1.1 Historia pojawienia się sztuki odmiany

Słowo „etap” (z warstw łacińskich) oznacza - podłogę, platformę, wzgórze, platformę.

Najdokładniejszą definicję sztuki rozmaitości jako sztuki łączącej różne gatunki podaje słownik D.N. Uszakowa: „Różnorodność to sztuka małych form, pole widowiskowych i muzycznych występów na otwartej scenie. Jej specyfika polega na łatwej adaptacji do różnych warunków publicznej demonstracji i krótkotrwałych działań, w środkach artystycznych i ekspresyjnych, sztuka, która przyczynia się do żywej identyfikacji twórczej indywidualności wykonawcy, w aktualności, ostrej społeczno-politycznej trafności poruszanych tematów, w przewadze elementów humoru, satyry, dziennikarstwa.

Encyklopedia radziecka definiuje muzykę pop jako wywodzącą się z francuskiej estrady - formę sztuki, która obejmuje małe formy sztuki dramatycznej i wokalnej, muzykę, choreografię, cyrk, pantomimę itp. Na koncertach są oddzielne gotowe numery, zjednoczone przez artystę, fabuła. Jako sztuka niezależna powstała pod koniec XIX wieku.

Jest też taka definicja sceny:

Powierzchnia sceniczna, stała lub tymczasowa, na występy koncertowe artysty.

Sztuka różnorodności ma swoje korzenie w odległej przeszłości, wywodząca się ze sztuki starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji. Choć scena ściśle współgra z innymi sztukami, takimi jak muzyka, teatr dramatyczny, choreografia, literatura, kino, cyrk, pantomima, jest to samodzielna i specyficzna forma sztuki. Podstawą pop-artu jest „Jego Królewska Mość liczba” – jak powiedział N. Smirnov-Sokolsky 1 .

Number - małe przedstawienie, jednego lub więcej artystów, z jego fabułą, punktem kulminacyjnym i rozwiązaniem. Specyfiką spektaklu jest bezpośrednia komunikacja artysty z publicznością, w imieniu własnym lub w imieniu postaci.

W średniowiecznej sztuce wędrownych artystów, teatrach farsowych w Niemczech, bufonów w Rosji, teatrze masek we Włoszech itp. już istniał bezpośredni apel artysty do publiczności, co pozwoliło kolejnemu stać się bezpośrednim uczestnikiem akcji. Krótki czas trwania spektaklu (nie więcej niż 15-20 minut) wymaga maksymalnego skupienia środków wyrazu, zwięzłości i dynamiki. Odmiany są klasyfikowane według ich cech na cztery grupy. Pierwsza grupa gatunkowa powinna zawierać liczby potoczne (lub mowy). Potem przychodzą numery muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne”.

Sztuka komediowa została zbudowana na otwartym kontakcie z publicznością. del- arte (maska) XVI-PPXVII wiek.

Przedstawienia były zazwyczaj improwizowane na podstawie typowych scen fabularnych. Dźwięki muzyczne jako przerywniki (wstawki): pieśni, tańce, numery instrumentalne lub wokalne - były bezpośrednim źródłem numeru pop.

W XVIII wieku istnieją opera komiczna oraz wodewil. Wodewil był fascynującym przedstawieniem z muzyką i żartami. Ich główni bohaterowie - zwykli ludzie - zawsze pokonywali głupich i okrutnych arystokratów.

A w połowie XIX wieku narodził się gatunek operetka(dosłownie mała opera): rodzaj sztuki teatralnej, który łączy muzykę wokalną i instrumentalną, taniec, balet, elementy pop-artu, dialogi. Jako niezależny gatunek operetka pojawiła się we Francji w 1850 roku. „Ojcem” operetki francuskiej iw ogóle operetki był Jacques Offenbach (1819-1880). Później gatunek rozwija się we włoskiej „komedii masek”.

Różnorodność jest ściśle związana z życiem codziennym, z folklorem, z tradycjami. Ponadto są przemyślane, unowocześnione, „estradyzowane”. Rozrywką rozrywką są różne formy popowej kreatywności.

To nie przypadek. W Anglii puby (publiczne instytucje publiczne) powstały w XVIII wieku, stały się prototypem sal muzycznych (music hall). Puby stały się miejscem rozrywki dla szerokiej, demokratycznej części społeczeństwa. W przeciwieństwie do arystokratycznych salonów, gdzie grano głównie muzykę klasyczną, w pubach śpiewano pieśni, tańce, występowano komików, mimów, akrobatów, w pubach pokazywano sceny z popularnych przedstawień składających się z imitacji i parodii, przy akompaniamencie fortepianu. Nieco później, w pierwszej połowie XIX wieku, rozpowszechniły się koncerty kawiarniane, pierwotnie reprezentujące kawiarnie literackie i artystyczne, w których występowali ze swoimi improwizacjami poeci, muzycy i aktorzy. W różnych modyfikacjach rozprzestrzeniły się w całej Europie i stały się znane jako kabaret (cukinia). Rozrywka nie wyklucza czynnika duchowości, pozycja obywatelska jest szczególnie ważna dla różnorodnego artysty.

Łatwość dostosowania sztuki różnorodnej do odbiorców kryje w sobie niebezpieczeństwo flirtu z publicznością, ustępstwa na rzecz złego gustu. Aby nie wpaść w otchłań wulgarności i wulgarności, artysta potrzebuje prawdziwego talentu, smaku i polotu. Z poszczególnych numerów pop reżyser ułożył program, który był również silnym środkiem wyrazu. Swobodne połączenie montażowe małych form, odseparowanych od różnego rodzaju twórczości artystycznej i uzdrawianych samodzielnie, co doprowadziło do narodzin sztuki kolorowej pokaz odmiany. Sztuka rewizji jest ściśle związana z teatrem, cyrkiem, ale w przeciwieństwie do teatru nie potrzebuje zorganizowanej akcji dramatycznej. Umowność fabuły, brak rozwinięcia akcji (główny dramat) są również charakterystyczne dla dużego spektaklu. rewia(od fr. - recenzja). Poszczególne części przeglądu łączy wspólna idea performatywna i społeczna. Jako gatunek dramatu muzycznego rewia łączy w sobie elementy kabaretu, baletu i widowiska wariacyjnego. W spektaklu rewiowym dominuje muzyka, śpiew i taniec. Pokaz odmian ma swoje własne modyfikacje:

- pokaz odmian z poszczególnych numerów

- pokaz odmian

- kabaret taneczny

- rewia

W XX wieku rewia zamieniła się we wspaniałe widowisko rozrywkowe. W Stanach Zjednoczonych istniały odmiany rewii, zwane pokazać.

Scena muzyczna obejmowała różne gatunki muzyki rozrywkowej: pieśni, fragmenty operetek, musicale, pokazy wariacji w różnorodnych opracowaniach utworów instrumentalnych. W XX wieku scenę wzbogacił jazz i muzyka popularna.

Pop art przeszedł więc długą drogę i dziś możemy obserwować ten gatunek w innej formie i wykonaniu, co sugeruje, że jego rozwój nie stoi w miejscu.

Amatorska twórczość muzyczna autora to tworzenie i wykonywanie utworów muzycznych przez autora na zasadach amatorskich. Zgodnie z tradycją, jaka rozwinęła się w naszym kraju, AMST najczęściej rozumiane jest jako komponowanie przede wszystkim piosenek (tj....

Charakterystyka akustyczna ukulele

Rycina 1 Ukulele to miniaturowe czterostrunowe ukulele, które pojawiło się pod koniec XIX wieku na wyspach archipelagu hawajskiego, położonego w północnej części Oceanu Spokojnego. Jej twórcami są portugalscy imigranci...

Problem wartości artystycznej muzyki

Muzyka... Co to jest? Jaka jest jej siła? Ludzie myśleli o tym od bardzo dawna. „Wszystkie dźwięki muzyczne pochodzą z ludzkiego serca; muzyka związana jest z relacją człowieka do człowieka. ... Dlatego musisz zrozumieć głosy ...

Niezwykle szybkie zmiany warunków współczesnego życia wymagają od ludzi dokonywania odpowiednich ocen i szybkich decyzji, aby skuteczniej realizować swój potencjał...

Proces kształtowania zdolności muzycznych i twórczych członków amatorskich grup odmianowych

Wiek młodości od 17 do 20 lat zajmuje ważną fazę w ogólnym procesie stawania się osobą jako osobą, kiedy w procesie budowania nowego charakteru, struktury i kompozycji aktywności nastolatka kładzione są podwaliny świadomego zachowania. ...

Rozwój gustu muzycznego dzieci w wieku szkolnym na lekcjach muzyki

Bardzo poważnie na rozwój gustów muzycznych uczniów wpływają różne dziedziny muzyki współczesnej. To jest rock - muzyka, techno, pop, rap i inne kierunki. Jedno z pierwszych pytań, które ludzie zadają podczas spotkania...

Problem opery narodowej jest centralny dla całej twórczości Webera. 3 jego najlepsze opery – „Free Gunner”, „Evryant”, „Oberon” pokazały drogi i różne kierunki...

Muzyka pop jako sposób kształtowania gustu muzycznego młodzieży

Estrada to rodzaj sztuki teatralnej, która zakłada zarówno odrębny gatunek, jak i syntezę gatunków. Obejmował śpiew, taniec, oryginalne występy, sztuki cyrkowe, iluzje...

Słowo "etap" ( z łaciny warstwa) oznacza - podłoga, platforma, wzgórze, platforma.

Najdokładniejsza definicja sztuki odmianowej jako sztuki łączącej różne gatunki znajduje się w słowniku D.N. Ushakova: „ Etap- to sztuka małych form, obszar widowiskowych i muzycznych występów na otwartej scenie. Jej specyfika polega na łatwej adaptacji do różnych warunków manifestacji publicznej i krótkim czasie trwania akcji, w środkach artystycznych i ekspresyjnych, sztuce, która przyczynia się do żywej identyfikacji indywidualności twórczej wykonawcy, w aktualności, ostrej aktualności społeczno-politycznej poruszane tematy, z przewagą elementów humoru, satyry, publicystyki” .

Radziecka encyklopedia definiuje muzykę pop jako wywodzącą się z języka francuskiego estrada- forma sztuki, która obejmuje małe formy sztuki dramatycznej i wokalnej, muzykę, choreografię, cyrk, pantomimę itp. Na koncertach - oddzielne gotowe numery, zjednoczone przez artystę, fabułę. Jako sztuka niezależna powstała pod koniec XIX wieku.

Jest też taka definicja sceny:

Powierzchnia sceniczna, stała lub tymczasowa, na występy koncertowe artysty.

Numer- małe przedstawienie jednego lub kilku artystów, z własną fabułą, kulminacją i rozwiązaniem. Specyfiką spektaklu jest bezpośrednia komunikacja artysty z publicznością, w imieniu własnym lub w imieniu postaci.

Sztuka komediowa została zbudowana na otwartym kontakcie z publicznością. del arte (maska) XVI-PPXVII wiek.

A w połowie XIX wieku narodził się gatunek operetka(dosłownie mała opera): rodzaj sztuki teatralnej, który łączy muzykę wokalną i instrumentalną, taniec, balet, elementy pop-artu, dialogi. Jako niezależny gatunek operetka pojawiła się we Francji w 1850 roku. „Ojcem” francuskiej operetki i operetki w ogóle był Jacques Offenbach(1819-1880). Później gatunek rozwija się we włoskiej „komedii masek”.

