Kurs przeznaczony jest dla tych, którzy zajmują się muzyką tylko hobbystycznie, po raz pierwszy widzą notatki i flet prosty.
Będziesz się uczyć:
- notacja muzyczna;
- podstawy rytmu;
- notatki i ustawianie palców na flecie prostym;
- ekstrakcja dźwięku wysokiej jakości, specyfika niskich i wysokich dźwięków;
— zagraj ponad 25 znanych melodii: Samotny pasterz, Wczoraj, Kochaj mnie czule, Lot kondora, Hava Nagila, melodie z filmu „Ojciec chrzestny”, „Titanic” i inne.
Wszystkie melodie są szczegółowo analizowane: jak czytać nuty, jak liczyć rytm i grać dokładnie jakimi palcami na flecie. Powoli nauczysz się tego wszystkiego wraz z filmem, a następnie będziesz bawić się z akompaniamentem.
Wynik: po ukończeniu kursu będziesz mógł samodzielnie grać melodie według notatek znalezionych w Internecie lub śpiewnikach.
Możesz również kupić sam rejestrator u nas, w biurze w Moskwie:.
Możesz ocenić jakość obrazu na przykładach:
.
Jeśli już zdecydowałeś się na naukę, pobierz całą lekcję o wyborze fletu. I kup dobry flet, ciężko jest trafić na najwyższe nuty na złych.
Pełny program kursu:
Część I
Lekcja 1. Z czego zrobiony jest flet. Postawa, lądowanie, pozycja palców, oddychanie. Sekwencja dźwięków: do re mi fa sol la si do. Pierwsze dźwięki: do si la sol.
Lekcja 2. Cechy wydobywania niskich dźwięków. Notatki w F mi re.
Lekcja 3. Koordynacja. Uczymy się szybkiego wyszukiwania notatek na dyktafonie. Cała gamma.
Lekcja 4 Legato, nie legato. Jak sprawić, by dźwięk był piękny i przestać wyć.
Lekcja 5 Gramy na pianinie.
część druga
Lekcja 1. Pięciolinia muzyczna, klucz wiolinowy, sposób pisania nut. Oktawy.
Lekcja 2 Jak je zapamiętać. Małe przykłady z arkusza.
Lekcja 3 Zapamiętywanie, przykłady.
Lekcja 4. Gramy nuty bez patrzenia na palce. Ćwiczenia gamma w górę iw dół.
Lekcja 5
Lekcja 6
Lekcja 7
Część III
Lekcja 1. Jak rytm jest zapisany w nutach. Czasy trwania i ich liczenie: cały, połowy, ósmy, szesnasty. Wybijamy rytmy. „W jodełkę” zgodnie z nutami z rytmem.
Lekcja 2
Lekcja 3
Lekcja 4
Lekcja 5 Wzór rytmiczny - nuta z kropką.
Lekcja 6 Kolejna notatka z kropką.
Lekcja 7 Kropkowany rytm.
Część IV
Lekcja 1. Ostre, płaskie, ich znaczenie, położenie na klawiaturze i notacja.
Lekcja 2 Mały kawałek z ostrymi krawędziami.
Lekcja 3 Ostrogi i belki w kluczu. „W ogrodzie lub w ogrodzie”.
Lekcja 4
Lekcja 5
Lekcja 6
Lekcja 7 Powtarzamy wszystkie nuty przekazane krzyżykami i bemolami, uczymy się „pasikonika” nutami, klaskamy w rytm.
Lekcja 8 Gramy w „Chizhik-Pyzhik”.
Lekcja 9 Kropkowany rytm, optymistyczny.
Część V
Lekcja 1. Nuty drugiej oktawy: do re mi fa. Cechy „wydawania” wysokich dźwięków, czyli jak zdobyć sąsiada.
Lekcja 2. Nadal uczymy się wysokich dźwięków, piosenki „The Moon Shines”.
Lekcja 3. Hymn Federacji Rosyjskiej – nuty, rytm, gra z akompaniamentem.
Lekcja 4 Najtrudniejszy.
Lekcja 5. Melodia z filmu „Titanic” – nuty, rytm, granie z akompaniamentem.
Lekcja 6
Lekcja 7
Lekcja 8
Część VI
Lekcja 1. Cisy drugiej oktawy i melodia z filmu „Ojciec chrzestny”.
Lekcja 2
Lekcja 3 „Pieśń krokodyla Gena” (niech biegną niezdarnie…).
Lekcja 4
Lekcja 5 „Zielone rękawy” (Zielone rękawy).
Lekcja 6
Lekcja 7
Jak zagrać melodię w innej tonacji - wyższej lub niższej niż oryginalne nuty.
Ta wiedza przyda się, jeśli nuty Twojej melodii będą powyżej lub poniżej zakresu dyktafonu.
BONUSY!
Przykład melodii z akompaniamentem w szybkim tempie:
Dym na wodzie, tempo 110 bpm
To samo, wolne tempo:
Dym na wodzie, tempo 70 bpm
Tylko akompaniament gitarowy, wolne tempo. Zagrasz melodię ;)
Pełna lista utworów w kolekcji:
1. Na polu była brzoza
2. Mała choinka
3. Dwie śmieszne gęsi
4. Chizhik-Pyzhik
5. Kochaj mnie czule
6. Och, jesteś moim baldachimem, baldachimem
7. Szeroki to mój kraj ojczysty (początek)
8. Moskiewskie wieczory (początek)
9. Motyw miłości z filmu „Titanic”
10. Kalinka-Malinka
11. Samotny pasterz
12. Dzwonki
13. Wszystkiego najlepszego!
14. W ogrodzie lub w ogrodzie
15. Konik polny
16. Hej, chodźmy
17. Boomer
18. Dym na wodzie
19. Wieczorne dzwonki
20. Księżyc świeci
Jak grać na flecie - naucz się prawidłowo trzymać flet.
Jeśli przykładanie główki fletu do ust i natychmiastowe wypuszczanie rezonującego dźwięku nie jest jeszcze dla ciebie skuteczne, wróć do sesji 1 do lustra i poćwicz jeszcze trochę. Mam nadzieję, że wszystko wyszło dobrze i można iść na ścieżce nauki gry na flecie.
Zbierz flet. Jak prawidłowo złożyć flet poprzeczny, opisano w pierwszej lekcji. Po zamontowaniu szyjki na głowie zawory na korpusie i trzonek na kolanie powinny ułożyć się w linii prostej. C nie przykładaj siły podczas montażu, części fletu są „wkręcone” i nie są ściśnięte.
Nauczmy się ułożenia palców na zaworach muzycznych otworów fletu
Najpierw policzmy palce, aby uniknąć rozbieżności w dalszym opisie gry na flecie.
Ręce na flecie poprzecznym będą znajdować się dokładnie tak, jak na zdjęciu:
- lewa ręka jest zwrócona dłonią do siebie i znajduje się bliżej głowy;
- prawa ręka jest odwrócona dłonią od ciebie i znajduje się bliżej kolana fletu.
Umówmy się teraz (liczba) jak nazwiemy zawory i dźwignie na flecie:
Na zdjęciu korpus z kolanem do fletu poprzecznego systemu francuskiego. To taki flet, który jest obecnie najczęstszy do nauki i najprawdopodobniej masz właśnie taki flet. Na razie nie będziemy ponumerować wszystkich zaworów/dźwigni, a jedynie te, których będziesz potrzebować na początku nauki gry na flecie. W przyszłości będziemy nadawać nazwy innym elementom fletu
Numery zaworów/dźwigni są takie same jak numery palców na powyższym obrazku. Litery przy cyfrach 1 i 10 oznaczają, że palce z takimi cyframi mogą zajmować więcej niż jedną pozycję.
Oto jak jeden z wiodących producentów instrumentów muzycznych Yamaha pokazuje położenie palców na flecie poprzecznym:
Opis położenia palców na flecie poprzecznym
Jak grać na flecie palcami lewej ręki
Oto jak grać na flecie prawą ręką:
Obejrzyj film o tym, jak grać na flecie w Moskiewskiej Specjalnej Szkole Muzycznej (College) imienia. Gnezyny. Na filmie nauczycielka Centralnej Szkoły Muzycznej w Moskiewskim Konserwatorium. LICZBA PI. Czajkowski Ella Olegovna Dolzhikova szczegółowo pokazuje ustawienie palców i mówi w szczególności o prawidłowej i błędnej pozycji rąk podczas gry na flecie.
Klip wideo Elli Olegovny jest interesujący i użyteczny, ao ułożeniu rąk obejrzyj nagranie z czasu 13 minut 50 sekund (Master-class Elli Dolzhikova).
Zajmij pozycję, jak grać na flecie:
- Wstań. Stań prosto, lekko przechyl ciało do przodu. Utrzymuj to nachylenie (nieco do przodu) przez cały czas gry na flecie;
- punkt stresu podczas gry spada na brzuch. Początkujący fleciści przenoszą stres na swoje usta, co jest niewłaściwe. Wargi powinny być wolne, żołądek jest gotowy do wysłania strumienia powietrza z płuc.
Punkty podparcia fletu poprzecznego
Trzymaj flet obiema rękami tak, aby:
Wszystkie trzy punkty odniesienia są obecne podczas gry na flecie. Lewa ręka w drugim punkcie odniesienia dociska flet do siebie. Twarz w pierwszym punkcie zaczepienia i prawa ręka w trzecim punkcie opierają się naciskowi lewej ręki. W ten sposób flet otrzymuje stabilną pozycję, w której usta i palce flecisty pozostają wolne i mogą brać udział w grze na flecie.
Typowe błędy palcowania dla początkujących na flecie
Obejrzyj film z analizą typowych błędów początkujących flecistów.
Andriej Alpatow mówi:
Postaraj się wydobyć dźwięk z fletu, tak jak robiłeś to podczas ćwiczeń na pierwszej lekcji. Tam zadąłeś w głowę fletu, a teraz flet poprzeczny jest w twoich rękach jako zespół. Nie odtwarzaj jeszcze żadnych nut. Po prostu naucz się, jak prawidłowo trzymać flet, aby grać, co oznacza, że dźwięk jest wytwarzany z łatwością i:
- flet jest poziomy;
- pysk fletu jest „na swoim miejscu”. Nie kieruj lufy w swoją stronę. To jest błąd. Nie zmieniaj też tonu wydobytego dźwięku przez obracanie pyska. Naucz się zmieniać dźwięk, kontrolując strumień wydychanego powietrza;
- palce rąk (z wyjątkiem dużej prawej ręki) nie trzymają fletu. Są potrzebne do gry! Flet trzymany jest w trzech punktach - dolnej szczęce, podstawie pierwszej paliczka palca wskazującego lewej ręki i kciuka prawej ręki.
Na początku trzymanie fletu może być niewygodne. Wypadnie z ręki. Cierpliwość i pracowitość. Osiągniesz sukces. W „Podstawach gry na flecie” prof. V.N. Tsybin mówi, co jest, co powinno ułatwić trzymanie instrumentu. Ciekawe, kto z takiego stoiska korzystał lub przynajmniej widział.
Flet jest bardzo lekkim i poręcznym instrumentem. Nad jego projektem pracowali bardzo utalentowani rzemieślnicy i nie bez powodu flet jest jednym z najbardziej wirtuozowskich instrumentów muzycznych.
Dla łatwiejszej nauki jak grać na flecie skorzystaj z samouczka Svirelka.
Nota wyjaśniająca 3
Główne cele programu 4
Nowość programowa 5
Ogólne zadania dla każdej czynności 6
Oczekiwane wyniki 12
Wytyczne 13
Notatka wyjaśniająca
Program ten przeznaczony jest do grupowego grania muzyki przez dzieci. W proponowanej formie przeznaczony jest dla dzieci w wieku szkolnym. W pierwszym etapie sprowadza się to głównie do opanowania instrumentu – flet prosty. Głównym zadaniem nauczyciela jest wspieranie zainteresowania dziecka lekcją, tak aby w łatwy sposób mogło nabyć umiejętności gry na flecie prostym, móc samodzielnie nauczyć się utworu na dotychczasowym poziomie muzycznym, czytać nuty, a także grać w duet lub zespół fletów fletowych, proste utwory wykonują samodzielnie.
Najkorzystniejszy dla rozwoju estetycznego dziecka jest okres wczesnego wieku przedszkolnego. Dziecko nosi wrażenia z dzieciństwa przez całe życie. Świat muzyki, aktywność muzyczna jest bardzo bliski dzieciom. W percepcji muzyki, ocenie, kreatywności dziecko widzi swoje znaczenie. Jednym z palących problemów pedagogiki jest problem kształtowania twórczych cech jednostki. Ich kształtowanie, rozwój muzyczny dziecka powinien przebiegać w sposób naturalny i naturalny. Pomaganie dzieciom w poczuciu piękna i mocy muzyki to trudne zadanie. Ten program częściowo rozwiązuje ten problem, ułatwia. Najważniejsze jest rozwój sfery sensoryczno-emocjonalnej dziecka w połączeniu z moralnością i intelektualnością, tworzenie harmonii między jednostką a ogółem; poszukiwanie nowych sposobów komunikacji między nauczycielem a dzieckiem. Dorosły w komunikacji z dzieckiem powinien kierować się miłością do ucznia i entuzjazmem. Główną zasadą zaangażowania emocjonalnego jest umiejętność „zarażania” emocjami drugiej osoby poprzez własną ekspresję, umiejętność bycia jednocześnie aktorem i nauczycielem.
Bez podstawowych umiejętności muzycznych dzieci szybko uczą się grać na flecie prostym. Nie ma potrzeby dzielenia ich na grupy według stopnia rozwoju zdolności muzycznych.
Główne trudności dotyczą ustawienia wykonywanego oddechu i ustawienia palców. Jeżeli podczas ustawiania wykonywania oddychania dzieci pokonują trudności wykonując ćwiczenia oddechowe, a także dzięki wyjaśnieniu przez nauczyciela istoty oddychania fizjologicznego, różnicy między oddychaniem fizjologicznym a wykonywaniem, to ustawianie palców zajmuje trochę więcej czasu. Trudność polega na nauczeniu dziecka „wkładania” palców do otworów rejestratora, zakrywając je podkładkami, a nie opuszkami palców. W takim przypadku należy upewnić się, że ręce nie są zaciśnięte, a palce dokładnie zamykają otwory.
Główną formą pracy wychowawczo-wychowawczej jest lekcja. Zajęcia odbywają się dwa razy w tygodniu po 25 minut. Na lekcji nauczyciel łączy ustne wyjaśnienie i wykonanie pracy w całości lub w części, co zwiększa zainteresowanie, uwagę i aktywność ucznia.
Główne cele programu
Cel pedagogiczny- stwarzać warunki do rozwoju twórczości dzieci, stwarzać warunki do grania na flecie prostym muzyki elementarnej.
cel edukacyjny- rozwijanie dziecka za pomocą plastyki, kształtowanie percepcji obrazów muzycznych i umiejętności ich wyrażania w śpiewie, ruchu, grze na instrumentach muzycznych. Opierając się na zasadach dojrzałości psychofizjologicznej, prawach wzrostu i rozwoju dzieci w wieku szkolnym, program ten pozwoli Ci przejść w pracy z dziećmi nie od „dorosłego do dziecka”, ale od „dziecka do dorosłości”.
Cel rozwoju- stymulują procesy poznawcze osobowości dziecka. Wrażenie, percepcja, pamięć, myślenie, wyobraźnia wzbogacają sferę emocjonalno-wolicjonalną. Poszerzenie możliwości komunikacyjnych strony porozumiewania się dziecka (środki porozumiewania się niewerbalnego i werbalnego). Wspieraj u dzieci pragnienie kreatywności, pozytywną oceną zajęć. Zwrócenie uwagi dzieci na możliwości poprzez mimikę, gesty i ruchy zdradzania różnych obrazów i sytuacji, nauczenia scenicznych piosenek, bajek, tworzenia wyrazistych scen, szeroko operujących gatunkami folkloru dziecięcego, zabaw - dramatyzacji, psychologicznych studia. Rozwijać u dzieci zamiłowanie do piękna dźwiękowego rodzimego słowa. Naucz się improwizować na jednym, dwóch - trzech dźwiękach w zespole i indywidualnie. Wprowadzić twórcze improwizacje rosyjskich pieśni ludowych (akompaniament rytmiczny i melodyczny).
Praca odbywa się we wszystkich sekcjach programu, na rejestrator przewidziano około 15 minut.
Cel edukacyjny- konieczne jest kształtowanie w uczniach pozytywnego nastawienia emocjonalnego do lekcji muzyki. Dać dzieciom żywe wrażenia muzyczne, wzbogacając ich wewnętrzny świat, uczucia, kształtować wartości moralne. Poprzez aktywność muzyczną podczas nauki gry na flecie okazuj dzieciom uniwersalne wartości ludzkie (miłość, współczucie, życzliwość itp.), zachęcaj dziecko do wdrażania ich w swoim zachowaniu, w komunikacji z rówieśnikami i bliskimi. Kontynuuj pielęgnowanie dobrej woli w procesie różnych czynności; radować się z cudzego sukcesu w śpiewaniu piosenek, nie być dumnym z własnych umiejętności, ale pomagać zapóźnionym dzieciom w opanowaniu flet prostym. Stworzenie sytuacji „nauczyciel-uczeń”, kiedy zdolne dziecko uczy swoich rówieśników tego, czego sam się nauczył.
W komunikacji z musicalem, aby promować rozwój twórczego potencjału dziecka w zabawach ludowych, piosenkach, rymowankach itp. Angażuj dzieci w działalność koncertową w różnych jej przejawach: udział w wakacjach i rozrywkach, relacjonowanie koncertów przed rodzicami itp.
Nowość programowa
OD Chodzi o to, że system jest zbudowany i oparty na koncepcji pedagogicznej niemieckiego nauczyciela – muzyka Carla Orffa oraz programie T.A. Rokityanskaya „Każde dziecko jest muzykiem!”. Najważniejszą rzeczą w koncepcji Karla Orffa jest elementarne tworzenie muzyki. Co jest nierozerwalnie związane z rytmicznym ruchem, mową, tańcem, gestem. Rytm jest główną techniką tworzenia muzyki elementarnej. Początek motoryczno-rytmiczny to oryginalna forma muzyki „instrumentalnej”. Ciało z rękami i nogami było i pozostaje pierwszym instrumentem rodzaju ludzkiego. A głos jest tylko częścią całości, jedną z funkcji ciała, które porusza się rytmicznie, wydaje i odtwarza dźwięki. W koncepcji pedagogicznej Carla Orffa zawarta jest podstawowa zasada elementarnego muzykowania: nauczyciel staje się zwolennikiem pedagogiki twórczej, która powstała jako reakcja na jednostronny intelektualizm wychowania, gdy ciało jest nieaktywne. I przeciwko tej samej jednostronnej wychowaniu fizycznym, kiedy umysł, uczucia i myślenie są nieaktywne. Idea harmonii, wewnętrznej równowagi, szczęścia jest najważniejsza w edukacji poprzez jedność tańca, muzyki, śpiewu i poezji.
Ogólne zadania dla każdego rodzaju działalności
Gry mowy.
Rozwijaj aktywność mowy u dzieci;
Rozwijaj reakcję emocjonalną;
Rozwijaj umiejętność interakcji mowy w określonym tempie i rytmie;
Rozwijaj aktywne słyszenie;
Rozwijaj zdolności motoryczne palców i dużych dźwigni ręki;
Rozwijaj wrażenia mięśniowe i dotykowe;
Śpiewać, śpiewać.
Nauczenie prawidłowego posługiwania się intonacją, tempem, głośnością dźwięków;
Naucz dzieci znajdowania ulubionego dźwięku i śpiewania go;
Naucz dzieci śpiewać bez akompaniamentu muzycznego;
Mowa + muzyka.
