Współcześni pianiści: lista najlepszych pianistów naszych czasów, prace. Najbogatsi pianiści na świecie Najlepszy pianista na świecie

KGKP „Szkoła Sztuki Akimat Okręgu Szemonaikha”

Projekt badawczy

Wielcy pianiści - wykonawcy

XIX, XX, XXI wiek

Przygotowane przez: Tajurski Daria Klasa 5

Podfatiłow Denis klasa 3

Lider zespołu:

nauczyciel w szkole artystycznej

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Szemonaikha, 2016.

Wstęp……………………………………………………………...2

XIX wiek………………………………………………………………..3

XX wiek………………………………………………………………..13

XXI wiek……………………………………………………………….24

Wniosek…………………………………………………..............

... "fortepian - jest początkiem i końcem wszystkiego, nie tyle instrumentem muzycznym, ile sposobem na życie, a znaczenie nie tkwi w muzyce dla muzyki, ale w muzyce dla fortepianu.”

Herold Schonberg

pianiści– ten muzycy, specjalizuje się w wykonawstwie utworów muzycznych na fortepianie.

Świetni pianiści. Jak zostać wielkim pianistą? To zawsze dużo pracy. A wszystko zaczyna się w dzieciństwie. Wielu pianistów i kompozytorów zaczęło grać muzykę w wieku 4, a nawet 3 lat.Następnie powstaje „szeroki” kształt dłoni, który w przyszłości pomaga w mistrzowskiej grze.

W zależności od epoki rozwoju muzyki fortepianowej stawiano niekiedy pianistom diametralnie odmienne wymagania. Ponadto zawód muzyka nieuchronnie krzyżuje się z zawodem kompozytora. Większość pianistów samodzielnie komponuje utwory fortepianowe. I tylko nielicznym wirtuozom udało się zasłynąć, wykonując wyłącznie cudze melodie.
W każdym razie, jak każdy muzyk, ważne jest, aby pianista był szczery i emocjonalny, aby potrafił rozpłynąć się w wykonywanej muzyce.

Historia muzyki fortepianowej jest dość ciekawa. Jest w nim kilka etapów, z których każdy ma swoje własne tradycje. Często kanony epoki wyznaczał jeden (rzadko przez kilku) kompozytorów, który po mistrzowsku grał na instrumencie (najpierw był to klawesyn, później fortepian).

Dlatego, podkreślając trzy epoki w historii pianistyki, noszą one imię najsłynniejszych kompozytorów – Mozarta, Liszta i Rachmaninowa. W tradycyjnej terminologii historyków były to odpowiednio epoki klasycyzmu, następnie romantyzmu i wczesnego modernizmu.

Każdy z nich pozostał przez wieki wielkim kompozytorem, ale w swoim czasie wyznaczał także kluczowe nurty pianistyczne: klasycyzm, romantyzm i wczesnomodernizm. Jednocześnie z każdym z nich działali jednocześnie inni wielcy pianiści. Niektórzy z nich byli także świetnymi kompozytorami. Byli to: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Fryderyk Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann i inni.

Jeśli udasz się w podróż do historii nauki o fortepianie, możesz dowiedzieć się wielu ciekawych rzeczy. Na przykład, że w różnych czasach, w różnych epokach, kluczowe tradycje gry na fortepianie wyznaczał jeden lub kilku wielkich kompozytorów, którzy doskonale opanowali klawesyn, a później, wraz z pojawieniem się fortepianu, byli znakomitymi pianistami.

Wielu znanych pianistów bawiło i zachwycało słuchaczy i melomanów na przestrzeni dziejów. Pianino stało się jednym z najpopularniejszych instrumentów od czasu jego wynalezienia dzięki swojej wszechstronności i przyjemnemu brzmieniu. Choć historia zachowała kilka nazwisk wielkich pianistów, to jednak każda recenzja najsłynniejszych pianistów-wykonawców jest bardzo subiektywna, a nazwiska takich wykonawców trudno zmieścić w jednej liście.

Jednak wciąż są pianiści, którym udało się wspiąć na szczyt światowej sławy i uznania.

XIXstulecie

W drugiej połowie XIX wieku w życie muzyczne wkracza nowy instrument - fortepian. Wynalazcą tego „klawesynu z fortepianem i forte” był mistrz z Padwy

Bartolomeo Cristoforiego.

Stopniowo doskonalony fortepian zajął dominujące miejsce w praktyce muzycznej. Instrument z mechanizmem młoteczkowym pozwalał na wydobywanie na nim dźwięków o różnej sile i stopniowe nakładanie crescendoIdiminuendo. Te cechy fortepianu odpowiadały pragnieniu emocjonalnej ekspresji dźwięków, przekazywania w ich ruchu i rozwijania wzbudzających ludzi obrazów, myśli i uczuć.

Wraz z pojawieniem się fortepianu i wprowadzeniem go do praktyki wykonawczej narodzili się nowi przedstawiciele.

19 wiek zaproponowali całą plejadę wybitnych kompozytorów, którzy znacznie poszerzyli granice środków technicznych i wyrazowych fortepianu. W największych miastach europejskie ośrodki kultury muzycznej i wykonawczej, główne szkoły pianistyczne, ten:

Londyn(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);

Wiedeń(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Zygmunt Thalberg i inni);

Paryski, później znany jako Francuski(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer i inni);

Niemiecki(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow i inni);

Rosyjski(Aleksander Dubuk, Michaił Glinka, Anton i Nikołaj Rubinstein itp.).

XIX-wieczny styl wykonania

Historia rozwoju techniki fortepianowej to historia kultur i stylów. Wśród nieodzownych umiejętności pianisty XVIII-XIX w. miała być improwizacja, wówczas pianista nie oddzielił się jeszcze od kompozytora, a jeśli wykonywał czyjąś muzykę, wówczas regułą uważano za bardzo wolną, indywidualnie twórczą. W przypadku tekstu muzycznego istniała praktyka kolorowania i wariacji, która jest obecnie uważana za nieważną.

Styl mistrzów XIX wieku był przepełniony taką wykonawczą samowolą, że uznalibyśmy go za w stu procentach niesmaczny i nie do przyjęcia.

Wybitną rolę w rozwoju muzyki fortepianowej i kultury pianistycznej ma: Szkoły w Londynie i Wiedniu.

Założycielem Szkoły Londyńskiej był słynny wirtuoz, kompozytor i pedagog

Muzio Clementi (1752-1832)

Muzyka Clementi a jego uczniowie grali na angielskim pianinie, które miało świetne brzmienie i wymagało wyraźnego, mocnego naciśnięcia klawisza, ponieważ instrument ten miał bardzo ciasną klawiaturę. Fortepian wiedeński, zaprojektowany przez mistrza Johanna Steina i faworyzowany przez Mozarta, miał bardziej melodyjne, choć nie tak mocne brzmienie, i miał stosunkowo lekką klawiaturę. W związku z tym, stając się dyrektorem, a następnie współwłaścicielem jednej z największych firm fortepianowych w Anglii, Clementi dokonał udoskonalenia angielskich instrumentów, nadając im większej melodyjności i rozjaśniając klawiaturę. Impulsem do tego było osobiste spotkanie Clementiego i Mozarta w 1781 roku w Wiedniu, gdzie na dworze cesarza austriackiego odbył się ich pierwotny konkurs kompozytorski i pianistyczny. Clementiego uderzyła uduchowiona gra Mozarta i jego „śpiew fortepianowy”.

Muzyka Clementi - autor licznych utworów fortepianowych i największy nauczyciel stworzył własną szkołę gry na fortepianie. Był autorem pierwszych w historii fortepianu pouczających ćwiczeń technicznych i etiud, dających wyobrażenie o jego zasadach metodologicznych.

Sam Clementi i jego uczniowie (I. Kramer, D. Field - jeden z najzdolniejszych uczniów, E. Brekr) - najważniejsi wirtuozi początku XIX wieku - odznaczali się doskonałą techniką palcową. Clementi wraz ze swoimi uczniami stworzył progresywną technikę skoncentrowaną na opracowaniu nowych sposobów interpretacji instrumentu, wykorzystując pełną perspektywę brzmieniową i reliefową „koncertu”. Praca pedagogiczna M. Clementiego „Krok do Parnasu, czyli Sztuka gry na pianinie, zawarta w 100 ćwiczeniach w surowym i eleganckim stylu”. Praca ta jest podstawową szkołą kształcenia umiejętności pianistycznych, 100 ćwiczeń zadziwia różnorodnością treści i objętością wykonywanych zadań. Wielu przedstawicieli szkoły londyńskiej było odważnymi innowatorami w dziedzinie pianistyki, wykorzystując w swoich kompozycjach oprócz pasaży palców, podwójnych nut, oktaw, konstrukcji akordowych, prób i innych technik, które nadają brzmieniu blasku i różnorodności.

Szkoła Clementi zrodziła pewne tradycje w pedagogice fortepianowej:

zasada wielogodzinnych ćwiczeń technicznych;

granie „izolowanymi” palcami w kształcie młotka nieruchomą ręką;

nasilenie rytmu i dynamika kontrastu.

Założycielami Szkoły Wiedeńskiej byli wielcy kompozytorzy-pianiści: Haydn, Mozart i Beethoven.

Bardzo znany był wybitny przedstawiciel progresywnej pedagogiki fortepianowej.

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

„Teoretyczna i praktyczna szkoła fortepianowa” Czernego ma wiele wspólnego z „Podręcznikiem” Hummla. Mówiąc szczegółowo o technice gry, o sposobach jej rozwoju i zdobywania umiejętności potrzebnych pianiście, podkreśla w trzeciej części swojej pracy, że to wszystko jest tylko „środkiem do osiągnięcia prawdziwego celu sztuki, który, niewątpliwie jest włożenie duszy w wykonanie i ducha, a tym samym wpływanie na uczucia i myśli słuchaczy.

Należy stwierdzić, że XIX-wieczne metody nauczania zostały zredukowane do zadań czysto technicznych, które opierały się na chęci rozwijania siły i płynności palców poprzez wielogodzinne treningi. Wraz z tym w pierwszej połowie XIX wieku najzdolniejsi wykonawcy, głównie uczniowie Clementiego, Adama, Czernego, Fielda i innych wybitnych pedagogów, którzy osiągnęli wysoką wirtuozerię, śmiało rozwijali nowe techniki gry na fortepianie, osiągając potęgę brzmienie instrumentu, jasność i blask złożonych pasaży. Szczególne znaczenie w fakturze ich utworów miały konstrukcje akordowe, oktawy, podwójne nuty, próby, techniki ręcznego przesuwania i inne efekty wymagające udziału całej ręki.

Paryż XIX wiek to centrum kultury muzycznej, umiejętności wirtuozowskie. Uważa się twórcę paryskiej szkoły gry na fortepianie kompozytor, pianista, pedagog

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

W swojej pracy „Metoda nauczania gry na fortepianie za pomocą rączki” (1830) uzasadniono wykorzystanie urządzeń technicznych do rozwoju różnych rodzajów techniki (drobne, rozciąganie mięśni itp.). Funkcja szkoły tego typu – wspólnota autorytarnych pedagogicznych instalacje. Szkolenie rozpoczęło się od wypracowania prawidłowego dopasowania do instrumentu i opanowania najprostszych formuł motoryczno-technicznych, a dopiero znacznie później uczniowie zaczęli uczyć się utworów muzycznych.

Pragnienie wirtuozerii prowadziło do wymuszania tempa zajęć, nadużywania ćwiczeń mechanicznych, co prowadziło do chorób zawodowych i spadku kontroli słuchu.

Niemcy XIX wiek Wpływ działalności literacko-krytycznej i pedagogicznej na romantyczną estetykę tego kraju jest znaczący.

Robert Schumann (1810-1856)

Znaczące miejsce w twórczości Roberta Schumanna zajmował rozwój kwestii formacji muzyka - prawdziwego artysty nowego typu, zasadniczo różniącego się od modnych wirtuozów. Kompozytor uważa to za jeden z najskuteczniejszych sposobów podnoszenia kultury muzycznej.

Problematyka pedagogiki muzycznej poruszana jest w utworach R. Schumanna „Zasady domu i życia dla muzyków”, „Suplement do albumu dla młodzieży”, w przedmowie do Etiud o Kaprysach Paganiniego op. główne zagadnienia muzyczne i pedagogiczne to: współdziałanie edukacji etycznej i estetycznej, zdobywanie głębokiej i wszechstronnej wiedzy stanowiącej podstawę wszelkiej edukacji, formułowanie zasad sztuki poważnej oraz krytyka kierunku salonowego i pasja do „technika dla techniki” w komponowaniu i sztukach scenicznych, walka z dyletantyzmem.