To nie przypadek. W Anglii puby(publiczne instytucje publiczne) powstały w XVIII wieku, stały się prototypami sal muzycznych (sala muzyczna). Puby stały się miejscem rozrywki dla szerokiej, demokratycznej części społeczeństwa. W przeciwieństwie do arystokratycznych salonów, gdzie grano głównie muzykę klasyczną, w pubach śpiewano pieśni, tańce, występowano komików, mimów, akrobatów, w pubach pokazywano sceny z popularnych przedstawień składających się z imitacji i parodii, przy akompaniamencie fortepianu. Nieco później, w pierwszej połowie XIX wieku, koncerty kawiarniane, które pierwotnie były kawiarniami literackimi i artystycznymi, gdzie poeci, muzycy i aktorzy występowali ze swoimi improwizacjami. W różnych modyfikacjach rozprzestrzeniły się w całej Europie i stały się znane jako kabaret(cukinia). Rozrywka nie wyklucza czynnika duchowości, pozycja obywatelska jest szczególnie ważna dla różnorodnego artysty.

- pokaz odmian z poszczególnych numerów

- pokaz odmian

- kabaret taneczny

- rewia

W XX wieku rewia zamieniła się we wspaniałe widowisko rozrywkowe. W Stanach Zjednoczonych istniały odmiany rewii, zwane pokazać.

Pop art przeszedł więc długą drogę i dziś możemy obserwować ten gatunek w innej formie i wykonaniu, co sugeruje, że jego rozwój nie stoi w miejscu.

Temat 6. Panorama głównych kierunków w dziedzinie sceny światowej

Motyw 7 Muzyka pop lat 90. i początku XXI wieku

Lekcja kontroli

DZIAŁ III. kultura rockowa
Temat 1. Muzyka rockowa jako fenomen kultury muzycznej XX wieku.

Temat 2. Amerykańska muzyka rockowa w latach pięćdziesiątych.

Temat 4. Przegląd kierunków muzyki rockowej lat 70-80.

Temat 5. Przegląd trendów w muzyce rockowej lat 90-tych.

Temat 6. Przegląd kierunków muzyki rockowej XXI wieku.

Temat 7. Muzyka rockowa w ZSRR

Temat 8. Panorama głównych kierunków współczesnej rodzimej skały

Sekcja IV Gatunki masowe teatru muzycznego

Temat

Temat 4. Musical rockowy

Temat 5. Opera rockowa

Sprawozdania studenckie

Zróżnicowany offset

CAŁKOWITY:

3. WARUNKI REALIZACJI PROGRAMU DYSCYPLINY

3.1. Minimalne wymagania logistyczne

Placówka edukacyjna realizująca program kształcenia specjalistów średniego szczebla w specjalności średnie kształcenie zawodowe musi dysponować bazą materialno-techniczną zapewniającą prowadzenie wszystkich rodzajów zajęć praktycznych, szkoleń dyscyplinarnych, interdyscyplinarnych i modułowych, praktyk edukacyjnych przewidzianych przez program nauczania instytucji edukacyjnej. Realizacja programu dyscypliny wymaga obecności sali do zajęć grupowych.

Wyposażenie sali: stoły, krzesła (w zależności od liczby uczniów), tablica demonstracyjna, sprzęt wideo i audio (TV, odtwarzacz DVD, odtwarzacz winyli i CD, projektor, laptop, pianino)

Pomoce dydaktyczne: telewizor, odtwarzacz DVD, odtwarzacz płyt winylowych i CD, projektor, laptop (dostęp do internetu)

3.2. Wsparcie informacyjne szkoleń
Bibliografia

Konen V. Narodziny Jazzu.-M., 1984.
Menshikov V. Encyklopedia muzyki rockowej. – Taszkent, 1992.
Sargent W. Jazz.-M., 1987.
Feofanov O. Muzyka rockowa wczoraj i dziś.-M., 1978.
Schneerson G. Amerykańska piosenka.-M., 1977.
Facet z Erismana. Pieśń francuska.-M., 1974.

Temat 1. Jazz jako fenomen sztuki muzycznej

Definicja jazzu. Mieszany charakter kultury jazzowej. Historyczne, społeczne i artystyczne przesłanki narodzin jazzu. Periodyzacja historii jazzu.

Otwartość komunikacyjna kultury jazzowej. Interakcja z muzyką akademicką („Trzeci nurt”), z folklorem narodów świata („Czwarty nurt”).

Wykorzystanie środków wyrazowych i technik jazzowych przez kompozytorów akademickich.

Temat 2. Początki jazzu

Mieszany charakter początków muzyki jazzowej.

Korzenie murzyńskie (muzyka improwizowana, specjalna organizacja rytmiczna - swing, specyficzne techniki wokalne - labile - intonacja. Tony brudne, krzyk, pomruk, ryk).

Europejskie tradycje w jazzie (tradycja muzykowania koncertowego, wykonawstwa kompozycji, harmonia tonalna, organizacja metrorytmiczna, prostopadłość struktur kompozytorskich)

Amerykańska kultura domowa. Teatr Minstrela.

Temat 3. Gatunki folkloru Afroamerykanów

Wspólne cechy gatunkowe to zasada responsora, intonacja labilna, rola zasady rytmicznej.

Gatunki duchowe - spirituals, gospel, ring-shout, jubileusz.

Pieśni pracy - pieśń robocza: ulica, pole, plantacja.

Temat 4 Blues: etapy rozwoju gatunku

Blues archaiczny („wiejski”) to gatunek folklorystyczny o charakterze improwizacyjnym.

Blues klasyczny - cechy gatunkowe (treść figuratywna, forma bluesowa, harmonia bluesowa, intonacja bluesowa, obszar niebieski, harmonia blues square). Wykonawcy bluesa - B. Smith, I. Cox, A. Hunter i inni.

Blues we współczesnym jazzie. Instrumentalny blues; rozwój gatunku w różnych stylach nowoczesnego jazzu.

Temat 5. Ragtime

Początki gatunku; szmaciana muzyka, spacer po torcie.

Cechy gatunkowe: „melodia synkopowana na tle metronomicznie dokładnej części ósemek w akompaniamencie”, zasada organizacji formy „suite”. Cechy techniki wykonawczej.

Kompozytorzy ragtime: Scott Joplin, Thomas Tarpen, James Scott i inni.

Rozwój ragtime - gatunki Advanced, Novetly.

Opera ragtime. Trimonisha (S. Joplin)

Temat 6. Style wczesnego jazzu

Migracja Afroamerykanów ze wsi do miast i powstanie pierwszych ośrodków jazzowych (Nowy Orlean, Chicago, Kansas City, Nowy Jork).

Styl nowoorleański. Zespół marszowy, ich rola w tworzeniu pierwszych zespołów jazzowych. Skład instrumentalny orkiestr jazzowych, funkcje instrumentów.

Praca D.R. Mortona, S. Becheta, L. Armstronga.

Rozprzestrzenianie się jazzu na Wschodnim Wybrzeżu i Środkowym Zachodzie (Kansas City, Memphis itp.)

Styl chicagowski. Dixieland i jego rola w rozwoju jazzu. Działalność „Original Dixieland Jazz Band” (lider Jack Lane). Styl domu beczkowego. Gatunek boogie-woogie.

Temat 7. 1920-1930. Powstanie jazzu. Epoka swingu

Lata dwudzieste to „epoka jazzu” (F. S. Fitzgerald). Przeniesienie centrum rozwoju jazzu do Nowego Jorku.

Symfo-jazz jako przykład zbieżności jazzu z tradycjami muzyki akademickiej. Kreatywność J. Gershwin. Porgy and Bess to pierwsza opera oparta na murzyńskim folklorze.

Słodka muzyka to kierunek tanecznego jazzu. Twórczość J. Kerna, K. Portera i innych.

Lata 30. to era swingu. Poszerzenie sfery istnienia jazzu (sale taneczne, restauracje, hotele; oprawa muzyczna spektakli, musicali, filmów). Taneczna i rozrywkowa funkcja muzyki jazzowej w wyniku jej komercjalizacji.

Dominująca pozycja big bandów. Zasady grupowania przekrojowego narzędzi. Funkcje aranżera i improwizatora. „Znormalizowany” język muzyczny.

„Nominalne” big bandy (F. Henderson, K. Basie, D. Ellington, B. Goodman, G. Miller, V. Herman itp.)

Temat 8. Początek ery współczesnego jazzu. Lata 40. Styl Bebopu.

Społeczno-polityczne przyczyny powstania bebopu - pierwszego stylu nowoczesnego jazzu. Reorientacja jazzu z pola kultury masowej do statusu sztuki elitarnej.

Orientacja na kameralistykę, w wyniku której tworzenie małych zespołów wykonawczych jest kombinacją. Wzmocnienie roli improwizacji.

Komplikacja systemu muzycznych środków wyrazu jazzu przez „zapożyczenie” zdobyczy współczesnej muzyki akademickiej. Odrodzenie tradycji labilnej intonacji folkloru i ich manifestacja na polu harmonicznym jazzu.

Oprawy Bebop - D. Gillespie, C. Parker, T. Monk.

Temat 9. Lata 50. XX wieku. Fajny styl i inne trendy

Cool (cool) - jako reakcja na bebop typu hot-stile. Rozwój tendencji lat 40. - skłonność do kameralistyki, odnowa języka muzycznego, wzmocnienie początku improwizacji. Intelektualizacja jazzu, zbliżając go do muzyki tradycji akademickiej.

Przedstawicielami fajnego stylu są D. Brubeck, P. Desmond, B. Evans. „Nowoczesny kwartet jazzowy”.

Styl progresywny to styl koncertowego jazzu oparty na tradycjach swingowego big bandu. Liderzy orkiestry S. Kenton, V. Herman, B. Raeburn i inni.

Temat 10. Lata 60. awangardowe style jazzu

Free jazz to pierwszy awangardowy styl jazzu. Społeczne przesłanki powstania stylu. Skłonność do posługiwania się nowoczesnymi, złożonymi środkami języka muzycznego ze swobodnym podejściem do kształtowania, tematyką, „siatką” harmoniczną, równomierną pulsacją metryczną.

Jazz "modalny", jako rodzaj free jazzu. Główną oprawą stylu jest improwizacja w wybranej skali.

Przedstawiciele free jazzu - O. Cowelman, J. Coltrane, C. Mingus, A. Shepp i inni.

Temat 11. Style jazzowe lat 1960-1970

Interakcja jazzu z różnymi kulturami muzycznymi w celu znalezienia źródeł wzbogacenia języka jazzowego.

Style etno. Afrocuba i bossa nova - muzyka jazzowa w stylu latynoamerykańskim. Cechy charakterystyczne - rytm taneczno-gatunkowy, rozbudowa grupy perkusyjnej poprzez użycie różnych egzotycznych instrumentów.

Jazz-rock to kierunek oparty na syntezie jazzu ze stylem rockowym. Wzbogacenie brzmienia jazzu poprzez przyciągnięcie specyficznych elektrycznych instrumentów muzycznych. Jazz-rock w muzyce M. Davisa, C. Corei i innych.

