Jeśli ktoś wie, jak stworzyć żywy obraz, niezwykłą kombinację słów lub kolorów, ekspresyjnie przekazać myśl, to jego prace są uważane za sztukę.
Jednocześnie żywe, imponujące obrazy mogą mieć różne kolory: możesz umiejętnie opisać uczucie Miłości, szlachetny czyn, możesz równie umiejętnie opisać brudne uczynki, pożądliwe myśli lub na przykład poczucie beznadziejności ( ci ostatni są często grzeszni przez dekadentów lub po prostu cierpiących z powodu „nieszczęśliwej miłości”). Okazuje się, że sztuka może nieść zarówno dobro, jak i zło, może być zarówno twórcza, jak i destrukcyjna.
Dlatego wysoka ocena dzieł sztuki przez krytyków nic jeszcze nie znaczy, bo najczęściej oceniają oni właśnie kunszt, a nie sens, a co więcej, konsekwencje oddziaływania tego dzieła na społeczeństwo.
A wpływ jest naprawdę wielki. Czemu? Zwróćmy się w głąb sztuki i psychologii.
Sztuka jest wielowarstwowa: ma pierwszą serię semantyczną, drugą i kolejne serie semantyczne, stosunek autora do bohatera (który może być inny i nie zawsze jest wyrażany otwarcie, co komplikuje zrozumienie dzieła), półtony uczuć i odcieni emocji... To wszystko sprawia, że semantyczne bogactwo dzieł artystycznych jest bardzo duże i złożone. A kiedy czytamy wiersz lub oglądamy film, nie zawsze świadomie przetwarzamy wszystkie informacje przekazywane przez tę pracę, a to, co nie wpadło w pole widzenia świadomości trafia bezpośrednio do podświadomości. Dzieło sztuki zawiera model życia lub jego odrębną sferę (np. model relacji między mężczyzną a kobietą).
Dzieła sztuki przez swoją figuratywność i wielowarstwowość odciskają się więc w podświadomości, gdzie kwintesencja dzieła i autorski pogląd na życie pozostaje przez nas niezauważony. Sztuka wpływa nie tyle na umysł, ile na duszę.
Nic dziwnego, że Yu K. Olesha powiedział: „Pisarz jest inżynierem ludzkich dusz”. V. V. Majakowski również słusznie napisał: „Słowo jest dowódcą ludzkiej siły”. Sztuka jest figuratywnym sposobem programowania ludzkich działań, a co za tym idzie przyszłości.
Umieszczając w podświadomości pewne znaczenia i obrazy, sztuka wpływa na losy każdej osoby z osobna, sposób wychowywania dzieci oraz motywy jego działania, które wpłyną na jego pracę i spędzanie wolnego czasu. Poprzez kształtowanie światopoglądu całych warstw społecznych można kontrolować zachowania mas, kontrolować sytuację w społeczeństwie jako całości i wyznaczać wektor dalszego rozwoju tego społeczeństwa. Sztuka umożliwia więc celowe zarządzanie procesami społecznymi w długim okresie.
Należy tutaj zaznaczyć, że długotrwałe działanie jest jedną z najważniejszych właściwości, ponieważ jest to bardzo silny czynnik. Podam ci przybliżony przykład. Za pomocą bombardowania możesz zniszczyć miasto w tydzień, ale też przywrócić je w miesiąc. Przy pomocy niszczycielskiej sztuki można zniszczyć społeczeństwo za dziesięć lat, ale potem zostanie ono odbudowane na kilkadziesiąt lat, a po pewnym czasie zmiany będą nieodwracalne. Albo inny przykład. Stymulacja pieniężna poprawia jakość pracy tylko na czas wypłaty tych pieniędzy. Wypracowana za pomocą sztuki idea „praca to radość” pozwoliła w czasach sowieckich na dziesiątki lat wzbudzać motywację do pracy. Ponieważ dzieło sztuki może zawierać zarówno pożyteczne, jak i szkodliwe programy, może zarówno wychowywać wysoce moralną Osobę, jak i ją zepsuć.