Poglądy muzyczne i pedagogiczne Schumanna służyły i służą jako podstawa zaawansowanych nowoczesnych metod. Muzyka fortepianowa kompozytora jest nadal aktywnie wykorzystywana w programach nauczania na wszystkich poziomach do dziś.

Nie sposób nie powiedzieć o tak wielkim kompozytorze i wirtuozie polskim pianiście

Fryderyka Chopina (1810-1849)

W pierwszej połowie XIX wieku Fryderyk Chopin stał się pierwszym kompozytorem, który pisał wyłącznie na fortepian. Jako uzdolnione dziecko Chopin napisał wiele pięknych i skomplikowanych utworów fortepianowych, które od lat zachwycają wielu uczniów i pianistów. Chopin szybko podbił Paryż. Od razu uderzył publiczność osobliwym i niezwykłym występem. W tym czasie Paryż był zalany muzykami z całego świata. Największą popularnością cieszyli się pianiści wirtuozi. Gra której wyróżniała się techniczną perfekcją i błyskotliwością, zachwycając publiczność. Dlatego już pierwszy koncert Chopina zabrzmiał tak ostrym kontrastem. Według wspomnień współczesnych jego występ był zaskakująco duchowy i poetycki. O pierwszym koncercie Chopina zachowała się pamięć słynnego węgierskiego muzyka Franciszka Liszta. Pianista i kompozytor, który również rozpoczął swoją błyskotliwą karierę: „Wspominamy jego pierwszy występ w Sali Pleyela, kiedy oklaski, wzmagające się z nawiązką, nie wydawały się w żaden sposób wystarczające, by wyrazić nasz entuzjazm wobec talentu, który, wraz z radosnymi innowacjami w dziedzinie jego sztuki otworzył nową fazę rozwoju poetyckiego uczucia. Chopin podbił Paryż, tak jak Mozart i Beethoven niegdyś podbili Wiedeń. Podobnie jak Liszt został uznany za najlepszego pianistę na świecie.

Węgierski kompozytor, pianista, dyrygent, pedagog

Franciszek Liszt (1811-1886)

W tym samym wieku i przyjaciel F. Chopina. Nauczycielem fortepianu Ferenca był K. Czerny.

Występując na koncertach od 9 roku życia Liszt zasłynął jako pianista-wirtuoz.

W latach 1823-1835. mieszkał i koncertował w Paryżu, gdzie rozwijał także działalność pedagogiczną i kompozytorską. Tu muzyk spotkał się i zaprzyjaźnił z G. Berliozem, F. Chopinem, J. Sand oraz innymi wybitnymi postaciami sztuki i literatury.

W latach 1835-1839. Liszt podróżował po Szwajcarii i Włoszech iw tym okresie doprowadził do perfekcji swoje umiejętności pianistyczne.

W swojej twórczości kompozytorskiej Liszt wysunął ideę syntezy kilku sztuk, przede wszystkim muzyki i poezji. Stąd jego główna zasada - programowanie (muzyka komponowana jest pod określoną fabułę lub obraz). Efektem podróży do Włoch i zapoznania się z malarstwem włoskich mistrzów był cykl fortepianowy „Lata tułaczki”, a także fantastyczna sonata „Po lekturze Dantego”.

Ogromny wkład w rozwój koncertowej muzyki fortepianowej wniósł także Franciszek Liszt.

Kultura muzyczna Rosji w XIX wieku. wydaje się być rodzajem „wehikułu czasu”. Przez sto lat Rosja przeszła trzywieczną drogę, której nie można porównać z płynnym i stopniowym rozwojem narodowych szkół kompozytorskich w dużych krajach Europy Zachodniej. I dopiero wtedy rosyjskim kompozytorom udało się w dosłownym tego słowa znaczeniu opanować nagromadzone bogactwo sztuki ludowej i ożywić ludową myśl w pięknych i doskonałych formach muzyki klasycznej.

Pod koniec XVIII - początek XIX wieku. pedagogika muzyczna w Rosji stawia pierwsze kroki: powstaje rosyjska szkoła pianistyczna. Charakteryzuje się aktywnym rozwojem zagranicznych metod nauczania i jednocześnie pragnienie zaawansowanych rosyjskich nauczycieli, aby stworzyć narodową szkołę pianistyczną.

W przeciwieństwie do Europy Zachodniej Rosja nie znała wysoko rozwiniętej kultury clavier, choć klawesyn był znany od XVI wieku. Rosyjscy słuchacze wykazywali duże zainteresowanie wyłącznie muzyką wokalną, a instrumenty klawiszowe, które istniały w Rosji, służyły do ​​akompaniamentu śpiewu i tańca. Dopiero pod koniec XVIII wieku. rosnące zainteresowanie nauką gry na clavier. Szkoła Claviera Simona Leleina, fragmenty "Szkoły Claviera" Daniela Gottlieba Türka zostały opublikowane w języku rosyjskim.

Na początku XIX wieku datuje się publikacja traktatu Vincenzo Manfrediniego „Zasady harmonii i melodyki w nauczaniu wszelkiej muzyki”. Wraz z tym w pierwszej połowie XIX wieku ukazały się w języku rosyjskim różne szkoły pianistyczne zagranicznych muzyków: „Szkoła gry na fortepianie” M. Clementiego (1816), „Praktyczna szkoła gry na fortepianie” D. Steibelta (1830), „ Szkoła” F Günten (1838) i inni.

Wśród wybitnych muzyków-nauczycieli pierwszej połowy XIX wieku. byli I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gercke, Alexander Villuan.

W tych latach w Rosji kończyły się także szkoły rosyjskich autorów, których kompilatorzy starali się zbliżyć pomoce dydaktyczne do zadań kształcenia rosyjskich muzyków. W repertuarze „Szkoły” I. Pracha (Czech, prawdziwe nazwisko Jan Bohumir, rok urodzenia nieznany, zm. 1818; kompozytor, który przez długi czas pracował w Petersburgu jako nauczyciel muzyki w różnych placówkach oświatowych) na przykład wiele prac autorów rosyjskich.

W oryginalnym przewodniku I. Pracha"Kompletna Szkoła Fortepianowa..." (1806) uwzględniała specyfikę rosyjskiej kultury wykonawczej; poruszono kwestie edukacji muzycznej dzieci. Prach wniósł znaczący wkład w rozwój pedagogiki fortepianowej. Konkretyzuje zapisy teoretyczne na podstawie wytycznych metodycznych, które określają różne sposoby realizacji. (figuracje harmoniczne, pasaże i akordy, łamane oktawy itp.) z przykładami ilustrującymi daną technikę lub ruch.

Czynność J. Field jako muzyk i pedagog miał ogromne znaczenie dla rosyjskiej pedagogiki fortepianowej. Wychował całą plejadę znanych muzyków, takich jak M. Glinka, A. Wierstowski, A. Gurilew, A. Gerke i wielu innych. Szkoła Fielda miała oczywiście ogromne znaczenie. Można go uznać za założyciela wiodącej szkoły pianistycznej. W latach 20-30. 19 wiek W swoich studiach Field starał się podporządkować pracę techniczną celom artystycznym: wyrazistość frazowania, filigranowe wykończenie brzmienia każdej nuty, ujawnienie treści dzieła.

A. HenseltIA. Gerke

Wykładali w ogólnokształcących instytucjach edukacyjnych iw Konserwatorium Petersburskim. Ich metoda pedagogiczna odzwierciedlała postępowy kierunek rosyjskiej szkoły pianistycznej, a mianowicie: rozwijanie horyzontów w oparciu o wykorzystanie bogatego repertuaru, chęć wychowania samodzielności ucznia. Byli zagorzałymi przeciwnikami metody „treningu”, „wiercenia”.

A. Villuan był postępowym pedagogiem. Jego historyczna rola polega na tym, że odkrył talent muzyczny dziecka A. Rubinsteina i nadał właściwy kierunek jego rozwojowi. Najlepsze aspekty metody pedagogicznej Villuana, przejawiające się w jego działalności praktycznej, znalazły odzwierciedlenie w jego „Szkole” (1863). Odnaleziony przez niego sposób wydobycia dźwięku – „śpiewanie” na fortepianie – stał się jednym z potężnych środków artystycznych gry A. Rubinsteina. „Szkoła” obejmuje dużą ilość wiedzy związanej z przygotowaniem technicznym i edukacją muzyczną pianisty. Szczególnie cenne są poglądy Villuana na osiągnięcie melodyjnego, głębokiego brzmienia fortepianu, na rozwój legato, do którego stosuje się rozsądne techniki, które do dziś nie straciły na znaczeniu.

W historii rosyjskiej sztuki przedrewolucyjnej i porewolucyjnej wiodącą rolę odgrywa Ogrody zimowe w Petersburgu i Moskwie

największe ośrodki kultury muzycznej w kraju. Działalność obu konserwatoriów rozwijała się w bliskim kontakcie, o czym decydowała nie tylko wspólność ich zadań, ale także fakt, że uczniowie Konserwatorium Petersburskiego często pracowali w Moskwie, a Moskali zostali nauczycielami Konserwatorium Petersburskiego .

Tak więc P. I. Czajkowski ukończył Konserwatorium w Petersburgu, a następnie został jednym z pierwszych profesorów Konserwatorium Moskiewskiego; L. Nikołajew (uczeń W. Safonowa w Konserwatorium Moskiewskim) – później jeden z czołowych przedstawicieli szkoły pianistycznej w Leningradzie; Uczniowie Nikołajewa W. Sofronitsky i M. Yudina przez kilka lat pracowali w Moskwie.

Założyciele Konserwatorium Petersburskiego i Moskiewskiego, bracia

Anton i Nikołaj Rubinstein,

W latach kierowania konserwatoriami położyli oni podwaliny pod kształcenie młodych muzyków. Ich uczniowie (A. Siloti, E. Sauer - uczniowie Nikołaja; G. Cross, S. Poznańskaja, S. Drukker, I. Hoffman - uczniowie Antona) stali się pierworodnymi w galaktyce młodych wykonawców, którzy zdobyli uznanie m.in. światowa społeczność muzyczna.

Dzięki staraniom braci Rubinstein rosyjska pedagogika fortepianowa zyskała w ostatniej tercji XIX wieku. wielki prestiż i międzynarodowe uznanie. To im Rosja zawdzięcza to, że zajęła jedno z pierwszych miejsc w nauce gry na fortepianie.

Można stwierdzić, że zarówno zachodnioeuropejscy, jak i rosyjscy zaawansowani muzycy-nauczyciele XIX wieku szukali rozsądnych, oryginalnych sposobów oddziaływania na ucznia. Szukali skutecznych sposobów na racjonalizację pracy technicznej. Twórczo wykorzystując tradycje muzykowania clavier i wypracowane w poprzednich wiekach idee dotyczące istoty procesu kształtowania się techniki wykonawczej pianisty, metodologii XIX wieku. doszli do uzasadnienia celowej zasady gry - holistycznego wykorzystania aparatu pianistycznego. To właśnie w XIX wieku powstała naprawdę imponująca baza etiud i ćwiczeń, która do dziś pozostaje niezbędna w nauczaniu gry na fortepianie.

Analiza materiału muzycznego pokazuje, że jego twórcy mają wrodzoną chęć poszukiwania naturalnych ruchów gry, zasad palcowania związanych z cechami strukturalnymi ludzkiej ręki.

Należy jednak zauważyć, że XIX wiek. dał pedagogice i edukacji muzycznej system błyskotliwych, obiecujących pomysłów, a przede wszystkim chęć kształcenia dobrze wykształconego muzyka poprzez celowy rozwój jego twórczej indywidualności.

XXstulecie

20 wiek - rozkwit sztuki fortepianowej. Okres ten jest niezwykle bogaty w wyjątkowo uzdolnionych, wybitnych pianistów.

Na początku XX wieku zasłynął Hoffmana I korto, Schnabel I Paderewskiego. I naturalnie OD. Rachmaninow, geniusz Srebrnego Wieku, który wyznaczył nową erę nie tylko w muzyce fortepianowej, ale także w kulturze światowej w ogóle.

Druga połowa XX wieku to epoka takich sławnych pianistów jak: Światosław Richter, Emila Gilelsa, Władimira Horowitza, Artura Rubinsteina, Wilhelma Kempffa.I tak dalej…

XX-wieczny styl występu

***

To chęć dogłębnego zrozumienia tekstu muzycznego i dokładnego przekazania intencji kompozytora oraz zrozumienia stylu i natury muzyki jako podstawy realistycznej interpretacji obrazów artystycznych osadzonych w dziele.

