Jakie są gatunki muzyczne? Cechy różnych gatunków muzycznych Rodzaje i gatunki utworów muzycznych

Komedia, satyra i tragedia jako gatunki Osiemdziesiąt ośmiu profesorów - Ojczyzno, nie żyjesz! Satyryczny dwuwiersz ludowy o niemieckim parlamencie we Frankfurcie z 1849 r

Gatunki, gatunki, gatunki, podgatunki… Zajrzyj do dowolnej biblioteki internetowej, zwykle ten sam zestaw powieści jest prezentowany wszędzie, podzielony na grupy: proza ​​akcji, thrillery, kryminały (czasem w kilku, czasami w osobnych grupach), horror erotyczny romans Nauki ścisłe

Podział na gatunki Jak wiadomo, oprócz takich słów jak „proza”, „poezja”, „fantastyczny” i inne, pojawiają się też takie pozornie zrozumiałe, jak „komedia”, „tragedia”, „dramat”. wydaje się? Czy to nie jest jasne od samego początku? Od szkolnej ławki utknęły między uszami

Gatunki komercyjne i niekomercyjne we współczesnej literaturze Jeżeli nie jesteś grafomanem, ale pisarzem i nie piszesz „do siebie nic”, to wcale nie jest fakt, że Twoja praca zainteresuje wydawcę. Powodów może być kilka. :? Po pierwsze, poezja, dramaturgia, pamiętniki, notatki,

Od razu ostrzegamy, że w jednym artykule bardzo trudno jest odpowiedzieć na pytanie, jakie gatunki muzyczne. W całej historii muzyki nagromadziło się tak wiele gatunków, że nie można ich zmierzyć miarą: chorał, romans, kantata, walc, symfonia, balet, opera, preludium itp.

Od kilkunastu lat muzykolodzy „łamią włócznie”, próbując klasyfikować gatunki muzyczne (np. ze względu na charakter treści, funkcje). Ale zanim zajmiemy się typologią, wyjaśnijmy samo pojęcie gatunku.

Czym jest gatunek muzyczny?

Gatunek to rodzaj modelu, do którego odnosi się konkretna muzyka. Ma określone warunki wykonania, cel, formę i charakter treści. Kołysanka ma więc na celu uspokojenie dziecka, dlatego charakterystyczne są dla niej „kołyszące się” intonacje i charakterystyczny rytm; c - wszystkie środki wyrazu muzycznego są dostosowane do wyraźnego kroku.

Jakie są gatunki muzyki: klasyfikacja

Najprostsza klasyfikacja gatunków opiera się na sposobie wykonania. Są to dwie duże grupy:

• instrumentalny (marsz, walc, etiuda, sonata, fuga, symfonia)
• gatunki wokalne (aria, pieśń, romans, kantata, opera, musical).

Inna typologia gatunków związana jest z oprawą spektaklu. Należy do A. Sohora, naukowca, który twierdzi, że gatunki muzyczne to:

• rytualne i religijne (psalmy, msza, requiem) - charakteryzują się uogólnionymi obrazami, dominacją zasady chóralnej i tym samym nastrojem wśród większości słuchaczy;
• masowe gospodarstwo domowe (odmiany pieśni, marsza i tańca: polka, walc, ragtime, ballada, hymn) - wyróżniają się prostą formą i znajomymi intonacjami;
• gatunki koncertowe (oratorium, sonata, kwartet, symfonia) - charakterystyczne wykonanie w sali koncertowej, ton liryczny jako autoekspresja autora;
• gatunki teatralne (muzyka, opera, balet) - wymagają akcji, fabuły i scenerii.

Ponadto sam gatunek można podzielić na inne gatunki. Tak więc opera-seria („poważna” opera) i opera-buffa (komiks) są również gatunkami. Jednocześnie istnieje kilka innych odmian, które również tworzą nowe gatunki (opera liryczna, opera epicka, operetka itp.)

Nazwy gatunków

O tym, jak nazywają się gatunki muzyczne i jak się pojawiają, można napisać całą książkę. Nazwy mogą opowiadać o historii gatunku: na przykład taniec zawdzięcza nazwę „kryzhachok” temu, że tancerze znajdowali się w krzyżu (od białoruskiego „kryzh” - krzyż). Nokturn ("noc" - tłumaczenie z francuskiego) był wykonywany nocą na świeżym powietrzu. Niektóre nazwy pochodzą od nazw instrumentów (fanfara, musette), inne od piosenek (Marseillaise, Kamarinskaya).

Często muzyka otrzymuje nazwę gatunku, gdy zostaje przeniesiona do innego środowiska: na przykład taniec ludowy - do baletu. Ale dzieje się też odwrotnie: kompozytor bierze temat „Pory roku” i pisze utwór, po czym temat ten staje się gatunkiem o określonej formie (4 sezony jako 4 części) i charakterze treści.

Zamiast konkluzji

Mówiąc o gatunkach muzycznych, nie można nie wspomnieć o powszechnym błędzie. Jest to zamieszanie w terminach, gdy np. klasyka, rock, jazz, hip-hop nazywa się gatunkami. W tym miejscu należy pamiętać, że gatunek jest schematem, na podstawie którego powstają dzieła, a styl raczej wskazuje na cechy muzycznego języka tworzenia.

Opracowany przez:

Solomonova N.A.

W literaturze muzykologicznej naukowcy rzadziej zwracają się do rozwoju takich pojęć, jak styl i gatunek niż np. w krytyce literackiej, na co wielokrotnie wskazywało wielu badaczy. To właśnie ta okoliczność skłoniła nas do zwrócenia się do napisania tego streszczenia.

Pojęcie stylu odzwierciedla dialektyczną relację między treścią i formą dzieła, wspólnością uwarunkowań historycznych, światopoglądów artystów i ich metody twórczej.

Pojęcie „stylu” powstało pod koniec renesansu, pod koniec XVI wieku i obejmuje wiele aspektów:

Indywidualne cechy twórczości konkretnego kompozytora;

ogólne cechy pisarstwa grupy kompozytorów (styl szkolny);

cechy twórczości kompozytorów jednego kraju (styl narodowy);

cechy dzieł należących do dowolnej grupy gatunkowej - styl gatunku (koncepcję tę wprowadził A.N. Sohor w swojej pracy „Estetyczny charakter gatunku w muzyce”).

Pojęcie „stylu” jest szeroko stosowane w odniesieniu do aparatu wykonawczego (na przykład styl wokalny Musorgskiego, styl fortepianowy Chopina, styl orkiestrowy Wagnera itp.). Muzycy i dyrygenci również wnoszą własną, niepowtarzalną interpretację do stylu wykonywanego utworu, a szczególnie utalentowanych i błyskotliwych wykonawców możemy rozpoznać po ich wyjątkowej interpretacji, po charakterze brzmienia utworu. Są to tak świetni muzycy jak Richter, Gilels, Sofronitsky, Ojstrach, Kogan, Kheifets, dyrygenci Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan i inni.

