Sibiryakov V. N. Pop-art i paradoksy modernizmu. M., 1969.
Voyakina S. M. Zagraniczne sztuki piękneXXV. M., 1978.
Sztuka zachodniaXXV. M.: „Nauka”, 1991.
Kantera. sztukaXXV. M., 1973.
Pole V. M. XX wiek. Sztuki wizualne i architektura krajów i narodów świata. M.: „Artysta radziecki”, 1989.
Maklakova T. G. Architektura XX wieku. Notatki z wykładów. M., 1995.
Wiek XX naznaczony był intensywną urbanizacją na skutek industrializacji, gwałtownym wzrostem liczby ludności miejskiej kosztem osób o niskich dochodach, co wymagało budowy kamienic z tanimi mieszkaniami na wynajem. Rozwija się system komunikacji i rośnie mobilność ludności. Istnieje potrzeba tworzenia nowych typów budynków (domy towarowe, banki, wieżowce, kryte obiekty sportowe i targowiska, pawilony wystawiennicze, obiekty przemysłowe). W XX wieku nastąpiła pewna dewaluacja tradycji klasycznych, co doprowadziło do rewizji kryterium „piękna” w architekturze. W związku z tym kompozycje przestrzeni i brył zaczęto budować nie z zewnętrznych symetrycznych schematów fasad, ale z funkcjonalnie celowej konstrukcji przestrzeni wewnętrznych, co znalazło odzwierciedlenie w konstrukcji zewnętrznych brył budynku.
Priorytet w ponownej ocenie czynnika tektonicznego we współczesnej architekturze należy do szkoły francuskiej, a przede wszystkim do wybitnego naukowca połowy XIX wieku, architekta i konserwatora zabytków architektury średniowiecznej Francji, Violi Le Duc, jego student, historyk architektury Auguste Choisy i jego uczeń Auguste Perret, praktykujący architekt lat 10. i 50. XX wieku XX wiek
W architekturze XX wieku. wyróżnia się następujące główne kierunki i style:
Symbolizm;
Dekonstruktywizm.
funkcjonalizm;
Ekspresjonizm;
Architektura organiczna i regionalizm;
Strukturalizm;
historyzm;
Postmodernizm;
Funkcjonalizm.
Auguste Perret pisał: „Jeśli budynek rzeczywiście spełnia swoje zadanie, to jego formy zewnętrzne powinny mówić o przyrodzonych mu funkcjach. Taki jest charakter budynku. Jeśli niewielkim kosztem uda się nadać budynkowi charakter, budynek będzie miał styl.” G. Mayer zauważył: „Wszystkie rzeczy na ziemi powstają w wyniku pomnożenia funkcji przez ekonomię. Nie wszystko zatem jest dziełem sztuki. Każde dzieło sztuki jest esejem i dlatego nie jest wskazane. Architektura jest procesem biologicznym. Architektura nie jest procesem porządku estetycznego. Powstający nowy budynek mieszkalny będzie nie tylko „maszyną do życia”, ale biologicznym urządzeniem służącym do zaspokajania potrzeb duchowych i fizycznych”.
Funkcjonalizm pojawił się na początku lat dwudziestych XX wieku. i obejmował nie tylko architekturę, ale także szeroko i wszędzie rozprzestrzeniał się na cały obiektywny świat - meble, ubrania, grafikę książkową, scenografię i kostiumy teatralne itp., kładąc teoretyczne i praktyczne podstawy projektowania.
Nowe projekty i materiały.
O Perret aktywnie korzystał z żelbetu. W 1903 roku zbudował pierwszy w Paryżu dom całkowicie żelbetowy.
Poszukuje się wyrazistości nowych konstrukcji (konstrukcje siatkowe V. G. Shukhova w Rosji). Niemiecki architekt M. Berg w latach 1911-1913 w Polsce buduje Halę Stulecia z otwartymi żebrami żelbetowego sklepienia.
Po II wojnie światowej pojawiły się nowe przestrzenne konstrukcje żelbetowe wykorzystujące linie zakrzywione (parabole, hiperbole, elipsy). Właściwości betonu sprężonego pozwalają na zwiększenie rozpiętości stropów. Ma to wpływ na budowę mostów. Połączenie myślenia logicznego i artystycznego przejawia się w projektach węzłów komunikacyjnych, garaży wielopoziomowych.
Mosty Roberta Mayera (1872-1940). Konstrukcje żelbetowe zyskują walory estetycznej wyrazistości. W 1908 roku rozpoczęto eksperymenty ze stropami bezbelkowymi w kształcie grzybka (głowice słupów nośnych w kształcie grzybka). W 1933 roku wybudowano most drogowy Schwandbach (kanton Berno) z sierpowatym odcinkiem. Od samego początku swojej działalności około 1910 roku aż do budowy swoich najnowszych mostów Meyer rozwijał zasady łuku trójprzegubowego, składającego się z kształtowników skrzynkowych. Nadał tej konstrukcji elastyczność, jaką wcześniej cieszyły się tylko mosty stalowe. W pawilonie szwajcarskiej firmy Portland Cement Company na Szwajcarskiej Wystawie Krajowej w 1939 roku w Zurychu Mayer pokazał, jak malownicze i eleganckie były konstrukcje żelbetowe. Mistrz często wykonywał pierwsze szkice wymyślonych przez siebie mostów w formie pojedynczej zakrzywionej linii narysowanej na kartce papieru podczas podróży z Zurychu do Berna, gdzie mieściło się jego biuro. Proste obliczenia inżynierskie nie wystarczą, aby utorować drogę nowym rozwiązaniom. Jest to dziedzina, w której inwencja w pełnym tego słowa znaczeniu odgrywa ważniejszą rolę niż kalkulacja. Mosty Mayera odpowiadają na zmysł estetyczny swoją poetycką ekspresją, subtelnym poczuciem równowagi.
Patio, wewnętrzny dziedziniec, intymna część domu, było szeroko rozpowszechnione w Mezopotamii już około 200 roku p.n.e. mi. Rzymskie domy wiejskie mają szereg dziedzińców, każdy poświęcony konkretnemu celowi. W 1949 roku José Luis Sert planując obozy robotnicze w Chembot (Ameryka Południowa) ponownie wprowadził patio.
Petera Behrensa (1868-1940). Swoją działalność w Niemczech rozpoczął jako architekt na początku XX wieku. Warsztat Behrensa był najbardziej znany w Niemczech. Pracowali w nim Mies van der Rohe, Gropius, a nawet Le Corbuier (5 miesięcy). Zasłynął dzięki podejściu do budownictwa przemysłowego jako problemu twórczości architektonicznej. W 1907 roku w Monachium zorganizowano Werkbund (związek przemysłowy). Jego misją jest „udoskonalenie rzemiosła i poprawa jakości produktów”. Artysta, robotnik i przemysłowiec musieli współpracować przy wytwarzaniu rzeczy mających wartość artystyczną.
Waltera Gropiusa(1883-1969) rozpoczął karierę w Niemczech w okresie świetności Werkbundu. Po ukończeniu studiów pracował w warsztacie Petera Behrensa. Trwało to od 1907 do 1910 roku, kiedy Behrens projektował elektrownię turbinową dla General Electric Company (AEG) w Berlinie. W tym samym czasie Gropius brał udział w dyskusjach w nowo zorganizowanym Werkbundie, co pomogło skrystalizować jego poglądy na temat natury architektury.
Po otwarciu własnego biura Gropius otrzymuje zamówienie od firmy Fagust na projekt fabryki past obuwniczych (1911). Fabrykę tę zaprojektowano z uwzględnieniem nie indywidualnych potrzeb człowieka, ale bezosobowych procesów zachodzących w budynku. Po 1934 Gropius pracował w Anglii.
Powojenne Niemcy i Bauhausu (1919-1928). Ekspresjonizm dotknął twórczości niemal każdego artysty w Niemczech, ale nie mógł mieć zdrowego wpływu na architekturę. Gropius zdawał sobie sprawę z niezgodności ekspresjonizmu z wymogami epoki i konieczności odejścia od niego. Kiedy Gropius połączył Szkołę Sztuk Pięknych i Akademię Sztuk Stosowanych w Weimarze, tworząc Bauhaus, próbował znaleźć nauczycieli, którzy wcześniej nie pracowali w dziedzinie sztuk użytkowych. Kurs wprowadzający powierzył młodemu artyście Johannowi Ittenowi. Od samego początku w Bauhausie pracowali rzeźbiarz Gerhart Marx i ekspresjonista Lionel Feininger, który interesował się problematyką przestrzeni.
Drugi etap rozwoju rozpoczął się w 1921 roku, kiedy do grupy Bauhaus dołączył artysta Paul Klee. Potem coraz więcej ludzi wywodziło się z grup abstrakcjonistycznych: najpierw Oskar Schlemmer w 1921 r., następnie w 1922 r. Wassily Kandinsky, a w 1923 r. Mogoly-Nagy (Węgier). Mogoly-Nagy, wydawca książek wydawanych przez Bauhaus, pomógł przezwyciężyć pozostałości romantycznego mistycyzmu.
Trzeci etap Bauhausu charakteryzuje się bliższym kontaktem z przemysłem. Miało to miejsce w czasie przeniesienia tej szkoły z Wermaru do Dessau (przed 1928 rokiem). W 1926 roku Walter Gropius kończy budowę budynku Bauhausu w Dessau
Bauhaus to najwyższa szkoła architektoniczna i artystyczno-przemysłowa. Podstawą teoretyczną Bauhaesa był funkcjonalizm – „co wygląda dobrze, co dobrze działa”. Przywódcy Bauhausu dążyli do stworzenia nienarodowej architektury demokratycznej.
W latach dwudziestych XX wieku odniósł wielki sukces holenderski Amsterdam szkoła kierowany przez I.-P. Audi. Zaprojektował kilka osiedli robotniczych i tanich domów.
CIAM-Międzynarodowe kongresy architektów współczesnych - omawiają problemy współczesnej architektury. Pierwszy kongres odbył się w 1928 roku w La Sarrou.
Szczególnie jasno objawił się funkcjonalizm w architekturze sowieckiej 1920-30 Problem kształtowania się nowej architektury nowego społeczeństwa w latach dwudziestych XX wieku. szczególnie przyciągnęła architektów młodego i średniego pokolenia, zrzeszonych w kilku stowarzyszeniach twórczych. Postawy tych stowarzyszeń były różne, jednak powszechna była orientacja na całkowite odrzucenie tradycyjnego języka form architektonicznych.
Założone w 1923 r., kierowane przez N. Ładowskiego i W. Krinskiego, Stowarzyszenie Nowych Architektów (ASNOVA), nazywające siebie racjonalistami, realizowało głównie cel estetyczny - opracowanie zasadniczo nowej składni formy architektonicznej, opartej na psycho- fizjologiczne prawa percepcji głównych elementów kompozycji architektonicznej - objętości, płaszczyzny, rytmu itp. W 1925 r. do ASNOVA dołączył K. Mielnikow, autor pierwszych sześciu klubów w Moskwie.
W 1925 r. powstało Stowarzyszenie Architektów Nowoczesnych (OSA), na którego czele stanęli A. i V. Vesninowie oraz M. Ginsburg. OSA postawiła sobie także za cel kształtowanie typów budynków odpowiadających współczesnym warunkom społecznym. Jednak podejście OCA do projektowania było bardziej pragmatyczne. W układzie budynku uwzględniono podstawową funkcjonalną i konstrukcyjną organizację przestrzeni jako źródło jej harmonizacji. Podejście to zostało sformułowane przez mistrzów OCA jako „funkcja skonstruowanej materialnej powłoki i ukrytej za nią przestrzeni”. Tendencję tę w ZSRR nazwano konstruktywizmem.
W pierwszej połowie lat 20. XX w. w ZSRR kształtuje się koncepcja przyzwoitego masowego budownictwa mieszkaniowego dla pracowników. Nieudoskonaloną zabudowę dworską na przedmieściach dużych miast przemysłowych zastąpiono komfortowym 2-4-kondygnacyjnym budynkiem kompleksowym z domami sekcyjnymi, szkołami i sklepami. Centrum społeczności kompleksu było klubem pracującym. Tak więc od 1923 r. Osada Sokół (architekt N. Markovnikov), kompleks w fabryce AMO w Moskwie (architekt I. Zhiltovsky), kompleksy mieszkalne nazwane im. Razin, oni. Kirow, oni. Artem, im. Shaumyana w Baku (architekci A. Samoilov, A. Ivanitsky), w Charkowie, Leningradzie, Tbilisi i innych miastach.
Kilka lat później idee te wprowadzono do praktyki budowlanej w krajach zachodnich, przede wszystkim w Niemczech (architekci V. Gropius, E. May, B. Taut, G. Mayer).
Ujednolicenie wyglądu i geometrii produktów fabrycznych uznano przez mistrzów nowej architektury za estetyczny sposób harmonizacji i zapewnienia artystycznej jedności chastroyki, zastępując klasyczne formy architektoniczne. Le Corbusier pisał w 1923 roku: „Trzeba stworzyć ducha serialności – chęć mieszkania w seryjnych domach, projektowania domów jako serii”. Kolosalny wpływ na kształtowanie się technik kompozytorskich w architekturze ruchu modernistycznego wywarło pięć zasad projektowania budynków opublikowanych przez Le Corbusiera (Villa Garches, Villa Savoy w Poissy) w jego książce The Radiant City:
na otwartych filarach oddzielających budynek od wilgoci gruntowej;
z połączonym płaskim, żelbetowym ogrodem na dachu, zapewniającym mieszkańcom domu dodatkową przestrzeń rekreacyjną;
z swobodnym układem przestrzeni wewnętrznych, który zapewnia wymiana wewnętrznych ścian nośnych na ościeżnicę;
z oknami taśmowymi zwiększającymi doświetlenie lokalu;
z swobodną kompozycją fasad, którą zapewnia wymiana konstrukcji nośnej ścian zewnętrznych na nienośną przy przejściu na system konstrukcyjny ramowy.
Doszło do paradoksalnej sytuacji: zaprzeczając w zasadzie normatywności klasycznych form architektonicznych, w praktyce projektowej funkcjonalizm doszedł do dość monotonnej formy receptowej, a świadome ograniczanie środków wyrazu mogłoby ostatecznie doprowadzić do deprecjacji estetyki tej szkoły. Jednak jego rozwój został przerwany przez reżimy totalitarne, które wspierały tradycyjny patos architektury klasycznej. Funkcjonalizm zyskał drugi oddech po drugiej wojnie światowej, kiedy trzeba było szybko i ekonomicznie odbudować zniszczone miasta. W latach 1940-1950. Funkcjonalizm staje się coraz bardziej powszechny niż w latach dwudziestych XX wieku.