***

Koniec XIX - początek XX wieku - niezwykle burzliwy okres w dziejach światowej kultury artystycznej. Niezwykle zaostrzyła się konfrontacja między demokratyczną kulturą mas, które coraz aktywniej włączały się w walkę o swoje prawa społeczne, a elitarną kulturą burżuazji.

Najważniejsi artyści tamtych czasów dostrzegli cechy kryzysowe w ewolucji nowej muzyki: „Żyjemy w czasach, gdy fundament ludzkiej egzystencji jest w szoku”, przekonywał IF Strawiński, współczesny człowiek traci poczucie wartości i stabilności.. ... Skoro sam duch jest chory, to muzyka naszych czasów, a zwłaszcza to, co tworzy, co uważa za słuszne, nosi znamiona patologicznej niewydolności”. Podobne wyznania można było niejednokrotnie usłyszeć z ust innych wielkich muzycy.

Ale pomimo kryzysu epoki, muzyka osiągnęła nowe genialne wyżyny. Pedagogika fortepianu została wzbogacona o wiele ciekawych dzieł. Uwaga autorów publikowanych prac skierowana została na zagadnienia mistrzostwa artystycznego uczniów.

Wybitni nauczyciele pianisty G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan opracowane metody skutecznego uczenia się uczniów.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianista, pedagog, pisarz muzyczny. Założyciel największej radzieckiej szkoły pianistycznej. Wszystko, o czym pisze, jest przesycone pasją miłości do sztuki, muzyki fortepianowej i performansu.

Najbardziej interesująca nas jest książka "O sztuce gry na fortepianie".

Książka napisana jest żywym językiem figuratywnym, pełnym osądów na temat wielu kompozytorów, wykonawców i pedagogów. Stawia nowe problemy i pytania, które dotyczą każdego pianisty. Jest w nim wiele stron, które mają charakter muzycznej autobiografii, poświęconej wspomnieniom z własnej drogi twórczej. Jednak w tej improwizacji wyraźnie wyłaniają się poglądy autora na sztukę fortepianową i zadania nauczyciela. W swoich pracach Neuhaus pisze o obrazie artystycznym, rytmie, dźwięku, pracy nad techniką, palcowaniu i pedalizacji, o zadaniach nauczyciela i ucznia, o działalności koncertowej muzyka.

Z wielką przekonywaniem pokazuje, że tak zwana „podręcznikowa” metodologia, która podaje głównie receptę – „twarde zasady”, nawet jeśli są prawdziwe i sprawdzone, zawsze będzie tylko wstępną, uproszczoną metodyką, ciągle wymagającą dopracowania , doprecyzowanie w konfrontacji z prawdziwym życiem, dodawaniem lub, jak sam mówi, „w dialektycznej przemianie”. Ostro i temperamentnie przeciwstawia się „metodzie szkoleniowej” i „niekończącemu się wsysaniu tych samych dzieł” w pracy pedagogicznej, fałszywemu stanowisku, że „reżyseria może zrobić wszystko ze studentami”. Stara się rozwiązywać dialektycznie nie tylko ogólne problemy wykonawcze muzyczne, ale także węższe kwestie techniczne.

Określając rolę nauczyciela, Neuhaus uważa, że ​​nauczyciel powinien starać się być nie tyle nauczycielem gry na fortepianie, co nauczycielem muzyki.

Neuhaus zwracał szczególną uwagę w swojej pracy pedagogicznej na relacje między „muzyką” a „technicznością”. Dlatego starał się przede wszystkim przezwyciężyć techniczną niepewność, sztywność ruchów ucznia w sferze oddziaływania na psychikę ucznia, na ścieżkach samej muzyki. Podobnie postępował polecając studentom metody pracy w „trudnych miejscach”. Jego zdaniem wszystko, co „trudne”, „złożone”, „nieznane” należy w miarę możliwości sprowadzić do „łatwego”, „prostego”, „znajomego”; jednocześnie zdecydowanie odradzał rezygnację z metody zwiększania trudności, ponieważ za pomocą tej metody gracz nabywa te umiejętności, to doświadczenie, które pozwolą mu całkowicie rozwiązać problem.

Wreszcie Neuhaus starał się wszelkimi sposobami zbliżyć studenta do muzyki, ukazać mu treść pokazywanego utworu, a nie tylko zainspirować go w żywy, poetycki sposób, ale także dać mu szczegółową analizę formy. i struktura utworu – melodia, harmonia, rytmika, polifonia, faktura – jednym słowem ukazanie uczniowi schematów muzycznych i sposobów jej realizacji.

Mówiąc o rytm jako jeden z najważniejszych elementów składających się na proces wykonawczy Neuhaus podkreśla duże znaczenie „poczucia całości”, umiejętności „długiego myślenia”, bez którego pianista nie jest w stanie w zadowalający sposób zagrać żadnego większego utworu pod względem formy .

Autor uważa za niedoszacowanie dźwięk (niedostateczne słuchanie dźwięku) i jego przecenianie, czyli „smakowanie się w jego zmysłowym pięknie”. Stawiając to pytanie w ten sposób, Neuhaus definiuje pojęcie piękna dźwięku w nowy sposób - nie abstrakcyjnie, bez kontaktu ze stylem i treścią, ale wywodząc go ze zrozumienia stylu i charakteru wykonywanej muzyki.

Jednocześnie podkreśla, że ​​jeden utwór muzyczny i „muzyczna pewność siebie” nie rozwiązują problemu opanowania techniki fortepianowej. Niezbędny jest również trening fizyczny, aż do wolnej i mocnej gry. „Podczas takiej pracy – dodaje – należy przestrzegać następujących zasad: upewnić się, że ramię, całe ramię, od ręki do stawu barkowego, jest całkowicie wolne, nigdzie nie „zamarza”, nie jest zaciśnięte, nie „twardnieje”, nie traci potencjalnej (!) elastyczności przy zachowaniu pełnego spokoju i używaniu tylko tych ruchów, które są ściśle „konieczne”.

Określanie swojej perspektywy aplikatura, Neuhaus pisze, że najlepsze palcowanie to takie, które pozwala dokładniej oddać sens tej muzyki. Palcowanie kojarzone z duchem, charakterem i stylem muzycznym autora nazywa najpiękniejszymi i estetycznie uzasadnionymi.

W podobny sposób Neuhaus definiuje problem pedałowanie. Słusznie mówi, że ogólne zasady dotyczące pedałowania odnoszą się do artystycznej pedalizacji, tak jak niektóre fragmenty składni odnoszą się do języka poety. Jego zdaniem właściwie nie ma odpowiedniego pedału. Pedał artystyczny jest nierozerwalnie związany z obrazem dźwiękowym. Te myśli są poparte w książce szeregiem ciekawych przykładów, z których jasno wynika, jak dużą wagę przywiązywał autor do różnych metod pedałowania.

Można tylko powiedzieć, że Neuhaus uważał technikę pianisty za coś organicznie związanego z rozumieniem muzyki i artystycznymi aspiracjami. Na tym właśnie opiera się sowiecka szkoła wykonawcza w ogóle, aw szczególności szkoła Neuhaus, która kształciła tak wybitnych wykonawców, jak S. Richter, E. Gilels, J. Zak i wielu innych wybitnych pianistów.

Szczególnym wkładem do sowieckiej szkoły pianistycznej są artykuły i książki

Grigorij Michajłowicz Kogan (1901-1979)

W książce „U bram mistrzostwa” autorka opowiada o psychologicznych przesłankach powodzenia pracy pianistycznej. W tej pracy identyfikuje „trzy główne ogniwa”: jasną wizję celu, skupienie się na tym celu i wytrwałą wolę jego osiągnięcia. Słusznie zauważa, że ​​wniosek ten nie jest nowy i dotyczy nie tylko pianistów, ale każdej dziedziny sztuki i ludzkiej pracy.

W przedmowie do książki mówi o znaczeniu psychiki pianisty, o roli w jego twórczości prawidłowego dostrojenia psychicznego, co jest niezbędnym warunkiem powodzenia lekcji. Temat ten cieszy się dużym zainteresowaniem nie tylko wykonawców, ale także nauczycieli, od których wiele zależy od kształtowania psychiki ucznia i jego przystosowania psychicznego.

Mówiąc o celu, woli, uwadze, koncentracji, samokontroli, wyobraźni i innych elementach decydujących o sukcesie w pracy pianisty, Kogan dodaje do nich potrzebę namiętnego pragnienia wyrażenia poczętych i ukochanych obrazów muzycznych w ideale Formularz. Zwraca szczególną uwagę na kwestię „twórczego spokoju” i podniecenia wykonawcy przed występem i podczas występu na koncercie.

Biorąc pod uwagę poszczególne etapy pracy pianisty nad utworem, Kogan szczegółowo charakteryzuje trzy etapy tego procesu: 1) oglądanie i podgląd, 2) nauka w kawałkach, 3) „montaż” pracy jako etap końcowy.

Kogan zajmował się szczególnie szczegółowo kwestiami frazowania, palcowania, technicznego przegrupowania i mentalnej reprezentacji trudności. Prawie wszystko, co analizował, opiera się na pianistycznych zasadach Busoniego.

Książka zawiera również analizę niektórych aspektów sztuk performatywnych, na które w literaturze metodologicznej poświęcono stosunkowo niewiele uwagi. Należą do nich np. kwestia podtekstów słownych różnych epizodów w utworach fortepianowych, które mogą służyć jako „pomocniczy przewodnik intonacyjny”, ułatwiający odnalezienie naturalnego rozkładu oddechu, przekonującą „wymowę” poszczególnych intonacji.

Po przestudiowaniu pedagogicznego dziedzictwa Kogana możemy stwierdzić, że prace Kogana w dużej mierze charakteryzują podstawowe wytyczne metodologiczne współczesnej sowieckiej szkoły pianistycznej w zakresie fortepianowych sztuk wykonawczych.

Jeden z najwybitniejszych pianistów początku naszego stulecia, to chwała sztuk scenicznych XX wieku

Józefa Hoffmana (1876-1957)

Losy koncertującego artysty - fenomenu, który w cywilizowanej formie podtrzymuje tradycje muzyków wędrownych - na długo stały się losem Hoffmanna. Hoffmann zajmował się również działalnością pedagogiczną, ale nie była ona tak błyskotliwa jak występy.

Hoffmann przywiązywał dużą wagę do okresu studiów. Potrzeba Nauczyciela, wymóg zaufania do niego, jego znaczenie dla kształtowania performera - to motywy, które wielokrotnie pojawiają się na kartach książek Hoffmanna. Sam Hoffmann miał szczęście do swoich nauczycieli – byli to słynny pianista i kompozytor Moritz Moszkowski (autor znakomitych etiud wirtuozowskich i utworów salonowych) oraz słynny Anton Rubinstein, z którym spotkanie stało się jednym z głównych wydarzeń w twórczym życiu Hoffmanna.

Kolejnym ważnym wydarzeniem w życiu Hoffmanna, które radykalnie wpłynęło na jego twórcze losy, sposób myślenia, sposób życia, była przeprowadzka do Ameryki (a później – przyjęcie obywatelstwa amerykańskiego). Stąd - trzeźwe, praktyczne spojrzenie na życie, rzeczowe podejście do wszelkich, w tym twórczych, problemów; ta czysto amerykańska praktyczność jest zauważalna zarówno w książkach, jak i artykułach.

W swojej książce z 1914 r. Gra na pianinie Odpowiedzi na pytania dotyczące gry na pianinie ważne jest, aby Hoffmann nakreślił ogólne zasady, które przyczyniają się do dobrej gry na pianinie. Podkreśla zaletę zajęć w godzinach porannych. Radzi nie uczyć się dłużej niż godzinę, najwyżej dwie godziny z rzędu. Wszystko powinno zależeć od kondycji fizycznej. Doradza także zmianę czasu i kolejności przestudiowanych prac. Uwaga pianisty skupia się na dyskusjach o „technologii” gry na fortepianie, w której doskonale rozumiał. Hoffman uważa pracę bez instrumentu (także z notatkami i bez) za ważną.

Szczególnie ważne są myśli Hoffmanna o „technice mentalnej” – o potrzebie rozpoczęcia analizy spektaklu od analizy formy i faktury; dalej, w procesie parsowania, każdy fragment „musi być doskonale przygotowany mentalnie, zanim zostanie przetestowany na pianinie”.

Hoffmann jest bardzo nowoczesny w wielu cechach stylu. Jest nam bliski swoją praktycznością - wszystko jest w istocie, nic zbędnego.

