Prezentacja „Wielcy kompozytorzy włoscy”
slajd 1:
Muzyka zawsze odgrywała ważną rolę w kulturze włoskiej. Instrumenty związane z muzyką klasyczną, w tym fortepian i skrzypce, zostały wynalezione we Włoszech.
W muzyce włoskiej XVI i XVII wieku można doszukiwać się korzeni wielu dominujących form muzyki klasycznej, takich jak symfonia, koncerty i sonaty.
Slajd 2: Cele prezentacji:
Zapoznanie się z twórczością kompozytorów włoskich VII-XX wieku.
Antonio Salieriego;
Niccolo Paganiniego;
Gioacchino Rossiniego;
Giuseppe Verdiego;
Antonio Vivaldiego.
Rozwijaj figuratywne postrzeganie muzyki.
Zbuduj gust muzyczny.
Włoscy kompozytorzy VII-XX wieku. Krótka informacja biograficzna:
Antonio Salieriego;
Niccolo Paganiniego;
Gioacchino Rossiniego;
Giuseppe Verdiego;
Antonio Vivaldiego.
Koncert instrumentalny A. Vivaldiego „Pory roku”:
Zima;
Wiosna;
Lato;
Jesień.
Epokę baroku reprezentują we Włoszech kompozytorzy Scarlatti, Corelli i Vivaldi, epokę klasycyzmu kompozytorów Paganiniego i Rossiniego oraz epokę romantyzmu kompozytorów Verdiego i Pucciniego.
Tradycja muzyki klasycznej jest kontynuowana, o czym świadczy sława niezliczonych oper, takich jak La Scala w Mediolanie i San Carlo w Neapolu, oraz wykonawców, takich jak pianista Maurizio Pollini i zmarły tenor Luciano Pavarotti.
Posłuchaj tego utworu.
Slajd 5:
Gra Paganiniego ujawniła tak szerokie możliwości dla skrzypiec, że współcześni podejrzewali, że posiada on jakiś sekret ukryty przed innymi; niektórzy nawet wierzyli, że skrzypek sprzedał duszę diabłu. Cała sztuka skrzypcowa kolejnych epok rozwijała się pod wpływem stylu Paganiniego. Oto jedno z najsłynniejszych dzieł Kaprys nr 24.
Slajd 6:
Łyżka pęknięta
Pokrycie stawu zimowego.
Słońce oślepiło rzekę
Brak dróg - jeden strumień
Ogłowie ciepłe od wiatru.
Wczoraj przywieźli gawrony.
Wszystko ćwierka i błyszczy pieszczotą pierwszych wiosennych dni,
I w pośpiechu do mycia. Stary wróbel w kałuży.
Slajd 13:
Więc wiosenne dni mijały szybko,
I nadeszło ciepłe lato.
A słońce jest gorące i promienne.
To przyniosło ze sobą.
Slajd 14:
Spójrz, jest jesień.
Jesienny dzień, smutny dzień,
Liść osiki, pożegnanie,
Liść wiruje, liść wiruje
Liść opada do snu na ziemię.
Od muzyki ludowej po muzykę klasyczną, muzyka zawsze odgrywała ważną rolę w kulturze włoskiej. Instrumenty związane z muzyką klasyczną, w tym fortepian i skrzypce, zostały wynalezione we Włoszech. W XVI i XVII wieku muzyki włoskiej można prześledzić korzenie wielu dominujących form muzyki klasycznej, takich jak symfonia, koncerty i sonaty.
Znani włoscy kompozytorzy renesansu (renesansu) Palestrina i Monteverdi. Epokę baroku reprezentują we Włoszech kompozytorzy Scarlatti, Corelli i Vivaldi. Era klasycyzmu - kompozytorów Paganiniego i Rossiniego oraz epoka romantyzmu - kompozytorów Verdiego i Pucciniego.
Klasyczne tradycje muzyczne są nadal silne we współczesnej kulturze włoskiej, o czym świadczy sława niezliczonych oper, takich jak La Scala w Mediolanie i San Carlo w Neapolu, oraz wykonawców, takich jak pianista Maurizio Pollini i zmarły tenor Luciano Pavarotti.
Włochy znane są jako miejsce narodzin opery. Opera włoska powstała na początku XVII w. we włoskich miastach Mantua i Wenecja (Wenecja), później dzieła i dzieła włoskich kompozytorów XIX - początku XX w. Rossiniego, Belliniego, Donizettiego, Verdiego i Puccini należą do najsłynniejszych oper, jakie kiedykolwiek napisano i są dziś wystawiane w teatrach operowych na całym świecie. Ponadto Opera La Scala uważana jest za jedną z najlepszych na świecie.
Lista wielkich kompozytorów włoskich
| № | Nazwać | Epoka | Rok |
| Albinoni Tomaso | Barokowy | 1671-1751 | |
| Baini Giuseppe | Muzyka kościelna - renesans | 1775-1844 | |
| Bellini Vincenzo | Romantyzm | 1801-1835 | |
| Boito (Boito) Arrigo | Romantyzm | 1842-1918 | |
| Boccherini Luigi | klasycyzm | 1743-1805 | |
| Verdi Giuseppe Fortunio Francesco | Romantyzm | 1813-1901 | |
| Vivaldi Antonio | Barokowy | 1678-1741 | |
| Wolf-Ferrari Ermanno | Romantyzm | 1876-1948 | |
| Giuliani Mauro | Klasycyzm-Romantyzm | 1781-1829 | |
| Donizetti Gaetano | Klasycyzm-Romantyzm | 1797-1848 | |
| Leoncavallo Ruggiero | Romantyzm | 1857-1919 | |
| Mascagni Pietro | Romantyzm | 1863-1945 | |
| Marcello (Marcello) Benedetto | Barokowy | 1686-1739 | |
| Monteverdi Claudio Giovanni Antonio | Renesans-Barok | 1567-1643 | |
| Paganini Nicolo | Klasycyzm-Romantyzm | 1782-1840 | |
| Puccini Giacomo | Romantyzm | 1858-1924 | |
| Rossini Gioacchino Antonio | Klasycyzm-Romantyzm | 1792-1868 | |
| Rota Nino | kompozytor XX wieku | 1911-1979 | |
| Scarlatti Giuseppe Domenico | Barok-klasycyzm | 1685-1757 | |
| Torelli Giuseppe | Barokowy | 1658-1709 | |
| Tosti Francesco Paolo | - | 1846-1916 | |
| Cilea (Cilea) Francesco | - | 1866-1950 | |
| Cimarosa Domenico | klasycyzm | 1749-1801 |
Wielcy kompozytorzy węgierscy
Muzyka Węgier składa się głównie z tradycyjnej węgierskiej muzyki ludowej oraz muzyki wybitnych kompozytorów, takich jak Liszt i Bartok. Wielopłaszczyznowa działalność twórcza Liszta, wybitnego przedstawiciela romantyzmu, odegrała ogromną rolę w powstaniu węgierskiej narodowej szkoły muzycznej (kompozycja i wykonawstwo) oraz w rozwoju światowej kultury muzycznej. Twórcą węgierskiej opery narodowej jest Ferenc Erkel.