Motyw architektoniczny szklanej fasady zrealizował Le Corbusier na początku lat trzydziestych XX wieku. w budynkach noclegowni Armii Zbawienia w Paryżu i w budynku Centrosojuzu w Moskwie. Jednak pomysł wieżowca ze szklanymi ścianami zewnętrznymi należy do innego wielkiego mistrza ruchu nowoczesnego – Miesa van der Rohe. Rozwijał go od 1919 roku w różnych projektach, ale zrealizował go dopiero kilkadziesiąt lat później w USA. Najpierw w zespole dwóch przeszklonych jednoczęściowych budynków mieszkalnych przy Lake Shock Drive w Chicago, a następnie w biurze Seagram Building w Nowym Jorku. W przeciwieństwie do funkcjonalizmu lat dwudziestych, który formalnie kultywował nową formę konstrukcyjną, ale praktycznie ją naśladował, wykonując ją z tradycyjnych materiałów, amerykański funkcjonalizm lat pięćdziesiątych. opierała się na wysoko rozwiniętym przemyśle budowlanym. Wysoka jakość nowych materiałów i produktów użytych do wykonania tych obiektów częściowo zrekompensowała elementarność ich trójwymiarowych form. Motyw wielopiętrowej szklanej wieży do biura lub hotelu został podjęty przez architektów i klientów na całym świecie. Funkcjonalizm lat 50 zwany „stylem międzynarodowym”.
W okresie szczególnie dużego rozwoju budownictwa masowego w ZSRR w latach 1950-1970. wytworzyła się sytuacja, która obiektywnie przyczyniła się do pogorszenia walorów estetycznych zabudowy mieszkaniowej. Bezprecedensowe rozmiary budownictwa zbiegły się z okresem powstawania branży budownictwa mieszkaniowego, która wymagała minimalnej różnorodności produktów przemysłowych. Swobodny rozwój obszarów mieszkalnych zniszczył utarte wyobrażenia o środowisku miejskim, wywołując u nowych osadników nostalgię za tradycyjną przestrzenią miejską.
Estetyczna i etyczna ocena funkcjonalizmu pozostaje na przestrzeni ostatnich dziesięcioleci niestabilna. W okresie szczególnie dotkliwego rozczarowania modernizmem lat 60. Zbudowany w 1927 roku według projektu Le Corbusiera zespół mieszkaniowy Pussac został w trakcie przebudowy całkowicie przekształcony przez mieszkańców (dachy płaskie zastąpiono dachami dwuspadowymi, zamknięto okna wstążkowe, ściany pomalowano i pokryto dekoracjami). Po 10-15 latach w Niemczech kompleksy mieszkalne V. Gropiusa i B Tauta - Simmensstadt, Zehlendorf, Neuokeln w Berlinie zostały pięknie i starannie odrestaurowane.
Ekspresjonizm.
Ekspresjonizm w architekturze jest gałęzią ogólnego nurtu ekspresjonizmu w sztuce, który zjednoczył literaturę (F. Kafka), muzykę (A. Skriabin), kino (R. Wiene), malarstwo (V. Kandinsky, P. Klee). W architekturze pierwsze uderzające przejawy ekspresjonizmu datuje się na lata 1919-1922. Następnie w latach 50. i 70. z różną częstotliwością pojawiają się dzieła ekspresjonistyczne. (niższe prace Le Corbusiera, E. Saarinena, J. Utsona, O. Niemeyera, G. Sharuna).
Ekspresjonizm w architekturze charakteryzuje się podkreśloną emocjonalną wyrazistością kompozycji, osiąganą często poprzez ostrość, groteskowość, celową deformację lub uogólnienie znanych form. Standard ekspresjonizmu lat dwudziestych XX wieku. był budynek laboratorium astrofizycznego „Einstein Tower” w Poczdamie (1921), zaprojektowany przez E. Mendelssohna jako swobodny budynek rzeźbiarski z monolitycznego żelbetu z plastikowymi, opływowymi formami, prawie z wyłączeniem koniugacji ortogonalnych.
W latach pięćdziesiątych z przedrostkiem „neo” ekspresjonizm ponownie wkracza na scenę światowej architektury. Najbardziej znanym dziełem neoekspresjonizmu jest kaplica w Ronchamp (Francja), zbudowana według projektu Le Corbusiera w latach 1950-1955. Jej kompozycja inspirowana jest wizerunkami pierwszych domów modlitwy w chrześcijaństwie.
G. Sharun, realizując swoje dzieło w Niemczech (opera w Berlinie), znalazł ekspresjonistyczny sposób na rozwiązanie nawet tak normatywnie określonej formy architektonicznej, jak apartamentowiec. W swoim kompleksie mieszkaniowym w Stuttgarcie „Romeo i Julia” (1956-1960) stworzył nietrywialną trójwymiarową formę budynków. Budynek „Julia” ma rzut podkowy i wysokość kaskadową (5, 8, 12 pięter), natomiast jednoczęściowy, 20-kondygnacyjny budynek „Romeo” ma plan o skomplikowanym kształcie wielokąta. Balkony i loggie o różnych skośnych kształtach nadają bryłom budynków dodatkowe, nieoczekiwane artykulacje. G. Sharun stworzył ciekawe, indywidualne przestrzenie wnętrz w skromnych mieszkaniach, pobudzając mieszkańców do kreatywnej aranżacji wnętrz.
Neoekspresjonizm, opierając się w pewnym stopniu na osiągnięciach funkcjonalizmu, wprowadził do niego humanizującą zasadę emocjonalną i indywidualną, umiejętnie wykorzystując możliwości współczesnych konstrukcji i materiałów.
Architektura organiczna i regionalizm.
Frank Lloyd Wright napisał: „Architektura organiczna to… architektura, w której integralność jest ideałem… w sensie filozoficznym, gdzie całość odnosi się do części tak, jak część do całości i gdzie natura materiałów, natura celu, natura wszystkiego, co się dokonuje, staje się jasna, mówiąc jako konieczność. Z tej natury wynika, jaki charakter, w danych konkretnych warunkach, prawdziwy artysta może nadać budynkowi.
Puryzm estetyczny i emocjonalne ograniczenia funkcjonalizmu pobudziły rozwój szeregu kierunków kompensujących te braki. Jeden z nich organiczny, drugi ma charakter regionalny. To pierwsze kojarzone jest głównie z nazwiskiem wybitnego amerykańskiego architekta F. L. Wright. Podzielając racjonalne zasady funkcjonalizmu, za równie istotną uważał estetykę tworzonych przestrzeni i kubatur. Jej podstawą było organiczne połączenie budynku z otaczającym go krajobrazem, a jego wyposażenia, mebli, naczyń – z kompozycją środowiska wewnętrznego budynku. Przez prawie 70 lat twórczego życia F. L. Wright zbudował wiele znakomitych budowli o różnym przeznaczeniu: wielopiętrowe biura, laboratoria, muzea, domy prywatne. Zasady architektury organicznej nakazywały Wrightowi użycie tradycyjnych materiałów (kamień, cegła, drewno) oraz zbieżność faktur konstrukcji elewacji i wnętrza (np. Nieotynkowany mur). Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku, zbudowane według jego projektu, cieszyło się dużą popularnością; 15-piętrowy budynek laboratoryjny Johnsona w Racine; różne rezydencje - „domki preriowe”, „Dom nad wodospadem” itp. Oczywiste jest jednak, że pełną realizację idei architektury organicznej można osiągnąć tylko we współpracy z zamożnym klientem. Wright dzieli przestrzeń rezydencji z reguły na strefy – wspólną i intymną, a przestrzeń strefy wspólnej projektuje jako „płynącą” – bez sztywnych podziałów pomiędzy holem, pokojem wspólnym i jadalnią.
Rozwój regionalizmu przypada na koniec lat trzydziestych XX wieku, a jego rozkwit przypada na lata pięćdziesiąte i osiemdziesiąte XX wieku. Przede wszystkim powstał w krajach Europy Północnej, a następnie zaczął aktywnie rozwijać się w Ameryce Łacińskiej i Japonii. W praktyce doświadczenie projektowania pawilonów narodowych na liczne wystawy międzynarodowe i światowe przyczyniło się do zidentyfikowania (czasem przesadnie) regionalnych cech architektury. Praktyka ta zaczęła się kształtować w drugiej połowie XIX wieku. W XX wieku. kraje skandynawskie wkraczają na drogę konsekwentnego regionalizmu. Odmawiają funkcjonalizmu, ponieważ wiele jego zasad staje się nie do przyjęcia w zimnym, surowym klimacie. Tutaj ponownie pojawiają się dachy o spadzistych dachach, urządza się ciepłe piwnice lub podziemia, buduje się zaokrąglone domy powtarzające zbocza pasm górskich, projektuje się zamknięte prześwity świetlne, wykorzystuje się tradycyjne materiały (cegła, kamień, drewno, w tym drewno klejone).
Regionalizm w Japonii rozwija się w trzech kierunkach - naśladownictwo, ilustracyjny tradycjonalizm i organiczne załamanie tradycji. Imitacja tradycyjnego szkieletu drewnianego w żelbecie stosowana jest w projektach budynków sakralnych różnych koncesji, ale można ją spotkać także w architekturze budynków świeckich - Pawilon Japoński na Expo-67 w Montrealu (architekt Yoshinobo Ashihara), budynek Teatru Narodowego w Tokio (architekt Hiroiki Iwamoto). Tradycjonalizm ilustracyjny charakteryzuje się sposobem wprowadzania do budowli, ułożonych w formy funkcjonalizmu, indywidualnych detali – „przypominających” tradycyjne formy architektoniczne. Taka jest na przykład koronacja budowy konferencji międzynarodowych w mieście Kioto (architekci Otani i Ochi), jako historyczny pierwowzór którego wybrano koronację świątyni z III wieku p.n.e. N. mi. w mieście Ise. Kompozycję budynku Sali Festiwalowej w Tokio (architekt K. Maekawa, 1960) można przypisać prawdziwie organicznemu kierunkowi w postrzeganiu i wykorzystywaniu tradycji. Zastosowano tu masywny dach z dużym przesunięciem. Złożone formy powłok nawiązują do tradycyjnej architektury Olimpijskiego Kompleksu Sportowego w YoYogi Park w Tokio (architekt K. Tange).
Strukturalizm.
W historii architektury XX wieku. strukturalizm, oparty na estetyzacji formy konstrukcyjnej, zajmuje pozycję pośrednią między konstruktywizmem lat dwudziestych a high-tech lat osiemdziesiątych. Klasyczny funkcjonalizm lat dwudziestych XX wieku nie pozwalał na podporządkowanie formy wolumetrycznej wymogom czysto kompozycyjnym (decydowała zawsze funkcja). Strukturalizm opierał się na możliwościach wyrazu nowych, ale już dobrze zbadanych konstrukcji. Opiera się na wyborze opcji projektowych przy projektowaniu nie tylko najlepszych pod względem wskaźników technicznych, ale z wyrazistym potencjałem budowania formy. Strukturalizm ujawnił się najwyraźniej od końca lat czterdziestych do sześćdziesiątych XX wieku. Najciekawsze dzieła strukturalizmu znajdują się w pracach P.-L. Nervi (Włochy), R. Sarger (Francja), l. Kahna (USA). Dla dwóch pierwszych mistrzów projekt był wstępem w kształtowaniu obrazu architektonicznego, dla trzeciego – funkcją.
Nervi i Sarger (pierwszy z wykształcenia podstawowego jest inżynierem, drugi architektem) w swojej działalności twórczej stworzyli najciekawsze konstrukcje, aranżowane przy użyciu wielkorozpiętościowych powłok przestrzennych z cienkościennych powłok. Chociaż takie konstrukcje w budownictwie zaczęto stosować od lat dwudziestych XX wieku, uzyskały one największą ekspresję nie tylko jako konstruktywna, ale także jako forma architektoniczna w twórczości tych mistrzów. Ich działalność związana jest z tworzeniem obrazów nowoczesnych obiektów sportowych, wystawienniczych, handlowych, komunikacyjnych, aranżowanych w oparciu o zharmonizowaną przestrzenną formę konstrukcyjną powłoki o dużej rozpiętości. Do najdoskonalszych z tej serii należą takie budowle jak Mały Olimpijski Pałac Sportu (Palazzetto della Sport) w Rzymie, sale konferencyjne UNESCO w Paryżu i pawilony wystawiennicze w Turynie autorstwa Nerviego oraz kryte targi w Nanterre i Royan w dzieło Sargera. Nawet szeroko powielany obraz obiektu widowiskowo-sportowego w postaci soczewicy czy „latającego spodka” (budynki cyrkowe w Soczi, Kazaniu i innych miastach), w którym dolna skorupa jest misą, w której znajdują się trybuny z miejscami dla widzów , a górna to spadzista kopuła z pokrywą, odstrasza kreatywność tych mistrzów.
Strukturyzacja formy budynku, jego brył i przestrzeni w pracach L. Kahna wynika z przeznaczenia funkcjonalnego tego ostatniego i wymaganego w nich oświetlenia. Grupuje lokal główny i pomocniczy w niezależne elementy trójwymiarowe, wierząc, że „architektura jest rozsądnym sposobem organizacji przestrzeni... Struktura lokali usługowych powinna uzupełniać strukturę obsługiwanych. Onda jest szorstka, brutalna, druga ażurowa, pełna światła. Harmonizując formę i rytm naprzemienności brył, L. Kahn znalazł wstępną podstawę konstrukcyjną dla indywidualnych kompozycji tak skomplikowanych obiektów dla architekta, jak wielokondygnacyjne budynki instytutów naukowo-badawczych i laboratoriów. Specyfiką twórczości L. Kahna jest zatem harmonijne strukturyzowanie.
Historyzm.
Romans narodowy w architekturze. W latach 1910 w małych i północnych krajach Europy odwoływanie się do korzeni narodowych i tradycji kulturowych nabrało szczególnego znaczenia. Znalazło to odzwierciedlenie we wszystkich typach budynków (ratusz w Sztokholmie, architekt R. Ostberg, 1911-1923). W ten sposób w architekturze świątynnej pracują A. Shchusev (Rosja), D. Scott (Anglia), E. Nachig (Serbia), L. Sonk (Finlandia). Są to budynki o przeznaczeniu kulturalnym i społecznym Momchilov P. (Bułgaria), M. Nielsen (Islandia); budynki biurowe M. Paulsona (Norwegia), V. A. Pokrovsky'ego (Rosja); Wille w stylu kalifornijskim w USA.