Geniusz Srebrnego Wieku, wielki pianista, kompozytor, dyrygent

Siergiej Rachmaninow (1873-1943)

Zaczął systematycznie uczyć się muzyki w wieku pięciu lat wiek. W 1882 r. Siergiej wstąpił do Petersburga konserwatorium. W 1885 przeniósł się do Moskwy i został studentem Konserwatorium Moskiewskiego, gdzie najpierw uczył się u słynnego pianisty-nauczyciela NS Zvereva (którego uczniem był także rosyjski kompozytor i pianista Aleksander Nikołajewicz Skriabin), a od 1888 r. - u pianisty i dyrygent Aleksander Iljicz Siloti (fortepian); kompozytor, pianista i dyrygent Anton Stepanovich Arensky (kompozycja, instrumentacja, harmonia); kompozytor, pianista i postać muzyczna i publiczna Siergiej Iwanowicz Tanejew (kontrapunkt ścisłego pisania).

Rachmaninow to jeden z najwybitniejszych muzyków przełomu XIX i XX wieku. Jego sztukę wyróżnia prawdziwość życia, orientacja demokratyczna, szczerość i emocjonalna pełnia artystycznego wyrazu. Rachmaninow podążał za najlepszymi tradycjami muzyki klasycznej, zwłaszcza rosyjskiej. Był uduchowionym śpiewakiem rosyjskiej natury.

W jego utworach ściśle współistnieją namiętne impulsy nieprzejednanego protestu i cichej kontemplacji, drżąca czujność i silna determinacja, ponura tragedia i entuzjastyczny hymnizm. Muzyka Rachmaninowa, która ma niewyczerpane bogactwo melodyczne i sub-głosowo-polifoniczne, wchłonęła rosyjskie źródła pieśni ludowej i niektóre cechy chorału Znamenny. Jednym z oryginalnych fundamentów stylu muzycznego Rachmaninowa jest organiczne połączenie szerokości i swobody melodycznego oddechu z rytmiczną energią. Temat ojczyzny, centralny dla dojrzałej twórczości Rachmaninowa. Nazwisko Rachmaninowa jako pianisty jest na równi z nazwiskami F. Liszta i A.G. Rubinsteina. Fenomenalna technika, melodyjna głębia brzmienia, giętki i władczy rytm całkowicie podporządkowały się grze Rachmaninowa.

Sława pianisty Rachmaninowa była wystarczająco duża, by wkrótce stać się prawdziwą legendą. Szczególnym powodzeniem cieszyły się jego interpretacje własnej muzyki oraz utworów kompozytorów romantycznych – Fryderyka Chopina, Roberta Schumanna, Franciszka Liszta. Działalność koncertowa Rachmaninowa jako wędrownego wirtuoza pissistę w miastach i krajach trwała nieprzerwanie przez prawie 25 lat.

W Ameryce, gdzie przypadkiem zamieszkał, odniósł oszałamiający sukces, jaki kiedykolwiek towarzyszył zagranicznemu wykonawcy. Słuchaczy przyciągały nie tylko wysokie umiejętności wykonawcze Rachmaninowa, ale także sposób jego gry i zewnętrzna asceza, za którą kryła się genialna natura genialnego muzyka. „Człowiek, który potrafi w taki sposób i z taką siłą wyrażać swoje uczucia, musi przede wszystkim nauczyć się je doskonale opanować, być ich panem…” – napisano w jednej z recenzji.

Nagrania gramofonowe gry Rachmaninowa dają wyobrażenie o jego fenomenalnej technice, wyczuciu formy i wyjątkowo odpowiedzialnym podejściu do detali. Pianizm Rachmaninowa wywarł wpływ na tak wybitnych mistrzów gry na fortepianie, jak Władimir Władimirowicz Sofronicki, Władimir Samojłowicz Horowitz, Światosław Teofiłowicz Richter, Emil Grigoriewicz Gilels.

Pianista amerykański - wirtuoz pochodzenia ukraińsko-żydowskiego, jeden z najwybitniejszych pianistów XX wieku

Władimir Samojłowicz Horowitz

(1903-1989)

Urodzony w Rosji od 1928 w USA. Reprezentant romantycznego stylu wykonawczego (dzieła F. Liszta, m.in. we własnych transkrypcjach, Fryderyk Chopin, kompozytorzy rosyjscy itp.).

Vladimir Horowitz studiował pod kierunkiem V. Pukhalsky'ego, S. V. Tarnovsky'ego i F. M. Blumenfelda w Kolegium Muzycznym w Kijowie, przekształconym we wrześniu 1913 w Konserwatorium Kijowskie. Po maturze w 1920 r. V. Horowitz nie otrzymał dyplomu, ponieważ nie miał świadectwa ukończenia gimnazjum. Swój pierwszy solowy koncert dał w Charkowie w 1920 r. (jednak pierwszy udokumentowany koncert publiczny odbył się w grudniu 1921 r. w Kijowie). Następnie koncertował w różnych miastach Rosji wraz z młodym odeskim skrzypkiem Natanem Milshteinem, za co częściej płacono mu chlebem niż pieniędzmi, ze względu na trudną sytuację ekonomiczną kraju.

Od 1922 roku Horowitz, koncertując w miastach Rosji, Ukrainy, Gruzji, Armenii, gromadzi gigantyczny pod względem wolumenu repertuar. Tak więc na przykład w ciągu trzech miesięcy (listopad 1924 - styczeń 1925) wykonał ponad 150 utworów w słynnej „serii leningradzkiej”, składającej się z 20 koncertów. Pomimo wczesnych sukcesów pianistycznych, Horowitz twierdził, że chciał zostać kompozytorem, ale wybrał karierę pianisty, aby pomóc rodzinie, która straciła cały majątek podczas rewolucji 1917 roku. Sukces „dzieci rewolucji” (jak nazwał je Łunaczarski w jednym ze swoich artykułów) był przytłaczający. W wielu miastach powstały kluby wielbicieli tych młodych muzyków.

We wrześniu 1925 roku Vladimir Horowitz otrzymał możliwość wyjazdu do Niemiec (oficjalnie wyjeżdżał na studia). Przed wyjazdem nauczył się i zagrał I koncert P. I. Czajkowskiego w Leningradzie. Dzięki tej pracy zasłynął w Europie. Koncert ten odegrał w życiu pianisty rolę „fatalną”: za każdym razem, odnosząc triumf w krajach Europy i Ameryki, Horowitz wykonał właśnie I koncert P. I. Czajkowskiego. W ślad za pianistą Milstein również wyjechał do Niemiec w grudniu 1925 roku. W Europie obaj muzycy szybko zdobyli sławę jako błyskotliwi wirtuozi. Horowitz został wybrany przez władze sowieckie do reprezentowania Ukrainy na inauguracyjnym Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku, ale pianista zdecydował się pozostać na Zachodzie i dlatego nie wziął udziału w konkursie. Do 1940 roku podróżował z koncertami niemal do wszystkich krajów Europy i wszędzie odniósł oszałamiający sukces. W Paryżu, gdy grał V. Horowitz, wezwano żandarmów, by uspokoili publiczność, która w ekstazie rozbijała krzesła. W 1928 roku Vladimir Horowitz znakomicie występował w Carnegie Hall w Nowym Jorku i podróżował do wielu amerykańskich miast z ogromnym sukcesem.

Rosyjski pianista o niemieckich korzeniach

Światosław Teofiłowicz Richter

(1915 – 1997)

Dzieciństwo i młodość spędził w Odessie, gdzie uczył się u ojca, wykształconego w Wiedniu pianisty i organisty, pracował jako akompaniator w operze. Swój pierwszy koncert dał w 1934 roku. W wieku 22 lat, formalnie samoukiem, wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, gdzie uczył się u Heinricha Neuhausa. W 1940 po raz pierwszy wystąpił publicznie w Moskwie, wykonując VI Sonatę Prokofiewa; następnie został pierwszym wykonawcą swoich VII i IX sonat (ta ostatnia dedykowana Richterowi). W 1945 roku wygrał ogólnounijny konkurs wykonawców.

Od pierwszych kroków na polu zawodowym był postrzegany jako wirtuoz i muzyk o wyjątkowej skali.

Dla kilku pokoleń sowieckich i rosyjskich muzyków i melomanów Richter był nie tylko wybitnym pianistą, ale także nosicielem najwyższego autorytetu artystycznego i moralnego, uosobieniem współczesnego uniwersalnego muzyka-pedagoga. Bogaty repertuar Richtera, poszerzający się do ostatnich lat jego aktywnego życia, obejmował muzykę z różnych epok, od Well-Tempered Clavier i suit Haendla Bacha po Koncert Gershwina, Wariacje Weberna i Ruchy Strawińskiego.

We wszystkich obszarach repertuarowych Richter dał się poznać jako artysta wyjątkowy, łącząc absolutną obiektywność podejścia do tekstu muzycznego (uważne przestrzeganie wskazówek autora, pewna kontrola nad detalami, unikanie retorycznych przesady) z niezwykle wysokim tonem dramatycznym i duchowa koncentracja interpretacji.

Podwyższona świadomość odpowiedzialności Richtera wobec sztuki i umiejętność poddania się przejawiała się w jego szczególnym zaangażowaniu w występy zespołowe. Na wczesnym etapie kariery Richtera jego głównymi partnerami w zespole byli pianista, uczeń Neuhaus Anatoly Vedernikov, śpiewaczka Nina Dorliak (sopran, żona Richtera), skrzypaczka Galina Barinova, wiolonczelista Daniil Shafran, Mścisław Rostropowicz (ich doskonałe, prawdziwie klasyczna kolaboracja - wszystkie to sonaty wiolonczelowe Beethovena). W 1966 r. powstała wspólnota Richtera i Davida Ojstrakhów; w 1969 dokonali prawykonania Sonaty skrzypcowej Szostakowicza. Richter był częstym partnerem Kwartetu. Borodin i chętnie współpracował z muzykami młodszego pokolenia, m.in. Olegiem Kaganem, Elizavetą Leonską, Natalią Gutman, Yuri Bashmetem, Zoltanem Kocsisem, pianistami Wasilijem Lobanowem i Andriejem Gawriłowem. Sztuka Richtera jako solisty i zespołu jest uwieczniona w ogromnej liczbie nagrań studyjnych i koncertowych.

Radziecki pianista, Artysta Ludowy ZSRR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil zaczął grać na pianinie w wieku pięciu i pół roku, jego pierwszym nauczycielem był Jakow Tkach. Po szybkim osiągnięciu znaczącego sukcesu, Gilels po raz pierwszy wystąpił publicznie w maju 1929, wykonując utwory Liszta, Chopina, Scarlattiego i innych kompozytorów. W 1930 Gilels wstąpił do Odeskiego Instytutu Muzycznego (obecnie Odeskie Konserwatorium).

A w następnym roku wygrał Ogólnoukraiński Konkurs Pianistyczny, a rok później spotkał Artura Rubinsteina, który z aprobatą wypowiadał się o jego występie.

Sławę muzykowi zdobył po zwycięstwie w 1933 roku na I Ogólnounijnym Konkursie Muzyków Wykonawczych, po którym odbyły się liczne koncerty w całym ZSRR. Po ukończeniu Konserwatorium Odeskiego w 1935 roku Gilels wstąpił do szkoły podyplomowej Konserwatorium Moskiewskiego w klasie Heinricha Neuhausa.

W drugiej połowie lat 30. pianista odniósł duże międzynarodowe sukcesy: zajął drugie miejsce na międzynarodowym konkursie w Wiedniu (1936), przegrywając tylko z Jacobem Flierem, a dwa lata później zemścił się na nim, wygrywając Konkurs Izajasza w Bruksela, gdzie Flier pozostał na trzecim miejscu. Po powrocie do Moskwy Gilels zaczął uczyć w konserwatorium jako asystent Neuhausa.

W latach wojny Gilels brał udział w działalności mecenatu wojskowego, jesienią 1943 koncertował w oblężonym Leningradzie, po zakończeniu wojny powrócił do czynnej działalności koncertowej i pedagogicznej. Często występował ze swoją młodszą siostrą, skrzypaczką Elizavetą Gilels, a także z Yakovem Zakiem. W 1950] założył trio fortepianowe z Leonidem Koganem (skrzypce) i Mścisławem Rostropowiczem (wiolonczela), a w 1945 po raz pierwszy koncertował za granicą (będąc jednym z pierwszych sowieckich muzyków, którym na to pozwolono), koncertował w Włochy, Szwajcaria, Francja i kraje skandynawskie. W 1954 był pierwszym muzykiem radzieckim, który wystąpił w sali Pleyela w Paryżu. W 1955 roku pianista został pierwszym sowieckim muzykiem, który koncertował w Stanach Zjednoczonych, gdzie wykonał I Koncert fortepianowy Czajkowskiego i III Koncert Rachmaninowa z Orkiestrą Filadelfijską pod dyrekcją Eugene'a Ormandy'ego, a wkrótce dał recital w Carnegie Hall, który był ogromny sukces. W latach 60. i 70. Gilels był jednym z najbardziej rozchwytywanych muzyków radzieckich na świecie, spędzającym około dziewięciu miesięcy w roku na koncertach i zagranicznych trasach koncertowych.

