Problemy moralne w pracach Valentina Grigorievicha Rasputina. Problemy moralne i filozoficzne naszych czasów w twórczości W. Astafiewa, W. Rasputina i innych Czego uczą dzieła Astafiewa i Rasputina

Od czasów starożytnych natura i człowiek stanowią jedno. Tysiące lat temu starożytni ludzie nie wyobrażali sobie swojego istnienia poza środowiskiem. W końcu natura zawsze była i będzie kolebką ludzkości. Urodziła świat, potrafiła rozwijać całe pokolenia z jednokomórkowego organizmu, zastępując się nawzajem przez kilka tysięcy lat. Ale jak w bajce ze złym zakończeniem, dobro natury dane człowiekowi zamieniło się w zło. Świat zapomniał kto go stworzył, człowiek zapomniał, że jest częścią natury. Teraz jest właścicielem. Ale czy tak jest naprawdę? W odpowiedzi na to pytanie pomagają prace współczesnych autorów, czyli dzieła W. Astafiewa i W. Rasputina.

Do 60-70 lat. głównym tematem literatury był temat cierpienia ludzkości, temat ich istnienia. Ale lata 70. to dalszy rozwój problematyki prozy. A jeśli w tym samym okresie jeden z kardynalnych problemów - „osobowość, ludzie i historia” jest zróżnicowany, to V. Astafiev w „Car Fish” podnosi równie palący problem - „człowiek i natura”, „natura i stan duchowy człowiek”.

Powieść składa się z cyklu opowiadań i nowel, które łączy jeden temat. W narracji Astafiew mówi o potrzebie powrotu do natury. Autor z niepokojem podkreśla nieodwracalne szkody, jakie wyrządzają całej ludzkości ludzie żyjący wyłącznie dla własnych interesów konsumenckich. I dlatego relacja między naturą a człowiekiem interesuje autora nie tylko w aspekcie bezpośrednim, ale także moralnym. Kwestie ekologii stają się przedmiotem rozumowania filozoficznego.

W Car-Rybie Astafiew porusza trzy kwestie. Po pierwsze, według autora człowiek jest częścią przyrody, czyli przyroda i człowiek stanowią jedną całość. I nie należy o tym zapominać. Wizerunek Akima, bohatera powieści, budowany jest w kontraście z wizerunkiem Gogi. Astafiew wyrażał całe piękno ludzkiej duszy w Akimie. Życzliwość, bezinteresowna pomoc ludziom, wrażliwość na naturę nie są obce bohaterowi. Akim jest wrażliwy i humanitarny w stosunku do środowiska. Tak, zabija zwierzęta, ale robi to nie w sensie konsumenckim, nie dla zysku, a jedynie bytu. Oznacza to, że Akim działa zgodnie z prawem przetrwania: drapieżnik - ofiara. Jednak S. Łominadze mówił o bohaterze Astafiewa: „... taki pewny siebie, bystry, zręczny w lesie, nie żeby był nieszczęśliwy, ale jakoś zagubiony, samotny do krzyku, obcy dla wszystkich, bezużyteczny do kogokolwiek."

Obrzydliwy obraz Gogi Akima jest kontrastem. Mądry i inteligentny w życiu, Goga uważa się za króla natury, wierzy, że może zrobić wszystko. Wiele chce od życia, ale nie oferuje nic w zamian. Przypomnijmy podobnego bohatera M. Gorkiego. W Larrze, obiekcie narracji starej Izergil, egoizm przeradza się w przerost kaprysu i kaprysu. Domaga się również życiowych błogosławieństw, ale Larra nie robi niczego pożytecznego, za co mógłby otrzymać te błogosławieństwa. Dlatego jest skazany na wieczną samotność. Astafiew jest znacznie smutniejszy. Autor prowadzi bohatera na śmierć, ale jest to prawidłowość, gdyż Gog, wywyższając się, zrywa wszelkie moralne więzi z ludźmi i naturą i załamuje się wewnętrznie. Jego życie jest po prostu pozbawione sensu.

Drugą kwestią poruszoną przez Astafiewa jest kłusownictwo. I tutaj widzimy, jak dualistyczni mogą być ludzie. Uderzającym przykładem jest kłusownik Ignatich. Znakomity pracownik, osoba szanowana w społeczeństwie, której wartości moralne tłumią pragnienie zysku. I jest wielu takich ludzi, którzy niszczą przyrodę i żyją w zgodzie ze swoim sumieniem. Czyniąc zło i znajdując usprawiedliwienie, wszędzie dopuszczają zło. Astafiew przedstawia kłusownictwo jako straszny akt. I mówi nie tylko o niszczeniu przyrody ożywionej i nieożywionej, ale także o niszczeniu człowieka, ludzkich cech w sobie. Tak więc ostatnim z problemów podnoszonych przez Astafiewa jest brak duchowości ludzkości. Brak duchowości rozumianej jako odmowa zjednoczenia się człowieka z naturą w jedną całość i odmowa odpowiedzialności za wszystko, co złe.

Można zatem stwierdzić, że Astafiew porusza problemy, które są tak naprawdę charakterystyczne dla współczesnego świata. W końcu osoba będąca częścią natury niszczy ją własnymi rękami, nie zdając sobie sprawy, że po zabiciu jej sam umrze.

Nieco inny problem pojawia się w opowiadaniu V. Rasputina „Pożegnanie z Materą”. Tutaj najwyraźniej ukazane są doświadczenia moralne i duchowe ludzi. Natura w opowieści przybiera obraz stwórcy pokoleń, gdyż tragedia sytuacji polega na bezdusznym stosunku do przeszłości, do ludzkich przywiązań. W wyniku budowy elektrowni wodnej ludzie mieszkający na Materze zmuszeni są do opuszczenia swoich rodzinnych stron. Najtrudniejszy wybór jest dla osób starszych, gdzie każdy kamień, każda gałąź przypomina dawne radości i smutki, żywych i umarłych. Rasputin ukazuje naturę na obraz strażnika przeszłości, tego, co przeminęło na zawsze i co jest jej bliskie.

Czy to słuszne, że ludzie są pozbawieni wspomnień, zastępując stratę wygodnym mieszkaniem? Myślę, że nie. Człowiek powinien żyć tam, gdzie minęły najlepsze lata jego życia, gdzie „leżą” jego rodzice, gdzie wszystko jest blisko i wszystko jest drogie.

Tutaj dochodzimy do końca. Teraz możemy śmiało powiedzieć, że temat człowieka i natury jest jednym z wiodących w literaturze. Ale to nie tylko temat praktycznej interakcji człowieka ze środowiskiem. Jest to temat wpływu natury na wewnętrzny świat człowieka, w wyniku którego następuje formacja duchowej kontemplacji i moralnej zasady społeczeństwa.

Dyscyplina: język i literatura rosyjska
Rodzaj pracy: abstrakcyjny
Temat: Problemy moralne w dziełach Walentyna Grigorjewicza Rasputina

Miejska instytucja edukacyjna

liceum nr 6

ich. C.L. Kunikowa

Problemy moralne w pracach Walentyna Grigoriewicza Rasputina.

Terentyeva Konstancja.

Nauczyciel-doradca:

Czerkasowa Tamara B.

Tuapse

Wstęp ___________________________________________ 3 s.

Analiza opowiadania „Pieniądze dla Maryi” ________________4 s.

Analiza historii "Termin" __________________ 7 s.

Analiza historii „Żyj i pamiętaj” ___________________ 10 s.

Analiza historii „Pożegnanie z matką” _____________ 14 s.

Wniosek _________________________________ 18 s.

Bibliografia _______________________ 19 str.

WPROWADZANIE.

Jeśli nie ja

to kto jest dla mnie?

Ale jeśli jestem tylko dla siebie

to dlaczego ja?

