczności i nie uczyć się z nich, ale tylko dlatego, że sprawiało mu to przyjemność. Niewątpliwie skorzystał z Vivaldiego. Nauczył się od niego jasności i harmonii konstrukcji. perfekcyjna technika skrzypcowa oparta na melodyjności...”

Jednak ciesząc się dużą popularnością w pierwszej połowie XVIII wieku, Vivaldi został później prawie zapomniany. „Podczas gdy po śmierci Corelli”, pisze Pencherl, „pamięć o nim stała się z biegiem lat silniejsza i bardziej upiększona, Vivaldi, który za życia był prawie mniej znany, dosłownie zniknął po kilku pięciu latach zarówno materialnie, jak i duchowo. Jego kreacje opuszczają programy, nawet cechy jego wyglądu zostają wymazane z pamięci. O miejscu i dacie jego śmierci były tylko domysły. Przez długi czas słowniki powtarzają tylko skąpe informacje o nim, pełne banałów i pełne błędów ..».

Do niedawna Vivaldi interesował się tylko historykami. W szkołach muzycznych, na początkowych etapach edukacji, uczyli się 1-2 jego koncertów. W połowie XX wieku szybko wzrosło zainteresowanie jego twórczością i wzrosło zainteresowanie faktami z jego biografii. Jednak wciąż niewiele o nim wiemy.

Wyobrażenia o jego dziedzictwie, których większość pozostała w niejasności, były całkowicie błędne. Dopiero w latach 1927-1930 turyńskiemu kompozytorowi i badaczowi Alberto Gentili udało się odkryć około 300 (!) autografów Vivaldiego, które były własnością rodziny Durazzo i były przechowywane w ich genueńskiej willi. Wśród tych rękopisów znajduje się 19 oper, oratorium i kilka tomów dzieł kościelnych i instrumentalnych Vivaldiego. Kolekcja ta została założona przez księcia Giacomo Durazzo, filantropa, od 1764 roku posła austriackiego w Wenecji, gdzie oprócz działalności politycznej zajmował się zbieraniem próbek dzieł sztuki.

Zgodnie z wolą Vivaldiego nie podlegały one publikacji, ale Gentili zabezpieczył ich przeniesienie do Biblioteki Narodowej i tym samym upublicznił. Zaczął je studiować austriacki naukowiec Walter Kollender, argumentując, że Vivaldi wyprzedził o kilkadziesiąt lat rozwój muzyki europejskiej w zakresie wykorzystania dynamiki i czysto technicznych metod gry na skrzypcach.

Według najnowszych danych wiadomo, że Vivaldi napisał 39 oper, 23 kantaty, 23 symfonie, wiele kompozycji kościelnych, 43 arie, 73 sonaty (trio i solo), 40 concerti grossi; 447 koncertów solowych na różne instrumenty: 221 na skrzypce, 20 na wiolonczelę, 6 na wiolonczelę, 16 na flet, 11 na obój, 38 na fagot, koncerty na mandolinę, róg, trąbkę oraz na kompozycje mieszane: drewniany ze skrzypcami, na 2 -x skrzypiec i lutni, 2 flety, obój, róg angielski, 2 trąbki, skrzypce, 2 altówki, kwartet smyczkowy, 2 cymbały itp.

Dokładna data urodzin Vivaldiego nie jest znana. Pencherle podaje tylko przybliżoną datę - nieco wcześniejszą niż 1678. Jego ojciec Giovanni Battista Vivaldi był skrzypkiem w książęcej kaplicy św. Mark w Wenecji i pierwszorzędny wykonawca. Najprawdopodobniej syn otrzymał naukę gry na skrzypcach od ojca, natomiast kompozycję uczył się u Giovanniego Legrenziego, który w drugiej połowie XVII w. kierował wenecką szkołą skrzypcową, był wybitnym kompozytorem, zwłaszcza w dziedzinie muzyki orkiestrowej. Podobno po nim Vivaldi odziedziczył zamiłowanie do eksperymentowania z kompozycjami instrumentalnymi.

W młodym wieku Vivaldi wszedł do tej samej kaplicy, w której jego ojciec pracował jako przywódca, a później zastąpił go na tym stanowisku.

Jednak profesjonalna kariera muzyczna została wkrótce uzupełniona o duchową – Vivaldi został księdzem. Stało się to 18 września 1693 r. Do 1696 r. był w niższym stopniu duchownym, a pełne prawa kapłańskie otrzymał 23 marca 1703 r. „Rudowłosy pop” - szyderczo nazywany Vivaldi w Wenecji, a ten przydomek pozostał z nim przez całe życie.