Zrozumienie zarządczej natury kultury i sztuki obecne jest także na najwyższych szczeblach władzy. Potwierdzają to paragrafy 80, 81 zatwierdzonej Strategii Bezpieczeństwa Narodowego Federacji Rosyjskiej. Zarządzenie Prezesa z dnia 12.05.2009 r.:
„Głównymi zagrożeniami dla bezpieczeństwa narodowego w dziedzinie kultury jest dominacja wytworów kultury masowej skoncentrowanych na potrzebach duchowych zmarginalizowanych, a także nielegalne ingerencje w dobra kultury.
Negatywny wpływ na stan bezpieczeństwa narodowego w sferze kultury potęgują próby rewizji poglądów na temat historii Rosji, jej roli i miejsca w historii świata, promowanie stylu życia opartego na permisywizmie i przemocy, rasowym, narodowym i nietolerancja religijna”.
Niestety nie tylko kultura masowa, ale także elitarna sztuka (teatr, poezja) propaguje powyższe rzeczy, a także rozpustę i wulgarność myślenia.
Wielu autorów niestety o tym nie myśli i pisze wszystko, co do nich przyszło przez „inspirację” (użycie cudzysłowów będzie poniżej). Jednocześnie wielu prawdopodobnie zauważyło, że każdy przychodzi do siebie, odpowiedni duchem dla niego. Dlaczego tak się dzieje?
Faktem jest, że dzieło odzwierciedla światopogląd i moralność autora, jego wizję świata, jego postawy behawioralne i paradygmaty myślenia. Co więcej, wszystko to przenika do dzieła jakby samo z siebie, najczęściej niezauważalnie dla autora, bo znowu pochodzi z jego podświadomości. (Dlatego nawiasem mówiąc, twoje prace można wykorzystać do introspekcji, ponieważ ukazują każdemu własne wewnętrzne problemy. Często wynik twórczości zaskakuje samego autora, ponieważ procesy narodzin dzieła w podświadomości w zwykłym życiu są nie jest śledzony. Kreatywność jest niejako wiadomością dla mnie.)
Niektórzy autorzy zwalniają się z odpowiedzialności, powołując się na „inspirację”, inni twierdzą nawet, że fabuły i obrazy pochodzą od Boga. Dlaczego więc w tym artykule odwołujemy się do inspiracji w cudzysłowie?
Słowo „inspiracja” oznacza, że Bóg tchnął swoją ideę w autora. Z natchnienia pochodzą najczystsze i najbardziej prawdziwe uczynki, które są zgodne z Bożym zamierzeniem. A patrząc na wiele dzieł, które przykuwają twoją uwagę, rozumiesz, że pochodzą one do autora wyraźnie nie od Boga. Oprócz Boga istnieje zbiorowa nieświadomość, o której pisał Jung i wiele innych źródeł informacji. Dzieło sztuki może narodzić się w głowie autora pod wpływem pewnych grup ludzi, filozofii, otaczającej kultury, a nawet codziennych wydarzeń. W końcu nikt nie anulował wpływu na autora jego środowiska i kultury. A „inspiracja” w takich przypadkach to po prostu piękne słowo, które można łatwo zastąpić „wrażeniem” lub „urojeniem”.
Oznacza to, że wszystkie stworzone dzieła należy analizować z punktu widzenia moralności, a dopiero potem zdecydować, czy pokazać je ludziom, czy lepiej nie, aby nie przekazywać swoich złudzeń innym. Możesz napisać wszystko, co przyszło, ale opublikuj - nie wszystko. To apel do autorów. Ale w równym stopniu, apelując do rządzących, którzy wybierają dzieła na wydarzenia kulturalne, produkcje, kolekcje, publikowane kosztem publicznym.
Raikin, jako przykład złego podejścia do sztuki (po szczegóły pod linkiem)
Na przełomie XX i XXI wieku modny był pogląd, że sztuka powinna być wolna, że nie powinno się jej narzucać pewnych norm i ram, a nawet sztuka „brudna” jest potrzebna, bo odzwierciedla rzeczywistość , że może być również wysoce artystyczny i poszukiwany, a to podobno normalne. Niekiedy pojawiają się opinie, że dobro i zło są generalnie pojęciami względnymi, więc sztuki nie można oceniać z tych pozycji. Czy tak jest?