Podsumowując, chciałbym zauważyć, że zasady metodologiczne i książki najwybitniejszych przedstawicieli pianistyki radzieckiej pokazują, że poglądy tych muzyków, przy całej indywidualności ich podejścia do gry na fortepianie i pedagogiki, miały ze sobą wiele wspólnego. To chęć dogłębnego zrozumienia tekstu muzycznego i dokładnego przekazania intencji kompozytora oraz zrozumienia stylu i natury muzyki jako podstawy realistycznej interpretacji obrazów artystycznych osadzonych w dziele.

Typowe pod tym względem jest jedno ze stwierdzeń G. G. Neuhaus: „Wszyscy mówimy o tym samym, ale innymi słowami”. Jest to powszechne i wyznacza zasady sowieckiej szkoły pianistycznej, która wychowała wspaniałych pianistów i wybitnych pedagogów.

XXIstulecie

Czym była i czym była sztuka gry na fortepianie w XX wieku?

Co nowego na początku XXI wieku?

Jaki jest zwyczaj gry na pianinie teraz, w drugiej dekadzie XXI wieku?

Styl wykonania XXI wieku

***

Na początku XXI wieku nadal istnieją dwa główne obszary muzycznej sztuki wykonawczej - transcendentna wirtuozeria i sensowność interpretacji. Pod koniec XX wieku obszary te stawały się coraz bardziej skoncentrowane, oddzielając się od siebie. Pojawiło się jednak nowe zjawisko, kiedy pianiści mogli jednocześnie służyć zarówno jednemu, jak i drugiemu nurtowi sztuk performatywnych.

***

Na tradycje wykonawcze mają wpływ totalna konkurencja, W tym przypadku wyjątkowy, konkurencyjny poziom wykonania utworów muzycznych staje się coraz bardziej znanym wzorcem, który należy naśladować, także na scenie koncertowej.

Ideały rejestracji dźwięku i konkurencyjny poziom wykonawstwa, wpływające na tradycje koncertowe, wymagały znacznego podniesienia jakości gry na fortepianie. Każde dzieło programu, a nie tylko bisy, musi brzmieć na poziomie arcydzieła sztuki wykonawczej. To, co w studiu było możliwe dzięki realizacji dźwięku i komputerowej edycji z kilku opcji wykonawczych, powinno wydarzyć się na scenie w tej chwili, tu i teraz.

Międzynarodowe konkursy i festiwale przyczyniają się do globalizacji sztuki fortepianowej.

Ich nazwiska poznajemy najczęściej po konkursie im.P.I.Czajkowskiego. Konkurs ten przyniósł sławę takim pianistom jak: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova...

Amerykański pianista, który podbił rosyjskie serca

Pierwszy zwycięzca Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Amerykański pianista Van Cliburn (aka Harvey Levan Clyburn) jest chyba najbardziej ukochanym muzykiem zagranicznym w naszym kraju. To rosyjska publiczność jako pierwsza doceniła umiejętności wykonawcze Van Cliburna, to po wizycie w Rosji stał się światowej sławy muzykiem.

Pierwsze lekcje gry na fortepianie otrzymał w wieku trzech lat od matki. Kiedy Cliburn miał sześć lat, rodzina przeniosła się do Teksasu, gdzie w wieku trzynastu lat wygrał zawody i wkrótce zadebiutował w Carnegie Hall.

W 1951 wstąpił do Juilliard School w klasie Rosiny Leviny, aw kolejnych latach otrzymał szereg nagród na prestiżowych konkursach amerykańskich i międzynarodowych.

Nazwisko Cliburna zyskało światową sławę po sensacyjnym zwycięstwie na pierwszym Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego w Moskwie w 1958 roku. Młody pianista zdobył sympatię zarówno jurorów, jak i publiczności. Było to tym bardziej zaskakujące, że akcja toczyła się w szczytowym momencie zimnej wojny. Po powrocie do ojczyzny Cliburn spotkał się ze wspaniałym entuzjastycznym przyjęciem. Muzyk był przepojony miłością i szacunkiem dla ZSRR, a po konkursie wielokrotnie przyjeżdżał na koncerty.

Van Cliburn koncertował zarówno w swoim ojczystym kraju, jak i za granicą. Przemawiał do członków rodziny królewskiej i głów państw, do wszystkich prezydentów USA. Został pierwszym wykonawcą muzyki klasycznej - posiadaczem platynowej płyty. Sprzedano ponad milion egzemplarzy jego wykonania I Koncertu fortepianowego Czajkowskiego.

Konkurs Pianistyczny Van Cliburna odbywa się w Fort Worth w Teksasie od 1962 roku.

Rosyjski pianista, nauczyciel muzyki, osoba publiczna

Władimir Wsiewołodowicz Krainjew

(1944-2011)

Talent muzyczny Władimira Kraineva objawił się w średniej specjalistycznej szkole muzycznej w Charkowie, do której wstąpił w wieku 5 lat. Dwa lata później miał miejsce jego pierwszy występ na dużej scenie - wraz z orkiestrą wykonał koncert Haydna i I Koncert Beethovena.

Przy wsparciu nauczycieli z Charkowa Krainev wstąpił do Moskiewskiej Centralnej Szkoły Muzycznej przy Konserwatorium im. Czajkowskiego. Czajkowskiego w klasie Anaidy Sumbatyan. W 1962 wstąpił do Konserwatorium. Czajkowskiego w klasie Heinricha Neuhausa, a po jego śmierci uczył się u swojego syna Stanisława Neuhausa, u którego ukończył również studia podyplomowe w 1969 roku.

Światowe uznanie przyniósł Władimir Krainev na początku lat 60., kiedy zdobył główne nagrody na najważniejszych międzynarodowych konkursach w Leeds (Wielka Brytania, 1963) i Lizbonie (Portugalia, 1964). Po występie w Leeds młody pianista otrzymał zaproszenie na tournée po Stanach Zjednoczonych. W 1970 roku odniósł wspaniałe zwycięstwo na IV Międzynarodowym Konkursie im. P.I. Czajkowskiego w Moskwie.

Od 1966 roku Władimir Krainev jest solistą Moskiewskiej Filharmonii Państwowej. Od 1987 - profesor w Konserwatorium Moskiewskim. Od 1992 profesor Wyższej Szkoły Muzyki i Teatru w Hanowerze (Niemcy).

Vladimir Krainev intensywnie koncertował w Europie i USA, występując z tak wybitnymi dyrygentami jak Giennadij Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev był organizatorem festiwalu „Vladimir Krainev Invites” na Ukrainie oraz Międzynarodowego Konkursu Młodych Pianistów w Charkowie (od 1992), noszącego jego imię.

W 1994 roku pianista utworzył Międzynarodową Fundację Charytatywną dla Młodych Pianistów. Fundacja udzielała pomocy i wsparcia przyszłym profesjonalnym muzykom, stwarzała warunki dla ich twórczości w Rosji i za granicą, organizowała tournee i koncerty dla młodych muzyków, wspierała edukacyjne instytucje kultury i sztuki.

Znany dyrygent i pianista, Artysta Ludowy RSFSR, założyciel i lider od 1990 do 1999 i od 2003 do chwili obecnej Rosyjskiej Orkiestry Narodowej. Zdobywca złotego medalu na Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego w 1978 i nagrody Grammy w 2004.

Michaił Wasiljewicz Pletnev urodził się w1957

Pletnev spędził dzieciństwo w Saratowie i Kazaniu, od 7 roku życia zaczął uczęszczać do szkoły muzycznej przy Konserwatorium Kazańskim w klasie fortepianu. Od 13 roku życia studiował w Centralnej Szkole Muzycznej przy Moskiewskim Konserwatorium Czajkowskiego. W 1973 roku 16-letni Pletnev zdobył Grand Prix na Międzynarodowym Konkursie Młodych w Paryżu, a rok później wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, ucząc się pod kierunkiem profesorów Jakowa Fliera i Lwa Własenko.

W 1977 roku Pletnev zdobył I nagrodę na Ogólnounijnym Konkursie Pianistycznym w Leningradzie, aw 1978 roku zdobył złoty medal i I nagrodę na Moskiewskim Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym im. Czajkowskiego. W 1979 Pletnev ukończył konserwatorium, aw 1981 studia podyplomowe, po których został asystentem Vlasenko, później zaczął uczyć we własnej klasie fortepianu.

Zostając solistą Państwowego Koncertu w 1981 roku, Pletnev zdobył sławę jako pianista-wirtuoz, prasa odnotowała jego interpretacje twórczości Czajkowskiego, ale także jego wykonania Bacha, Beethovena, Rachmaninowa i innych kompozytorów. Pletnev współpracował z tak znanymi dyrygentami jak Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mścisław Rostropowicz, Valery Gergiev, Rudolf Barshai oraz z najsłynniejszymi orkiestrami symfonicznymi świata, w tym London Symphony i Los Angeles Philharmonic.

W 1980 roku Pletnev zadebiutował jako dyrygent, a dziesięć lat później, w 1990 roku, kosztem darowizn zagranicznych stworzył niezależną Rosyjską Narodową Orkiestrę Symfoniczną (później przemianowaną na Rosyjską Orkiestrę Narodową, RNO) i do 1999 roku był jej dyrektorem artystycznym , główny dyrygent i prezes funduszu. W 2008 roku Pletnev został gościnnym dyrygentem Orkiestry Symfonicznej Włoskiej Szwajcarii (Orchestra della Svizzera italiana). W 2006 roku Pletnev utworzył Narodowy Fundusz Wspierania Kultury. W latach 2006-2010 był członkiem Rady przy Prezydencie Federacji Rosyjskiej ds. Kultury i Sztuki, a od 2007 do 2009 członkiem Komisji Federacji Rosyjskiej ds. UNESCO.

kazachski pianista, pedagog, profesor i rektor Kurmangazy Kazachstanu Narodowego Konserwatorium,

Artysta Ludowy Kazachstanu, laureat międzynarodowych konkursów, profesor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova urodziła się w 1957 r.

Absolwent Państwowego Konserwatorium Ałma-Ata. Kurmangazy, Konserwatorium Moskiewskie. P. I. Czajkowskiego i studia podyplomowe (u prof. L. N. Vlasenko).

Od 1979 - koncertmistrz Państwowego Akademickiego Teatru Opery i Baletu. Abai i asystent stażysty w Moskiewskim Konserwatorium im. A. PI Czajkowski. 1981 - starszy pedagog, docent, kierownik wydziału fortepianu specjalnego Państwowego Konserwatorium Ałma-Ata. Kurmangazy. Od 1983 roku jest solistką Państwowej Filharmonii Kazachstanu. Jambula. Od 1993 r. profesor Państwowego Konserwatorium w Ałmaty im. Kurmangazy. 1994 - Powstaje "Szkoła Autorska Żania Aubakirovej", pracująca nad nowoczesnymi metodami i technologiami edukacyjnymi. Od 1997 r. rektor Narodowego Konserwatorium Kazachstanu im. Kurmangazy. Pod jej kierownictwem konserwatorium stało się czołową uczelnią muzyczną w kraju oraz ośrodkiem kulturalno-oświatowym republiki, aw 2001 roku otrzymało status narodowy.

1998 - Z inicjatywy Zhanii Aubakirovej powstała agencja muzyczna Classics, która z wielkim sukcesem zorganizowała sezony kazachskie we Francji, zorganizowała koncerty w ponad 18 krajach, nagrała ponad 30 płyt CD, ponad 20 filmów muzycznych o kazachskich wykonawcach. 2009 - w listopadzie Studencka Orkiestra Symfoniczna Kazachskiego Narodowego Konserwatorium im. Kurmangazy zwiedził pięć największych amerykańskich miast: Los Angeles, San Francisco, Waszyngton, Boston i Nowy Jork. Młodzi muzycy wraz ze swoją rektorką, Artystką Ludową Republiki Kazachstanu Zhanią Aubakirovą, występowali w najsłynniejszych salach świata - Kennedy Center i Carnegie Hall.

Koncerty solowe i występy Zhanii Aubakirovej ze znanymi orkiestrami, promujące klasykę world music i utwory kompozytorów kazachskich, odbywają się regularnie w Kazachstanie, największe sale koncertowe we Francji, Anglii, Niemczech, Japonii, Rosji, Polsce, Włoszech, USA, Izraelu, Grecja, Węgry. Duże sale Moskiewskiego Konserwatorium Czajkowskiego i Filharmonii w Petersburgu, Moskiewskiego Domu Muzyki.