Rozwijanie umiejętności rytmizacji tekstu utworu poetyckiego lub improwizacji poetyckiej;
Rozwijanie umiejętności intonacji tekstu;
Aby nauczyć dzieci widzenia otaczającego ich świata, krótko o tym porozmawiaj;
Dowiedz się, jak samodzielnie znaleźć akompaniament muzyczny i dźwiękowy;
Ruch
Nauczenie dzieci swobodnego poruszania się w przestrzeni, w pomieszczeniach;
Nauczenie dzieci przekazywania obrazów i charakteru za pomocą ciała;
Rozwijanie twórczej aktywności dzieci.
Gry, tańce okrągłe.
Wprowadź dzieci w świat kultury ludowej, naucz ją rozumieć;
Zwrócenie uwagi dzieci na taką cechę muzyki jak język komunikacji międzyetnicznej, która pomoże rozwiązać problemy edukacji międzynarodowej;
Nauczyć się łączyć śpiew z okrągłymi ruchami tanecznymi różnych typów;
Rozwijać u dzieci zamiłowanie do piękna dźwiękowego rodzimego słowa, do pieśni ludowych, tj. folklor.
Nauka gry na flecie.
Formacja prawidłowego oddychania;
Kształtowanie słuchu melodycznego i harmonicznego;
Naucz się prawidłowego układania palców;
Opanuj umiejętności wydobywania dźwięków na flecie prostym;
Rozwój poczucia rytmu;
Rozwój poczucia formy utworu muzycznego;
Rozwój umiejętności gry zespołowej, zespołowej, solo;
ipół roku
Na pierwszych lekcjach bardzo ważne jest wyjaśnienie uczniom istoty oddychania: różnicy między oddychaniem fizjologicznym a wykonywaniem oddechu na poziomie dostępnym dla jego wieku. Szczególnie ważne jest wyjaśnienie dziewczętom charakteru ich oddychania: porozmawiaj o „kobiecych” i „męskich” rodzajach oddychania, różnicy między nimi, wadach i zaletach jednego rodzaju oddychania nad drugim.
Wykonując ćwiczenia oddechowe naucz się prawidłowego wykonywania wdechu i wykonywania wydechu.
Ćwicz ćwiczenia oddechowe:
„Wiatr” - wdychaj przez usta, wydychaj przez usta złożone w rurkę;
„Młyn” - wdech przez usta, w pozycji stojącej, ramionami do boków, wydech przez usta z pochyleniem do przodu;
„Kubuś Puchatek” – pozycja wyjściowa stoi, dłonie dociskane są do brzucha, wdech – napompuj brzuch, wydech – cofnij brzuch;
„Klepsydra” – pozycja wyjściowa stoi, jedna ręka jest przyciśnięta dłonią do brzucha, druga ręka dłonią do wewnątrz przed twarzą. Podczas wdechu przez usta napełniamy żołądek, wydychając cienkim strumieniem do dłoni, cofamy żołądek, upewniamy się, że wydech jest długi, a ruch przepony odbywa się bez szarpnięć;
Weź pełny, głęboki oddech, wstrzymaj go przez 2-3 sekundy. Następnie zaginając usta jak do gwizdka, bez wydęcia policzków, wypuść trochę powietrza z siłą. Zatrzymaj się na chwilę, wstrzymując powietrze i ponownie trochę wydychaj powietrze. Powtarzaj, aż całe powietrze wydostanie się z płuc.
Nauczenie uczniów prawidłowego ułożenia palców, ust, języka, wydawania dźwięków na flecie prostym.
Inscenizacja rejestratora:
Stawiamy ucznia przed dużym lustrem ściennym, aby mógł zobaczyć swoje odbicie, jeśli to możliwe, w pełnym rozwoju. Pozycja wyjściowa: stopy na szerokość barków; odpoczynek na wygodniejszej dla dziecka nodze; ręce trzymają flet prosty, nie dociskają go do ciała i nie podnoszą wysoko, sylwetka ucznia układa się w stylizowaną literę „F”. Ułożenie rąk na rejestratorze: lewa ręka powyżej, prawa ręka poniżej.
Realizacja dźwięku na flecie prostym z uderzeniem „deteshe”:
Nuty są wydobywane poprzez uderzanie czubkiem lub tyłem języka o wlot instrumentu na sylabach „tu” lub „ta”. Zwróć uwagę ucznia na oddzielanie dźwięków językiem, a nie przerywając wydech, bo. przy oddzielaniu nut przez oddech dźwięk jest rozmyty, „rozmazany”. Konieczne jest upewnienie się, że podczas wykonywania wzoru melodycznego palce dokładnie pokrywają się z uderzeniem języka.
Po opracowaniu realizacji dźwięku techniką „deteshe” przystępujemy do ułożenia palców na flecie prostym.
Umieszczenie palców na instrumencie:
Z reguły dzieci „kładają” palce na otwory czubkami, co prowadzi do ich niepełnego zamknięcia. Wyjaśnij dziecku, że konieczne jest zamknięcie otworów środkiem opuszkami palców, przy czym ręce nie powinny być ściskane, a palce, jeśli to możliwe, powinny być ustawione pod kątem prostym do rejestratora. Zapewni to całkowite zakrycie otworów dyktafonu i umożliwi dokładną intonację nut. Dziecko powinno wygodnie trzymać dyktafon. Ważne: małe palce obu rąk, w lekko zaokrąglonym położeniu, znajdują się nad frontem rejestratora. Niewłaściwe jest opuszczanie małych palców, zginanie ich pod lufą instrumentu lub podnoszenie ich.
Zwróć uwagę dziecka na znak cezura określone w notacji muzycznej (przecinek lub kleszcz). Cezura - moment zmiany oddechu (bierzemy oddech).
Umieszczenie czterech palców lewej ręki na górze fletu prostego (kciuk, wskazujący, środek i pierścień). Ekstrakcja nut „si”, „la” i „sól” pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek.
Przybliżony wykaz utworów do utrwalenia przestudiowanych notatek: „Andrzej Wróbel”, „Ding-dong”, „Zając spaceruje po ogrodzie”, „Kogucik”, „Dzięcioł”, „Ku-ku”.
Umieszczenie czterech palców prawej ręki (kciuka, wskazującego, środkowego i pierścieniowego). Ekstrakcja nut „fa”, „mi” i „re” pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Przybliżona lista utworów do utrwalenia przestudiowanych notatek: „Nie lataj słowiku”, „Jak pod naszymi bramami”, „Savka i Grishka”, „Kitty”.
Uczeń jest proszony o odebranie przekazywanych słuchem melodii z dźwięku oferowanego przez nauczyciela.
Utrwalenie umiejętności prawidłowego wykonywania oddechu, dokładnego ustawiania palców
Zwróć uwagę na dokładne utrzymanie obecnych pauz podczas wykonywania utworów. Znak gospodarstwa. Fermata ( fermata ) - wydłuża dźwięk, nad którym jest umieszczony, warunkowo o połowę czasu trwania, a także umożliwia wydłużenie dźwięku na żądanie wykonawcy, w zależności od treści muzycznej.
Przybliżona lista utworów do utrwalenia przestudiowanych notatek: „Chaber”, „Jest koza rogata”, „Ładuszki”, „Jak pod pagórkiem, pod górą”, „Warkocz, wiklina”, „Rura”, „Pod kędzierzawa jabłoń”, „Yanichek” , „Czy to w ogrodzie, w ogrodzie”, „Beetle, chrząszcz po drodze”, V. Kalinnikov „Shadow-shadow”, V. Tsytovich „Fluffy song”, A. Aleksandrow „Nasza piosenka jest prosta”, „Szybkie rzeki”, A.Ostrovsky „ABC”, „Chodzę z Loach”, „Żuraw”, „Pasterka”, E. Beckman „Jodełka”, B. Meisel „Statek”.
Pokonanie trudności w wydobywaniu dźwięku nuty „do” pierwszej oktawy. Zwróć uwagę ucznia na dokładne zamknięcie otworu małym palcem prawej ręki.
Przybliżona lista utworów do utrwalenia badanej notatki: „Wesołych gęsi”, „Och, ty, baldachim”, D. Kabalevsky „O Petyi”.
Ekstrakcja dźwięku na dyktafonie uderzeniem „legato”:
Przy odbieraniu „legato” język uczestniczy jedynie w wydobywaniu dźwięku pierwszej nuty, wykonanie kolejnych nut odbywa się w sposób połączony na jednym oddechu.
Przybliżona lista sztuk wzmacniających uderzenie „legato”: „Łotewska pieśń ludowa”, „Ogród”, „Ścieżka w wilgotnym lesie”, „Wieczór spacerowałem po łąkach”.
Wspólne muzykowanie ucznia z nauczycielem (studentem i uczniem) przyczynia się do rozwoju zdolności twórczych młodych muzyków, przyspiesza proces uczenia się, rozwija u ucznia słuch, poczucie rytmu, umiejętność czytania z kartki, zaszczepia umiejętności gry w zespole.
Proste duety na dyktafon. Student musi grać zarówno partie pierwszego, jak i drugiego rejestratora.
Przybliżona lista utworów do grania w zespole: „Hej, chodźmy!”, „Przy bramie, bramie”, „Jak nasza przy bramie”, „Jak poszły nasze koleżanki”, „Jabłko”, „Ptak śpiewający”, „Baby chodził ”, I. Pushechnikov „Ku-ku”, „Duet”, „Round dance”.
IIpół roku
Utrwalenie umiejętności poprawnego wykonywania oddechu, dokładnego ustawiania palców, wykonywania technik gry uderzeniami „nonlegato” i „legato”, doboru melodii przekazywanych przez ucho. Kontynuacja wpajania umiejętności wspólnego muzykowania (granie w zespole), a także dalsza praca przy wykonywaniu utworów z akompaniatorem.
Powtórki sztuk studiowanych w pierwszej połowie roku.
Ekstrakcja nut „re” -, „c-sharp” -, „mi” drugiej oktawy.
Synkopacja, jej dokładna realizacja. Synkopacja - przesunięcie akcentu z metrycznie silniejszego beatu na słaby.
Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Przybliżona lista utworów do utrwalenia przestudiowanych notatek: „Wania chodziła”, „W tym naszym podwórku”, „Wiosna”, M. Krasev „Króliczek”, M. Jordanian „Pieśń o czajce”.
Dokładne wykonanie złożonych wzorów rytmicznych w połączeniu uderzeń „deteche” i „legato”. Szesnaste czasy trwania. Przybliżony wykaz spektakli: „Taniec ukraiński”, A. Gedike „Zayinka”, A. Vitlin „Marsz pionierski”, „Siedzę na kamyku”, I. Dussek „Stary taniec”.
Ekstrakcja nut „G-sharp” („A-flat”) pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem. Przybliżony wykaz utworów do utrwalenia badanych notatek: „Sierota”, V. Gerchik „W pobliżu choinki”.
Wyodrębnianie nut "fa" -, "salt" -, "e-flat" -, "fa-sharp" -, "sol-sharp" ("A-flat") drugiej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem. Przybliżona lista utworów do utrwalenia badanych notatek: D. Kabalevsky „Nasza ziemia”, M. Krasev „Liście opadają”, A. Gurilev „Idź do domu, moja krowa”, „Pszczoła”, D. Kabalevsky „Jeż” , P. Czajkowski „Kamarinskaya”, D. Kabalevsky „Wolny walc”.
Przybliżona lista utworów do grania w zespole: „Wszyscy tańczą z nami”, „Iwuszka”, „Jak pójdę nad szybką rzekę”, A. Toma „Pieśń wieczorna”, „Na polu była brzoza” , „Jak w lesie, las ”, I. Pushechnikov „Dwóch pasterzy”, L. Mozart „Duet”, A. Gretri „Spór”, V. Gokielli „Firefly”.
Transpozycja sztuk zrealizowanych w okresie studiów. Utrwalenie umiejętności gry w zespole iz akompaniatorem.
Nauka utworów, które są bardziej złożone w wykonaniu technicznym, percepcji muzycznej. Przybliżona lista repertuarowa: V. Shainsky „Uśmiech”, Y. Shaporin „Kołysanka”, F. Couperin „Gavot”, P. Czajkowski „Pieśń włoska”, J.-B. Loye „Sonata” F-dur (część III), H. Lippman „Taniec Arlekina”, W. Mozart „Canzoneta”.
Orientacyjna lista utworów do zagrania w zespole: „Nad polami”, „O, ty noc”, „To nie wiatr ugina gałąź”, „Nie łaj mnie kochanie”, „O ty , Kalinuszka”, „Kalinka”, P. Locatelli „Sonata” d-moll (część I).
Rzeczywiście, trudno jest określić, ile czasu zajmie rozwinięcie pewnych umiejętności. Najważniejsze jest kierunek, treść i metody nauczania oraz rozwoju uczniów. Aby skonsolidować pewne nabyte umiejętności, należy przejść przez dużą liczbę prac o mniej więcej tym samym stopniu trudności. Komplikowanie zadowalającego repertuaru powinno odbywać się stopniowo.
W ten sposób właściwa wstępna nauka gry na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania reprezentacji muzycznej i słuchowej, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonawczego.
Oczekiwane rezultaty
W wyniku zajęć młodsi uczniowie powinni wykształcić stałe zainteresowanie graniem na flecie prostym jako formą zbiorowej aktywności artystycznej i potrzebę tej aktywności.
Stosowane formy i metody pracy przyczynią się do:
Kształtowanie poczucia kolektywizmu, spójności i umiejętności podążania za wspólną ideą;
Kształtowanie twórczego podejścia do procesu uczenia się, w szczególności lekcji muzyki;
Rozwój ogólnych zdolności muzycznych;
Kształtowanie się kultury muzycznej jako ogólnej kultury duchowej człowieka.
W okresie szkolenia uczniowie muszą nauczyć się prawidłowej inscenizacji na flecie prostym. Pokonaj trudności w układaniu palców, ust, języka.
Poznaj różnicę między oddychaniem fizjologicznym a wyczynowym. Szczególnie ważne jest, aby wyjaśnić dziewczętom naturę ich oddychania, porozmawiać o „kobiecym” i „męskim” typie oddychania, różnicy między nimi, wadach i zaletach jednego typu oddychania nad drugim. Wykonując ćwiczenia oddechowe naucz się prawidłowego wykonywania wdechu i wykonywania wydechu.
Opanuj palcowanie na flecie prostym, naucz się samodzielnie uczyć, sprawnie i ekspresyjnie wykonywać proste utwory z repertuaru dziecięcej szkoły muzycznej, dobierać ze słuchu znajome melodie.
Od czasu programu nie zapewnia pośrednia kontrola postępów i certyfikacja końcowa, uczniowie oceniani są na zajęciach, do których uczęszczają, procent frekwencji na zajęciach (obecność lub nieobecność na zajęciach z ważnego lub nieuzasadnionego powodu), a także występy na spotkaniach rodziców i koncertach. Na różnych koncertach studenci mogą pokazać swój rozwój twórczy i zawodowy, czego nauczyli się w minionym okresie.
I wreszcie, konieczne jest, aby nie pozbawiać dziecka zainteresowania nauką w szkole artystycznej (szkoła muzyczna). To zależy od wysiłków nauczyciela, jego umiejętności pedagogicznych. Jeśli uczeń chętnie uczęszcza na zajęcia, nie opuszcza ich bez uzasadnionego powodu, jeśli studiuje z zainteresowaniem, bierze czynny udział w występach koncertowych, to już jest ogromny plus zarówno dla dziecka, jak i dla nauczyciela.
Jak B.Ya. Grach: „Praca jest dyskutowana, gdy uczeń jest zainteresowany, ale dzieje się tak, gdy jedna praca jest zastępowana przez inną, gdy jedno zadanie zostaje zastąpione innym, gdy trudności są przezwyciężane bez nadmierny Napięcie. Tylko w tym przypadku dobre wyniki przynoszą uczniowi radość. Wszystko, co się nie udaje, denerwuje ucznia, a niepowodzenia często prowadzą do kontuzji” („Podstawowe postanowienia metodyczne początkowego okresu nauki gry na fortepianie”, Moskwa-Leningrad, 1965, „Muzyka”).
Wytyczne
Każde dziecko w procesie kreatywności ma swój własny cel, a nie zbiorowy. Nauczyciel docenia rozwój każdego dziecka, okazując miłość, przebaczenie i cierpliwość. Nieujawnione zdolności i indywidualność każdego dziecka rozwijają się stopniowo, racjonalnie, zgodnie z prawami natury. Nauczyciel nie powinien niszczyć natury dziecka, ale dawać impuls do jego rozwoju. Zasady elementarnego muzykowania są szczególnie przydatne w przypadku dzieci niedorozwoju ogólnego lub dzieci z zaburzeniami mowy fonetycznej i fonemicznej. Ogromne znaczenie w pracy korekcyjnej z dziećmi w wieku szkolnym mają gry słowne, rytmiczne, gry mowy, logorytmika. Dźwiękowe gesty towarzyszą mowie dziecka, skupiają jego uwagę, wyrabiają rytm i metrum. Przy pomocy muzyki rozwija się ruch, mowa, ucho muzyczne, pamięć muzyczna, poczucie rytmu i wyobraźnia. Dzieci mają możliwość wyrażenia siebie poprzez twórczą pomysłowość. Ruchy rytmiczne są ściśle związane ze wszystkimi rodzajami zajęć w programie, które rozwijają szereg cech psychologicznych dziecka: umiejętność panowania nad sobą, szybkiego i trafnego reagowania na sygnały, poruszania się w przestrzeni iw zespole.
Dziecko „wchodzi w muzykę” poprzez zbiorowe zabawy rozrywkowe związane z deklaracją, pantomimą, ćwiczeniami rytmicznymi. Wszystko, co w rzeczywistości może wydawać się zabawą, rozrywką, podlega ściśle zaprogramowanemu projektowi pedagogicznemu. Podczas zabawy dzieci niepostrzeżenie uczą się mądrości solfeżu, nie podejrzewając nawet istnienia rytmu i metrum.
Zapoznanie się z notatkami następuje po tym, jak dziecko nauczyło się grać ze słuchu, a także „z ręki”, gdy dziecko obserwuje dłonie nauczyciela. Dzięki nabytym reprezentacjom słuchowym i motorycznym, dzieci przechodzą do systemu notacji muzycznej w sposób naturalny, poprzez dźwięki, a nie odwrotnie, przez system znaków do muzyki. Ta ostatnia droga niestety często tworzy u dzieci niechęć do muzyki, „zaciska” narząd ruchu dziecka, zaciemnia jego własne muzyczne doznania, „zamraża” go – często na całe życie.
Stosowanie „figuratywno-motorycznej alfabetyzacji muzycznej” (proponowanej przez T.A. Rokityanskiej) poprzedza grę na instrumentach. Gdy dziecko tańczy, wciąga w powietrze rękami, śpiewa i czuje całym ciałem ruchy dźwiękowe w przestrzeni, z łatwością gra na flecie dwu- lub trzydźwiękową piosenkę. Niemniej jednak należy pamiętać, że muzyczna literatura figuratywno-motoryczna przeradza się w końcu w elementarną literaturę muzyczną, tak niezbędną dla każdego, jak znajomość dowolnego języka.
Oddychanie fizjologiczne i wydolnościowe. Oddychanie piersiowe („żeńskie”) i brzuszne („męskie”). Cechy i różnica.
Ćwiczenia rozwijające wykonywanie oddychania.
Występ z rejestratorem.
Produkcja dźwięku na dyktafonie. Cezura.
Pozycja palców lewej ręki. Ekstrakcja nut „si”, „la” i „sól” pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Oprawa palców prawej ręki. Ekstrakcja nut „fa”, „mi” i „re” pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Selekcja przekazywanych melodii ze słuchu.