Zacznijmy od głównego. Dla poszczególnych jednostek dobro i zło są rzeczywiście względne, ponieważ to, co jest dobre dla jednego, może być złe dla drugiego. Ale jeśli spojrzymy na skalę całej ludzkości, zobaczymy ogólne wzorce i zrozumiemy, że istnieją procesy, które można prześledzić jako jednoznacznie korzystne lub szkodliwe dla społeczeństwa jako całości. Istnieją wartości wspólne dla wszystkich wyznań, wszystkich systemów prawnych, dla starożytności i nowoczesności. Na przykład przez cały czas morderstwa i gwałty były zakazane, a te stowarzyszenia, w których było to dozwolone, prędzej czy później stały się przestarzałe. Wszyscy normalni ludzie pragną miłości, harmonii, zdrowia, spokojnego życia. Głos sumienia (jeśli nie jest stłumiony) mówi wszystkim to samo. Ludzie, którzy mają poczucie sprawiedliwości i potrafią dostrzec ogólne wzorce w świecie, rozumieją, że istnieje obiektywne dobro i obiektywne zło. Ci ludzie intuicyjnie czują, że istnieją wspólne wartości, do których dusza każdego człowieka dąży i bez których szczęście jest niemożliwe. To właśnie te wartości powinny być kryterium oceny każdej aktywności.
Ponieważ sztuka jest, jak dowiedzieliśmy się powyżej, środkiem kontroli, musi być twórcza w interesie społeczeństwa i państwa. Taka sztuka jest w stanie edukować ludzi, którzy potrafią i chcą żyć jak ludzie, którzy dążą do tego, aby świat był lepszy, do tworzenia, budowania zdrowych relacji i zdrowego stylu życia.
A jeśli sztuka stwarza poczucie beznadziejności, niesie postawy szkodliwe dla społeczeństwa (egoizm, nihilizm, kult seksu, przemoc itp.), to jest destrukcyjna i nie da nic dobrego, bez względu na to, jak umiejętna i wysoce artystyczna może być.
Ktoś powie: no cóż, wady trzeba eksponować, eksponować ciemne strony rzeczywistości! No cóż, tu trzeba rozróżnić: czy autor w dziele negatywnie ocenia przywary, czy daje im alternatywę? A może po prostu delektuje się ludzkimi wadami, opisując je obrazowo i w przenośni, tym samym czyniąc je bardziej popularnymi, a nawet atrakcyjnymi?
„Wszelkie pseudoinnowacyjne próby obejścia się bez napięcia etycznego, bez zrozumienia, gdzie jest góra, gdzie jest dół, gdzie jest dobro, gdzie zło, skazane są na porażkę i zapomnienie, bo zadaniem artysty jest wyciągnięcie z chaosu jasnego znaczenia życia z wolą dobra, a nie dodawać chaosu do chaosu życia. własnej duszy." (Fazil Iskander)
Chciałbym również przypomnieć słowa M. V. Łomonosowa: „Błędy nie są warte uwagi: dać coś lepszego, co przystoi godnej osobie”.
Kreacje, które „odzwierciedlają surową rzeczywistość”, w których nie odczuwa się negatywnego stosunku autora do wad i nie daje alternatywy, psują gust czytelnika i psują umysły. Działają przeciwko społeczeństwu i państwu.
Biorąc pod uwagę, że sztuka jest najpotężniejszym narzędziem oddziaływania na psychikę, prawdziwym godnym celem twórczości powinno być ulepszanie świata i rozpowszechnianie wysokich, uniwersalnych ideałów.
Na wsparcie państwa zasługują więc tylko ci autorzy i tylko te dzieła sztuki, które niosą ze sobą wysoką moralność, szerzą idee sprawiedliwości, zachęcają do kreatywności, a jeśli zgłaszają jakiś problem lub dotykają tematu występku, robią to w taki sposób, aby widzowi (czytelnikowi) powstaje jasne zrozumienie, jak tego nie robić i do jakich tragicznych konsekwencji może to doprowadzić. Jednocześnie wskazane jest wskazanie sposobu rozwiązania zgłoszonego problemu lub zaproponowanie alternatywy.
Elena Smolitskaya
Sztuka i moc
Sukhareva Svetlana Viktorovna - nauczycielka sztuki, szkoła średnia MBOU, wieś Nikolskoe
- Zapoznanie studentów z dziełami sztuki, dzięki którym władze wzmocniły ich autorytet, a miasta i państwa zachowały prestiż.
W rozwoju człowieka
kultura stale
obserwuje się interesujący wzór. Często wykorzystywano sztukę jako przejaw wolnych, twórczych sił człowieka, lot jego wyobraźni i ducha
umacniać władzę - świecką i religijną.