M. Gorkiego.

Sławny pisarz

wyrażone

ciekawa myśl:

Przez długi czas istniały dwa sposoby na odnowienie i zmianę życia.

rewolucja,

druga to ścieżka doskonalenia moralnego, samokształcenia osobowości każdej osoby.

Kto może dotrzeć do duszy każdego?

Odpowiedź jest jasna: literatura. Notatki krytyki,

że w pracach serii

naszych pisarzy od dawna zidentyfikowano nowego bohatera, myśląc o sensie życia i moralności, szukając tego znaczenia, rozumiejąc swoją odpowiedzialność w

Myślenie o problemach i wadach społeczeństwa, myślenie

jak je naprawić, taki bohater zaczyna od siebie. W. Astafiew pisał:

\"Musisz zawsze zaczynać od siebie, potem dotrzesz do generała,

do krajowego

do uniwersalnych problemów”. Dziś wydaje mi się, że problem moralności staje się wiodącym we współczesnej literaturze. Przecież nawet jeśli nasze społeczeństwo jest w stanie

iść do

gospodarka rynkowa

stać się bogatym,

bogactwo nie zastąpi dobroci, przyzwoitości,

uczciwość.

Wręcz przeciwnie, wszystkie wady ludzi mogą się zaostrzyć. Wśród pisarzy, którzy w centrum swojej pracy stawiają problemy moralne jednostki,

imię Ch.Ajtmatow, B. Wasiliew,

F. Abramov, V. Astafiev, Yu Bondarev, V. Belov, chciałbym skupić się na twórczości Valentina Rasputina, ponieważ moim zdaniem, w jego

w pracach najdobitniej wyłaniają się różne ludzkie charaktery, osobowości, które

rozwiązywać problemy moralne na swój własny sposób.

Historie Rasputina są próbą dotarcia do głównego i decydującego punktu w dobrobycie i mentalności współczesnego człowieka. Musi być coś, co istnieje ponad wszystko, co możliwe

różnice i ważne dla wszystkich? Jednostka, pozornie wyizolowana, przypadkowa odnajduje w Rasputinie związek z „całością”, z „ludem”, z „naturalnym”, choć jest miejsce na

pozostaje pytanie, czym jest „prawidłowość”. Rasputin kieruje się chęcią mówienia o tym, co konieczne, zaległe, aby weszła w świadomość społeczeństwa, a może coś się przesunęło i

zaostrzył się w nim, tak jak robiła to stara literatura rosyjska i jak dziś mogą to zrobić książki F. Abramowa, W. Bykowa, W. Astafiewa, W. Biełowa, S. Załygina.

Siergiej Zalygin napisał, że historie Rasputina wyróżniają się szczególną „artystyczną kompletnością” - kompletnością i kompletnością „złożoności”. Niezależnie od tego, czy chodzi o postacie i relacje

bohaterów, czy to przedstawienie wydarzeń - wszystko od początku do końca zachowuje swoją złożoność i nie zastępuje logicznej i emocjonalnej prostoty żadnych ostatecznych, niezaprzeczalnych wniosków i

wyjaśnienia. Aktualnym pytaniem w pracach Rasputina jest „kto jest winny?” nie otrzymuje jasnej odpowiedzi. Jakby w zamian uświadamiamy sobie niemożliwość takiej odpowiedzi; zgadujemy, że

wszystkie odpowiedzi, które przychodzą na myśl, są niewystarczające, niezadowalające; w żaden sposób nie złagodzą ciężaru, niczego nie naprawią, niczego nie zapobiegną w przyszłości; pozostajemy twarzą w twarz

co się stało z tą straszną, okrutną niesprawiedliwością i cała nasza istota buntuje się przeciwko niej...

Opowiem o 4 opowieściach Rasputina: Pieniądze dla Maryi, termin, żyj i pamiętaj, pożegnanie z mamą.

PIENIĄDZE DLA MARYI.

Pierwsze opowiadanie Rasputina „Pieniądze dla Maryi”. Fabuła pierwszej historii jest prosta...

Wiktor Astafiew należy do pokolenia tragicznego, wojnę spotkał się w wieku siedemnastu lub osiemnastu lat i poniósł największe straty na frontach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Dlatego temat wojskowy stał się bólem V. Astafieva i innych pisarzy - jego rówieśników (Yu. Bondareva, E. Nosova itp.). W artystycznym świecie W. Astafiewa istnieją dwa ośrodki semantyczne - wieś i wojna. Pisarz przeszedł trudną szkołę życiową: przeżył głodne wiejskie dzieciństwo, wczesne sieroctwo, pobyt w sierocińcu, fabrycznej szkole szkoleniowej, był kompletatorem pociągów, walczył na froncie, jest ranny. Zdemobilizowany w 1945 roku. Miał wtedy 21 lat: bez wykształcenia średniego, bez zawodu, bez zdrowia. Marzył o instytucie, ale musiał wyżywić swoją rodzinę. W latach 1959-61 ukazały się opowiadania „Przełęcz”, „Starodub”, „Starfall”, które przyniosły sławę i naznaczyły wiodące tematy twórczości: dzieciństwo, natura i człowiek, wojna i miłość. Od czasu pojawienia się ras na początku lat 60., które skompilowały pierwszą księgę narracji, Ostatni łuk, krytycy zaczynają przypisywać pracę Astafiewa „prozie wiejskiej”. Jak zauważono w sowieckiej i zagranicznej krytyce literackiej, Astafiew „należy do szkoły realizmu krytycznego w literaturze rosyjskiej ... zapewnia intuicyjny, irracjonalny związek między człowiekiem a światem przyrody i notatek straty moralne i duchowe, które pojawiają się w przypadku zerwania w tym związku.

Wielu krytyków zwróciło uwagę na kontynuację tradycji F. Dostojewskiego w rozwoju „wiecznego tematu” literatury rosyjskiej - „zbrodnia i kara” - w opowiadaniu Astafiewa „Kradzież” (1961 - 65), co otworzyło kolejny problemowo-tematyczny kierunek w twórczości pisarza. Oparte na pozornie lokalnym materiale o losach sierot sowieckich w polarnym sierocińcu w 1939 roku, w okresie represji stalinowskich, pytanie o miłosierdzie i współczucie dla upokorzonych i obrażonych, o to, jaka powinna być prawdziwa władza partyjna w Rosji. Wielu wierzyło, że wszystkie kłopoty Rosji biorą się z miasta. Nazywano ich „poczwennikami” i skupiali się wokół czasopism „Młoda Gwardia” i „Nasza Współczesna”. Spór o „glebę” i „asfalt” trwał dość długo, ale wydaje się, że został rozwiązany po publikacji opowiadania W. Astafiewa „Ludoczka” (1989). Dorastając w wiosce wśród biedy i pijaństwa, okrucieństwa i niemoralności, bohaterka opowieści szuka ratunku w mieście. Stając się ofiarą brutalnej przemocy, w atmosferze ogólnego rozkładu, rozkładu i szaleństwa Ludochka popełnia samobójstwo. Więc gdzie jest najlepsze? Szczególnie temat wiejski wiąże się z problemami środowiskowymi. Przede wszystkim zwraca uwagę jego „narracja w opowiadaniach”, ponieważ sam określił gatunek swojej pracy „Król-ryba” (1972 - 1975). Lud Astafiewa nie dzieli się na miejskie i wiejskie. Wyróżnia je w relacji do natury. Idea podboju natury, jej wrogości wobec ludzi, wydaje się pisarzowi szalona.