Wybitny współczesny pianista

Borys Bieriezowskiurodzony w 1969

Wchodzi do Konserwatorium Moskiewskiego w klasie wybitnego pianisty Eliso Virsaladze. Po pewnym czasie Bieriezowski staje się „ciasny” w klasie Eliso Virsaladze, gdzie gra się tylko tradycyjny repertuar, więc zaczyna brać prywatne lekcje u Aleksandra Satsa. Sats otwiera nowe horyzonty rosyjskiej muzyki klasycznej dla Borisa Bieriezowskiego. Wraz z nim Bieriezowski zaczyna grać Medtnera, wielu Rachmaninowa i wielu innych. Ale Borys Bieriezowski nigdy nie ukończył studiów w Konserwatorium Moskiewskim, został wyrzucony za udział w Konkursie Czajkowskiego podczas matury. Ale ta okoliczność nie przeszkodziła mu stać się najbardziej wirtuozowskim i poszukiwanym wykonawcą naszych czasów.

Od ponad dekady Boris Bieriezowski występuje z najsłynniejszymi orkiestrami świata: BBC Orchestra, London and New York Philharmonic Orchestra, New Japanese Philharmonic Orchestra, Birmingham i Philadelphia Symphony Orchestra. Bieriezowski stale bierze udział w różnych festiwalach muzyki kameralnej, a jego solowe koncerty można usłyszeć w Berlinie i Nowym Jorku, Amsterdamie i Londynie. Biegle posługuje się językiem angielskim i francuskim.

Pianista posiada dość obszerną dyskografię. Najnowsze nagrania jego koncertów otrzymały najwyższe oceny krytyków. Niemieckie Stowarzyszenie Nagraniowe przyznaje wysoką nagrodę sonatom Rachmaninowa w interpretacji Borysa Bieriezowskiego. Nagranie utworów Ravela weszło na klasyczne listy przebojów Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky jest złotym medalistą IX Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego, nazywany jest „nowym Richterem”, brzmienie Bieriezowskiego, z transparentnym pianissimo i bogatym spektrum dynamicznych odcieni, uznawane jest za najdoskonalsze wśród pianistów swojego pokolenia . Dziś coraz częściej można usłyszeć Borysa Bieriezowskiego na najważniejszych scenach koncertowych w Rosji.

Jeden z natchnionych, inteligentnych wykonawców, Rosyjski pianista , nauczyciel, solista Moskiewska Filharmonia Narodowa , Artysta Ludowy Rosji

NikolatenLwóẃ HIVłąkí nsky urodzony w1972

Jego gra zdołała wchłonąć wszystko, co najlepsze w centralnej szkole muzycznej i konserwatorium w Moskwie.

Ten natchniony interpretator, dysponujący genialną techniką gry, ma teraz rzadki dar twórczego podejścia do materiału, jako jeden z nielicznych potrafi sprowadzić na świat iskrę bożą w utworach Beethovena, ujawnić rzadki „inferalny”. dźwięk” Mozarta, aby zagrać dowolny godny materiał, aby znużony widz odkrył na nowo tysiące razy grane melodie w zupełnie innym wcieleniu.

Teraz w Rosji jest wielu profesjonalistów, którzy mogą pokazać wysoką klasę. Jednak w niczym nie ustępującym wybitnym kolegom, Lugansky pozostaje wyjątkowym fenomenem w muzyce rosyjskiej.

Możesz grać w klasykę na różne sposoby: każda szkoła - francuska, niemiecka, włoska - oferuje własne rozwiązanie wysokich zadań związanych z unikalnym dźwiękiem.

Ale każdy prawdziwie wirtuoz pianista „tworzy własną klasykę”, co jest dowodem geniuszu. Na początku swojej muzycznej kariery Nikołaja Luganskiego nazywano „pianistą Richtera”, potem porównywano ich także z Alfredem Cortotem.

Nikolai Lugansky pozostaje wyjątkowym fenomenem w muzyce rosyjskiej.

Słynny rosyjski pianista, muzyk klasyczny

Jewgienij Igryjewicz Kissin urodził się w 1971 r.

W wieku 6 lat wstąpił do Gnessin Music School. Pierwszym i jedynym nauczycielem jest Anna Pawłowna Kantor.

Początkowo jako cudowne dziecko występował pod pseudonimem Zhenya Kissin. W wieku 10 lat po raz pierwszy wystąpił z orkiestrą, wykonując 20. koncert Mozarta. Rok później dał swój pierwszy solowy koncert. W 1984 (w wieku 12 lat) wykonał I i II Koncerty fortepianowe Chopina w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.

W 1985 Evgeny Kissin po raz pierwszy wyjechał za granicę z koncertami, w 1987 zadebiutował w Europie Zachodniej na Festiwalu w Berlinie. W 1988 roku wystąpił z Herbertem von Karajanem na Koncercie Noworocznym Filharmonii Berlińskiej, wykonując I Koncert Czajkowskiego.

We wrześniu 1990 roku Kissin zadebiutował w Stanach Zjednoczonych, wykonując I i II Koncerty Chopina z New York Philharmonic Orchestra pod dyrekcją Zubina Mehty. Tydzień później muzyk daje solowy koncert w Carnegie Hall. W lutym 1992 roku Kissin wziął udział w ceremonii rozdania nagród Grammy w Nowym Jorku, transmitowanej w telewizji do widowni liczącej, według szacunków, miliarda sześciuset milionów widzów. W sierpniu 1997 roku wystąpił z recitalem na festiwalu Proms w londyńskim Albert Hall, pierwszym wieczorze fortepianowym w ponad stuletniej historii festiwalu.

Kissin prowadzi intensywną działalność koncertową w Europie, Ameryce i Azji, zbierając stale pełne sale; występował z czołowymi światowymi orkiestrami pod batutą takich dyrygentów jak Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri Temirkanov , Georg Solti i Maris Jansons; Partnerami muzyki kameralnej Kissina są Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern i inni.

Jewgienij Kissin daje również odczyty poetyckie w języku jidysz i rosyjskim. W 2010 roku ukazała się płyta CD z nagraniami utworów współczesnej poezji w języku jidysz w wykonaniu E. Kisina „Af di keyboard fun yidisher lyrics” (Na klawiszach poezji żydowskiej). Według samego Kissina od dzieciństwa miał silną tożsamość żydowską i zamieszczał proizraelskie materiały na swojej osobistej stronie internetowej.

Rosyjski pianista, osoba publiczna, Artysta Ludowy Rosji

Denis Leonidovich Matsuev urodził się w 1975 roku

Denis Matsuev spędził dzieciństwo w rodzinnym Irkucku. Urodzony w twórczej rodzinie chłopiec od najmłodszych lat uczył się muzyki. Najpierw poszedł do miejskiego gimnazjum nr 11 im. W.W. Majakowskiego i jednocześnie zaczął uczęszczać do miejscowej szkoły artystycznej. W wieku szesnastu lat Denis Matsuev wstąpił do Irkuckiego Kolegium Muzycznego. Szybko jednak zdał sobie sprawę, że jego talent wymaga dokładniejszego cięcia. Na radzie rodzinnej postanowiono przenieść się do stolicy. Rodzice zrozumieli, że ich utalentowany syn może mieć bardzo udaną twórczą biografię. Denis Matsuev przeniósł się do Moskwy w 1990 roku.

W 1991 roku został laureatem Międzynarodowej Publicznej Fundacji Charytatywnej „Nowe Imiona”. Dzięki tej okoliczności już w młodości odwiedził z koncertami ponad czterdzieści krajów świata. Na jego wirtuozowską grę przybyli najważniejsi ludzie: angielska królowa, papież i inni. W 1993 roku Denisowi Matsuevowi udało się wstąpić do Moskiewskiego Konserwatorium Państwowego. Jednocześnie występował w programach funduszu publicznego Nowe Nazwy, które odbywały się pod opieką patrona Denisa Światosława Bełza. W 1995 roku artysta został przyjęty jako solista w Moskiewskiej Filharmonii Państwowej. Pozwoliło to Denisowi Leonidovichowi rozszerzyć zakres swojej działalności koncertowej.

Wraz ze zwycięstwem na XI Międzynarodowym Konkursie im. Piotra Iljicza Czajkowskiego, muzyk zyskał światową sławę. To fatalne wydarzenie upiększyło jego biografię w 1998 roku. Denis Matsuev stał się jednym z najpopularniejszych pianistów na świecie. Jego wirtuozowskie występy wywołały wielki rezonans na świecie. Artysta zaczął być zapraszany na najbardziej prestiżowe wydarzenia. Na przykład wystąpił na zamknięciu Igrzysk Olimpijskich w Soczi.

Od 2004 roku Denis Matsuev co roku prezentuje swoją osobistą prenumeratę. W nim, wraz z muzykiem, występują najlepsze orkiestry symfoniczne Rosji i zagranicy.

Dużo robi dla swojego kraju. Aby zaszczepić w ludziach miłość do muzyki, artysta organizuje różnego rodzaju festiwale i konkursy. Co więcej, stara się trzymać je w różnych regionach Rosji, aby wszyscy mieszkańcy kraju mogli dotknąć sztuki wysokiej, usłyszeć genialne wykonanie najlepszych dzieł muzycznych.

Na zakończenie podsumowujemy główne kierunki i kierunki rozwoju sztuki pianistycznej XXI wieku. W wirtuozowskich i znaczących obszarach sztuki fortepianowej występują następujące czynniki towarzyszące rozwojowi: skupienie się na jakości i estetyce zapisu dźwięku, wzrost wyrazistości koniugacji tonów, poszerzenie możliwości w zakresie agogiki i barwy dźwięku, spowolnienie tempa i spadek średniego poziomu dynamiki wykonania oraz polifonizacja faktury. Czynniki te przyczyniają się do wzrostu głębi i nowoczesnej odnowy treściowej strony spektaklu. Wraz z tym aktualizowany jest repertuar koncertów fortepianowych w związku z odkryciem nowych, wysoko artystycznych dzieł, które wcześniej nie były doceniane.

Niemniej jednak to uogólnienie i sensowność intonacji są głównymi nurtami rozwoju sztuki pianistycznej XXI wieku.

Ta lista wykonawców pianistów pokazuje, że fortepian oferuje niemal nieograniczoną inspirację. Od trzech stuleci wykonawcy muzyki fortepianowej zachwycają słuchaczy i inspirują ich do własnych wyczynów w świecie muzyki.

Bez względu na to, do jakiego czasu należy muzyk, nie tylko jego talent uczynił go wielkim, ale także całkowite rozpłynięcie się w muzyce!!!

PSPo przestudiowaniu literatury na ten temat doszliśmy do wniosku, że rozwój szkół pianistycznych od momentu ich powstania do naszych czasów wynikał z duchowej wszechstronności osobowości mistrza, a poszukiwania pedagogiczne służyły jako podstawa twórcza i właściwie zachęta do kreatywności. Muzycy Progressive Enlightenment wspierali wszystko, co uważali za wartościowe w sztuce; wysokie ideały obywatelskie, misyjny cel twórczości.

Myśl wybitnych muzyków i nauczycieli grających zawsze była skierowana na rozwój zasad nauczania, które odpowiadają wyobrażeniom o zadaniach wykonawczych. To w dużej mierze determinowało treść prac naukowych poświęconych grze na instrumencie.

Starożytne traktaty epoki clavieryzmu mówiły o komponowaniu muzyki, technice improwizacji i aranżacji utworów muzycznych, siadaniu przy instrumencie, palcowaniu i zasadach gry. Wszystko to tłumaczy się tym, że w epoce przedfortepianowej wykonawcą był kompozytor, który zapoznawał słuchaczy z własnymi utworami i mistrzostwem w improwizacji. Zawód wykonawcy-interpretatora (ale nie kompozytora muzyki) w tamtych latach nie został jeszcze wyodrębniony jako szczególna forma twórczej działalności muzyka. Dopiero w XIX wieku, wraz z panowaniem na scenie nowego instrumentu - fortepianu - i zamiłowania do wirtuozerii gry, nastąpiło stopniowe różnicowanie muzyków, kompozytorów, wykonawców i pedagogów, którzy uczą gry ten instrument.