Sierpień z Prima Port- ponad dwumetrowy posąg Augusta, znaleziony w 1863 roku w willi żony cesarza Augusta. Willa została odkryta niedaleko Rzymu przy Via Flaminius w rejonie Prima Porta, która w starożytności nazywała się Ad Gallinas Albas. Posąg jest kopią brązowego oryginału zamówionego przez senat rzymski w 20 rpne. mi. Uważa się, że posąg, w przeciwieństwie do większości zachowanych wizerunków Augusta, ma podobieństwo do portretu. Jest bardzo prawdopodobne, że według starożytnej tradycji była to polichromia. Obecnie posąg jest przechowywany w Muzeum Watykańskim Chiaramonti.
Francja, Paryż
data budowy: 1836
Najsłynniejszy z łuków triumfalnych znajduje się w samym sercu Paryża na Polach Elizejskich. Budowa trwała ponad 30 lat!
Utworzenie Łuku Triumfalnego na cześć zwycięstw armii francuskiej zostało zlecone przez cesarza Napoleona. Jednak nigdy nie widział swojego potomstwa.
Budowa łuku została zakończona po jego śmierci.
Rosja, Moskwa
data budowy: 1968
Główny Łuk Triumfalny Rosji został odbudowany, rozebrany, a nawet przetransportowany. Początkowo był to drewniany łuk zbudowany w pobliżu Tverskaya Zastava, aby spotkać rosyjskich żołnierzy z kampanii wyzwoleńczej w całej Europie w 1814 roku. W czasach sowieckich łuk był ukryty w muzeum przez 30 lat.
„Portret Katarzyny II - Ustawodawcy” wywołał szerokie kontrowersje w prasie rosyjskiej. Dyskusję rozpoczął poeta I. F. Bogdanowicz. Zwrócił się do artysty z poetyckim powitaniem
Lewickiego! Po narysowaniu rosyjskiego bóstwa,
Nad którym siedem mórz odpoczywa w radości,
Swoim pędzlem ujawniłeś w Pietrowgradzie
Nieśmiertelne piękno i śmiertelny triumf.
Katedra Wniebowzięcia Moskiewskiego Kremla- cerkiew położona na Placu Katedralnym Kremla Moskiewskiego. Został zbudowany w latach 1475 - 1479 pod kierunkiem włoskiego architekta Arystotelesa Fioravanti. Główna świątynia państwa moskiewskiego. Najstarszy w pełni zachowany budynek w Moskwie.
Katedra Zmartwychwstania Pańskiego Klasztor Nowa Jerozolima, wybudowany w latach 1658-1685, pomyślany był jako kopia Bazyliki Grobu Świętego w Jerozolimie, ale budowa okazała się nie tyle wiernym powtórzeniem pierwowzoru, ile jego artystyczną transformacją. Katedra została wzniesiona według pomiarów przywiezionych z Jerozolimy i w pierwszym etapie budowy, aż do 1666 roku. praca była osobiście kontrolowana przez patriarchę Nikona. Wysłał też mistrzów dworu patriarchalnego. Z powodu hańby i wygnania Nikona budowa całego klasztoru, a w szczególności katedry, została wstrzymana i kontynuowana dekretem cara Fiodora Aleksiejewicza z 1679 r.
Pałac Sowietów- niezrealizowany, okazały projekt budowlany rządu sowieckiego, nad którym prace prowadzono w latach 30. i 50. XX wieku: okazały budynek administracyjny, miejsce kongresów, uroczystości itp. Miał być zwieńczeniem wszystkich wieżowców w ZSRR w latach powojennych dziewiąty, centralny i główny stalinowski wieżowiec
Miłość do śpiewu i muzyki przeszła od ojca - Bolesława Szostakowicza - zawodowego rewolucjonisty, zesłanego przez władze carskie do wiecznego osiedla na Syberii.
Pierwszymi poważnymi osiągnięciami Szostakowicza w rozwoju tematów obywatelskich w muzyce są jego II i III Symfonia (1927-1929). Zarówno w twórczości kompozytora, jak iw historii muzyki radzieckiej zajmują szczególne miejsce, były bowiem jednym z pierwszych utworów symfonicznych, w których znalazł odzwierciedlenie temat rewolucyjny.