Wśród najsłynniejszych opracowań poświęconych problematyce stylu muzycznego w tym duchu należy wymienić następujące utwory: „Beethoven i jego trzy style” A.N. Tarakanovej, „Do problemu stylu I. Brahmsa” E.M. Tsarevy, czy „Artystyczne zasady stylów muzycznych” autorstwa S.S. Samoświadomość epoki i praktyka muzyczna „L.V. Kirillina”, „Studia nad Chopinem” L.A. Mazel, gdzie słusznie zauważa, że ​​analiza konkretnego utworu jest niemożliwa bez uwzględnienia ogólnych wzorców historycznych tego stylu i ujawnienia treść dzieła jest niemożliwa bez jasnego wyobrażenia o wyrazowym znaczeniu niektórych technik formalnych w tym stylu. Wyczerpująca analiza utworu muzycznego, który twierdzi, że jest naukowo bezbłędny, zdaniem naukowca, powinna mieć głęboką i wszechstronną znajomość tego stylu, jego historycznego pochodzenia i znaczenia, jego treści i technik formalnych.

Uczeni oferują szereg definicji.

Styl muzyczny to system artystycznego myślenia, ideowych i artystycznych koncepcji, obrazów i środków ich realizacji powstałych na pewnym społeczno-historycznym gruncie. (LA Mazel)

Styl muzyczny to termin w historii sztuki, który charakteryzuje system środków wyrazu, który służy ucieleśnieniu tej lub innej treści ideologicznej i figuratywnej (E.M. Tsareva)

Styl to właściwość (charakter) lub główne cechy, dzięki którym można odróżnić dzieła jednego kompozytora od drugiego lub dzieło jednego okresu historycznego… od drugiego (B.V. Asafiev)

Styl jest szczególną właściwością, a raczej jakością zjawisk muzycznych. Posiada utwór lub jego wykonanie, wydanie, dźwiękową decyzję inżynierską, a nawet opis utworu, ale tylko w jednym, drugim, trzecim itd. indywidualność kompozytora, wykonawcy, interpretatora stojącego za muzyką jest bezpośrednio odczuwana i postrzegana.

Styl muzyczny to charakterystyczna cecha twórczości muzycznej, która jest częścią określonej społeczności genetycznej (dziedzictwo po kompozytorze, szkole, reżyserii, epoce, osobach itp.), która pozwala bezpośrednio odczuć, rozpoznać, określić ich genezę i przejawy siebie w całości wszystkich bez wyjątku, właściwości postrzeganej muzyki, zjednoczone w integralny system wokół kompleksu charakterystycznych cech. (E.V. Nazaikinsky).

Zdaniem naukowca najbardziej charakterystyczne są środki stylistyczne i cechy muzyki, które można przypisać charakterystycznym cechom stylu.

Indywidualny styl twórczości kompozytora jest z reguły najatrakcyjniejszy dla badaczy. „Styl w muzyce, podobnie jak w innych formach sztuki, jest przejawem charakteru osoby twórczej, która tworzy muzykę lub ją interpretuje” (E.V. Nazaykinsky). Naukowcy przywiązują dużą wagę do ewolucji stylu kompozytora. W szczególności wskazano powyżej trzy style Beethovena, które przyciągnęły uwagę Sierowa. Naukowcy dokładnie badają wczesny, dojrzały i późny styl Skriabina itp.

„Efekt pewności stylistycznej” (E. Nazaikinsky) dostarcza najbardziej wyrazistych środków i cech stylistycznych w muzyce, które są charakterystyczne i można je przypisać charakterystycznym cechom stylu. Według nich słuchacze rozpoznają przynależność stylistyczną tego czy innego utworu, charakter pisma kompozytora, styl wykonawczy tego czy innego interpretatora. Na przykład zwrot harmoniczny charakterystyczny dla Griega to przejście tonu wprowadzającego nie do toniki, ale do piątego stopnia trybu (Koncert fortepianowy z oschestre - akordy wprowadzające, słynna „Pieśń Solveig” z suity Peer Gynta , lub ruch opadający do piątego kroku przez szósty podniesiony krok (utwory liryczne, „Walc” a-moll) lub słynna „harmonia Rachmaninowa” – akord tworzony w-moll przez czwartą, szóstą, septymę podniesioną i tercję z rozwiązanie toniku w melodycznej trzeciej pozycji (wstępne frazy jego słynny romans „Och, nie smuć się!” - jest wiele przykładów, można je kontynuować bez końca.

Bardzo ważną cechą stylu jest utrwalenie i ekspresja pewnej treści, na co zwracają uwagę E.V. Nazaikinsky, MK Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov.

Specyfikę stylu narodowego można dostrzec przede wszystkim w sposobie skorelowania folkloru i twórczości kompozytora w ramach stylu narodowego. Jak słusznie zauważa E.V.Nazaikinsky, zarówno materiał folklorystyczny, jak i zasady muzyki ludowej i jej specyficzne elementy mogą służyć jako źródło oryginalności ogólnego stylu narodowego. Miara i sam charakter świadomości przynależności do określonego narodu, a także jej odzwierciedlenie w twórczości, w dużej mierze zależą od interakcji kultury rodzimej z kulturami obcymi i ich elementami, od tego, z jakimi innymi narodami i kulturami człowiek ma styczność . Nawet najsilniejszy, najjaśniejszy indywidualny styl w procesie jego powstawania i rozwoju jest zapośredniczony przez style szkoły, epoki, kultury, ludzi. Przypominam sobie niezwykłe słowa V.G. Belinsky'ego: „jeśli proces rozwoju kultury jednego narodu przechodzi przez zapożyczanie od drugiego, to jednak odbywa się na poziomie krajowym, w przeciwnym razie nie ma postępu”.

Analiza języka muzycznego danego utworu – cech melodii, harmonii, rytmu, formy, faktury – jest warunkiem charakterystyki stylu.

W literaturze muzykologicznej rozwinęło się wiele teorii opisujących poszczególne etapy historyczne w kształtowaniu się różnych stylów - baroku, rokoka, klasycyzmu, romantyzmu, impresjonizmu, ekspresjonizmu itp. Treść tych opracowań ujawnia wiodące, fundamentalne zasady, które łączą dzieła muzyczne w ramach jednej epoki historycznej, tworzone w różnych krajach, różnych szkołach narodowych itp. , który daje wyobrażenie o estetyce pewnej sceny historycznej, języku muzycznym i całej epoce. W swojej znanej książce „Kronika mojego życia” IF Strawiński napisał: „każda doktryna wymaga do jej realizacji specjalnego sposobu wyrażania się, a w konsekwencji specjalnej techniki; w końcu nie sposób wyobrazić sobie w sztuce techniki, która nie wynikałaby z pewnego systemu estetycznego.