A. Szczusiew powiedział: „Architektura klasyczna jest językiem, który przez cały okres kulturowy ludzkości był zrozumiały dla wszystkich narodów. Jest to jedyna architektura, która zyskała międzynarodową pozycję.”
w Europie lat 30. i 40. XX wieku. (a w ZSRR do połowy lat pięćdziesiątych) historyzm stał się podstawą dla dużych zespołów. Charakterystyczną cechą wykorzystania starożytnych klasycznych form architektonicznych w tym okresie jest ich celowe uproszczenie i zgrubienie ze względu na błędne przekonanie, że środki te przyczyniają się do monumentalizacji obrazu. Kolumny tracą swą intazję, ich proporcje stają się cięższe, a kompozycje jako całość nabierają artykulacji o przesadnie dużej skali. Skrajnymi przejawami takiego surowego neoklasycyzmu były kompozycje szeregu obiektów rządowych wzniesionych we Włoszech i Niemczech w czasach reżimów totalitarnych. W ten sposób rozwiązano budowle triumfalne (łuk triumfalny w Genius i Pomnik Zwycięstwa w Balzano) autorstwa architekta M. Piacentiniego oraz obiekty sportów olimpijskich w Rzymie (architekci L. Moretti i E. del Debio). Budynek Pałacu Cywilizacji (architekt architekt M. Piacentini) w nowym publicznym centrum Rzymu – kompleks EUR, stał się swego rodzaju symbolem tego nurtu w architekturze. Kompozycja Pałacu jest uproszczoną kompozycją rzymskiego Koloseum.
W Niemczech „Trzeciej Rzeszy” taki prymitywny, fałszywie monumentalny neoklasycyzm ucieleśniał budowę Kompleksu Cesarskiego Kongresu Narodowo-Socjalistycznego w Norymberdze, Kompleksu Olimpijskiego i budowę nowej Kancelarii Cesarskiej (architekt A. Speer) w Berlinie.
W ZSRR historyzm w architekturze pierwszej połowy XX wieku. pozostawiło po sobie wiele bezsprzecznie znaczących pod względem estetycznym budowli, opartych na połączeniu klasycznych technik kompozytorskich ze stylizowanymi elementami architektury narodowej. Najlepszym przykładem takiej kompozycji jest Dom Rządowy w Erewaniu (architekt A. Tamanyan). W neoklasycyzmie takimi przykładami są budynek Rady Ministrów w Kijowie (architekt I. Fomin i p. Abrosimow), wnętrza moskiewskich stacji metra Krasnyje Worota i Kurskaja Radialnaja (architekci I. Fomin, L. Polakow), wnętrza stacji metra Oktyabyskaya ”(architekt L. Polyakov) i „Kurskaya-ring” (architekt G. Zacharow).
Jeśli w Europie po drugiej wojnie światowej funkcjonalizm stanie się bardziej powszechny, to w ZSRR język architektoniczny Cesarstwa był postrzegany jako jedyny godny sposób odzwierciedlenia triumfu zwycięstwa w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej 1941–1945. Zgodnie z prawem cesarskim przywrócono centra miast zniszczonych podczas wojny (zespół Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego na Wzgórzach Lenina w Moskwie, architekci L. Rudniew, E. Czernyszew, P. Ambrosimov, A. Chryakow, inż. W. Nasonow). Konsekwentny rozwój historyzmu w ZSRR został przerwany dyrektywą uchwałą Komitetu Centralnego Komitetu Centralnego Rady Centralnej ZSRR i Rady Ministrów ZSRR z dnia 4 listopada 1954 r. „W sprawie eliminacji ekscesów w projektowaniu i budownictwie.” Okoliczność ta spowodowała powrót krajowej praktyki projektowej na paneuropejski kanał funkcjonalizmu.
Odejście od funkcjonalizmu w krajach zachodnich na przełomie lat 50. i 60. XX wieku. determinowane jest wieloma względami społecznymi i ekonomicznymi. Ale czysto emocjonalną ocenę tego wydał amerykański architekt F. VK. Johnsona. Jako student i współautor Miesa van der Rohe przy projekcie Seagram Building w Nowym Jorku – tego symbolu „stylu międzynarodowego”, Johnson pod koniec lat pięćdziesiątych. zrywa z nim i pisze: „Mies oparł swoją sztukę na trzech rzeczach: ekonomii, nauce, technologii. Oczywiście, że miał rację. Ale właśnie to mnie nudzi. Wszyscy się nudzimy.”
Dodatkowe bodźce do rozwoju historyzmu były typowe dla lat 60. i 70. XX wieku. zjawiska społeczne, takie jak rozwój branży turystycznej i praktyka organizowania wystaw międzynarodowych i światowych (EXPO). Kompozycja architektoniczna pawilonów wystawienniczych opierała się zazwyczaj na oryginalności narodowych form architektonicznych. W efekcie od lat 70 rozpoczyna się nowy okres w rozwoju historyzmu w architekturze. Kierunek ten jest różnorodny, ale otrzymał ogólną nazwę postmodernizmu.
Postmodernizm.
C. Jenke stwierdził: „Postmodernizm jest populistyczno-pluralistyczną sztuką bezpośredniej komunikacji”.
P. Weil i A. Geis zauważają: „Postmodernizm jest sztuką epoki, która przetrwała upadek wszystkich wielkich idei ludzkości. Artysta nie buduje już utopii, nie przebudowuje, lecz osadza się w świecie, starając się zadomowić w nim maksymalnie komfortowo. Dla postmodernizmu prawo nie jest pisane, ono żyje eklektyzmem, odważnie ugniatając swoją sztukę na fragmentach cudzych słów i idei. Kultura przeszłości jest dla niego sklepem ze śmieciami, skąd bierze wszystko, co wchodzi w grę, obficie przyprawiając powstały produkt słowami autora… Każda scena tutaj jest cytatem, to, nawiasem mówiąc, wyraża ducha postmodernizmu, który cudzysłów uczynił swoim głównym narzędziem i głównym symbolem.
Postmodernizm jest szerokim zjawiskiem społecznym, które rozprzestrzeniło się na wiele dziedzin kultury – filozofii. Literatura, muzyka, sztuki piękne, architektura.
Ideologicznym podłożem postmodernizmu było głębokie rozczarowanie ideologią postępu historycznego sformułowaną przez francuskich oświeceniowców XVIII wieku. i opiera się na idei racjonalnej reorganizacji społeczeństwa i człowieka. Filozofowie postmodernizmu (M. Foucault, J. Derrida) twierdzą, że to, co obiecali oświeceniowcy XVIII wieku. urzeczywistnienie utopii społecznej przerodziło się w koszmary rewolucji i totalitaryzmu, gdyż ukierunkowało jednostkę i społeczeństwo na niewzruszoną hierarchię wartości, ku pewnemu centrum duchowemu, absolutowi moralnemu. Filozofia postmodernizmu wychodzi z założenia, że to orientacja na absolut nieustannie odtwarza struktury totalne i totalną świadomość. Jedyną alternatywą może być pluralizm. W tym kontekście postmodernizm jest powszechnie interpretowany jako pluralizm i orientacja na fragment, a nie na całość.
W architekturze postmodernizm ukształtował się pod koniec lat 70. XX wieku. i jednoczy dziś różnych mistrzów pod względem zasad twórczych i stylu.
Postmoderniści poddali największej krytyce takie podstawowe założenia modernizmu, jak podział funkcjonalny miast, asceza form architektonicznych, odrzucenie całego dziedzictwa twórczego, regionalizm i ekologiczne podejście do projektowania.
W dziedzinie form architektonicznych postmodernizm charakteryzuje się odrodzeniem (często eklektycznym) historycznych systemów architektonicznych i wszelkiego rodzaju dekoracji (murarstwo dekoracyjne, płytki, malarstwo, kompozycje porządkowe), odwołaniem się do wyrazistych cech układu ściennego z awaria taśm okiennych, które ją niszczą, odrodzenie aktywnej sylwetki wykończenia budynku (szczypce, frontony, attyki) w przypadku odmowy stosowania dachów płaskich. Odżywają zasady konstrukcji kompozycyjnej – symetria, proporcjonalność. Rozwój pustych ścian jest bardzo różnorodny, na którym łączone są tekstury, kolory, nisze itp.
Programem rozwoju postmodernizmu stał się jeden z największych budynków tego stylu, wieżowiec ATT w Nowym Jorku (1978), zaprojektowany przez byłego funkcjonalistę, a obecnie mistrza postmodernizmu F.K. Johnsona.
Wieżowiec Plate Glass w Ptsburghu (architekci F. Johnson i K. Burgee) został zaprojektowany jako zespół 44-kondygnacyjnej bryły centralnej otoczonej znacznie bardziej pryzmatycznymi bryłami (6-10 pięter). Wszystkie tomy wyłożone są lustrzanym szkłem z brązu i mają wyraziste sylwetki wykończeń. Autorzy starali się wpasować budynek w otaczający go kontekst.
W pracach teoretyków i praktyków postmodernizmu (R. Venturi, M. Culot, L. Krier, A. Rossi, A. Gryumbako) formułowane są jego główne założenia:
„imitacja” zabytków i „modeli”;
pracować w „stylach” (historycznym i architektonicznym);
„archeologia odwrotna” – dostosowanie projektowanego obiektu do starej tradycji budowlanej;
„życie codzienne realizmu i starożytności”, realizowane poprzez znane „umniejszanie” lub upraszczanie stosowanych klasycznych form architektonicznych.
Postrzeganie widza jako wspólnika i zainteresowanego konsumenta (a nie przeciętnego mieszkańca miasta) z góry determinowało zabawny, teatralny charakter postmodernizmu, a czasem nawet wyraźne cechy kiczu i rekwizytu.
W Europie zespół kompleksu mieszkalnego Picasso Arena na 540 mieszkań na paryskim przedmieściu Marne-le-Vallee (1985), zaprojektowany przez M. Nuneza, można przypisać najsłynniejszym postmodernistycznym kompozycjom urbanistycznym. M. Nunez, młody hiszpański robotnik, pasjonat teatru, dołączył do warsztatu Tallier de Arquitecture i pracował w nim od chwili jego powstania. Nie otrzymał wykształcenia zawodowego, ale przez lata pracy w warsztacie zdobył niezbędne umiejętności w praktyce. Od 1978 roku odszedł od warsztatu i pracuje samodzielnie. Konkurując z Tallière de Arcitectura, zaprojektował kompleks Picasso Arena na tych samych przedmieściach Paryża, gdzie znana pracownia projektowała kompleks Pałacu Abraxas. Obydwa projekty były realizowane niemal jednocześnie.
Kompozycja kompleksu Picasso Arena jest ściśle symetryczna. W centrum znajdują się dwa 17-piętrowe domy w formie płaskich okrągłych dysków („budziki” lub „ule”), wsparte na płaskiej podstawie z rozbudowanych domów 4-piętrowych oraz rozbudowane domy 7-10-piętrowe , tworząc boczne skrzydła zespołu. Przestrzeń zespołu łączą wysokie (cztery piętra) pasaże usytuowane na osi kompleksu oraz „budziki”. Formy architektoniczne zespołu są niezwykle eklektyczne: łączą w sobie gotyckie przypory z elementami klasycznymi, detalami konstruktywistycznymi i dekoracyjną rzeźbą inspirowaną obrazami barokowymi. W całej kompozycji dominuje duch teatralności, szokującego kiczu i celowej niefunkcjonalności (szczególnie na płytach mieszkalnych).
Zgodnie z treścią zarządzenia wykorzystanie dziedzictwa architektonicznego w dziełach postmodernistycznych rozwija się bardzo różnie: ironiczna karykatura, fragmentaryczne wykorzystanie detali, dokumentalne dokładne cytowanie.Przykładem tego ostatniego jest budowa muzeum zbiorów sztuki multimilioner P. Getty. Budynek został zaprojektowany przez R. Langdona i E. Wilsona i jest odtworzeniem starożytnej „Willi Papirusów” z I wieku naszej ery. N. mi. podczas erupcji Wezuwiusza Herkulanum.
Postmodernizm jest zorientowany na klienta. Stąd jego zalety i wady.
Wysoka technologia.
High-tech to estetyczny trend w architekturze, który ukształtował się w latach 70. XX w. Jest nowoczesną modyfikacją technizmu, która wyznaje radykalną odnowę języka architektury pod wpływem postępu technologicznego. W pewnym sensie hi-tech jest ostatnim etapem rozwoju estetycznego form technicznych, zapoczątkowanego przez konstruktywizm w latach dwudziestych XX wieku i kontynuowanego przez strukturalizm w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku.
High-tech różni się od poprzednich etapów jedynie nieodłącznym demonstracyjnym supertechnizmem, w którym funkcjonalne wykorzystanie konstrukcji budowlanych oraz systemów i urządzeń inżynieryjnych rozwija się w dekoracyjne i teatralne z elementami przesady i ironii, co jest również nieodłączne inne współczesne nurty w sztuce, przede wszystkim postmodernizm. W odróżnieniu od konstruktywizmu i strukturalizmu, które operują głównie w oparciu o żelbet i szkło, high-tech skupia się na opanowaniu potencjału estetycznego konstrukcji metalowych w połączeniu ze szkłem. Ponadto high-tech aktywnie włącza elementy swojego sprzętu inżynieryjnego do składu budynków i konstrukcji - kanały powietrzne, szyby wentylacyjne, rurociągi. Opierając się na czysto technologicznej praktyce przedsiębiorstw przemysłowych do oznaczania rurociągów różnych systemów inżynieryjnych różnymi kolorami, high-tech wykorzystuje tę technikę w budynkach użyteczności publicznej już jako narzędzie kompozycyjne.
Ideologiczny prekursor high-tech słusznie uważany jest za architekta Y. Czernikowa. Pozostawił po sobie liczne fantazje architektoniczne z lat 30. XX wieku. kompozycje budynków i konstrukcji, w których wyglądzie prętowe konstrukcje stalowe harmonijnie łączą się z ascetycznymi płaszczyznami obudowy i elementami systemów inżynierskich. O priorytecie J. Czenikowa świadczy także najobszerniejsza monografia amerykańskiego historyka architektury D. Colina na temat zaawansowanych technologii, przetłumaczona na większość języków europejskich.
W praktyce prekursorzy high-tech w XIX wieku. uważany za „Pałac Kryształowy” przez architekta D. Paxtona, a w XX wieku. - dzieło Miesa van der Rohe. Ten wybitny architekt, który zaczynał jako funkcjonalista, w późnym okresie swojej twórczości (lata 50.-60.) stał się zdeklarowanym antyfunkcjonalistą. Wychodząc ze stanowiska, że funkcja jest krótkotrwała, a ścisłe jej przestrzeganie prowadzi do dezaktualizacji budynków stołecznych, starał się tworzyć obiekty o uniwersalnej przestrzeni wewnętrznej, łatwo dopasowującej się do zmieniających się funkcji. Mies van der Rohe zastosował wielkorozpiętościowe ramy (budynek wydziału architektonicznego Uniwersytetu Illinois, 1955), kolumny i kratownice (projekt teatru w Mannheim, 1953), kolumny oraz stalową konstrukcję dachu (projekt budynek Nowej Galerii Narodowej w Berlinie) jako systemy zdalnego wsparcia., 1962-1968).