„Trzeci nurt” – kierunek łączący akademickie tradycje muzyczne („Pierwszy nurt”) z jazzem („Drugi nurt”). Postawienie na pisanie kompozycji orkiestrowych w dużych formach, zepchnięcie improwizacji na dalszy plan. Przedstawiciele „trzeciego prądu” – G. Schuller, „Swingle Singers”.

„Czwarty nurt” lub „muzyka świata” to nowa fala etno-jazzu od lat 70. XX wieku. Opiera się na oryginalnym narodowym folklorze światowym. Twórczość Johna McLaughlina, Jana Garbarka, Johna Zorna, San Ra.

Temat 18. Jazz w Rosji Sowieckiej

Lata 20. w Rosji – „boom jazzowy”. Wycieczki po ZSRR zagranicznych zespołów jazzowych i solistów jazzowych. Pierwsze zespoły jazzowe: Eccentric Jazz Band V. Parnakha (1922), Orkiestra A. Cfasmana (1926), Tea Jazz L. Utyosov-Ya. Skomorowski (1929). Popularyzacja jazzu za pomocą kina („Merry Fellows” G. Aleksandrowa, z orkiestrą L. Utesowa). Utworzenie Państwowego Jazzu ZSRR (pod kierunkiem M. Blantera i V. Knushevitsky'ego) oraz Jazz Orchestra All-Union Radio (pod kierunkiem A. Varlamova, później - A. Tsfasmana)

Różnorodność i orientacja rozrywkowa muzyki jazzowej w latach 30.-40. zbliżenie z sowiecką pieśnią masową. „Piosenka jazzowa” Działalność orkiestr pod kierunkiem O. Lundstrema, E. Rosnera. Twórczość kompozytorów I. Dunajewskiego, N. Bogosłowskiego i innych.

Lata 40. i 50. to czas ostrej krytyki i zakazu jazzu jako odzwierciedlenie ideologii państwa i życia polityki zagranicznej ZSRR. Undergroundowy jazz. Kreatywność Yu Saulsky.

1950-1960 - "Odwilż Chruszczowa" - czas tworzenia klubów jazzowych, organizacji festiwali jazzowych. Wycieczki zagranicznych jazzmanów. Udział muzyków radzieckich w zagranicznych festiwalach jazzowych.

Stopniowa legalizacja jazzu w latach 80-tych. Pojawienie się pierwszego niezależnego klubu jazzowego w Leningradzie (1986), publikacje o jazzie w czasopiśmie „Życie muzyczne”, premiera filmu „Jesteśmy z jazzu” (reż. K. Szachnazarowa) z udziałem orkiestry pod dyrekcją przez A. Krolla (1983).

Temat 19. Jazz w postsowieckiej Rosji

Krajowi jazzmani, którzy awansowali w latach 1960-1980: A. Kuzniecow, A. Kozłow, G. Holstein, I. Bril, L. Chizhik, D. Kramer, V. Ganelin, V. Czekasin, A. Kondakov i inni. Wokaliści - L. Dolina, I. Otieva, V. Ponomareva.

Różnorodność stylów w działalności rosyjskich zespołów i solistów lat 80.: style retro (Leningrad Dixieland), bebop (D. Goloshchekin), cool jazz (G. Lukyanov i jego zespół Kadans), free jazz (V. Gaivoronsky , V Wołkowa).

Pojawienie się nowych postaci w rosyjskim jazzie w latach 90. - A. Rostotsky, A. Shilkloper, V. Tolkachev, N. Kondakov, A. Podymkin i inni.

Sekcja 2

Temat 1. Gatunek popularnej piosenki jako składnik muzyki pop

Piosenka, jako jeden z najbardziej rozpowszechnionych gatunków pop. Początki popularnej piosenki. Chronologia rozwoju gatunku: starożytność (synteza poezji i muzyki), średniowiecze (pieśni trubadurów, truwerów, minnesingerów, minstreli itp.), renesans (pieśni z towarzyszeniem instrumentalnym w sztuce profesjonalnej i muzykowaniu codziennym), druga połowa XVIII-XX wieku. - odgałęzienie gatunku pieśni romansu, XIX wiek. podział gatunku piosenki na dwa kierunki – pop (zorientowany na masowego słuchacza) i „poważny” (pole działalności kompozytorów akademickich).

Specyfiką gatunku są komunikatywność, demokracja, cechy tekstu („poezja pieśni”). Różnorodność gatunków piosenek:

Według form istnienia (dziecięce, studenckie, żołnierskie, miejskie itp.)

według wytycznych gatunkowych (hymn, lament, hymn itp.)

Centralna pozycja gatunku pieśni w kulturze muzyki pop

Temat 2. Francuskie chanson

Początki chanson tkwią w pieśniach ludowych, w twórczości trubadurów i truwerów. W XV-XVI wieku. chanson to polifoniczna piosenka, która podsumowała narodowe tradycje pieśni w muzyce francuskiej.

XVII wiek - wykonanie pieśni miejskich przez profesjonalnych muzyków - Gros Guillaume, Jean Solomon itp.) Różnorodność tematów.

XVIII wiek - działalność "teatrów chansonnier". Wykonawcy Chanson - Jean Joseph Vade, Pierre-Jean-Gara i inni.

XIX wiek - dzieło chansonniera. Różnorodność masek artystycznych - "facet country" (Chevalier), "dandy" (Frant) itp. Nacisk w stylu wykonawczym kładziony jest nie tyle na sztukę wokalną, co na artyzm.

XX wiek to chanson w twórczości Jacquesa Brela, Gilberta Beco, Charlesa Aznavoura, Edith Piaf, Yves Montana. Tradycje chanson w twórczości Joe Dassina i Mireille Mathieu.

Temat 3. Sowiecka pieśń masowa

Rola gatunku pieśni w sowieckiej sztuce muzycznej lat 1920-1930.

Pieśń masowa jako przykład porządku społecznego; środki masowej propagandy. Demokracja gatunku, masowa dystrybucja. Kino jako środek umasowienia gatunku. „Piosenki filmowe” I. Dunajewskiego.

Znaczenie pieśni masowej w okresie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej i okresie powojennym.

1950-1060. Wzmocnienie wpływu gatunku pieśni na pole gatunków akademickich (song opera) i muzyki masowej (song jazz).

Praca sowieckich autorów piosenek - M. Blantera, S. Tulikova, V. Solovyov-Sedoy, Ya. Frenkela, A. Pakhmutova i innych.

Temat 4. Gatunek piosenki pop: etapy rozwoju na scenie narodowej

Pojawienie się gatunku na przełomie XIX i XX wieku. Pierwszymi gatunkami muzyki pop w Rosji były kuplety, „okrutny” i cygański romans. Popularni śpiewacy pierwszej połowy XX wieku - I. Yuryeva, A. Vyaltseva, P. Leshchenko i inni.

Rozwój piosenek pop w Rosji Sowieckiej - w twórczości L. Utesova, M. Bernesa, M. Kristallinskaya, E. Piekha i innych wykonawców. Kreatywność VIA („Earthlings”, „Electroclub”, „Merry Fellows”). Grupy skupione na stylu retro ("Bravo", "Doktor Watson"), na folklorystycznej specyfice republik związkowych ("Yalla", "Pesnyary", "Mziuri").

Współcześni wykonawcy piosenek popowych - A. Pugaczowa, S. Rotaru, L. Vaikule, F. Kirkorov, V. Leontiev i inni. Definiująca oprawa na nowoczesnej scenie pokazu, wizualna jasność i popisowość, dewaluacja umiejętności wokalnych (śpiewanie do ścieżki dźwiękowej).

Piosenka autorska jako alternatywa dla pop-artu. Wykonanie kameralne, maksymalna bliskość do słuchacza. Wykonawcami piosenki autorskiej są Alexander Galich, Yuri Vizbor, Novella Matveeva, Sergey i Tatiana Nikitin, Alexander Dolsky, Yuli Kim i inni.

Twórczość Bulata Okudżawy. „Temat Moskwy”; piosenki-wspomnienia, piosenki-stylizacje.

Oryginalność twórczości pieśni Włodzimierza Wysockiego; ekstremalna emocjonalność, żywa charakterystyka postaci, satyra. „Cykliczność” pieśni – militarnej, historycznej, codziennej i innych.

Temat 6. Panorama głównych kierunków w dziedzinie rodzimej sceny współczesnej

Gatunek piosenki, jako dominujący na współczesnej scenie. Główna orientacja autorów piosenek na hit; stereotypowy, uproszczony język muzyczny. Zmiany w specyfice gatunkowej piosenki autorskiej pod wpływem muzyki pop (A. Rosenbaum, O. Mityaev), „Rosyjski chanson” (M. Shufutinsky, A. Novikov). Współczesna piosenka popowa jako tło codziennego życia.

Alternatywnym sposobem rozwoju piosenki popowej jest „teatr piosenki” E. Kamburowej w syntezie z folk-rockiem (I. Zhelannaya).

Sekcja 3

Temat 1. Rock jako fenomen kultury muzycznej XX wieku

Kultura skalna jako zjawisko społeczno-kulturowe; forma współczesnego folkloru miejskiego dająca możliwość wyrażenia siebie. Specyficznym środkiem muzyki rockowej jest poleganie na wzorcach (country, blues, muzyka komercyjna), ale jednocześnie treść jest problematyczna, dążąc do głębi tematów i obrazów.

Instrumenty elektroniczne jako definiujące specyficzne brzmienie rocka.

Temat 2. Amerykańska muzyka rockowa lat 50.

Eksplozja rock and rolla w USA w latach 50. XX wieku. Geneza - rhythm and blues, country, western.

Wykonawcy rock and rolla - B. Haley, J. Lewis, E. Presley. Specyfiką stylu jest kompozycja barwy (trzy gitary elektryczne i perkusja), orientacja taneczna.

Temat 3. Brytyjski rytm lat 60.

Pokonaj muzykę jako jedną z form tańca młodzieżowego i muzyki rozrywkowej lat 60. Charakterystyka muzyczna muzyki rytmicznej.

Odmiany muzyki beatowej (hard beat, soft beat, mainstream beat i inne). Dystrybucja w USA i Europie.

Kreatywność Beatlesów. Kształtowanie oryginalnego stylu wykonawczego. Twórcze trendy, które wyznaczyły główne kierunki rozwoju rocka.

Temat 4. Przegląd kierunków muzyki rockowej w latach 70. - 80. XX wieku

Koniec lat 1960-1970 to dojrzały okres w rozwoju muzyki rockowej. „Rozgałęzienie” prądów twórczych.

Rock psychodeliczny jako odzwierciedlenie ideologii hippisowskiej. Medytacyjność kompozycji, komplikacja języka muzycznego. Kreatywność grupy Pink Floyd.

Rock progresywny jest tematem protestów przeciwko polityce rządu, rasizmowi, wojnie, bezrobociu. Album Pink Floyd

"Ściana".

Art rock to kierunek charakteryzujący się skomplikowaniem języka muzycznego ze względu na zbliżenie z tradycjami muzyki akademickiej i jazzu. Twórczość grup „Emerson, Lake & Palmer”, „King Crimson”.

„Hard rock” – wzmocnienie elektronicznego brzmienia, sztywność rytmu, ciężkość brzmienia. Grupy twórcze „Uriah Heep” „Czarny szabat”.