Każdy styl ma swoje specjalne cechy. Barok charakteryzuje się więc formami monumentalnymi, w tym wielkoformatowymi formami cyklicznymi, wieloaspektowymi kontrastami oraz porównaniem polifonicznych i homofonicznych zasad pisarstwa muzycznego. Barokowa suita tańców, jak zauważył A.Ju.Kudryaszow, ogólnie przedstawiała ruch jednocześnie w dwóch formach - jako ucieleśnienie czterech głównych ludzkich temperamentów i jako etapy toku myśli ludzkiej (melancholijne allemande - "teza", dzwonki choleryczne – „rozwój tezy”, flegmatyczna sarabanda – „antyteza”, sangwiniczny jig – „obalenie tezy”. Celem sztuki stało się zadziwienie słuchacza, widza, zaskoczenie, zauroczenie z XI wieku.

Jak zauważyła O. Zacharowa, ważną rolę zaczęły odgrywać publiczne występy solistów, ich przydział do pierwszych miejsc widocznych dla publiczności, podczas gdy chór i zespół instrumentalny, które wcześniej znajdowały się bezpośrednio na oczach publiczności, są przeniesiono na drugi plan.

W epoce baroku gatunek opery szybko się rozwija i jak słusznie zauważa W. Martynow, opera stała się sposobem istnienia muzyki, jej istotą… A kiedy kompozytorzy barokowi piszą msze i motety, ich msze i motety są te same opery, czyli fragmenty oper, z tą tylko różnicą, że opierają się na świętych tekstach kanonicznych, które stają się przedmiotem „wykonania muzycznego”.

Rdzeniem muzyki barokowej jest afekt, rozumiany w tamtej epoce jako wyraz uczucia zawierającego ideę wieczności. „Celem muzyki jest sprawianie nam przyjemności i wzbudzanie w nas różnych afektów” – napisał R. Descartes w swoim traktacie „Kompendium muzyki”. Klasyfikacji afektów dokonał A. Kircher - miłość, smutek, odwaga, zachwyt, umiar, gniew, wielkość, świętość, następnie - I. Walter - miłość, cierpienie, radość, złość, współczucie, strach, pogodę, zdumienie.

Kompozytorzy epoki baroku przywiązywali dużą wagę do intonacyjnej wymowy tego słowa zgodnie z prawami r, tor i k. Według Y. Lotmana „retoryka tekstu barokowego charakteryzuje się zderzeniem w obrębie całego obszaru naznaczonego różnymi miarami semiotyczności. W zderzeniu języków jeden z nich niezmiennie pojawia się jako „naturalny” (nie język), a drugi jako dobitnie sztuczny.

Oto najsłynniejsze postaci muzyczne i retoryczne w sztuce barokowej:

wznoszący się ruch melodii (jako symbol wniebowstąpienia, zmartwychwstania);

ruch melodii w dół (jako symbol grzeszności lub przejścia do „dolnego świata”);

kołowy ruch melodii (jako symbol „piekielnych wichrów” (Dante) lub przeciwnie, boskiego oświecenia);

skalowalny ruch melodii w górę lub w dół w szybkim tempie (jako symbol natchnienia z jednej strony, a złości z drugiej);

ruch melodii po wąskich interwałach chromatycznych (jako symbol grozy, zła);

przebieg melodii na szeroką chromatykę, podwyższony lub zmniejszony interwał lub pauzę we wszystkich głosach (jako symbol śmierci).

Styl rokoko charakteryzuje się światem kruchych, pełnych gracji lub scherz wizerunków o szarmanckim, salonowym charakterze, a język muzyczny pełen jest fragmentacji wzoru melodycznego, melizmatów i przejrzystości faktury. Kompozytorzy starają się ucieleśniać nieustalone nastroje, ale ich rozwój, nie spokojnie płynący afekt, ale uczucie z ostrymi zmianami napięcia i rozładowania. Dla nich wyrazistość mowy wyrażania myśli muzycznej staje się nawykiem. Niewzruszone, statyczne obrazy ustępują miejsca zmienności, spokój ruchowi.

Styl klasyczny - według akademika D. Lichaczowa jest jednym z możliwych „wielkich stylów epoki”. W estetycznym aspekcie stylu klasycznego ważne jest podkreślenie starannie dobranej równowagi zmysłowo-bezpośredniej, racjonalno-logicznej i ideologicznie wzniosłej, zakorzenionej w dziele, klasycznej samoświadomości artysty, przezwyciężającej „moc mroczną witalność” i zwrócił się ku „jasnemu, zmysłowemu pięknu” (E. Kurt), a więc zgodnym z klasycznymi przykładami sztuki z przeszłości, przede wszystkim - starożytnej, której pobudzenie zainteresowania jest jednym ze znaków wskazujących formacji jakiegokolwiek klasycyzmu (A.Yu. Kudryashov). Szczególne znaczenie w dobie klasycyzmu ma powstanie czteroczęściowego cyklu sonatowo-symfonicznego. Według M.G. Czteroczęściowa struktura, jak pisze N. Żyrmunskaja, działa jako uniwersalny model świata - przestrzenny i czasowy, syntetyzuje makrokosmos - wszechświat - i mikrokosmos - człowiek. „Różne załamania tego modelu łączą związki emblematyczne i symboliczne, czasami tłumaczone na język znanych mitologicznych obrazów i fabuł: elementy symbolicznie odzwierciedlają pory roku, dni, okresy życia ludzkiego, kraje świata (np. zima - noc - starość - północ - ziemia itp. P.)"

Pojawia się cała grupa figur semantycznych o znaczeniu masońskim, które ujawniła E. Chigareva w dziełach Mozarta „Melodia i ja: dojście do wielkiej seksty to nadzieja, miłość, radość; aresztowania, pary podligowanych banknotów - więzy braterstwa; grupupto – radość masońska; rytmiczny: rytm punktowany, ... zaakcentowane akordy staccato, po których następuje pauza - śmiałość i determinacja; harmonia: tercje równoległe, seksty i seksty - jedność, miłość i harmonia; akordy "modalne" (kroki boczne - VI itp.) - uczucia uroczyste i religijne; chromatyzmy, pomniejszone akordy septymowe, dysonanse - ciemność, przesądy, aureola i dysonans.

Centralnym kompleksem treści artystycznego świata Beethovena jest piękno i równowaga formy, ściśle zorganizowany przepływ elokwencji muzycznej i retorycznej, wysoka idea etyczna, wielka rola przeciwieństw – zarówno na poziomie składni muzycznej, jak i na poziomie formy .