Priorytet włączenia do kompozycji rurociągów w jaskrawych kolorach należy do architekta E Saarinena (Centrum Technologiczne General Motors w Detroit). W hi-tech stosuje się łączone ramy z elementów sztywnych i kablowych, istnieje tendencja do przesadzania wymiarami konstrukcji nośnych.
High-tech w sposób naturalny i celowy ujmuje w swojej orbicie nie tylko wygląd i wnętrza budynku, ale także otoczenie - elementy małej architektury i dekoracyjne rzeźby wykonane z tego samego materiału co elewacje. Przed budynkiem Congress-Halle (architekci R. Schuller i W. Schuller-Witte, 1973-1979), na niskim cokole, znajduje się rzeźba – „kiść aluminiowych kiełbasek”, ironicznie kontrastująca z jej płynnymi formami podkreślona geometria budynku.
Najbardziej znanym budynkiem high-tech był budynek Centrum Sztuki. J. Pompidou na płaskowyżu Beaubourg w Paryżu (architekci M. Piano i R. Rogers). Opierając się na zadaniu stworzenia swobodnej przestrzeni ekspozycyjnej, autorzy poszli drogą Miesa van der Rohe, jednak doprowadzili ją do absurdu. W budynku o szerokości 50 m każda z sześciu kondygnacji parterowych pokryta jest stalowymi kratownicami wspartymi na zewnętrznych stalowych wspornikach kratowych. Rozpiętość 50 m przeznaczona na ekspozycję książek i obrazów jest zdecydowanie nadmierna, a odpowiadająca takiej rozpiętości wysoka wysokość kratownic powoduje, że niemal połowę kubatury budynku zajmują przestrzenie międzykondygnacyjne międzygospodarskie. W związku z tym konieczne było zbudowanie dodatkowych ścian wewnętrznych w celu zorganizowania ekspozycji. Tutaj na elewacji umieszczono komunikację inżynierską, ukośnie wzdłuż głównej fasady umieszczono schody ruchome umieszczone w przezroczystej rurze z tworzywa sztucznego.
Szerzej, ale w umiarkowanych formach, zasady high-tech stosowane są w kompozycji wnętrz budynków biurowych, hoteli, domów towarowych, wielofunkcyjnych budynków typu atrium. Ogromną (na całą wysokość budynku) przestrzeń atrium przykrywa na górnym poziomie półprzezroczysta metalowa konstrukcja. Uzupełnieniem tego konstruktywnego systemu są ciche windy z przezroczystymi kabinami, rurociągami i kanałami powietrznymi.
W 1980 Największym i najbardziej znanym budynkiem cywilnym high-tech był wieżowiec Hong Kong-Shanghai Banking Corporation, zbudowany w Hongkongu w 1986 roku według projektu Norman Foster Architectural Corporation. Układ konstrukcyjny budynku to most beczkowy (lub grill beczkowy). Na końcach budynku znajduje się osiem podpór beczkowych. Każda podpora składa się z czterech kolumn o przekroju rurowym, połączonych sztywnymi nadprożami piętro po piętrze w wydrążony przestrzenny pień pręta. Wały połączone są jednoprzęsłowymi kratownicami (38,4 m). W kierunku prostopadłym do kratownic podpory pnia łączą sztywny ruszt z ukośnych stężeń (który znajduje się na elewacji).
Kolorystyka Hi-Tech opiera się na połączeniu achromatycznych odcieni z jasnymi kolorami.
Hi-tech stale się rozwija, wykorzystując nowoczesne technologie i materiały.
Symbolizm.
Symbol w sztuce to obraz o maksymalnym stopniu uogólnienia i ekspresji, wyrażający ideę.
Rozwojowi różnych kierunków ewolucji architektury XX wieku stale towarzyszy, nie mieszając się z nimi, powstawanie budynków i budowli pełniących funkcje symboliczne - budynków-symboli lub zawierających elementy symboliczne. Zwykle przywołuje się je (wyraźnie lub w sposób zawoalowany) do symbolizowania jakiejś idei ideologicznej, państwowej, religijnej lub innego programu, który nie wynika bezpośrednio z funkcji budynku lub budowli.
Operze w Sydney należy przypisać budowle symboliczne, a zaletą jej kompozycji jest dwuznaczność symboliki: jedni krytycy widzą w niej wizerunek żaglowca, inni – gadające zakonnice w wykrochmalonych czapkach. Do dziś najbardziej wyrazistym z symbolicznych budynków pozostaje terminal na lotnisku. J.Kennedy’ego w Nowym Jorku. Budynek terminala został zaprojektowany przez E. Saarinena w 1958 roku. Wykonany jest z monolitycznego żelbetu z powłoką złożoną z czterech cienkościennych skorup o dodatniej krzywiźnie Gaussa, tworzących symboliczny obraz odlatującego ptaka. E Saarinenowi udało się osiągnąć niezwykłą harmonię struktury, znajdując właściwą miarę uogólnienia obrazu w granicach między naturalizmem a schematem.
Wraz z symboliką obrazkową, postępując w większym lub mniejszym stopniu uogólniając na podstawie wizualnie postrzeganych obrazów, rozwinęła się także symbolika spekulatywna, którą nazywa się architekturą „dla aniołów i lotników”. Charakteryzuje się podporządkowaniem decyzji planistycznej budynku obrazowi symbolicznemu, który w normalnych warunkach nie jest postrzegany wizualnie. Przykładem tego jest budowa katolickiej katedry Najświętszej Marii Panny w Tokio (architekt K. Tange, 1964). Rombową bryłę Katedry Katolickiej wzdłuż głównych, wzajemnie prostopadłych osi uzupełniają podłużne latarnie świetlne, co pozwala obserwować z wysokości w nocy te przecinające się latarnie, niczym świetlisty krzyż łaciński.
Dekonstruktywizm.
Zainteresowanie modernizmem odżyło w latach 70. i 80. XX wieku. ponownie wkracza na arenę światowej architektury pod nazwą neomodernizmu. Zachowując zalety funkcjonalizmu, neomodernizm jest wolny od szeregu niedociągnięć. To już nie jest biała ascetyczna architektura, ale architektura aktywnie wykorzystująca kolor. Dzieła neomodernizmu organicznie wpisują się w kontekst rozwoju.
Kluczowy dla powstania neomodernizmu odegrał początek lat 70. XX wieku. przenikanie na Zachód informacji o architekturze radzieckiej awangardy lat 20. XX w., które doprowadziło do lat 80. XX w. do poważnej fascynacji jej obrazami i pomysłami.
Gałąź enomodernizmu, opierająca się nie na bezpośrednim zapożyczeniu idei z przeszłości, ale na ich pewnym przekształceniu, nazwano dekonstruktywizmem („decon”).
Generalnie (przy całej różnorodności indywidualnych sposobów i wyznań twórczych), opierając się na kompozycyjnych zasadach konstruktywizmu, mistrzowie „dekonu” uciekają się do pewnego odkształcenia technik konstruktywizmu („zniekształcenia abstrakcji”), które nadają kompozycji dynamikę i ostrość. Jako źródła różni autorzy dekonstruktywizmu wybierają różne okresy i różnych autorów rosyjskiej awangardy. Na przykład R. Koolhas i Z. Hadid w swojej twórczości skupiają się na późnej awangardzie, a zwłaszcza na „architekturze antygrawitacyjnej” I. Leonidowa (patrz jego projekt Instytutu Lenina, 1927). R. Koolhaas włączył do kompozycji swojego teatru tańca w Hadze (1984-1987) bryłę przewróconego „złotego” stożka, w którym umieścił restaurację, a Z. Hadid – bryłę podwieszaną z lokalami klubowymi w projekcie konkursowym „Peak Club” dla Hongkongu (1983 r.).
Platformą światopoglądową dekonstruktywistów jest stanowisko współczesnego francuskiego filozofa Jacques’a Derridy, który krytykuje metafizyczny charakter wszelkich form współczesnej świadomości europejskiej, polegający jego zdaniem na zasadzie „bycia jako obecności”, która absolutyzuje obecny. J. Derrida wyjścia z tej metafizyczności widzi w odnajdywaniu jej historycznych źródeł poprzez analityczny podział („dekonstrukcję”) najróżniejszych tekstów kultury humanitarnej w celu zidentyfikowania w nich podstawowych pojęć i warstw metafor, które wychwytują ślady kolejnych epoki. Choć główne założenia światopoglądu J. Derridy opierają się na jego pracy z językiem i pismem, to jednak przepisy swojej teorii odnosi on do architektury dekonstruktywizmu.
Pod tym względem interesująca jest jego ocena projektu planu zagospodarowania przestrzennego Parc de la Villette w Paryżu autorstwa architekta Bernarda Tschumi, który zwyciężył w międzynarodowym konkursie. W projekcie B. Chumi park nasycony jest rozproszonym światłem, głównie parterowymi pawilonami - „foley” (metaliczne konstrukcje w jaskrawych kolorach oparte na połączeniu obrazów i technik rosyjskiego konstruktywizmu). J. Derrida pisze, że „folie wprowadzają do całości kompozycji poczucie przesunięcia, przemieszczenia, angażując w ten proces wszystko, co do tej pory wydawało się nadawać architekturze sens... Folie dekonstruują przede wszystkim semantykę architektury. Destabilizują znaczenie, znaczenie znaczenia. Czy nie doprowadzi to z powrotem na pustynię „antyarchitektury”, do zerowego znaku języka architektonicznego, w którym zatraca się on sam, swoją estetyczną aurę, swoją podstawę, swoje hierarchiczne zasady?... Z pewnością nie. Foleyowie… zatwierdzają, utrzymują, aktualizują i „przepisują” architekturę. Być może ożywiają energię zamrożoną, zamurowaną, pogrzebaną we wspólnym grobie nostalgii ”(Jenks Ch. Deconstruction. The Pleasures of Absence. // Dekonstruktywizm architektoniczny. - M., 1991, s. 14).
Zatem jasne dzieła dekonstruktywizmu opierają się na estetyce izolowania poszczególnych detali budynku. Czasami autorzy stwarzają wrażenie wstępnej analizy budynku na jego części składowe i późniejszej próby złożenia nowej konstrukcji z części składowych. W tym przypadku części są „nie na miejscu” lub „nie są w pełni zmontowane”. Powstaje imitacja pocisku uderzającego w część budynku i jego częściowego zniszczenia. Muzeum Guggenheima w Bilbao wygląda jak ogromna sterta zniekształconego metalu pozostawiona w centrum miasta.
Nowe modele miast.
Pod koniec XIX w. Ebenezera Howarda wysunięto pomysł miasta-ogrodu. Patricka Jedsa rozpatrywał organizm miasta z punktu widzenia biologa w książce „Cities in Evolution” (1915, „Cities in Evolution”). Pisze: „Plany dumnych to nie gołe schematy, ale system hieroglifów, poprzez który człowiek nakreślił historię cywilizacji… Naszym zadaniem jest rozszyfrowanie hieroglifów i napełnienie ich życiem”.
"Miasto przemysłowe" Tony’ego Garniera(1901-1904) – model miasta, w którym autor starał się kompleksowo rozwiązać problemy miasta. Garnier nazywa żelbet głównym materiałem budowlanym. W „Miaście Przemysłowym” możesz poruszać się bez korzystania z ulic komunikacyjnych. Domy Garnier z tarasami i ogrodami na dachach to dobre połączenie budownictwa i starej, klasycznej tradycji. Układ ten został częściowo wdrożony w Lyonie.
Le Corbusier w 1922 roku w Paryżu przedstawił projekt „Nowoczesne miasto dla 3 milionów mieszkańców”.
Z. Gidion opisuje koncepcję „czasoprzestrzeni” w planowaniu miast. Urbanista bada skład różnych warstw społecznych ludności, ich grupy wiekowe i strukturę rodzin. Następuje stopniowe odchodzenie od koncepcji liniowego układu ulic i „osi”, przejście do kryteriów gęstości zaludnienia. W Amsterdamie na hektar przypada od 110 do 550 mieszkańców. Urbanista nie powinien tworzyć sztywnego i kompletnego systemu.
Parkway (parkway) Henry Goodson wzniesiony w latach 1934-1937. w Nowym Jorku. Drogi parkowe nie posiadają skrzyżowań komunikacyjnych na tym samym poziomie i są otoczone zielenią.
Około 1960 roku domy z płyt stały się powszechne na całym świecie. Ściany budynku RCA wznoszą się jako bryła na wysokość 259 m.
Niedawno rozpoczęło się przejście od planarnego planowania miasta do planowania wolumetrycznego. Już Utzon podkreślał istnienie powiązań pomiędzy poziomymi „warstwami” pod ziemią i nad ziemią. Współczesne planowanie urbanistyczne polega na budowaniu warstw lub poziomów. „Pojedynczy budynek traci na znaczeniu w porównaniu z całością” – powiedział japoński architekt Fumihiko Maki.
Ottona Wagnera(1841-1918) zdawali sobie sprawę, że problemów mieszkaniowych miasta nie da się rozwiązać za pomocą modelu miasta-ogrodu. Jako pierwszy wskazał, że planowanie miasta powinno uwzględniać potrzeby różnych warstw społecznych ludności i stwarzać zdrowe warunki „dla przeciętnego mieszkańca”. Potrzeby te zmieniają się z biegiem czasu.
Na kongresie CIAM w Atenach w 1933 r. wysunięto żądania: „aby każde miasto stworzyło generalny plan rozwoju i zarządzenia zapewniające jego realizację”, jak Wagner przemawiał 30 lat wcześniej. Jak stwierdzono w " Karta Aten» «Słońce, zieleń, przestrzeń to trzy główne elementy rozwoju miast». Wdrożenie zasad „Karty Ateńskiej” doprowadziło do uregulowania kształtowania krajobrazu obszarów mieszkalnych, odrzucenia zabudowy zamkniętej blokowej z dziedzińcami-studniami, przejścia do otwartej zabudowy swobodnie przewietrzanej z dobrym nasłonecznieniem mieszkań ze względu na przeważnie południkowe położenie budynków. Ta okoliczność z kolei determinowała zastosowanie systemu opartego głównie na budowie linii.
System słupkowy
Dolmen Poulnabron w Irlandii. Rok 2005 SteveFE/Flickr Najprostszy projekt architektoniczny znany z neolityczny. Od czasów starożytnych po dzień dzisiejszy stosowany był we wszystkich budynkach pokrytych dachem płaskim lub dwuspadowym. W przeszłości na słupach z tego samego materiału układano belki drewniane lub kamienne - dziś zamiast kamienia naturalnego stosuje się metal i żelbet.