Valentin Rasputin „Żyj i pamiętaj”. Autor stawia swoich bohaterów w trudnej sytuacji: młody chłopak Andriej Guskow uczciwie walczył prawie do samego końca wojny, ale w 1944 roku trafił do szpitala, a jego życie pękło. Sądził, że ciężka rana uwolni go od dalszej służby. Leżąc na oddziale już wyobrażał sobie, jak wróci do domu, przytuli swoich bliskich i swoją Nastenę. Był tak pewny takiego biegu wydarzeń, że nawet nie wezwał swoich krewnych do szpitala, aby go zobaczyć. Wiadomość, że został ponownie wysłany na front, uderzyła jak błyskawica. Wszystkie jego marzenia i plany zostały zniszczone w jednej chwili. W chwilach duchowego zamętu i rozpaczy Andrei podejmuje dla siebie fatalną decyzję, która w przyszłości zniszczy jego życie i duszę, uczyni z niego zupełnie inną osobę. W literaturze jest wiele przykładów, kiedy okoliczności okazują się wyższe niż siła woli bohaterów, ale wizerunek Andrieja jest bardzo wiarygodny i przekonujący. Guskov postanawia sam wrócić do domu, przynajmniej na jeden dzień. Widzi swoje zbawienie w nienarodzonym dziecku. Miga mu myśl o punkcie zwrotnym w jego życiu. Andrei uważał, że narodziny dziecka to palec Boga, wskazujący na powrót do normalnego ludzkiego życia, i po raz kolejny się myli. Nastena i nienarodzone dziecko umierają. Ten moment jest karą, którą mocarstwa wyższe mogą ukarać tylko osobę, która złamała wszelkie prawa moralne. Andrei jest skazany na bolesne życie. Słowa Nastyi: „Żyj i pamiętaj” będą pukać do jego zaognionego mózgu do końca jego dni.

1. Nikołaj Semenowicz Leskow (1831-1895) W 1861 przeniósł się do Petersburga. Karierę pisarską rozpoczął od artykułów i felietonów. W latach 60. Leskow stworzył szereg doskonałych realistycznych opowiadań i nowel: „Wygaszona sprawa” (1862), „Lady Makbet z mceńskiego powiatu” (1865) itp., W których szeroko pokazano życie rosyjskie. powieści Nigdzie (1864; pod pseudonimem M. Stebnitsky) i Obwodnicy (1865) skierowane są przeciwko „nowym ludziom”; Leskow próbuje udowodnić daremność i bezpodstawność wysiłków obozu rewolucyjnego, tworzy karykaturalne typy nihilistów - w opowiadaniu „Tajemniczy człowiek” (1870), a zwłaszcza w oszczerczej powieści „O nożach” (1870-1871). Sam Leskow nie uważał się za antynihilistę, powołując się na fakt, że w jego powieściach pojawiają się obrazy idealnych nihilistów. W połowie lat 70. nastąpił przełom w światopoglądzie. W opowiadaniu „Śmiech i smutek” (1871) w satyryczny sposób przedstawia rzeczywistość społeczną carskiej Rosji. W tym czasie Leskow zaczyna tworzyć całą galerię typów prawych ludzi - potężnych duchem, utalentowanych patriotów ziemi rosyjskiej: powieść „Soboryane” (1872), powieści i opowiadania „Zaczarowany wędrowiec”. Prawi ludzie Leskowa nie są sympatykami, ale bojownikami, którzy oddają się ludziom; oni pochodzą z najgęstszego ludu. W dziele Leskowa motywy tożsamości narodowej narodu rosyjskiego, wiara w ich moce twórcze są niezwykle silne.: „The Tale of the Tula Oblique leworęczny i Steel Flea” (1881) itp. Leworęczny w „Tale ...” konfrontuje świat złych marionetek obdarzonych władzą; i chociaż jego los jest tragiczny, moralne zwycięstwo pozostaje z nim. Język „Opowieści...” jest niezwykle oryginalny i kolorowy. Bohater przemyśla komicznie i satyrycznie język obcego mu środowiska, na swój sposób interpretuje wiele pojęć, tworzy nowe frazy. Temat śmierci talentów ludowych w Rosji z serdecznym liryzmem ujawnia Leskov w opowiadaniu „Głupi artysta” (1883). Zbliżenie pisarza z obozem demokratycznym w latach 80-90 nasila się. Leskow podąża ścieżką pogłębiającej się krytyki ustroju społecznego carskiej Rosji w łasce administracyjnej (wyd. 1934) i wielu innych.Leskow ujawnia arbitralność aparatu państwowego autokracji, jedność sił reakcyjnych w walce z dysydentami. Leskow uważnie studiował bezgraniczny element języka ludowego; jego styl narracyjny charakteryzuje się używaniem powiedzeń ludowych, slangu, barbarzyństwa i neologizmów.

43. Ścieżka twórcza A. T. Tvardovsky'ego. Tematy i obrazy jego poezji. rozpoczęła się w połowie lat dwudziestych. We wczesnej twórczości śpiewał o nowym wiejskim życiu, o budownictwie kołchozowym, jeden ze swoich wczesnych wierszy nazwał „Drogą do socjalizmu”. Jego poezja stała się jedną z najjaśniejszych kart w historii literatury rosyjskiej XX wieku. Sam los tego człowieka i poety jest głęboko symboliczny. W jego wierszach z tamtych lat wyraźnie brzmi odrzucenie odwiecznych tradycji : Efektem wczesnego okresu twórczości był wiersz „Mrówka wiejska”. Jej bohater Nikita Morgunok, który marzył o szczęściu i bezpłatnej pracy na swojej ziemi, zrozumiał i zrozumiał, że szczęście można znaleźć tylko w kołchozie. zostali wywłaszczeni i zesłani na północ. Punktem zwrotnym były lata II wojny światowej, które przeszedł jako korespondent frontowy. W latach wojny jego poetycki głos nabiera tej siły, autentyczności doświadczeń, bez których prawdziwa kreatywność jest niemożliwa. W latach wojny jego wiersze zawierają także filozoficzne rozumienie losu ludzkiego w czasach narodowej tragedii. Tak więc w 1943 r. Napisano wiersz „Dwa linijki”. Zainspirował ją fakt z biografii korespondenta Twardowskiego: dwie linijki z notatnika przypominały mu chłopaka-wojownika, którego widział zabitego, leżącego na lodzie podczas niesławnej wojny z Finlandią, poprzedzającej Wielką Wojnę Ojczyźnianą. I nie dokonał wyczynu, a wojna nie była sławna, ale dano mu jedyne życie - dzięki niej artysta pojmuje prawdziwą tragedię każdej wojny, jest przeszywające poczucie nieodwracalności straty w potędze liryzmu :

"Żal mi tego odległego losu, Jakby martwy, samotny, Jakbym kłamał..." Już po wojnie, w latach 1945-46, tworzy chyba swoje najpotężniejsze dzieło o wojnie - "Ja zginął pod Rżewem” – to namiętny monolog zmarłych, jego apel do żywych. Apel z tamtego świata, apel, do którego mają prawo tylko umarli - więc osądzać żywych, tak surowo żądać od nich odpowiedzi. W latach wojny „Wasilij Terkin”. Jego bohater stał się symbolem rosyjskiego żołnierza, jego wizerunek to niezwykle uogólniona, zbiorowa, ludowa postać w jej najlepszych przejawach. Terkin nie jest abstrakcyjnym ideałem, ale żywą osobą, pogodnym i przebiegłym rozmówcą. Wiersze z lat 50. i 60. to jedna z najpiękniejszych stron poezji rosyjskiej XX wieku. wytrzymują tak trudne dla poety sąsiedztwo, jak wiersze A. Achmatowej, B. Pasternaka. Nie sposób nie powiedzieć choćby krótko, że w tych latach poeta staje się centralną postacią wszystkiego, co progresywne, w czym bogate było życie literackie. Czasopismo „Nowy Świat”, wydawane przez A.T., weszło do historii literatury jako „Nowy Świat” T.L.g. jego późniejszej poezji to przede wszystkim człowiek mądry, zastanawiający się nad życiem, na czas.