Wojna, która rozpoczęła się w 1941 r., opóźniła na długi czas realizację planów pokojowych: „Naszej walce z faszyzmem, nadchodzącemu zwycięstwu nad wrogiem, mojemu rodzinnemu miastu – Leningradowi – dedykuję moją VII symfonię” – napisał w partyturze Szostakowicz. latem 1941 roku.
Z niezwykłym entuzjazmem kompozytor przystąpił do tworzenia swojej VII Symfonii. „Muzyka wytrysnęła ze mnie w niekontrolowany sposób” – wspominał później. Ani głód, ani początek jesiennego chłodu i braku paliwa, ani częste ostrzały i bombardowania nie mogły przeszkodzić w natchnionej pracy.
- Przygotuj raport lub prezentację komputerową na temat związany z zaszczepianiem w ludziach pewnych uczuć i myśli poprzez sztukę.
- Analizuj różne dzieła sztuki tego samego rodzaju w różnych epokach lub wybierz epokę i przedstaw jej całościowy obraz w oparciu o dzieła różnych rodzajów sztuki.
W 2015 r. Saratów był gospodarzem międzynarodowej konferencji naukowej i praktycznej na temat „Sztuka i władza”, w ubiegłym roku opublikowano zbiór raportów.
Na tle artykułów a la Raikin: jak artyści wtedy cierpieli z powodu totalitaryzmu, a jak teraz cierpią z powodu „cenzury” i „stanu nekrofilnego”, nieoczekiwanie zabrzmiał raport jednego z komunistycznych artystów (z Komunistycznej Partii Federacji Rosyjskiej). przyjemny. Krótko i na temat, jak strzał w samym środku marudzenia.
Przedstawiam go tutaj w całości, rozrzedzony ilustracjami.
Zhivotov Giennadij Wasiliewicz
Profesor, Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej
Rosyjski Państwowy Uniwersytet Humanistyczny
Artysta i władza: retrospektywa historyczna
Twierdzę, że nie ma historii sztuki, ale historia klienta.
Wszyscy podziwiamy wielkich rzeźbiarzy starożytnej Grecji i wydaje nam się, że to oni zrodzili grecki cud. Ale jakoś zapominamy, że w tym czasie całe miasto dyskutowało o posągu, a imię Fidiasza jest nierozerwalnie związane z imieniem Peryklesa. Gdy tylko grecka polityka popadła w ruinę, sztuka grecka również poszła na marne i żaden nowy Fidiasz, nawet jeśli był co najmniej tysiąc razy bardziej uzdolniony niż ich wybitni przodkowie, nie mógł stworzyć czegoś takiego. Związek między sztuką a władzą, między sztuką a państwem jest znacznie silniejszy, niż nam się czasem wydaje.
Nie będziemy rozważać administracyjnych i penitencjarnych przejawów władzy: więzień, policji, sądów i tak dalej. Dla nas w państwie najważniejsza jest jego ideologia, jej najwyższe znaczenia, a ja chciałbym zatrzymać się na tym, co najważniejsze: relacji między ideologią a sztuką.
Kościół był w średniowieczu najważniejszym przedstawicielem ideologii państwowej. Kościół był siłą napędową tworzenia największych arcydzieł, nie da się temu zaprzeczyć. W okresie renesansu odbiorcami wielu wielkich artystów były zarówno władze kościelne, jak i świeckie. Wystarczy przypomnieć rodzinę Medyceuszy, do której należał władca Florencji Lorenzo Wspaniały i kilku papieży. A obok są imiona Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Rafaela.
Innym uderzającym przykładem jest Imperium Napoleońskie. Świetna sztuka, wspaniałe nazwiska. Potem wszystko to upadło, a do władzy doszła burżuazja, która wszystko zwulgaryzowała. Giełda Van Gogh, Cezanne, Monet tworzyli z nich mity, wieszali na nich etykiety i metki.
W Rosji nigdy nie było burżuazji w pełnym tego słowa znaczeniu. Od wieków sztuka rosyjska jest nierozerwalnie związana z prawosławiem. Ale od czasów Piotra I dominacja Zachodu zaczęła się w sztuce świeckiej. W końcu czym jest Ermitaż? Są to prace artystów holenderskich, francuskich, włoskich i innych artystów europejskich zebrane przez Katarzynę II. Nawet słynna galeria portretów dowódców z 1812 roku to order państwowy! został stworzony przez angielskiego artystę Dow.