Lista kompozytorów węgierskich
| № | Nazwać | Epoka, aktywność | Rok |
| Kalman (Kalman) Imre (Emmerich) | XX-wieczni kompozytorzy klasyczni | 1882-1953 | |
| Liszt (Liszt) Franciszek (Franz) | Romantyzm | 1811-1886 | |
| Bela Bartok (Bela Wiktor Janos Bartok) | kompozytor i pianista | 1881-1945 | |
| Leo Weiner (Weiner) | kompozytor | 1885-1960 | |
| Karl (Karoy) Goldmark | kompozytor | 1830-1915 | |
| EnyoZador | kompozytor | 1894-1977 | |
| Pal Kadosza | kompozytor, pianista | 1903-1983 | |
| EnyoKeneshey | kompozytor, dyrygent | 1906-1976 | |
| ZoltanKodai (Kodai) | kompozytor, folklorysta, dyrygent | 1882-1967 | |
| Ferenc (Franz) Lehar | kompozytor, dyrygent | 1870-1948 | |
| EdenMichalowicz | kompozytor, pianista | 1842-1929 | |
| Artur Nikisch | kompozytor, dyrygent | 1855-1922 | |
| GyörgyRanki | kompozytor | 1907-1988 | |
| FerencSabo | kompozytor | 1902-1969) | |
| Istvan Selenyi | kompozytor, muzykolog, pianista | 1904-1972 | |
| Bela Tardosz | kompozytor | 1910-1966) | |
| TiborHarshani | kompozytor | 1898-1954 | |
| EnyoHubai | kompozytor, skrzypek | 1858-1937 | |
| Albert Sziklosz | kompozytor, nauczyciel | 1878-1942 | |
| Ference Erkel | kompozytor, pianista, założyciel opery narodowej | 1810-1893 | |
| Pal Yardanya | kompozytor, krytyk muzyczny | 1920-1966 |
Rozwój muzyki włoskiej w XIX wieku naznaczony był operą. Wiek ten zakończył się późnymi arcydziełami Verdiego, oszałamiającym sukcesem werystów Mascagniego i Leoncavallo. Pod tą genialną epoką wyznaczył Puccini, który stał się prawdziwym spadkobiercą Verdiego, a jednocześnie otwierał nowe możliwości w dziedzinie dramaturgii muzycznej i melodii wokalnej. Odkrycia Pucciniego wkrótce podchwycili kompozytorzy różnych szkół narodowych. Jednak większość włoskich partytur operowych z początku XX wieku (E. Wolf-Ferrari, F. Cilea, U. Giordano, F. Alfano) wykazywała nieskończoną liczbę wariacji na temat technik pisania oper wypracowanych w przeszłości, tylko nieznacznie wzbogacony bardziej nowoczesnymi środkami, co świadczyło o kryzysie narodowej szkoły operowej.
Rozpoczęte w drugiej połowie XIX wieku próby rozwoju gatunków symfonicznych i kameralno-instrumentalnych na włoskim gruncie narodowym okazały się praktycznie bezowocne. Symfonie G. Sgambatiego, G. Martucciego, napisane w tradycji Mendelssohna i Brahmsa, nie wykraczają poza eklektyzm; twórczość organowa M. E. Bossiego nie wznosi się ponad poziom imitacji, ukazując wpływy niemieckiego romantyzmu muzycznego – od Schumanna po Liszta i Wagnera.
Od samego początku stulecia we Włoszech zauważalnie zwiększył się wpływ katolicyzmu, który dotknął także muzykę. Swoją rolę odegrała tu bulla papieża Piusa X „Motu proprio” (1903), poświęcona problematyce aktualizacji muzyki kościelnej. Zawierała ona w szczególności wezwanie do odrodzenia chorału gregoriańskiego, a jednocześnie upoważniała do korzystania z najbardziej nowatorskich środków wyrazowych, pod warunkiem, że ich użycie odpowiadałoby wymogom Kościoła. Co prawda próby ożywienia gatunków oratorium, kantaty i mszy, podjęte na początku wieku przez abbé Perosiego*,
* Lorenzo Perosi w 1898 roku został mianowany kierownikiem Kaplicy Sykstyńskiej i stał się przywódcą ruchu na rzecz odnowy muzyki kościelnej.
nie zostały uwieńczone sukcesem: kompozycje tego autora nie przyniosły upragnionej odnowy muzyki katolickiej ani pod względem stylistycznym, ani duchowym, etycznym. Niemniej jednak publikacja pomników katolickiej muzyki sakralnej (słynna seria Editio Vaticano, rozpoczęta w 1904 r.) przyciągnęła uwagę wielu kompozytorów, którzy szukali sposobów na ożywienie tradycji narodowych. Zainteresowanie chorałem gregoriańskim, starożytną polifonią włoską (Palestrina), duchowymi gatunkami i formami wzrośnie szczególnie w latach 20-30.