Glam rock to kierunek rocka związany z wzmożoną rozrywką, teatralizacją występów koncertowych. Przedstawiciele glam rocka - Freddie Mercury, Frank Zappa.

Temat 5. Muzyka rockowa w ZSRR

Koniec lat 60. to czas przenikania zachodniej muzyki rockowej do ZSRR. Postrzeganie rocka jako formy protestu przeciwko oficjalnej ideologii ustroju państwowego.

„Zalegalizowany” rock w wykonaniu filharmonii VIA („Merry Fellows”, „Singing Guitars”, „Pesnyary”); tematy liryczne, taneczne i rozrywkowe ukierunkowanie piosenek.

Opozycją wobec „filharmonicznego rocka” jest grupa „Time Machine”.

Kierunek folkloru w kulturze rockowej - „Pesnyary”, „Syabry”, „Yalla”.

VIA i teatr muzyczny. „Śpiewające gitary” – „Orfeusz i Eurydyka” (muzyka A. Zhurbina), „Ariel” – „Legenda Emeliana Pugaczowa” (muzyka V. Yarushina), „Araks” – „Gwiazda i śmierć Joaquina Muriety” (muzyka A. Rybnikov ), "Rock Studio" - "Juno i Avos" (muzyka A. Rybnikov).

Rock underground - kluby w Leningradzie (grupy „Akwarium”, „Alisa”, „Kino”), Moskwa („Sounds of Mu”, „Brigada S”), Ufa „DDT” i inne miasta. Swierdłowsk jest jednym z centrów rosyjskiego rocka (grupy Urfin Juice, Nautilus Pompilius, Chaif, Agatha Christie, Sansara, Sahara, halucynacje semantyczne i inne).

Temat 6. Panorama głównych kierunków współczesnego rocka.

Rozgałęzione kierunki współczesnego rocka. Wpływ na rozwój kultury rockowej techniki komputerowej. Standaryzacja języka muzycznego, zniwelowanie zasady autorskiej, przewaga form studyjnych nad koncertowymi.

Nowoczesne kierunki techno:

Hip-hop to kierunek łączący murale – graffiti, taneczny break dance, kierunek muzyczny – rap.

House to trend oparty na połączeniu muzyki techno i disco. Opiera się na mieszance wytłaczanych basów perkusyjnych (disco) i „ciężkiego” brzmienia elektronicznego (bas, bity, różne efekty dźwiękowe itp.)

Rave to kierunek, który ogólnie reprezentuje styl życia. Impreza rave to ogromna dyskoteka klubowa. Rave to rodzaj muzyki techno, charakteryzującej się przewagą rytmu nad melodią, maksymalną głośnością.

Sekcja 4

Temat 1. Musical: historia powstania, etapy rozwoju gatunku

Musical jest jednym z czołowych masowych gatunków teatru muzycznego. Początki gatunku to teatr minstreli, rewie, wodewil, sala muzyczna, sceny muzyczne. Różnorodność gatunków środków wyrazu stosowanych w musicalu (operetka, wodewil, współczesna kultura pop i rock, choreografia). Rola sztuki jazzowej w kształtowaniu specyfiki gatunkowej musicalu.

Etapy rozwoju gatunku (1920-1930, 1930-1960, 1970-1980, muzyka współczesna).

Kształtowanie się gatunku w latach 20. XX wieku jako odzwierciedlenie zwiększonego zapotrzebowania publiczności na kulturę rozrywkową. Cechami sztuki masowej w musicalu są szkicowość fabuły, spektakl, „szablon” języka, uproszczenie słownictwa.

Cechy dramaturgii klasycznego musicalu na przykładzie dzieł J. Gershwina („Pani, proszę”), J. Kerna („Doskonały Eddie”), K. Portera „Pocałuj mnie, Kat”), I. Blakey i inni.

Temat 3. Powstanie gatunku muzycznego (1940-1960)

Nowe funkcje gatunku

Rozszerzenie tematu; "opanowanie" fabuły klasycznych dzieł literackich - K. Porter "Kiss Me, Kate" (na podstawie "Poskromienia złośnicy" W. Shakespeare'a, F. Lowe "My Fair Lady" (na podstawie "Pigmalion B. Shaw" "), L. Bernstein "West Side Story" (na podstawie "Romea i Julii" W. Szekspira) itp.

Wzmocnienie roli tańca. Zaangażowanie w produkcję znanych choreografów: B. Fossa w Chicago i Kabarecie, J. Robbinsa i P. Gennaro w West Side Story

Musicale filmowe - przeniesienie musicalu teatralnego do kina, a także stworzenie musicalu na podstawie filmu (Oliver!, My Fair Lady, Człowiek z La Manchy)

Temat 4. Rock opera

1960-1070 - pojawienie się rock opera. Tradycja łączenia w album kompozycji opartych na jednej fabule („The Wall” Pink Floyd).

Wczesne opery rockowe – „Hair” G. McDermota, „Salvation” T. Lin itp.

Specyfika Rock Opera na przykładzie „Jesus Christ Superstar” E.L. Webbera. Inne rockowe opery kompozytora to Evita, Cats, Phantom of the Opera.

Temat 5. Musicale rockowe

Musicale rockowe w Rosji – „Orfeusz i Eurydyka” A. Żurbina, „Gwiazda i śmierć Joaquina Muriety”, „Juno i Avos” A. Rybnikowa, „Giordano” L. Quinta i innych.

Współczesny jazz i muzyka pop ciągle się rozwija. Obejmuje zarówno ugruntowane gatunki i formy muzyczne, jak i nowe trendy stylistyczne. Dlatego określony kurs jest stale uzupełniany i aktualizowany zgodnie z materiałem. Program podzielony jest na kilka sekcji. Pierwsza część poświęcona jest rozwojowi muzyki jazzowej. Studenci powinni zapoznać się z głównymi etapami rozwoju muzyki jazzowej, zrozumieć ogólne wzorce rozwoju jej stylów, zapoznać się z najlepszymi przykładami zagranicznej i krajowej klasyki jazzowej, a także z twórczością kompozytorów , aranżerów i wybitnych wykonawców jazzowych. Druga część programu poświęcona jest przeglądowi głównych kierunków twórczości piosenki pop. W trzeciej części prześledzimy rozwój muzyki rockowej oraz czwartej i ostatniej rockowej opery i musicalu.

Celem kursu „Historia stylów muzycznych” w średniej szkole zawodowej jest poszerzenie horyzontów artystycznych uczniów, a także rozwijanie ich umiejętności poruszania się w różnych stylach muzycznych i kierunkach w ich praktyce artystycznej. Dlatego głównym wymogiem samodzielnej pracy ucznia jest przestudiowanie zalecanej literatury i wysłuchanie materiału audio na lekcję.

Przedmiot ten uzupełnia cykl dyscyplin specjalnych i teoretycznych. Studiowanie kursuHistoria muzycznych stylów scenicznych” zakłada interdyscyplinarne powiązania z takimi dyscyplinami jak literatura muzyczna, specjalność, zespół, orkiestra.

Opanowanie przedmiotu przyczynia się do rozwoju twórczego myślenia uczniów. Zaplanowane, systematyczne prace domowe przyczynią się do ujawnienia zdolności twórczych ucznia, poszerzenia jego horyzontów.

Praca ankietowa.
Praca z dodatkową literaturą zaleconą przez nauczyciela (wymaga robienia notatek).
Tworzenie abstraktów.
Słuchać muzyki.

4. KONTROLA I OCENA REZULTATÓW KSZTAŁTOWANIA DYSCYPLINY

Kontrola i ocena wyników opanowania dyscypliny dokonywana jest przez nauczyciela w trakcie prowadzenia zajęć praktycznych i prac laboratoryjnych, sprawdzianów, a także wykonywania przez studentów indywidualnych zadań, projektów i badań.

Wyniki nauki

(wyuczone umiejętności, nabyta wiedza)

Formy i metody monitorowania i ewaluacji efektów uczenia się

Umiejętności:

poruszać się po głównych odmianach stylistycznych muzyki pop i jazzu;
poruszać się w zagadnieniach filozofii i psychologii muzyki pop-jazzowej;
odróżnić mistrzów jazzu od ich komercyjnych odpowiedników.

Kontrola bieżąca - realizacja abstraktów

Wiedza:

główne historyczne etapy powstawania i rozwoju muzyki popularnej i jazzu w kontekście zjawisk społeczno-ekonomicznych, narodowo-etnicznych, artystycznych i estetycznych;
główne odmiany stylistyczne jazzu, które powstały w trakcie jego rozwoju;
specyficzne techniki jazzowe (improwizacja, cechy metrorytmiczne, swing, artykulacja);
środki muzycznej i wykonawczej ekspresji muzyki pop-jazzowej;
cechy rozwoju i stylu rosyjskiego jazzu;
interakcja jazzu z innymi rodzajami sztuki muzycznej

Ankiety, quizy, raporty wykorzystujące dodatkową literaturę oraz podsumowujące przerabiany na zajęciach materiał

5. WYKAZ LITERATURY PODSTAWOWEJ I DALSZEJ

Główna literatura

Ovchinnikov, E. Historia jazzu: podręcznik. W 2 numerach. / E. Ovchinnikov. - Moskwa: Muzyka, 1994. - Wydanie. jeden.
Klitin, S. Sztuka rozmaitości XIX-XX w. / S. Klitin. - Petersburg: SPbGATI, 2005.
Konen, V. Narodziny Jazzu / V. Konen. - Moskwa: kompozytor radziecki, 1990.
Muzyka rockowa w ZSRR: doświadczenie popularnej encyklopedii / comp. A. Troicki. - Moskwa: Książka, 1990.