Romantyzm to styl, który dominuje w XIX wieku. Jeden z badaczy muzycznego romantyzmu, Yu.Gabai, wyróżnia trzy sposoby interpretacji romantyzmu XIX wieku: w przeciwieństwie do klasycznego oznacza on sztukę chrześcijańską; po drugie, wiąże się z tradycją języka romańskiego, czyli ze starofrancuską powieścią poetycką, po trzecie, określa prawdziwie poetycką animację, co sprawia, że ​​wielka poezja zawsze żyje (w tym ostatnim przypadku romantycy zaglądają w historię jako zwierciadło ich ideały, odnalazł ich, Szekspira, Cervantesa, Dantego, Homera i Calderona).

W języku muzycznym badacze odnotowują wzrost wyrazistej i barwnej roli harmonii, syntetyczny typ melodii, stosowanie swobodnych form, chęć rozwoju, nowe typy fortepianu i faktury orkiestrowej. Pomysł Novalisa na prozę romantyczną, bardzo zmieniającą się, cudowną, ze szczególnymi zwrotami, szybkimi skokami, można ekstrapolować na muzykę. Najważniejszym sposobem muzycznego wyrażenia idei formowania i zmiany, uniwersalnej dla romantyzmu, jest wzmożony chorał, pieśń, kantylena, obecne u Schuberta, Chopina, Brahmsa, Wagnera itp.

Programowanie jako fenomen myślenia muzycznego

epoki romantyzmu, wymaga specjalnych środków wyrazu muzycznego. Należy mieć na uwadze złożoną relację między muzyką programową i nieprogramową, gdyż według Chopina „nie ma prawdziwej muzyki bez ukrytego znaczenia”. A Preludia Chopina – według wypowiedzi jego uczniów – są wyznaniem ich twórcy. Sonata b-moll ze słynnym „marszem żałobnym” według Schumanna „nie jest muzyką, ale czymś z obecnością przerażającego ducha”, według A. Rubinsteina – „wiatrem wiejącym nocą nad trumnami w cmentarz" ...

W muzyce XX wieku obserwujemy szczególną różnorodność technik komponowania muzyki: swobodna atonalność, niezróżnicowana sonorystyka w tonacji, efekty barwowo-szumowe, aleatoryka, a także system dwunastotonowy, neomodalność, serialność, serialność. Otwartość poszczególnych składników muzyki XX wieku jest cechą charakterystyczną współczesnej kultury jako całości, jak słusznie powiedział francuski kulturolog A. Mol: „kultura współczesna to mozaika, […] koncepcja prawdziwie ogólna, ale na z drugiej strony istnieje wiele koncepcji, które mają dużą wagę.

W muzyce niszczona jest tematyka śpiewano-kantylenowa, wyzwalane są także inne środki muzycznej ekspresji (Strawiński, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern itd.) i pojawiają się niezwykłe cechy wykonawcze, które szokują współczesnych, jak np. , w sztuce G. Cowella „Harmoniczne przygody” – wykorzystanie klasterów (akordów składających się z sekund), techniki wyciągania fortepianu pięścią, dłonią lub całym przedramieniem…

W muzyce pojawiają się nowe tendencje modernistyczne, wywodzące się z malarstwa i innych sztuk. Tak więc u źródeł takiego zjawiska jak bruit i tizm, czyli sztuka dźwięków (od francuskiego słowa bruit - hałas) był włoski malarz Luigi Russolo, który w swoim manifeście „Sztuka hałasów” napisał, że „sztuka muzyczna szuka amalgamatu najbardziej dysonansowych, najdziwniejszych i najostrzejszych dźwięków… będziemy się dobrze bawić orkiestrując idealnie skrzypiące drzwi sklepów na blokach, szum tłumu, różne odgłosy dworców, kuźni, przędzalni, drukarni, warsztatów elektrycznych i koleje podziemne… nie powinniśmy zapominać o zupełnie nowych odgłosach współczesnej wojny… zamienić je w muzykę i regulować harmonijnie i rytmicznie”

Inny nurt modernistyczny to tak i sm. Modernistyczną esencję dadaizmu można doszukiwać się w wypowiedziach artysty G. Grossa: koło unoszące się nad salą lekcyjną i obce poczuciu odpowiedzialności i uczestnictwa w życiu codziennym. Aktywny udział w pracach berlińskiego klubu „Dada” wziął kompozytor i artysta, pochodzący z Rosji, Efim Golyshev, jeden z mistrzów dwunastotonowej metody komponowania XX wieku. Wśród jego dzieł muzycznych i scenicznych znajdują się: „Taniec dadaistyczny w maskach”, „Manewr sapiący”, „Guma” na dwa kotły, dziesięć grzechotek, dziesięć pań i jednego listonosza. Są wśród nich utwory urbanistyczne Honeggera (Pacific-231), Prokofiewa (balet Steel Jump), Mosolova (odcinek symfoniczny „Fabryka. Muzyka maszyn” z baletu „Steel”), Varese („Ionizacja” na czterdzieści jeden instrumentów perkusyjnych i dwie Syreny) – dalej tendencje te załamały się w kierunkach powojennej muzycznej awangardy. Są to muzyka konkretna i elektroniczna, happeningi zespołowe i teatr instrumentalny, sonorystyka, procesy multimedialne (utwory P. Schaeffera, K. Stockhausena, M. Kagela, S. Słonimskiego, A. Schnittkego, S. Gubaidulliny, J. Cage'a itp. )

Pod koniec XIX wieku ukształtowały się przesłanki do powstania neoklasycyzmu, który według L. Rabena był najbardziej uniwersalnym z nowych systemów muzycznych XX wieku.

W muzyce są też tendencje polistylistyczne. P o l i st i -

l oraz s t i ka - świadome połączenie w jednym dziele różnych cech stylistycznych. „Definicja polistylistyki oznacza celowe łączenie różnych zjawisk stylistycznych w jednym dziele, niejednorodność stylistyczną wynikającą z zastosowania wielu technik (jednym ze szczególnych przypadków jest kolaż)” – (Encyklopedia Muzyczna, v.Z, s. 338). Jednym z ciekawych przypadków zastosowania polistylistyki pionowej jest „Serenada” A. Schnittkego na pięć instrumentów: w numerze 17 partytury, motyw Koncertu skrzypcowego Czajkowskiego i początek głównej części I Koncertu fortepianowego o godz. w tym samym czasie, a numer 19 łączy w sobie motyw przewodni Królowej Szemakhan ze Złotego Kogucika » Rimskiego-Korsakowa, wprowadzające akordy Sonaty Pathétique Beethovena i fragmenty Chaconne Bacha na skrzypce solo.