Ale w XIX wieku Tretiakow pojawił się w Rosji. I tej osobie - klientowi prywatnemu - zawdzięczamy rozkwit sztuki rosyjskiej. Państwo, w osobie cara i wielkich książąt, zrealizowało to iw kilka lat po otwarciu Galerii Trietiakowskiej założyło Muzeum Rosyjskie. Oprócz Semiradskiego państwo zaczęło popierać Surikowa, jego ideę państwowo-cesarską. „Podbój Syberii Ermaka”, „Przejście przez Alpy Suworowa” – te obrazy Surikowa kupił cesarz. Głównym powiernikiem Muzeum Rosyjskiego był Wielki Książę.
Nowa era rozpoczęła się w XX wieku. Zachodnia elita liberałów i generałów w lutym 1917 roku obaliła monarchię i kontynuując I wojnę światową ku uciesze swoich patronów z Ententy, zniszczyła państwo w sześć miesięcy. Stare fundamenty zostały zniszczone, ale po październiku 1917 r. rząd sowiecki natychmiast zaczął projektować nowe. Wydawałoby się, że jeszcze nie ma państwa, dopiero zaczyna się wyłaniać, ale już jasno sformułowało swoje zadania: plan monumentalnej propagandy, rewolucji kulturalnej. Nie ma komórek administracyjnych, ale ideologia została już stworzona. Rezultatem był bezprecedensowy wzrost popularnych energii, których szczytem są największe nazwiska i największe arcydzieła. Była to epoka nie szkół, ale objawień. Za symbol tamtej epoki można uznać rzeźbiarza Dmitrija Filippovicha Tsaplina, rosyjskiego chłopa z prowincji Saratowskiej.
Ale stopniowo rewolucyjny element wkroczył na granitowe brzegi „Wielkiego Stylu” epoki stalinowskiej. Powstała silna, dobrze naoliwiona wertykalna relacja między artystami a rządem. Nie wszyscy artyści rewolucji wpasowali się w ten system, ale wielu z nich „uczesywało włosy” i stało się realistami. Ogromną rolę zaczęły odgrywać szkoły akademickie. Świetnie uczyli, a do wybuchu Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w Związku Radzieckim przygotowywali się znakomici artyści. Ostatnio, robiąc rysunek na Dzień Zwycięstwa, przeglądałem albumy i zobaczyłem obraz Piotra Krivonogova: salut na cześć zdobycia Reichstagu. To niesamowite! Ale dziś mało kto pamięta tego artystę z pracowni Grekov, który całą wojnę przeszedł w wojsku.
Dobrze, że nie zapomniano o nazwisku Arkady Plastov. Stalin zabrał ze sobą obraz „Faszystowski lot” na konferencję w Teheranie. Płastow był akademikiem, uznanym mistrzem, a jednocześnie był głęboko zakorzeniony w ludziach, śpiewał o wsi w jej pracach i świętach.
Gierasimowowie Aleksander i Siergiej, Borys Joganson, Aleksander Łaktionow to wielkie nazwiska socrealizmu. Ideologia była jasna, państwo jasno wyrażało swoją wolę.
Ioganson Borys Władimirowicz,Budowa ZAGES
Laktionov Alexander Ivanovich - Kadeci publikują gazetę ścienną
Tak było we wszystkich rodzajach sztuki - wymieńmy tylko triadę wielkich nazwisk kina radzieckiego: Siergiej Eisenstein, Grigorij Aleksandrow, Iwan Pyriew. Sztuka radziecka tworzyła obrazy-sny: zarówno "Pilotów przyszłości" Deineki, jak i "Kozaków Kubańskich" Pyryeva - aby bajka stała się rzeczywistością...
Ale wraz ze śmiercią Stalina, a zwłaszcza po przemówieniu Chruszczowa na XX Zjeździe Partii z jego „demaskowaniem kultu jednostki”, nastąpił szok, upadek świątyń. Rozpoczęła się „odwilż”. Pojawił się „surowy styl” - Nikonow przedstawił nieszczęsnych geologów umierających w górach, Popkov zaczął dużo mówić o wiosce, o jej cierpieniu itp.