dodatkowa literatura

Ayvazyan A. Rock 1953/1991.- Petersburg, 1992
Batashev A. Radziecki Jazz.-M., 1972.
Bensona Rossa. Paula McCartneya. Osobowość i mit. - M., 1993.
Bril I. Praktyczny przewodnik po improwizacji jazzowej.-M., 1979.
Bychkov E. Pink Floyd (Legends of Rock).-Karaganda, 1991.
Vorobieva T. Historia zespołu Beatlesów.-L., 1990.
Dmitriev Yu Leonid Utesov.-M., 1983.
Łowca Davisa. Beatlesi. Autoryzowany biografia.-M., 1990.
Kozlov, A. Rock: historia i rozwój / A. Kozlov. - Moskwa: Omdlenie, 2001.
Kokorev, A. Punk-rock od A do Z / A. Kokorev. - Moskwa: Muzyka, 1991.
Collier J. Louis Armstrong. M., 1987
Collier J. Formacja Jazzu.-M., 1984.
Korolev, O. Krótki encyklopedyczny słownik muzyki jazzowej, rockowej i popowej: warunki i koncepcje / O. Korolev. - Moskwa: Muzyka, 2002 Collier J. Duke Ellington. M., 1989
Notatnik Kurbanovsky A. Rock. S.-Pb., 1991
Markhasev L. W lekkim gatunku.-L., 1984.
Menshikov V. Encyklopedia muzyki rockowej. – Taszkent, 1992
Moszkow, K. Blues. Wprowadzenie do historii / K. Moszkow. - Petersburg: Lan, 2010
Moshkov, K. Jazz Industry w Ameryce / K. Moshkov. - Petersburg: Lan, 2008
Muzyka naszych czasów / wyd. D. Wołochin - Moskwa: Avanta +, 2002
Panasie Południe. Historia autentycznego jazzu.-M., 1990
Pereverzev L. Eseje o historii jazzu. // Życie muzyczne.-1966.-№3,5,9,12
Pereverzev L. Duke Ellington i jego orkiestra // Życie muzyczne.-1971.-№22.
Pereverzev L. Charlie Parker.// Życie muzyczne.-1984.-№10.
Pereverzev L. Orkiestra Olega Lundstrema // Życie muzyczne.-1973.-№12.
Porozmawiajmy o jazzie: refleksje wielkich muzyków o życiu i muzyce / przeł. z angielskiego. Y. Vermenicha. - Rostów nad Donem: Phoenix, 2009.
Sargent W. Jazz.-M., 1987.
Simonenko P. Jazz Melodies.-Kijów, 1984
Niebiański Rick. Freddie Mercury.-M., 1993.
Radziecki jazz: problemy. Rozwój. Masters.-M., 1987.
Troitsky A. Muzyka młodzieżowa lat 80. // Życie muzyczne.-1980.-№12.
Fiodorow E. Rock w kilku twarzach.-M., 1989.
Feizer L. Książka o jazzie. Tłumaczenie Y. Vermenicha. Woroneż, 1971
Feofanov O. Muzyka buntu.-M., 1975.
Feiertag, V. Jazz w Rosji. Krótka encyklopedyczna książka informacyjna / V. Feiertag. - Petersburg: SCIFIA, 2009.
Fischer, A. Bebop styl jazzowy i jego luminarze: przewodnik po studiach) / A. Fischer, L. Shabalina. - Tiumeń: RIC TGAKIST, 2010.
Chugunov Yu Harmonia w jazzie.-M., 1980.
Schmidel G. The Beatles. Życie i pieśni.-M., 1977.

Wybrana dyskografia według kursu

"AVBA" s60-08353-54
Zespół „Arsenał”. Drugi wiatr s60-2369002
Antologia sowieckiego jazzu. Pierwsze kroki М6045827006
Armstronga Louisa. с60-05909-10
Basie Count i Kansas City Seven c60-10279-80
Hrabia bazowy. Gdy słońce zachodzi М60-47075-009
Hrabia bazowy. 14 złotych melodii (2pl). c60-18653-4
Beatlesi. Smak miodu. с60-26581-006
Beatlesi. Ciężka noc. с60-23579-008
Beatlesi. Piosenki miłosne BTA 1141/42
Bril Igor, zespół jazzowy. Orkiestra przybyła z lat 60-14065-66
Brubeck Dave w Moskwie (2pl.) s60-301903007, s60-30195-001
Gershwin George. Popularne dzwonki s60-08625-26
Klub dyskotekowy-9. Kompozycje jazzowe s60-19673-000
Gołoszczekin Dawid. Leningradzki Zespół Jazzowy. 15 lat później. с60-20507-007
Goodman Benny. Co może zrobić światło księżyca. М6047507006
Davis Miles i giganci współczesnego jazzu М60-48821-006
James Harry i jego orkiestra. Osoba, którą kocham М60-49229-006
głęboki fiolet. W skale П91-00221-2
Johna Eltona. Miejski włóczęga. с60-24123-002
Johna Eltona. Twoja piosenka c60-26003-002
Johna Eltona. Ten jeden BL1027
Donegan Dorota c60-20423-005
"Królowa". Największe hity A60-00703-001
Grupa powiernicza. Wędrująca Orkiestra. С60-27093-009
Grupa „Led Zeppelin”. Schody do nieba с60-27501-005
Lundstrem Oleg i jego orkiestra. Pamięci Duke'a Ellingtona с60-08473-74
Leningrad Dixieland 33CM02787-88
Lundstrem Oleg i jego orkiestra. W bogatej kolorystyce c60-1837-74
Lundstrem Oleg i jego orkiestra. Serenada z Doliny Słońca c60-18651-52
Paula McCartneya. Znowu w ZSRR. А6000415006
Miller Glenn i jego orkiestra. W nastroju М60-47094-002
Sklep muzyczny. Pamięci L. Utesowa М6044997-001
Parker Charlie. M60-48457-007
Różowy Floyd. Na żywo А60 00543-007
Peterson Oscar i Dizzy Gillespie c60-10287-88
Oskar Petersona. O. Peterson Trio. c60-16679-80
Presleya Elvisa. Wszystko jest w porządku М60-48919-003
Grupa Rolling Stones. Igranie z ogniem M60 48371 000
Grupa Rolling Stones. Lady Jane s60 27411-006
Ross Diana c60-12387-8
Whiteman Paul, orkiestra p/u M60 41643-44
Wonder StevieSłońce mojego życia C60 26825-009
Fitzgerald Ella С60-06017-18
Ella Fitzgerald śpiewa Duke Ellington C90 29749004
Fitzgeralda Elli. Taniec w Savoyu. С6027469006
Hendriksa Barbarze. Negro spirituals A 1000185005
Cfasman Aleksander. Spotkania i pożegnania М6047455-008
Webber Andrew Lloyd. Jezus Chrystus Superstar P9100029
Zimowy Paweł. Koncert Ziemia c6024669003
Charles Ray. Wybrane utwory. BTA 11890
Ellington Duke randki z Colemanem Hawkinsem c60-10263-64
Ellington Duke i jego orkiestra. Koncert (pl. 2) с6026783007

Załącznik 2

Kwestionariusz

Afroamerykańskie korzenie jazzu.
Czym jest improwizacja.
Periodyzacja ewolucji stylistycznej jazzu.
Duchowe:

Czas wystąpienia;

Definicja;

Wczesny folklor afroamerykański:

2 grupy;

Krótki opis gatunków;

pieśni pracy
Poetyckie obrazy (teksty) spirytualistów.
Styl muzyczny lub charakterystyczne cechy gatunkowe spiritualsów.
Ewangelia:

Krótki opis;

Różnica od duchowości;

Wykonawcy pieśni pracy i spiritualsów.
Ragtime:

Definicja;

Charakterystyka (wystąpienie, czas);

"Sportowe życie":

Znaczenie słowa;

Scott Joplin
Kiedy opublikowano Maple Leaf Ragtime?

Wyjaśnij wygląd.

Rozrywkowe dzielnice Nowego Orleanu, Chicago,

Nowy Jork.

Cechy sceny minstrela (czarnej).
Jakie tańce zakończyły ewolucję ragtime.
Jakie dzieła muzyki klasycznej wykazują cechy duchowości i ragtime.
Wymień gatunki i tytuły duchowości.
Znaczenie słowa „blues”.
Czas wczesnego bluesa.
Odmiany bluesa (klasyfikacja).
Znani przedstawiciele i wykonawcy wiejskiego bluesa.
Charakterystyka wiejskiego bluesa.
Charakterystyka bluesa miejskiego (czas wystąpienia).
Pierwsza piosenkarka bluesowa.
„Królowie” i „Królowe” Bluesa.
Charakterystyka bluesa miejskiego (czas wystąpienia).
Różnica między bluesem a duchowością.
Gatunek bluesowy.
Poetyckie obrazy bluesa i jego treść.
Wykonawcy bluesa.
Pierwsze wydrukowane błękity. Kompozytorzy. Nazwy.
Nazwa dzieła J. Gershwina, w którym wykorzystano motywy bluesowe.
Modyfikacje gatunkowe i stylistyczne bluesa. Przedstawiciele.
Jazz to znaczenie tego słowa. Początek.
Miasto jest kolebką jazzu.
wczesne style jazzowe. Różnice.
Euro-amerykański typ muzyki jazzowej. Dixieland. Przedstawiciele.
Marszowe i uliczne orkiestry Nowego Orleanu.
Jazzmeni Nowej Generacji (Nowy Orlean, Chicago).
Jazz uliczny:

Czas wystąpienia;

Charakterystyka;

przedstawiciele;

Załącznik 3

Lista terminów dla dyktando terminologicznego

SEKCJA I. Sztuka jazzowa

Archaiczny Blues, Archaiczny Jazz, Muzyka afroamerykańska, Barbershop Harmony, Barrel House Style, Big Beat, Big Band, Akordy blokowe, Wędrujący bas, Blues, Skala bluesa, Orkiestra Dęta, Przerwa, Most, Boogie Woogie, Tło, Harlem Jazz, Groul , Ground Beat, Dirty Tones, Jazzing, Jazz Form, Jungle Style, Dixieland, Cake Walk, Classic Blues, Corus, Minstrel Theatre, Off Beat, Off Pitch Tones, Riff , swing, symphojazz, stride style

awangardowy jazz, afro-kubański jazz, baroque jazz, be-bop, vers, west coast jazz, combo, mainstream, progressive, scat, modern jazz, technika stop-time, „trzeci strumień”, folk jazz, for-beat , free jazz, fusion, hard bop, oler, hot jazz, „czwarty nurt”, chicagowski jazz, shuffle, jazz elektroniczny, „era jazzu”.

SEKCJA II. Muzyka popowa

DZIAŁ III. kultura rockowa

Rock awangardowy, rock alternatywny, underground rock, art rock, beatnik, black metal, breakdance, hitter rock, glam rock, grunge, industrial rock, rock intelektualny, mainstream rock, punk rock, rock progresywny, rhythm and blues, rockabilly, rock and roll, reggae, rave, rap, rock symfoniczny, folk rock, hard rock, heavy metal,

Dodatek 4

Przybliżone bilety na zróżnicowane tabele

Numer biletu 1

1. Początki muzyki jazzowej

2. Francuskie chanson

Numer biletu 2

1. Gatunki folkloru Afroamerykanów

2. Etapy rozwoju piosenki pop w muzyce pop w kraju i za granicą

Numer biletu 3.

1. Ragtime

2. Amerykańska muzyka rockowa lat 50. i 60. XX wieku

Numer biletu 4

1. Blues: etapy rozwoju gatunku

2. Sowiecka pieśń masowa

Numer biletu 5

1. Klasyczny jazz. styl huśtawki

2. Muzyka rockowa w ZSRR

Numer biletu 6

1. Fajny styl i inne ruchy jazzowe lat 50.

Numer biletu 7

1. Style jazzowe 1960-1970

2. Brytyjski beat 1960

Numer biletu 8

1. Styl Bebopa.

2. Rock opera i musical rockowy

Numer biletu 9

1. Drogi rozwoju jazzu w postsowieckiej Rosji

2. Muzyka klasyczna (1920-1930)

Numer biletu 10

1. Awangardowe style jazzu. wolny jazz

2. Muzyka klasyczna (1920-1930)

Numer biletu 11

1. Jazz w Rosji Sowieckiej

2. Gatunek musicalu: historia powstania, etapy rozwoju

Załącznik 5

Kryteria oceny odpowiedzi uczniów w teście:

Ocena „doskonała” jest wystawiana, jeśli odpowiedź na materiał teoretyczny jest sensowna, logicznie zbudowana, odsłania omawiane zagadnienie z dostatecznym stopniem szczegółowości, opiera się na prawidłowej interpretacji terminologii, jest wyposażona w przykłady muzyczne i ilustracyjne.

Ocena „dobry” jest przyznawana, jeśli odpowiedź dotycząca materiału teoretycznego nie jest wystarczająco szczegółowa, występują drobne błędy w stosowaniu terminologii.