Pierwsza wojna światowa głęboko wstrząsnęła Włochami gospodarczo, politycznie, społecznie, kulturowo, prowadząc do kryzysu ideologicznego. W sztuce końca lat 10 - początku lat 20. można zauważyć zarówno ostro krytyczne rozumienie wydarzeń minionej wojny i rzeczywistości powojennej, jak i sceptycyzm oraz dążenia religijne i mistyczne, wraz z odrodzeniem i intensywnym rozwojem. wojowniczych tendencji nacjonalistycznych. Już na początku stulecia w oczekiwaniu na faszystowską ideologię pojawiły się marzenia o Wielkiej Italii, spadkobierczyni cesarskiego Rzymu, o przekształceniu Morza Śródziemnego w Morze Włoskie - „nasze morze” itp. Literatura futurystyczna grupa, która swój pierwszy manifest opublikowała w paryskiej gazecie Figaro w 1909 roku. Po wojnie działalność tego ugrupowania nabiera wyraźnie wyrażonego politycznego charakteru. Jesienią 1918 r. w pierwszym numerze tygodnika Roma Futurista ukazał się manifest i program partii politycznej, zawierający szczere przeprosiny za nacjonalizm. Na czele tworzonej partii stanął F.T. Marinetti; w jej skład weszli B. Mussolini, a także G. d "Annunzio i wielu innych artystów, wśród których byli muzycy - L. Russolo, F. B. Pratella; później jego członkami zostali P. Mascagni i B. Gigli. Prowadziła grupa literacko-futurystyczna Marinettiego przygotowało powstanie organizacji Faszystowskich Szwadronów Bojowych, których działalność rozpoczęła się w marcu 1919 roku, kiedy Mussolini zwołał w Mediolanie pierwsze zgromadzenie przyszłej partii faszystowskiej, zwane Zgromadzeniem San Sepolcro (od rezydencji, w której się odbyło). Kilka miesięcy później opublikowano Program San Sepolcro, który połączył szereg punktów programu futurystycznego z rewolucyjno-demokratyczną demagogią Mussoliniego i wojującym nacjonalizmem d'Annunzia.
Znaczna część inteligencji, zwłaszcza wśród postaci kultury i sztuki, nie akceptowała ideologii nacjonalistycznej. Dla tej części włoskich pisarzy, poetów, dramaturgów uniwersalne „odwieczne” tematy stały się duchowym schronieniem. Idee humanistyczne głosiła w szczególności grupa „rondystów”, których nazwa pochodzi od pisma „Ronda” wydawanego przez partię socjalistyczną. Nie mogąc aktywnie zaprotestować przeciwko faszyzmowi, głosili oddzielenie sztuki od polityki i głosili „indywidualną wolność myśli artysty”. Świadome samoograniczenie się przez problemy artystycznego mistrzostwa połączono z wycofaniem się w przeszłość, z nastawieniem na opanowanie doświadczenia narodowej klasyki. Estetyka „rondystów” niewątpliwie wpłynęła na niektórych wybitnych kompozytorów (Pizzetti, Malipiero, Casella) i przyczyniła się do ustanowienia w muzyce włoskiej lat 20-30 neoklasycyzmu jako głównego kierunku.
Ważną rolę w mobilizowaniu lewicowych sił inteligencji artystycznej odegrał tygodnik „Ordino Nuovo”, wydawany w latach 1919-1922, założony przez A. Gramsciego (późniejszego jednego z założycieli Włoskiej Partii Komunistycznej). Na łamach tygodnika Gramsci prowadził aktywną walkę o kulturę demokratyczną, przywiązując dużą wagę do promocji twórczości współczesnych pisarzy lewicowych - M. Gorkiego, A. Barbusse'a, R. Rollanda i innych. W wielu artykułach ostro krytykował futuryzm i nacjonalistyczną platformę d'Annunzio.Od 1924 r. gazeta włoskiej Partii Komunistycznej Unita stała się tubą ruchu antyfaszystowskiego.
W muzyce włoskiej, podobnie jak przed wojną, nadal dominował kierunek werystyczny, mimo że wyraźnie degenerował się (jest to szczególnie widoczne w powojennych utworach Mascagniego). Walkę z rutyną i konserwatyzmem panującym we włoskim życiu muzycznym prowadzili przedstawiciele młodszego pokolenia – Respighi, Pizzetti, Malipiero i Casella, którym kierował symfonizm R. Straussa, Mahler, francuski impresjonizm, twórczość Rimskiego -Korsakow, Strawiński. Jeszcze wcześniej, w 1917 roku, założyli Narodowe Towarzystwo Muzyczne, którego celem było unowocześnienie repertuaru koncertów symfonicznych. Propaganda nowej muzyki i walka z dominacją tendencji akademickich i werystycznych kompozytorzy prowadzili także w prasie.
Nowa sytuacja rozwinęła się w kraju po październiku 1922 roku. Mussolini po objęciu urzędu premiera zaczyna rozprawiać się ze swoimi przeciwnikami politycznymi, a jednocześnie prowadzi podstępną politykę angażowania inteligencji w ruch faszystowski, mając nadzieję, że w ten sposób zwróci światową opinię publiczną w kierunku korzystnym dla jego ideologii i ćwiczyć. Już po zamachu stanu 3 stycznia 1925 r., który doprowadził do ustanowienia jawnie dyktatorskiego reżimu, w marcu tego samego roku odbył się w Bolonii Kongres w imię kultury faszystowskiej, a w kwietniu „Manifest inteligencja faszystowska”, opracowanej przez ideologa włoskiego faszyzmu, filozofa J. Gentile'a.
Jednak nastroje opozycyjne wśród postaci kultury były nadal dość silne. Liberalna opozycja zjednoczyła się wokół filozofa i polityka Benedetto Croce. W jej imieniu 1 maja 1925 r. w gazecie Mondo ukazał się „kontr-manifest” Croce zatytułowany „Odpowiedź włoskich pisarzy, profesorów i publicystów na manifest faszystowskiej inteligencji”. Samo opublikowanie „kontr-manifestu” w okresie aktywnej ofensywy władz przeciwko myśli postępowej było aktem odważnym, choć jego program wyróżniał abstrakcja i polityczna bierność. „Kontr-Manifest” sprzeciwiał się mieszaniu polityki i literatury, polityki i nauki, przekonując, że prawda nie leży w działaniu, ale w myśli. Właśnie to oddzielenie filozofii i sztuki od działań obywatelskich spowodowało stopniowe wycofywanie się inteligencji artystycznej Włoch do różnych form „emigracji duchowej”. W ten sposób najpierw w poezji, a następnie w sztukach pokrewnych stworzono przesłanki do pojawienia się „hermetyzmu”, który w latach 30. został szczególnie rozwinięty. W muzyce wpływ „hermetyzmu” był najbardziej widoczny w wielu utworach Malipiero.