Otrzymawszy kapłaństwo, Vivaldi nie przerwał studiów muzycznych. Ogólnie rzecz biorąc, przez krótki czas zajmował się nabożeństwem - tylko rok, po czym zabroniono mu odprawiania mszy. Biografowie podają zabawne wytłumaczenie tego faktu: „Kiedyś Vivaldi odprawiał mszę i nagle przyszedł mu do głowy temat fugi; wychodząc z ołtarza udaje się do zakrystii, aby spisać ten temat, a następnie wraca do ołtarza. Nastąpił donos, ale Inkwizycja, uważając go za muzyka, czyli jakby szalonego, ograniczyła się tylko do zabronienia mu dalszego służenia na mszy.

Vivaldi zaprzeczał takim przypadkom, a zakaz odprawiania nabożeństw tłumaczył swoim bolesnym stanem. W 1737 r., kiedy miał przybyć do Ferrary, aby wystawić jedną ze swoich oper, nuncjusz papieski Ruffo zabronił mu wstępu do miasta, podając między innymi, że nie odprawiał mszy. Następnie Vivaldi wysłał list (16 listopada 1737) do swojego patrona, markiza Guido Bentivoglio: „Od 25 lat nie odprawiam Mszy i nigdy nie będę jej odprawiał w przyszłości, ale nie z powodu zakazu, jak można donieść Twoja łaska, ale z mojej własnej decyzji, spowodowanej chorobą, która dręczyła mnie od urodzenia. Kiedy otrzymałem święcenia kapłańskie, odprawiłem Mszę św. W efekcie prawie zawsze mieszkam w domu i jeżdżę tylko bryczką lub gondolą, bo nie mogę chodzić z powodu choroby klatki piersiowej, a raczej ucisku w klatce piersiowej. Żaden szlachcic nie wzywa mnie do swojego domu, nawet nasz książę, bo wszyscy wiedzą o mojej chorobie. Po posiłku zwykle mogę przejść się na spacer, ale nigdy na piechotę. To jest powód, dla którego nie wysyłam Mszy”. List jest o tyle ciekawy, że zawiera kilka codziennych szczegółów z życia Vivaldiego, które najwyraźniej przebiegało w sposób zamknięty w granicach jego własnego domu.

Zmuszony do rezygnacji z kariery kościelnej, we wrześniu 1703 Vivaldi wstąpił na stanowisko „maestro skrzypiec” do jednego z konserwatoriów weneckich, zwanego Seminarium Muzycznym Domu Hospicjum Pobożności, na stanowisko „maestro skrzypiec”, z wartością 60 dukatów rocznie. W tamtych czasach sierocińce (szpitale) przy kościołach nazywano konserwatoriami. W Wenecji były cztery dla dziewczynek, w Neapolu cztery dla chłopców.

Słynny francuski podróżnik de Brosse pozostawił następujący opis weneckich oranżerii: „Muzyka szpitali jest tutaj doskonała. Jest ich cztery i są wypełnione nieślubnymi dziewczętami, a także sierotami lub tymi, które nie są w stanie wychować rodziców. Wychowywane są na koszt państwa i uczone głównie muzyki. Śpiewają jak aniołowie, grają na skrzypcach, flecie, organach, oboju, wiolonczeli, fagocie, jednym słowem nie ma tak nieporęcznego instrumentu, który by ich przestraszył. W każdym koncercie bierze udział 40 dziewczyn. Przysięgam, że nie ma nic bardziej atrakcyjnego niż widok młodej i pięknej zakonnicy, ubranej na biało, z bukietami kwiatów granatu na uszach, bijącej czas z całą gracją i precyzją.

J.-J. Rousseau: „W niedziele w kościołach każdego z tych czterech Scuoles, podczas Nieszporów, z pełnym chórem i orkiestrą, motety skomponowane przez największych kompozytorów włoskich, pod ich osobistym kierownictwem, wykonują wyłącznie młode dziewczęta, z których najstarsza nie ma nawet dwudziestu lat. Są na trybunach za kratkami. Ani ja, ani Carrio nigdy nie przegapiliśmy tych Nieszporów w Mendicanti. Ale do rozpaczy doprowadzały mnie te przeklęte kraty, które przepuszczały tylko dźwięki i zasłaniały godne tych dźwięków twarze aniołów piękna. Właśnie o tym mówiłem. Kiedyś powiedziałem to samo do pana de Blond.

De Blon, który należał do administracji konserwatorium, przedstawił śpiewakom Rousseau. „Chodź, Sophio” była okropna. „Chodź, Kattina” – krzywiła się w jednym oku. „Chodź, Bettina”, jej twarz została zniekształcona przez ospę. Jednak „brzydota nie wyklucza uroku, a oni go posiadali” – dodaje Rousseau.

Wchodząc do Konserwatorium Pobożności, Vivaldi otrzymał możliwość pracy z pełną dostępną tam orkiestrą (z instrumentami dętymi i organami), która została uznana za najlepszą w Wenecji.