Około 2500 r. p.n.e. mi.
Początek projektowania kolumn
Grób faraona z V dynastii Sakhura. Rekonstrukcja Ludwiga Borchardta. 1910 Wikimedia Commons starożytni egipscy architekci pozostał wierny układowi słupowo-ryglowemu, ale nadawał znaczenie formom architektonicznym. Kolumny w ich świątyniach zaczęły przedstawiać palmę, lotos lub wiązkę papirusu. Te kamienne „zarośla” opowiadają o lesie zaświatów, przez który dusze zmarłych muszą przedostać się do nowego życia. Architektura stała się więc sztuką piękną. Później zaczęto tworzyć ogromną rzeźbę z architektury i in Mezopotamia. Woleli jednak rzeźbić byki, gryfy i inne stworzenia ze świata zwierząt.
Około 700 r. p.n.e. mi.
Składanie antycznego zamówienia
Świątynia T w Selinunte. Rysunek autorstwa Jacques’a Ignace’a Giettorfa. 1859 Wikimedia Commons Grecy podjął temat architektury jako sztuki samej architektury, a raczej historii pracy jej struktur. Od tego momentu podpory systemu słupowo-ryglowego nie tylko ozdabiają budynek, ale także pokazują, że coś wspierają i że jest to dla nich trudne. Proszą o współczucie publiczności i dla perswazji naśladują budowę i proporcje sylwetki ludzkiej – męskiej, żeńskiej czy dziewczęcej. Ściśle logiczny układ elementów wspierających i wspieranych nazywa się porządkiem. Zamówienie- (od łac. Ordo) system wojskowy, porządek.. Zwykle istnieją trzy główne rzędy - dorycki, joński i koryncki - oraz dwa dodatkowe - toskański i złożony. To moment narodzin architektury europejskiej.
Około 70 r. n.e. mi.
Początek powszechnego stosowania konstrukcji łukowych
Koloseum w Rzymie. Grawerowanie autorstwa Giovanniego Battisty Piranesiego. 1757 Wikimedia Commons Rzymianiełuki i konstrukcje łukowe (sklepienia i kopuły) zaczynają być szeroko stosowane. Belka pozioma może pęknąć, jeśli jest za długa; części klinowe w łukowym łuku nie pękają pod obciążeniem, ale są ściskane i nie jest łatwo zniszczyć kamień pod ciśnieniem. Dlatego konstrukcje łukowe mogą pokrywać znacznie większe przestrzenie i obciążać je znacznie śmielej. W tym samym czasie, po opanowaniu łuku, architekci Rzymu nie zaczęli komponować nowego języka architektonicznego, który miałby zastąpić starożytną grekę. System słupowo-belkowy (czyli słupy i podparte na nich elementy) pozostał na elewacjach, ale obecnie często nie sprawdzał się, a jedynie ozdabiał budynek. W ten sposób Rzymianie uczynili z zakonu dekorację.
318 rok
Powrót architektów wczesnochrześcijańskich do drewnianych więźb dachowych
Bazylika Świętego Piotra w Rzymie. Rekonstrukcja autorstwa Henry'ego Williama Brewera. 1891 Wikimedia Commons Upadek zachodniego imperium rzymskiego spowodował upadek gospodarki tego, co dziś nazywamy Europą Zachodnią. Na budowę stropów kamiennych nie wystarczyło środków, choć istniała potrzeba budowy dużych budynków, przede wszystkim świątyń. Dlatego bizantyjski budowniczowie Musiałem wrócić do drzewa, a wraz z nim - do systemu słupowo-ryglowego. Krokwie wykonywano z drewna - konstrukcji dachu, gdzie część elementów (rozpórek) zgodnie z prawami geometrii pracuje nie na pękanie, ale na rozerwanie lub ściskanie.
532 rok
Początek użytkowania przez bizantyjskich architektów kopuły na żaglach
Kopuła Hagia Sophia w Konstantynopolu. rok 2012 Hochgeladen von Myrabella / Wikimedia Commons przełom technologiczny Architektura bizantyjska- osadzenie kopuły, wynalezionej jeszcze w starożytnym Rzymie, nie na okrągłych ścianach zamykających przestrzeń wewnętrzną, ale na czterech łukach - odpowiednio, z tylko czterema punktami podparcia. Pomiędzy łukami a pierścieniem kopuły uformowano dwuwklęsłe trójkąty - żagle. (W kościołach najczęściej przedstawiają ewangelistów Mateusza, Łukasza, Marka i Jana - cztery filary kościoła.) Zwłaszcza dzięki temu projektowi cerkwie mają dla nas znajomy wygląd.
Około 1030
Powrót do budowy sklepień łukowych w architekturze romańskiej
Katedra w Spirze w Niemczech. Rysunek Augusta Essenweina. 1858 Wikimedia Commons Na początku drugiego tysiąclecia naszej ery w Europie zaczęły kształtować się potężne imperia, a każde z nich uważało się za spadkobiercę Rzymu. Odrodziły się także tradycje architektury rzymskiej. majestatyczny romański katedry ponownie przykryto konstrukcjami łukowymi, nawiązującymi do antycznych - sklepieniami kamiennymi i ceglanymi.
1135
Architekci gotyccy nadają budowlom łukowym zarysy lancetowe
Katedra Świętego Krzyża w Orleanie Renauda Camusa/Flickr Łukowe i łukowe konstrukcje mają jedną poważną wadę. Próbują uciec. Zanim gotyk architekci przeciwdziałali temu efektowi, budując grube ściany. Następnie znaleziono inną technikę: łuki i sklepienia zaczęto wykonywać lancetowo. Konstrukcja tej formy naciska bardziej na podpory niż na boki. Dodatkowo z boków system ten wsparty był specjalnymi „mostami” – latającymi przyporami, które wrzucono z oddzielnych filarów – przyporami. W ten sposób ściany zostały uwolnione od wszelkich obciążeń, rozjaśnione lub wręcz zniknęły, ustępując miejsca malowidłom na szkle – witrażom.
1419
W epoce renesansu, baroku i klasycyzmu style kształtują się niezależnie od nowatorstwa zastosowanych konstrukcji.
Widok na Plac Zwiastowania Najświętszego. Malarstwo Giuseppe Zocchiego. 16 wiek Na placu znajduje się portyk Ospedale degli Innocenti („Schronienie niewinnych”) autorstwa architekta Philipa Brunelleschiego (1419-1445). christies.com
renesans dał światu najwspanialsze kopuły, ale od tego momentu wielkie style powstały nie tyle dzięki innowacjom budowlanym, ale w wyniku zmiany samego obrazu świata. Renesans, manieryzm, barok, rokoko, klasycyzm i imperium narodziły się raczej dzięki filozofom, teologom, matematykom i historykom (i w pewnym stopniu tym, którzy wprowadzili do mody galanterię), niż twórcom nowych projektów sufitów. Aż do era rewolucji przemysłowej innowacje w technologiach budowlanych nie są już czynnikiem decydującym o zmianie stylu.
1830
Początek „gorączki kolejowej” doprowadził do masowego zastosowania przy budowie konstrukcji metalowych
Uruchomienie linii kolejowej Liverpool-Manchester. Rysunek autorstwa AB Claytona. 1830 Wikimedia Commons Szyny, pierwotnie przeznaczone wyłącznie dla kolei, okazały się idealnym materiałem budowlanym, z którego łatwo można stworzyć mocne konstrukcje metalowe. Szybki rozwój lądowego transportu parowego przyczynił się do wzrostu wydajności walcowni, gotowych zapewnić inżynierom dowolną liczbę kanałów i dwuteowników. Z takich detali do dziś powstają szkielety wieżowców.
1850
Szkło staje się pełnoprawnym materiałem budowlanym
Pałac Kryształowy w Hyde Parku. Rysunek autorstwa Philipa Brannana. 1850-1851 Muzeum Wiktorii i Alberta Fabryczna produkcja dużych szyb okiennych umożliwiła opracowanie technologii budowy najpierw dużych szklarni, a następnie okazałych budynków o innym przeznaczeniu, w których albo wszystkie ściany, albo dachy były wykonane ze szkła. Bajkowe „kryształowe pałace” zaczęły się spełniać.
1861
Początek przemysłowego zastosowania żelbetu
Rysunek domu Francois Coigneta z listopadowego wydania magazynu L „Ingénieur z 1855 r. historia-vesinet.org Próby wzmocnienia betonu podejmowano już w starożytnym Rzymie; metalowe pręty do wzmacniania podłóg zaczęto aktywnie stosować od początku XIX wieku. W latach sześćdziesiątych XIX wieku ogrodnik Joseph Monnier, szukając sposobu na wzmocnienie wanien ogrodowych, przypadkowo odkrywa, że jeśli w betonie ułożone zostanie metalowe zbrojenie, wytrzymałość powstałej części wielokrotnie wzrasta. W 1867 roku odkrycie zostało opatentowane, a następnie sprzedane zawodowym inżynierom, którzy opracowali metody stosowania tej nowej technologii. Jednak przedsiębiorczy ogrodnik był tylko jednym z kilku ojców nowej technologii budowlanej. Na przykład w 1853 roku we Francji inżynier François Coignet zbudował dom w całości ze zbrojonego betonu, a w 1861 opublikował książkę na temat jego zastosowania.
1919
Łączenie wszystkich możliwości technologicznych w nowym
"nowoczesny styl
Pawilon Esprit Nouveau autorstwa Le Corbusiera w Paryżu. Pocztówka z 1925 roku delcampe.net W swoim manifeście na łamach magazynu Esprit Nouveau Le Corbusier, jeden z liderów architektów modernistycznych, formułuje pięć zasad nowoczesnej architektury, które przywracają ją do antycznych ideałów – nie zewnętrznie, ale przede wszystkim: wizerunek budynku znów zaczął naprawdę odzwierciedlają pracę konstrukcji i funkcjonalny cel tomów. Na początku XX wieku wystrój fasad zaczęto postrzegać jako oszustwo. Trzeba było sięgnąć do początków, wziąć przykład ze starożytnych świątyń greckich, które zgodnie z prawdą opowiadały o działaniu budowli. Jednak obecnie podłogi wykonywano z żelbetu, co oznacza, że tam, gdzie dana część pracuje na przerwę, zamurowane w niej zbrojenie jest odporne na rozerwanie. Dlatego nowoczesne konstrukcje mogą obejmować przęsła o niemal dowolnej szerokości. Teraz budynki mogłyby całkowicie stracić swoje kolumny, dekoracje, mogłyby mieć ciągłe przeszklenia, czyli nabrać znanego nam „nowoczesnego wyglądu”.
Sztuka krajów arabskich ma złożone korzenie. W Arabii Południowej sięgają kultur państw Sabaean, Minean i Himyarite (I tysiąclecie p.n.e. - VI wiek n.e.), związanych z Morzem Śródziemnym i Wschodem. Afryka. Starożytne tradycje można prześledzić w architekturze przypominających wieże domów Hadhramawt i wielopiętrowych budynków w Jemenie, których fasady ozdobione są kolorowym reliefowym wzorem. W Syrii, Mezopotamii, Egipcie i Maghrebie style średniowiecznej sztuki arabskiej również kształtowały się lokalnie, doświadczając pewnych wpływów kultury irańskiej, bizantyjskiej i innych.
Architektura. Głównym obiektem sakralnym islamu był meczet, w którym gromadzili się wyznawcy proroka na modlitwę. Meczety, składające się z ogrodzonego dziedzińca i kolumnady (co zapoczątkowało meczet typu „dziedziniec” lub „kolumna”), w 1. połowie VII wieku. powstały w Basrze (635), Kufie (638) i Fustat (lata 40. VII w.). Typ kolumnowy przez długi czas pozostawał dominującym typem monumentalnej architektury sakralnej krajów arabskich (meczety: Ibn Tulun w Kair, IX wiek; Mutawakkil w Samarze, IX w.; Hassan w Rabacie i Koutoubia w Marakeszu, oba XII w.; Wielki Meczet w Algierze, XI w. itd.) i wywarł wpływ na muzułmańską architekturę Iranu, Kaukazu, śr. Azja, Indie. W architekturze rozwinęły się także konstrukcje kopułowe, czego wczesnym przykładem jest ośmiokątny meczet Kubbat As-Sahra w Jerozolimie (687-691). W przyszłości różne budynki sakralne i pamiątkowe uzupełniano kopułami, najczęściej zwieńczano je mauzoleami nad grobami znanych osób.
Od XIII wieku aż do początków XVI wieku. Architektura Egiptu i Syrii była ze sobą ściśle powiązana. Przeprowadzono duże fortyfikacje: cytadele w Kairze, Aleppo (Aleppo) itp. W monumentalnej architekturze tamtych czasów zasada przestrzenna, która dominowała w poprzednim etapie (meczet na dziedzińcu), ustąpiła miejsca okazałym bryłom architektonicznym: na gładkiej powierzchni z potężnych ścian i dużych portali z głębokimi niszami wznoszą się wysokie bębny dźwigające kopuły. Powstają majestatyczne budowle Czterech Aiwanów (patrz. Iwan) typu (wcześniej znanego w Iranie): maristan (szpital) Kalauna (XIII w.) i meczet Hassana (XIV w.) w Kairze, meczety i medresy (szkoły duchowe) w Damaszku i innych miastach Syrii. Buduje się liczne mauzolea kopułowe, czasami tworzące malowniczy zespół (cmentarz mamelucki w Kairze, XV-XVI w.). Do dekoracji ścian na zewnątrz i we wnętrzu, wraz z rzeźbą, powszechnie stosuje się inkrustację wielobarwnym kamieniem. W Iraku w XV-XVI w. w wystroju zastosowano kolorową glazurę i złocenia (meczety: Musa al-Kadima w Bagdadzie, Hussein w Karbali, Imam Ali w Nadżafie).
Rozkwit nastąpił w X-XV wieku. Architektura arabska Maghrebu i Hiszpanii. W dużych miastach (Rabat, Marrakesz, Fez itp.) budowano kasby – cytadele, ufortyfikowane potężnymi murami z bramami i wieżami oraz medyny – siedziby handlowe i rzemieślnicze. Duże meczety kolumnowe Maghrebu z wielopoziomowymi, kwadratowymi minaretami wyróżniają się mnóstwem przecinających się naw, bogactwem rzeźbionych ozdób (meczety w Tlemcen, Taza itp.) i są wspaniale ozdobione rzeźbionym drewnem, marmurem i mozaikami z wielokolorowe kamienie, jak liczne medresy z XIII-XIV wieku w Maroku. W Hiszpanii, wraz z meczetem w Kordobie, zachowały się inne wybitne zabytki architektury arabskiej: minaret La Giralda, wzniesiony w Sewilli przez architekta Jebera w latach 1184-96, brama do Toledo, pałac Alhambra w Granadzie – arcydzieło architektury arabskiej i sztuki zdobniczej XIII-XV wieku. Architektura arabska wpłynęła na architekturę romańską i gotycką Hiszpanii („styl Mudéjar”), Sycylii i innych krajów śródziemnomorskich.