Ekstrakcja nut „C” drugiej oktawy, „Fis” pierwszej oktawy, „B-flat” pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Precyzyjne trzymanie pauz w wykonywaniu utworów. Fermata.
Pokonanie trudności w wydobywaniu dźwięku nuty „do” pierwszej oktawy.
Realizacja dźwięku na flecie prostym z uderzeniem legato.
Proste duety na dyktafon.
Ekstrakcja nut „re” -, „c-sharp” -, „mi” drugiej oktawy. Omdlenie. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Dokładne wykonanie złożonych wzorów rytmicznych w połączeniu uderzeń „deteche” i „legato”. Szesnaste czasy trwania.
Ekstrakcja nut „G-sharp” („A-flat”) pierwszej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Wyodrębnianie nut "fa" -, "salt" -, "e-flat" -, "fa-sharp" -, "sol-sharp" ("A-flat") drugiej oktawy. Nauka kawałków za pomocą tych notatek. Zabawa z akompaniamentem.
Powtórzenie okrytego materiału. Transpozycja sztuk zrealizowanych w okresie studiów. Utrwalenie umiejętności gry w zespole iz akompaniatorem.
Warunki realizacji programu
Sala lekcyjna wyposażona w lustro ścienne.
Rejestrator (według liczby uczniów w klasie).
Fortepian (1 szt.).
Metronom.
Magnetofon z odtwarzaczem CD.
Granty naukowe i metodyczne.
Zbiory edukacyjnej literatury muzycznej do gry na flecie prostym.
Bibliografia
Psychologiczne i pedagogiczne.
Abramova G.S. „Psychologia związana z wiekiem”. M., 1999.
Bergson A. „Dwie formy pamięci”. M., 1979.
Pytania metod nauczania w dziecięcej szkole muzycznej. komp. Tudorowski A.M., 1965.
Pytania pedagogiki muzycznej, nr 10. Comp. Usow Yu., M., 1991.
Wasiliuk F.E. „Psychologia doświadczenia (analiza przezwyciężania sytuacji krytycznych)”. M., 1984.
Grach B.Ya. „Główne postanowienia metodyczne początkowego okresu nauki gry na fortepianie”. M., 1965.
Gippenreiter Yu.B. „Porozumiewaj się z dzieckiem. Jak?". M., 2005.
Dowling, S. „Formacja fantasy: perspektywa dziecka analityka”. //2001.
Efimkina R.P. "Psychologia dziecięca". Nowosybirsk, 1995.
Kremenstein B. „Pedagogika GG Neuhausa”. M., 1984.
Lishin O.V. „Psychologia pedagogiczna wychowania”. M., "Akademkniga", 2003.
Lyachovicka S.S. „Rozwijanie umiejętności niezależności młodych muzyków”. M., 1965.
Micheeva L. „Słownik muzyczny w opowiadaniach”. M., 1984.
Pietrow V. „Podstawy nauki elementarnej na klarnecie systemu francuskiego”. M., 1991.
Lista repertuarowa.
Litovko Y. „Pasterz” Łatwe utwory na flet prosty
Pokrovsky A. „W szkole iw domu” Poradnik metodyczny do nauki gry na flecie prostym. M., 1989.
Pokrovsky A. „Nauczyciel i uczeń” Podstawowa szkoła gry zespołowej na instrumentach dętych drewnianych. M., 1992.
Pushechnikov I. „ABC początkującego rejestratora”. M., 1991.
Pushechnikov I. „Szkoła gry na flecie prostym”. M., 1998.
Habicht G. „Pieces for Recorder”, Pro musika Verlag Leipzig, 1978.
Program został opracowany na podstawie programu T.A. Rokityanskiej „Każde dziecko jest muzykiem”, E.S. Kiseleva „Skowronek”, N.V. Golubev „Srebrny dzwon”.
W repertuarze znajdują się rosyjskie pieśni ludowe, utwory na flet prosty Winogradowa, A. Zaruby, Rokityanskiej i innych kompozytorów współczesnych i zagranicznych.
Kamieniewa Tatiana Borisowna
Pozycja: nauczyciel
Instytucja edukacyjna: MBUDO „Dziecięca Szkoła Muzyczna nr 1 im. M.I. Glinki”
Miejscowość: Smoleńsk
Nazwa materiału: Pomoc nauczania.
Temat: Nauczanie fletu prostego w szkole muzycznej: aktualne problemy i perspektywy.
Data publikacji: 21.09.2016
Rozdział: dodatkowa edukacja
Miejska Budżetowa Instytucja Dokształcająca „Dziecięca Szkoła Muzyczna nr 1 im. M. I. Glinki, Smoleńsk” Nauczanie gry na flecie prostym w szkole muzycznej: aktualne problemy i perspektywy. Pomoc nauczania. Kameneva T. B. nauczyciel, MO instrumenty dęte i perkusyjne, Smoleńsk
Zawartość
Wstęp
Rozdział I
Teoretyczny
Aspekty
nauczanie
rejestratory
Szkoła Muzyczna.
1.1 Powstanie szkoły gry na flecie prostym. 1.2 Formy i metody rozwijania umiejętności muzycznych w nauczaniu fletu prostego.
Rozdział II.
Praktyczny
Aspekty
uczenie się
gra
rejestrator
Szkoła Muzyczna
. 2.1 Podstawowe zasady i zasady gry na flecie prostym. 2.2. Perspektywy nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej jako samodzielnego instrumentu.
Wniosek.
Bibliografia.
Wstęp
Stosowność
badania
praca ta jest podyktowana współczesnymi obiektywnymi warunkami. Jednym z najważniejszych działów edukacji estetycznej jest edukacja muzyczna, na którą w naszym kraju przywiązuje się dużą wagę. Znaczące miejsce wśród placówek oświatowych zajmują dziecięce szkoły muzyczne, które pełnią odpowiedzialną rolę w przygotowaniu uczniów do kontynuacji profesjonalnej edukacji muzycznej w średnich wyspecjalizowanych placówkach oświatowych i wnoszą ogromny wkład w sprawę ogólnokształcącej edukacji estetycznej. Głównym zadaniem edukacji elementarnej w dziecięcych szkołach muzycznych jest rozbudzanie w dzieciach zainteresowania muzyką i jej studiowanie, nauczenie języka sztuki muzycznej, rozwijanie smaku artystycznego i twórczej wyobraźni. Bardzo ważne jest podtrzymywanie ciekawości dziecka i żywego zainteresowania lekcjami muzyki, którą wykazał, wchodząc do dziecięcej szkoły muzycznej. Nauczyciele pracujący z dziećmi powinni czuć szczególnie dużą odpowiedzialność wobec swoich uczniów, aby wprowadzać dziecko w nowe i nowe wrażenia muzyczne, zachować dla niego naturalność jego stosunku do wciąż rozszerzającego się świata muzycznego, podtrzymać w nim aktywne zainteresowanie muzyką . Specyfika instrumentów dętych determinuje nie tylko odmienne warunki nauki gry na tych instrumentach, ale także wiek, a właściwie związany z wiekiem stan zdrowia fizycznego ucznia. Ponieważ wiek chcących grać na instrumentach dętych sięga czasem zaledwie 5-7 lat, wstępne szkolenie na flecie prostym stało się normalną praktyką w szkole muzycznej. Opanowanie „dużego” instrumentu dętego w tym wieku (flet obojowy, fagot, saksofon, trąbka, puzon, tuba itp.) jest zadaniem prawie niewykonalnym ze względu na brak rozwoju fizjologicznego dziecka. Dlatego rejestrator jest wspaniałą alternatywą dla swoich dużych odpowiedników. We współczesnych szkołach muzycznych dziecko zdobywa wiedzę teoretyczną, rozwija się estetycznie, doskonali umiejętności gry na wybranym przez siebie instrumencie muzycznym. Zajęcia na flecie prostym poszerzają horyzonty muzyczne uczniów, przyczyniają się do rozwoju uwagi, pracowitości i głębszego zrozumienia muzyki. Na podstawie 20-letniego doświadczenia (autor niniejszego opracowania) z uczniami dziecięcej szkoły muzycznej można stwierdzić, że uczniowie z podstawowymi umiejętnościami muzycznymi
na pierwszym etapie dość szybko uczą się i całkowicie bezboleśnie przestawiają się na inny instrument dęty, gdzie dalej ćwiczą z powodzeniem iz dużym zainteresowaniem, osiągając wysokie wyniki.
Stopień rozwoju naukowego.
Współczesne systemy pedagogiczne obejmują szeroki zakres zagadnień związanych z doskonaleniem instrumentów i akustyczną naturą instrumentów; pojawiają się pytania o interpretację utworu muzycznego; dalsze doskonalenie procesu edukacyjnego; przedstawiono wyniki dotyczące oddychania i niektóre czynniki procesu wykonawczego zawodnika wiatru. Współczesne badania naukowe wskazują, że rozwój zdolności muzycznych, kształtowanie podstaw kultury muzycznej musi być wpojone już od pierwszych dni pobytu dziecka w szkole muzycznej, a rozwój zdolności muzycznych ma wpływ na ogólny rozwój dziecka: rozwija się sfera emocjonalna, wyobraźnia, wola, fantazja. Obserwując czynności uczniów, które można wykonać na lekcji, wniosek jest taki, że przy tego typu zajęciach występuje duży rezonans ze strony dzieci, a w konsekwencji większa aktywność prowadząca do lepszego przyswajania materiału lekcji gdzie studenci są bezpośrednimi wykonawcami. To właśnie na zasadzie własnego muzykowania opiera się wiele zachodnich technik. Na przykład system Carl Orff, który ostatnio stał się powszechny w naszym kraju. Problematyka intonacji na instrumentach dętych poruszana jest w pracach N.I. Karaulowski, BA Szestopal i Yu.I. Gritsenko. Artykuły I.F. Pushechnikova, I.P. Mozgovenko. Teorię i metodologię wykonywania umiejętności ujawniają prace naukowe V.M. Kupanowski, A.P. Barantseva i R.A. Masłowa (zasady twórcze, metodyczne i pedagogiczne wybitnych muzyków). Zasadnicza część koncepcji pedagogicznych dotyczy zagadnień metod nauczania gry na instrumentach dętych na początkowym etapie. Można tu wyróżnić kilka kierunków. To poszukiwanie nowych metod nauczania związanych z doskonaleniem całego procesu edukacyjnego - A. Naydi i M. Shaposhnikov. Badanie czynników procesu wykonawczego za pomocą precyzyjnych metod badawczych
instrumenty - A. Selyanin, B. Pronin i V. Bubnovich, akustyczna natura instrumentu dętego - V. Apatsky. W pracy adiunkta klasy fletu GMPI im. Gnesinykh A. Naydi „Zagadnienia nauczania gry na pokrewnych instrumentach dętych drewnianych” zajmuje się bezpośrednio problematyką przygotowania zawodowego wykonawców na pokrewnych instrumentach dętych, aw szczególności na flecie prostym. Wiodący nauczyciele, I. Pushechnikov, I.P. Mozgovenko i inni. Podkreśla się, że proces wykonawczy składa się z wielu elementów i jest uwarunkowany po pierwsze istniejącymi metodami nauczania; po drugie stan i doskonalenie narzędzi; po trzecie, ogólna kultura muzyczna wykonawcy, która z kolei zależy od jego wiedzy z zakresu historii i teorii muzyki, estetyki, wzorców odbioru muzyki oraz umiejętności zastosowania zdobytej wiedzy w swojej twórczości. Wykonywanie oddechu, jego badanie, etapowanie i rozwój zajmuje poczesne miejsce w badaniach N.N. Sołodujew i B.O. Dikova N.I. Płatonow i Yu.G. Jagudin. Koncepcja pedagogiczna I. Pushechnikova i B. Pronina w początkowym okresie edukacji podzielona jest na dwie sekcje: teoretyczną i metodyczną. Pierwsza część koncepcji uzasadnia potrzebę wprowadzenia fletu prostego w proces edukacyjny szkoły muzycznej, jako instrumentu, za pomocą którego można rozwiązać problem wczesnego nauczania dzieci gry na instrumentach dętych drewnianych i blaszanych. W tym sensie flet prosty ma pełnić funkcję instrumentu pośredniego: flet prosty, obój lub flet oktawowy puzon, puzon. Prace tego typu uzupełniają dotychczasowe kursy metod prywatnych i przyczyniają się do powstania pełnoprawnego, kompleksowego kursu ogólnego z metodyki nauczania instrumentów dętych. Jednocześnie przeprowadzona analiza pozwala stwierdzić, że nie podjęto systematycznego podejścia do nauczania metod nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej.
Praktyczny
znaczenie
Praca
polega na tym, że opiera się na studiach teoretycznych, metodologicznych, historycznych i narodowych doświadczeniach i jest przedmiotem zainteresowania nauczycieli dziecięcych szkół muzycznych i dziecięcych szkół artystycznych.
Cel
uzasadnić konieczność nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej.
Zadania
Zbadanie genezy powstania szkoły gry na flecie prostym; analizować formy i metody rozwijania zdolności muzycznych w nauczaniu flet prostym; opracowanie podstawowych reguł i zasad gry na flecie prostym; określić etapy nauki na rejestratorze; rozważ perspektywę nauczania rejestratora;
Rozdział I. Teoretyczne aspekty nauczania flet prosty
Szkoła Muzyczna.
Powstanie szkoły gry na flecie prostym
. Flet prosty jest rodzajem fletu podłużnego i należy do klasy instrumentów dętych drewnianych i należy do rodziny gwizdków. To naprawdę jeden z instrumentów, którego łatwo nauczyć się grać nawet w wieku 4-5 lat i grać najprostsze melodie.Fletnik ma osiem otworów do gry, z których siedem znajduje się z przodu instrumentu, a jeden na z tyłu działa jak zawór oktawowy, to znaczy z jego pomocą dźwięk wznosi się o oktawę. Powstawanie dźwięku następuje w ustniku, który jest nieruchomy i znajduje się na końcu fletu. Flet prosty należy do instrumentów skali diatonicznej, ale dzięki zastosowaniu palcowania „widełkowego” i dmuchania system można rozszerzyć na chromatyczny. Palcowania "widelkowe" pozwalają uzyskać pożądane półtony za pomocą pół-zamkniętych otworów. Skala chromatyczna - „zbiór dźwięków ułożonych sekwencyjnie w półtonach (w porządku rosnącym lub malejącym) w ramach dostępnego zakresu instrumentu. Grając na flecie prostym ze skalą chromatyczną, muzyk ma większe możliwości kreatywności dzięki szerszej palecie dźwięków. Oczywiście początkowo rejestrator nie był plastikowy. Choćby dlatego, że w momencie jego wynalezienia po prostu nie wiedzieli o takim materiale. Autentyczny flet prosty to instrument drewniany. Nowoczesne dyktafony są zwykle wykonane z drewna lub plastiku. Istnieją również opcje łączone: główna część instrumentu wykonana jest z drewna, a ustnik z tworzywa sztucznego. Od czasów baroku flety wykonywane ręcznie z mahoniu, palisandru czy bukszpanu uważane są za jedne z najlepszych. Prostsze opcje to rejestratory klonu, gruszy lub innych drzew owocowych. Nie ma nic w tym, że rejestratory są wykonane z tych gatunków drewna.
cudowny. Wystarczy zapoznać się z właściwościami ich drewna. Na przykład palisander, którego drewno jest nadal jednym z najdroższych, ma doskonałą odporność na wilgoć i praktycznie nie ulega rozkładowi. Ponadto drewno różane jest bardzo gęste i trwałe, co sprawia, że gotowy instrument jest również odporny na naprężenia mechaniczne. Drewno klonu, gruszy i jabłoni jest również dość twarde i trwałe, ale ma gorsze właściwości niż bukszpan i palisander. Barwa i inne cechy dźwięku flet prosty są bardzo zależne od materiału, z którego wykonany jest instrument. Ponieważ żywotność instrumentu dętego, a zwłaszcza instrumentu drewnianego, jest niewspółmiernie mniejsza niż żywotność instrumentu smyczkowego, przeciętna żywotność fletu prostego przy ciągłym użytkowaniu wynosi około 20 lat. Rejestrator istnieje w tradycjach różnych krajów europejskich. A każdy język ma swoje własne odmiany nazwy. Tak więc w języku angielskim dyktafon brzmi jak dyktafon. Nazwa ta pochodzi od słowa nagrywać, które ma dwa znaczenia: nagrywać i uczyć się. Znana rosyjskiemu uszowi nazwa „blockflute” jest transliteracją niemieckiego słowa blockflet (blockflute), które można przetłumaczyć jako „flet z blokiem”. Rzeczywiście, ten instrument przybył do naszego kraju z Niemiec wraz z modą na niemieckich nauczycieli. To wyjaśnia popularność niemieckiego systemu palcowania w Rosji. Niewykluczone, że francuski flet a bec – „flet z ustnikiem” – pochodzi od nazwy niemieckiej. W języku włoskim flet prosty brzmi jak flauto dolce, czyli „delikatny flet” lub „słodki flet”. Prawdopodobnie nazwa ta wynika z faktu, że dźwięk autentycznego fletu prostego był naprawdę bardzo delikatny i aksamitny. Przyjęło się rozróżniać flety proste według takich kryteriów, jak rejestr dźwięku, wielkość i palcowanie. Istnieje pięć typów fletów prostych, które są najczęściej spotykane pod względem rejestrów dźwięku: sopran, sopran, alt, tenor i bas. Spośród wszystkich odmian tych instrumentów najczęściej spotykane są flety proste (ang. „Descant”). Jest to flet prosty sopranowy, który jest aktywnie wykorzystywany do nauczania w szkołach muzycznych. Wszystkie materiały szkoleniowe, w tym większość notatek, zostały nagrane specjalnie dla tego instrumentu. Zakres częstotliwości fletu prostego sopranu jest w rzeczywistości o oktawę wyższy, ale ponieważ notacja muzyczna, w której nuty dokładnie odpowiadają częstotliwościom, byłaby bardzo niewygodna dla muzyków, zwyczajowo zapisywano nuty o oktawę niżej.