Gatunki muzyczne to rodzaje i rodzaje utworów muzycznych, które historycznie rozwinęły się w związku z określonymi funkcjami muzyki, jej celem życiowym, warunkami jej wykonywania i odbioru. Bardzo obszerną definicję podaje Y. funkcja artystyczna), b) warunki i sposób wykonania, c) charakter treści i forma jej realizacji. Gatunek to wieloskładnikowa, kumulacyjna struktura genetyczna (można nawet powiedzieć genowa), rodzaj matrycy, według której powstaje ta czy inna artystyczna całość. Jeśli słowo styl odsyła nas do źródła, do tego, który dał początek stworzeniu, to słowo gatunek odnosi się do schematu genetycznego, według którego dzieło zostało uformowane, zrodzone, stworzone. Gatunek to holistyczny typowy projekt, wzór, matryca, kanon, z którym wiąże się konkretna muzyka.

W pracach T.V. Popovej podstawą klasyfikacji gatunków są dwa kryteria: warunki istnienia muzyki i cechy wykonawcze. V.A. Zuckerman wyróżnia trzy główne grupy gatunkowe: gatunki liryczne, gatunki narracyjne i epickie oraz gatunki motoryczne związane z ruchem. A.N. Sohor za główne kryterium przyjmuje warunki egzystencji, środowisko performansu. Naukowiec wyróżnia cztery główne grupy gatunków: gatunki kultowe lub obrzędowe, gatunki masowe, gatunki koncertowe, gatunki teatralne. Systematyzacja gatunków dokonana przez O.V. To czysta muzyka, muzyka interakcyjna, muzyka stosowana, muzyka interakcyjna stosowana.

T.V. Popova systematyzuje główne gatunki muzyki klasycznej w następujący sposób:

Gatunki wokalne (pieśń, hymn, chór, recytatyw, romans, ballada, aria, arietta, arioso, cavatina, wokaliza, zespół);

Muzyka taneczna. Stary pakiet taneczny;

Gatunki muzyki instrumentalnej (preludium, inwencja, etiuda, toccata, impromptu, moment muzyczny, nokturn, barkarola, serenada, scherzo, hummoreska, capriccio, rapsodia, ballada, nowela);

Muzyka symfoniczna i kameralna;

Cykle sonatowo-symfoniczne, Koncert, Suita symfoniczna XIX-XX w.;

Jednoczęściowe (niecykliczne) gatunki XIX-XX w. (uwertura, fantazja, poemat symfoniczny, obraz symfoniczny, jednoczęściowa sonata;

Utwory muzyczne i dramatyczne. Opera i balet

Kantata, oratorium, requiem.

Literatura

Główny

1. Bonfeld M. Sh. Analiza utworów muzycznych. Struktura muzyki tonalnej:

14.00 M.: Vlados, 2003.

2. Bonfeld M. Sh. Wprowadzenie do muzykologii. M.: Vlados, 2001.

3. Berezovchuk L. Gatunek muzyczny jako system funkcji: aspekty psychologiczne i semiotyczne // Aspekty muzykologii teoretycznej. Problemy muzykologii. Wydanie 2. L., 1989. S.95-122.

4. Gusiew V. Estetyka folkloru. L., 1967.

5. Kazantseva L.P. Podstawy teorii treści muzycznych: podręcznik. dodatek dla studentów uczelni muzycznych. Astrachań, 2001.

6. Kazantseva L.P. Polistylistyka w muzyce: wykład z kursu „Analiza dzieł muzycznych”. Kazań, 1991.

7. Kolovsky O. P. Analiza utworów wokalnych: podręcznik. podręcznik dla studentów uczelni muzycznych / O. P. Kolovsky [i inni]. L .: Muzyka, 1988.

8. Konen V.D. Trzecia warstwa: Nowe gatunki masowe w muzyce XX wieku. M., 1994.

9. Mazel L., Zukkerman V. Analiza utworów muzycznych: podręcznik. dodatek. M.: Muzyka, 1967.

10. Słownik muzyczno-encyklopedyczny. M., 1998.

11. Nazaikinsky E. V. Style i gatunki w muzyce: podręcznik. dodatek dla studentów wyższych uczelni. M.: Vlados, 2003.

12. Telewizja Popowa Gatunki i formy muzyczne. 2. wyd. M., 1954.

13. Reuterstein M. Podstawy analizy muzycznej: podręcznik. M.: Vlados, 2001.

14. Ruchevskaya E. A. Klasyczna forma muzyczna. Petersburg: kompozytor, 1998.

15. Sokolov A. S. Wprowadzenie do kompozycji muzycznej XX wieku: podręcznik. dodatek dla uniwersytetów. M.: Vlados, 2004.

16. Sokołow O.V. Do problemu typologii gatunków muzycznych // Problemy muzyki XX wieku. Gorkiego, 1977.

17. Tyulin Yu N. Forma muzyczna: podręcznik. dodatek / Yu N. Tyulin [i inni]. L.: Muzyka, 1974.

18. Kholopova VN Formy utworów muzycznych. Petersburg: Lan, 2001.

Dodatkowy

1. Alexandrova L. V. Porządek i symetria w sztuce muzycznej: aspekt logiczny i historyczny. Nowosybirsk, 1996.

2. Grigorieva GV Analiza utworów muzycznych. Rondo w muzyce XX wieku. M.: Muzyka, 1995.

4. Kazantseva L.P. Analiza treści muzycznych: metoda. dodatek. Astrachań, 2002.

5. Krapivina I.V. Problemy kształtowania się w minimalizmie muzycznym. Nowosybirsk, 2003.

6. Kudryaszow A.Yu. Teoria treści muzycznych. M., 2006.

7. Mazel L. Formy swobodne F. Chopina. M.: Muzyka, 1972.

8. Encyklopedia muzyczna. M., 1974-1979. T. 1–6

9. Ovsyankina G. P. Cykl fortepianowy w muzyce rosyjskiej drugiej połowy XX wieku: szkoła D. D. Szostakowicza. Petersburg: kompozytor, 2003.

10. Zuckerman V. Analiza utworów muzycznych. Forma wariacji: podręcznik. dla stadniny. muzykolog. zwykłe muzyka uniwersytety. M.: Muzyka, 1987.

