W malarstwie różnych gatunków - martwa natura, pejzaż, portret - kompozycja składa się z różnych planów. Nawet jeśli jest to prosty portret, to nie ma znaczenia, obraz będzie składał się z co najmniej dwóch planów - tła i postaci osoby. Ale jeśli mówimy o planach przestrzennych w krajobrazie, to trzeba powiedzieć, że wiele od nich zależy, bo krajobraz to przede wszystkim przestrzeń. Nawet jeśli jest to zarośla, to też będą w nim widoczne różne plany - pnie drzew z przodu, z tyłu, w oddali itp. Dlatego w tej lekcji malarstwa omówimy, jak można przekazać plany przestrzenne w pejzażu. Maluję brzozy na brzegu jeziora. Technika - obraz olejny. Na przykładzie tej pracy widać, jakich technik używają artyści do oddania przestrzeni. Więc zacznijmy.
1. Podział na plany.
Przedstawiony widok dzielimy na plany warunkowe: pierwszy, drugi, trzeci ... na przykład drzewa z przodu to pierwszy plan. Polana dalej - druga. Pas lasu w pobliżu horyzontu jest trzecim itd. Liczba planów przestrzennych może być dowolna. Jednak nie rób ich zbyt wielu.
2. Perspektywa liniowa.
Zgodnie z prawami perspektywy liniowej, wszystkie obiekty zmniejszają się wraz z oddalaniem się. Oznacza to, że pnie brzóz na pierwszym planie będą większe niż pnie tych samych brzóz, ale w tle. Na trzecim planie cały zestaw drzew łączy się w jeden pas lasu: następuje uogólnienie pojedynczych drzew w jedną masę lasu.
Pojedyncze liście drzew na pierwszym planie są bardziej widoczne niż liście w tle. Na drzewach znajdujących się z przodu można nawet przepisać pojedyncze liście. Ale takie szczegóły nie powinny być przenoszone, ponieważ wizualnie wszystkie liście są połączone w grupy, nawet na pierwszym planie. Ale z daleka takie uogólnienie będzie się manifestowało mocniej i im dalej tym bardziej. Dlatego śmiało generalizuję zieleń brzóz drugiego planu i piszę przez plamy.
3. Perspektywa z lotu ptaka.
W miarę oddalania się od widza obiekty krajobrazu nie tylko zmniejszają się, ale także stają się mniej wyraźne, mniej kontrastowe. Nazywa się to perspektywą z lotu ptaka. Między widzem a odległym obiektem znajduje się masa powietrza. Zmienia wygląd obiektu. Sylwetki wydają się być bardziej pochmurne. W odległości 30 metrów niewiele jest zauważalne. Ale w odległości 3-5 kilometrów efekt ten wyrzuca obiekty w powietrze tak bardzo, że mogą zniknąć jak we mgle. Perspektywa z lotu ptaka sprawia, że ciemne sylwetki są nieco jaśniejsze, a jasne nieco ciemniejsze. Lepiej zapamiętać ten schemat, ponieważ pracując nad krajobrazami trzeba się z tym ciągle spotykać. I oczywiście przy różnej pogodzie zjawisko to objawia się na różne sposoby. W pogodny, słoneczny dzień i w wilgotną pochmurną porę widok będzie inny. Ale perspektywa z lotu ptaka będzie widoczna w obu przypadkach, tylko z różnymi mocami.
Poza fizycznymi prawami natury, powyższy efekt jest również potrzebny ze względów artystycznych. Aby przybliżyć przedmioty, są one bardziej kontrastowe, nasycone kolorem, wyraźniejsze. Aby „zawieść” sylwetki, aby były mniej zauważalne, artyści usuwają ostrość konturów, kontrast sylwetek i zmniejszają nasycenie kolorów. Na przykład zieleń trawy w miarę przesuwania się ku horyzoncie będzie mniej „soczysta”. Sylwetki drzew są mniej skontrastowane, a ich kontury bardziej rozmyte i rozmyte.
4. Techniki malarstwa olejnego w przekazywaniu perspektywy liniowej i lotniczej.
To bardzo ciekawy temat. Aby stworzyć iluzję rzeczywistości, w tym iluzję przestrzeni, artyści posługują się różnymi metodami. Nie ma tu klisz, bo każdy autor może intuicyjnie wymyślić własną technikę wykonania. Dlatego lepiej tutaj unikać stempli. Ale niektóre rozwiązania techniczne stały się tak powszechne, że zyskały status tradycyjnych.