Ale głównym, najbardziej bolesnym tematem dla poety jest wątek pamięci historycznej, który przenika jego teksty z lat 50. i 60. To jest pamięć o tych, którzy zginęli na wojnie. Poświęcony im wiersz, który można śmiało nazwać jednym ze szczytów rosyjskich tekstów XX wieku:

"Wiem, że to nie moja wina, że ​​inni nie wrócili z wojny..."

Wiem, że to nie moja wina, że ​​inni nie przyszli z wojny, że oni – starsi, ci młodsi – tam zostali, i nie chodzi o to samo, że mogłem, ale nie udało mi się ich uratować, nie o, ale jednak mimo wszystko...

45. Treść i znaczenie pojęcia CNT, folklor. Specyfika tworzenia i istnienia poezji ludowej. Rodzaje i gatunki folkloru. Folklor w nauce szkolnej. Folklor.- sztuka ludowa, najczęściej ustna; artystyczna zbiorowa twórcza działalność ludzi, odzwierciedlająca ich życie, poglądy, ideały; poezja tworzona przez lud i istniejąca wśród mas ludowych (tradycje, pieśni, przyśpiewki, anegdoty, baśnie, eposy), muzyka ludowa (pieśni, melodie i spektakle instrumentalne), teatr (dramaty, sztuki satyryczne, teatr lalek), taniec, architekturę, sztukę i rzemiosło.UNT powstało w procesie formowania się mowy ludzkiej. W społeczeństwie przedklasowym jest ściśle związany z innymi rodzajami działalności człowieka, odzwierciedlając początki jego wiedzy i idei religijnych i mitologicznych. W procesie społecznego zróżnicowania społeczeństwa powstały różne typy i formy ustnej twórczości werbalnej, wyrażającej interesy różnych grup i warstw społecznych. Najważniejszą rolę w jego rozwoju odegrała kreatywność mas pracujących. Zbiorowość ustnego N. t. (oznaczająca nie tylko wyrażanie myśli i uczuć zbiorowości, ale przede wszystkim – proces kolektywnego tworzenia i dystrybucji) determinuje zmienność, czyli zmienność tekstów w procesie ich istnienia. Jednocześnie zmiany mogą być bardzo różne - od drobnych zmian stylistycznych po znaczną rewizję pomysłu. W zapamiętywaniu, a także w różnych tekstach, istotną rolę odgrywają swoiste stereotypowe formuły - tzw. .) gatunki werbalnych niewerbalnych t. przechodzą przez „produktywne” i „nieproduktywne” okresy („epoki”) swojej historii (pojawienie się, rozprzestrzenianie się, wejście do masowego repertuaru, starzenie się, wymarcie) i to jest ostatecznie związane ze zmianami społecznymi, kulturowymi i codziennymi w społeczeństwie. Stabilność istnienia tekstów folklorystycznych w życiu ludowym tłumaczy się nie tylko ich wartością artystyczną, ale także powolnością zmian sposobu życia, światopoglądu, upodobań ich głównych twórców i opiekunów - chłopów. Rodzaj- najszersze zjawisko i pojęcie: obejmuje różne typy, w których jest konkretnie realizowane. Gatunki ustnej sztuki ludowej: poezja obrzędowa: kalendarz (cykle zimowe, wiosenne, letnie, jesienne), rodzina i gospodarstwo domowe (macierzyńskie, weselne, pogrzebowe), spiski. Poezja nierytualna: gatunki prozy epickiej: baśnie, legendy, legendy. Epickie gatunki poetyckie: eposy; pieśni historyczne; piosenki balladowe. Liryczne gatunki poetyckie: pieśni o treści społecznej, pieśni miłosne, pieśni familijne Małe gatunki liryczne (czastuszki, chóry) Małe gatunki nieliryczne: przysłowia; powiedzonka, zagadki, teksty dramatyczne: przebieranki, gry, okrągłe tańce, sceny i przedstawienia. Ostatnio w programach literatury szkolnej coraz częściej włącza się naukę ustnej sztuki ludowej. Zwrócenie się do folkloru pozwala lepiej zrozumieć i poczuć ducha własnych ludzi, ich światopogląd, kulturę i historię. Ale dodatkowo badanie folkloru poszerza i wzbogaca percepcję literatury. Literatura wiele zawdzięcza folkloru. Historycznie jest „starsze”, wyprzedza literaturę. Do czasu jego pojawienia się (na ziemi rosyjskiej jest to XI-XII wiek) system gatunków, środków wizualnych i symboli rozwinął się już w folklorze. Fabuły, obrazy, gatunki (Żukowski) są zapożyczone z folkloru. W 19-stym wieku praktycznie nie ma większego pisarza, którego twórczość nie byłaby związana z folklorem ("Rusłan i Ludmiła" Puszkina, "Córka kapitana" i "Eugeniusz Oniegin"; "Pieśń o kupcu Kałasznikowie"; "Wieczory na folwarku pod Dikanką" Gogola teksty Niekrasowa, Opowieści Saltykowa-Szczedrina). Na przełomie wieków ukształtowała się szczególna kultura literacka i folklorystyczna - kultura romansu miejskiego, która miała ogromny wpływ na poezję tamtych czasów (w szczególności na Blok), która później dała potężny impuls autorowi utwór muzyczny. XX wiek oddał także hołd folklorowi - nie tylko Jesieninowi, Szołochowowi, Twardowskiemu, ale także Cwietajewej, Płatonowowi, Pasternakowi. Już proste wyliczenie tych nazwisk mówi nam o pilnej potrzebie poważnego studiowania ustnej sztuki ludowej w szkole.

46. ​​​​A.P. Czechow. Etapy rozwoju twórczego. Oryginalność realizmu .dwa etapy: wczesny okres i lata dojrzałości twórczej. Są prace na temat Czechowa i próby wyróżnienia w periodyzacji ścieżki twórczej pisarza szczególnego okresu - przejściowego lub punktu zwrotnego. Nawet A. Izmailow w swojej monografii „Czechow” (1916) wyróżnił specjalny dział w recenzji dzieła pisarza „Pierwsze laury (1886-1889)”, wierząc, że właściwie od 1886 r. rozpoczęło się uznanie i sława Czechowa jako pisarza, że 1886-1889 gg. - to czas wielkich sukcesów literackich Czechowa, kiedy z beztroskiego młodzieńca, pracownika humorystycznych kartek, ukształtował się pisarz-artysta. rozpoczęło się „przetapianie”, jego przemiana z „literackiego ucznia w młodego, zamożnego i dość wymagającego mistrza”. 1886 to rok „twórczej powodzi”, kiedy pojawia się duża liczba zróżnicowanych artystycznie dzieł Czechowa, humorystycznych i poważnych, kiedy „poczynił imponujący krok Czechow w dziedzinie socjopsychologicznego pogłębienia fabuł i obrazów, ich ideologiczne wzbogacenie. Niektórzy autorzy datują „okres zwrotny" w twórczości Czechowa na lata 1888-1889. Jurij Sobolew wymienił w twórczości Czechowa cztery okresy: 1) lata osiemdziesiąte; 2) lata przełomu; 3) dojrzałość; 4 ) umierający Czechow Jurij Sobolew, odchodząc od tradycyjnej periodyzacji twórczości Czechowa, podał bardziej zróżnicowaną i ogólnie poprawną periodyzację, ale naszym zdaniem jest to niemożliwe (wyciągnąć lata przełomu poza lata osiemdziesiąte. „Realizm socjologiczny ", ponieważ głównym tematem Czechowa jest problem społecznej struktury społeczeństwa i losu człowieka w nim. Ten kierunek bada obiektywne relacje społeczne między ludźmi i warunkowość wszystkich innych ważnych zjawisk ludzkiego życia przez te relacje. Tak więc przedmiotem szczególnej uwagi Czechowa, pisarza i badacza, była „oficjalna” Rosja - środowisko biurokracji i stosunków biurokratycznych, tj. stosunek ludzi do wspaniałego aparatu państwowego i stosunek ludzi w samym tym aparacie. Nie jest więc przypadkiem, że to właśnie urzędnik stał się jedną z centralnych postaci w pracy Czechowa (jeśli nie najważniejszą), a przedstawiciele innych kategorii społecznych zaczęli być uwzględniani w ich biurokratycznych funkcjach i stosunkach.