Ponadto nawet w epoce stalinowskiej metoda brygadowa pojawiła się w sztuce. Zjazdy były losowane przez brygady, a wszyscy otrzymywali premie. A później, podczas „odwilży”, a później, w erze Breżniewa, rozpoczęła się era dużych zamówień państwowych, co oznacza duże pieniądze. Artyści tworzyli dobre dzieła sztuki, ponieważ byli dobrze wyuczeni. Ale wielkie pieniądze dały początek klanom: nie zawsze dostęp do zakonu mieli ci, którzy byli bardziej utalentowani.
Nie oznacza to, że państwo sowieckie nie wspierało innych artystów. Przypomnijmy sobie, jak organizowało się życie w Związku Artystów: powstawały komisje – morskie, sportowe, wojskowe itp. Artyści byli wysyłani do wszystkich punktów Związku Radzieckiego jako rodzaj desantu: na wielkie place budowy, na posterunki graniczne, do arteli rybackich, na wiejskie odludzie. I malowali obrazy na miejscu. Tak przez całe życie pracował mój przyjaciel Giennadij Efimoczkin, w wieku Moskiewskiego Związku Artystów. Niewygodnie jest pisać na dużym płótnie gdzieś na skale nad Angarą, a on malował małe szkice. Na podstawie tych akwareli maluje od dwudziestu lat, odtwarzając obraz sowieckiej Atlantydy... I to jest cudowna sztuka. Efimoczkin będzie malował swoje obrazy do ostatniego tchu, ponieważ jest w stanie wojny – trwającej wojny obrazów. Kiedyś przegraliśmy decydującą bitwę tej wojny i straciliśmy naszą ojczyznę - Związek Radziecki.
Ale wojna się nie skończyła, choć wielu nawet o tym nie myśli. A wcześniej, w czasach sowieckich, myśleli o tym artyści? Kiedy szukałeś klienta wśród zagranicznych dyplomatów i biegałeś po ambasadach, pomyślałeś o tym? A kiedy przyjaciele zostali zaproszeni na „wystawy spychaczy”, o czym myśleli? Spojrzeliśmy na Zachód - stamtąd przefiltrowane przez Polskę, Węgry czasopisma, tam prześlizgnęła się tzw. "sztuka nowoczesna" w osobie Warhola, Pollocka, Beuysa i innych. Marzyli o Montmartrze, zapominając, że Montmartre jest rajem dla zubożałych artystów. W Związku Radzieckim marzyli o tym artyści, mając jedzenie, warsztaty, zamówienia i tak dalej.
Dlaczego się to stało? Faktem jest, że jest walka znaczeń, ale jest walka obrazów. W walce znaczeń byliśmy znacznie silniejsi niż Zachód, nasz rząd myślał przede wszystkim o znaczeniach. A obrazy dla nas w tamtym czasie stworzyło… Hollywood. W tym samym czasie sowiecka cezura pozwoliła na ukazanie się najlepszych filmów amerykańskich, francuskich i włoskich. I człowiek miał wrażenie: „Przecież nie pokazują nam wszystkiego, a najlepsze chyba nie pokazują. A tam, na Zachodzie, jaka sztuka, jakie kino!
Hollywood stworzyło i nadal tworzy obrazy cywilizacji amerykańskiej, rozpowszechniając je na całym świecie. I okazują się silniejsze zarówno od amerykańskiej armii, jak i amerykańskich sankcji. A teraz, po najbardziej patriotycznych transmisjach, w naszej telewizji regularnie pojawiają się amerykańskie filmy. Powstaje pytanie: czy nasze państwo ma dziś ideologię?
Od odpowiedzi na to pytanie zależy przyszłość naszej sztuki, bo, jak powiedziałem, nie ma historii sztuki, tylko historia klienta.
Prosty i oczywisty pomysł. Nic do dodania. I jak wielu by się nie chciało, ale bez ideologii nigdzie. Wszystko zaczyna się od niej i bez niej wszystko się kończy.
W międzyczasie, przypominam, jego ustanowienie na poziomie państwowym jest zabronione przez Konstytucję Federacji Rosyjskiej ...
Ciągle obserwuje się ciekawy wzór. Sztuka jako przejaw wolnych, twórczych sił człowieka, lot jego wyobraźni i ducha była często wykorzystywana do wzmacniania władzy, zarówno świeckiej, jak i religijnej.