- Na przykład, aby przybliżyć pień brzozy na pierwszym planie, maluję dużymi, pastowatymi pociągnięciami farby. Taka „chropowatość” wykonania sprawia, że powierzchnia kory jest bardziej materialna, „namacalna”. Wydaje się, że widzimy przedmiot szczegółowo, jakby był blisko, tuż przed nami. To złudzenie. I to za pomocą iluzji w malarstwie powstaje efekt rzeczywistości. Do tego stylu pisania możesz użyć noża do palet. Z jego pomocą warstwa farby zostaje wytłoczona, a to dodatkowo nadaje materialność przedstawionej powierzchni. Relief farby można również uzyskać za pomocą pędzla, najważniejsze jest to, że farba jest pastowata iw wystarczająco dużej ilości.
- Aby obiekty drugiego planu „oddaliły się”, uogólniamy je. A co za tym idzie, sposób pisania będzie płynniejszy, może nawet bardziej rozmyty. Oznacza to, że w oddali możemy uniknąć detali, a warstwa farby będzie gładsza i mniej tłoczona. Można to osiągnąć poprzez pocieranie masy malarskiej pędzlem i mniej nakładanie farby wyraźnymi pociągnięciami.
- Trzecia technika dotyczy przezroczystości i nieprzezroczystości warstwy farby. Faktem jest, że gdy do koloru doda się biel, staje się, że tak powiem, „wybielony”, tj. kolor traci nasycenie i staje się „zadymiony”. A ponieważ perspektywa z lotu ptaka to zanurzenie sylwetki w mgle powietrza, mile widziane jest zastosowanie bieli w mieszankach kolorystycznych. Innymi słowy, na pierwszym planie lepiej połączyć półprzezroczyste warstwy farby z pastowatymi, a na samym tle lepiej zastosować bardziej kryjące warstwy z dodatkiem bieli.
- Czwarta technika dotyczy opracowania szczegółów i uogólnienia. Pisałem o tym powyżej. Ale jak technicznie zapisać szczegóły pierwszego planu i uogólnić obiekty odległych planów? Po pierwsze, używając różnych rozmiarów pędzli. Duży pędzel ułatwia szerokie pisanie i uogólnianie. A małe pędzle są wygodniejsze do przepisywania drobnych szczegółów. Po drugie, możesz połączyć pracę z krawędzią płaskiego pędzla i jego płaszczyzną. W pierwszym przypadku pociągnięcia stają się „ostre” i wyraźne i mogą zapisywać szczegóły pierwszych planów. W drugim przypadku szeroka płaszczyzna pędzla pozwala na ułożenie farby „szeroko i odważnie”, a także uogólnienie poprzez pocieranie farby. Oznacza to, że pędzel może niejako „przesuwać się” po warstwie farby, pocierając i uogólniając niepotrzebne kontury. Po trzecie, można użyć końcówki noża do palet lub jego krawędzi, aby ostro i wyraźnie napisać drobne szczegóły. Przeciwnie, płaszczyzna ostrza noża paletowego kładzie farbę szeroko. Można go również uogólniać, smarować i wcierać. Dlatego artyści po mistrzowsku obracając szpachelką osiągają bardzo ciekawe efekty. Na przykład naprzemiennie wyraźne, ostre linie z szerokimi i rozmytymi plamami.
5. Zastosowanie teorii w praktyce. Postęp prac nad płótnem „Brzozy na brzegu jeziora” krok po kroku.
Na tym przykładzie wyraźnie widać, jak powyższą teorię wdrożyć w praktyce. Ta praca nie powinna być traktowana jako szablon. Każdy artysta ma swój styl, własne kreatywne rozwiązania. Wreszcie są wyjątki od każdej reguły. Dlatego też wzorce opisane w tym artykule należy mądrze uwzględnić w swojej pracy, opierając się na intuicji, kreatywnym pomyśle i zrozumieniu istoty.
1) Jak zwykle wykonuję lekki przybliżony rysunek przyszłego krajobrazu za pomocą pędzla.
2) Nakładam podobrazia farbami półprzezroczystymi.
3) Na tło wprowadzam farbę wybielającą i pastowatą. Jak wspomniano powyżej, tło musi być zanurzone we mgle masy powietrza. Pomaga w tym biel w mieszance farby. Tonacja pasa lasu w oddali będzie jaśniejsza niż drzew w pobliżu.
4) Zaczynam pracować z nożem do palet.
5) Pierwszy plan jest opracowany w fakturze. Kolorowa warstwa jest tłoczona. Podkreśla to nierówności ziemi i trawy, dzięki czemu powierzchnia staje się materialna.