O Wenecji, jej życiu muzycznym i teatralnym oraz oranżeriach można oceniać następujące serdeczne słowa Romaina Rollanda: „Wenecja była wówczas muzyczną stolicą Włoch. Tam, podczas karnawału, każdego wieczoru odbywały się przedstawienia w siedmiu teatrach operowych. Każdego wieczoru spotykała się Akademia Muzyczna, czyli odbywało się spotkanie muzyczne, czasem były dwa lub trzy takie spotkania wieczorem. W kościołach codziennie odbywały się uroczystości muzyczne, kilkugodzinne koncerty z udziałem kilku orkiestr, kilku organów i kilku nakładających się chórów. W soboty i niedziele słynne nieszpory odprawiano w szpitalach, w tych kobiecych oranżeriach, gdzie muzyki uczono sieroty, podrzutki lub po prostu dziewczęta o pięknych głosach; dali koncerty orkiestrowe i wokalne, na które oszalała cała Wenecja..».

Pod koniec pierwszego roku służby Vivaldi otrzymał tytuł „maestro chóru”, jego dalszy awans nie jest znany, pewne jest jedynie, że pełnił funkcję nauczyciela skrzypiec i śpiewu, a także, z przerwami, jako lider orkiestry i kompozytor.

W 1713 otrzymał urlop i według wielu biografów wyjechał do Darmstadt, gdzie przez trzy lata pracował w kaplicy księcia Darmstadt. Pencherl twierdzi jednak, że Vivaldi nie wyjechał do Niemiec, ale pracował w Mantui, w książęcej kaplicy, a nie w 1713, ale w latach 1720-1723. Pencherl udowadnia to, odwołując się do listu Vivaldiego, który pisał: „W Mantui przez trzy lata służyłem pobożnemu księciu Darmstadt”, a czas jego pobytu tam określa faktem, że tytuł mistrza Kaplica książęca pojawia się na kartach tytułowych drukowanych dzieł Vivaldiego dopiero po 1720 roku.

Od 1713 do 1718 Vivaldi mieszkał w Wenecji prawie nieprzerwanie. W tym czasie jego opery wystawiano niemal corocznie, a pierwszą w 1713 roku.

Do roku 1717 sława Vivaldiego stała się nadzwyczajna. Na studia przyjeżdża do niego słynny niemiecki skrzypek Johann Georg Pisendel. Generalnie Vivaldi uczył głównie wykonawców dla orkiestry konserwatorium i nie tylko instrumentalistów, ale także śpiewaków.

Dość powiedzieć, że był nauczycielem takich wielkich śpiewaczek operowych jak Anna Giraud i Faustyna Bodoni. „Przygotował śpiewaczkę o imieniu Faustyna, którą zmusił do naśladowania jej głosem wszystkiego, co w jego czasach można było wykonać na skrzypcach, flecie, oboju”.

Vivaldi zaprzyjaźnił się z Pisendelem. Pencherl przytacza następującą historię I. Gillera. Pewnego dnia Pisendel spacerował ulicą św. Pieczęć z "Rudzielec". Nagle przerwał rozmowę i po cichu kazał natychmiast wracać do domu. W domu wyjaśnił powód swojego nagłego powrotu: przez długi czas odbywały się cztery zgromadzenia i obserwowały młodego Pisendela. Vivaldi zapytał, czy jego uczeń powiedział gdziekolwiek jakieś naganne słowa i zażądał, aby nigdzie nie wychodził z domu, dopóki sam nie zrozumie sprawy. Vivaldi zobaczył inkwizytora i dowiedział się, że Pisendel został pomylony z jakąś podejrzaną osobą, z którą był podobny.

Od 1718 do 1722 Vivaldi nie jest wymieniony w dokumentach Konserwatorium Pobożności, co potwierdza możliwość jego wyjazdu do Mantui. Jednocześnie pojawiał się okresowo w swoim rodzinnym mieście, gdzie nadal wystawiano jego opery. Do konserwatorium powrócił w 1723 roku, ale już jako słynny kompozytor. W nowych warunkach został zobowiązany do pisania 2 koncertów miesięcznie, z nagrodą w postaci cekinów za koncert oraz prowadzenia do nich 3-4 prób. Wypełniając te obowiązki Vivaldi łączył je z długimi i dalekimi podróżami. „Przez 14 lat”, napisał Vivaldi w 1737 roku, „podróżowałem z Anną Giraud do wielu miast w Europie. Spędziłem w Rzymie trzy sezony karnawałowe z powodu opery. Zostałem zaproszony do Wiednia”. W Rzymie jest najpopularniejszym kompozytorem, wszyscy naśladują jego styl operowy. W Wenecji w 1726 występował jako dyrygent orkiestry w Teatrze św. Angelo, podobno w 1728 r., jedzie do Wiednia. Potem następują trzy lata, pozbawione jakichkolwiek danych. Znowu kilka wstępów na temat inscenizacji jego oper w Wenecji, Florencji, Weronie, Ankonie rzucają nikłe światło na okoliczności jego życia. Równolegle od 1735 do 1740 kontynuował służbę w Konserwatorium Pobożności.