Idąc za ideami „kontr-manifestu”, artyści starali się przeciwstawić hałaśliwej, zubożałej duchowo faszystowskiej kulturze o wysokich walorach estetycznych, wyrażanych jednak w formie trudnej do zrozumienia dla mas. W muzyce włoskiej „kontrmanifest” jeszcze bardziej umocnił pozycję neoklasycyzmu, który przy wszystkich różnicach między poszczególnymi kompozytorami, ze wszystkimi niuansami w odniesieniu do dziedzictwa klasycznego i sztuki ludowej, stał się głównym, wiodącym kierunkiem w latach 20. -30s. Ekspresjonistyczno-egzystencjalistyczne tendencje związane ze zrozumieniem i rozwojem doświadczeń szkoły nowowieńskiej zaczęły wyraźnie ujawniać się nieco później, począwszy od lat 30. (w pracach L. Dallapikkoli i G. Petrassiego).
Pełniąc rolę mecenasa nauki i sztuki, Mussolini zorganizował Instytut Kultury Faszystowskiej, pod którego kierownictwem rozwinęło się wiele organizacji naukowych i artystycznych. Jednocześnie reżim wykazywał rzadki wszystkożerny stosunek do różnych kierunków twórczych. Niemniej jednak większość inteligencji artystycznej pozostawała w pozycji ukrytego odrzucenia ideologicznych doktryn i politycznych praktyk faszyzmu.
Na szczególną uwagę zasługują dwa nurty polarne, które wyraźnie wpłynęły na wszystkie dziedziny sztuki włoskiej w latach 20. i 30. XX wieku: są to „strachitta” („supermiasto”) i „strapaese” („super-wioska”). Pierwszy nurt koncentrował się na odzwierciedleniu kultury i życia nowoczesnego miasta (zasadniczo łączącego się z nurtami urbanistyki europejskiej), drugi natomiast bronił narodowej ziemi i faktycznie dążył do wyizolowania sztuki Włoch, do ograniczenia jej do narodowych granic.
Katolicyzm nadal wywierał ogromny wpływ na rozwój życia kulturalnego kraju. Zawarty w 1929 r. konkordat Mussoliniego z Watykanem doprowadził do rozszerzenia działalności społeczno-politycznej Kościoła i przyczynił się do wzmocnienia motywów religijnych w twórczości wielu kompozytorów. Jednak wzrost zainteresowania tematyką religijną i gatunkami duchowymi w latach 30. miał głębsze przyczyny i znajdował się w muzyce różnych krajów europejskich (w szczególności Francji). To właśnie dla Włoch prace o tematyce religijnej, najwyraźniej odpowiadające linii oficjalnego klerykalizmu, często służyły jako wyraz duchowego sprzeciwu wobec faszyzmu.
W ten sam sposób szereg ważnych przedsięwzięć kulturalnych, które zewnętrznie odpowiadały polityce reżimu, były od niego zasadniczo niezależne. Na przykład odwołanie się czołowych kompozytorów włoskich do wielkiego dziedzictwa XVII-XVIII wieku, które pojawiło się w latach przedwojennych i przyniosło owocne rezultaty, nie ma nic wspólnego z programem ideologicznym włoskiego faszyzmu. Nie da się skojarzyć z wojującym nacjonalizmem i gadaniem o „wybranej kulturze romańskiej – spadkobiercy cesarskiego Rzymu” o ogromnej pracy, jaką włoscy uczeni i kompozytorzy wykonali w latach 20-30 w zbieraniu, badaniu i publikowaniu najbogatszego folkloru pieśni i tańca różne regiony i prowincje Włoch – dzieło, które wzbogaciło nie tylko naukę o muzyce, ale także twórczość zawodową*.
* Wśród tych publikacji należy wymienić opracowanie B. Croce „Poezja ludowa i artystyczna”, zbiory pieśni ludowych G. Farah „Muzyczna dusza Włoch” i „Pieśni sardyńskie”, zbiory A. Fanara-Mistrello „Sycylijskie pieśni o lądzie i morzu” oraz „Pieśni ludowe prowincji Valdemeszaro”, opracowania kompozytora futurystycznego F. B. Pratelli „Eseje o lamentach, pieśniach, chórach i tańcach ludu włoskiego” oraz „Etnofonia Romagna”.
Wielką wartość obiektywną mają publikacje naukowe wybitnych zabytków muzyki sakralnej, arcydzieł renesansu, włoskiej opery i muzyki instrumentalnej XVII-XVIII wieku. Dzieło to, rozpoczęte przed I wojną światową, kontynuowane było w latach „czarnej dwudziestki” pod oficjalnym patronatem króla i Mussoliniego, który doskonale rozumiał, jak prestiżowy był dla faszystowskiego reżimu. Studia nad dawnymi gatunkami kultowymi i twórczością polifonistów (zwłaszcza Palestriny) wzbogaciły także twórczość kompozytorów. Ich styl został zapłodniony intonacyjną ekspresją antycznych trybów, chorału gregoriańskiego i antycznych sekwencji nastawionych na percepcję mas w momentach wzniosłych stanów psychicznych.
W okresie Czarnej Dwudziestki we Włoszech pracowało wielu wybitnych muzykologów, których fundamentalne dzieła nabrały światowego znaczenia. Wymieńmy chociażby studia A. della Corte nad problemami opery włoskiej, monumentalną, trzytomową biografię Rossiniego autorstwa G. Radiciottiego, monografię M. Gattiego o Verdim. W tych latach rozwijała się również publikacja dokumentów i materiałów dotyczących ogólnych problemów muzyki włoskiej oraz twórczości poszczególnych kompozytorów.
W szczególności ukazało się kilka najcenniejszych publikacji epistolarnego dziedzictwa Verdiego.
Ze względu na prestiż faszystowscy przywódcy na wszelkie możliwe sposoby zachęcali do występów operowych i koncertowych, czyli do tych form sztuki, które nie wydawały im się niebezpieczne. Teatr „La Scala” osiąga kulturę wysokiej wydajności, a po niej inne teatry operowe, na przykład rzymską, która była pod specjalnym patronatem reżimu. Opera błyszczy wspaniałymi śpiewakami - A. Galli-Curci, T. Dal Monte, B. Gigli, Titta Ruffo. Jednocześnie ideowo opera była pod ścisłym nadzorem cenzury. Cenzura faszystowsko-klerykalna zakazała wystawiania opery Malipiero Legenda o synu podmieńca, a podczas interwencji w Abisynii reżim splamił się haniebnym usunięciem z repertuaru Aidy Verdiego. To nie przypadek, że Toscanini opuścił Włochy w 1928 roku w proteście przeciwko faszystowskiej polityce, a inni ważni muzycy wyemigrowali (M. Castelnuovo-Tedesco, V. Rieti i inni).