47. SOPI „Słowo” poświęcone jest tematowi obrony ojczyzny, jest liryczne, pełne tęsknoty i smutku, gniewnego oburzenia i namiętnego apelu. Jest jednocześnie epicki i liryczny. Autor nieustannie ingeruje w bieg wydarzeń. Autor Świeckiego wypełnia całą pracę sobą od początku do końca. Jego głos jest wyraźnie słyszalny wszędzie: w każdym odcinku. Autorka wprowadza do Świeckiego pierwiastek liryczny i gorący społeczno-polityczny patos. Autor zwraca się do swoich współczesnych książąt zarówno ogólnie, jak i osobno. Zwraca się do dwunastu książąt po imieniu, ale jego wyimaginowanymi słuchaczami są wszyscy książęta rosyjscy, a ponadto wszyscy mu współcześni w ogóle. Jest to apel liryczny, szeroki temat epicki rozwiązany lirycznie. Słowo…, stworzone pod koniec XVII wieku przez nieznanego starożytnego poetę rosyjskiego, zachowało się na jedynym wykazie znalezionym przez A. I. Musina-Puszkina, znawcę starożytnego pisma rosyjskiego, pod koniec XVIII wieku w miasto Jarosław w klasztorze Spaso-Preobrazhensky. Odnaleziony rękopis był dość późnym spisem, oddalonym od oryginału o trzy stulecia. SOPI opowiada o nieudanej kampanii nowogrodzkiego księcia Igora Światosławicza, jego brata Wsiewołoda, syna Włodzimierza, przeciwko Połowcom w 1185 r. Feudalne rozdrobnienie Rosji w XII wieku, brak jedności politycznej, wrogość książąt, a w konsekwencji słabość obrony Rosji, umożliwiły Połowcom ciągłe najazdy i plądrowanie rozbitych księstw . Igor zbiera armię i wyrusza przeciwko Połowcom. Ponoszą straszliwą porażkę. Autor rysuje obraz Igora jako ucieleśnienia książęcej waleczności. Autor pokazuje, że przyczyną porażki jest feudalne rozdrobnienie Rosji i przekonuje o potrzebie jedności. Autor wcielił wezwanie do jedności w obraz ziemi rosyjskiej. To jest centralny obraz. W krąg narracji wprowadzane są rozległe obszary geograficzne: step połowiecki, Don, Morze Azowskie i Morze Czarne, Wołga, Dniepr, Dunaj, Zachodnia Dźwina; miasta Kijów, Połock, Korsun, Kursk, Czernigow, Perejasław, Biełgorod, Nowogród - cała ziemia rosyjska. Ogrom ziemi rosyjskiej oddaje opis wydarzeń zachodzących jednocześnie w różnych jej częściach. Krzyk Jarosławny jest spontanicznym, nieświadomym odrzuceniem wojownika. SOPI patrzy w przyszłość. Aby Rosja stała się potężnym państwem, potrzebna była scentralizowana władza, która mogłaby zjednoczyć drobnych książąt. Autor widzi Kijów jako centrum zjednoczonej Rosji. Książę kijowski Światosław jawi mu się jako władca silny i budzący grozę, zdolny do urzeczywistnienia idei silnej władzy książęcej i zjednoczenia ziemi rosyjskiej.

48. Lyrica AA Feta (1820-1892). To poezja afirmującej życie mocy, którą wypełnia każdy dźwięk, pierwotnej świeżości i zapachu. Poezja Feta ograniczona wąski zakres tematyczny. W niej brak motywów obywatelskich, problemów społecznych. Istotą jego poglądów na cel poezji w wyjściu ze świata cierpienia i smutku otaczającego życia jest zanurzenie się w świecie piękna. Dokładnie piękno jest głównym motywem i idea twórczości wielkiego rosyjskiego autora tekstów. Ujawnione w poezji Feta piękno to sedno bytu i świata. Tajemnice piękna, język jego współbrzmień, jego wielostronny wizerunek i poeta stara się wcielić w swoje dzieła. Poezja jest świątynią sztuki, a poeta jest kapłanem tej świątyni. Głowne tematy Poezja Feta - natura i miłość jakby połączone w jedno. To w naturze i miłości, jak w jednej melodii, jednoczy się całe piękno świata, cała radość i urok istnienia. W 1843 roku pojawił się werset F, który można nazwać manifestem poetyckim: „Przyszedłem do was z pozdrowieniami”. 3 tematy poetyckie - pr-tak, miłość i pieśń - są ze sobą ściśle powiązane, przenikają się wzajemnie, tworząc uniwersum piękna Fetova. Korzystając z personifikacji, Fet ożywia przyrodę, mieszka z nim: „przebudził się las”, „słońce wzeszło… zadrżało”. A poeta jest pełen pragnienia miłości i kreatywności.

Impresjonizm w tekstach A. Feta. Wrażenia poety dotyczące otaczającego go świata są przekazywane za pomocą żywych obrazów. Fet świadomie przedstawia nie sam przedmiot, ale wrażenie, jakie ten przedmiot sprawia. Nie interesują go detale i detale, nie pociągają go nieruchome, skończone formy, on stara się przekazać zmienność natury, ruch ludzkiej duszy. To twórcze zadanie pomaga rozwiązać oryginalnymi środkami wizualnymi: nie wyraźną linią, ale rozmytymi konturami, a nie kontrastem kolorów, ale odcienie, półtony, niepostrzeżenie przechodzące jedno w drugie. Poeta odtwarza w słowie nie przedmiot, ale wrażenie. Z takim zjawiskiem w literaturze, my po raz pierwszy spotykamy go w poezji Feta. (W malarstwie ten kierunek nazywa się impresjonizmem.) Nawykowe obrazy otaczającego świata nabierają zupełnie nieoczekiwanych właściwości. Fet nie tylko porównuje naturę do człowieka, ale wypełnia ją ludzkimi emocjami, dlatego tematem są najczęściej uczucia, a nie zjawiska, które je wywołują. Sztukę często porównuje się do lustra, w którym odbija się rzeczywistość. Fet w swoich wierszach przedstawia nie przedmiot, ale jego odbicie; pejzaże, „przewrócone” w niepewne wody strumienia, zatoki, wydają się podwajać; nieruchome przedmioty drgają, kołyszą się, drżą, drżą.

W wierszu „Szept, nieśmiały oddech…” szybka zmiana statycznych obrazów nadaje wierszowi niesamowitą dynamikę, zwiewność, daje poecie możliwość zobrazowania najsubtelniejszych przejść z jednego stanu do drugiego: Szept, nieśmiały oddech, / Tryle słowika, / Srebro i kołyszące się / Senny strumień, / Światło nocy, nocne cienie, / Cienie bez końca, / Seria magicznych zmian / Słodka buzia,

Bez jednego czasownika, tylko z krótkimi nominalnymi zdaniami, jak artysta - odważnymi pociągnięciami, Fet przekazuje napięte doświadczenie liryczne. Poeta nie opisuje szczegółowo rozwoju relacji w wierszach o miłości, ale odtwarza tylko najważniejsze minuty tego wspaniałego uczucia.