Według muzycznej encyklopedii „palcowanie (z łac. Applico - wciskam, aplikuję) to sposób pozycjonowania i kolejność zmian palców podczas gry na instrumencie muzycznym; oznaczenie tej metody w uwagach”. Tak więc palcowanie dla fletu prostego wyjaśnia, które otwory w instrumencie należy zamknąć palcami, aby uzyskać tę lub inną nutę. Rejestratory systemu angielskiego lub „barokowego” są szeroko rozpowszechnione na całym świecie. To jest palcowanie używane przez profesjonalnych muzyków. Jak sama nazwa wskazuje, to palcowanie pochodzi z Anglii. Cechą rejestratorów barokowych jest to, że ich czwarty otwór od dołu ma mniejszą średnicę niż trzeci. Rejestratory z palcowaniem niemieckim pojawiły się znacznie później niż instrumenty z systemem barokowym. Ten model jest teraz dość rzadki. Rejestratory niemieckie są bardziej nowoczesne, wynaleziono je już w XX wieku. Niemieckie dyktafony są popularne, głównie w Niemczech, Holandii i, o dziwo, w Rosji. Uważa się, że flety proste z palcowaniem germańskim są łatwiejsze do nauczenia. Dlatego model ten oferowany jest uczniom szkół muzycznych. Wynika to z faktu, że niemieckie flety proste zostały stworzone do nauczania dzieci w wieku szkolnym. Jedną z różnic między fletami niemieckimi a angielskimi jest to, że przeciwnie, czwarty otwór ma większą średnicę niż trzeci. W związku z tym istnieje różnica w palcowaniu podczas robienia niektórych nut, a to stwarza pewne trudności dla dzieci w wykonaniu.Dodatkowo barokowe flety proste mają węższy kanał, przez co ich dźwięk jest cichszy niż niemieckich. Rejestrator, wynaleziony w średniowieczu, przez wiele stuleci cieszył się wielką popularnością wśród najróżniejszych grup ludności Anglii, Niemiec, Włoch i Francji. Rejestrator znajduje się na obrazach artystów, w ówczesnych dziełach literackich. Według niektórych doniesień rejestrator był nawet jednym ze świeckich instrumentów szlachty rosyjskiej. Począwszy od drugiej połowy XVIII wieku instrument ten na wiele lat został wyrzucony nie tylko ze składu orkiestr symfonicznych i aż do początku XX wieku prawie całkowicie zapomniany. Tak więc, gdyby nie kilku entuzjastów minionego stulecia, rejestrator na zawsze pozostałby nieciekawym archaizmem. Paradoksalnie „nowoczesny” flet prosty jest w rzeczywistości bezpośrednim następcą modelu instrumentu z epoki wysokiego baroku. Te proste plastikowe narzędzia, tak powszechne i
popularne wśród młodych ludzi w naszych czasach są jedynie uproszczone kopie tych fletów, które cieszyły uszy „Króla Słońce” (Ludwika XIV) i po prostu grały w salonach muzycznych tamtej epoki. Faktem jest, że „rewolucja” w konstrukcji rejestratora nastąpiła nieco wcześniej – na skrzyżowaniu renesansu i baroku. Ale jeszcze bardziej zaskakujący dla wielu może być fakt, że to renesansowe modele fletów prostych w Europie są często wykorzystywane do wykonywania muzyki współczesnej, nawet jazzu. Ale też, uczciwie, warto zwrócić uwagę na twórczość tak wybitnych mistrzów XX wieku, jak np. Ralf Ehlert z Niemiec. Nie tylko rozwinął możliwości brzmieniowe i moc brzmieniową instrumentu, ale nawet wynalazł własny model fletu prostego, który jest bardzo popularny w Europie. Klasyczny rejestrator europejski znany jest od XI wieku, ale szeroką popularność zyskał właśnie w okresie renesansu. Idee dotyczące muzyki wczesnego średniowiecza są bardzo warunkowe. Można jedynie przypuszczać, że upadek Cesarstwa Rzymskiego (od którego zwyczajowo rozpoczyna się odliczanie średniowiecza) i Wielka Wędrówka Narodów (IV-VII w.) wpłynęły na rozpowszechnienie się instrumentów muzycznych w Europie. Większość dętych instrumentów muzycznych w Europie można śmiało nazwać dziedzictwem Cesarstwa Rzymskiego. Zasadniczo mówimy o narzędziach, które były używane przez wojsko. Historia rejestratora zaczyna się znacznie później. Ale możesz rozważyć przesłanki do popularyzacji tego narzędzia. Możemy mówić o muzyce europejskiej z około VI wieku - niestety możemy tylko spekulować o tym, co działo się w muzyce przed tym okresem. W tym czasie zaczyna kształtować się tradycja monofonicznego śpiewu kościelnego, który następnie przechodzi w chorały. W sercu tych utworów muzycznych znajdują się hymny kościelne. Niemal przed pojawieniem się chorału wszyscy parafianie śpiewali w kościele. Chóry składały się wyłącznie z profesjonalnych muzyków. Przez bardzo długi czas w kościołach zachował się tylko ten rodzaj muzyki. W 660 roku pojawił się pierwszy kościelny instrument muzyczny, „boski instrument muzyczny” – organy, które do dziś stanowią główną różnicę między kościołami katolickimi. Nawiasem mówiąc, wiele piszczałek w konstrukcji organów ma kształt fletu prostego. Około XI-XII wieku narodził się śpiew polifoniczny (polifoniczny), któremu kilka wieków później zaczął towarzyszyć akompaniament instrumentów muzycznych. Ale to nie zjawisko jest głównym powodem pojawienia się rejestratora na średniowiecznej scenie. Dużo ważniejszą rolę w popularyzacji odegrali muzycy wędrowni, którzy zaczęli pojawiać się w tym samym czasie. Pod wędrujących muzyków możesz
Chodzi tu przede wszystkim o francuskich trubadurów i truwerów, a także niemieckich minnesingerów – artystów, którzy w swoich wierszach ujmowali różne aspekty życia rycerskiego, w tym miłość do niedostępnej Pięknej Pani. Wszystkie wiersze skomponowane przez wędrownych muzyków zakładały akompaniament, flet prosty stał się właśnie tym instrumentem towarzyszącym. Do dziś zachowało się zaledwie kilka średniowiecznych instrumentów. Trzy z nich zostały znalezione podczas wykopalisk w holenderskim mieście Dordrecht w niemieckim Getyndze oraz w polskim Elblągu. Te flety należą do XIII-XIV wieku. Wszystkie mają rejestr sopranowy. W renesansie muzyka świecka, wcześniej surowo zabroniona, stopniowo zaczęła wreszcie zyskiwać wolność, choć już wtedy można doszukiwać się wyraźnej przewagi gatunków wokalnych. Muzyka instrumentalna, choć stopniowo zaczęła usamodzielniać się, przez długi czas pozostawała drugorzędnym akompaniamentem do pieśni i tańców. W tym czasie popularnością zaczęły cieszyć się kompozycje przerabiane z duchowych czy świeckich na folkowe, niekiedy z akompaniamentem perkusji i instrumentów dętych, w szczególności fletów prostych. Rozprzestrzenianie się rejestratora wynikało ze względnej prostoty gry. Szczególnie popularne były zespoły składające się z instrumentów tego samego typu – małżonków. Nawiasem mówiąc, dość duża liczba dzieł muzycznych z tamtych czasów powstała bez przywiązania do konkretnego instrumentu. Oznacza to, że jeden utwór może być wykonywany zarówno przez małżonkę flet, jak i przez zespół smyczkowy. We Francji nastąpiły najważniejsze zmiany w muzyce renesansu. Wiąże się to przede wszystkim z nazwiskiem Pierre'a Attenyana. Ten człowiek, który zaczął publikować około 1525 roku, jako pierwszy wymyślił litery reprezentujące pięciolinię i notatki. Od tego czasu partytury stały się dostępne dla szerokiego grona osób. Bardzo szybko unikalna technologia druku firmy Attenyan rozprzestrzeniła się w całej Europie. Można powiedzieć, że to właśnie tej osobie zawdzięczamy pojawienie się pierwszych nut dla rejestratora. A dziesięć lat później, w 1535 roku, w Wenecji ukazał się pierwszy podręcznik gry na flecie prostym – „La Fontegara, la quale insegna di suonare il flauto etc.”. Został napisany przez włoskiego kompozytora Silvestro Ganassi. Ważne jest, aby traktat ten zawierał nie tylko informacje o różnych sposobach gry na flecie prostym, ale także palcowania. Epoce baroku zawdzięczamy powstanie systemu równotemperatu, który jest podstawą całej muzyki europejskiej.
Flet prosty stał się jednym z czołowych instrumentów muzycznych epoki baroku. Do tej pory zachowała się ogromna liczba utworów muzycznych napisanych na ten instrument. Barok to w pewnym sensie czas nagrań płytowych. Na przykład w tym okresie ukazał się zbiór Jacoba van Eycka Der Fluyten Lust-Hof (1646-1649), który do dziś uważany jest za największy zbiór dzieł jednego kompozytora na solowy instrument dęty. W XVII wieku nastąpiły zmiany w konstrukcji rejestratora. To właśnie w tym czasie pojawił się tak zwany „barokowy” flet prosty – bardzo zbliżony do nowoczesnej wersji tego instrumentu. Zmiany polegały głównie na zmniejszeniu średnicy fletu. To zmieniło ton fletu. Od tego czasu przestał być miękki i gładki, w przeciwieństwie do wcześniejszych instrumentów, a zbliżył się do tego, co słyszymy teraz. W XVIII wieku nazwa „rejestrator” zeszła na dalszy plan, zastąpiona określeniem „flet”. Flet poprzeczny w tym czasie nazywano po prostu fletem niemieckim. Przyczynami przesunięcia fletu prostego przez flet poprzeczny w orkiestrach symfonicznych i zespołach instrumentalnych są różni eksperci. Możliwe, że wszystkie w jakiś sposób wpłynęły na zapomnienie instrumentu. Za jeden z powodów tradycyjnie uważa się dość cichy dźwięk rejestratora. Ale ta pozycja jest kontrowersyjna, ponieważ początkowo flet poprzeczny nie brzmiał głośniej niż flet prosty. Dopiero później, po przejściu pewnych zmian konstrukcyjnych, flet poprzeczny zaczął mieć głośniejszy dźwięk i wyższe możliwości techniczne. Obecnie bardzo trudno doszukać się podobieństw między fletem prostym a fletem poprzecznym. Nie da się jednak zaprzeczyć, że już wtedy flet poprzeczny miał szerszy zasięg i czystszą intonację. Innym powodem jest to, że dyktafon jest bardzo trudny do grania ze względu na swoje właściwości. Faktem jest, że drewniane rejestratory mają tendencję do zmiany systemu z powodu zmian temperatury powietrza. System zmienia się zarówno od grania na mrozie, jak i od podgrzewania samego fletu podczas gry. W przypadku fletu poprzecznego problem ten jest znacznie mniej wyraźny. Interesujące jest to, że wiele utworów muzycznych, na przykład 10. opus Vivaldiego, zostało pierwotnie napisanych na flet prosty, a później przerobiono je na flet poprzeczny. Niektóre źródła podają, że kolejnym powodem przesunięcia fletu prostego był fakt, że muzyka przestała być tylko przyjemną rozrywką i przekształciła się w czysto
obszar zawodowy. Trudno się z tym zgodzić, bo flet prosty nie był uważany za instrument nieprofesjonalny. Ponadto w wielu utworach Bacha, obok trąbki i oboju, solistą jest flet prosty. Zmiana gustów muzycznych, zarówno samych muzyków, jak i słuchaczy, a także niedocenienie możliwości fletu prostego, spowodowane brakiem profesjonalnych wykonawców, co również wynika ze zmiany priorytetów. W tym samym czasie moda na flety proste zaczęła stopniowo odchodzić w przeszłość, a zespoły składające się z odmiennych instrumentów zaczęły pojawiać się coraz częściej. Pod tym względem flet prosty nie mógł konkurować z innymi instrumentami dętymi. Właściwie ze wszystkich zespołów do początku XVIII wieku pozostał tylko kwartet smyczkowy, który później stał się podstawą orkiestry symfonicznej. Wszystkie inne instrumenty - perkusja, wiatr itp. - zostały wybrane na orkiestry na zasadzie kompatybilności ze smyczkami. Głównymi kryteriami były dynamika i stabilność intonacyjna. Flet prosty to instrument, na którym praktycznie nie dało się grać dynamicznie na różne sposoby. Ponadto nie ma wystarczającej czystości intonacji w porównaniu z innymi instrumentami. Można też przypuszczać, że ważną rolę odegrała diatoniczna skala rejestratora i trudność jej rozszerzenia na chromatykę. Należy jednak zauważyć, że rejestrator nie od razu zrezygnował ze swoich pozycji. Jedna z odmian fletu prostego - harmonijka ustna - rozpowszechniła się w XVII wieku i ze względu na dość głośny i czysty dźwięk organicznie wpasowała się w orkiestrę. Strojenie harmoniczne rozpoczyna się od dźwięku „re” drugiej oktawy. Jednym z najbardziej uderzających przykładów użycia flażoletu w orkiestrze jest opera V.-A. Czarodziejski flet Mozarta. To właśnie flageolet stał się bardzo „magicznym fletem” w dziele geniusza. Tak czy inaczej, w drugiej połowie XIX wieku flet został całkowicie zastąpiony przez flet poprzeczny, a wraz ze zniknięciem tego instrumentu z dalszej historii muzyki aż do wieku XX, mistrzowie, którzy zajmowali się zniknęła również produkcja dyktafonów. W Europie Wschodniej flety proste są nadal popularne jako instrumenty ludowe. Są to ukraińska sopilka (dentsivka), białoruska fajka, słowacka fujara, mołdawska i rumuńska fluera (fluyara, fluyra). Pod koniec XIX - na początku ubiegłego wieku, flet prosty został ponownie zapamiętany jako ciekawy stary instrument. Wynikało to z ogólnoeuropejskiej tendencji do ożywienia zainteresowania własną historią i kulturą innych narodów. Pierwsze zespoły
muzyka dawna pojawiła się właśnie na przełomie XIX i XX wieku. Ten czas wiąże się z pojawieniem się takiego zjawiska jak „autentyczność”. Autentyczność lub autentyczne wykonanie to „ruch w muzycznym wykonawstwie, który ma na celu jak najdokładniejsze odtworzenie dźwięku muzyki z przeszłości, zgodność współczesnego wykonania z oryginalnymi, „historycznymi” pomysłami”. Wczesny autentyzm wiązał się w zasadzie ze szczegółowym odtworzeniem muzyki epoki baroku. Następnie koncepcja ta rozprzestrzeniła się na inne style muzyczne. W 1919 roku angielski muzyk Arnold Dolmech postawił pierwsze kroki w kierunku przywrócenia osiemnastowiecznej angielskiej wersji fletu prostego poprzez wykonanie instrumentu. Następnie odegrał ważną rolę w szerzeniu zainteresowania autentycznym wykonawstwem i produkcją analogów starożytnych instrumentów. Jednak na samej galaretce Dolmech nie był bynajmniej pierwszym, chociaż jest uważany za taki. Poprzedzili go muzycy z Konserwatorium Brukselskiego (gdzie studiował Dolmech) i organizacji Bogenhauser Künstlerkapelle oraz muzycy Willibald Gurlit, Werner Danckerz, Gustav Schek. Wszystko to sugeruje, że odrodzenie fletu prostego było wynikiem nie jednej osoby, ale całej grupy muzyków, którzy zresztą pracowali nad nim niezależnie od siebie w różnych krajach. Co ciekawe, przez nieco ponad sto lat informacje o rejestratorze prawie zaginęły. Kiedy Igor Fiodorowicz Strawiński zapoznał się z tym instrumentem, był pewien, że to bardzo stary rodzaj klarnetu. Kompozytor nie pomylił się zresztą zbytnio, gdyż pierwsze klarnety bardzo przypominały wyglądem flety proste. Z autentycznym wykonaniem i popularyzacją fletu prostego kojarzą się takie nazwiska jak Paul Hindemith, Mark Weinroth, Ferdinand Conrad, David Monroe.
1.2. Formy i metody rozwoju zdolności muzycznych w
szkolenie rejestratora.
Pedagogika muzyczna, stale doskonaląc metody nauczania gry na instrumentach dętych, powinna niewątpliwie dać nowy impuls szerszemu wprowadzaniu fletu prostego do praktyki edukacji muzycznej i wykonawstwa. Ale zanim przejdziemy bezpośrednio do kwestii uczenia dzieci gry na flecie prostym, należy zastanowić się nad niezbędnymi warunkami wstępnymi, które przyczyniają się do opanowania wszystkich subtelności wykonawczych i psychologicznych, które powinny
jest stale w polu widzenia i uwagi nauczyciela na specjalnym instrumencie - flecie prostym. Umiejętnościami muzycznymi, które pozwalają opanować każdy instrument muzyczny, w tym flet prosty, to: słuch, pamięć i rytm, oczywiście oznacza to ucho do muzyki, pamięć muzyczną i wyczucie rytmu muzycznego. Sprawny uczeń powinien nie tylko umieć określić dźwięk, jego wysokość, ale także reagować na „intonację”, „dynamikę”, emocjonalnie przeżywać muzykę, czuć jej charakter. Dzięki celowym i celowym studiom można osiągnąć świetne wyniki w rozwoju zdolności muzycznych. Umiejętności muzyczne można rozwijać pod warunkiem zamiłowania do muzyki i ogromnej chęci się w nią angażować. Dane przyrodnicze należy opracowywać od wczesnego dzieciństwa. Czasami zdolności muzyczne dziecka nie pojawiają się od razu. Ale jego pociąg do muzyki można określić w bardzo młodym wieku. Niezbędne jest umiejętne i profesjonalne zaangażowanie się w rozwój słuchu, dlatego w dziecięcych szkołach muzycznych od pierwszych lat studiów przewidziano przedmioty poprawiające słuch muzyczny, pamięć i rytm. Ale same te lekcje nie wystarczą, aby rozwinąć wszystkie subtelności muzycznej percepcji dziecka. Nauczyciel specjalności powinien regularnie rozwijać umiejętności ucznia w swojej klasie. Ucho ucznia może być lepiej rozwinięte niż pamięć czy rytm. Może być na odwrót: pamięć i rytm są lepiej rozwinięte niż słuch. Dlatego konieczne jest rozwijanie umiejętności ucznia w oparciu o jego możliwości i naturalne dane. Aby określić zdolności muzyczne, nauczyciel musi skrupulatnie zbadać swojego ucznia. Nieustanną uwagę należy również zwracać na precyzyjną intonację – najważniejszy środek wyrazu muzycznego. Aby wypracować trafną intonację, konieczne jest nieustanne rozwijanie u ucznia słuchu muzycznego, a także poczucia samokontroli. Osiągnięcie czystej intonacji na flecie prostym nie jest łatwe, ponieważ większość dźwięków jest wytwarzana przy użyciu palcowania kombinowanego. Wiadomo, że nie ma perfekcyjnie nastrojonych instrumentów muzycznych. Instrumenty dęte to półstałe instrumenty strojowe. Wysokość fletu prostego można regulować dynamiką, zmianami palcowania i wydłużeniem ustnika. Szczególnie ważne jest, aby o tym pamiętać podczas nauki gry na flecie prostym, ponieważ obojętny stosunek ucznia do wydobywania dźwięku często prowadzi do obniżenia lub zwiększenia strojenia, zniekształcenia intonacji.