Ocena „zadowalająca” jest przyznawana, jeśli odpowiedź teoretyczna opiera się na dyskretnie przedstawionych informacjach, które nie tworzą pełnego obrazu rozważanego zagadnienia, ujawnia się słaba znajomość terminologii.

W naszych umysłach takie pojęcie jak „scena” jest mocno zakorzenione. Co to jest? Wielu kojarzy ten termin z muzyką pop, choć w rzeczywistości tych pojęć nie należy mylić. Jednym ze składników jest muzyka pop, a sam koncept zawiera całkiem sporo gatunków.

Estrada: co to jest w ogólnym znaczeniu?

Ogólnie rzecz biorąc, jeśli podążasz za niektórymi źródłami, bardzo łatwo jest zdefiniować pojęcie muzyki pop. Na przykład ta sama „Wikipedia” twierdzi, że scena jest rodzajem sztuki scenicznej, głównie gatunku rozrywkowego, choć w rzeczywistości pojęcie to jest znacznie szersze. I własnie dlatego.

Rozszerzona interpretacja wyjaśnia, że scena jest rodzajem uniesienia performera przy wejściu na scenę i wykonaniu krótkiego numeru, który obejmuje zupełnie inne kierunki i towarzyszy mu animator (reprezentacja artysty na scenie). Do tej pory muzyka pop obejmuje kilka głównych gatunków:

utwór muzyczny;
taniec (choreografia);
sztuka cyrkowa;
iluzja;
błazeństwo;
gatunek potoczny;
parodia;
pantomima itp.

Jak widać, pojęcie sceny jest dość szerokie. Jednak w naszym rozumieniu sceny z jakiegoś powodu kojarzy się ona z muzyką. Nie powinno tak być.

Oczywiście piosenka przez cały czas zajmowała jedno z najważniejszych miejsc w życiu człowieka. W tym właśnie sowieckim czasie, kiedy powstało pojęcie sztuki różnorodności, było też wielu pionierów. Są to muzułmanin Magomajew, Eduard Khil, Edita Piekha, Lew Leshchenko, Iosif Kobzon, Ałła Pugaczowa, wreszcie. Wszyscy są gwiazdami popu swoich czasów.

Oczywiście nie można zignorować cyrku. Jaki wyraźny ślad w historii różnorodności i sztuki cyrkowej pozostawiły takie gwiazdy jak Oleg Popow i Jurij Nikulin, którzy rozśmieszyli na arenie więcej niż jedno pokolenie!

W tym czasie dominował gatunek konwersacyjny, nie mówiąc już o takim mistrzu jak Arkady Raikin. Dopiero później pojawili się Petrosyan, Zadornov, Żvanetsky i wielu innych. A co z Teatrem Obrazcowa?

Szczególne miejsce zajmowały ówczesne "Pesnyary", "Syabry", "Verasy", "Flame" itp. Ci sami „Earthlings” to także muzyka pop, choć z jakiegoś powodu są klasyfikowani jako zespoły rockowe.

scena zagraniczna

Za granicą sztuka różnorodności również nie pozostała niezauważona, jednak została podporządkowana zarabianiu (show-biznes).

Dla naszego ówczesnego słuchacza sceną były dwie światowej sławy grupy - Boney M i ABBA. Czasami do tej pary odnosi się również Eruption, ale jest to wyłącznie pomysł Franka Fariana (założyciela Boney M), który napisał najsłynniejsze hity dla grupy.

Nawiasem mówiąc, tak popularny program jak „The Benny Hill Show” można w równym stopniu przypisać standardowemu gatunkowi pop, mimo że ten program to telewizja. A jeśli pamiętasz festiwale w San Remo, które niegdyś były bardzo popularne na całym świecie, od razu stanie się jasne, że scena to nie tylko muzyka czy jakikolwiek inny rodzaj sztuki performatywnej, ale prawdziwy show.

Co ciekawe, początki pop-artu można było znaleźć w Rosji z jej błaznami, a na Zachodzie - z nadwornymi błaznami.

Przy okazji możemy dodać, że dziś w zachodniej telewizji można znaleźć wiele programów parodii. Na przykład w Niemczech liderem pod tym względem jest RTL2. Niekwestionowaną wyższość sztuki cyrkowej ma tu trupa Du Soleil, w której występuje całkiem sporo naszych rodaków i artystów z innych krajów, wykonując zupełnie niewyobrażalne liczby i sztuczki, które po prostu zapierają dech w piersiach.

Zamiast sumy

Oczywiście daleko od wszelkich aspektów związanych z koncepcją sztuki różnorodności jest tutaj uwzględnionych, jednak powinno być jasne, że pojęcie to obejmuje wiele gatunków i zupełnie niesłuszne jest mówienie o nim wyłącznie z punktu widzenia muzyki. Kierunków jest tu tak wiele, że po prostu nie mieści się to w głowie. I nie bez powodu większość instytucji edukacyjnych kiedyś nazywano szkołami cyrkowymi. Najwyraźniej jest ku temu jakiś powód.

Nie trzeba dodawać, że nie da się szczegółowo opisać wszystkich gatunków (zajęłoby to zbyt dużo czasu). Ale i tak widać, że scena to coś więcej niż tylko popkultura. A lista gatunków dostępnych w tym sensie może być bardzo, bardzo długa. Z drugiej strony nawet tak krótka dygresja w historię pomoże zrozumieć, czym tak naprawdę jest gatunek odmiany.

Rozdział V

"Forma jest sposobem istnienia i wyrażaniem treści... Jedność treści i formy dzieła sztuki nie oznacza absolutnej tożsamości, ale tylko pewien stopień wzajemnej zgodności... Stopień zgodności... zależy od... talentu i umiejętności artysty."

Estetyka. Słownik

Koncert [od łac. koncert - konkuruję] - publiczne wykonanie artystów według ustalonego wcześniej programu.

Encyklopedia teatralna

Nie odchodząc w tym rozdziale od stanowiska eksploracji tylko tego, co bezpośrednio dotyczy scenicznej twórczości reżysera, nie musimy w pełni ujawniać cech kreatywności każdej z form programów odmianowych. Tutaj również ważne jest dla nas ujawnienie tylko tego, co odróżnia pracę reżysera od reżysera podczas wystawiania programu scenicznego.

Z reguły żadna z form programów rozmaitościowych nie ma dla reżysera znaczenia, gdyż w praktyce nie ma z nimi do czynienia podczas wystawiania sztuki, bo one (te formy) należą wyłącznie do sztuki rozmaitości.

Zanim zaczniesz mówić o tej lub innej formie programu pop:

koncert, występ, warto określić znaczenie ...... słowa „koncert” (oprócz tego, że słowo to oznacza pewną akcję sceniczną, składającą się z sumy liczb, które ją tworzą).

A więc słowo „koncert” [łac. koncert] po łacinie oznacza zawody, zawody.

Rzeczywiście, na każdym koncercie, w tym na różnorodnym, istnieje rodzaj konkurencji, rywalizacja między wykonawcami i liczbami w ich twórczości artystycznej: według umiejętności wykonania, według sukcesu z publicznością itp. Co więcej, to właśnie w koncercie (konkursie przed publicznością) akt odmiany otrzymuje swoje artystyczne dopełnienie.

Oczywiście koncert pop, jak każdy koncert, to nie tylko mechaniczny zestaw, ale połączenie różnych numerów gatunkowych w jedną całość, w wyniku czego rodzi się nowe dzieło sztuki, którego nazwa to koncert .

To właśnie tworzenie koncertu z różnych niekiedy gatunków, postaci i treści liczbowych jest kolejną istotną różnicą między pracą reżysera a reżysera teatralnego, który z reguły zajmuje się dziełem (sztuką) ten sam gatunek, z jedną fabułą i rozwijający się od początku do końca spektaklu jako singiel poprzez akcję.

Koncert muzyki pop to widowisko efektowne i dynamiczne, to szczególny świat wyobraźni, w którym dominuje element rozrywkowy, ubrany w jasną, ostrą formę, w świąteczną atmosferę, która umożliwia widzowi łatwe odbieranie jego treści.

Oczywiście powodzenie koncertu zależy od wielu czynników: są to wykonawcy i jakość ich numerów, a także ich nowość, konstrukcja kolejności liczb (skład) i spójność przejść od liczby do numer, jego gatunek, jego rodzaje itp. .

Jeśli otworzymy stronę 95 tomu VIII III wydania Wielkiej Encyklopedii Radzieckiej, możemy przeczytać: „Koncert to publiczne wykonanie artystów według określonego programu. Rodzaje koncertów muzycznych (symfoniczny, kameralny, fortepian, skrzypce itp.), literacki (czytanie artystyczne), różnorodność (lekka muzyka wokalna i instrumentalna, opowiadania humorystyczne, parodie, akty cyrkowe itp.) „Możemy czytać prawie to samo oraz w „Encyklopedii teatralnej”: „Rodzaje koncertów: muzyczne (symfoniczne, kameralne, fortepianowe, skrzypcowe itp.), literackie (czytanie artystyczne), mieszane (numery muzyczne, lektura artystyczna, sceny z przedstawień, baletów itp.) , różnorodność (lekka muzyka wokalna i instrumentalna, humorystyczne opowiadania, parodie, występy cyrkowe itp.)

Nie kwestionując opinii dwóch autorytatywnych źródeł, zauważamy, że takie pojęcie słowa „koncert” nie ujawnia bardzo ważnej okoliczności. Mianowicie, że wszystkie rodzaje koncertów, ze względu na charakter i treść wykonywanych w nich numerów, ze względu na sposób ich wyrażenia (nawet jeśli mamy do czynienia z „koncertem mieszanym”), dzielą się na dwa główne typy: filharmoniczne i różnorodność. Wychodzimy z tego, że funkcjonalnie i psychologicznie koncerty filharmoniczne i popowe są od siebie odizolowane. Pomimo tego, że obie funkcje, nie odbiegając od rozwiązania niektórych wspólnych zadań (estetycznych, ideologicznych, edukacyjnych), zaspokajają różne potrzeby widza (słuchacza).

Sale koncertowe w celu spełnienia miesięcznego limitu występów.

Nie mogło być mowy o jakiejkolwiek logice konstruowania takiego koncertu. To tam artysta musiał „wyjść”.

Być może ta ostatnia okoliczność w pewnym stopniu odegrała rolę w zniknięciu ze sceny połączonych koncertów: czołowi artyści pop zaczęli preferować koncerty solowe lub występy o dużej różnorodności od zespołów narodowych, ponieważ wraz ze wzrostem ilościowym liczby zwykłych koncertów ich twórczość poziom był zdecydowanie niższy od średniej.

Kolejnym ważnym powodem zniknięcia koncertów łączonych w naszych czasach był niezwykle niski poziom artystyczny ludzi, którzy uważali się za profesjonalnych animatorów. Prawdziwi artyści, którzy wiedzą, jak tworzyć popową akcję z różnych gatunków, z różnych powodów praktycznie zniknęli. Niemałą rolę w zniknięciu krajowych koncertów odegrała również telewizja, na ekranach której popowe „gwiazdy” nieustannie migoczą, zwłaszcza w różnych klipach reklamowych. Po co dużo płacić (żeby nie powiedzieć - dużo pieniędzy na koncert, kiedy na ekranie telewizora widać swoich ulubionych artystów).