Pod wieloma względami zmieniła się także treść prac naukowych dotyczących sztuki muzycznej. W różnych opracowaniach, podręcznikach i pracach nad metodami nauczania wszelkie zagadnienia związane z twórczością muzyczną, wykonawstwem i pedagogiką nie były już uwzględniane. Tematem każdej pracy była tylko odrębna dziedzina muzykologii. Autorzy książek o sztuce fortepianowej interesowali się głównie zagadnieniami opanowania techniki pianistycznej i tym właśnie zagadnieniom poświęcona była większość prac metodycznych i podręczników. W ten sposób przez wiele lat prace teoretyczne nad grą fortepianową sprowadzały się do problemów stworzenia racjonalnych technik gry, pozwalających na osiągnięcie techniki wirtuozowskiej. Dopiero pod koniec XIX i w XX wieku wybitni muzycy zwrócili się ku problematyce artystycznej sztuk performatywnych, która wyznaczała zadania interpretacji, rozumienia stylu i treści utworów muzycznych. Zadania te wiązały się również z zagadnieniami techniki gry na fortepianie. Najważniejszym celem nauczyciela było wykształcenie muzyka, którego sztuka wykonawcza nie jest demonstracją umiejętności technicznych, ale umiejętności przekazania najgłębszego znaczenia dzieła sztuki w żywych, figuratywnych formach wyrazu.

Możesz grać na żywo, ale nigdy nie zbijasz fortuny na swoim talencie. Ale tym ludziom - najbogatszym pianistom świata - udało się przebić do elity, poza tym ich kapitały sięgają milionów dolarów. To prawdziwe gwiazdy, mistrzowsko grające na pianinie, występujące na pokazach i dające wspaniałe koncerty, same piszące muzykę lub po prostu wkładające całą duszę w instrument.

Muzycy i showmani

Brytyjczyk Jules Holland (pełna nazwa – Julian Miles Holland) doskonale łączy karierę muzyczną z pracą w branży telewizyjnej. Jako kompozytor i showman, jeszcze jako chłopiec pracował w londyńskich pubach i zarabiał własne pieniądze. Ponadto wykazał się dobrym głosem i własnym stylem śpiewania, co stało się dodatkowym atutem dla młodego wykonawcy. Wydał kilka albumów, współpracował ze Stingiem i Georgem Harrisonem, Davidem Gilmourem i Ericiem Claptonem, Bono i Markiem Knopflerem. Występy na całym świecie przyniosły Julesowi kapitał w wysokości 2 milionów dolarów.

Ponad dwieście koncertów rocznie daje amerykański piosenkarz i pianista Michael Feinstein. Pasja do fortepianu zrodziła się w dzieciństwie – rodzice wysłali syna na lekcje muzyki, wtedy odkrył, że potrafi grać bez nut na oczach. W wieku 20 lat, podobnie jak Jules, zabawiał ludzi w barach, a potem miał szczęście, że dostał się do wspaniałego projektu. Nagrał obszerny zbiór płyt (dzieła Iry Gershwina). Praca trwała 6 lat, w tym samym czasie muzyk występował na Broadwayu, później Carnegie Hall, Sydney Opera House, Białym Domu i Buckingham Palace poddał się mu - wszędzie Michael dawał świetne koncerty. W rezultacie wartość netto Feinsteina wynosi 10 milionów dolarów.

Utalentowani pianiści wielostanowiskowi

Na liście najbogatszych pianistek jest też rodowita sowiecka Regina Spektor. Urodziła się w Moskwie w muzycznej rodzinie, później jej rodzice (którzy dawali dziewczynie pierwsze lekcje) przenieśli się do Ameryki. Tam zaczęła grać na pianinie w synagodze. Regina studiowała u Sonyi Vargas, pisała piosenki, a później ukończyła konserwatorium. W 2001 roku ukazał się pierwszy album dziewczyny, trzy lata później miała już kontrakt z Sire Records. Zainteresowania Reginy są różnorodne: nie tylko muzyka klasyczna, ale także folk, punk, hip-hop, rock, jazz, muzyka rosyjska i żydowska. Wycieczki i nagrania przyniosły pianiście 12 milionów dolarów.

Wiek Spectora, 35-letnia Sarah Barellis, zaczynała jako członkini szkolnego chóru, potem przeniosła się do zespołu muzycznego specjalizującego się w śpiewie a cappella. Jako studentka Sarah pracowała w nocnych klubach i barach, a później zaczęła występować na festiwalach i dużych salach koncertowych. Debiutancki krążek Barellis zdobył uznanie, wkrótce podpisała kontrakt z wytwórnią Epic Records, jej kariera potoczyła się w górę - a teraz Sarah koncertuje po całej Ameryce. Jej styl to piano-rock z wpływami jazzu i soulu, gra nie tylko na pianinie, ale także na gitarze, fisharmonii i ukulele. Koncerty, duety z Sheryl Crow i Norah Jones, występy dla rodziny Obamy, gościnne występy w programach telewizyjnych, albumy i single przyniosły Sarah 16 milionów dolarów.

Zjawisko azjatyckie

A oto pianista klasyczny – jeden z najbogatszych pianistów naszej „parady przebojów” – przedstawiciel China Lang Lang. On – najmłodszy w rankingu – dość wcześnie osiągnął sławę (i 20 mln dolarów kapitału). Jego pierwsze zetknięcie z muzyką zachodnią to fragment kultowego serialu Tom i Jerry (w którym bohaterowie wykonują Rapsodię węgierską nr 2 Franciszka Liszta). Ukończył konserwatorium i po kilku zwycięstwach w konkursach został uznany za najlepszego pianistę w kraju. Już w wieku 14 lat Lang Lang przeniósł się do Filadelfii i wstąpił do Curtis Institute of Music. Trzymilionowy kontrakt z Sony, koncerty dla światowych liderów, trasy w Europie, USA i Azji uczyniły go uniwersalnym faworytem i pozwoliły mu wejść do setki najbardziej wpływowych ludzi na świecie według Forbesa.

Aranżer, improwizator, producent

Kompozytor, performer, producent muzyczny, aranżer, organizator zespołu własnego nazwiska, Yanni Chrysomallis urodził się w Grecji, obecnie mieszka w USA. Nie od razu zdecydował, że muzyka jest najważniejsza w jego życiu. Początkowo Yanni wstąpił na wydział psychologii na University of Minnesota i już tam zaczął uczyć się gry na klawiaturze. Pierwsze uznanie przyniósł mu podczas tournée w latach 1988-1989, kiedy występował z Dallas Symphony Orchestra. Potem Yanni zrobił niesamowitą karierę z ogromną liczbą koncertów, nagród muzycznych, unikalnych nagrań. Stolica Chrysomallis wynosi dziś 40 milionów dolarów.

Szef La Scali

Dyrektor muzyczny legendarnego teatru „La Scala” 72-letni Daniel Barenboim ma rosyjskie korzenie. Jego rodzice przenieśli się z ZSRR do Argentyny, gdzie dorastał Daniel. Utalentowany chłopiec dał swój pierwszy koncert w wieku 7 lat (jego ojciec i matka byli pianistami, uczyli syna). Ścieżka twórcza muzyka jest niesamowita: kierował Chicago Symphony Orchestra, Orkiestrą Paryską, Berlińską Operą Narodową, jest honorowym dowódcą Orderu Imperium Brytyjskiego, Orderu Legii Honorowej, został odznaczony Grammy siedem razy. Majątek pianisty szacuje się na 50 milionów dolarów.

Najczęściej nagradzany kompozytor filmowy

Najbardziej znany i utytułowany kompozytor filmowy, John Williams jest także jednym z najbogatszych pianistów świata. 100 milionów kapitału, pięć Oscarów (i 49 nominacji), 21 Grammy, 4 Złote Globy i wiele innych nagród - to bardzo znaczące! Williams skomponował muzykę do wszystkich filmów Stevena Spielberga i arcydzieł George'a Lucasa, w tym Gwiezdnych wojen i serialu Indiana Jones. John zaczynał jako pianista jazzowy występując w klubach Nowego Jorku. Zaczął komponować muzykę do filmów w latach 60. i od tego czasu zdobył tytuł najsłynniejszego kompozytora filmowego wszech czasów.

Legendy muzyki

Drugą linię naszego rankingu najbogatszych pianistów słusznie zajmuje Billy Joel. Jego wartość netto wynosi 160 milionów dolarów. Muzyk, piosenkarz, autor tekstów William Martin Joel dorastał w muzycznej rodzinie: jego ojciec był pianistą klasycznym, został nauczycielem syna. Billy grał na pianinie jeszcze w szkole, aby pomóc matce z pieniędzmi. Później zapisał się na Uniwersytet Columbia. Pierwszy solowy album, Cold Spring Harbor, był kompletną katastrofą, ale w radiu zaczęły grać niektóre piosenki, a Joelowi udało się podpisać kontrakt z Columbia Records, po którym wszystko poszło mu gładko.

Lider rankingu jest bajecznie bogaty - 440 milionów dolarów. W wieku trzech lat zaczął interesować się grą na fortepianie, a lekcje brał w wieku siedmiu lat. Bardzo szybko chłopcu udało się zdobyć stypendium w Królewskiej Akademii Muzycznej, podczas studiów występował w pobliskim pubie. Zbiegali się tu ludzie ze wszystkich okolicznych ulic - żeby posłuchać chłopca. Młody pianista został gwiazdą rocka, znalazł morze fanów, podbił tysiące scen, śpiewał w duetach z największymi wokalistami wszech czasów, nagrywał albumy, zdobywał wiele nagród. Zgadłeś już, kto to jest? Najbogatszy (i najbardziej utalentowany) pianista świata, Elton John.

Wielcy pianiści przeszłość i teraźniejszość są naprawdę najjaśniejszym przykładem podziwu i naśladownictwa. Każdy, kto lubił i lubił grać muzykę na fortepianie, zawsze starał się naśladować najlepsze cechy wielkich pianistów: jak wykonują utwór, jak potrafili wyczuć sekret każdej nuty, a czasem wydaje się, że jest niesamowita i jakaś magia, ale wszystko przychodzi z doświadczeniem: jeśli wczoraj wydawało się to nierealne, dziś człowiek sam może wykonać najbardziej złożone sonaty i fugi.

Fortepian jest jednym z najsłynniejszych instrumentów muzycznych, przenikającym wiele gatunków muzycznych i był używany do tworzenia jednych z najbardziej wzruszających i emocjonalnych kompozycji w historii. A grający na nim ludzie uważani są za gigantów muzycznego świata. Ale kim są ci najwięksi pianiści? Przy wyborze najlepszego pojawia się wiele pytań: czy powinien opierać się na umiejętnościach technicznych, reputacji, rozpiętości repertuaru, czy umiejętności improwizacji? Pojawia się też pytanie, czy warto brać pod uwagę tych pianistów, którzy grali w minionych wiekach, bo wtedy nie było sprzętu nagraniowego, nie możemy usłyszeć ich wykonania i porównać z nowoczesnymi. Ale w tym okresie było mnóstwo niesamowitych talentów, a jeśli zdobyli światową sławę na długo przed mediami, to całkiem uzasadnione jest oddanie im hołdu. Biorąc pod uwagę wszystkie te czynniki, przedstawiamy listę 7 najlepszych pianistów przeszłości i teraźniejszości.

Fryderyk Chopin (1810-1849)

Najsłynniejszy polski kompozytor Fryderyk Chopin był jednym z największych wirtuozów, występującym pianistą swoich czasów.

Zdecydowana większość jego utworów została napisana na fortepian solo i choć nie ma nagrań z jego gry, jeden ze współczesnych napisał: „Chopin jest twórcą szkoły fortepianowej i kompozytorskiej. słodycz, z jaką kompozytor zaczął grać na fortepianie, nic zresztą nie może się równać z jego twórczością pełną oryginalności, rysów i wdzięku.

Franciszek Liszt (1811-1886)

W rywalizacji z Chopinem o koronę największych wirtuozów XIX wieku stanął Franciszek Liszt, węgierski kompozytor, pedagog i pianista.

Do jego najsłynniejszych dzieł należą szalenie złożona sonata fortepianowa h-moll Années de pèlerinage i walc Mefista. Ponadto jego sława jako wykonawcy stała się legendą, ukuto nawet słowo Lisztomania. Podczas ośmioletniego tournée po Europie na początku lat 40. Liszt dał ponad 1000 wykonań, choć w stosunkowo młodym wieku (35 lat) przerwał karierę pianistyczną i całkowicie skoncentrował się na komponowaniu.

Siergiej Rachmaninow (1873-1943)

Styl Rachmaninowa był być może dość kontrowersyjny w czasach, w których żył, ponieważ starał się zachować romantyzm XIX wieku.

Jest pamiętany przez wielu ze względu na jego zdolności wyciągnij rękę 13 nut(oktawa plus pięć nut), a nawet rzut oka na napisane przez niego etiudy i koncerty, można zweryfikować autentyczność tego faktu. Na szczęście zachowały się nagrania wykonania tego pianisty, począwszy od jego Preludium Cis-dur nagranego w 1919 roku.