Instrumenty dęte mają szereg cech, jedną z nich jest niedokładność strojenia, która wymusza ciągłe „korekty” wysokości poszczególnych dźwięków poprzez odpowiednie napięcie warg, wymagające zwiększonej wrażliwości słuchowej na intonację. Kolejną cechą jest pewne zróżnicowanie barwy. Dlatego studenci instrumentów dętych mogą stosunkowo łatwo nabyć umiejętność określania i wyobrażania sobie wysokości absolutnej dźwięków instrumentu, na którym grają. Dla wielu objawia się to, gdy tylko podnoszą instrument, w oparciu o związek między reprezentacją dźwięku a wrażeniami motorycznymi. Konsekwencją tego jest szybki, aktywny rozwój ucha muzycznego. Niezbędne jest wykształcenie u dzieci umiejętności przewidywania dźwięku. Dlatego na pierwszym etapie warto zaśpiewać, a potem zagrać piosenkę. Pamiętaj, że niektóre dźwięki dyktafonu mogą być przesadzone. Na przykład fis drugiej oktawy, czerwony krzyżyk drugiej oktawy itp. W takich przypadkach konieczne jest zastosowanie innego palcowania, które przyczyni się do bardziej stabilnej intonacji dźwięku. Uczeń powinien być tego świadomy i starać się przejąć inicjatywę w doborze palcowania. Ważnym aspektem rozwoju ucha ucznia jest również harmoniczna podstawa wykonywanej melodii. Dlatego przy wykonywaniu najlżejszych i najbardziej nieskomplikowanych utworów powinien towarzyszyć mu fortepian. Biorąc pod uwagę, że na flecie prostym można regulować ogólną budowę instrumentu poprzez wysunięcie ustnika, uczeń od pierwszych lekcji musi wpajać umiejętność samodzielnego dostrajania instrumentu do fortepianu lub gitary. Muzyka płynie w czasie, więc percepcja melodii i ciągów harmonicznych jest możliwa tylko wtedy, gdy pewna część wybrzmiewanego materiału zostaje zachowana w pamięci i porównywana w każdym kolejnym momencie z brzmiącym. Tylko obecność dobrej pamięci muzycznej pozwoli na w miarę pełne wrażenie słuchanego utworu. Pamięć w psychologii jest odzwierciedleniem przeszłych doświadczeń, wyrażających się w jego uchwyceniu i odtworzeniu. Pamięć pozwala gromadzić doświadczenie i je wykorzystywać. Osoba pozbawiona pamięci zawsze byłaby na poziomie noworodka pod względem stopnia swojego rozwoju. Pamięć poszczególnych ludzi różni się w stosunku do czynności narządów zmysłów: niektórzy, zapamiętując, polegają głównie na czynności aparatu wzrokowego, inni - na narządzie słuchu, a jeszcze inni -
motor (motor), czwarty - o logicznym myśleniu. Są ludzie, którzy w równym stopniu wykorzystują wszystkie te rodzaje pamięci. Pamięć, jako wyjątkowa zdolność w ogóle, jest niezbędna do życia i działalności człowieka, a muzyka - w szczególności wykonawcy. Dlatego podczas nauki gry na flecie prostym należy rozwiązać zadanie rozwijania pamięci muzycznej, co z kolei doprowadzi do skoku jakościowego. Na początkowym etapie edukacji uczniowie mają trudności z zapamiętywaniem utworów, jednak przy systematycznym zapamiętywaniu materiału muzycznego zauważalny jest znaczny wzrost tej umiejętności. Zapamiętywanie może być mimowolne i arbitralne. W pierwszym przypadku jest to takie zapamiętywanie i odtwarzanie materiału, które następuje automatycznie i bez większego wysiłku, bez wyznaczania zadań specjalnych. W drugim przypadku takie zadanie jest nieodzowne, a sam proces zapamiętywania czy odtwarzania wymaga skupienia się na wszystkich szczegółach badanego utworu. W pedagogice muzycznej wyróżnia się pięć głównych typów pamięci: słuchowa; wizualny; silnik-silnik; logiczny; mieszany; Pamięć słuchowa jest głównym rodzajem pamięci muzycznej. Pod słuchem należy wyróżnić zdolność zapamiętywania dzięki aparatowi słuchowemu poprzez postrzeganie zarówno zmysłu modalnego, jak i reprezentacji słuchowej. To dobre zapamiętywanie i dokładne odtwarzanie różnych dźwięków, zwrotów melodycznych, poszczególnych motywów i intonacji, całych utworów muzycznych i tak dalej. Pamięć wzrokowa jest również potrzebna uczniowi w jego pracy praktycznej. Musi być rozwijany z uwzględnieniem możliwości i rozwoju dziecka. Uczeń musi nauczyć się nie tylko widzieć tekst, ale także umieć go odtworzyć, zamykając notatki. Pamięć wzrokowa jest związana z zachowaniem i reprodukcją obrazów wizualnych. Ten rodzaj pamięci obejmuje rozwój zdolności osoby do wyobrażenia. Opiera się w szczególności na procesie zapamiętywania i odtwarzania materiału: to, co dana osoba może sobie wyobrazić, z reguły łatwiej zapamiętuje i odtwarza. Pamięć ruchowo-ruchowa to zapamiętywanie i utrwalanie, a w razie potrzeby odtwarzanie z
wystarczająca dokładność różnorodnych, złożonych ruchów. Bierze udział w kształtowaniu umiejętności motorycznych. Z tym rodzajem pamięci wiąże się bezpośrednio poprawa ruchów rąk człowieka. Rozwija się za pomocą systematycznych ćwiczeń, powtarzających się powtórek najtrudniejszych i niewygodnych do wykonania miejsc, głównie o charakterze palcowym. Pamięć logiczna związana jest z zapamiętywaniem materiału muzycznego poprzez myślenie i rozumowanie: charakter i forma utworu; w jaki sposób wyrażony jest materiał; co jest najważniejsze w tekście, co jest drugorzędne; które epizody są trudniejsze do zapamiętania i dlaczego; Najwyższe osiągnięcie w zakresie poprawy pamięci muzycznej należy uznać za typ mieszany. Można to osiągnąć przy pewnym talencie i dużej pracy nad sobą. Nagromadzenie materiału muzycznego i pieśniowego wzbogaca gust początkującego ucznia i wzmacnia jego pamięć. Dlatego przy przechodzeniu przez nowy materiał przydaje się dla rozwoju i wzmocnienia pamięci, aby systematycznie nie zapominać i powtarzać już wyuczonych na pamięć kawałków. Na jakość uczenia się na pamięć duży wpływ ma charakter wykonywanego utworu. Jeśli ten materiał muzyczny jest dla ucznia interesujący i przystępny, szybko go opanuje i zapamięta. Pamięć muzyczna jest pojęciem złożonym, dlatego należy uczyć ucznia od samego początku samodzielnej i przemyślanej pracy, unikając jej jednowymiarowości. Mówiąc o rytmie, inaczej go postrzegamy, wyobrażamy sobie i czujemy. Wynika to z indywidualnego wyczucia rytmu tempo-metro. Dzieci z reguły wykonują ten sam utwór na różne sposoby. Ale to nie znaczy, że zastępują notację muzyczną. Wykonanie zależy głównie od wyczucia rytmu tempo-metro-rytm wykonawcy. Dlatego rytm jest podstawą w muzyce, którą bardzo trudno wytłumaczyć i wyedukować. Rytm powinien być wyraźny, równy i określony. Każdy utwór ma określony metrum i rytm i musi być wykonany w tempie wskazanym przez autora. Jednak gdzieś w środku utworu, taktu lub frazy zawsze mogą wystąpić odstępstwa od tempa i czysto arytmetycznej reprezentacji rytmu. To witalność muzyki, jej naturalne wykonanie, a nie formalne, obojętne. Rytmu nie można uznać za coś nieokreślonego, niewytłumaczalnego i
arbitralny. Rytm ze swej natury ma pewną regularność, bez której nie do pomyślenia byłoby zarówno jego odbiór, jak i odtwarzanie muzyki jako całości. Umiejętność wykonawcy, ujawniająca jego gust i talent, zależy od stopnia rozwoju poczucia rytmu. Poczucie rytmu należy pielęgnować od pierwszych kroków nauki w szkole muzycznej. Nauczyciel od samego początku, ucząc ucznia gry na flecie prostym, musi osiągnąć klarowne wykonanie, zarówno w prostym ćwiczeniu, gamach, pasażach, jak i etiudach czy utworach. Najmniejsze niedokładności w wykonaniu rytmicznym powinny być zauważone i skorygowane przez nauczyciela. Dlatego musisz stale monitorować rytm i tempo. Aby usprawnić pracę nad metro-rytmem, w klasie możesz wykorzystać jako ćwiczenia, podkreślając mocne uderzenia w takcie, dzieląc złożone grupy rytmiczne na prostsze itp. Bardzo przydatne jest, aby uczniowie najpierw wysłuchali melodii, a następnie stukali w nią rękami. Nauczyciel powinien podchodzić do studiowania repertuaru muzycznego ze szczególną odpowiedzialnością. Szczególne znaczenie ma tempo-metro-rytm zapisany nie tylko w partii solowej, ale także z akompaniamentem fortepianu lub innego instrumentu towarzyszącego. Ciągły rozwój tempa-metro-rytmu pozwoli uczniowi stopniowo wspinać się coraz wyżej po szczeblach umiejętności wykonawczych.
Rozdział II. Praktyczne aspekty nauki gry na flecie prostym w
Szkoła Muzyczna.
2.1 Podstawowe zasady i zasady wykonania
na rejestratorze.
Metodę nauczania gry na flecie prostym należy traktować z jednej strony jako część ogólnej metody nauczania gry na instrumentach dętych, z drugiej zaś jako szczególną, ze wszystkimi specyficznymi cechami tego instrumentu, przeznaczonymi do tworzenia muzyki dla dzieci. Dotyczy to nauczania dzieci w wieku od 4 do 9 lat, co stwarza pewne trudności w opracowaniu wskazówek metodycznych: ustawienie oddechu, ust, palców, ogólne ustawienie dłoni i ciała, nauka gry ze słuchu, z nut itp. Przede wszystkim nauczyciel powinien kierować się indywidualnymi cechami (muzycznymi, fizjologicznymi) i predyspozycjami dziecka, jego zainteresowaniami naukowymi, a także wieloma innymi czynnikami, które bezpośrednio wpływają na kształtowanie się jego orientacji muzycznej w przyszłości. Należy traktować flet prosty jako instrument do dalszych przygotowań
zajęcie w starszym wieku na dowolnym innym dętym instrumencie muzycznym: flecie, oboju, klarnecie, trąbce i innych. W tym przypadku wypada narysować analogię do smyczków, którzy ucząc przedszkolaków i dzieci w wieku szkolnym mają dość duży wybór instrumentów dziecięcych o znaczeniu przejściowym: 1/8, 1/4, 1/2 , 3/4. W ten sam sposób u dętych fletów flet prosty pełni w swoich funkcjach rolę przejściowego, dziecięcego instrumentu. Trening na instrumentach dętych odbywa się w dwóch etapach. Pierwszy etap: wstępne szkolenie uczniów na flecie prostym. Drugi etap: przejście na instrument główny (do wyboru studenta), z uwzględnieniem cech jego ust i aparatu wykonawczego. Pierwszy etap jest bardzo ważny w początkowym treningu na instrumentach dętych. Wynika to z tego, że dziecko powinno być przygotowane: wyjaśnić naturę oddychania, nauczyć prawidłowego wykonywania oddechu, prawidłowego pozycjonowania z instrumentem i położeniem palców, jak wydobywać dźwięk i uczyć się palcowania. Z reguły w przypadku dzieci, które posiadają umiejętności solfeżowe nabyte w pierwszych latach nauki szkolnej, nie ma trudności z wiedzą teoretyczną. Dlatego szkolenie na pierwszym etapie sprowadza się głównie do opanowania instrumentu (w szczególności flet prosty). Głównym zadaniem nauczyciela jest wspieranie zainteresowania dziecka w klasie tak, aby bez problemu nabyło umiejętności gry na flecie prostym, nauczyło się utworu na kompetentnym poziomie muzycznym, czytało nuty, a także bawiło się w duet lub zespół fletów prostych wykonuje proste utwory z akompaniatorem. Bazując na doświadczeniu pracy z uczniami w dziecięcej szkole artystycznej, dzieci o dobrych zdolnościach muzycznych uczą się dość szybko na pierwszym etapie i nie ma potrzeby dzielenia ich na grupy według stopnia rozwoju zdolności muzycznych. Główne trudności dotyczą ustawienia wykonywanego oddechu i ustawienia palców. Jeżeli podczas ustawiania wykonywania oddychania dzieci pokonują trudności wykonując ćwiczenia oddechowe, a także dzięki wyjaśnieniu przez nauczyciela istoty oddychania fizjologicznego, różnicy między oddychaniem fizjologicznym a wykonywaniem, to ustawianie palców zajmuje trochę więcej czasu. Palcowanie instrumentu jest w dużej mierze identyczne jak w przypadku fletu, oboju, klarnetu, a nawet fagotu. Brak zaworów eliminuje trudności w obsłudze, dlatego każdy z uczniów, który posiada jeden z powyższych
tych instrumentów, potrafi nie tylko bez trudu grać na flecie blokowym, opanować palcowanie, ułożenie palców, dłoni, cechy wydawania dźwięku, oddychanie, ale także nauczyć się na nim grać. Najtrudniejszą rzeczą w nauczaniu uczniów szkół podstawowych gry na dowolnym instrumencie muzycznym jest znalezienie najłatwiejszego wyjaśnienia podstaw, które powinien zrozumieć: opanowanie i zapamiętywanie omawianego materiału; określenie pierwszego dźwięku wykonywanego przez ucznia; sposób wydobywania i czas trwania tego dźwięku. Jeśli weźmiemy pod uwagę, że dźwięk ten zajmuje określone miejsce na pięciolinii - pięciolinię, ma swoje położenie na klawiaturze fortepianu lub na podstrunnicy instrumentu strunowego, mechanizm zaworowy z drewna lub mechanizm zaworowy z mosiądzu instrumentem, i że trzeba go wydobyć określonym palcem lub kombinacją – wszystko to wydaje się tak skomplikowane, że wprowadza zamieszanie i zamieszanie w umyśle dziecka i często jest przeszkodą w jego treningu na specjalnym instrumencie dętym (flecie , obój, klarnet, trąbka, puzon itp.). Ucząc uczniów, którzy później będą grać na instrumencie wargowym, produkcja powinna być zbliżona do fletu. Polega ona na specyficznej cesze ustawienia poprzecznego fletu z podparciem na dolnej wardze, górna niejako reguluje ciśnienie powietrza. Jeżeli w przyszłości uczeń będzie grał na jednym z instrumentów językowych (obój, klarnet, fagot), to należy zalecić mu ustawienie ustnika flet prosty, co jest typowe dla tych instrumentów: położenie ustnika należy ustalić między wargami równomiernie. Pozycja ustnika może być nieco inna w przypadku uczniów, którzy w przyszłości będą uczyć się na instrumentach do zasadzek: ustnik fletu prostego powinien być masywny i umieszczony między wargami, z naciskiem na górną. Wszystkie trzy z tych ustawień ustnika nie powinny być wymagane. Mogą być jedynie przewodnikiem dla nauczyciela, pomagać mu konkretnie w pracy praktycznej, biorąc pod uwagę perspektywy dalszej edukacji. Dzięki łatwości zarówno samego instrumentu, jak i wydobycia na nim dźwięku, flet prosty umożliwia zapoznanie ucznia ze wszystkimi ogólnymi podstawowymi zasadami i zasadami gry na instrumentach dętych. Jest to ustawienie oddechu i koncepcja ataku dźwięku oraz zasady zadęcia (z francuskiego bouche - usta). I nie wspominając o palcowaniu
flet prosty jest bardzo podobny do palcowania wielu instrumentów dętych drewnianych. Rejestrator pozwala w pełni poznać wszystkie odmiany „uderzeń”, wszystkie możliwości niuansów. Nauka gry na flecie prostym wymaga od uczniów, oprócz umiejętności muzycznych, również dobrego zdrowia i sprawności fizycznej. Podczas gry na flecie aktywnym pracują płuca, aparat wargowy, niektóre mięśnie ciała napinają się. Właściwe ustawienie aparatu do ust i wykonywanie oddechów to jeden z niezbędnych warunków udanego treningu. Tradycyjna technika gry na flecie prostym polega na kontrolowaniu trzech głównych parametrów: dźwięku, intonacji (prawidłowa wysokość) i artykulacji (sposób łączenia lub rozdzielania nut). Oczywiście brzmienie instrumentu zostało pierwotnie określone przez jego producenta. Projekt i materiał, z którego jest wykonany, mają znaczenie. Obecnie profesjonalne narzędzia wykonywane są z drewna, narzędzia masowe z tworzywa sztucznego. Z drewnianych fletów blokowych możemy polecić produkty niemieckich firm „Upitcr” i „Venus”, dobry plastik produkuje „Yamaha” i koreańska firma „Angel”. Naturalnie, manipulując oddechem, wykonawca może zmienić jakość dźwięku. Niezwykłą cechą fletu jest niewielki opór, jaki sam instrument wywiera na strumień powietrza. To właśnie odróżnia go od innych instrumentów dętych. Możliwość sterowania strumieniem powietrza, który nie napotyka na swojej drodze zauważalnego oporu, to ważna umiejętność, która przyda się w przyszłości przy przejściu na główne narzędzie. Ponadto oddychanie bierze udział w uzyskiwaniu wahań głośności (tremolo) i częstotliwości (vibrato). Krótko mówiąc, pierwszy efekt osiąga się poprzez skurcz mięśni krtani, a drugi - przez przeponę. Podczas gry na flecie prostym stosuje się dużą liczbę alternatywnych palcowań. Wszystkie dźwięki poza najniższymi można zagrać z różnymi kombinacjami dołków, które różnią się nieco barwą i głośnością. W ten sposób muzyk, naprzemiennie z różnymi palcowaniami, ma do dyspozycji znaczną gamę odcieni dźwiękowych. Innym powodem używania alternatywnych do tradycyjnych palcowań jest unikanie skomplikowanych ruchów palców podczas gry szybkiej, legato i trylowej. Ogólnie można powiedzieć, że
dobrana w taki sposób, aby zminimalizować ruch palców. Wbrew powszechnemu przekonaniu, granie na flecie prostym wymaga szczególnej kontroli nad zadęciem (z francuskiego bouche – usta), czyli układem mięśni ust i ułożeniem ust. Manipulowanie kształtem i wielkością ust i krtani, a także kontrolowanie odpowiedniej muskulatury wzbogaca brzmienie, ułatwia granie nut w górnym rejestrze i pozwala na kontrolę nad intonacją. Nacisk strumienia powietrza i nauszników razem mają znaczący wpływ na intonację. Zmiany ciśnienia przy zachowaniu kształtu jamy ustnej znacząco zniekształcają wysokość wybrzmiewającej nuty. Ten nierozerwalny związek między wysokością a mocą odróżnia flety proste od innych nowoczesnych instrumentów. Zanim zagrasz pierwszą nutę, musisz wiedzieć, jak prawidłowo trzymać dyktafon. Zwykle lewa ręka znajduje się nad prawą. Chociaż muzyk, który uważa się za leworęcznego, może zrobić coś przeciwnego. To prawda, należy pamiętać, że nowoczesne flety proste są projektowane z oczekiwaniem, że lewa ręka wykonawcy będzie wyższa niż prawa. Głowa, szyja i plecy wykonawcy powinny być w linii prostej, a instrument powinien być trzymany pod kątem 45 stopni do poziomu. Ręce powinny być lekko odsunięte od ciała, a opuszki palców powinny znajdować się na środkowej osi instrumentu tuż przy otworach. Między wargami znajduje się tylko sam czubek ustnika. A wspierający kciuk leży bezpośrednio pod palcem wskazującym prawej ręki. Nic nie powinno ograniczać klatki piersiowej, gardło powinno być rozluźnione. Nauczyciele śpiewu uczą, że właściwa postawa jest jednym z niezbędnych warunków dobrej produkcji dźwięku. Jednak podczas gry na instrumencie dętym każda nuta jest wynikiem strumienia powietrza, który wydostaje się z płuc, jest wzmacniany przez ruch przepony w górę, przechodzi przez gardło i usta, a na koniec dostaje się bezpośrednio do instrumentu. W technice wykonania muzycznego na flecie prostym można wyróżnić następujące etapy: 1). Oddychanie, a dokładniej - wydech, potem równomierny, potem stopniowo nasilany, a następnie stopniowo osłabiany zgodnie z wymogami wydajności. 2). Napięcie mięśni twarzy, odpowiadające wysokości wydobywanych dźwięków i zgodne z oddychaniem.