Dokładna data śmierci Vivaldiego nie jest znana. Większość źródeł wskazuje na rok 1743.

Zachowało się pięć portretów wielkiego kompozytora. Najwcześniejszy i najbardziej wiarygodny najwyraźniej należy do P. Ghezziego i odnosi się do 1723 roku. „Rudowłosy pop” jest przedstawiony z profilu sięgający do klatki piersiowej. Czoło lekko skośne, włosy długie podkręcone, podbródek spiczasty, wyraz życia pełen woli i ciekawości.

Vivaldi był bardzo chory. W liście do markiza Guido Bentivoglio (16 listopada 1737) pisze, że jest zmuszony do podróżowania w towarzystwie 4-5 osób - a wszystko to z powodu bolesnego stanu. Jednak choroba nie przeszkodziła mu w ekstremalnej aktywności. Jest w niekończących się podróżach, reżyseruje spektakle operowe, omawia role ze śpiewakami, zmaga się z ich kaprysami, prowadzi obszerną korespondencję, dyryguje orkiestrami i udaje mu się napisać niesamowitą liczbę utworów. Jest bardzo praktyczny i wie, jak załatwić swoje sprawy. De Brosse ironicznie mówi: „Vivaldi stał się jednym z moich bliskich przyjaciół, aby sprzedawać mi drożej swoje koncerty”. Pochyla się przed możnymi tego świata, roztropnie wybierając patronów, świętoszkowato religijny, choć bynajmniej nie skłonny do pozbawiania się ziemskich przyjemności. Będąc katolickim księdzem i zgodnie z prawami tej religii pozbawiony możliwości zawarcia małżeństwa, przez wiele lat zakochał się w swojej uczennicy, śpiewaczce Annie Giraud. Ich bliskość sprawiała Vivaldiemu wielkie kłopoty. I tak legat papieski w Ferrarze w 1737 r. odmówił Vivaldiemu wjazdu do miasta, nie tylko z powodu zakazu uczęszczania na nabożeństwa, ale w dużej mierze z powodu tej nagannej bliskości. Słynny włoski dramaturg Carlo Goldoni napisał, że Giraud była brzydka, ale atrakcyjna - miała cienką talię, piękne oczy i włosy, urocze usta, słaby głos i niewątpliwy talent sceniczny.

Najlepszy opis osobowości Vivaldiego można znaleźć we Wspomnieniach Goldoniego.

Pewnego dnia Goldoni został poproszony o wprowadzenie zmian do tekstu libretta opery Griselda z muzyką Vivaldiego, wystawianej w Wenecji. W tym celu udał się do mieszkania Vivaldiego. Kompozytor przyjął go z modlitewnikiem w rękach, w pokoju zaśmieconym notatkami. Bardzo się zdziwił, że zamiast starego librecisty Lalliego zmiany powinien wprowadzić Goldoni.

„- Wiem dobrze, mój drogi panie, że masz talent poetycki; Widziałem twojego Belizariusza, który bardzo mi się podobał, ale to jest zupełnie inne: możesz stworzyć tragedię, epicki wiersz, jeśli chcesz, a mimo to nie poradzić sobie z czterowierszem do muzyki.
- Daj mi przyjemność zapoznać się z Twoją grą.
- Proszę, proszę, z przyjemnością. Gdzie położyłem Griseldę? Była tutaj. Deus, in adjutorium meum intende, Domine, Domine, Domine. (Boże, zejdź do mnie! Panie, Panie, Panie). Była pod ręką. Domine adjuvandum (Panie, pomóż). Ach, oto jest, proszę pana, ta scena między Gualtiere i Griseldą, to bardzo fascynująca, wzruszająca scena. Autorka zakończyła ją żałosną arią, ale signorina Giraud nie lubi nudnych piosenek, chciałaby czegoś wyrazistego, ekscytującego, arii wyrażającej namiętność na różne sposoby, na przykład słowa przerywane westchnieniami, akcją, ruchem. Nie wiem czy mnie rozumiesz?
- Tak, proszę pana, już zrozumiałem, poza tym miałem już zaszczyt wysłuchać signoriny Giraud i wiem, że jej głos nie jest mocny.
- Jak pan obraża mojego ucznia? Wszystko jest dla niej dostępne, wszystko śpiewa.
- Tak, sir, ma pan rację; daj mi książkę i pozwól mi zabrać się do pracy.
- Nie, proszę pana, nie mogę, potrzebuję jej, bardzo się martwię.
- Cóż, jeśli pan jest tak zajęty, to daj mi to na minutę, a od razu cię zaspokoję.
- Od razu?
Tak, proszę pana, natychmiast.
Opat, chichocząc, daje mi sztukę, papier i kałamarz, ponownie bierze do ręki modlitewnik i idąc, czyta swoje psalmy i hymny. Przeczytałem znaną mi już scenę, przypomniałem sobie życzenia muzyka iw niecały kwadrans naszkicowałem na papierze arię z 8 wersów podzieloną na dwie części. Dzwonię do mojej osoby duchowej i pokazuję pracę. Vivaldi czyta, wygładza czoło, czyta ponownie, wydaje radosne okrzyki, rzuca brewiarz na podłogę i dzwoni do Signoriny Giraud. Pojawia się; cóż, mówi, oto rzadka osoba, oto znakomity poeta: przeczytaj tę arię; signor zrobił to bez wstawania ze swojego miejsca w kwadrans; potem zwracając się do mnie: ach, proszę pana, przepraszam. „I przytula mnie, przysięgając, że od teraz będę jego jedynym poetą”.