Sztuka dekoracyjno-użytkowa i piękna. W sztuce arabskiej zasada dekoracyjności, charakterystyczna dla myśli artystycznej średniowiecza, została żywo ucieleśniona, dając początek najbogatszemu zdobieniu, specyficznemu w każdym regionie świata arabskiego, ale połączonym ogólnymi wzorcami rozwoju. Arabeska nawiązująca do motywów starożytnych to nowy rodzaj wzoru stworzonego przez Arabów, w którym matematyczny rygor konstrukcji łączy się ze swobodą wyobraźni artystycznej. Opracowano także ornament epigraficzny – kaligraficznie wykonane napisy wkomponowane w zdobniczy wzór.
Ozdoba i kaligrafia, które były szeroko stosowane w dekoracji architektonicznej (rzeźbienie w kamieniu, drewnie, pukanie), są również charakterystyczne dla sztuki użytkowej, która osiągnęła wysoki rozkwit i szczególnie w pełni wyraziła dekoracyjną specyfikę sztuki arabskiej. Ceramikę dekorowano kolorowym wzorem: szkliwione sprzęty gospodarstwa domowego w Mezopotamii (ośrodki – Rakka, Samarra); naczynia malowane złotymi żyrandolami w różnych odcieniach, wykonane w Fatymidach w Egipcie; Ceramika błyszcząca hiszpańsko-mauretańska z XIV-XV wieku, która wywarła ogromny wpływ na europejską sztukę użytkową. Światową sławę cieszyły się także arabskie wzorzyste tkaniny jedwabne – syryjskie, egipskie, mauretańskie; Arabowie wytwarzali także dywany z włosiem. Do ozdabiania przedmiotów z brązu artystycznego (mis, dzbanków, kadzielnic i innych przyborów) wykorzystuje się najlepsze gonitwy, grawerowania i inkrustacje ze srebra i złota; produkty z XII-XIV wieku wyróżniają się szczególnym kunsztem. Mosul w Iraku i niektóre ośrodki rzemieślnicze w Syrii. Słynęło syryjskie szkło pokryte najlepszą emalią i egipskie wyroby z kryształu górskiego, kości słoniowej i drogiego drewna ozdobione wykwintnymi rzeźbionymi wzorami.
W krajach islamu rozwinęła się sztuka, wchodząca w złożony sposób w interakcję z religią. Meczety, a także świętą księgę Koranu zdobiono wzorami geometrycznymi, kwiatowymi i epigraficznymi. Jednak islam, w przeciwieństwie do chrześcijaństwa i buddyzmu, odmawiał szerokiego wykorzystania sztuk pięknych do promowania idei religijnych. Ponadto w tzw. autentyczne hadisy, zalegalizowane w IX wieku, zawierają zakaz przedstawiania żywych istot, a zwłaszcza ludzi. Teolodzy XI-XIII wieku (Ghazali i inni) obrazy te uznano za najcięższy grzech. Jednak artyści w całym średniowieczu przedstawiali ludzi i zwierzęta, sceny rzeczywiste i mitologiczne. W pierwszych wiekach islamu, gdy teologia nie wypracowała jeszcze swoich kanonów estetycznych, obfitość realistycznych obrazów i rzeźb w interpretacji obrazów i rzeźb w pałacach Umajjadów świadczyła o sile przedislamskich tradycji artystycznych. W przyszłości przedstawienie w sztuce arabskiej tłumaczy się obecnością zasadniczo antyklerykalnych poglądów estetycznych. Na przykład w „Przesłaniach braci czystości” (X w.) Sztukę artystów definiuje się „jako naśladowanie wizerunków istniejących przedmiotów, zarówno sztucznych, jak i naturalnych, zarówno ludzi, jak i zwierząt”.
Meczet w Damaszku. VIII w. Wnętrze. Republika Syryjsko-Arabska.
Mauzolea na cmentarzu mameluckim pod Kairem. 15 - błagam. XVI wiek Zjednoczona Republika Arabska.
Malarstwo Sztuka piękna rozkwitła w Egipcie w X-XII wieku: wizerunki ludzi i sceny rodzajowe zdobiły ściany budynków w Fustat, ceramiczne naczynia i wazony (mistrz Saad itp.), Wplecione we wzór kości i rzeźb w drewnie ( tablica z XI w. z pałacu Fatimidów w Kairze itp.), a także tkaniny lniane i jedwabne; Naczynia z brązu wykonywano w formie figurek zwierząt i ptaków. Podobne zjawiska miały miejsce w sztuce Syrii i Mezopotamii w X-XIV w.: sceny dworskie i inne wpisują się w wyszukany rzeźbiony ornament z przedmiotów z brązu z inkrustacją, na wzór malarstwa na szkle i ceramice.
Piękny początek był mniej rozwinięty w sztuce arabskiego Zachodu. Jednak powstawały tu także rzeźby dekoracyjne w postaci zwierząt, wzory z motywami żywych stworzeń, a także miniatury (rękopis „Dzieje Bajadu i Riyadu”, XIII w., Biblioteka Watykańska). Sztuka arabska jako całość była jasnym, oryginalnym zjawiskiem w historii światowej kultury artystycznej średniowiecza. Jego wpływ rozprzestrzenił się na cały świat muzułmański i wykraczał daleko poza jego granice.
4. Architektura jako forma sztuki
Architektura jest jedną z najstarszych form sztuki, wyrażającą w budynkach sakralnych i użyteczności publicznej światopogląd ludzi w określonej epoce historycznej, określonym stylu artystycznym.ARCHITEKTURA (łac. artystycznie zorganizowane środowisko życia ludzkiego. Również sztuka kształtowanie tego środowiska przestrzennego, tworzenie nowej rzeczywistości, która ma znaczenie funkcjonalne, przynosi korzyści człowiekowi i dostarcza przyjemności estetycznej. Termin ten obejmuje projekt wyglądu konstrukcji; organizacja przestrzeni wewnętrznej; dobór materiałów do zastosowań zewnętrznych i wewnętrznych, projektowanie systemów oświetlenia naturalnego i sztucznego oraz systemów wspomagania inżynierskiego; zaopatrzenie w energię elektryczną i wodę; projekt dekoracyjny.Każdy z budynków ma określone przeznaczenie: do życia lub pracy, rekreacji lub nauki, handlu lub transportu. Wszystkie są trwałe, wygodne i niezbędne dla człowieka – to ich obowiązkowe właściwości.
Rodzaje architektury
Istnieją trzy główne typy architektury:
Architektura obiektów trójwymiarowych.Obejmuje budynki sakralne i obronne, budynki mieszkalne, budynki użyteczności publicznej (szkoły, teatry, stadiony, sklepy itp.), budynki przemysłowe (fabryki, fabryki itp.);
Architektura krajobrazu związana z organizacją przestrzeni ogrodnictwa krajobrazowego (skwery, bulwary i parki z „małą” architekturą – altanki, fontanny, mosty, schody)
Urbanistyka, obejmująca budowę nowych miast i rekonstrukcję starych obszarów miejskich.
Style architektury
Architektura jest ściśle związana z życiem społeczeństwa, jego poglądami i ideologią.Architektura starożytnej Grecji opiera się na idei doskonałego, rozwiniętego fizycznie i duchowo człowieka. Starożytni architekci budowali wszystkie swoje budynki zgodnie z proporcjami ludzkiego ciała, ucieleśniając harmonię, sprzeciw wobec żywiołów natury, majestatyczną klarowność i człowieczeństwo. „Styl epoki” (romański, gotycki itp.) występuje głównie w tych okresach historycznych, kiedy postrzeganie dzieł sztuki różni się względną sztywnością, gdy nadal łatwo dostosowuje się do zmiany stylu.
Wielkie style - romański, gotyk, renesans, barok, klasycyzm, imperium / odmiana późnego klasycyzmu / - są zwykle uznawane za równe i równoważne.Rozwój stylów jest asymetryczny, co na zewnątrz wyraża się w tym, że każdy styl stopniowo się zmienia od prostych do złożonych; jednak ze złożonego na prosty powraca tylko w wyniku skoku. Dlatego zmiany stylu zachodzą na różne sposoby: powoli - od prostego do złożonego i gwałtownie - od złożonego do prostego.Styl romański zastępuje gotyk na ponad sto lat - od połowy XII wieku. do połowy XIII wieku. proste formy architektury romańskiej stopniowo przekształcają się w skomplikowany styl gotycki.W obrębie gotyku dojrzewa renesans.Wraz z nadejściem renesansu ponownie rozpoczął się okres poszukiwań ideologicznych, wyłonienie się integralnego systemu światopoglądowego. A jednocześnie rozpoczyna się na nowo proces stopniowego komplikowania i rozpadu tego, co proste: bardziej skomplikowany staje się renesans, a po nim barok. Barok z kolei, stając się coraz bardziej złożony, w niektórych rodzajach sztuki (architektura, malarstwo, sztuka użytkowa) zamienia się w rokoko. Potem znowu następuje powrót do prostoty i w wyniku skoku barok zostaje zastąpiony klasycyzmem, którego rozwój w niektórych krajach został zastąpiony przez imperium.
Powody zmiany par stylów są następujące: rzeczywistość nie wybiera stylu spośród istniejących, lecz tworzy nowy styl i przekształca stary. Utworzony styl jest stylem podstawowym, a styl przekształcony jest stylem dodatkowym.
Architektura ojczyzny
Architektura obwodu grodzieńskiego
Kościół Borisoglebskaya (Kołożska), zabytek starożytnej architektury rosyjskiej drugiej połowy XII wieku.
Zamek w Mirze, wpisany na Listę UNESCO, Zamek w Lidzie (XIV-XV w.)
Architektura obwodu mińskiego
Kościół archikatedralny Najświętszej Marii Panny (druga połowa XVII – początek XVIII w.)
Kościół Św. Symeona i Heleny (Kościół Czerwony) - zabytek architektury neogotyckiej z elementami secesji (1908 - 1910)
Zespół Pałacowo-Parkowy w Nieświeżu (XVII – XVIII w.)
Kościół Bernardynów we wsi Budslav, rejon Myadel, zabytek architektury barokowej (XVIII w.)
Architektura obwodu witebskiego
Katedra Zofii, zabytek architektury XI-XVIII wieku.
Kościół Zbawiciela Eufrozyny, zabytek starożytnej architektury rosyjskiej (1152–1161). Na jego ścianach i kolumnach zachowały się unikalne freski.
Literatura:
1. Gerchuk Yu.L. Podstawy umiejętności artystycznych. –M., 1998
2. Daniłow V.N. Metody nauczania plastyki i pracy artystycznej. Mn., 2004
3. Kasterin N.P. rysunek edukacyjny. –M.: Oświecenie, 1996
4. Lazuka B. Sloўnіk terminaў pa arhіtektury, vyyaўlenchamu dekaratyўna-prykladnomu umiejętność. - Mn., 2001
5. Nemensky B.M. Pedagogika sztuki. –M.: Oświecenie, 2007
Architektura, projektowanie, sztuka i rzemiosło należą do utylitarnych form kreatywności. Oznacza to, że rozwiązują problemy utylitarne - ruch, organizację życia codziennego, miasta, mieszkania, różne typy życia ludzkiego i społeczeństwa. W przeciwieństwie do twórczości artystycznej (sztuki piękne, literatura, teatr, kino, poezja, rzeźba), która tworzy jedynie wartości duchowe, kulturowe i estetyczne, które nie mają wartości użytkowej.
Wzornictwo różni się od sztuki i rzemiosła technologiczną produkcją masową, w przeciwieństwie do rzemiosła w grudniu. Sztuka użytkowa. Architektura i projektowanie, jako pojęcia pokrewne, różnią się jedynie skalą przestrzenną; miasto, dzielnica, zespół, budynek w architekturze i otoczeniu wnętrza ulicy, wzornictwo przemysłowe, sztuka. design w „designie”, ale na przykład wnętrze i architektura krajobrazu są przedmiotem zarówno architektury, jak i designu.
Projektowanie i architektura to działania utylitarne i artystyczne, których celem jest stworzenie środowiska przedmiotowo-przestrzennego. Architektura to starsza koncepcja, design jest bardziej nowoczesny, ale różnica między nimi jest minimalna, często nie do odróżnienia.
Projektant tworzy formy - krajobraz, plac, element środowiska miejskiego - kiosk, fontanna, przystanek, lampa zegarowa, przedsionek/, pokój, meble, biuro, wnętrze.
Przestrzenie wewnętrzne są kształtowane przez architekta, a nasycanie projektanta często odbywa się za pomocą jednego lub drugiego, co w praktyce świadczy o bliskości, a często nierozróżnialności zawodu architekta. i projektant.
Architektura i design należą do sztuki ekspresyjne, które nie odzwierciedlają bezpośrednio rzeczywistości, ale ją tworzą. w odróżnieniu sztuki piękne(malarstwo, grafika, literatura, teatr, rzeźba) odzwierciedlające w sposób artystyczny rzeczywistość materialną i duchową.
Wykład 1. Metodologia projektowania
1. Związek między stanem społecznym i ideologicznym społeczeństwa a designem.
Współczesna praktyka „nowego eklektyzmu”
2. Metoda twórcza – metoda profesjonalna – „indywidualny sposób”.
Interakcja metod na różnych etapach twórczości.
Interakcja metody i etapów działalności zawodowej
Przykłady są różne
3. Subiektywne i obiektywne w procesie twórczym.
- Każda działalność, bardziej kreatywna niż projektowanie, jest ze sobą powiązana i odzwierciedla społeczną organizację społeczeństwa, rozwój kulturalny, ideały estetyczne na swój sposób…. Egipt odzwierciedla całkowitą deifikację obiektywnego świata i architektury, średniowiecze, sprzeciw, klasycyzm, konstruktywizm. W XX wieku doświadczyliśmy upadku historyzmu, narodzin modernizmu i konstruktywizmu w sztuce architektury i designu. Odrzucenie tradycyjnych form kompozycji detali, zasada swobodnego planowania była postrzegana jako rewolucja i jakby odbicie rewolucji społecznej, jednak na Zachodzie rewolucji nie było i narodził się tam ruch z nią związany, zwany ruchem nowoczesnym było prawdziwym połączeniem (Group Style Holland i lider konstruktywizmu w Rosji). Jednak rewolucję tę przygotowały zarówno nowe technologie i materiały (zh.b) więźby belkowej, jak i nowe nurty artystyczne - kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, ale także wstrząsy społeczne (rewolucje, I wojna światowa), nowe nurty filozoficzne (socjalizm .Komunizm, narodowy socjalizm –faszyzm)………., kryzys moralności burżuazyjnej. Dużo mówiło się o prawdomówności w opozycji do mieszczańskiego dekorowania i dekoratyzmu. Zmiany w środowisku przedmiotowym i przestrzennym przygotowywał zarówno rozwój myśli filozoficzno-naukowej oraz nowych nurtów abstrakcji artystycznej, jak i rozwój technologii, ale także wstrząsy społeczne, które nadawały pewien patos ideologiczny oraz ukształtowały i rozwinęły życiodajną zasadę - który stwierdził, że rzeczywistość można zmieniać w oparciu o idee i koncepcje artystyczne i przestrzenne, już ukształtowane idee ruchu nowożytnego i konstruktywizmu
Secesja jako modny nurt nowej mieszczaństwa i kupców (dwór Morozowa).