3). Ruch palca. 4). Ruch języka, który określa charakter pociągnięć. Konieczne jest rozwijanie umiejętności opanowania każdego z tych elementów i ich łączenia tak, aby wszystkie techniki wykonawcze były naturalne i swobodne. Produkcja dźwięku. W instrumentach muzycznych typu flet dźwięk rodzi się ze strumienia powietrza przecinanego ostrą krawędzią wycięcia ścianki lufy, co prowadzi do wibracji słupa powietrza zawartego w rurze. Jeśli weźmiesz prostą rurkę, taką jak kawałek bambusa lub łodygę trzciny i dmuchasz w nią bez żadnych sztuczek, nie będzie dźwięku. Kierując strumień powietrza nie bezpośrednio do rurki, ale ukośnie tak, aby wcinał się w krawędź otworu, pień bambusa lub łodygi trzciny natychmiast zabrzmi równym i wystarczająco głośnym dźwiękiem, ponieważ przepływ powietrza, przecinając krawędź rury tworzy wibracje. Jeśli przestaniesz dmuchać, dźwięk natychmiast ustanie. Ta metoda wydobywania przez podzielenie słupa powietrza jest jedną z najstarszych (jest stosowana w flecie Pana). Jest to jednak niewygodne: trudno utrzymać pożądany kierunek strumienia, przepływ powietrza jest duży. Te metody wydobywania dźwięku nazywane są gwizdkiem. Tutaj wibracje są wzbudzane przez strumień powietrza uderzający o przeszkodę. Wibracje te są odbierane jako dźwięk. Wysokość dźwięku zależy od wielkości kolumny. Po pierwszym zadaniu - jak wzbudzić dźwięk, pojawia się kolejne: jak sprawić, by tuba mogła emitować nie jeden dźwięk, ale kilka. Jednym z rozwiązań jest zabranie osobnej tuby dla każdego dźwięku. Im dłuższa rurka, tym niżej brzmi. Łącząc ze sobą kilka rurek o różnych długościach, otrzymujemy instrument, który obecnie potocznie nazywany jest fletem Pana. Dźwięk jest w nim podekscytowany dokładnie tak samo, jak w eksperymencie z butelką. Ten podobno pierwszy z instrumentów dętych słynie również z tego, że był odległym poprzednikiem organów. Rzeczywiście, w organach, pomimo całej odmienności rozmiarów piszczałek, obowiązuje ta sama zasada - dla każdego dźwięku używana jest osobna rurka. Później pojawił się czarny flet, w którym stworzono genialną zasadę wydłużania i skracania słupa powietrza w jednej tubie. Aby zmienić wysokość dźwięku, wykorzystuje się otwory w lufie instrumentu. Jeśli wszystkie otwory są zamknięte, na całej długości rurki zabrzmi słup powietrza. Jeśli którykolwiek z
dziury, tylko część filaru zaczyna brzmieć - od ust muzyka do otwartego otworu. Oczywiście zmienia się również wysokość tonu. Za pomocą kilku podziałów kolumny powietrza, to znaczy za pomocą kombinacji palców, można również wydobyć chromatyzmy. Innym sposobem na zmianę wysokości tonu w grupie instrumentów fletowych jest dmuchanie, czyli intensywniejszy dopływ powietrza do instrumentu. Najbardziej doświadczeni wykonawcy są w stanie zbudować naturalną skalę za pomocą dmuchania, używając tylko jednego dźwięku, czyli części 8, części 5, części 4 i tak dalej. Tworzenie dźwięku podczas gry na flecie prostym jest wytwarzane przez lekki, śpiewny oddech, zbliżony do sylaby „tu”. Koniec dźwięku można wykonać na dwa sposoby: 1). Wymawiając spółgłoskę „t”, zatrzymując w ten sposób dostęp powietrza do ustnika. Ta metoda jest łatwiejsza, stosujemy ją szczególnie przy wykonywaniu uderzeń staccato, daje ona natychmiastowe ustanie dźwięku. 2). Zatrzymaj wydech. Ta metoda wymaga pewnych umiejętności, jest to konieczne w przypadkach, gdy konieczne jest zredukowanie dźwięku do zera pod koniec pracy, gdy konieczne jest delikatne usunięcie. Wykonywanie oddechu. Zanim przejdziesz do oddychania, musisz zrozumieć strukturę aparatu głosowego, ponieważ składa się on z narządów oddechowych. Mechanizm oddychania to płuca z drogami oddechowymi i mięśniami, które wykonują proces oddychania. Płuca są delikatną, porowatą tkanką, w której nagromadzone pęcherzyki - alvioli są połączone kanałami tworzącymi układ oskrzelowy. Oskrzela lewego i prawego płuca łączą się i tworzą tchawicę, która kończy się w krtani. W kompleksie wszystko to nazywa się drzewem oskrzelowym. Płuca mają dopływ powietrza, który jest stale odnawiany. Istnieje zapas powietrza niezbędny do życia organizmu. Nie można jej używać podczas śpiewania. Podczas wdechu mięśnie klatki piersiowej i przepony (ścisła błona oddzielająca klatkę piersiową i brzuch) rozszerzają jamę klatki piersiowej w kierunku pionowym, bocznym, przednim i tylnym. A pod wpływem ciśnienia atmosferycznego powietrze dostaje się do płuc. Przepona opada, naciska na jamę brzuszną i na zewnątrz wszystko to wyraźnie się objawia.
Istnieje kilka rodzajów oddychania: obojczykowy, piersiowy i brzuszny. Oddychanie obojczykiem to oddychanie górną częścią żebra, w którym powietrze jest wypełnione tylko u góry, więc ten rodzaj oddychania jest krótki. Oddychanie w klatce piersiowej jest również powierzchowne (środkowy żebrowy). Płuca są w połowie pełne. Oddychanie brzuszne lub kostno-brzuszne to charakterystyczny ruch przepony w dół, zapamiętujący dolną część płuc za pomocą powietrza, ruch brzucha. Jest to najbardziej prawidłowy oddech podczas śpiewania, ponieważ płuca są całkowicie wypełnione powietrzem i umożliwiają śpiewanie długiej frazy muzycznej bez wznawiania oddychania. Będąc instrumentem dętym, flet prosty może jednocześnie rozwiązywać kwestię ćwiczeń oddechowych, stając się tym samym momentem leczniczym, ponieważ przepona jest właściwym rodzajem oddychania podczas gry na instrumentach dętych. Działa jak tłok i intensywnie masuje narządy wewnętrzne jamy brzusznej – żołądek, wątrobę, nerki, jelita, co jest skutecznym środkiem oczyszczania organizmu. Grając na flecie prostym, posługują się śpiewem oddechu. Najważniejszym elementem techniki wokalnej jest rozkład oddechu i jego regulacja na akordy. Zużycie wdechu i wydechu zależy od środków wyrazu dzieła, jego tempa, dynamiki, nuty muzycznej i innych. Wykonywanie oddychania różni się od oddychania fizjologicznego nierównymi fazami (wydech jest większy niż wdech). Oddychanie fizjologiczne jest naturalne, to znaczy reprezentuje naturalny stan ludzkiego ciała. Ważne jest, aby nauczyć się prawidłowo wdychać, a co najważniejsze, prawidłowo wydychać powietrze do instrumentu. Przy stopniowym i równomiernym wydechu dźwięk ma jednakową siłę. Wzmocnienie wiąże się z przyspieszeniem wydechu, osłabienie – ze stopniowym spowolnieniem. Największy dopływ powietrza można uzyskać tylko przy maksymalnym zmniejszeniu membrany. Dlatego najwłaściwszym rodzajem oddychania jest oddychanie klatki piersiowej lub przeponowej. Poniżej znajduje się seria ćwiczeń oddechowych, które mają na celu zrozumienie różnicy między oddychaniem naturalnym a wykonywanym. Ćwiczenia oddechowe wykonuje się bardzo powoli, na stojąco, z przyjemnością. Wdech i wydech przez nos. Dla głębszego
koncentracja, możesz zamknąć oczy. AI Usov, opisując te ćwiczenia, proponuje podział oddychania na dolny, środkowy, górny i mieszany. Najpierw powinieneś opanować naturalne (lub fizjologiczne) oddychanie. Niższy oddech. Dla kontroli dłoń prawej ręki leży na brzuchu, lewa - po lewej stronie, dotykając dolnych części żeber. – Wdech: brzuch i boki rozszerzają się do przodu i na boki. Wydech: brzuch i boki wracają do swojej pierwotnej pozycji. Średni oddech. Płuca wypełniają się powietrzem i rozszerzają głównie w okolicy klatki piersiowej. W tym przypadku żołądek pozostaje nieruchomy, ramiona nie unoszą się. Dłoń prawej dłoni znajduje się na klatce piersiowej, lewa ręka jest z boku, dotykając środkowych części żeber. Wdech: ściana klatki piersiowej rozszerza się do przodu i na boki. Wydech: ściana klatki piersiowej powraca do swojej pierwotnej pozycji. Najlepsze oddychanie. Powietrze koncentruje się głównie w górnej części płuc. Dłonie dłoni leżą na górnej części klatki piersiowej. Wdech: klatka piersiowa i ramiona unoszą się. Wydech: klatka piersiowa i ramiona wracają do swojej pierwotnej pozycji. Mieszane oddychanie. Wykorzystywana jest pełna objętość płuc - wszystkie poprzednie rodzaje oddychania. Dłoń prawej dłoni spoczywa na brzuchu, lewa po lewej stronie, dotyka bioder. Wdychanie: powietrze jest najpierw wciągane do dolnych części płuc, żołądek i boki rozszerzają się. Następnie środkowa część płuc zostaje wypełniona powietrzem, klatka piersiowa rozszerza się, żebra rozsuwają się. I wreszcie powietrze dostaje się do górnej części płuc, klatka piersiowa i ramiona unoszą się. Wydech: w tej samej kolejności. Powietrze jest wypuszczane od dołu, od środka, a następnie od góry. Wykonywanie oddechu, jak wspomniano powyżej, różni się od naturalnego (fizjologicznego). Wydajność powinna być intensywna podczas wdechu i mieć tzw. wsparcie. Wdech jest krótki. Wydech - długi. Oddech jest pobierany przez usta, wykorzystywana jest cała objętość płuc. Tak więc technika wdechu i wydechu ćwiczeń do wykonywania oddychania zmienia się radykalnie. Główne rodzaje
wyczynowe oddychanie: dolne, średnie, mieszane. Górne oddychanie nie jest używane. Jej brak tłumaczy się tym, że wykonawca skupia się na znalezieniu podparcia, które zależy od pracy przepony i brzucha. Musisz po cichu wziąć oddech. Najpierw musisz opanować dolny i środkowy oddech. Niższy oddech. Przyłóż dłoń prawej dłoni do brzucha, lewą po lewej stronie, dotykając dolnej części żeber. Podczas wdechu upewnij się, że powietrze równomiernie wypełnia dolną część płuc, dzięki czemu rozszerza się nie tylko żołądek, ale także mięśnie boków i pleców. Wydech jest swobodny, a nie napięty. Prasa brzuszna powinna niejako wstrzymywać wydech, to znaczy prowadzić go, aż pojawi się fizjologiczna potrzeba nowego oddechu. Średni oddech. Łączy niskie i średnie. To jest najważniejsze w praktyce wykonawczej. Dłoń prawej dłoni leży na brzuchu, lewa - na żebrach lewej strony. Podczas wdechu powietrze najpierw wypełnia dolną część płuc, obszar brzucha, boków i dolnej części pleców rozszerza się. Natychmiast, bez zwłoki, powietrze dostaje się do środkowej i górnej części płuc, co prowadzi do uniesienia klatki piersiowej, rozciągania żeber i mięśni międzyżebrowych. Ramiona nie unoszą się. Wydech zasadniczo różni się od wydechu naturalnego oddychania. Pojawienie się tzw. podpory wykonawczej podczas wydechu powoduje, że na początku powietrze jest uwalniane z górnych i środkowych części płuc. Jednocześnie mięśnie brzucha, boków, pleców pozostają jak najdłużej w pozycji wdechowej. W ostatniej chwili dochodzą do swojej pierwotnej pozycji. Uniesienie ramion podczas wdechu wskazuje na nieprawidłowy rodzaj oddychania, w którym przepona prawie nie działa, wdech jest płytki, a wydech krótki i słaby. Po wdechu uczeń powinien starać się utrzymać klatkę piersiową w pozycji wdechowej (przytrzymać) i powoli przejść do pozycji wydechowej. W celu określenia obecności wspomagania oddechu niemiecki trębacz Rudolf Quincke zaleca następujący eksperyment w podręczniku „Oddychanie, wsparcie, zasadzki, metoda”. Oprzyj półmetrowy drewniany kij jednym końcem o ścianę, drugim, po głębokim wdechu, o brzuch. Po powolnym wydechu upewnij się, że kij nie spada, ale jest trzymany z powodu wysiłków prasy brzusznej. To samo
doświadczenie można uzyskać grając długie dźwięki lub długie pasaże utworu muzycznego. Za pomocą różnych metod wydechu można osiągnąć różne niuanse. Na początkowym etapie treningu powinieneś uzyskać jednorodny dynamicznie dźwięk. Należy pamiętać, że wykonywanie oddychania powinno rozwijać się dopiero w trakcie wykonywania. Dla niektórych wykonawców podczas wydechu część powietrza wychodzi przez nos, w wyniku czego dźwięk traci swoje walory barwowe. Często dzieci też oddychają po każdym dźwięku. To niedociągnięcie należy naprawić. Oddychanie oddziela jedną frazę muzyczną od drugiej. Momenty inspiracji nie mogą znajdować się w przypadkowych miejscach. Nie musisz próbować zagrać całej frazy jednym oddechem. Rozkład punktów wdechowych ma pełną analogię z czytaniem, które staje się bezsensowne i niepiśmienne. Jeżeli przystanki (cezury) odpowiadające oddechowi znajdują się w przypadkowych miejscach, to prawidłowe rozłożenie oddechu ma ogromne znaczenie dla wykonania ekspresyjnego. Gry oddechowe. W pracy z uczniami, zwłaszcza w wieku szkolnym, wskazane jest stosowanie gier oddechowych: 1). Aby rozwinąć równomierne oddychanie, możesz dmuchać w kartkę papieru, aby oddalając się od ciebie, pozostała równo, jakby zamrożona w powietrzu i nie wzdrygnęła się przed przerywanym lub nierównym oddechem. 2). Podobną grę-ćwiczenie można przeprowadzić: dmuchając w płomień świecy w taki sposób, że płomień jest odchylany, ale nie zgaszony. Pomoże to uczniom odnaleźć siłę wydechu, ponieważ dzieci często muszą być ograniczane w sile wydechu, zwłaszcza na początkowym etapie nauki. 3). Ale są dzieci anemiczne, które muszą zwiększyć swój wydech. Wtedy to ćwiczenie jest dobre: uczniowie są zapraszani na bawełnę (lub inny sygnał od nauczyciela), jakby nadmuchali balon, a potem stopniowo, bardzo powoli zaczyna się opróżniać, jakby przez mały otwór. Możesz zaprosić dzieci, aby w momencie wdechu podniosły ręce do góry, przedstawiając kulkę. Następnie, wraz z początkiem wydechu, ręce opadają, a gdy w kuli w ogóle nie ma już powietrza (czyli wydech się kończy), dziecko powinno klaskać w dłonie. Ta technika
pomoże nauczycielowi kontrolować czas trwania wydechu dla każdego ucznia. 4) Kolejne ćwiczenie mające na celu zwiększenie objętości płuc, dlatego w celu wypracowania dłuższego wydechu, pochodzi z pierwszego programu „fonopedycznej metody rozwoju głosu” V. Emelyanova - imitacja dźwięku „p” za pomocą wibracja ust. Należy zwrócić uwagę na fakt, że kombinacja spółgłosek „DBR” powinna być naśladowana, to znaczy dźwięczna, a nie głucha „TPR”. Dzieci są zaproszone do zabawy w podróż samochodem ze zmianą kierunku ruchu, wspinaniem się na wzgórze, schodzeniem, omijaniem przeszkód itp., co będzie wymagało od dzieci zmiany wysokości i siły tonu na wibracje ust. Zalecane jest uzyskanie dźwięcznego, energicznego tonu, który daje uczniom poczucie aktywnej pracy oddechowej i odzwierciedlenie tej pracy na mięśniach brzucha, boków i pleców. pięć). Jako ćwiczenie oddechowe możesz też użyć żartu dla dzieci: „Trzydzieści trzy Jegorki mieszkają na wzgórzu, na pagórku…”, a następnie następuje wyliczenie: raz Jegorka, dwa Jegorki, trzy Jegorki… i tak na, który należy wypowiedzieć szybko i jednym tchem. To ćwiczenie może być oferowane dzieciom jako zawody. Codzienna praktyka z długimi nutami pomoże zwiększyć pojemność płuc i nauczyć się kontrolować strumień powietrza. Z biegiem czasu, po zdobyciu pewnego doświadczenia, możesz nauczyć się określać siłę oddychania niezbędną w konkretnym przypadku. Jeśli uczeń wdycha więcej powietrza niż wydychasz, może to powodować zawroty głowy. W takim przypadku musisz usiąść, zrelaksować się i spróbować trochę rzadziej oddychać. Wkrótce dyskomfort minie, a w klasie konieczne będzie zmniejszenie ilości wdychanego powietrza. Podczas gry na flecie bardzo ważny jest aparat artykulacyjny, a co za tym idzie, związana z nim specyficzna aktywność płuc, krtani, jamy ustnej, języka, warg i mięśni twarzy. Opanowanie umiejętności spokojnego oddychania pomaga w prawidłowej artykulacji podczas gry na instrumentach dętych. Wydobywając dźwięk, uczeń musi mieć na myśli tę lub inną sylabę, fonem mowy (reprezentować go w myślach, a nie wymawiać). Ta umiejętność prowadzi do aktywnego działania całego aparatu artykulacyjnego, co przyczynia się do swobody i łatwości wydobycia dźwięku. Jeśli weźmiemy pod uwagę stosunek artykulacji do pociągnięć, to artykulacja jest pierwotna, a pociągnięcia są wtórne, pochodne.