Przeprowadzona przez autora pracy ankieta wśród wielu potencjalnych widzów wskazuje nie tylko na zbieżność ich punktu widzenia z opinią V. Kalisza, ale także na to, że moda na widowiskowe widowiska, bez względu na to, jak zaszczepiła ją show-biznes, minie, a na scenie na Equal to the show powrócą połączone koncerty, choć w innej i przede wszystkim spektakularnej jakości, ale składającej się z wielu różnych gatunków. Potwierdzenie tego: praktyka zachodniej muzyki pop dzisiaj i szereg wcześniejszych koncertów w Moskiewskim Teatrze Rozmaitości, dzisiejsze życie regionalnych i regionalnych towarzystw filharmonicznych oraz fakt, że nawet w koncertach solowych jego bohater zaprasza do udziału innych wykonawców tego gatunku , ponieważ podświadomie odczuwa nieodłączną psychologiczną percepcję człowieka - pragnienie różnorodnych doznań.

W ostatnich latach na plakatach reklamujących koncerty pop najczęściej możemy spotkać takie nazwy jak „odmiana”, „kabaret”, ale najczęściej – „show”. Choć każdy z tych koncertów opiera się na zestawie wykonań różnych gatunków (jak w drużynie narodowej), każdy z nich ma swoje dość oczywiste cechy.

Jeśli weźmiemy pod uwagę „różnorodność” jako szczególną formę koncertu odmiany, to najczęściej pod tą nazwą kryje się lekki, rozrywkowy występ, składający się z występów śpiewaków, tancerzy, muzyków, parodystów, akrobatów, magików itp.

Zazwyczaj program rozrywkowy to kalejdoskop liczb, często z minimalnym udziałem artysty, nie mówiąc już o innych gatunkach potocznych.

Jeśli mówimy o różnicy między programem odmiany a kabaretem, to od połowy XX wieku granica między nimi, zarówno pod względem treści, jak i formy, praktycznie zaczęła się zacierać. Dziś bardzo trudno dostrzec między nimi różnicę.

Kabaret [fr. - cukinia] to nie tyle publiczność siedząca przy stołach, co styl, forma i treść urozmaiconego koncertu, w dużej mierze uzależniona od atmosfery, w jakiej się odbywa.

U jego podstaw program kabaretowy to także zestaw różnych przedstawień (liczb). Ale te programy miały wiele istotnych funkcji.

Najpierw udali się do tawern, kawiarni, gdzie publiczność siedząca przy stolikach patrzyła na mówców. Początkowo były to swego rodzaju kluby artystyczno-literackie, w których po północy zbierali się poeci, artyści, pisarze, artyści. Z reguły ci, którzy przyjeżdżali tu, aby odpocząć i pobawić się, wchodzili na małą scenę znajdującą się na środku lub z boku sali, śpiewając piosenki, czytając poezję. W pewnym stopniu to, co działo się w takich karczmach, było odzwierciedleniem procesów zachodzących w sferze artystycznej.

Po drugie, spektakl był urozmaicony i miał charakter improwizacyjny. Wykonawcy starali się poruszyć publiczność emocjonalnie. Wybuchy śmiechu, oklaski, okrzyki „brawo” były typową atmosferą programu kabaretowego. W ówczesnym kabarecie panowało podniecenie i rywalizacja, która stworzyła atmosferę luzu, radości i swobody twórczej, świętowania. W kabarecie granica między sceną a widownią wydawała się niewyraźna.

Po trzecie, warunkiem działalności kabaretu była intymność sytuacji, pozwalająca wykonawcom na nawiązanie bliskiego kontaktu z publicznością. I choć programy kabaretowe składały się i składały z różnych piosenek humorystycznych i lirycznych, tańców solowych, numerów satyrycznych, parodii itp. itp., główną rolę odgrywa w nich animator, któremu zależy na stworzeniu ufnej, intymnej atmosfery, prowadzeniu swobodnej rozmowy, często wywołującej natychmiastową reakcję (co jest bardzo ważne w programie kabaretowym)

Ilość programów kabaretowych znacznie wzrosła, stając się swoistym kalejdoskopem liczb charakterystycznym dla kabaretu. Jednocześnie w ich rozwiązaniu zastosowano techniki groteski, ekscentryków, bufonady i ironicznej stylizacji. Zaczęły być szeroko stosowane parodie, w których wyśmiewano występy i wydarzenia, które obecnie miały miejsce na scenie.

W Rosji pierwsze kabarety pojawiły się już na początku XX wieku. Wśród nich najbardziej znane były: "Nietoperz" w Moskwie - początkowo kabaret aktorów Moskiewskiego Teatru Artystycznego, który później stał się Teatrem Kabaretowym N.F. Baliyeva, „Krzywe lustro”, „Zabłąkany pies”, „Zatrzymanie komików” w Petersburgu i inne. Wkrótce kabarety pojawiły się w Odessie, w Kijowie, Baku, Charkowie. Zazwyczaj znajdowały się w piwnicach i półpiwnicach z małą sceną.

Już na początku lat dziewięćdziesiątych XX wieku wiele kabaretów utraciło swoje cechy rodzajowe: zniknęły stoliki, zmieniła się struktura i treść programów.

Teatry kabaretowe zaczęły stosować sprzęt teatralny: kurtynę, rampę, dekoracje sceniczne.

Pokaż [angielski] - 1. Spektakl; 2. Show] - bardzo popularny rodzaj widowiska rozrywkowego, szczególnie w naszych czasach, z obowiązkowym udziałem przynajmniej jednej odmiany "gwiazdy".

Spektakl to jasny, bogaty emocjonalnie popowy program, który nie ma solidnej fabuły, oparty na spektakularnych na pozór spektakularnych występach i atrakcjach, połączonych w jedną całość nieoczekiwanymi przejściami i więzadłami; zbudowany na szybkiej akcji scenicznej, blisko natury do sali muzycznej. Z tą samą salową elegancją choreograficznych numerów, z tym samym błyskotliwością i przepychem, z oszałamiającą dynamiką tempa, co pozwala nasycić program widowiskowy dużą liczbą różnorodnych numerów, ale bez obowiązkowego dla salowego programu, choć prymitywnego, „kropkowany” ruch fabularny. Jednocześnie program pokazu nie wyklucza odwagi do zaprezentowania liczb. Wręcz przeciwnie, im bardziej zróżnicowane są sposoby prezentacji liczb zawartych w programie, tym jaśniejsza forma sceniczna spektaklu.

Należy zauważyć, że spektakl to nie tylko kategoria gatunkowa. W formie spektaklu mogą odbywać się występy popularnego artysty pop, różnego rodzaju konkursy, prezentacje, aukcje teatralne itp.

Program widowiskowy to wielkoformatowe widowisko, którego scenografia powstaje w realnej przestrzeni scenicznej i w dużej mierze zależy od możliwości technicznych sceny i jej wyposażenia. Spektakl nie ogranicza wyobraźni scenografa. Ważne jest, aby jego wynalazek był technicznie wykonalny.

I choć dziś dość często można zaobserwować, jak scenograf pełni rolę reżysera, wydaje nam się, że zjawisko to wynika z braku prawdziwej scenografii. Można się temu sprzeciwić: mówią, że wielu artystów zostało później reżyserami. Na przykład Gordon Craig, Nikołaj Pawłowicz Akimow i inni. Rzeczywiście, ich życie twórcze zaczęło się od zawodu artysty. Ale później ich zawód twórczy stał się reżyserią, jako podstawą działalności scenicznej. Być może taki sam będzie twórczy los B. Krasnova, który nazywa siebie „scenografem”.

Oczywiście scenograf poniekąd jako reżyser odczuwa dramaturgię w dynamice, w ruchu. Ale to oznacza, że w ten sposób może zastąpić reżysera-producenta. Niestety, dokładnie to obserwujemy dzisiaj w produkcji różnych programów pokazowych. Z tego powodu scenografia artysty uzależniona jest od projektu, a nie odwrotnie, gdy artysta, treść swojego programu, jego performance determinuje inne rozwiązanie scenograficzne. Często trzeba zobaczyć, jak rozwiązanie sceny, ze wszystkimi nowoczesnymi trikami zabawy światłem, dymem, elektroniką i innymi efektami specjalnymi, nie działa na artystę, a staje się pompatycznym tłem. Na przykład, jak powiedzieliśmy w poprzednim rozdziale, zostało to wyraźnie widoczne w ostatniej produkcji A.B. Pugaczowa „Spotkania świąteczne” w 1998 roku (artysta B. Krasnov).

Rewia [fr. - pantomima, recenzja] po raz pierwszy pojawiła się we Francji w pierwszej tercji XIX wieku (1830) jako satyryczny gatunek teatralny. Popularny wówczas „Przegląd Roczny” był więc aktualnym przeglądem życia Paryża. Już wtedy zawartość rewii była naprzemienna różnymi gatunkami. Oznacza to, że w rzeczywistości rewia zawierała wszystkie główne cechy programu pop.

Rewia (recenzja) to forma spektaklu urozmaiconego, w którym poszczególne liczby łączy ruch fabularny, który w miarę rozwoju pozwala „zmieniać” scenę cały czas. Na przykład scena sceniczna, czasem bez zmiany projektu (wykorzystując tylko detale), staje się przejściem podziemnym dla jednego numeru, ławką w parku dla drugiego, trybuną stadionową dla trzeciego i tak dalej. Najczęściej ruch fabuły opiera się na potrzebie, która pojawiła się dla bohatera (bohaterów), aby odbyć „podróż” lub „poszukać” kogoś lub czegoś, lub ruch fabularny może być wydaniem scenicznej wersji gazety , jak w tej samej recenzji pop „Wieczernaja Moskwa”. W rewii każdy numer odbierany jest przez widza nie jako wyizolowany utwór, ale jako żywy epizod, żywiołowa akcja w całościowej kompozycji koncertu. Innymi słowy, rewia (recenzja) to popowy spektakl na temat wymyślony i wyrażony poprzez fabułę, składający się z różnych liczb połączonych w odcinki.

Program sali muzycznej"

Zwykle „Music Hall” definiuje się na dwa sposoby: pierwsza definicja to rodzaj teatru, który daje różnorodne występy koncertowe, druga to rodzaj różnorodności programu, spektakl, którego treść jest zbudowana na przemian różnych numerów, atrakcji , pokazy wirtuozowskich technik wykonawczych, sztuczki sceniczne, utrwalone fabułą („kropkowaną”) ruchami i numerami tanecznymi baletu, z reguły żeńskiej grupy („dziewczęta”).

Programy Music Hall od samego początku, w przeciwieństwie do kabaretów, nie miały na celu tematyki aktualnej. Na pierwszym planie w takich programach nie było tak dużego znaczenia, jak jasność formy zewnętrznej, wykonującej wyrafinowanie.

Warunki programów Music Hall, ich nasycenie różnymi efektami scenicznymi, atrakcje zmieniły charakter zachowań publiczności. „Zamiast roli wspólnika (jak w innych formach sztuki rozrywkowej) w sali muzycznej publiczność stała się, podobnie jak w teatrze, publicznością widzów”.

Losy Moskiewskiej Sali Muzycznej były dość trudne. Albo był prześladowany i przestał istnieć, potem powstał na nowo. Na początku lat dwudziestych teatr nie posiadał stałej trupy, w programach występowali goście gościnni, w tym zagraniczni, którzy przybyli prawie w dniu przedstawienia. Naturalnie reżyserom rzadko udało się stworzyć jedną, zjednoczoną wspólną ideą.