Naprzeciwko Izby Gmin idea socjalna. miasta, socjalizacja życia codziennego jako przejaw w obiektywnym świecie idei socjalizmu. Utopijna idea, że zmieniając otoczenie, możesz zmienić samego człowieka.
Oczywiście obiektywny świat środowiska i architektury odzwierciedla za pomocą swoich środków system gospodarczy i poziom rozwoju zarówno społeczeństwa, jak i panującą w społeczeństwie ideologię i system wartości, jednak zależność ta nie jest bezpośrednia, ale złożona, często idee sztuki dla sztuki są dostosowywane i przemyślane do obiektywnych realiów.
Architektura i inżynieria lądowa, dekoracja wnętrz i organizacja krajobrazu zajmowały w kulturze renesansu poczesne miejsce. Zmieniają się metody budowy, układ i wystrój mieszkań.
W prostych domach, dzięki wewnętrznym przegrodom, zwiększa się liczba pomieszczeń. W miastach i posiadłościach rodzinnych powstają całe pałace w stylu renesansowym. Rozwój reżimu absolutystycznego nierozerwalnie wiązał się z budową zamków-rezydencji królewskich i jednocześnie fortyfikacji. Rozprzestrzenianie się idei renesansowych w architekturze doprowadziło do opracowania projektów „idealnych” budynków i całych osiedli. Istnieją importowane, tłumaczone, lokalne traktaty o architekturze i budownictwie. Z zagranicy, głównie z Holandii, ściągają wybitni mistrzowie różnych specjalności: Adrian de Fries, Hans van Steenwinkel Starszy (ok. 1550-1601) i jego synowie – Lawrence, Hans, Mortens, a także Hans van Oberberk i inni Skandynawowie zapożyczone przykłady stylu architektonicznego z Niemiec, Holandii, Włoch, Francji. Duńska architektura renesansowa, z kolorystyką czerwonej cegły, masywnymi prostokątnymi budynkami i dyskretnym wystrojem, była zwykle zorientowana na architekturę północnoniemiecką.
Budownictwo w Danii osiągnęło swój największy rozmach za 60-letniego panowania Chrystiana IV, zwłaszcza do 1617 roku. Szło ono jednocześnie w różnych kierunkach. Budowano całe miasta z nowym układem i regularnym kształtem zabudowy – geometrycznym lub promienistym. W sumie z inicjatywy króla pojawiło się 14 nowych miast - w Skanii, Zelandii, Jutlandii Południowej, Norwegii.
347
Wzniesiono potężne twierdze: Frederiksborg w Hillered (1602-1625), Kronborg w Helsingorze i inne, na które składał się zamek, budynki biurowe, magazyny i koszary, otoczono wałami, rowami i bastionami. Sam król był dobrze zorientowany w architekturze i nadzorował budowę budowli. Planowany budynek w XVII wieku. całkowicie zmienił oblicze Kopenhagi i znacznie powiększył jej rozmiar. Pałac, port wojskowy, renesansowa giełda papierów wartościowych (1619-1625) zostały zbudowane lub założone za Chrystiana IV. Architekci L. i X. van Steenwinkelowie otrzymali zadanie zbudowania go jako „świątyni nowej polityki gospodarczej”. W wyniku entuzjazmu budowlanego Kopenhaga zamieniła się w XVII-wieczne miasto. w jednej z najpiękniejszych stolic Europy. Współistnieją tu różne linie stylistyczne: gotyk, manieryzm, rodzący się barok.
W Szwecji okres ten charakteryzuje się także przebudową starych budynków i wznoszeniem nowych. W stylu renesansowym powstają zamki Gripsholm, Vadstena i Uppsala, pałace, ratusze i domy prywatne w miastach. Z drugiej strony budowanie kościołów podupada.
Budynki tamtych czasów odpowiadały bogatemu wyposażeniu wnętrz, wspanialsze w Szwecji, bardziej powściągliwe w Danii: skrzynie, ławy, sekretarzyki, szafki. Drewniane meble i panele pokrywano najbardziej skomplikowanymi obrazami lub rzeźbami fabularnymi o tematyce biblijnej i świeckiej, wyłożone wyrobami wykonanymi z drogich kamieni i metali, fajansu i drewna. Na ścianach wisiały oryginalne świeckie gobeliny, masa portretów i obrazów. W sieniach, na dziedzińcach i w ogrodach pojawiają się rzeźby, często całymi grupami, zazwyczaj w duchu antyczno-mitologicznym. Szczególną modę panowała na kafle piecowe malowane i zdobione, a także piece żeliwne i żeliwne z rzeźbieniami odlanymi.
Innowacje inżynieryjne i budowlane tamtych czasów obejmują hydraulikę: w zamkach i pałacach pojawiły się rury z kranami i skomplikowane fontanny. Pałace i zamki dekorowali zarówno poszczególni mistrzowie, jak i całe warsztaty. Połączenie wpływów Europy Zachodniej, zwłaszcza Holandii i Niemiec, z lokalnymi tradycjami stworzyło przykłady o niepowtarzalnym stylu.
W tym okresie sztuka była stosowana przede wszystkim w przyrodzie. Jako ważny element wnętrza, służył wyrażaniu i utrwalaniu prestiżu. Stąd na przykład niezwykłe rozpowszechnienie w tamtych czasach wspaniałych epitafiów, portretów ceremonialnych (rzeźbiarskich i obrazowych), obrazów alegorycznych.
Najbardziej imponującą i prestiżową formą sztuki była rzeźba, która rozkwitła później, wraz z nastaniem baroku. Większość rzeźbiarzy stanowili obcokrajowcy, którzy wykonywali głównie zamówienia króla. „Królewski budowniczy” Hans Steenwinkel kierował tworzeniem szeregu rzeźbiarskich pomieszczeń
348
stanowiska dla fontann. Na zlecenie Christiana IV w Amsterdamie Hendrik de Keyser wykonał rzeźby. Słynną Fontannę Neptuna we Frederiksborgu wykonał Holender Adrian de Fries (1546-1626).
Powszechnie stosowano płaskorzeźby, głównie nagrobne, ale także dekoracyjne.
Zainteresowanie wizerunkiem osoby, zwłaszcza portretami rodzinnymi, stało się jedną z cech malarstwa tego okresu. Często portrety wykonywano nadal według starych wzorców: statyczne, warunkowe, pozbawione cech psychologicznych. Uroczyste wizerunki władców i członków ich rodzin, które weszły w modę - uroczyste, z symbolami władzy - od XVII wieku. utrzymywane były najczęściej w stylu klasycystycznym. Okres ten charakteryzuje się także bogactwem portretów miejskich patrycjuszy i uczonych; wszyscy mają na sobie czarne szaty i oznaki wykonywanego zawodu. Być może najwcześniejszym portretem uczonego mieszczańskiego jest humanista Wedel (1578). Wymowny jest portret rodziny Rodmanów z Flensborga (1591), gdzie on sam, jego dwie żony i 14 dzieci stoją wokół krucyfiksu. Sam Rodman, jedna z jego żon i czwórka dzieci, jako już nieżyjące, są oznaczeni krzyżem nad głowami. W ten sam sposób wykonano także inne portrety rodzinne – epitafia mieszczan. Połączenie umarłych i żywych niewątpliwie odzwierciedla ówczesne idee o jedności życia i śmierci, o nierozerwalnym związku obu światów. Autorzy tych portretów są nieznani, na ogół większość portretów mieszczan i szlachty prowincjonalnej wykonywana była anonimowo, wręcz przeciwnie, rodzina królewska i szlachta korzystały z usług znanych mistrzów. Około 200 portretów osób królewskich i szlacheckich namalował Holender Jacob van Doordt, wiele - Holender Joost Verheiden.
Stopniowo wyłania się w Danii nowy typ artysty – osoba wykształcona i kulturalna, dość bogata i bliska naukowcom humanistycznym, często artysta dziedziczny i kolekcjoner. Takim był zwłaszcza płodny portrecista Holender Karel van Mander, którego autoportret z żoną i teściową jest rzadkim w tamtych czasach wizerunkiem artysty intelektualnego. Mniej więcej taka sama była artystyczna rodzina Isaakza, która wniosła znaczący wkład w kulturę duńskiego renesansu; jej założycielem jest potomek emigranta z Amsterdamu, handlarza dziełami sztuki, a jednym z wnuków jest humanista i historyk Johann Pontanus. Wśród artystów byli specjalni specjaliści od płótna historycznego, malarstwa kościelnego itp., ale większość miała szeroką specjalizację.
Ważnym rodzajem sztuki zdobniczej były wówczas gobeliny, zarówno importowane, jak i lokalne, do których szkice wykonywali wybitni
349
artystów, a produkcja odbywała się w zagranicznych lub duńskich warsztatach pałacowych.
W ówczesnym wystroju, jak już zauważono, poczesne miejsce zajmowała snycerka, tradycyjna i rozwinięta w Skandynawii. W kościołach ołtarze zdobiono rzeźbami przedstawiającymi sceny z Biblii, a także sceny z autorów klasycznych, charakterystyczne dla duńskiego renesansu. Do ozdabiania mebli w mieszkaniach używano rzeźb z dekoracjami gotyckimi i renesansowymi o tematyce świeckiej. W Norwegii i Finlandii ludowe rzeźby w drewnie, które zdobiły prowincjonalne budynki i przedmioty gospodarstwa domowego, odniosły duży sukces.
Różnorodność form sztuki pozwala estetycznie poznawać świat w całej jego złożoności i bogactwie. Nie ma sztuk większych ani mniejszych, ale każda sztuka ma swoje mocne i słabe strony w porównaniu do innych sztuk.
Architektura. Kiedy człowiek nauczył się robić narzędzia, jego mieszkanie nie było już dziurą ani gniazdem, ale praktycznym budynkiem, który stopniowo nabrał estetycznego wyglądu. Budownictwo stało się architekturą.
Architektura to kształtowanie rzeczywistości zgodnie z prawami piękna podczas tworzenia budynków i budowli mających służyć ludzkim potrzebom w mieszkaniach i przestrzeniach publicznych. Architektura tworzy zamknięty utylitarno-artystycznie zagospodarowany świat, oddzielony od natury, stawiający opór środowisku naturalnemu i pozwalający człowiekowi korzystać z humanizowanej przestrzeni zgodnie z jego potrzebami materialnymi i duchowymi. Obraz architektoniczny wyraża cel budynku oraz artystyczną koncepcję świata i osobowości, wyobrażenie człowieka o sobie i istotę swojej epoki.
Architektura to sztuka, a budynki mają określony styl. Łomonosow, określając cechy architektury, napisał, że sztuka architektoniczna „będzie wznosić budynki wygodne do zamieszkania, piękne dla wzroku, solidne na długowieczność”. Dzięki architekturze powstaje integralna część „drugiej natury” - środowiska materialnego, które powstaje pracą człowieka i w którym toczy się jego życie i działalność.
Formy architektury wyznaczane są: 1) naturalnie (zależą od warunków geograficznych i klimatycznych, charakteru krajobrazu, natężenia światła słonecznego, bezpieczeństwa sejsmicznego); 2) społecznie (w zależności od charakteru ustroju społecznego, ideałów estetycznych, potrzeb utylitarnych i artystycznych społeczeństwa; architektura jest ściślej związana z rozwojem sił wytwórczych, z rozwojem technologii niż inne sztuki).
Sztuka użytkowa. Jednym z najstarszych i wciąż rozwijających się rodzajów twórczości artystycznej jest sztuka użytkowa. Odbywa się to w przedmiotach gospodarstwa domowego tworzonych zgodnie z prawami piękna. Sztuka użytkowa to rzeczy, które nas otaczają i służą, tworzą nasze życie i wygodę, rzeczy uczynione nie tylko użytecznymi, ale także pięknymi, posiadającymi styl i artystyczny obraz, który wyraża ich przeznaczenie i niesie uogólnioną informację o rodzaju życia, o epoka dotycząca światopoglądu ludzi. Estetyczny wpływ sztuki użytkowej jest codziennie, co godzinę, co minutę. Dzieła sztuki użytkowej mogą wznieść się na wyżyny sztuki.
Sztuka użytkowa ma charakter narodowy ze swej natury, wywodzi się ze zwyczajów, zwyczajów, przekonań ludzi i jest bezpośrednio związana z ich działalnością produkcyjną i życiem codziennym. Szczytem sztuki użytkowej jest biżuteria, która zachowuje swoje niezależne znaczenie i rozwija się dzisiaj.
Sztuka dekoracyjna. Sztuka dekoracyjna - estetyczne zagospodarowanie otoczenia otaczającego człowieka, artystyczne projekty „drugiej natury” stworzone przez człowieka: budynki, budowle, lokale, place, ulice, drogi. Sztuka ta wkracza w życie codzienne, tworząc piękno i komfort w przestrzeniach mieszkalnych i publicznych oraz wokół nich. Dziełami sztuki dekoracyjnej mogą być klamka i płot, witraż i lampa, które wchodzą w syntezę z architekturą.
Sztuka dekoracyjna łączy w sobie dorobek innych sztuk, zwłaszcza malarstwa i rzeźby. Malarstwo początkowo istniało w formie malarstwa naskalnego i ściennego, dopiero potem ukształtowało się jako malarstwo sztalugowe. Monumentalne malarstwo ścienne – fresk (nazwa pochodzi od techniki: „al fresco” – malowanie farbami na mokrym tynku) – gatunek sztuki dekoracyjnej.
Miejska placówka oświatowa Szkoła średnia Burannaya
Architektura. Rodzaje architektury
Spełniony
Uczeń klasy 9
Wołoszyn W
Sprawdzony
Oskina EA
Osada Buranny 2012
Wstęp
Architektura
Rodzaje architektury
Style w architekturze
Wniosek
Literatura
Wstęp
Budownictwo jest jednym z najstarszych rodzajów działalności człowieka, co oznacza, że już wiele tysiącleci temu położono podwaliny pod wszelki dalszy rozwój architektury. Przybywając do dowolnego miasta, widzimy pałace, ratusze, prywatne chaty zbudowane w różnych stylach architektonicznych. I to za pomocą tych stylów określamy epokę ich budowy, poziom społeczno-gospodarczy kraju, obyczaje, tradycje i zwyczaje danego narodu, jego kulturę, historię, dziedziczność narodową i duchową, a nawet temperamenty i charaktery narodu tego kraju.