Życie literatury i teatru dramatycznego jeszcze bardziej ograniczała presja faszystowskiej cenzury, która zmusiła wielu artystów do przyjęcia postawy „hermetyzmu”. Jednocześnie wielu włoskich pisarzy, poetów i dramaturgów pozostawało pod silnym wpływem twórczości L. Pirandello, która obnażała tragiczną rzeczywistość życia „małego człowieka”, daremność poszukiwania wolności, piękna i szczęścia. Warto zauważyć, że wielu włoskich kompozytorów nawiązuje do twórczości Pirandella. W literaturze tamtych lat pojawiały się także utwory bardziej aktywne w swej społecznej krytyce (np. młody A. Moravia, E. Vittorini), ale były to wyjątki.
W tak trudnym środowisku musieli pracować najwięksi kompozytorzy całego pokolenia – Respighi, Pizzetti, Malipiero, Caselle. Trzeba im przyznać, że nie stali się trubadurami włoskiego faszyzmu, choć nie byli też aktywnymi bojownikami przeciwko niemu.
Historia muzyki włoskiej jest nie do pomyślenia poza historią sztuki operowej. Właśnie ze względu na tę okoliczność opowiemy o operze w jednym z kolejnych materiałów projektu Viva Italia!. A teraz przejrzyjmy kilka stron ogólnej historii muzyki włoskiej.
Po podboju starożytnej Grecji przez rzymskich zdobywców w II wieku p.n.e. mi. prawie wszystkie greckie instrumenty muzyczne zostały „ocalone żywcem” i nadal brzmiały, choć w nowej kulturze. I chociaż starożytni rzymscy muzycy używali instrumentów z całego rozległego imperium w tym czasie, przez długi czas najpopularniejsze były lira i cytara.
Pierwszy jest znany wielu. Jest to szczególny rodzaj harfy, chociaż znacznie mniejszy. Odmienna w kształcie lira wykonana była z drewna i miała dziesięć strun. Kifara jest też rodzajem liry, tylko głębszej i szerszej, dzięki czemu jest bardziej harmonijna. W rękach fachowców często można było znaleźć aulos - podwójny flet z otworami.
W tamtych czasach, odległych od nas, muzyka była nie do pomyślenia poza festynami miejskimi i teatrem. Muzycy i chóry jeździli po całym mieście, w którym odbywały się święta z „wycieczkami”, aby każdy mógł cieszyć się swoimi talentami. Z tymi samymi czasami związane są działania pierwszych… showmenów. Chociaż w tym czasie nazywano ich „wirtuozami”. Pokazali publiczności ekscentryczne, sensacyjne spektakle pełne humoru i groteskowej, pompatycznej atmosfery. Terpnos (wielki cytarysta i nauczyciel Nerona), Mesomedes z Krety, Polon skąpany w promieniach chwały.
W miarę przyłączania coraz to nowych ziem i państw do Cesarstwa Rzymskiego muzyka wchłaniała, przekształcała innowacje i oferowała nowe formy egzystencji. Dzięki tej oryginalnej mieszance kultur powstały tak dawne gatunki jak citarodia (granie na cithara i partia wokalna) i citaristica (granie na cithara solo).
Od czasu nadejścia i rozprzestrzenienia się chrześcijaństwa muzyka włoska rozwinęła się w dwóch kierunkach: świeckim i kościelnym. Kanoniczny chorał gregoriański (canto gregoriano, nazwany na cześć papieża Grzegorza I Wielkiego) powstał ostatecznie w VII wieku.
Z czasem zmieniła się również geografia muzyczna. W XI wieku Toskania otrzymała status centrum muzycznego. To tutaj, we Florencji, Guido d'Arezzo (ok. 992-ok. 1050). Dużą popularnością cieszą się jutrznie - monofoniczne i polifoniczne pieśni pochwalne. Renesans śpiewał przede wszystkim świecką kulturę muzyczną. W tym czasie pierwsza pojawiły się akademie muzyczne i konserwatoria Ciekawostka: pierwotnie tak nazywały się miejskie sierocińce, w których obok innych nauk uczono dzieci umiejętności muzycznych. Pierwsze takie „konserwatorium” pojawiło się w Neapolu w 1537 roku.
W XVI wieku madrygał stał się najpopularniejszym gatunkiem. Pierwotnie była to jednogłosowa piosenka w języku włoskim. Z czasem forma stała się bardziej złożona i przekształciła się w polifoniczny poemat wokalny. Temat pozostał niezmieniony – miłosno-liryczny. Uznanym mistrzem był Carlo Gesualdo di Venosa, książę małego miasteczka Venosa pod Neapolem.
Najbardziej wpływowymi szkołami muzycznymi tej epoki są rzymska i wenecka.
W Rzymie kompozytor Palestrina kierował Kongregacją Muzyków Santa Cecilia, która później przekształciła się w Akademię. Przez ponad cztery stulecia to właśnie tutaj znajdowało się centrum profesjonalnego życia muzycznego Włoch. Z biegiem lat członkami Akademii zostali Monteverdi, Scarlatti, Poganini, Verdi, Puccini i wielu innych. Dziś National Academy of Santa Cecilia obejmuje również konserwatorium i orkiestrę symfoniczną, a także jest właścicielem prawdziwego skarbca – jednego z największych składów muzycznych na świecie, muzeum instrumentów muzycznych itp. Więc jeśli nie jesteś obcy historię muzyki, zapisz adres w Rzymie: Piazza S.Croce in Gerusalemme, 9.
A co z Wenecją? Muzyczni geniusze tego regionu przekazali światu niepowtarzalny styl polifonii wokalno-instrumentalnej, który rozwinął się zarówno w tradycji kościelnej, jak i świeckiej. A nazwisko kompozytora Giovanniego Gabrieli kojarzy się z narodzinami właściwej muzyki orkiestrowej i kameralnej. Instrumenty dęte ustępują miejsca pierwszym rolom partii skrzypiec.