Ale tym bardziej znaczące były sukcesy, które wymagały otchłani inwencji i umiejętności.

Program Music Hall to rodzaj inscenizowanego jasnego, kolorowego, czasem ekscentrycznego spektaklu przeglądowo-przeglądowego, składającego się z urokliwych obrazów szybko zastępujących się nawzajem, pełnych różnorodności i cyrkowych atrakcji; spektakl-przegląd, w którym pierwszorzędne numery i odcinki z udziałem „gwiazd” popu łączy tak zwana „kropkowata” fabuła. Bardzo ważne miejsce w programach music hallu zajmują genialnie wyreżyserowane masowe numery taneczne „dziewczęta” z doskonałą synchronizacją ruchów. Jest to program, w którym bierze udział różnorodna orkiestra, zwykle znajdująca się na scenie. Są to zawsze jasne, chwytliwe kostiumy wykonawców (zwłaszcza baletowe). To blask kolorów, gra światła i cienia. To jest transformacja projektu. Na przykład w trakcie programu lodowe stalaktyty nagle zamieniają się w kwiaty; albo statek kosmiczny leci przez salę na scenę i ląduje (jak w Alcazarze w Paryżu); albo nagle na środku sceny wznosi się ogromny szklany basen, w którym dziewczyny w kostiumach kąpielowych pływają razem z krokodylami, wykonując pod wodą szereg sportów pływania synchronicznego („Friedrichstatpalas”). Są to różnego rodzaju efekty sceniczne. Jest to wykorzystanie szerokiej gamy nowoczesnych technicznych środków projektowania.

W sztuce urozmaicania istnieje taka forma wykonania różnorodności, jak „zespół miniatur”.

W naszym rozumieniu słowo „teatr” podkreśla jego twórcze i organizacyjne początki, gdyż w tym przypadku słowo „teatr” nie jest równoznaczne z pojęciem „teatr”, gdy rozumiemy to słowo jako organizm twórczy, którego repertuar opiera się na przedstawieniach dramatycznych lub baletowych. Z drugiej strony w teatrach miniatur ich programy opierają się na tych samych numerach pop, które różnią się od spektakli rozrywkowych i kabaretów tylko skalą numerów, które je tworzą. Jeśli chodzi o podział w teatrach miniatur widzów i wykonawców (oddzielenie widzów od tych ostatnich rampą i innymi elementami sceny) oraz znikanie stolików z sali, pojawienie się rampy, stoliki występowały również w późniejszych kabaretach .

Teatr miniatur to nie tylko pewna forma i pewna treść, ale także szczególny styl i sposób myślenia, sposób na życie.

To właśnie przerażało rządzących, którzy widzieli w nim (zwłaszcza w latach dwudziestych i trzydziestych) sztukę burżuazyjną obcą proletariatowi. Taki stosunek do sztuki małych form nie mógł nie hamować rozwoju pop-artu.

Nie mogąc tego zabronić (z powodów, które nie są przedmiotem naszego badania), tylko to tolerowali. Nie było mowy o tym, że na plakatach zapowiadających koncerty pop pojawiły się słowa „variety show”, zwłaszcza „kabaret”. Okazało się, że wyjście jest akceptowalne dla wszystkich: sztukę małych form zaczęto nazywać „rozmaitością”, chociaż wcześniej słowo „rozmaitość” oznaczało scenę, scenę sceniczną i teatry małych form - teatry miniatur, który nie posiadał stacjonarnej, etatowej trupy, a zasadniczo służył jako wypożyczalnia.

Miniatura [fr. miniatura] - słowo, które kiedyś oznaczało jedynie malowaną i malarską dekorację w starożytnych księgach rękopiśmiennych (takie nazwy te rysunki nosiły od farby sporządzonej z mini), ma znaczenie przenośne: coś w zmniejszonych rozmiarach. Ta ostatnia określa repertuar Teatru Miniatur. Tutaj można zobaczyć różnorodne spektakle: krótką zabawę-żart i wodewil, a także skecz, a także miniaturę choreograficzną i scenę pantomimiczną, a nawet kino. To znaczy, jak mówią, - dzieła o małych formach.

W latach powojennych Moskiewski Teatr Miniatur pod dyrekcją Władimira Polakowa, Saratowski Teatr Miniatur (dyrektor artystyczny Lew Gorelik) i oczywiście Leningradzki Teatr Miniatur pod kierownictwem artystycznym wyjątkowego artysty Arkadego Raikina były najbardziej znane od wielu lat.

Ale oprócz rodzajów programów, o których mówimy, w pop-artu występują takie formy wykonania, które różnią się od tych, które rozważaliśmy. To jest występ popowy, performance.

Zachowując wszystkie główne cechy programu popowego i wariacyjnego, a przede wszystkim obecność w nich różnych gatunków, dzieła te do pewnego stopnia syntetyzują w sobie znaki działania teatralnego. W samym sercu dramaturgii przedstawienia odmiany przedstawienie odmiany jest szczegółowym ruchem fabularnym z personifikacją odgrywania ról i losem bohaterów. Szeroko posługują się środkami wyrazu tkwiącymi w teatrze: akcja sceniczna, mise-en-scene, atmosfera sceniczna itp.

Wykonanie rozmaitości, wykonanie rozmaitości nie jest przypadkiem przez nas wyróżniane z ogólnej koncepcji „koncertu rozmaitości”. Jeśli pojęcia „performance” nie trzeba ujawniać (być może nie ma ani jednej pracy o sztuce teatralnej, w której pojęcie to nie zostałoby dokładnie zbadane), to „performance” ma wiele, czasem sprzecznych, definicji. Często przed słowem „występ” piszą lub wymawiają słowo „teatralny”, czyli w istocie nazywają olej naftowy, ponieważ samo pojęcie „przedstawienia” jest identyczne z pojęciem „teatralizacji”.

Ponieważ to pojęcie („teatralizacja”) jest do dziś różnie interpretowane, uważamy za konieczne w niniejszej pracy ukazanie go z perspektywy praktyków, którzy wystawili więcej niż jeden spektakl różnorodności, zwłaszcza że koncert teatralny jest zwiastunem różnorodności wydajność, w naszym rozumieniu ostatnia. Pojęcie „teatralizacji” w odniesieniu do koncertu oznacza, że podczas inscenizacji takiego koncertu, oprócz wszystkich tych popowych środków ekspresyjnych, o których mówiliśmy analizując cechy koncertu kombinowanego, środków ekspresyjnych charakterystycznych dla teatru, akcja teatralna jest używany w koncercie teatralnym. Mianowicie: akcja sceniczna (jak wiadomo, główny środek wyrazu teatru), mise-en-scène (kiedy takie zestawienie póz ruchów wykonawców wprowadza się w statykę gatunkową spektaklu, która na moment wyraża istotę treści spektaklu i relacji między wykonawcami), atmosferę sceniczną (do jej stworzenia, jak w teatrze, figlarne światło, odgłosy, muzyka w tle i inne elementy są wykorzystywane do stworzenia pewnego środowiska, w którym akcja spektaklu rozwija się), kostium i projekt.

Oglądając różnorodne spektakle, łatwo zauważyć, że w takim spektaklu poruszanie się fabuły zmusza publiczność nie tylko do śledzenia rozwoju akcji, ale także do zrozumienia i zaakceptowania logiki konstruowania spektaklu, a czasem do postrzegania jednej lub drugiej liczby (lub wszystkie liczby) w nieoczekiwanym świetle.

Urozmaicony spektakl, w przeciwieństwie do koncertu teatralnego, charakteryzuje się odgrywaniem ról personifikacji artysty (lidera lub prezenterów). Oznacza to, że on lub oni, obdarzeni pewnymi cechami charakteru i cechami (zawód, wiek, status społeczny, nawyki itp.), stają się aktywną postacią w spektaklu, ponieważ to on (oni) ucieleśnia ruch fabuły .

W trakcie wykonywania spektaklu reżyser nie zastanawia się, jakie „warunki gry” – teatralne czy popowe – determinują decyzję reżysera o tym czy innym momencie spektaklu. Synteza tych „warunków gry” dla reżysera następuje na poziomie podświadomości, a reżyser w czasie prób nie zdaje sobie sprawy, co aktualnie płynie ze sceny, a co – z teatru. Ta umiejętność, choć nieświadomie, opiera się na dwóch różnych rodzajach sztuk scenicznych.

Jak widać, nawet w takim spektaklu, pozornie bliskim gatunkom sztuki teatralnej, jako spektakl różnorodności, spektakl różnorodność ma swoją specyfikę, własne metody kierowania twórczością. A jednak pomimo złożoności tego popowego programu, zgodnie z naszym rozumieniem, potwierdzonym przez współczesną praktykę, przyszłość muzyki pop wiąże się z przedstawieniami fabularnymi. Kiedy spektakl powstaje za pomocą sztuki różnorodności, w której wszystko – rozrywka, efekty sceniczne, gra światła i koloru, scenografia, a przede wszystkim dobór liczb – podporządkowane są myśli, fabule, konfliktowi, co najważniejsze - artystyczny wizerunek spektaklu. Wystarczy przypomnieć niektóre z najnowszych programów realizowanych na scenie Sali Koncertowej Rossija.

Spektakl jest oczywiście najbardziej złożonym programem odmianowym, ponieważ, jak pisał wybitny reżyser Fiodor Nikołajewicz Kawerin: „istnieje pewien materiał tekstowy, z własną fabułą, z niektórymi, nawet jeśli bardzo małą liczbą postaci, a ich bohaterowie i przeznaczenie (najczęściej ich komediowe przygody) stają się nieuniknionym celem. Czysto popowe numery przeplatają się w pewnych momentach w trakcie spektaklu... Rozwijając ideę takiego spektaklu w akcji, reżyser spotyka się z zupełnie specjalnymi zadaniami, zupełnie innymi od tego, co determinuje jego pracę w teatrze w ogóle. Musi ustalić zasadę, według której liczby są wprowadzane do takiego programu zabaw, znaleźć i ustalić prawidłowe proporcje ich liczby w stosunku do fabuły, określić ich charakter .... Podczas pracy nad takim spektaklem szczególną troską reżysera jest znalezienie i określenie stylu całego spektaklu, sposobu gry, który obok warunkowych utworów pop…. wymaga również własnego, wewnętrznego przebiegu i wyraźnie ustalonej korelacji (czy to spójnej, czy świadomie przeciwstawionej) w ramach spektaklu.

1.1 Historia pojawienia się sztuki odmiany

3. WARUNKI REALIZACJI PROGRAMU DYSCYPLINY

3.2. Wsparcie informacyjne szkoleń

Bibliografia

4. KONTROLA I OCENA REZULTATÓW KSZTAŁTOWANIA DYSCYPLINY

Kontrola i ocena wyników opanowania dyscypliny dokonywana jest przez nauczyciela w trakcie prowadzenia zajęć praktycznych i prac laboratoryjnych, sprawdzianów, a także wykonywania przez studentów indywidualnych zadań, projektów i badań.

Wybrana dyskografia według kursu

Estrada: co to jest w ogólnym znaczeniu?

scena zagraniczna

Zamiast sumy