6) Pnie drzew różnią się odcieniem. Niektóre będą lżejsze, gdy wyjdą na światło słoneczne. Niektórzy będą ciemniejsi, wchodząc w cień. W ten sposób tworzymy jakby tunel drzew. Wewnątrz lasu powstaje przestrzeń.
7) Piszemy drobne szczegóły. Im bliżej znajdują się obiekty, tym będą bardziej szczegółowe. Będą również wyglądać ostrzej i bardziej kontrastowo.
8) Doprowadzamy obraz do stanu gotowego.
Wiele osób ma dość sprzeczny stosunek do sztuki współczesnej, więc wszystko, co powstało po XIX wieku, budzi pewien sceptycyzm – większość wciąż skłania się ku formom bardziej klasycznym niż Czarny kwadrat Malewicza i skomplikowane instalacje. Jednak współczesne malarstwo olejne nie zawsze jest farbą rozlaną na płótnie; może odziedziczyć tradycje malarstwa akademickiego, a jednocześnie zachować klimat XXI wieku.
Nowoczesne malarstwo olejne
Wśród ogromnej liczby współczesnych artystów jest sporo naprawdę utalentowanych twórców malujących olejami, których malarstwo zachwyca nawet surową krytykę. Wybraliśmy dziesięć godnych uwagi nazwisk, których twórczość nie powinna pozostawiać widzów obojętnymi.
Valentin Gubarev
Valentin Gubarev to artysta o silnej osobowości i niezwykłej wizji świata.
Paradoksalnie wybiera tematy, wątki i obrazy swoich prac w dość banalny sposób, z codzienności. Nie wyglądają jak arcydzieła rosyjskiego malarstwa, ale urzekają uroczą prostotą.
Siła tych obrazów polega na tym, że po obejrzeniu wszystkich przedmiotów namalowanych na nich olejem wyglądają jak starzy znajomi, goście z naszego podwórka. Taki obraz olejny można oglądać w nieskończoność, wnikając w ten dziwny, ale bardzo ciekawy świat.
Bohaterowie obrazów Gubariewa są wszyscy znani: albo my, albo nasi sąsiedzi, ale generalnie jest to nasza przeszłość i teraźniejszość, widziana przez pryzmat zdrowego humoru, odrobiny ironii, nostalgii za zabawą.
Jeremy Mann
W swojej pracy twórczej Mann stara się przedstawić swoje miasto, San Francisco, i napełnić te obrazy dramaturgią, nastrojem i charakterem.
Wnosi niepowtarzalny klimat i dynamikę do miejskiego otoczenia. Wiele prac artysty inspirowanych jest deszczem i mokrymi chodnikami, w których odbijają się latarnie uliczne i neony.
Mann maluje swoje prace olejami na panelach drewnianych, stosując różne techniki: bejcowanie powierzchni plamami, wycieranie farby rozpuszczalnikiem, nakładanie zamaszystych pociągnięć atramentu na płótno i upewnienie się, że obraz ma harmonijne i kolorowe odcienie.
Gerhard Gluck
Rysownik Gerhard Gluck jest prawdopodobnie najbardziej ekstrawaganckim i utalentowanym satyrykiem klasy średniej w Niemczech. Styl artysty stał się już rozpoznawalny - karykatury Glucka i inne prace znane są w całych Niemczech i nie tylko. Jego bohaterowie to przysadziści Europejczycy, z twarzami bez wydatnych podbródków. Wszyscy są ukazani w historiach ich codziennego życia.
„To był pierwszy raz, kiedy Brochardowie zamówili coś przez Internet”
„Codzienna Mona Lisa”
Zanim został artystą, Gluck pracował jako nauczyciel sztuki w szkole. Pewnego dnia jeden z jego przyjaciół zaproponował, aby wysłał szkice do kilku gazet. W rezultacie Gluck otrzymał pozytywną odpowiedź od jednego z nich, rzucił pracę w szkole i kontynuował swoją działalność wyłącznie jako rysownik.
„André chętnie by nakarmił ryby, ale bał się konsekwencji”
Wszystkie karykatury Glucka, choć ujawniają różne aspekty ludzkiej istoty, a czasem nie te najbardziej pozytywne, ale tego śmiesznego obrazu olejnego nie można nazwać złem.
Laurent Parcelier
Oczywisty talent Laurenta Parceliera ujawnił się podczas studiów w School of Art, po opublikowaniu kilku jego albumów artystycznych pod tytułem „Dziwny świat”.