ADAGIO- 1) wolne tempo; 2) tytuł utworu lub części utworu cyklicznego w tempie adagio; 3) wolny taniec solo lub duet w balecie klasycznym.
AKOMPANIAMENT- akompaniament muzyczny solisty, zespołu, orkiestry lub chóru.
AKORD- połączenie kilku (co najmniej 3) dźwięków o różnej wysokości, postrzeganych jako dźwiękowa jedność; dźwięki akordu są ułożone w tercje.
AKCENT- mocniejsze, perkusyjne wydobywanie jednego dźwięku w porównaniu z innymi.
ALLEGRO- 1) tempo odpowiadające bardzo szybkiemu krokowi; 2) tytuł utworu lub części cyklu sonatowego w tempie allegro.
ALLEGRETTO- 1) tempo, wolniejsze niż allegro, ale szybsze niż moderato; 2) tytuł sztuki lub części utworu w tempie allegretto.
zmiana- podnoszenie i obniżanie stopnia skali modalnej bez zmiany jej nazwy. Przypadki - ostre, płaskie, podwójnie ostre, podwójnie płaskie; znakiem jego unieważnienia jest bekar.
ANDANTE- 1) umiarkowane tempo, odpowiadające spokojnemu krokowi; 2) tytuł utworu i część cyklu sonatowego w tempie andante.
ANDANTINO- 1) tempo, żywsze niż andante; 2) tytuł utworu lub części cyklu sonatowego w tempie andantino.
ENSEMBLE- grupa wykonawców działająca jako jeden zespół artystyczny.
UKŁAD- przetwarzanie utworu muzycznego do wykonania na innym instrumencie lub innej kompozycji instrumentów, głosów.
ARPEGGIO- wykonywanie dźwięków sekwencyjnie, zwykle zaczynając od tonu niższego.
GITARA BASOWA- 1) najniższy głos męski; 2) instrumenty muzyczne o niskim rejestrze (tuba, kontrabas); 3) niższy dźwięk akordu.
PIĘKNY ŚPIEW- styl wokalny powstały we Włoszech w XVII wieku, wyróżniający się pięknem i swobodą brzmienia, perfekcją kantyleny, wirtuozerią koloratury.
WARIANTY- utwór muzyczny, w którym temat jest wielokrotnie powtarzany ze zmianami faktury, tonacji, melodii itp.
WIRTUOZ- wykonawca, który biegle posługuje się głosem lub sztuką gry na instrumencie muzycznym.
WOKALIZA- utwór muzyczny do śpiewania bez słów na samogłoskę; zwykle ćwiczenie rozwijające technikę wokalną. Znane są wokale do wykonania koncertowego.
WOKAL MUZYKA - utwory na jeden, kilka lub wiele głosów (z akompaniamentem instrumentalnym lub bez), z nielicznymi wyjątkami związanymi z tekstem poetyckim.
WZROST DŹWIĘK - jakość dźwięku, określana subiektywnie przez osobę i kojarzona głównie z jego częstotliwością.
GAMMA- następstwo wszystkich dźwięków modu, znajdujących się od tonu głównego w porządku rosnącym lub malejącym, ma głośność oktawy, może być kontynuowane w sąsiednich oktawach.
HARMONIA- ekspresyjne środki muzyczne, oparte na łączeniu tonów w współbrzmienia, na łączeniu współbrzmień w ich sekwencyjnym ruchu. Jest zbudowany zgodnie z prawami trybu w muzyce polifonicznej. Elementami harmonii są kadencje i modulacje. Doktryna harmonii jest jednym z głównych działów teorii muzyki.
GŁOS- zestaw dźwięków o różnej wysokości, sile i barwie, wynikający z wibracji elastycznych strun głosowych.
ZASIĘG- głośność dźwięku (przerwa między najniższymi i najwyższymi dźwiękami) śpiewającego głosu, instrumentu muzycznego.
DYNAMIKA- różnice w stopniu natężenia dźwięku, głośności i ich zmian.
PROWADZENIE- kierowanie zespołem muzycznym i wykonawczym podczas nauki i publicznego wykonywania utworu muzycznego. Realizuje go dyrygent (kapłannik, chórmistrz) za pomocą specjalnych gestów i mimiki.
POTROIĆ- 1) forma średniowiecznego śpiewu dwugłosowego; 2) wysoki głos dziecięcy (chłopiecy), a także partię, którą wykonuje w chórze lub zespole wokalnym.
DYSONANS- nieskondensowane, napięte jednoczesne granie różnych tonów.
TRWANIE- czas zajmowany przez dźwięk lub pauzę.
DOMINUJĄCY- jedna z funkcji tonalnych w dur i minor, która silnie przyciąga tonik.
WIATR INSTRUMENTY - grupa instrumentów, których źródłem dźwięku są drgania słupa powietrza w otworze (rury).
GATUNEK MUZYCZNY- historycznie ugruntowana jednostka, rodzaj pracy w jedności formy i treści. Różnią się one sposobem wykonania (wokal, wokal-instrumental, solo), przeznaczeniem (stosowane itp.), treścią (liryczną, epicką, dramatyczną), miejscem i warunkami wykonania (muzyka teatralna, koncertowa, kameralna, filmowa itp.) .).
ZAPEV- wstępna część pieśni chóralnej lub eposu.
DŹWIĘK- charakteryzuje się pewną wysokością i głośnością.
IMITACJA- w polifonicznych utworach muzycznych dokładne lub zmodyfikowane powtórzenie w dowolnym głosie melodii, która była wcześniej wybrzmiewana innym głosem.
IMPROWIZACJA- komponowanie muzyki podczas jej wykonywania, bez przygotowania.
INSTRUMENTALNY MUZYKA - przeznaczona do gry na instrumentach: solo, zespołowym, orkiestrowym.
OPRZYRZĄDOWANIE- prezentacja muzyki w formie partytury na zespół kameralny lub orkiestrę.
INTERWAŁ- stosunek dwóch dźwięków w wysokości. Dzieje się to melodycznie (dźwięki grane są naprzemiennie) i harmonicznie (dźwięki grane są jednocześnie).
WPROWADZANIE- 1) krótkie wprowadzenie do pierwszej części lub finału cyklicznego utworu instrumentalnego; 2) rodzaj krótkiej uwertury do opery lub baletu, wstępu do odrębnego aktu opery; 3) chór lub zespół wokalny po uwerturze i otwierający akcję opery.
RYTM- 1) zwrot harmoniczny lub melodyczny, dopełniający strukturę muzyczną i nadając jej mniej lub bardziej zupełności; 2) wirtuozowski epizod solowy w koncercie instrumentalnym.
IZBA MUZYKA - muzyka instrumentalna lub wokalna dla małej grupy wykonawców.
WIDELEC- specjalne urządzenie, które emituje dźwięk o określonej częstotliwości. Dźwięk ten służy jako standard strojenia instrumentów muzycznych i śpiewu.
CLAVIORE- 1) ogólna nazwa smyczkowych instrumentów klawiszowych w XVII-XVIII w.; 2) skrót słowa klaviraustsug - opracowanie partytury opery, oratorium itp. do śpiewu z fortepianem, a także na jeden fortepian.
KOLORATURA- szybkie, trudne technicznie, wirtuozowskie pasaże w śpiewie.
KOMPOZYCJA- 1) budowa dzieła; 2) tytuł pracy; 3) komponowanie muzyki; 4) przedmiot w muzycznych placówkach oświatowych.
WSPÓŁBRZMIENIE- ciągłe, skoordynowane jednoczesne granie różnych tonów, jeden z najważniejszych elementów harmonii.
KONTRALT- niski kobiecy głos.
KULMINACJA- moment najwyższego napięcia w konstrukcji muzycznej, fragment utworu muzycznego, całe dzieło.
CHŁOPAK- najważniejsza kategoria estetyczna muzyki: system połączeń wysokościowych połączonych dźwiękiem centralnym (współbrzmienie), relacja dźwięków.
myśl przewodnia- muzyczny obrót, który powtarza się w utworze jako cecha charakterystyczna lub symbol postaci, przedmiotu, zjawiska, idei, emocji.
LIBRETTO- tekst literacki, który jest podstawą do stworzenia dowolnego utworu muzycznego.
MELODIA- monofonicznie wyrażana myśl muzyczna, główny element muzyki; seria dźwięków zorganizowanych w sposób modalno-intonacyjny i rytmiczny, tworzących pewną strukturę.
METR- kolejność naprzemienności uderzeń mocnych i słabych, system organizacji rytmu.
METRONOM- narzędzie, które pomaga określić prawidłowe tempo wykonania.
SOPRAN MEZZO- głos kobiecy, środkowy między sopranem a kontraltem.
POLIFONIA- hurtownia muzyki oparta na jednoczesnej kombinacji kilku głosów.
MODERATO- tempo umiarkowane, średnie między andantino a allegretto.
MODULACJA- przejście na nowy ton.
MUSICAL FORMA - 1) zespół środków wyrazowych, wcielający w utwór muzyczny pewną treść ideową i artystyczną.
LIST Z UWAGĄ- system znaków graficznych do rejestracji muzyki, a także samego jej zapisu. We współczesnym piśmiennictwie muzycznym stosuje się: 5-wierszową pięciolinię, nuty (znaki oznaczające dźwięki), klucz (określa wysokość nut) itp.
OVERTONS- alikwoty (tony częściowe), brzmią wyżej lub słabiej niż ton główny, łączą się z nim. Obecność i siła każdego z nich określa barwę dźwięku.
ORKIESTRACJA- Aranżacja utworu muzycznego na orkiestrę.
ORNAMENT- sposoby zdobienia melodii wokalnych i instrumentalnych. Małe ozdobniki melodyczne nazywane są melizmatami.
OSTINATO- wielokrotne powtarzanie melodyjnej figury rytmicznej.
WYNIK- zapis muzyczny polifonicznego utworu muzycznego, w którym jeden nad drugim partie wszystkich głosów podane są w określonej kolejności.
PRZESYŁKA- integralna część utworu polifonicznego, przeznaczona do wykonywania jednym głosem lub na określonym instrumencie muzycznym, a także zespołem jednorodnych głosów i instrumentów.
PRZEJŚCIE- następstwo dźwięków w szybkim ruchu, często trudne do wykonania.
PAUZA- przerwa w brzmieniu jednego, kilku lub wszystkich głosów w utworze muzycznym; znak w notacji muzycznej wskazujący tę przerwę.
PIZZICATO- odbiór wydobywania dźwięku na instrumentach smyczkowych (szczypnięcie), daje urywany dźwięk, cichszy niż podczas gry smyczkiem.
PLEKTRON(mediator) - urządzenie do wydobywania dźwięku z instrumentów strunowych, głównie szarpanych.
POD GŁOSEM- w pieśni ludowej głos towarzyszący głównemu, brzmiący jednocześnie z nim.
PRELUDIUM- krótki utwór, a także wstęp do utworu muzycznego.
OPROGRAMOWANIE MUZYKA - utwory muzyczne, które kompozytor wyposażył w program słowny konkretyzujący percepcję.
POTRĄCENIE OD DOCHODU- powtórzenie motywu utworu muzycznego, a także muzycznego znaku powtórzenia.
RYTM- naprzemienne dźwięki o różnym czasie trwania i sile.
SYMFONIZM- ujawnienie koncepcji artystycznej za pomocą konsekwentnego i celowego rozwoju muzycznego, w tym konfrontacja i przekształcanie wątków i elementów tematycznych.
SYMFONIA MUZYKA - utwory muzyczne przeznaczone do wykonania przez orkiestrę symfoniczną (duże, monumentalne, małe utwory).
SCZERZO- 1) w XV1-XVII wieku. oznaczenie utworów wokalno-instrumentalnych do tekstów humorystycznych, a także utworów instrumentalnych; 2) część pakietu; 3) część cyklu sonatowo-symfonicznego; 4) z XIX wieku. samodzielna praca instrumentalna, bliska capriccio.
SŁUCH MUZYCZNY- zdolność osoby do postrzegania indywidualnych cech dźwięków muzycznych, odczuwania funkcjonalnych związków między nimi.
SOLFEGIO- ćwiczenia wokalne rozwijające umiejętność czytania słuchu i muzyki.
SOPRAN- 1) najwyższy głos śpiewający (głównie żeński lub dziecięcy) z rozwiniętym rejestrem głosu; 2) górna część chóru; 3) odmiany instrumentów o wysokim rejestrze.
SMYCZKI INSTRUMENTY - zgodnie z metodą wydobycia dźwięku dzielą się na smyczkowe, szarpane, perkusyjne, perkusyjne-klawiatura, szarpane-klawiatura.
TAKT- specyficzna forma i jednostka miernika muzycznego.
TEMAT- konstrukcja stanowiąca podstawę utworu muzycznego lub jego części.
TEMBR- barwa dźwięku charakterystyczna dla głosu lub instrumentu muzycznego.
TEMPO- szybkość metrycznych jednostek liczących. Do dokładnego pomiaru używany jest metronom.
ODPUSZCZANIE- wyrównanie proporcji interwałów między stopniami nagłośnienia.
TONIK- główny krok progu.
TRANSKRYPCJA- Aranżacja lub swobodna, często wirtuozowska obróbka utworu muzycznego.
TRYL- opalizujący dźwięk, zrodzony z szybkiego powtórzenia dwóch sąsiednich tonów.
UWERTURA- utwór orkiestrowy wykonywany przed spektaklem teatralnym.
BĘBNY INSTRUMENTY - instrumenty ze skórzaną membraną lub wykonane z materiału, który sam może brzmieć.
UNISONO- jednoczesne nagłośnienie kilku dźwięków muzycznych o tej samej wysokości.
TEKSTURA- specyficzny obraz dźwiękowy dzieła.
FALSET- jeden z rejestrów męskiego głosu śpiewającego.
FERMATY- zatrzymanie tempa z reguły na końcu utworu muzycznego lub pomiędzy jego odcinkami; wyrażony jako wydłużenie czasu trwania dźwięku lub pauzy.
FINAŁ- końcowa część cyklicznego utworu muzycznego.
CHÓRALNY- śpiewy religijne w języku łacińskim lub językach ojczystych.
CHROMATYZM- system interwałów półtonowych dwóch typów (starożytnej Grecji i nowej Europy).
WŁAZY- sposoby wydobywania dźwięku na instrumentach smyczkowych, nadając brzmieniu inny charakter i barwę.
NARAŻENIE- 1) początkowa część formy sonatowej, która wyznacza główne tematy utworu; 2) pierwsza część fugi.
ETAP- rodzaj muzycznej sztuki wykonawczej