Architektura to sztuka nierozerwalnie związana z życiem codziennym. Służy naszym potrzebom domowym, różnym potrzebom społecznym. A jednocześnie daje nam radość, tworzy nastrój, wpływa na uczucia ludzi.
Wybór tematu „Architektura. Rodzaje architektury” powstał w wyniku mojego osobistego zainteresowania tą tematyką oraz faktu, że architektura jest sztuką, która idzie z duchem czasu i jest zawsze aktualna. Architektura otacza człowieka wszędzie i przez całe życie: jest domem, miejscem pracy i odpoczynku. Jest to środowisko, w którym człowiek egzystuje, ale środowisko sztucznie stworzone, które sprzeciwia się naturze, ale jednocześnie jest zawsze powiązane z otaczającą przestrzenią. Architektura musi zaspokajać praktyczne potrzeby człowieka, ale potrafi też budzić „wzruszenie estetyczne”, fascynować i zaskakiwać. To właśnie czyni architekturę interesującą. Celem mojej pracy jest ukazanie cech architektury jako formy sztuki poprzez style artystyczne.
architektura gotycka przestrzeń barokowa
Architektura
Architektura, czyli architektura, tworzy przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi. Sztuka architektury jest rzeczywiście sztuką publiczną. Nawet dzisiaj trudno jest wejść w interakcję z historią i jest ona bezpośrednio wpisana w kulturę swoich czasów. Pojedyncze budynki i ich zespoły, place i aleje, parki i stadiony, wsie i całe miasta - ich piękno jest w stanie wywołać u widzów określone uczucia i nastroje. To właśnie czyni architekturę Sztuką – sztuką tworzenia budynków i budowli zgodnie z prawami piękna. I jak każda sztuka, architektura jest ściśle związana z życiem społeczeństwa, jego historią, poglądami i ideologią. Budynki i zespoły o najlepszej architekturze są pamiętane jako symbole krajów i miast. Sztuka architektury jest rzeczywiście sztuką publiczną. Nawet dzisiaj trudno jest wejść w interakcję z historią i jest ona bezpośrednio wpisana w kulturę swoich czasów.
W społeczeństwie masowej konsumpcji, porządku prywatnego, komercyjnego ukierunkowania działań budowlanych architekt często jest bardzo ograniczony w swoich działaniach, ale zawsze ma prawo wybrać język architektury i zawsze było to trudne poszukiwanie drogę do architektury jako wielkiej sztuki i nauki ścisłej. To nie przypadek, że o wielkich cywilizacjach pamiętają nie tylko wojny czy handel, ale przede wszystkim pozostawione przez nie zabytki architektury.
Rodzaje architektury
Architektura konstrukcji wolumetrycznych.
Architektura obiektów trójwymiarowych obejmuje budynki mieszkalne, budynki użyteczności publicznej (szkoły, teatry, stadiony, sklepy i inne), budynki przemysłowe (fabryki, fabryki, elektrownie itp.)
2. Architektura krajobrazu i parków.
Ten typ architektury wiąże się z organizacją przestrzeni ogrodnictwa krajobrazowego. Są to place, bulwary i parki z „małą” architekturą – altankami, mostami, fontannami, schodami.
Urbanistyka /
Działalność urbanistyczna - działania w zakresie planowania urbanistycznego, organizacji i rozwoju terytoriów i osiedli, określenie rodzajów urbanistycznego wykorzystania terytoriów, zintegrowane projektowanie osiedli miejskich i wiejskich, w tym twórczy proces kształtowania przestrzeni miejskiej, tworzenie
Style w architekturze
Architektura zawsze była ściśle związana z historią rozwoju społeczeństwa, jego światopoglądem i ideami, z poziomem rozwoju technologii budowlanej, z wyobrażeniem człowieka o użyteczności i pięknie. Wszystko to wpłynęło na styl architektoniczny, czyli na historycznie ustalony zestaw środków i technik artystycznych. Styl architektoniczny przejawia się w sposobach organizacji przestrzeni, doborze charakterystycznych dla tej epoki form architektonicznych, ich proporcjach i zdobnictwie. Znajomość różnych stylów architektonicznych może wiele powiedzieć o przeszłości danej osoby. W przeciwieństwie do Greków, którzy znali jedynie kolumnę przekrytą belką i pomieszczenia o płaskich stropach, Rzymianie opracowali strop łukowy i system sklepień. Sklepienia rzymskie zadziwiają swoją figuratywnością, skalą i bogactwem różnorodności. Być może najwyższym osiągnięciem rzymskiej myśli projektowej było zamknięte, czarujące sklepienie, zwane zwykle kopułą. Jednym z najdoskonalszych przykładów architektury rzymskiej jest Panteon, świątynia wszystkich bogów, zbudowana w Rzymie w 125 roku naszej ery. Budynki o okrągłym planie przykryte są imponującą kopułą o średnicy ponad 43 metrów.
Dopiero w XIX wieku, wraz z wynalezieniem konstrukcji żelbetowych, ludzie nauczyli się budować kopuły tej wielkości, a Rzymianie zbudowali kopułę Panteonu z betonu i ceglanej ramy. Budynek jest niezwykle przemyślany. Jego wysokość jest równa średnicy, kopuła jest półkulą. W centrum kopuły znajduje się otwór, przez który przenika strumień światła oświetlający całe wnętrze ogromnej sali. Panteon uderzał wspaniałością dekoracji. Kwadratowe wnęki potrzebne do odciążenia bryły kopuły, tzw. kesony, wypełniono rozetami z pozłacanego brązu, ściany wewnątrz wyłożono wielobarwnym marmurem, a kolumny zewnętrznego portyku wyrzeźbiono z litych monolitów granitowych.
Starożytny Egipcjanin.
Styl starożytnego Egiptu powstał w Dolinie Nilu około 5000 roku p.n.e. i trwał do 300 roku naszej ery. Architektura starożytnego Egiptu jest konwencjonalna i monotonna. Wynikało to z faktu, że wydobycie kamienia i jego obróbka znajdowały się w rękach państwa, metody pracy zostały ustalone na tyle mocno, że nie zmieniły się przez 3500 lat. Izolacja cywilizacji egipskiej doprowadziła do tego, że w państwie starożytnym nie było konkurencji w architekturze, która miałaby korzystny wpływ na jej rozwój, jak na przykład w Europie.
Klasyczny.
Styl ten powstał w Europie w XVII wieku pod wpływem włoskiego renesansu. W tym czasie sztuka renesansu rozprzestrzeniła się już szeroko na kontynencie.
Romański.
Styl romański - styl artystyczny, który dominował w Europie Zachodniej<#"justify">5. Stary rosyjski.
Sztukę staroruską nazywa się w epoce historycznej, warunkowo ograniczonej z jednej strony datą chrztu Rusi przez księcia kijowskiego Włodzimierza Światosławicza (988), z drugiej zaś – przełomu XVII i XVII – XVIII wiek, początek intensywnej europeizacji kultury rosyjskiej za czasów Piotra Wielkiego. Treścią ideologiczną tej epoki było umacnianie i rozprzestrzenianie się chrześcijaństwa w jego odmianie wschodniej, greckiej, prawosławnej i prawosławnej.
6. Barok.
Styl barokowy pojawił się w XVI – XVII wieku w miastach włoskich: Rzymie<#"justify">7. Klasycyzm.
Klasycyzm wywodzi się ze sztuki europejskiej XVII<#"justify">Wniosek
Wśród wielu „złotych myśli” wymazanych z długiego użycia jest jedna: „Życie jest krótkie – sztuka jest wieczna”. Prawie każdy spotkał się gdzieś z tymi słowami, jednak nie każdemu udaje się zrozumieć całą istotę tego wyrażenia. Wraz z najwspanialszymi książkami i obrazami, rzeźbami i symfoniami powstały konstrukcje architektoniczne - tak dawno temu i tak mocno, że nikomu nie przychodzi do głowy w to wątpić. Architektura zajęła tę silną pozycję w świecie sztuki dzięki szczególnej jakości, którą nazywa się harmonią, muzyczną spójnością części. Spójność całości i proporcjonalność detali. A także tej szczególnej właściwości, która w pewnym stopniu łączy inne sztuki z architekturą, ale w niej objawia się ona najdobitniej w szczególnej dla człowieka skali. Dzięki mojemu projektowi uświadomiłam sobie, że architektura będąc piękną i elegancką formą sztuki, stała się integralną częścią naszego życia. Różni się od innych sztuk tym, że jest sztuką, w której żyją ludzie.
Literatura
1. Gnedich P. P. Światowa historia sztuki. - M., 1996.
Emokhonova L. G. Światowa kultura artystyczna. - M., 2000.
Tagi: Architektura. Rodzaje architektury Konstrukcja abstrakcyjna
Architektura
Architektura to sztuka budowania, umiejętność projektowania i tworzenia miast, budynków mieszkalnych, budynków użyteczności publicznej i przemysłowych, placów i ulic, ogrodów i parków. W wielu miastach naszego kraju znajdziesz starożytne kremle i kościoły, pałace i rezydencje, nowoczesne budynki teatrów, bibliotek, pałaców młodzieżowych, przed którymi będziesz chciał się zatrzymać i przyjrzeć im się z bliska.
Ty także stałbyś w muzeum przed ciekawym obrazem lub rzeźbą. Dzieje się tak dlatego, że budynki i ulice, place i parki, pokoje i korytarze swoim pięknem mogą również pobudzać wyobraźnię i uczucia człowieka, podobnie jak inne dzieła sztuki. Arcydzieła architektury są pamiętane jako symbole narodów i krajów. Cały świat zna Kreml i Plac Czerwony w Moskwie, Wieżę Eiffla w Paryżu, starożytny Akropol w Atenach. Jednak w przeciwieństwie do innych sztuk, ludzie nie tylko kontemplują dzieła architektury, ale także stale z nich korzystają. Architektura otacza nas i tworzy przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi. Oto domy, w których mieszkacie; szkoły, technikum, instytuty, w których studiujesz; w teatrach, cyrkach i kinie - baw się dobrze; w ogrodach, parkach i na podwórkach - zrelaksuj się. Twoi rodzice pracują w fabrykach i instytucjach; sklepy, stołówki, stacje, metro są stale wypełnione zwiedzającymi. Trudno sobie nawet wyobrazić, jak można obejść się bez tych i wielu innych struktur.
Różnorodność architektury zależy nie tylko od twórczej wyobraźni architekta (tzw. architekta na Rusi), ale także od warunków budowy: ciepły lub zimny klimat, teren płaski lub górzysty, możliwości sprzętu budowlanego, drewno , konstrukcje kamienne czy metalowe, gusta estetyczne mieszkańców i wiele więcej. . W budownictwie wykorzystuje się pracę ludzi wielu zawodów - murarzy, projektantów, naukowców i artystów. Wszyscy pracują pod okiem architekta. (Architekt po grecku oznacza „mistrz budowlany”.) Osoba wykonująca ten zawód musi posiadać dużą wiedzę techniczną i artystyczną. Podziwiając gotycką katedrę, Kreml moskiewski czy ścieżkę rowerową w Krylatskoe, podziwiamy nie tylko osobliwe piękno tych budowli, ale także pracę i kunszt budowniczych.
Już w starożytności zadania architektury wyznaczały trzy cechy - użyteczność, siła, piękno. Każdy budynek powinien być użyteczny, spełniać swoje przeznaczenie. Przejawia się to zarówno w jego wyglądzie zewnętrznym, jak i charakterze wnętrza. Budynek mieszkalny, teatr i placówka edukacyjna to trzy różne typy obiektów. Każdy z nich ma swój własny cel, a każdy budynek powinien być wygodny: w jednym przypadku - do mieszkania, w drugim - do wystawiania przedstawień, w trzecim - do nauki. Ważne jest również, aby każdy z nich był trwały, mocny. W końcu budynki powstają nie na jeden rok, ale na długi czas. Ale architektura nie stałaby się sztuką, gdyby zignorowano trzeci ważny wymóg, czyli piękno.
Powszechnie znane ludzkie pragnienie piękna inspiruje twórczą wyobraźnię architekta do poszukiwania coraz to nowych, niezwykłych form architektonicznych, niepowtarzalności wyglądu i jasności artystycznego wizerunku budynku. Widzimy więc różnorodne budowle, zarówno wśród starożytnych, jak i współczesnych. Weźmy na przykład wielokondygnacyjne budynki mieszkalne: jeden jest wysoki, jak wieża, drugi ma kształt długiej prostej płyty, trzeci jest wygięty w okrąg. Mają ten sam cel i podobne projekty, są zaprojektowane w tym samym klimacie, stoją w tym samym mieście, ale wyobraźnia architekta dla każdego z nich znalazła własną formę, własną kolorystykę. W ten sposób powstają struktury posiadające swoje indywidualne cechy, po których je rozpoznajemy. I każdy budynek robi wrażenie: jeden ma uroczysty, świąteczny wygląd, drugi jest surowy, trzeci jest liryczny. Zabytki architektury należące do różnych epok i krajów różnią się od siebie wyglądem czy stylem, tak jak różniły się warunki życia i upodobania artystyczne ludzi tamtych czasów. Spójrz na zdjęcia, a przekonasz się sam.
Jasny okres w historii architektury rosyjskiej to połowa XVIII wieku. To czas szybkiej budowy pałaców, wielkich świątyń, rozkwitu stylu barokowego. Największym architektem, który w dużej mierze zdeterminował styl budowli tamtych czasów, był V. V. Rastrelli (1700-1771). Elewacje budynków pomalowane na biało, niebiesko i złocenia są niezwykle eleganckie. Amfilady sal, bogato zdobione sztukaterią i drewniane mozaikowe podłogi o rzadkiej urodzie są wspaniałe. Najlepsze budynki V. V. Rastrelli to Pałac Katarzyny w Carskim Siole (obecnie miasto Puszkin), Pałac Zimowy i klasztor Smolny w Petersburgu, Wielki Pałac w Peterhofie. Na wyspie Kizhi na jeziorze Onega zachował się drewniany kościół Przemienienia Pańskiego (1714), dzwonnica (1874) i kościół wstawienniczy (1764), zbudowane bez ani jednego gwoździa. Wieża Eiffla w Paryżu. Został zaprojektowany w połowie XIX wieku. inżynier Gustave Eiffel. Oryginalność, odważne wzornictwo i forma architektoniczna rozsławiły wieżę.