Muzykalność poezji A. Feta Wiersze F. są niezwykle muzyczne. Czuli to także współcześni poecie kompozytorzy. P. I. Czajkowski powiedział o nim: „To nie jest tylko poeta, ale raczej poeta-muzyk ...” Fet uważał muzykę za najwyższą formę sztuki i nadawał swoim wierszom muzyczny dźwięk. Napisane w duchu romansowo-piosenki są bardzo melodyjne, nie bez powodu F. nazwał cały cykl wierszy w tomie „Evening Lights” „Melodie”.

WIOSENNY DESZCZ Za oknem jest jeszcze jasno Słońce prześwituje przez przerwy w chmurach I wróbel ze skrzydłem, Kąpiąc się w piasku, drży Z lipy ciągnie pachnącym miodem I coś wyszło do ogrodu , Bębnienie na świeżych liściach.

49. D.I. Fonvizin jako dramaturg. Analiza komedii „Undergrowth”. Tradycyjna i innowacyjna w komedii. Komedia „Undergrowth” na lekcji literatury w szkole.

Denis Iwanowicz Fonvizin urodził się w 1745 roku w Moskwie. Pochodził ze starej rodziny szlacheckiej, studiował w gimnazjum uniwersyteckim, a następnie na wydziale filozoficznym uniwersytetu. Kiedyś wśród „wybranych studentów” w Petersburgu do kuratora uniwersytetu, hrabiego Szuwałowa, Fonvizin spotkał Łomonosowa, wybitnych postaci rosyjskiego teatru F. G. Wołkowa i I. A. Dmitriewskiego. Przedstawienia teatralne zrobiły na nim ogromne wrażenie. „... Nic w Petersburgu tak mnie nie zachwyciło”, wspominał później Fonvizin, „jak teatr, który zobaczyłem po raz pierwszy w życiu”. Fonvizin zachował tę pasję do teatru na całe życie. Już we wczesnym okresie działalności literackiej, tłumacząc, Fonvizin działa jako osoba postępowa, na którą wpływ miały idee edukacyjne. Wraz z tłumaczeniami pojawiły się oryginalne dzieła Fonvizina, malowane w ostrych satyrycznych tonach. Satyryczny charakter talentu Fonvizina został określony dość wcześnie. Spośród wczesnych utworów satyrycznych Fonvizina najbardziej znaczące są „Lis skarbnika” i „Wiadomość do moich sług Szumilowa, Wanki i Pietruszki”, w których społeczno-społeczny patos i satyryczna siła, które stanowią główną siłę satyryka Fonvizina dotknięty. Komedia Fonvizin "Runo" - szczyt twórczości ideowej i artystycznej satyryka. Słusznie weszła do rosyjskiego repertuaru klasycznego. „Undergrowth” to pierwsza komedia społeczno-polityczna nasycona anty-poddaniowym patosem. I choć Fonvizin, mimo odwagi piętnowania wad społecznych w skali kraju, będąc wychowawcą, nie zdawał sobie sprawy z potrzeby całkowitego zniesienia pańszczyzny, a jedynie chciał ją ograniczyć poprzez wprowadzenie „podstawowych” praw, co znalazło odzwierciedlenie w dekret o opiece nad Prostakovą, niemniej jednak jego komedia, która ujawniła przyczyny i konsekwencje wrogości właścicieli ziemskich, szkodliwość pańszczyzny, pozwoliła wyciągnąć daleko idące wnioski. „Undergrowth” to komedia, w której zwycięża realistyczna zasada widzenia i odbicia postaci, choć Fonvizinowi nie udało się jeszcze całkowicie przełamać w tej komedii tradycji klasycyzmu. Fabuła „Undergrowth”, zgodnie z tradycją klasycyzmu, opiera się na romansie, ale Fonvizin podporządkowuje go zadaniom satyry społecznej. Miłość Sophii i Milona pomaga wyjaśnić charaktery wrogich właścicieli ziemskich. Charakterystyczne, że komedia nie kończy się szczęśliwą decyzją o losie Zofii i Milona oraz przebaczeniem „nikczemnej furii” Prostakowej. Rozwiązaniem komedii jest ogłoszenie przez Pravdina dekretu o opiece, który wywołał nową falę wściekłości dla Prostakovej. Komedia Fonvizin zmieniła się w prawdziwe życie. Na oczach widzów toczy się życie rodziny Prostakowów, nauczycieli, służących. Lekcja Mitrofana jest na scenie, Trishka z kaftanem, którego Prostakova beszta, walka Skotinina z Prostakovą. Uwagi autora mają też na celu urealnienie ich bohaterów. W "Undergrowth" naruszona zostaje izolacja gatunku komediowego: obok scen komiksowych - poważne, pouczające rozmowy, czasem dramatyczne sytuacje, postacie w komedii są zdeterminowane społecznie. Wszystko to przyczyniło się do zniszczenia klasycyzmu, umocnienia tendencji realistycznych w dramaturgii Fonvizina. Jednocześnie w The Undergrowth zachowana jest racjonalistyczna struktura komedii. Szacunek dla jedności miejsca i jedności czasu, poetyka nazw-charakterystyki oraz dydaktyczny cel komedii. Jednakże Innowacja Fonvizina znajduje wyraz w tworzeniu komedii społeczno-politycznej, nasyconej prawdziwym, życiowym materiałem, typowymi postaciami w ich indywidualnej manifestacji, w ukazaniu wpływu otoczenia, edukacji na kształtowanie się charakteru człowieka. Fonvizin umiejętnie wykorzystuje cechy mowy, język postaci jest zindywidualizowany. Mowa negatywnych postaci jest niegrzeczna, prymitywna i lakoniczna, pozbawiona jakiegokolwiek akcentu sekularyzmu, inne postacie, w szczególności nauczyciele Tsyfirkin, Kuteikin, Vralman, służący Eremeevna, Trishka, mówią zgodnie ze swoją pozycją społeczną. W swojej satyrycznej pracy Fonvizin kontynuował i rozwijał tradycje satyry Novikova. „Podrost” spowodował naśladownictwo we współczesnej i późniejszej literaturze: anonimowe komedie z początku XIX wieku. Swatanie Mitrofana, Imieniny Mitrofanuszki, Mitrofanuszka na emeryturze Gorodczaninowa (1800), Sztuka Pławiłycikowa Spisek Kuteikina (1789) itd. Opozycyjno-polityczna orientacja Undergrowth spowodowała trudności w inscenizacji komedii. Mimo to postępowa opinia publiczna opowiedziała się po stronie Fonvizina i dziewięć miesięcy później odbyła się produkcja The Undergrowth (24 września 1782).

50. AA Blok. Temat, liryczny bohater cykli poetyckich. Metoda twórcza poety.

Symbolizm. 2 pokolenia symbolistów - młoda symbolika (Andrey Bely, S. Solovyov, Vyach. Ivanov), - jego praca jest najbardziej kompletnym i uniwersalnym ucieleśnieniem całej rosyjskiej symboliki ... charakteryzującej się stałym powtarzaniem najważniejszych obrazów. poeta trzytomowa powieść wierszem, którą nazwał „trylogią wcielenia”. W centrum jest nowoczesna osobowość. osobowość w jej relacjach z całym światem (zarówno społecznym, jak i naturalnym oraz „kosmicznym”). Ten problem tradycyjnie wcielał się w gatunek powieści. Fabuła nie jest pełna wydarzeń, ale liryczna - ruch uczuć i myśli, z rozwijającym się stabilnym systemem motywów. nie ma dystansu między autorem a bohaterem. 3 tomy, 3 etapy „voch-ya”. „Wcielenie” – wcielenie Boga w ludzką postać. obraz Chrystusa kojarzy się z ideą osobowości twórczej. „rum w wierszu” Ścieżka takiej osoby jest podstawą fabuły trylogii. Dla „romantyka drogi” sytuacja spotkania jest spotkaniem bohatera lirycznego z innymi „postaciami”, z różnymi faktami i zjawiskami świata społecznego czy przyrody.

złożona kompozycja wewnętrzna - system motywów. Centralnym punktem cyklu pierwszego tomu są „Wiersze o Pięknej Pani. Mają romans z jego przyszłą żoną L.D. Mendelejewa i fascynacja ideami I.S.Sołowiewa. poprzez miłość można wyeliminować egoizm, zjednoczyć człowieka ze światem. Fabuła „Wierszy o Pięknej Pani” to fabuła oczekiwania na spotkanie z ukochaną. Dramat sytuacji oczekiwania jest w opozycji ziemskiego i niebiańskiego, w notorycznej nierówności bohatera lirycznego i Pięknej Pani, „On” jest zakochanym rycerzem, pokornym mnichem, gotowym do samozaparcia. „Ona” jest cicha, niewidoczna i niesłyszalna; eteryczne centrum wiary, nadziei i miłości lirycznego bohatera.