Nawiasem mówiąc, historia muzyki włoskiej jest nie do pomyślenia bez pracy lutników. Cechy ich rzemiosła są owiane tajemnicą i przekazywane z ojca na syna, od nauczyciela do ucznia. Wiele z nich nie zostało jeszcze w ogóle rozwiązanych. Andrea Amati stworzył skrzypce typu klasycznego, Paganini, Kreisler, Uto Ugi grał na instrumentach mistrzów Guarneri... Ale chyba najsłynniejszym mistrzem instrumentów smyczkowych był Antonio Stradivari (1644-1737). To na jego instrumentach grają dziś najwybitniejsi muzycy świata.
W 1580 roku we Florencji zjednoczyli się poeci, muzycy, humaniści i po prostu miłośnicy muzyki. Nowa wspólnota została nazwana Florentine Camerata. To z nią wiąże się powstanie nowego gatunku – opery. Ale o nim, jak wspomniano powyżej - w jednym z kolejnych artykułów projektu.
W muzyce kościelnej pojawiały się utwory napisane na tematy religijne, ale niekoniecznie przeznaczone do wykonywania w świątyni.
Wiele postaci z XVI-XVII wieku przyczyniło się do rozwoju muzyki włoskiej, co jest nadal aktualne. Na przykład Giacomo Carissimi stworzył klasyczną kantatę świecką i duchową. A organista Frescobaldi odegrał jedną z kluczowych ról w powstaniu takiej formy dzieła muzycznego jak fuga. Wreszcie, na początku XVIII wieku Bartolomeo Cristofori wynalazł młotkowany clavier, obecnie znany jako pianoforte.
Muzyka nadal kwitła. Koncert instrumentalny jawi się jako niezależny gatunek. Klawesyn, organy, skrzypce i nieco później fortepian stały się instrumentami solowymi. Cała muzyka pisana ukazywała talent nie tylko kompozytora, ale i wykonawcy, od którego wymagano wyjątkowej wirtuozerii.
Arcangelo Corelli jest założycielem rzymskiej szkoły skrzypcowej, Alessandro Scarlatti jest założycielem neapolitańskiej szkoły operowej, Antonio Vivaldi jest twórcą gatunku solowych koncertów instrumentalnych. Zaprawdę, XVII-XVIII wiek to wspaniały okres w historii muzyki instrumentalnej we Włoszech. Przyjeżdżali tu ludzie z całego świata, aby uzyskać profesjonalną edukację muzyczną. A włoscy kompozytorzy, wykonawcy i teoretycy znaleźli drugi dom w Wielkiej Brytanii, Francji, Rosji i innych krajach.
W XIX wieku muzyka włoska to nie tylko pojawianie się nowych form i dzieł, ale także interpretacja istniejącego dziedzictwa. Ferruccio Busoni, wybitny pianista, kompozytor, pedagog i muzykolog, pozostawił potomkom nie tylko własne kompozycje, ale także najsubtelniejsze interpretacje Bacha, Beethovena, Liszta. Włochy dały światu całą plejadę wybitnych dyrygentów: Arturo Toscanini, Gina Marinuzzi, Willy Ferrero.
Wysoka muzyka włoska XX wieku to liczne konkursy, wybitne zespoły muzyczne i osobowości, nowe trendy i trendy. Jednym z czołowych kompozytorów włoskich ostatniego stulecia jest Goffredo Petrassi, autor oper, baletów, muzyki symfonicznej i kameralnej, romansów i muzyki filmowej. Nawiasem mówiąc, stał się on taką samą integralną częścią włoskiej kultury muzycznej, jak np. opera. Nino Rota, Ennio Morricone, Giorgio Moroder - stworzyli muzykę, która stała się znakiem rozpoznawczym filmów Felliniego, Viscontiego, Coppoli
Włoska scena w połowie XX wieku podbiła serca milionów, wyróżniając się szczególną melodią i delikatnym narodowym kolorem. Modugno, Celentano, Cutugno, Mina, Robertino Loretto - tych wielu innych wykonawców jest dobrze znanych zarówno starszemu pokoleniu, jak i młodszym miłośnikom kultury włoskiej.
Najwyższa kultura muzyczna Włoch jest pożądana w XXI wieku - są to wybitni dyrygenci, wysoka reputacja wyższych uczelni muzycznych, prestiżowe festiwale i konkursy muzyczne.
Minęły wieki. A włoska kultura wciąż jest pełna muzyki, jak niegdyś liczne festiwale na ulicach antycznych miast. Muzyka jest lekka i uduchowiona, profesjonalna i amatorska, innowacyjna i konserwatywna – we Włoszech nadal brzmi wszędzie.
Kompozytorzy klasyczni są znani na całym świecie. Każde imię geniusza muzycznego to wyjątkowa indywidualność w historii kultury.
Czym jest muzyka klasyczna
Muzyka klasyczna - urzekające melodie tworzone przez utalentowanych autorów, których słusznie nazywa się kompozytorami klasycznymi. Ich prace są wyjątkowe i zawsze będą poszukiwane przez wykonawców i słuchaczy. Z jednej strony klasyczną nazywa się zwykle muzyką surową, głęboką, niezwiązaną z kierunkami: rock, jazz, folk, pop, chanson itp. Z drugiej strony w historycznym rozwoju muzyki występuje okres koniec XIII - początek XX wieku, zwany klasycyzmem.
Motywy klasyczne wyróżniają się wysublimowaną intonacją, wyrafinowaniem, różnorodnością odcieni i harmonią. Mają pozytywny wpływ na emocjonalny światopogląd dorosłych i dzieci.
Etapy rozwoju muzyki klasycznej. Ich krótki opis i główni przedstawiciele
W historii rozwoju muzyki klasycznej można wyróżnić etapy:
- Renesans lub renesans - początek XIV - ostatnia ćwierć XVI wieku. W Hiszpanii i Anglii renesans trwał do początku XVII wieku.
- Barok – zastąpił renesans i przetrwał do początku XVIII wieku. Hiszpania była centrum stylu.
- Klasycyzm to okres rozwoju kultury europejskiej od początku XVIII do początku XIX wieku.