Pencherl kończy pracę poświęconą Vivaldiemu następującymi słowami: „Tak przedstawia się nam Vivaldi, gdy połączymy wszystkie indywidualne informacje o nim: stworzony z kontrastów, słaby, chory, a jednak żywy jak proch strzelniczy, gotowy na złość i natychmiast uspokój się, przejdź od świeckiej próżności do przesądnej pobożności, uparty, a jednocześnie uczynny w razie potrzeby, mistyk, ale gotów zejść na ziemię, jeśli chodzi o jego interesy, i wcale nie głupi w organizowaniu swoich spraw.

I jak to wszystko pasuje do jego muzyki! W nim wysublimowany patos stylu kościelnego łączy się z niestrudzonym żarem życia, wzlot miesza się z codziennością, abstrakcja z betonem. W jego koncertach surowe fugi, żałobne majestatyczne adagio, a wraz z nimi pieśni pospólstwa, słowa płynące z serca i wesoły taneczny dźwięk. Pisze utwory programowe – słynny cykl „Pory roku”, a na każdy koncert opatruje frywolnymi sielankowymi zwrotkami dla opata:

Nadeszła wiosna, uroczyście zapowiada.
Jej wesoły okrągły taniec i śpiew w górach.
A strumyk uprzejmie mruczy w jej kierunku.
Zefirowy wiatr pieści całą przyrodę.

Ale nagle zrobiło się ciemno, błyskawica zabłysła,
Wiosna to zwiastun - grzmot przetoczył się przez góry
I wkrótce zamilkł; i pieśń skowronka,
Rozproszeni na niebiesko, pędzą wzdłuż dolin.

Gdzie pokrywa się dywan kwiatów doliny,
Gdzie drzewa i liście drżą na wietrze,
Z psem u jego stóp, pasterz śni.

I znowu Pan może posłuchać magicznego fletu
Na jej dźwięk nimfy znów tańczą,
Powitanie wiosny Czarodziejki.

Latem Vivaldi sprawia, że ​​kukułka wrona, turkawka grucha, szczygły ćwierkają; w „Jesieni” koncert zaczyna się śpiewem wieśniaków wracających z pól. Tworzy także poetyckie obrazy natury w innych koncertach programowych, takich jak „Burza na morzu”, „Noc”, „Pastoralna”. Ma też koncerty, które obrazują stan umysłu: „Podejrzenie”, „Odpoczynek”, „Niepokój”. Jego dwa koncerty na temat „Noc” można uznać za pierwsze nokturny symfoniczne w muzyce światowej.

Jego pisma zadziwiają bogactwem wyobraźni. Dysponując orkiestrą, Vivaldi nieustannie eksperymentuje. Instrumenty solowe w jego kompozycjach są albo mocno ascetyczne, albo lekko wirtuozowskie. Motoryczność na niektórych koncertach ustępuje miejsca szczodremu śpiewowi, na innych melodyjności. Barwne efekty, gra barw, jak w środkowej części Koncertu na troje skrzypiec o uroczym brzmieniu pizzicato, są niemal „impresjonistyczne”.

Vivaldi tworzył z fenomenalną szybkością: „Jest gotów założyć się, że potrafi skomponować koncert ze wszystkimi jego partiami szybciej, niż skryba może go przepisać” – pisał de Brosse. Być może stąd bierze się spontaniczność i świeżość muzyki Vivaldiego, która zachwyca słuchaczy od ponad dwóch stuleci.

L. Raaben, 1967

Antonio Vivaldi (1678-1741) - jeden z wybitnych przedstawicieli epoki baroku. Urodził się w Wenecji, gdzie po raz pierwszy uczył się u ojca, skrzypka w kaplicy św. Mark, następnie ulepszony przez Giovanniego Legrenzi. Wielokrotnie koncertował w różnych krajach Europy, z wielkim entuzjazmem angażując się w nauczanie i wystawianie swoich oper. Przez długi czas był nauczycielem skrzypiec w jednym z weneckich sierocińców dla dziewcząt.