Jego popularność rozprzestrzeniła się jeszcze bardziej, gdy wygrał konkurs malarstwa ulicznego. Fani pokochali go za jego niepowtarzalny styl i wyluzowany styl malowania olejnego.
Praca Laurenta łączy złożoną kompozycję kolorystyczną i ogromną ilość światła. Parcelier woli rysować swoje obrazy w sposób realistyczny, ponieważ według niego każdy może odgadnąć, jakie miejsce jest przedstawione na obrazie.
Kevina Sloana
Kevin Sloan to amerykański artysta, którego obraz olejny można nazwać nowoczesnym realizmem. Sam Kevin wyjaśnia to jako rzeczywistość z haczykiem.
Obrazy artysty naprawdę przeniosą Cię w inny, magiczny świat. Autor uwielbia w swoich obrazach posługiwać się symboliką, poetycką metaforą i alegorią, starając się przekazać cuda świata przyrody i jego bogactwo.
Artysta maluje olejami od liceum i nadal, 37 lat później, pozostaje to jego główną pasją.
Przede wszystkim Kevin uwielbia rysować zwierzęta. Jak mówi, dają mu większą swobodę wyboru kogo i jak rysować niż w przypadku ludzi, a także dają możliwość lepszego skupienia się na samej historii, którą układa jako podstawę obrazu.
Richard Estes
Estes początkowo interesował się tradycyjnym malarstwem akademickim, ale potem zaczął malować w gatunku fotorealizmu, ponieważ zawsze chciał nauczyć się jak najpełniej przedstawiać rzeczywistość na płótnie. Jednak w obrazach artysty rzeczywistość wydaje się idealizowana, wraz z doskonałymi formami, wyraźnymi liniami i wyważoną kompozycją.
Ulubionym tematem Estesa były miejskie pejzaże, kiedy je widzisz, zaczynasz wątpić, czy naprawdę masz przed sobą zdjęcie, a nie fotografię.
Nowoczesne obrazy z tego gatunku stały się bardzo popularne wśród koneserów malarstwa XXI wieku.
Obraz olejny: pejzaże i martwe natury
W malarstwie współczesnym, oprócz portretów, szczególnie popularne są gatunki takie jak pejzaż i martwa natura. Zapraszamy do zwrócenia uwagi na następujące nazwiska współczesnych artystów wykonujących obrazy olejne w tych gatunkach.
Dmitrij Annenkow
Wygląda na to, że Dmitrij Annenkow jest w stanie narysować dowolny przedmiot w taki sposób, że sam widz spojrzy na niego innymi oczami. Ani jeden szczegół nie jest ukryty przed bystrym okiem tego rosyjskiego artysty.
Często rysuje najprostsze i banalne, codzienne i antyczne przedmioty, nadając każdemu z nich swój niepowtarzalny charakter - jakby pojawiała się w nich dusza. Jednocześnie wyglądają tak żywo i realistycznie, że chcesz wyciągnąć ręce i usunąć je z obrazu. Dmitry to prawdziwy mistrz takiego gatunku malarstwa jak martwa natura.
Obecnie Dmitry współpracuje z różnymi galeriami na całym świecie, w tym z takich krajów jak USA, Norwegia czy Francja.
Justina kopie
Polski artysta malujący obrazy olejne zachwycające objętością i głębią, a wszystko to dzięki specjalnej, oryginalnej technice.
Mimo rozmaitości i wyrazistości prac morskie pejzaże nie tracą przezroczystości wody i lekkości żagli, a wręcz przeciwnie, przyciągają obszerną fakturą, którą chce się wyczuć dotykiem.
Justina mówi, że głównym zadaniem jej obrazów jest oddanie atmosfery, a nie realizmu, i prosi o postrzeganie jej obrazów olejnych jako fragmentów wspomnień.
Pomimo tego, że wśród jej prac dominują różnorodne pejzaże, za główną inspirację uważa ludzi.
Xing Yao Tsen
Ten młody tajwański artysta zaczął malować w wieku dziesięciu lat. Teraz ma dwadzieścia dziewięć lat i ma swój własny styl, malarstwo Xing-Yao Tsena jest rozpoznawalne przez największe magazyny i renomowane galerie sztuki.
Artysta maluje najczęściej pejzaże miejskie San Francisco, gdzie ukończył Akademię Sztuk Pięknych z tytułem licencjata.
Swoje prace olejne wykonuje w wyjątkowy „pływający” sposób – niektórzy uważają, że dzięki tej technice jego prace olejne można pomylić z akwarelami. Xing-Yao Tsen uważa, że najlepszy czas na tworzenie krajobrazów o zachodzie i świcie.