Dzięki dziełom sztuki władza wzmocniła swój autorytet, a miasta i państwa zachowały prestiż. Sztuka ucieleśniająca w widocznych obrazach idee religii, gloryfikowała i uwieczniała bohaterów. Rzeźbiarze, artyści, muzycy w różnych czasach tworzyli wyidealizowane majestatyczne wizerunki władców-przywódców. Otrzymali niezwykłe cechy, szczególny heroizm i mądrość, które oczywiście budziły szacunek i podziw w sercach zwykłych ludzi. W tych obrazach wyraźnie widoczne są tradycje pochodzące z czasów starożytnych - kult bożków, bóstw, które wzbudzały podziw nie tylko dla każdego, kto się do nich zbliżał, ale także dla tych, którzy patrzyli z daleka. Męstwo wojowników i dowódców utrwalają dzieła sztuki monumentalnej. Wzniesiono posągi konne, łuki triumfalne i kolumny upamiętniające wygrane zwycięstwa.
Jakie walory podkreślają artyści i rzeźbiarze w wizerunkach mężów stanu, władców różnych epok ikraje ? Jaki rodzajzmysły powodują te obrazy w tobie?
Jakie są podobieństwa i różnice między tymi obrazami? Jakie są wspólne (typowe) cechy, które symbolizują władzę.
Dekretem Napoleona I, który chciał uwiecznić chwałę swojej armii, w Paryżu została zbudowana Brama Triumfalna. Na ścianach łuku wygrawerowane są imiona generałów walczących u boku cesarza.
W XVIII wieku. otworzył nowy rozdział w historii Rosji. Piotr I, zgodnie z trafnym wyrażeniem Puszkina, „wyciął okno na Europę” - założono Petersburg.
Nowe idee znajdują odzwierciedlenie we wszystkich rodzajach sztuki. Pojawiło się malarstwo i rzeźba świecka, muzyka przeszła na styl europejski. Chór chórzystów suwerena został teraz przeniesiony do Petersburga i staje się Nadworną Kaplicą Śpiewaków (często śpiewał w tym chórze sam Piotr I). Sztuki głoszą chwałę Pana i toast za młodego cara całej Rosji.
Obecnie Kaplica Chóru Glinka jest majestatycznym zabytkiem kultury rosyjskiej, znanym na całym świecie. Kaplica pomaga zachować więź czasów i ciągłość tradycji.
W XX wieku, w dobie stalinizmu w naszym kraju, pompatyczna, wspaniała architektura podkreślała siłę i potęgę państwa, sprowadzając ludzką osobowość do znikomego poziomu, ignorując indywidualną oryginalność każdego człowieka. Bezduszny mechanizm przymusu państwowego podkreśla groteskowy początek w muzyce (D. Szostakowicz, A. Schnittke i inni).
Demokratyczne nastroje ludu znajdują szczególnie wyrazisty wyraz w sztuce w przełomowych momentach historii. Są to pieśni rewolucyjne, marsze podczas rewolucji październikowej w Rosji (1917), plakaty, obrazy, kompozycje muzyczne z czasów Wielkiej Wojny Ojczyźnianej (1941-1945). To zarówno pieśń masowa, odzwierciedlająca zapał pracy lat powojennych, jak i pieśń autorska drugiej połowy XX wieku. (rodzaj miejskiego folkloru), który wyraża nie tylko liryczne nastroje młodszego pokolenia, ale także protest przeciwko ograniczaniu wolności jednostki, co jest szczególnie widoczne w muzyce rockowej.
Podaj przykłady epok historycznych z rządami autorytarnymi i demokratycznymi.
Wybierz dzieła sztuki, które odzwierciedlają idee tychstany . Zapoznaj się z literaturą referencyjną.
Obejrzyj obrazy, fragmenty filmów, posłuchaj utworów muzycznych, które wyrażają ideały ludzi w różnym czasie w różnych krajach. Co możesz powiedzieć o ich ideałach społecznych?
W jaki sposób iw jakim celu sztuka wpływa dzisiaj na ludzi?
Zadanie artystyczne i twórcze
Przygotuj raport lubprezentacja komputerowa na temat związany z sugerowaniem ludziom pewnych uczuć i myśli za pomocą sztuki. Analizuj różne dzieła sztuki tego samego rodzaju w różnych epokach lub wybierz epokę i przedstaw jej całościowy obraz w oparciu o dzieła różnych rodzajów sztuki.