Ze względu na kolor włosów Vivaldi był nazywany „czerwonym kapłanem” (Prete rosso). Owszem, łączył zawód muzyka z obowiązkami duchownego, ale potem został z niego zwolniony za „bezprawne” zachowanie podczas nabożeństwa. Ostatnie lata kompozytor spędził w Wiedniu, gdzie zmarł w nędzy.

Dziedzictwo twórcze Vivaldiego obejmuje ponad 700 tytułów: 465 koncertów instrumentalnych (z czego pięćdziesiąt to grossi), 76 sonat (w tym sonat trio), około 40 oper (jednym z jego librecistów był słynny C. Goldoni), dzieła kantatowo-oratoryjne, m.in. teksty duchowe. Główne znaczenie historyczne jego twórczości polega na stworzeniu solowego koncertu instrumentalnego.

Jeden z najbardziej wrażliwych artystów swoich czasów, Vivaldi był jednym z pierwszych kompozytorów, którzy na pierwszy plan wysunęli w sztuce otwartą emocjonalność, pasję (afekt), indywidualne odczucie liryki. Pod jego niewątpliwym wpływem typ koncertu na kilku solistów (concerto grosso), niezwykle typowy dla muzyki barokowej, w epoce klasycznej zszedł na dalszy plan, ustępując miejsca koncertom solowym. Zastąpienie grupy solistów jedną partią było wyrazem tendencji homofonicznych.

To Vivaldi opracował strukturę i tematykę recitalu późnego baroku. Pod wpływem włoskiej uwertury operowej tworzy trzyczęściowy cykl koncertowy (szybko – wolno – szybko) i aranżuje następstwo tutti i solo w oparciu o barokową formę koncertową.

Forma koncertowa epoki baroku opierała się na przemianie ritornello (tematu głównego), wielokrotnie powracającego i transponowanego, z epizodami opartymi na nowych tematach melodycznych, materiale figuratywnym lub motywowanym rozwinięciu tematu głównego. Ta zasada nadawała mu podobieństwo do ronda. Fakturę charakteryzują kontrasty orkiestrowego tutti i solo, odpowiadające wyglądowi ritornello i epizodów.

Pierwsze części koncertów Vivaldiego są energiczne, stanowcze, zróżnicowane pod względem faktury i kontrastów. Druga część przenosi słuchacza w krainę tekstów. Tu dominuje pieśń, obdarzona cechami improwizacji. Tekstura jest w przeważającej mierze homofoniczna. Końcówki są genialne, pełne energii, dopełniają cykl szybkim, żywym ruchem.

Dynamiczna, cykliczna, trzyczęściowa forma koncertów Vivaldiego wyrażała artystyczne ideały sztuki „dobrze zorganizowanego kontrastu”. W logice ich figuratywnego rozwoju tropi się wpływ ogólnej koncepcji estetycznej epoki baroku, która podzieliła świat ludzki niejako na trzy hipostazy: Akcja - Kontemplacja - Zabawa.

Solowy koncert instrumentalny Vivaldiego skupia się na niewielkiej kompozycji instrumentów smyczkowych prowadzonych przez solistę. Może to być wiolonczela, wiolonczela, flet podłużny lub poprzeczny, obój, fagot, trąbka, a nawet mandolina lub szal. A przecież skrzypce najczęściej występują jako solista (około 230 koncertów). Technika skrzypcowa w koncertach Vivaldiego jest zróżnicowana: porywające pasaże, pasaże, tremolo, pizzicato, podwójne nuty (do najtrudniejszych odcinków dziesiętnych), skordatura, użycie najwyższego rejestru (do 12. pozycji).

Vivaldi zasłynął jako wybitny koneser orkiestry, wynalazca wielu efektów kolorystycznych. Posiadając wyczucie kolorowania dźwięków, swobodnie sięgał po wiele instrumentów i ich kombinacji. Używał obojów, rogów, fagotów, trąbek, rogów angielskich nie jako dublujących się głosów, ale jako niezależnych instrumentów melodycznych.
Muzyka Vivaldiego pochłaniała elementy barwnego weneckiego folkloru muzycznego, bogatego w melodyjne pieśni, barkarole i zapalające rytmy taneczne. Kompozytor szczególnie chętnie opierał się na sycylijskim, powszechnie używanym metrum 6/8, typowym dla włoskich tańców ludowych. Często posługując się magazynem akordowo-harmonicznym, umiejętnie wykorzystywał także techniki rozwoju polifonicznego.

Wydając swoje koncerty w seriach po 12 lub 6 utworów, Vivaldi nadał także ogólne oznaczenia dla każdej z serii: „Inspiracja harmoniczna” (op. 3), „Ekstrawagancja” (op. 4), „Cytra” (op. 9).