- Romantyzm to kierunek przeciwny do klasycyzmu. Trwało to do połowy XIX wieku.
- Klasyka XX wieku - epoka nowożytna.
Krótki opis i główni przedstawiciele epok kulturowych
1. Renesans – długi okres rozwoju wszystkich dziedzin kultury. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T.L. de Victoria komponowali i pozostawiali nieśmiertelne kreacje potomnym.
2. Barok - w tej epoce pojawiają się nowe formy muzyczne: polifonia, opera. To właśnie w tym okresie Bach, Haendel, Vivaldi stworzyli swoje słynne dzieła. Fugi Bacha budowane są zgodnie z wymogami klasycyzmu: obowiązkowym przestrzeganiem kanonów.
3. Klasycyzm. Wiedeńscy kompozytorzy klasyczni, którzy swoje nieśmiertelne dzieła tworzyli w dobie klasycyzmu: Haydn, Mozart, Beethoven. Pojawia się forma sonatowa, zwiększa się skład orkiestry. i Haydna różnią się od ciężkich dzieł Bacha nieskomplikowaną konstrukcją i elegancją melodii. To wciąż był klasyk, dążenie do perfekcji. Kompozycje Beethovena są na granicy stylu romantycznego i klasycznego. W muzyce L. van Beethovena jest więcej zmysłowości i zapału niż racjonalnej kanoniczności. Wyróżniały się tak ważne gatunki jak symfonia, sonata, suita, opera. Beethoven dał początek okresowi romantyzmu.
4. Romantyzm. Utwory muzyczne charakteryzują się kolorem i dramaturgią. Powstają różne gatunki piosenek, na przykład ballady. Uznanie zyskały kompozycje fortepianowe Liszta i Chopina. Tradycje romantyzmu odziedziczyli Czajkowski, Wagner, Schubert.
5. Klasyka XX wieku - charakteryzująca się dążeniem autorów do innowacji w melodiach, pojawiły się określenia aleatoryczny, atonalizm. Do klasycznego formatu nawiązują prace Strawińskiego, Rachmaninowa, Glassa.
rosyjscy kompozytorzy klasyczni
Czajkowski P.I. - Rosyjski kompozytor, krytyk muzyczny, osoba publiczna, pedagog, dyrygent. Jego kompozycje są najczęściej wykonywane. Są szczere, łatwo dostrzegalne, odzwierciedlają poetycką oryginalność rosyjskiej duszy, malownicze obrazy rosyjskiej natury. Kompozytor stworzył 6 baletów, 10 oper, ponad sto romansów, 6 symfonii. Światowej sławy balet „Jezioro łabędzie”, opera „Eugeniusz Oniegin”, „Album dla dzieci”.
Rachmaninow S.V. - twórczość wybitnego kompozytora jest emocjonalna i pogodna, a niektóre z nich mają dramatyczną treść. Ich gatunki są różnorodne: od małych sztuk po koncerty i opery. Powszechnie uznane dzieła autora: opery „Nędzny rycerz”, „Aleko” na podstawie wiersza Puszkina „Cyganie”, „Francesca da Rimini” na podstawie fabuły zapożyczonej z „Boskiej komedii” Dantego, wiersz „Dzwony” ; suita „Tańce symfoniczne”; koncerty fortepianowe; wokaliza na głos z towarzyszeniem fortepianu.
Borodin A.P. był kompozytorem, pedagogiem, chemikiem, lekarzem. Najważniejszym dziełem jest opera „Książę Igor” oparta na historycznym dziele „Opowieść o kampanii Igora”, pisana przez autora przez prawie 18 lat. Za życia Borodin nie zdążył jej dokończyć, po jego śmierci operę ukończyli A. Głazunow i N. Rimski-Korsakow. Wielki kompozytor jest twórcą klasycznych kwartetów i symfonii w Rosji. Symfonia „Bogatyr” uważana jest za ukoronowanie światowej i rosyjskiej narodowo-heroicznej symfonii. Za wybitne uznano instrumentalne kwartety kameralne, I i II Kwartet. Jeden z pierwszych, który wprowadził do romansów bohaterskie postacie ze starożytnej literatury rosyjskiej.
Świetni muzycy
MP Musorgski, o którym można powiedzieć, że jest wielkim kompozytorem-realistą, odważnym innowatorem, poruszającym dotkliwe problemy społeczne, znakomitym pianistą i znakomitym wokalistą. Najważniejszymi utworami muzycznymi są opery „Borys Godunow” oparte na dramatycznej twórczości A.S. Puszkin i „Chowanszczina” – dramat ludowo-muzyczny, bohaterami tych oper są zbuntowani ludzie z różnych warstw społecznych; cykl twórczy „Obrazy z wystawy”, inspirowany twórczością Hartmanna.
Glinka MI - słynny rosyjski kompozytor, twórca klasycznego kierunku w rosyjskiej kulturze muzycznej. Zakończył proces tworzenia szkoły kompozytorów rosyjskich, opartej na wartości muzyki ludowej i profesjonalnej. Dzieła mistrza przesycone są miłością do Ojczyzny, odzwierciedlając orientację ideologiczną ludzi tamtej epoki historycznej. Znany na całym świecie dramat ludowy „Iwan Susanin” i bajkowa opera „Rusłan i Ludmiła” stały się nowymi trendami w rosyjskiej operze. Utwory symfoniczne „Kamarinskaja” i „Uwertura hiszpańska” Glinki są podstawą rosyjskiej symfonii.
Rimsky-Korsakov N.A. to utalentowany rosyjski kompozytor, oficer marynarki, nauczyciel, publicysta. W jego twórczości można prześledzić dwa nurty: historyczny („Oblubienica cara”, „Pskovityanka”) i baśniowy („Sadko”, „Snow Maiden”, suita „Szeherezada”). Cechą charakterystyczną twórczości kompozytora jest oryginalność oparta na wartościach klasycznych, homofonia w konstrukcji harmonicznej wczesnych kompozycji. Jego kompozycje mają autorski styl: oryginalne rozwiązania orkiestrowe z nietypowo skonstruowanymi partyturami wokalnymi, które są głównymi.