Artur Rubinstein (1887-1982)

Ten polsko-amerykański pianista jest często określany mianem najlepszego Chopina wszech czasów.

W wieku dwóch lat zdiagnozowano u niego słuch absolutny, a gdy miał 13 lat zadebiutował z Orkiestrą Filharmonii Berlińskiej. Jego nauczycielem był Carl Heinrich Barth, który z kolei uczył się u Liszta, więc można go śmiało uznać za część wielkiej tradycji pianistycznej. Talent Rubinsteina, łączący elementy romantyzmu z bardziej nowoczesnymi aspektami technicznymi, uczynił go jednym z najwybitniejszych pianistów swoich czasów.

Światosław Richter (1915 - 1997)

W walce o miano najlepszego pianisty XX wieku Richter należy do grona potężnych rosyjskich wykonawców, którzy pojawili się w połowie XX wieku. W swoich wykonaniach wykazywał duże zaangażowanie w stosunku do kompozytorów, opisując swoją rolę raczej jako „wykonawcy” niż interpretatora.

Richter nie był wielkim fanem procesu nagrywania, ale niektóre z jego najlepszych występów na żywo przetrwały, w tym 1986 w Amsterdamie, 1960 w Nowym Jorku i 1963 w Lipsku. Dla siebie trzymał wysokie standardy i zdał sobie sprawę, że na włoskim koncercie Bacha, zagrał złą nutę, nalegał na konieczność odmowy druku utworu na płycie CD.

Władimir Aszkenazy (1937 - )

Ashkenazi to jeden z liderów w świecie muzyki klasycznej. Urodzony w Rosji, obecnie posiada obywatelstwo islandzkie i szwajcarskie i nadal występuje jako pianista i dyrygent na całym świecie.

W 1962 został zwycięzcą Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego, aw 1963 opuścił ZSRR i zamieszkał w Londynie. Jego obszerny katalog nagrań obejmuje wszystkie utwory fortepianowe Rachmaninowa i Chopina, sonaty Beethovena, koncerty fortepianowe Mozarta, a także kompozycje Skriabina, Prokofiewa i Brahmsa.

Marta Argerich (1941-)

Argentyńska pianistka Martha Argerich zachwyciła świat swoim fenomenalnym talentem, gdy w wieku 24 lat wygrała Międzynarodowy Konkurs Chopinowski w 1964 roku.

Obecnie uznawana za jedną z najwybitniejszych pianistek drugiej połowy XX wieku, słynie z pasji gry i umiejętności technicznych oraz wykonań utworów Prokofiewa i Rachmaninowa.

Wybór drogi zależy od Ciebie! Ale na początek -

Każdy miłośnik muzyki klasycznej może wymienić swojego ulubionego.

Alfred Brendel nie był cudownym dzieckiem, a jego rodzice nie mieli nic wspólnego z muzyką. Jego kariera rozpoczęła się bez większego zamieszania i rozwijała się powoli. Może to jest sekret jego długowieczności? Na początku tego roku Brendel skończył 77 lat, jednak jego program koncertowy obejmuje czasem 8-10 występów miesięcznie.

Solowy występ Alfreda Brendela w Sali Koncertowej Teatru Maryjskiego zapowiedziany został na 30 czerwca. Nie udało się znaleźć oficjalnej strony internetowej pianisty tego koncertu. Ale jest data nadchodzącego koncertu w Moskwie, który odbędzie się 14 listopada. Jednak Gergiev wyróżnia się umiejętnością rozwiązywania nierozwiązywalnych problemów.

PRZECZYTAJ TAKŻE:

Kolejnym pretendentem do pierwszego miejsca w improwizowanym rankingu jest Grigorij Sokołow. Przynajmniej tak mówią w Petersburgu. Z reguły raz w roku Sokołow przyjeżdża do rodzinnego miasta i daje koncert w Wielkiej Sali Filharmonii Petersburskiej (ostatni był w marcu tego roku), Moskwa równie regularnie ignoruje. Tego lata Sokolov gra we Włoszech, Niemczech, Szwajcarii, Austrii, Francji, Portugalii i Polsce. W programie sonaty Mozarta i preludia Chopina. Kraków i Warszawa, dokąd Sokolov dotrze w sierpniu, staną się najbliższymi punktami trasy do Rosji.
Warto nazwać Martę Argerich najlepszą pianistką wśród kobiet, ktoś z pewnością się sprzeciwi: także wśród mężczyzn. Fanów temperamentnego Chilijczyka nie krępują nagłe wahania nastroju pianisty czy częste odwoływanie koncertów. Zwrot „koncert jest planowany, ale nie gwarantowany” dotyczy właśnie jej.

Martha Argerich w czerwcu tego roku jak zwykle spędzi w szwajcarskim mieście Lugano, gdzie odbędzie się jej autorski festiwal muzyczny. Zmieniają się programy i uczestnicy, ale jedno pozostaje niezmienne: co wieczór sama Argerich uczestniczy w wykonaniu jednego z dzieł. W lipcu Argerich występuje także w Europie: na Cyprze, w Niemczech i Szwajcarii.

Kanadyjczyk Marc-André Hamelin jest często określany jako spadkobierca Glena Goulda. Porównanie jest kiepskie na obie nogi: Gould był samotnikiem, Hamelin aktywnie koncertuje, Gould słynie z matematycznie obliczonych interpretacji Bacha, Hamelin oznacza powrót romantycznego stylu wirtuozowskiego.

W Moskwie Marc-André Hamelin wystąpił jeszcze w marcu tego roku na tym samym karnecie, co Maurizio Pollini. W czerwcu Hameln objeżdża Europę. Jego program obejmuje koncerty solowe w Kopenhadze i Bonn oraz występ na festiwalu w Norwegii.

Jeśli ktoś zobaczy grającego na pianinie Michaiła Pletniewa, natychmiast poinformuj o tym agencje informacyjne, a staniesz się autorem światowej sensacji. Powód, dla którego jeden z najlepszych pianistów w Rosji zakończył karierę wykonawczą, nie jest zrozumiały dla zwykłego umysłu – jego ostatnie koncerty były równie wspaniałe jak zwykle. Dziś nazwisko Pletneva widnieje na plakatach tylko jako dyrygent. Ale nadal będziemy mieć nadzieję.
Poważny chłopiec w pionierskim krawacie ponad wiek – tak pamięta się Jewgienija Kissina, choć ani o pionierach, ani o tym chłopcu nie wspomina się od dawna. Dziś jest jednym z najpopularniejszych muzyków klasycznych na świecie. To go Pollini nazwał kiedyś najjaśniejszym z muzyków nowego pokolenia. Jego technika jest wspaniała, ale często zimna – jakby muzyk stracił dzieciństwo i nie mógł znaleźć czegoś bardzo ważnego.

W czerwcu Evgeny Kissin koncertuje w Szwajcarii, Austrii i Niemczech z orkiestrą Kremerata Baltica, grając 20. i 27. koncert Mozarta. Kolejna trasa zaplanowana jest na październik: we Frankfurcie, Monachium, Paryżu i Londynie Kissin będzie towarzyszył Dmitrijowi Hvorostovsky'emu.

Arkady Volodos to kolejny z tych „wściekłych młodych ludzi” dzisiejszej pianistyki, który zasadniczo odrzuca konkursy. Jest prawdziwym obywatelem świata: urodził się w Petersburgu, studiował w rodzinnym mieście, potem w Moskwie, Paryżu i Madrycie. Najpierw do Moskwy trafiły nagrania młodego pianisty wydane przez Sony, a dopiero potem pojawił się on sam. Wygląda na to, że jego coroczne koncerty w stolicy stają się regułą.

Arkady Volodos rozpoczął czerwiec występem w Paryżu, latem można go usłyszeć w Salzburgu, Rheingau, Bad Kissingen i Oslo, a także w małym polskim Dusznikach na tradycyjnym festiwalu chopinowskim.

Ivo Pogorelich wygrywał międzynarodowe konkursy, ale jego porażka przyniosła mu światową sławę: w 1980 roku pianista z Jugosławii nie został wpuszczony do III etapu Konkursu Chopinowskiego w Warszawie. W rezultacie Martha Argerich opuściła jury, a sława spadła na młodego pianistę.

W 1999 roku Pogorelich przestał występować. Mówi się, że przyczyną tego była obstrukcja, jakiej pianista został poddany w Filadelfii i Londynie przez niezadowolonych słuchaczy. Według innej wersji przyczyną depresji muzyka była śmierć jego żony. Pogorelich niedawno wrócił na scenę koncertową, ale koncertuje bardzo mało.

Ostatnia pozycja na liście jest najtrudniejsza do wypełnienia. Przecież pozostało jeszcze tylu znakomitych pianistów: urodzony w Polsce Christian Zimmerman, Amerykanin Murray Peraia, Japonka Mitsuko Ushida, Koreańczyk Kun Wu Pek czy Chińczyk Lang Lang. Vladimir Ashkenazy i Daniel Barenboim kontynuują karierę. Każdy miłośnik muzyki nazwie swojego ulubionego. Niech więc jedno miejsce w pierwszej dziesiątce pozostanie wolne.

Najsłynniejszym pianistą nie jest Mozart

Jeśli weźmiesz udział w ankiecie, kto jest najsłynniejszym pianistą w historii, większość ludzi prawdopodobnie odpowie – Mozart. Jednak Wolfgang Amadeus nie tylko opanował instrument, ale był także utalentowanym kompozytorem.

Wiadomo, że wyjątkowa pamięć, niesamowita umiejętność improwizacji i talent wielkiego pianisty rozwinęły się tylko dzięki ojcu małego geniusza. W wyniku codziennych czynności, pod groźbą zamknięcia w szafie, dziecko już w wieku 4 lat z łatwością wykonywało dość skomplikowane prace, zaskakując otoczenie. Nie mniej znany jest pozbawiony iskry geniuszu Salieri, odwieczny przeciwnik Mozarta, niesłusznie oskarżony przez jego potomków o morderstwo z premedytacją.

Nawiasem mówiąc, w większości przypadków muzyk staje się kompozytorem i dzięki temu osiąga sławę. Dlatego nie należy się dziwić, że praktycznie każdy genialny muzyk staje się równie znanym kompozytorem. Bardzo rzadko udaje się komuś osiągnąć sławę tylko jako wykonawca.

Krajowi pianiści

Historia muzyki zna wiele przykładów, kiedy słynny pianista stał się bardziej popularny dzięki niesamowitemu sukcesowi jego twórczości. Miło wiedzieć, że wielu takich geniuszy urodziło się w Rosji. Rimski-Korsakow, Musorgski, Czajkowski, Strawiński, Szostakowicz to tylko niewielka część galaktyki wielkich rosyjskich muzyków. Wśród współczesnych znanych wykonawców można szczególnie zauważyć Denisa Matsueva, godnego następcę tradycji rosyjskiej szkoły muzycznej.

Każdy, kto urodził się w Związku Radzieckim, z pewnością pamięta sukces słynnego i wirtuozowskiego wykonawcy Van Cliburna podczas zimnej wojny. Zwycięzca pierwszego Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego, młody amerykański pianista nie bał się przybyć do kraju zamkniętego dla społeczeństwa zachodniego. Pierwszy koncert fortepianowy Czajkowskiego w jego wykonaniu był jednocześnie pierwszą platynową płytą wśród muzyków klasycznych.

Nawiasem mówiąc, w historii pianistyki są trzy epoki, które noszą imię wielkich pianistów: Mozarta, Liszta i Rachmaninowa. Era Mozarta to klasycyzm, era Liszta charakteryzuje się wyrafinowanym romantyzmem, a era Rachmaninowa, odpowiednio, stała się początkiem modernizmu. Nie należy zapominać, że tak wielcy pianiści jak Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, Chopin pracowali jednocześnie z tymi słynnymi muzykami.

Współcześni pianiści

Niektórzy uważają, że rozkwit pianistyki już się skończył, a współcześni wykonawcy i kompozytorzy nie mają praktycznie nic do zaprezentowania na dworze rozpieszczonej publiczności. Jednak pod koniec ubiegłego wieku pracował genialny Światosław Richter. Ogólnie XX wiek wśród ekspertów uważany jest za okres rozkwitu sztuki fortepianowej. Początek stulecia to pojawienie się tak wspaniałych pianistów, jak Schnabel, Hoffmann, Paderevsky, Karto i oczywiście Rachmaninow. W drugiej połowie XX wieku brzmiały takie nazwiska jak Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein.

Władimir Ashkenazy i Denis Matsuev, wirtuozi fortepianu, do dziś zachwycają swoich fanów swoim talentem. Jest mało prawdopodobne, że XXI wiek będzie w przyszłości ubogi w talenty muzyczne.