Vivaldiego można nazwać twórcą programowej muzyki orkiestrowej. Większość jego koncertów ma określony program. Na przykład: „Polowanie”, „Burza na morzu”, „Pasterka”, „Odpoczynek”, „Noc”, „Ulubiony”, „Szczywo”.
Koncerty skrzypcowe Vivaldiego bardzo szybko stały się szeroko znane w Europie Zachodniej, a zwłaszcza w Niemczech. Wielki J.S. Bach „dla przyjemności i nauczania” sam przepisał dziewięć koncertów skrzypcowych Vivaldiego na clavier i organy. Dzięki tym muzykom Vivaldi, który nigdy nie był na ziemiach północnoniemieckich, okazał się w pełnym tego słowa znaczeniu „ojcem” niemieckiego instrumentalizmu XVIII wieku. Rozpowszechnione w całej Europie koncerty Vivaldiego były przykładem gatunku koncertowego dla współczesnych. W ten sposób koncert clavier ukształtował się pod niewątpliwym artystycznym wpływem koncertu skrzypcowego (przekonującym przykładem jest ).

Karykatura „Czerwonego księdza” Vivaldiego

Nazywany „Czerwonym Kapłanem” ze względu na jasny kolor włosów, był utalentowanym skrzypkiem i jednym z wielkich kompozytorów epoki baroku.

Znany z koncertów instrumentalnych, głównie skrzypiec, chorałów świętych, a także ponad 40 oper. Jeden z jego najlepszych koncertów, The Four Seasons, przeszedł wiele odrodzenia, a niektóre jego fragmenty są używane wszędzie. Przejdźmy do biografii mistrza.

Antonio Lucio Vivaldi urodził się 4 marca 1678 roku w Wenecji. Jego ojciec był skrzypkiem w katedrze św. Marka. Najprawdopodobniej to rodzic dał Antonio pierwszą edukację muzyczną. Vivaldi został wyszkolony na duchownego i porzucając światowe pretensje, został wyświęcony w 1703 roku. Istnieje opinia, że ​​zamierzał ubezpieczyć się od trudności finansowych, zdobyć bezpłatną edukację, a także móc skupić się na karierze muzycznej. Dom dziecka dla dziewcząt („Ospedale della Pietà”) prowadzony przez Antonio

Była anegdota, że ​​Vivaldi opowiedział chorym, opuścił ołtarz i ukrył się w zakrystii, aby skomponować kolejne dzieło. Tak czy inaczej, ale tak zaczęła się droga kompozytora do sławy. Umiejętności skrzypka i dobra organizacja sprawiły, że zespół instrumentalny sierocińca dla dziewcząt („Ospedale della Pietà”) pod dyrekcją Antonia stał się tak popularny, że na niedzielny koncert w kościele La Pietà tłumnie gromadziły się tłumy.

Powstanie Vivaldiego jako kompozytora

Vivaldi zawsze dążył do prostoty i przejrzystości

Do 1705 r. renoma kompozytora doprowadziła do wydania serii 12 sonat triowych, a trzy lata później – zbioru sonat skrzypcowych. Wenecjanie zaczęli zdawać sobie sprawę, że ich rodak to geniusz muzyczny, który doprowadził do perfekcji barokową formę koncertową, a jednocześnie znalazł nowe podejście do rozwoju ekspresji w muzyce instrumentalnej. Bardzo ważne w tym zakresie było wydanie zbioru 12 koncertów „L'Estro Armonico”. Zbiór ten stał się standardem organizowania materiału muzycznego w jednej formie, co otwiera ogromne możliwości dla nowych badań.

Vivaldi zawsze dążył do prostoty i przejrzystości, unikając napaści i skupiając się na ekspresyjnym ujawnieniu jednej melodii, towarzyszącej jej nienaganną przejrzystą harmonią. Te koncerty stały się rewelacją dla współczesnych, przekreślając wszystko, co wcześniej napisano w tym gatunku. Stały się również wyzwaniem dla innych, którzy chcieli prześcignąć Antonio, ale niewielu mogło zbliżyć się do takiego połączenia pasji, wyobraźni, wdzięku i harmonii.

Nie jest więc przypadkiem, że młodzi, zapoznawszy się z L'Estro Armonico, posłużyli się nim jako wzorem dla własnych kompozycji.

Jego biograf Nikolaus Forkel skomentował ten fakt: „Często ich słuchał, z wielką uwagą, aż w końcu postanowił przepisać je na swój clavier. W ten sposób nauczył się logiki pomysłów muzycznych, struktury, prawidłowej kolejności modulacji i wiele więcej… nauczył myślenia muzycznego… aby brać swoje pomysły muzyczne nie z palców, ale z wyobraźni.