Wiadomo, że trzy rodzaje ataków są podobne w brzmieniu i sposobie reprodukcji do następujących fonemów mowy: tdk. Podczas wydobywania dźwięku mocnym atakiem ze spółgłoską „t”, czubek języka dotknie dna górnych zębów. Przy miękkim ataku ze spółgłoską „d” czubek języka będzie nieco wyższy niż przy poprzednim ataku. Atak pomocniczy wymaga udziału nie czubka języka, ale jego tylnej części (tyłu), czyli spółgłoski „k”. Samogłoska następująca po spółgłosce dla wszystkich rodzajów ataków będzie wspólna: a, y lub i. Jego wybór zależy od rejestru odtwarzanej muzyki. Decydującym warunkiem jest wysokość samogłoski: „a” – małymi literami, „y” – w środku, „i” – dużymi literami. Z punktu widzenia artykulacji flet prosty pozwala na uzyskanie najszerszej gamy odcieni od najostrzejszego staccatissimo do najdłuższego legato. Niezbędny atak i zwolnienie na początku i na końcu każdej nuty jest kontrolowane przez język i palce. Jak każdy inny instrument, flet prosty pozwala łączyć różne metody artykulacji w celu uzyskania kontrastowych struktur rytmicznych niezbędnych do efektywnego frazowania. Szczegół. Nuty są wydobywane poprzez uderzanie czubkiem lub tyłem języka o wlot instrumentu na sylabach „tu” lub „ta”. Zwróć uwagę ucznia na oddzielanie dźwięków językiem, a nie przerywając wydech, bo. przy oddzielaniu nut przez oddech dźwięk jest rozmyty, „rozmazany”. Konieczne jest upewnienie się, że podczas wykonywania wzoru melodycznego palce dokładnie pokrywają się z uderzeniem języka. Staccato. Innymi słowy, istotą staccato jest podział czasu trwania zapisanej na papierze nuty na okres dźwiękowy i równą jej wielkością pauzę. Staccato sprawia, że linia muzyczna jest lżejsza i bardziej miękka w dźwięku. W ten sposób można stworzyć wrażenie spokojniejszego grania bez zmiany siły dźwięku, co jest bardzo ważne w przypadku instrumentu dętego, w którym zmiana siły oddechu może prowadzić do zmiany wysokości dźwięku. brzmiąca nuta. Legato. Możliwe jest przejście od jednej nuty do drugiej bez konieczności poruszania językiem podczas grania drugiej nuty. Załóżmy, że podczas grania nuty „la” wystarczy podnieść drugi palec, aby zabrzmiała nuta „si”, jeśli ruch palca jest zbyt wolny, wówczas między dwoma nutami słychać obcy dźwięk, a szybszy ruch, tylko żądane dwie nuty są uzyskiwane. Ta metoda wydobycia dźwięku może wydawać się prostsza, ponieważ przy wydobywaniu drugiej nuty nie jest wymagany udział języka, a zatem nie ma potrzeby zastanawiania się nad koordynacją.
jego ruchy z ruchem palców. Z drugiej jednak strony jest bardziej złożona, gdyż wymaga precyzyjnej pracy palców, której błędów nie da się już maskować przerwami między dźwiękami, jak w przypadku produkcji dźwięku staccato. Przy długim legato pojawia się kolejny problem – jak oddychać? Jeśli nie ma przerw między brzmiącymi nutami, to kiedy powinieneś zrobić wdech? Pozostaje tylko polegać na objętości płuc i pracować nad wysokiej jakości dźwiękiem z umiarkowanym wydechem. Rejestrator nie wymaga od muzyka dużych ilości powietrza. Ruch palca. Gdy tylko uczeń zacznie jednocześnie podnosić lub opuszczać więcej niż jeden palec, natychmiast wykrywane są problemy z koordynacją jego ruchu. Na początek nie podnoś palców zbyt wysoko nad otwory. Najlepsza odległość to taka, która pozwoli na powrót palca na swoje miejsce w możliwie najkrótszym czasie (np. 5-10 mm). Podniesiony palec powinien znajdować się dokładnie nad otworem. Jeśli palce odchylą się od tej pozycji, za każdym razem będziesz musiał dosłownie gonić odpowiednią dziurę, próbując ją zablokować. Gdy palce są zbyt wysokie lub na nierównej wysokości, utrudniają im prawidłowe i wyraźne poruszanie się. W przypadku podniesienia dwóch lub więcej sąsiednich palców, powinny one poruszać się jako jeden blok, a nie jako oddzielne jednostki. Palce powinny zakrywać otwory rejestratora podkładkami, a nie czubkami. Opuszki palców są większe niż otwory, więc powinieneś bez problemu je zamknąć. Wielu początkujących błędnie naciska mocno palcami na otwory rejestratora, próbując w ten sposób je bezpieczniej zamknąć. W rzeczywistości wystarczy, że opuszki palców po prostu leżą na odpowiednich otworach. Kiedy dociskasz palce do instrumentów, pojawia się w nich dodatkowe napięcie, które przeszkadza w ich swobodnym ruchu. Niskie tony, oznaczające „re” i „do” pierwszej oktawy, nie są tak łatwe do przyjęcia. Na początek otwory, które są zamykane palcami prawej ręki, można zakleić taśmą samoprzylepną. Jednocześnie palce lewej ręki pozostają na swoich otworach, a uwaga ucznia może być skupiona na znalezieniu właściwej siły oddechu. Widzimy zatem, że wiedza o prawidłowym oddychaniu, dźwięku i aparacie artykulacyjnym leży u podstaw muzycznej wydajności. Wymagają priorytetowej uwagi podczas szkolenia
na instrumencie dętym. Dopiero po opanowaniu tych podstaw możesz przejść na wyżyny mistrzostwa. Podczas gry na flecie bardzo ważne jest również kształtowanie umiejętności gry na instrumencie.Na początku nauczyciel zwraca uwagę uczniów na ułożenie rąk. Pozycja wyjściowa: stopy na szerokość barków; odpoczynek na wygodniejszej dla dziecka nodze; ręce trzymają flet prosty, nie dociskają go do ciała i nie podnoszą wysoko, sylwetka ucznia układa się w stylizowaną literę „F”. Ułożenie rąk na rejestratorze: lewa ręka powyżej, prawa ręka poniżej. Musisz wziąć dyktafon prawą ręką od dołu, tak jakbyś trzymał ołówek. Kciuk i palec wskazujący lewej ręki powinny być złożone razem (iluzja dzioba kaczki). Teraz możesz prowadzić dowolną rozmowę, a nawet zaśpiewać znajomą piosenkę, wypowiadając się za pomocą tego „dzioba”. Wraz z artykulacją uczniowie wymawiają słowa dowolnej piosenki. Na przykład: „Cześć, kaczuszko. Czyim dzieckiem jesteś? Do kogo dzwonisz? Gdzie płyniesz? - „Witam dzieci, Katia i Petya! Sam wiesz, płynę do mamy. Należy zwrócić uwagę na to, że jasny, wyrazisty, zapadający w pamięć obraz kaczki lub kaczątka pomoże w przyszłości dokładnie zlokalizować miejsce pierwszego dołka do gry na lufie instrumentu. W przyszłości, odnosząc się do prawej ręki, przy pomocy podobnego zadania, uczniowie trafią dokładnie na czwarty dołek gry. Kolejnym krokiem w procesie pracy jest ustawienie pozycyjne rąk. Należy zwrócić uwagę na ustawienie łokci, których nie należy dociskać do ciała. Otwory należy zamknąć środkiem opuszkami palców, przy czym dłonie nie powinny być ściskane, a palce w miarę możliwości powinny być ustawione pod kątem prostym do rejestratora. Zapewni to całkowite zakrycie otworów dyktafonu i umożliwi dokładną intonację nut. Uczeń powinien czuć się komfortowo trzymając rejestrator. Ważne: małe palce obu rąk, w lekko zaokrąglonym położeniu, znajdują się nad frontem rejestratora. Niewłaściwe jest opuszczanie małych palców, zginanie ich pod lufą instrumentu lub podnoszenie ich. Stopień zaokrąglenia zależy od ich wzajemnej długości, to znaczy od budowy ręki każdego dziecka. Ten zaaranżowany moment jest bardzo ważny dla wszystkich kolejnych szkoleń i tutaj należy koniecznie zadbać o to, aby każdy poradził sobie z zadaniem i aby żaden uczeń nie miał wątpliwości co do własnych możliwości dotyczących instrumentu. Po opanowaniu układania rąk możesz przejść bezpośrednio do gry.
Rejestrator jest umieszczony pod kątem 45% do ust, tzn. dolna krawędź instrumentu nie powinna być skierowana prosto w dół ani być równoległa do podłogi. Otwory powinny być całkowicie zamknięte: trzy górne - palcem wskazującym, środkowym i serdecznym lewej ręki, a cztery dolne - palcem wskazującym, środkowym, serdecznym i małym, palcami prawej ręki. Taka pozycja rąk uczy dzieci prawidłowego ustawienia i nie wymaga ponownego uczenia się podczas przechodzenia na flet poprzeczny, klarnet, saksofon itp. Ponadto oczekiwana jest indywidualna praca z każdym uczniem. Musisz upewnić się, że otwory do gry są całkowicie zamknięte. Można to zrobić mocnym uciskiem fletu, który powinien pozostawić ślady na opuszkach palców: jeśli koła są na nich całkowicie odciśnięte, to otwory są prawidłowo zamknięte, jeśli nie, to należy kontrolować dziecko, gdy zamyka zabawę otwory. Zamykając nuty na instrumencie muzycznym, nie należy podnosić wysoko palców – w przyszłości może to niekorzystnie wpłynąć na technikę wykonania, na przykład: w utworze występują krótkie czasy, które należy wykonać w szybkim tempie. Dziecko, które podnosi wysoko palce z otworów do gry, nie będzie w stanie zagrać utworu w tempie, w jakim jest napisane. Jeśli nauczyciel wprowadził obraz kaczątka, możesz pokonać ten moment w następujący sposób: kaczątko jest bardzo dumne, że ma magnetofon, a jego skrzydła unoszą się z dumy. Jeśli nauczyciel pracuje ze starszymi uczniami, możesz poprosić dzieci, aby położyły łokcie jak na poduszkach, podobnie jak twoje ręce są na podłokietnikach, gdy siedzisz na krześle. Po wszystkich ćwiczeniach i przetwarzaniu ruchów możesz zacząć grać. Nauczyciel, podobnie jak uczniowie, bierze do ręki flet prosty i wyraźnie pokazuje, co i jak mają zrobić. Zamykając jeden otwór do gry od góry lewą ręką palcem wskazującym, zdecydowanie musisz powiedzieć, jak nazywa się ta nuta, ponieważ od pierwszej klasy należy uczyć dzieci notacji muzycznej i poprawnie nazywać nuty. Pierwsza grająca dziura na rejestratorze nazywana jest nutą „si”. Powinieneś również pokazać, jak ta notatka wygląda w nagraniu. Palec wskazujący lewej ręki, który zamyka nutę „si”, będzie ponumerowany jako pierwszy (1), ponieważ każdy palec będzie miał swój własny numer. Podczas gry uczniowie muszą „zaatakować” każdą nutę językiem i jakby szeptem wymawiać sylaby to, to, to.
Wiodąca rola w wychowaniu i edukacji ucznia należy do nauczyciela. Dlatego główną formą pracy wychowawczo-wychowawczej jest lekcja. Na lekcji nauczyciel łączy ustne wyjaśnienie i wykonanie pracy w całości lub w części, co zwiększa zainteresowanie, uwagę i aktywność ucznia. Wspólne muzykowanie ucznia z nauczycielem (studentem i uczniem) przyczynia się do rozwoju zdolności twórczych młodych muzyków, przyspiesza proces uczenia się, rozwija u ucznia słuch, poczucie rytmu, umiejętność czytania z kartki, zaszczepia umiejętności gry w zespole. „Rozwój muzyczny ucznia – wykształcenie jego myślenia muzycznego i gustu artystycznego, poszerzenie jego horyzontów muzycznych, rozwój umiejętności wykonawczych – to zadanie, którego rozwiązanie jest głównym celem wszystkich etapów edukacji, w tym m.in. początkowy” Rzeczywiście, trudno jest określić czas, który będzie potrzebny na rozwój niektórych umiejętności. System lekcji indywidualnych pozwala nauczycielowi budować swoją pracę w każdym indywidualnym przypadku, w oparciu o indywidualne cechy ucznia. Najważniejsze jest kierunek, treść i metody nauczania oraz rozwój ucznia. Aby skonsolidować pewne nabyte umiejętności, należy przejść przez dużą liczbę prac o mniej więcej tym samym stopniu trudności. Komplikowanie zadowalającego repertuaru powinno odbywać się stopniowo. I wreszcie, należy nie pozbawiać dziecka zainteresowania nauką (szkoła muzyczna. Zależy to od wysiłków nauczyciela, jego umiejętności pedagogicznych. Jeśli uczeń chętnie uczęszcza na zajęcia, nie ominie ich bez dobrego powód, jeśli studiuje z zainteresowaniem, bierze czynny udział w występach koncertowych - jest to już ogromny plus zarówno dla dziecka, jak i nauczyciela Jak pisze B. Ya Grach w swojej pracy: „Praca jest dyskutowana, gdy uczeń jest zainteresowany , ale dzieje się tak, gdy jedna praca zostaje zastąpiona przez inną, gdy jedno zadanie zostaje zastąpione innym, gdy trudności są pokonywane bez zbędnego stresu. Tylko w tym przypadku dobre wyniki przynoszą uczniowi radość. Wszystko, co nie wychodzi, denerwuje ucznia , a niepowodzenia często prowadzą do kontuzji. Po opanowaniu umiejętności gry na flecie prostym, nauce prawidłowego wykonywania oddechu, wydobycia dźwięku na flecie prostym uczeń będzie przygotowany do drugiego etapu nauki gry na instrumentach dętych Rzeczywiście trudno jest określić czas które będą wymagane do rozwinięcia pewnych umiejętności. System lekcji indywidualnych daje
szansa dla nauczyciela w każdym indywidualnym przypadku, nauczyciel buduje swoją pracę w oparciu o indywidualne cechy ucznia. Najważniejsze jest kierunek, treść i metody nauczania oraz rozwój ucznia. W ten sposób właściwa wstępna nauka gry na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania reprezentacji muzycznej i słuchowej, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonawczego.
2.2.Perspektywy
nauczanie
rejestratory
musical
szkoła jako samodzielne narzędzie.
Przyzwyczailiśmy się mówić o flecie prostym tylko jako o instrumencie pomocniczym, przygotowującym młodego wykonawcę do przejścia na instrument „duży”. Może tylko przygotować dziecko na klarnet lub obój. Rejestrator nie jest instrumentem. Tak, niestety, uważa większość zwykłych rodaków, którzy nie są muzykami. Po prostu nie wiedzą, ile wspaniałej muzyki jest w tej „fajce” i jak pięknie i po mistrzowsku można ją na niej zagrać z historycznym i współczesnym wykonaniem. Jednocześnie flet prosty jest instrumentem całkowicie niezależnym i samowystarczalnym. Trzeba tylko pamiętać, że swoje utwory pisali dla niej najwięksi kompozytorzy: A. Vivaldi, G.F. Telemann, G.F. Haendla, I.S. Kawaler. Rejestrator w krajach europejskich często gra w najlepszych salach koncertowych! Wielu współczesnych nam kompozytorów, m.in. Britten, Hindemith i inni, używało fletu prostego w zespołach kameralnych i utworach symfonicznych. Istnieją zespoły muzyki dawnej, w których flet prosty jest równorzędnym instrumentem. Jest to jedno z najwygodniejszych narzędzi edukacji muzycznej. Przede wszystkim dlatego, że o wiele wygodniej jest trzymać w domu miniaturowy dyktafon niż np. fortepian. Cichy dźwięk tego instrumentu ponownie pozwala odtwarzać muzykę bez irytujących krewnych i sąsiadów. Nauka gry na flecie prostym nie wymaga wielu lat praktyki, specjalnego rozciągania palców i dużej siły mięśniowej płuc. Nie bez powodu w szkołach muzycznych to z fletem zaczyna się nauka gry na instrumentach dętych. Ponadto dyktafon jest znacznie tańszy niż jakikolwiek inny instrument. Najprostszy model plastikowy można dziś kupić za jedyne 400-500 rubli. Z tych wszystkich powodów, flety proste cieszą się dużą popularnością zarówno wśród muzyków, jak i po prostu wśród tych, którzy chcą dołączyć do kultury muzycznej. Ponieważ, aby tego użyć
instrument może być używany w niemal każdym kierunku muzycznym, a fanów grania na flecie jest coraz więcej. Uczniowie szkół ogólnokształcących, młodzież i dorośli w sektorach praktyki pedagogicznej szkół muzycznych mogą również uczyć się gry na tym instrumencie. Być może w zespołach muzyki dawnej flet prosty pełni najpełniej funkcję, dla której został stworzony. Przez muzykę dawną rozumie się zwykle „muzykę tradycji zachodnioeuropejskiej, powstałą w okresie od średniowiecza do początku XIX wieku”. Głównym znaczeniem i zadaniem stojącym przed nauczycielem jest maksymalny (w miarę możliwości) zwrot dźwięku danego utworu muzycznego poprzez grę w zespole fletów prostych. Zainteresowanie fletem wśród muzyków akademickich jest raczej słabe. Jednak na flecie są wykonawcy muzyki akademickiej, a co więcej, nawet w Rosji znacznie częściej pojawiają się wielkie nazwiska jako poważne narzędzie. Na przykład niemiecki flecista Maurice Steger jest uznawany za jednego z „najlepszych wirtuozów flet prostych na świecie”. Maurice wykonuje na flecie różnorodną muzykę, od muzyki dawnej po współpracę z orkiestrami współczesnymi. Na jego koncie wykonanie najsłynniejszych utworów na flet prosty Telemanna, Sammartiniego, Vivaldiego i wielu innych, za które muzyk wielokrotnie otrzymywał nagrody środowiska eksperckiego. Innym reprezentantem, a raczej reprezentantem kierunku akademickiego jest dr Michala Petri z Danii. Michala występuje na europejskiej scenie zarówno jako artysta solowy, jak i członek najsłynniejszych orkiestr. Specjalnie dla Michała napisano kilkadziesiąt utworów na flet prosty. Ta niesamowita kobieta po raz pierwszy wzięła do ręki dyktafon w wieku trzech lat, a w wieku pięciu lat występowała już w duńskim radiu. Następnie Petri wybuchł oklaskami w najsłynniejszych salach koncertowych na świecie. Co ciekawe, większość zagranicznych fletów prostych nie specjalizuje się w żadnym konkretnym kierunku w muzyce, ale stara się jak najwięcej coverować. Wielu muzyków gra jednocześnie zarówno w zespołach muzyki dawnej, jak iz orkiestrami klasycznymi oraz bierze udział w różnych awangardowych projektach.
Wraz z rozwojem technologii informacyjnej instrumenty takie jak dyktafon (można by pomyśleć) szybko schodzą na dalszy plan. Ale to narzędzie ma przyszłość. Instrumenty na żywo będą stale obecne i używane. Żadne nanotechnologie nie zastąpią niczego naturalnego. Ale uzupełnienie, stworzenie równoległej przestrzeni wibracyjnej – tak. Myślę, że w niedalekiej przyszłości możliwości wykonawcze grania na flecie prostym zwiększą się dzięki zniesieniu ograniczeń. Najważniejsze jest, aby pozbyć się oczekiwań i uzyskać całkowicie niewyobrażalne odkrycia możliwości narzędzia. Flet prosty, jak każdy instrument, żyje w wielkim prawie wszechświata i jest wyjątkową częścią całej orkiestry, którą nazywa się Życiem. Rejestrator jest szeroko stosowany w prawie wszystkich dziedzinach współczesnej muzyki. Muzyka akademicka nie jest nurtem ani kierunkiem, ale drzewem rosnącym w ogrodzie cywilizacji. Muzyka akademicka - muzyka ciągłości tj. taki, który ma pamięć kulturową i rodzaj DNA, który pozwala wykryć w nim oznaki sztuki wysokiej. Każde rozgałęzienie tego drzewa będzie miało do pewnego stopnia swoje właściwości. Nieważne co: barok, klasycyzm, romantyzm, impresjonizm, awangarda... nawet najbardziej lewicowe odłamy zawsze wpisują się w tę estetykę. Do przekazywania wiedzy potrzebny jest system: nauczyciel-uczeń, a co za tym idzie różne jego formy. Jak ważny jest dzisiaj rejestrator? Teraz są narzędzia o znacznie szerszych możliwościach technicznych. Istotnie, istnieją narzędzia, które w toku rozwoju historii kultury zyskały status archetypów, posłańców określonej epoki. Na przykład klawesyn jest niewątpliwie uważany za znak baroku, epoki Rameau i Couperina, Polletti i Scarlattich, dynastii Bacha. Podobnie jest z rejestratorem. Instrument ten należy w przeważającej części do muzyki barokowej i etnicznej. Jaki jest jej repertuar? Liczne transkrypcje z oryginałów, aranżacje, etnoimprowizacje. Rejestrator nie został poddany takiemu technicznemu rozszerzeniu technik wydobywania dźwięku i, co najważniejsze, zastosowaniu tych rozszerzeń w dziele sztuki, jak np. wielki flet. Ale wręcz przeciwnie, żyje własnym, całkowicie niezależnym i niezależnym życiem. Co zaskakujące, przy dość szerokich możliwościach technicznych ubiegłego wieku i prawie bezgranicznym nurcie,
Rejestrator jest aktywnie wykorzystywany w muzyce popularnej. To zresztą po raz kolejny obala teorię, że o flecie prostym zapomniano ze względu na jego ciche brzmienie i słabe możliwości muzyczne. Nauczyciele od dawna włączają do repertuaru szkoły muzycznej melodie tak popularnych i legendarnych zespołów jak The Beatles, The Rollling Stones, Led Zeppelin, Curtis E. „Wróć do Sorrento!”, Oliveira L. Muzyka z filmu „The Generałowie z Sandy Quarry”, James Last. The Lonely Shepherd, 134 Kb, zip Ponadto jest dziś wielu kompozytorów, którzy piszą muzykę specjalnie na flety proste. Wśród zagranicznych nazwisk są Giorgio Tedda, Alberto Jacopucci, Markus Zhanhausen, Macotto Shinoara, Moritz Eggert, Decebala Grigorutse. W naszym kraju komponowanie muzyki na flet prosty nie jest tak powszechne. Jednak na przykład jeden z najpopularniejszych i najwybitniejszych kompozytorów rosyjskich Siergiej Słonimski jest autorem szeregu kompozycji na zespoły fletowe. Należy również zwrócić uwagę na kompozytora Władimira Daszkiewicza, który jest autorem muzyki do wielu filmów. Jego kompozycje często zawierają partie dla fletu prostego (np. w kompozycjach do filmu „Sherlock Holmes i Dr. Watson”). Tworzenie aranżacji na instrumenty dęte i perkusyjne przyczynia się również do wzbogacenia repertuaru studentów. Przez lata istnienia wydziału nauczyciele zwracali uwagę na tę pracę. Jako przykład można podać opracowanie I.P. Mozgovenki sonat i partit skrzypcowych J.S. Bacha; opracowanie wariacji J. Dunkla S.P. itp.