Rodzaj dzieł w ramach pewnego rodzaju sztuki nazywany jest francuskim słowem gatunek (gatunek) - rodzaj, rodzaj.
Nie wszystkie gatunki muzyczne powstały w tym samym czasie. Opera na przykład narodziła się we Włoszech pod koniec XIX wieku, a poemat symfoniczny stworzył w połowie XIX wieku Franciszek Liszt.
W czasie jego istnienia różne gatunki bardzo się zmieniły, ale wszystkie zachowały swoje główne cechy. Opera jest więc utworem dla teatru muzycznego, który ma fabułę, jest osadzony w scenografii i wykonywany przez artystów, śpiewaków i orkiestrę. Nie da się tego pomylić z baletem i symfonią. Ale przecież opery też są inne: historyczne, heroiczne, komiczne, liryczne. Wszystkie mają swoje charakterystyczne cechy, choć należą do tego samego gatunku operowego. A potem, gdy musimy wyjaśnić, o jakiej operze mówimy, ponownie, ale w węższym znaczeniu tego słowa, używamy terminu „gatunek”.
Mówimy: gatunek opery lirycznej, gatunek dramatu muzycznego, gatunek opery epickiej... W ramach ogólnego pojęcia (gatunku) muzyki wokalnej wyróżniamy gatunki romansu, pieśni itp.
Termin ten ma inne znaczenie. Być może słyszałeś, jak mówią o artyście: jest malarzem rodzajowym. Oznacza to, że artysta tworzy obrazy o tematyce codziennej. Takie obrazy namalował na przykład V. Pietrow. Z malarstwa słowo gatunek w tym sensie przeszło do innych sztuk, w tym muzyki. Jeśli mówimy o jakimś utworze: ma epizody gatunkowe, to znaczy, że kompozytor wprowadził do niego pieśń, taniec lub marsz. Symfonia