Odwołanie Vivaldiego do wokalnych gatunków muzycznych

Opera „Ottone in villa” wyznaczyła nowy etap w życiu kompozytora

Vivaldi tymczasem nie spoczął na laurach, zainteresował się operą. Debiut „Ottone in villa” w 1713 r. zapoczątkował nowy etap w życiu kompozytora, który coraz więcej czasu zaczął poświęcać komponowaniu, poszukiwaniu funduszy i reżyserowaniu przedstawień operowych. Kolejnym ważnym i przełomowym punktem było przeniesienie w 1714 roku jego wodza Gaspariniego do Rzymu. W wyniku tego wydarzenia Antonio musiał stworzyć materiał na chór Pieta, a także pracować nad własnymi utworami instrumentalnymi i operowymi.

Już pod koniec przyszłego roku Vivaldi zaprezentował mszę, oratorium, nieszpory i ponad 30 hymnów. Wcześniej, w 1714 roku, udało mu się opublikować kolejne udane dzieło z gatunku koncertowego - "La stravanganza". Publiczność raz po raz z wdzięcznością przyjmowała jego utwory, w których następował rozwój form muzycznych, zarówno solowych koncertów instrumentalnych, jak i koncertów zespołowo-orkiestrowych - concerto grosso (concerto grosso). W 1714 Vivaldi opublikował kolejną udaną pracę z gatunku koncertowego - „La stravanganza”

Wędrujące lata

Po serii zwycięstw Vivaldi postanawia wyjechać na dłuższe wakacje, podróżuje po Włoszech i Europie. Był okres, kiedy służył gubernatorowi Mantui, Philippowi von Hesse-Homburg. Tam Antonio poznał śpiewaczkę Annę Giraud, która później występowała jako sopran w jego operach. Ich związek był dość bliski, Anna i jej siostra często towarzyszyły kompozytorowi w jego podróżach.

Mieszkając w Rzymie w latach 1723-1724 kompozytor miał okazję zaprezentować swoją muzykę Papieżowi, gdzie zrobił na nim dobre wrażenie.

W Amsterdamie nadal wydaje koncerty. Zwieńczeniem twórczości był zestaw 8 koncertów, wydany w 1725 roku. Kolekcja, zatytułowana Il cimento dell'armonia e dell'inventione, zawierała cieszące się międzynarodowym uznaniem koncerty zatytułowane Cztery pory roku. Towarzyszyły im krótkie wersety opisujące sezonowe szkice, które Vivaldi próbował powtórzyć w swojej muzyce. Nie mniej malowniczo prezentują się także inne dzieła z tego zbioru, takie jak koncerty skrzypcowe Burza na morzu i Polowanie.
Koncertom zatytułowanym „Cztery pory roku” Vivaldiego towarzyszyły krótkie wiersze opisujące szkice sezonowe.

Kolejny, ostatni opublikowany cykl koncertów „La Cetra” ukazał się w 1727 roku. Kolekcja ta była dedykowana cesarzowi austriackiemu Karolowi VI, którego Vivaldi poznał w Wiedniu na początku lat 20. XX wieku. Cesarz, będąc kompozytorem-amatorem, był pod wrażeniem twórczości Antonia.

Potwierdza to relacja z ich spotkania w 1728 r.: „Cesarz długo rozmawiał z Vivaldim o muzyce, mówią, że w ciągu 15 dni rozmawiał z nim prywatnie więcej niż rozmawiał ze swoimi ministrami przez dwa lata”

Ciekawe, że pod tytułem „La Cetra” kryje się drugi cykl 12 koncertów, również dedykowany cesarzowi, ale zawierający tylko jedną wspólną kompozycję. Muzyka w tej kolekcji jest nie mniej ciekawa niż wcześniejsza kolekcja, o równie wysokiej jakości.

Powrót do domu i okres schyłkowy

Od początku lat 30. A. Vivaldi przeżywa okres długiego upadku

Od początku lat 30. sława Antonio Vivaldiego przechodziła w okres długiego upadku. Nowi kompozytorzy i nowe style muzyczne przykuli uwagę publiczności. Jego długa nieobecność w Wenecji dała się we znaki i nie był już w stanie wrócić do dawnej działalności w Piecie.

Śmierć Antonio Vivaldi

W 1737 roku jego opery zostały zakazane pod pretekstem, że ze względu na związek z Anną Giraud nie może już być księdzem. Doprowadziło to również do rozwiązania umowy z Pietą. Pod koniec 1740 r. zmęczony długą izolacją Vivaldi udał się do Wiednia, ale jego przyjaciel, cesarz Karol VI, zmarł na krótko przed przyjazdem kompozytora, a Austria pogrążyła się w wojnie o królewską sukcesję. W rezultacie, nie znajdując pod koniec życia wsparcia, Antonio Vivaldi zmarł 28 lipca 1741 r. i został pochowany jako żebrak.