Wniosek
Nauczanie gry na flecie prostym w dziecięcej szkole muzycznej na początkowym etapie edukacji daje rozwój nie tylko ogólnych umiejętności muzycznych, ale także zawodowych. Im aktywniej dzieci zaangażują się w sztukę muzyczną, tym bardziej harmonijne będzie wychowanie młodszego pokolenia. Dzieci uczące się gry na flecie prostym w dziecięcych szkołach muzycznych, które nie osiągnęły perfekcji i profesjonalizmu, z pewnych indywidualnych przyczyn, nabędą na tym instrumencie cenny bagaż dla ogólnego rozwoju muzycznego i oswajania się z muzyką, nauczą się emocjonalnie przeżywać i postrzegać muzykę.
Te same dzieci, które będą w stanie podnieść swój trening flecista na profesjonalnym poziomie z kompleksem wszelkich zdolności muzycznych, odniosą nieocenione korzyści w dalszym doskonaleniu swoich umiejętności wykonawczych. Wyznaczając sobie tak wysokie cele, nauczyciel w swojej specjalności powinien zajmować się uczniem w zakresie muzyki w ogóle, a na tym instrumencie w szczególności. Dlatego tylko ten nauczyciel osiągnie pożądane rezultaty, które wraz z nauką gry na instrumencie rozwiną jego zdolności muzyczne. Zaszczepienie miłości do instrumentu dętego, zapewnienie prawidłowego ustawienia aparatu ust, palców i całego ciała dziecka to ważny punkt w pracy nauczyciela z uczniem. Uczeń, ucząc się na flecie prostym, w pierwszych latach zajęć powinien zawsze usłyszeć od nauczyciela, że każdy instrument dęty jest piękny i wyrazisty, a uczyć się na nim mogą tylko ci, którzy mają do niego pewne fizyczne zdolności muzyczne. Takie metodycznie poprawne sformułowanie pytania praktycznie wyklucza możliwość urazu psychicznego dziecka przy przesiadce z flet prosty na obój, klarnet, trąbkę czy jakikolwiek inny instrument dęty. Wstępna nauka gry na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania się wykonawstwa muzycznego i słuchowego, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonawczego. Opanowanie podstaw gry na flecie prostym powinno pozwolić dzieciom na dalsze obcowanie z muzyką, stanie się muzykami-amatorami, koneserami muzyki rozumiejącymi naturę, formę, styl utworu, a także uczestniczeniem w amatorskich występach lub po prostu graniu muzyki. Każde dziecko, biorąc do ręki flet prosty, uczy się muzyki od pierwszych lekcji poprzez własne muzykowanie. Teraz staje się bezpośrednim „dyrygentem” wszystkich pomysłów kompozytora, gdyż aby zagrać utwór, trzeba dokładnie przeanalizować i dosłownie „przepuścić przez siebie”, nawet nieświadomie, wszystkie myśli i uczucia przekazywane przez dźwięki. A instrumenty muzyczne związane z oddychaniem są najbliżej ludzkiego głosu – najlepszego „instrumentu muzycznego”. Właściwie wszyscy najlepsi muzycy w swojej twórczości starają się grać tak, jak ktoś śpiewa lub mówi. Flet - dzięki łatwemu wydobyciu dźwięku ma ogromne możliwości wyrażania myśli i
wybuchy duszy, z wyczuciem reaguje na najdrobniejsze zmiany w naszym oddechu czy ruchu, a flet prosty w dobrych rękach potrafi opowiedzieć wiele ciekawych rzeczy... Myślę, że ten instrument wybierają ludzie, którzy potrafią odnaleźć i docenić piękno w prostych słowach , podstawowe rzeczy. I rzadko w naszych praktycznych, monetarnych czasach. I rzeczywiście – mało prestiżowy instrument muzyczny – prosta rura, tylko 8 otworów, ale ile emocji, jaki rozwój daje naszemu umysłowi i naszemu sercu. Zainteresowanie fletem prostym i innymi starożytnymi instrumentami muzycznymi wynika w dużej mierze z ogólnego zainteresowania wszystkim, co ma związek z starożytnością. Ten trend nie jest niczym nowym. Z historii można wywnioskować, że ludzie zawsze interesowali się swoją przeszłością. Wyjątkowość instrumentu, jego dostępność do masteringu, szeroki wachlarz możliwości muzycznych, niski koszt również przyczyniają się do rosnącego zainteresowania fletem.
BIBLIOGRAFIA
1. Abdulin E. B. Nikolaeva E. V. Teoria edukacji muzycznej - M., 2004. 2. Apraksina O. Metody edukacji muzycznej w szkole. - Instruktaż. - M.: Oświecenie 1983. 3. Barenboim L. System edukacji muzycznej K. Orffa. - L.: Muzyka, 1970. 4. Barenboim L. Podstawowa edukacja muzyczna wg systemu K. Orffa. - L.: Muzyka, 1970. 5. Berezin V. Wielki francuski flecista w zwierciadle czasu. „Muzyka wczesna”: Ezhekv. muzyka czasopismo / Założyciel: Agencja Literacka „PREST”. M.: B. ja. 2005. - nr 1-2 (27-28). 6. Berezin V. Instrumenty dęte w muzycznej kulturze klasycyzmu. M.: Wydawnictwo Instytutu Ogólnokształcącego Szkolnictwa Średniego Rosyjskiej Akademii Edukacji, 2000. 388 e., ilustracje, notatki. 7. Bocharow. Y. Mistrzowie muzyki dawnej. M. - Helios, 2005, s. 6 8. Braudo I. Artykulacja (O wymowie melodii). Wydanie II. Muzyka, oddział Leningradu. L.: 1973. 200 s. 9. Vinogradov L.V., Tevosyan E.S. Flet blokowy. Kolektywne tworzenie muzyki. Część 1. Państwo. obraz. Szkoła nr 1321 „Arka”. Regionalna Organizacja Publiczna Osób Niepełnosprawnych i Rodziców Dzieci Niepełnosprawnych (ROOI), 2004.
10. Gruber R. Historia kultury muzycznej. T.I (od czasów starożytnych do końca XVI wieku) Część druga. M., JL: Stan. muzyka Wydawnictwo, 1994. 514 s. 11. Dikov B. O oddychaniu podczas gry na instrumencie dętym. - M.: Muzgiz, 1956. 12. Dikov B. Metody nauczania gry na instrumentach dętych. Wyd. 2. - M .: Muzyka, 1987. 13. Dolzhikov Yu Artykulacja i uderzenia podczas gry na flecie w książce Zagadnienia pedagogiki muzycznej: zbiór artykułów. Sprawa. 10. (Opracował Yu.Usov). M.: Muzyka, 1991.-176 s. 14. Dolzhikov Yu Technika oddychania flecisty: Pytania pedagogiki muzycznej: Zbiór artykułów. Sprawa. 4/Wyd.-stat. Ju.Usow. -M.: Muzyka, 1983. 128 e., notatki. 15. Druskin M. Historia muzyki obcej (wyd. IV). II poł. XIX w., M.: Muzyka, 1980. 528 e., przyp. 16. Emelyanov V. „Rozwój głosu, koordynacja i szkolenie”. - SPb., 2000. 17. Iwanow V. Słownik muzyków dętych blaszanych. M.: Muzyka, 2007. - 128 s. 18. Kachmarchik V. Barokowa technika zadęcia flecisty. Magazyn muzyczny i czasowy. M., 2006. -№11.ts 19. Kachmarchik V. Artykulacja fletu epoki baroku. „Muzyka wczesna”: Ezhekv. muzyka czasopismo / Założyciel: Lit. agencja "GEREST". M.: B. ja. -2005.-№№3-4. 20. Levin S. Instrumenty dęte w dziejach kultury muzycznej. - L.: Muzyka, 1993. 21. Słownik muzyczny Grove'a. Drugie wydanie rosyjskie, poprawione i powiększone. Za. z angielskiego. M.: Praktyka, 2007. - 1103 s. 22. Encyklopedia muzyczna, t.1: M. Encyklopedia radziecka, 1976 - s.178 23. Nowa uniwersalna księga informacyjna krajów i narodów świata / opracowana przez A.G. Wyd. 2. miejsce. - Rostov n / a: Phoenix, 2007. - 380, 1. s. - (Podręcznik). 24. Polezhaev D. Historyczny cel ludu i jego odzwierciedlenie w mentalności narodowej. (Materiały z międzynarodowej konferencji naukowej: „Nauka, sztuka, wychowanie w kulturze I tysiąclecia”, 10-11 kwietnia 2003 r.). Wołgograd: Izd.VolGU, 2003. 25. Płatonow N. Zagadnienia metod nauczania gry na instrumentach dętych.
26. Platonov N. Metody nauczania gry na flecie (patrz: Metody nauczania gry na instrumentach dętych. Eseje. Wydanie II / pod redakcją generalną Yu.A. Usov /). Muzyka. M., 1966. 270 s. 27. Pushechnikov I. ABC początkującego rejestratora. - M.: Muzyka, 1991. 19. Rachina B. Podróż do kraju muzyki. - Petersburg, 1997. 28. Pushechnikov I / Pytania metod nauczania gry na flecie prostym. - Petersburg, 1984. 29. Raaben L. Kameralna muzyka instrumentalna pierwszej połowy XX wieku. : Kraje Europy i Ameryki: Badania / Lengir. stan Instytut Teatru, Muzyki i Kinematografii im. N.A. Czerkasowa. L.: Kompozytor sowiecki. Wydział Leningradzki, 1986. - 197, 1. e., ilustracje, notatki. 30. Rokityanskaya T. Nauka gry na flecie prostym w grupie // Sztuka w szkole. - 1998. - nr 1 31. Rolland R. Dziedzictwo muzyczne i historyczne: W 8 numerach. Sprawa. 3. Muzycy przeszłości. Muzyczna podróż do kraju przeszłości / wyd., komp. i komentować. V. Bryantseva. M .: Muzyka, 1988. - 448 e., notatki, portret. 32. Trizno B. Flet / Seria "Instrumenty muzyczne". LGITMiK. M.: Muzyka, 1964. 52 s. 33. Usov A. Pytania teorii i praktyki gry na waltorni // Metody nauczania gry na instrumentach niedętych: Problem. 1. - M., 1964. 34. Usov Yu Historia wykonań zagranicznych na instrumentach dętych: Podręcznik. - wyd. 2, dodaj. -M.: Muzyka, 1989. 205 2. e., notatki. 35. Usov Yu Radziecka szkoła gry na instrumentach dętych w latach 1960-1980: Wydajność muzyczna i nowoczesność: Zbiór artykułów / Comp. mgr Smirnow. -M.: Muzyka, 1988. 319 s. 36. Fedotov A. Metody nauczania gry na instrumentach dętych. M.: Muzyka, 1975.-159 s. 37. Shkolyar L. V., Krasilnikova M. S., Kritskaya E. D., Usacheva V. O., Medushevsky V. V., Shkolyar V. A. Teoria i metody edukacji muzycznej dla dzieci. - M., 1999. 38. Tsybin V. Podstawy techniki gry na flecie. Część 1. Państwo. muzyka Wydawnictwo. M.-L.: 1940, 248 s. 39. Yagudin Yu O rozwoju wyrazistości dźwięku (Metody nauczania gry na instrumentach dętych, wydanie Z), M.: 1971. 271 s.
) rozmawialiśmy ogólnie o skalach. Dzisiaj chciałbym konkretnie poruszyć kwestię pracy nad gamma - jak z nią pracować, aby osiągnąć swoje cele. Jak pamiętasz, najważniejsze z nich to równość, przejrzystość i płynność. Ale najpierw zastanówmy się, które skale będą „pionierami” w twoim życiu muzycznym jako pianisty. W programach szkolnych pierwsza to nauka w skali C-dur. Trzyma się na prowadzeniu ze względu na brak znaków - czyli gra się na białych klawiszach. Jednak mimo wyimaginowanej prostoty skala nie jest zbyt wygodna pianistycznie. Istnieje coś takiego jak „formuła Chopina”, zgodnie z którą gama H-dur zapewnia najwygodniejszą pozycję ręki. Jeśli ułożysz palce, zaczynając od jej subdominy – mi-fa#-sol#-la#-si, wtedy ręka przyjmie najbardziej naturalną pozycję – dźwignie (1 i 5 palców) są opuszczone – leżą na białych klawiszach ; a środkowe palce tworzą naturalną kopułę. Na potwierdzenie tej tezy chciałbym przytoczyć słowa słynnego rosyjskiego pianisty i nauczyciela Lwa Oborina: „Ręka czuje się najbardziej naturalnie, gdy pierwszy i piąty palec leżą na białych klawiszach, a drugi, trzeci i czwarty na klawiszach. czarne klucze. Ta pozycja, niegdyś polecana przez Chopina, jest najbardziej praktyczna dla wypracowania naturalnej pozycji ręki. Po opanowaniu tego możesz przejść do mniej dogodnych pozycji ... ”
Na początek można więc ćwiczyć na tej Chopinowskiej formule, grając ją lekko non-legato z udziałem pędzla. Po opanowaniu formuły zaczynamy studiować całą skalę H-dur, a następnie przechodzimy do pozostałych skal.
Możesz wybrać inną kolejność studiowania skal - kwintami: Do - Sol - Re - La - Mi itd. Ta metoda daje badanie systemu tonalnego muzyki. Po przepracowaniu wszystkich skal w okręgu kwintowym zrozumiesz wszystkie tonacje i skonsolidujesz teorię z praktyką.
Możesz także zagrać w skalę, w której napisana jest uczona praca. Tutaj zaletą jest to, że znaki w skali są już znane, a same palce opadną na pożądane klawisze. A jeśli praca zawiera fragmenty przypominające skalę, to tym bardziej gama będzie odpowiednia i użyteczna na tym etapie.
Chcę zauważyć, że w tandemie z durem grany jest mol równoległy, to znaczy taki, który leży o tercję małą poniżej.
Porozmawiajmy teraz o trudnościach technicznych w wagach.
Pierwszą rzeczą, na którą musisz zwrócić uwagę, jest palcowanie. Prawidłowo wyuczona sekwencja palców jest kluczem do szybkiej i równej gry. Wszystkie zasady palcowania opisałem już w poprzednim artykule. W tym samym artykule znajdziesz również rodzaje gam, którymi trzeba grać. Aby jednak przejść do nich, najpierw musisz dobrze poznać główny widok, ponieważ jest to szkielet dla wszystkich typów.
Najbardziej problematycznym momentem jest, jak już wiesz, włożenie pierwszego palca. W tym miejscu pragnę zwrócić się do psychologicznej postawy rosyjskiego pianisty i pedagoga GG Neuhausa: „koncepcję wkładania pierwszego palca pod rękę” należy zastąpić „bardziej realną i naturalną koncepcją przesuwania ręki po pierwszym palcu. ” W końcu psychologicznie łatwiej jest przesunąć rękę przez pierwszy palec niż umieścić ją pod dłonią ...
A oto ćwiczenie, które poleca: podczas grania gamy C-dur zatrzymujemy się na dźwięk mi, trzymając klawisz w opuszczonej pozycji. Kolejny dźwięk - Fa - jest odtwarzany naprzemiennie czwartym i pierwszym palcem. Podobny przystanek w kroku 7 (si), po którym następne si do jest grane piątym lub pierwszymi palcami:
Innym ćwiczeniem zalecanym przez G.G. Neuhausa jest wyodrębnienie w skali skali tylko tych dźwięków, które muszą być podkładane:
Inny nauczyciel i pianista W. Safonow proponuje następujący wariant pracy nad tym problemem: wykonując tradycyjne ćwiczenie pięciopalcowe, graj je nie wszystkimi palcami po kolei, ale kolejno poruszając kciukiem:
To ćwiczenie pomoże osiągnąć niezależność i koordynację palców oraz nauczyć się układania i przesuwania.
Możesz spróbować wariacji palcowania - zagraj całą skalę 1-2,1-2; 1-3,1-3 i 1-4,1-4.
Podczas układania ważne jest, aby mieć oko na rękę. Bardzo często łokieć i całe przedramię są zbyt „wywinięte” wraz z pierwszym palcem. Należy tego unikać i upewnić się, że przedramię i łokieć wydają się rysować prostą linię, bez załamań i zgięć.
Aby skoordynować pracę obu rąk, a także zachować przejrzystość rytmiczną, zalecam wykonywanie akcentów czterech dźwięków w skali czterech oktaw, zresztą we wszystkich formach. Ale akcent nie powinien zmienić się w głośne pukanie, stanie w miejscu i zakończenie jakiegokolwiek ruchu do przodu. Akcent, zarówno w skali, jak iw każdej pracy, to miejsce, z którego trzeba się odepchnąć, aby się ruszyć. Tutaj akcent jest wykonywany machnięciem palca, z umiarkowaną głośnością.
Ważną rolę odgrywają również ruchy obejmujące. Wyobraź sobie, że twoje przedramię to pociąg, a twoje palce to ludzie, którzy go przegapili. Te obrazy jasno wyjaśniają ruchy, które powinny być obecne w grze łusek: Cała ręka rysuje linię i idzie przed palcami, to znaczy palce są posłuszne dłoni. Dynamika może pomóc temu ruchowi. Tutaj sprawa jest prosta: góra – crescendo, dół – diminuendo. Możesz sobie wyobrazić ten sam pociąg, który jedzie z daleka, dogonił cię i odjechał. W ten sposób zabijesz dwa ptaki jednym kamieniem - i pojawią się ruchy, a gamma stanie się jasna i interesująca.
Aby zrozumieć klarowność rytmiczną i dynamiczną jasność, graj na skali różnymi formułami rytmicznymi - triole, rytm z kropkami, synkopy; oraz w różnych gradacjach dynamicznych - od pianissimo do fortissimo. A granie w różnym tempie pozwoli Ci uniknąć nudnego flirtu, a jednocześnie określić swój limit techniczny.
Osobną warstwę w grze gam zajmują pasaże. Tutaj zadania są takie same, ale problemy techniczne są inne. Ale o tym porozmawiamy w następnym artykule.
Podczas kopiowania, przedruku materiału lub jego części wymagane jest aktywne hiperłącze na początku i na końcu artykułu do strony http: // site.