Symfonia po grecku oznacza współbrzmienie. Jest używany nie tylko w odniesieniu do orkiestry, do muzyki. Na przykład rosyjski poeta Balmont dostrzegł w jesiennym pięknie przyrody „symfonię kolorów i szelestów”. Symfonia w muzyce to świetne dzieło napisane na orkiestrę symfoniczną. Słuchając symfonii, nie wiemy, z czego smuci się kompozytor, smucimy się z powodu własnej. Nie wiemy dokładnie, jakie obrazy przyrody pojawiły się na jego oczach. Dzięki dźwiękom muzyki to, co sami widzimy, ożywa.
Symfonia składa się z kilku części (Listening do Symphony N6 P.I. Czajkowskiego). Kompozytorzy pisali koncerty na orkiestrę symfoniczną i jakiś instrument. Opera

Opera to spektakl, w którym bohaterowie nie mówią, ale śpiewają. Opera, podobnie jak sztuka teatralna, jest jednym z rodzajów sztuki teatralnej.
Muzyka ma kluczowe znaczenie dla opery.
Aby baśń mogła wyjść na scenę, zostaje przerobiona na „sztukę operową” – libretto jest napisane.
Aktorzy przekazują wszystkie swoje myśli śpiewając. Kiedy jedna z postaci śpiewa na scenie, nazywamy to arią lub arioso. Jeśli śpiewają dwie osoby, to duet, trzy – trio, cztery – kwartet.
Czasami epizody taneczne pomagają w pełniejszym ujawnieniu treści utworu. Potem w operze pojawiają się sceny baletowe.
Przy pomocy muzyki kompozytor tworzy w operze nie tylko portrety postaci, ale całe obrazy.
Większość oper zaczyna się od uwertury. Słowo „uwertura” jest francuskie i oznacza otwarcie. Wykonywana jest przez orkiestrę przed otwarciem kurtyny. Uwertura zawiera główne melodie opery. Przed aktami 1 i 2 rozbrzmiewają „przerywniki” (wprowadzenia muzyczne).
W operze najważniejsza jest więc muzyka, brzmienie orkiestry i głosów. Ale opera to zarówno dramat, jak i taniec i malarstwo połączone w jedno. Dlatego opera wywiera na słuchaczach szczególnie silne wrażenie, jest najbardziej zrozumiałą formą muzyki poważnej. Balet

Balet to rodzaj sztuki performatywnej; spektakl, którego treść zawarta jest w obrazach muzycznych i choreograficznych. Na podstawie ogólnego planu dramatycznego (scenariusza) balet łączy muzykę, choreografię (taniec i pantomima) i sztuki plastyczne (dekoracje, kostiumy, oświetlenie itp.). Różne epoki dały początek różnym twórczym współpracom kompozytora i choreografa, ich własne rodzaje interakcji między muzyką a choreografią. Czasami muzyka w balecie jest tylko akompaniamentem, innym razem choreografia stara się ukazać głęboką treść muzyki.
Współczesny balet europejski powstał w okresie renesansu. Pojawiło się słowo „Balet”, które oznaczało wówczas kompozycję, która w tańcu przekazywała nie fabułę, ale właściwość lub stan charakteru. Sztuka dojrzewała w innych formach: procesji, maskarad, turniejów jeździeckich, uroczystych posiłków. Pod koniec XV wieku balet był częścią spektaklu stworzonego przez znanych poetów i artystów.
Do XVI wieku gatunek masek rozwinął się w Anglii.
W XVIII wieku balet jako przedstawienie zaczął się zadomowić w teatrach wiedeńskich, gdzie na podstawie scenariusza i muzyki rozwinęła się akcja czysto choreograficzna.
Balet istniał w Niemczech, Szwecji, Holandii. Formy baletu zapożyczone od Włochów i Francuzów zostały wzbogacone o barwy narodowe.
Do połowy XIX wieku forma spektaklu wieloaktowego i formy muzyki baletowej (tańce ogólne dopełniające akt lub przedstawienie, korowody festynu, walce, polki, galopy), a także struktura tańców soliści, stabilizacja.
Na początku XX wieku estetyka akademizmu baletowego osiągnęła apogeum w twórczości wielkich mistrzów rosyjskich (A.A. Gorskiego, M.M. Fokina), których twórczość była pod wpływem sztuki A. Duncana, amerykańskiego tancerza, zwolennika wolnego tańca.
Pod koniec 1950 roku balet upowszechniał się we wszystkich krajach świata.