Rosyjscy kompozytorzy klasyczni starali się odzwierciedlić w swoich utworach myślenie poznawcze i folklor charakterystyczny dla narodu.
kultura europejska
Znani klasyczni kompozytorzy Mozart, Haydn, Beethoven mieszkali w stolicy ówczesnej kultury muzycznej - Wiedniu. Genius łączy mistrzowskie wykonanie, doskonałe rozwiązania kompozytorskie, wykorzystanie różnych stylów muzycznych: od melodii ludowych po polifoniczne opracowania tematów muzycznych. Wielką klasykę cechuje wszechstronna twórcza aktywność umysłowa, kompetencja, jasność w konstruowaniu form muzycznych. W ich pracach intelekt i emocje, elementy tragiczne i komiczne, łatwość i roztropność są ze sobą organicznie powiązane.
Beethoven i Haydn skłaniali się ku kompozycjom instrumentalnym, Mozart po mistrzowsku zarządzał zarówno kompozycjami operowymi, jak i orkiestrowymi. Beethoven był niedoścignionym twórcą dzieł bohaterskich, Haydn doceniał iz powodzeniem wykorzystywał w swojej twórczości humor, typy ludowo-gatunkowe, Mozart był kompozytorem uniwersalnym.
Mozart jest twórcą instrumentalnej formy sonatowej. Beethoven udoskonalił go, wyniósł na niezrównane wyżyny. Okres ten stał się okresem rozkwitu kwartetu. Haydn, a następnie Beethoven i Mozart wnoszą znaczący wkład w rozwój tego gatunku.
włoscy mistrzowie
Giuseppe Verdi - wybitny muzyk XIX wieku, rozwinął tradycyjną włoską operę. Miał nienaganne rzemiosło. Zwieńczeniem jego twórczości kompozytorskiej stały się dzieła operowe Trovatore, Traviata, Otello, Aida.
Niccolo Paganini - urodzony w Nicei, jedna z najbardziej uzdolnionych muzycznie osobowości XVIII i XIX wieku. Był wirtuozem na skrzypcach. Komponował kaprysy, sonaty, kwartety na skrzypce, gitarę, altówkę i wiolonczelę. Pisał koncerty na skrzypce i orkiestrę.
Gioacchino Rossini - pracował w XIX wieku. Autor muzyki sakralnej i kameralnej, skomponował 39 oper. Wybitne dzieła - „Cyrulik sewilski”, „Otello”, „Kopciuszek”, „Sroka złodziejka”, „Semiramid”.
Antonio Vivaldi to jeden z największych przedstawicieli sztuki skrzypcowej XVIII wieku. Sławę zdobył dzięki swojemu najsłynniejszemu dziełu – 4 koncertom skrzypcowym „Pory roku”. Prowadził niezwykle owocne twórcze życie, skomponował 90 oper.
Znani włoscy kompozytorzy klasyczni pozostawili po sobie wieczną spuściznę muzyczną. Ich kantaty, sonaty, serenady, symfonie, opery sprawią przyjemność niejednemu pokoleniu.
Osobliwości postrzegania muzyki przez dziecko
Według psychologów dziecięcych słuchanie dobrej muzyki pozytywnie wpływa na rozwój psychoemocjonalny dziecka. Dobra muzyka wprowadza w sztukę i kształtuje gust estetyczny, jak wierzą nauczyciele.
Wiele znanych dzieł zostało stworzonych przez klasycznych kompozytorów dla dzieci, biorąc pod uwagę ich psychikę, percepcję i specyfikę wieku, czyli do słuchania, podczas gdy inni komponowali różne utwory dla małych wykonawców, które były łatwo odbierane słuchem i technicznie dostępne dla ich.
„Album dla dzieci” Czajkowskiego P.I. dla małych pianistów. Ten album jest dedykacją dla siostrzeńca, który kochał muzykę i był bardzo uzdolnionym dzieckiem. W kolekcji znajduje się ponad 20 utworów, niektóre oparte na materiale ludowym: motywy neapolitańskie, taniec rosyjski, melodie tyrolskie i francuskie. Kolekcja „Piosenki dla dzieci” Czajkowskiego P.I. przeznaczony do percepcji słuchowej widowni dziecięcej. Pieśni optymistyczne o wiośnie, ptakach, kwitnącym ogrodzie („Mój ogród”), o współczuciu dla Chrystusa i Boga („Chrystus miał ogródek”).
Klasyka dla dzieci
Dla dzieci pracowało wielu kompozytorów klasycznych, których lista utworów jest bardzo zróżnicowana.
Prokofiew S.S. „Piotruś i Wilk” to symfoniczna bajka dla dzieci. Dzięki tej bajce dzieci poznają instrumenty muzyczne orkiestry symfonicznej. Tekst opowieści napisał sam Prokofiew.
Schuman R. „Sceny dziecięce” to krótkie muzyczne opowiadania o prostej fabule, pisane dla dorosłych wykonawców, wspomnienia z dzieciństwa.
Cykl fortepianowy Debussy'ego „Kącik dla dzieci”.
Ravel M. „Mother Goose” na podstawie baśni Ch.Perraulta.
Bartok B. „Pierwsze kroki przy fortepianie”.
Rowery dla dzieci Gavrilova S. „Dla najmniejszych”; „Bohaterowie baśni”; „Dzieci o zwierzętach”.
Szostakowicz D. „Album utworów fortepianowych dla dzieci”.
Bacha I.S. Notatnik dla Anny Magdaleny Bach. Ucząc swoje dzieci muzyki, stworzył dla nich specjalne utwory i ćwiczenia rozwijające umiejętności techniczne.
Haydn J. – protoplasta symfonii klasycznej. Stworzył specjalną symfonię o nazwie „Dzieci”. Użyte instrumenty: gliniany słowik, grzechotka, kukułka - nadają mu niecodzienny dźwięk, dziecinny i prowokacyjny.
Saint-Saens K. wymyślił fantazję na orkiestrę i 2 fortepiany zatytułowaną „Karnawał zwierząt”, w której po mistrzowsku oddał gdakanie kurczaków, ryk lwa, samozadowolenie słonia i sposób jego poruszania się, wzruszająco wdzięczny łabędź za pomocą środków muzycznych.
Komponując kompozycje dla dzieci i młodzieży, wielcy klasyczni kompozytorzy zadbali o ciekawą fabułę utworu, dostępność proponowanego materiału, uwzględniając wiek wykonawcy czy słuchacza.