„Przewiduję cię...” motyw strachu przed Spotkaniem. Piękna Pani może zamienić się w grzeszną istotę, a jej zejście na świat może okazać się upadkiem… oznaki „codzienności”: życia miejskiej biedoty, ludzkiego żalu („Fabryka”, „Z Gazety”). 2. Nowy etap związany jest z motywami zanurzenia w żywiołach życia: przyrodzie (cykl "Bańki Ziemi"), cywilizacji miejskiej (cykl "Miasto") i ziemskiej miłości ("Maska śnieżna") Życie w dysharmonii, to świat wielu ludzi, dramatycznych wydarzeń, walki.

Żywioł jest kluczowym symbolem drugiego tomu tekstów. nazwał ten symbol „muzyką”. M. jest wszędzie. Bliskość zapewnia autentyczność i siłę jego uczuć. Zbliżenie jest poważnie testowane. Piękna Pani zostaje zastąpiona przez Nieznajomą, nieodparcie atrakcyjną kobietę „z innego świata”, jednocześnie szokującą i czarującą.

„Obcy” przeciwstawia „niską” rzeczywistość (nieharmonijny obraz przedmieść, towarzystwo tanich bywalców restauracji) i „wysokie” marzenie bohatera lirycznego (urzekający obraz Nieznajomego. Ucieleśnienie wysokiego piękna, przypomnienie „niebiańskiego” ideału i stworzenia „strasznego świata” rzeczywistości, kobiety ze świata pijaków „okiem królików”. Połączenie piękna i odpychania. Ostatnie 2 tomy cyklu” Wolne myśli”. Główną ideą jest odważna idea konfrontacji ze strasznym światem, idea obowiązku „Akceptuję” - to silna wola bohatera lirycznego. Ale to nie jest bierna pokora przed nieuchronność: bohater pojawia się w przebraniu wojownika, jest gotowy zmierzyć się z niedoskonałością świata.

W tomie 3 synteza 2 i 1. Otwiera się cyklem „Straszny świat”. Motywem przewodnim cyklu jest nekroza świata współczesnej cywilizacji miejskiej („Noc. Ulica. Latarnia. Apteka”)… Temat Rosji jest najważniejszym tematem poezji Bloka. Wątek ten najpełniej i najgłębiej wciela się w cykl Ojczyzna. Przed tym najważniejszym cyklem w „trylogii wcielenia” Blok umieszcza liryczny wiersz „Ogród słowika”. Kompozycja opiera się na opozycji dwóch zasad bycia bohaterem lirycznym. 1 praca dziennie na skalistym brzegu. 2 kusząca muzyka „ogród” szczęścia, miłości, sztuki. cykl „Ojczyzna” jest szczytem „trylogii wcielenia”. W wierszach o Rosji wiodąca rola należy do motywów historycznych losów kraju: semantycznym rdzeniem patriotycznych tekstów Bloka jest cykl „Na polu Kulikovo”. Liryczny bohater pojawia się tutaj jako bezimienny wojownik armii Dmitrija Donskoya. W ten sposób osobisty los bohatera utożsamiany jest z losami Ojczyzny, gotów jest za to umrzeć. Ale w wersetach nadzieja na zwycięską i świetlaną przyszłość jest również namacalna: „Niech noc. Chodźmy do domu. Oświetl ogniskami / dystansem stepowym. "Rosja". Bohater liryczny przeszedł od nieuformowanych przeczuć wielkich dokonań do jasnego zrozumienia swojego obowiązku, obraz ojczyzny w percepcji bohatera lirycznego przypomina poprzednie wcielenia jego ideału, „biedna Rosja” ma w wierszu cechy ludzkie . Szczegóły lirycznego pejzażu „wlewają się” w szczegóły portretowe: „A ty wciąż jesteś ta sama – las i pole, / Tak, wzorzysta tkanina do brwi”. Najważniejszym motywem wierszy o Ojczyźnie jest motyw drogi. W finale lirycznej trylogii jest to droga „krzyża” wspólna bohaterowi i jego ojczyźnie.

Noc, ulica, lampa, apteka,

Bezsensowne i przyćmione światło Żyj jeszcze co najmniej ćwierć wieku - wszystko tak będzie. Nie ma wyjścia, jak umrzesz, zaczynasz od początku I wszystko się powtórzy, jak za dawnych czasów: Noc, lodowate fale kanału, Apteka, ulica, lampa.

51. Komedia NV „Inspektor” Gogola w badaniach szkolnych. Oryginalność metody twórczej dramaturga Gogola.

Ogłoszenie tematu lekcji. Cele i zadania lekcji Słowo nauczyciela o komedii Gogola "Rewizor". Historia twórczości O gatunku komedii Komentarz literacki (praca z terminami) Kompozycja sztuki Charakter humoru Gogola. Śmiech to „jedyna uczciwa, szlachetna twarz w komedii”. Ogłoszenie prac domowych (arkusz kalkulacyjny, czytanie).

Komedia „Inspektor”. Gatunek komedii został pomyślany jako gatunek komedii publicznej, dotykający najbardziej fundamentalnych zagadnień ludzkiego życia publicznego. bohaterami opowieści o domniemanym audytorze nie są osoby prywatne, ale urzędnicy, przedstawiciele władz. Wydarzenia z nimi związane nieuchronnie porywają wielu ludzi: zarówno tych u władzy, jak i poddanych. Gogol napisał w „Wyznaniu autora”: „W „Inspektorze” postanowiłem poskładać wszystko, co złe w Rosji. Generalny Inspektor został ukończony 4 grudnia 1835 r. 36 kwietnia. komedia została wystawiona. Kilku prawdziwych koneserów - wykształconych i uczciwych ludzi - było zachwyconych. Większość nie zrozumiała komedii i zareagowała na nią wrogo. Po wystawieniu na scenę Inspektora Generalnego Gogol jest pełen ponurych myśli. Nie był do końca zadowolony z gry aktorskiej. Jest przygnębiający ogólnym nieporozumieniem. W tych okolicznościach trudno mu pisać, trudno żyć. Postanawia wyjechać za granicę, do Włoch. Komentarz literacki. Aby zrozumieć dzieło, porozmawiajmy o cechach dzieła literackiego przeznaczonego do teatru, do wystawienia na scenie (to dzieło nazywa się spektaklem). W spektaklu mowa bohaterów i ich działania odtwarzane są w formie dialogicznej i monologicznej. W inscenizacjach, wyjaśnieniach dla reżyserów spektaklu i aktorów podaje się, jakie postacie biorą udział w spektaklu, jacy są pod względem wieku, wyglądu, pozycji, z jakimi relacjami rodzinnymi są związani (te uwagi autora nazywane są plakatem); wskazuje się miejsce akcji (pokój w domu burmistrza), wskazuje się, co robi bohater spektaklu i jak wypowiada słowa roli („rozgląda się”, „w bok”).

Pismo

Czym jest moralność? Czym jest wybór moralny? Zajrzyjmy do słownika wyjaśniającego i dowiedzmy się, że moralność to wewnętrzne, duchowe cechy, które kierują człowiekiem w jego życiu.

W życiu każda osoba staje przed wyborem moralnym, a każda działa inaczej, zależy to od jego cech duchowych. Tak więc bohater opowiadania W. Astafiewa „Koń z różową grzywą” wielokrotnie staje przed moralnym wyborem: ukradł kalachi, oszukał swoją babcię. Poddał się łatwemu życiu, ale jego duchowe cechy okazały się niezmiernie wyższe, dręczyło go sumienie: „Dręczyłem się w nocy, rzucając się i obracając na podłodze. Jasne jest, że bohater pokutował, ale sumienie dręczyło go jeszcze bardziej, że prawdę powiedział swojej babci. Babcia i tak kupiła mu piernik, bo go kochała i mu wybaczyła, bo na świecie jest ludzka dobroć. Babcia dała mu prawdziwe lekcje dobroci, uczciwości.

To właśnie ten wybór moralny charakteryzuje go jako osobę werbalną, uczciwą, zdolną do dobrych uczynków. Dopiero wtedy bohater zdał sobie sprawę, że człowiek jest kochany nie za coś, ale tak po prostu.

Zobaczmy, jak zrobił bohater opowieści V. Rasputina „Lekcje francuskie”. On również stanął przed trudnym wyborem moralnym.

Po raz pierwszy pokazał się jako niezależny, zdyscyplinowany, został sam w obcym mieście, chociaż mógł jechać do matki na wsi, ale wybrał studia, bo naprawdę chciał się uczyć, był przyciągnięty do wiedzy. Drugim strasznym testem dla chłopca był głód. Aby zarabiać na jedzenie, zaczął grać w chica na pieniądze. Grał: szczerze, chciał pokazać swoje umiejętności, ale został tylko dotkliwie pobity. Chłopiec nie wiedział, że hazard nie może być sprawiedliwy. Tylko nauczycielka Lidia Michajłowna próbowała mu pomóc. Rozumiała go jak nikt inny. Zaczęła z nim grać, bo chciała mu pomóc i

Poszedłem na to, bo nie zgodził się na inną pomoc. Otworzyła mu drzwi do nowego świata, w którym ludzie mogą zaufać i pomóc. Teraz nauczył się, że na świecie jest życzliwość, responsywność, miłość.

Tak się złożyło, że W. Astafiew i W. Rasputin wiele lat później przypomnieli sobie, co im się przydarzyło w dzieciństwie: „Pisaliśmy te historie w nadziei, że nauczane nas lekcje w odpowiednim czasie spadną na duszę zarówno małego, jak i dorosłego. czytelnik."

Inne pisma dotyczące tej pracy

W wielu pracach Astafiewa i Rasputina głównymi bohaterami są dzieci. Warto zauważyć, że historie tych pisarzy są w dużej mierze autobiograficzne, ale ich głównym bohaterem jest uogólniony obraz, który przekazuje wspólne cechy charakteru i życia wielu chłopców.

Tak więc w opowiadaniu W. Astafiewa „Koń z różową grzywą” bohater staje w obliczu trudnej sytuacji. Wraz z chłopakami sąsiada poszedł po truskawki. Vitka wiedziała, że ​​jego babcia, z którą mieszkał, pojedzie sprzedawać tę jagodę w mieście. Chłopiec, w przeciwieństwie do leniwych Lewontiewskiego, pilnie zbierał truskawki w tuyesok. A jego przyjaciele, pokłóciwszy się z jej powodu, zjedli całe żniwo. Ale Sanka, najmłodszy i najbardziej zły ze wszystkich dzieci sąsiada, nawet to wydawało się niewystarczające. Zaczął prowokować Vitkę, aby oddał wszystkie zebrane jagody do ogólnego „jedzenia”. Dobroduszny i naiwny bohater uległ złej sztuczce. Ale potem zrobił jeszcze większą głupotę - wypchał tuyesok trawą i rzucił tylko jagody na górę, dla zachowania wyglądu. A Vitka dał taki kosz swojej babci.

Chłopca bardzo dręczyło sumienie. Źle się czuł, bo babcia nie podejrzewała o oszustwo, pochwaliła go i obiecała przywieźć pierniki z miasta. Życie stało się Vitka nie radością. Wszystko się wokół niego zmieniło: nie mógł już grać, jak dawniej, beztrosko i wesoło. Świadomość jego winy ciążyła na nim.

A dla bohatera stało się jeszcze gorzej, gdy babcia wróciła z miasta. Ona oczywiście odkryła oszustwo swojego wnuka. Ale co gorsza, Vitka postawiła ją w bardzo niezręcznej sytuacji. Katerina Pietrowna opowiedziała wszystkim, jak sprzedała tuesok jagód jakiejś miejskiej damie i tam odkryto oszustwo.

Wstyd i poczucie winy Vitki nie miały granic. Był gotów umrzeć, upaść pod ziemię, gdyby tylko babcia mu wybaczyła. Vitka poszedł prosić o przebaczenie, ale ze łez nie mógł wymówić dwóch słów. Kochająca babcia wybaczyła wnukowi, a nawet dała mu przygotowany piernik - konia z różową grzywą. Ale bohater zapamiętał tę lekcję moralną do końca życia.

Bohater opowiadania V. Rasputina „Lekcje francuskie” również wyciąga lekcję moralną, dokonuje wyboru moralnego. Opuszcza rodzinną wioskę, od matki, aby kontynuować studia. Czas, w którym toczy się historia, był trudny, powojenny. We wsi panował głód, panowała bieda. Co matka bohatera mogła zebrać dla swojego syna, jak go „nakarmić”? Wysłała z wujkiem Wanią, wiejskim woźnicą, worek ziemniaków - wszystko, co mogła. Ale nawet ten mały chłopiec nie otrzymał w całości - został skradziony przez właścicieli, w których bohater mieszkał w mieszkaniu.

Bohater pisze, że ciągle chciał jeść. Nawet we śnie czuł głodne skurcze żołądka. Ze względu na jedzenie chłopiec zaczął grać na pieniądze. Stał się wirtuozem gry „chika”, ale za mleko wygrał tylko rubla i ani grosza.

Wkrótce starsi chłopcy zaczęli bić bohatera – za dobrze grał: „nos miał spuchnięty i spuchnięty, pod lewym okiem był siniak, a pod nim, na policzku, pogięte tłuste krwawe otarcia”. Ale bohater nadal chodził do szkoły nawet w tej formie.

Chciał jeść coraz więcej. Bohater nie otrzymywał już paczek z domu - i znów poszedł się bawić. I znowu zaczęli go bić. Wtedy Lidia Michajłowna, nauczycielka francuskiego, postanowiła mu pomóc - wysłała chłopcu paczkę, która rzekomo przyszła z domu. Ale bohater natychmiast odgadł, od kogo był ten „luksus”. A nauczyciel nie mógł przekonać chłopca do przyjęcia tego prezentu żadną perswazją - nie pozwalała mu na to duma i poczucie własnej wartości.

W rezultacie Lydia Michajłowna została zmuszona do wyjazdu do ojczyzny: została przyłapana na grze o pieniądze z bohaterem opowieści. I nikt nie chciał zrozumieć, że to kolejna „sztuczka”, aby uratować ucznia przed głodem. Ale bohater pamiętał również tę kobietę do końca życia, ponieważ stała się jego aniołem zbawicielem.

Młodzi bohaterowie opowieści Astafiewa i Rasputina dokonują moralnego wyboru. I zawsze okazuje się na korzyść Dobrego, Światła, zasad moralnych. A my, czytając historie, bierzemy przykład i uczymy się od tych chłopców męstwa, duchowej czystości, życzliwości, mądrości.