Pedro Campos
Innym fanem fotorealizmu jest Pedro Campos, hiszpański artysta z Madrytu. Ten obraz olejny łatwo pomylić z fotografią, ale kto by pomyślał! Tak czy inaczej, obrazy Pedro wprowadzają publiczność w nieopisaną rozkosz.
Przede wszystkim różni się kolorami, którymi posługują się współcześni artyści. Prawie nie używają kryształów, które były szeroko stosowane przez wszystkich artystów od renesansu. Niemniej jednak natura w dziełach współczesnych malarzy pejzażowych jest nadal piękna. Współczesny pejzaż różni się od swoich poprzedników żywszym wyrazem uczuć, nastrojów i myśli. Najczęściej pisani współcześni artyści, podobnie jak ich poprzednicy, wykorzystują ten materiał, aby wynik dłużej cieszył widza.
Artysta Jurij Obuchowski
Romantyczny pejzaż „Costa Bravo” („marina”) jest wypełniony artystą. W rzeczywistości jest to „dzikie” wybrzeże Hiszpanii o długości nieco mniejszej niż dwieście km.
Obraz przedstawia wąską zatokę ze skalistym brzegiem. Błękit spokojnego Morza Śródziemnego konkuruje z błękitem nieba, które wydaje się wyblakłe od jasnego słońca. Śnieżnobiałe chmury, podkreślając swój błękit, odbijają się echem od białych trójkątnych żaglówek, które odpłynęły daleko w morze, z białą pianą rozbijającą się o skały fal. Błękit morza nie jest jednolity. Bliżej widza lekko się rozjaśnia, oddala – staje się nasyconym błękitem, jakby wypełnionym mocą nieprzewidywalnego żywiołu wody. Obraz jest tak pełen romantyzmu, że nie pozostawia widza obojętnym. Skały otaczające zatokę widoczne są w oddali w jasnych liliowych odcieniach, a z bliska mienią się złotem. Zostały złocone w różnych odcieniach przez jasne słońce, które nie jest widoczne dla widza, ale jego gorące promienie są odczuwalne we wszystkim. W naszym szarym klimacie miło widzieć bogate błękity i złoto, a radość mieć w domu zdjęcie, które o każdej porze roku będzie mówiło o mieniącym się wszystkimi kolorami lecie. Ten obrazek jest dobry nie tylko w domu, ale również w biurze, kiedy można oderwać wzrok od komputera i popatrzeć na żywe, uspokajające morze.
Artysta nie ogranicza się do jednego gatunku morskiego. Interesuje go wszystko: krajobrazy Moskwy, Karelii i Krymu. Wspaniałe zakątki Moskwy wznoszą się przed widzem w pejzażach „Wiosna na patriarchach” i „Podwórko na bulwarze Tverskoy”, które na nowo otwierają nam znane. Niezmienny podziw budzą te obrazy olejne. Współcześni artyści widzą i odzwierciedlają w swoich obrazach różnorodny, zachwycający świat.
Artysta Kandybin
Malarz oddał swoją miłość pejzażowi Rosji. Jego płótna przedstawiają wąskie, przejrzyste i czyste rzeki z brzegami porośniętymi zieloną trawą. Mosty i łodzie pokazują, że ludzie żyją gdzieś w pobliżu tak pięknie. Potężne drzewa schodzące ze zboczy zbliżają się do brzegów, odbijając się w nieruchomej tafli wody. Na jednym z płócien znajduje się kościół z pięcioma kopułami i białą dzwonnicą, a wzdłuż brzegu kwitną białe lilie wodne.
Obrazy olejne współczesnych artystów (pejzaże) są realistyczne. Wszystkie płótna Kandybina są pełne spokoju. I tylko szwy-ścieżki mówią nam, że żyją i pracują tu ludzie, którzy dbają o otaczający ich świat. W krajobrazie z początkiem jesieni, kiedy trawa wzdłuż rzeki jest jeszcze zielona, tak jak cały las jest jeszcze zielona, wyróżnia się jasny, złoto-pomarańczowy klon, który odczuł zbliżające się jesienne dni. Kilka bordowych krzewów wzdłuż rzeki to także oznaki jesieni. Spojrzenie artysty z miłością zatrzymuje się na zimowym pejzażu. Wyraźne sylwetki starych rozgałęzionych drzew szczególnie dobrze prezentują się na tle śniegu. A brzozy o białych pniach srebrzą się obok zielonych sosen i jodeł.
Krajobrazy Aleksieja Sawczenko
Doświadczony pejzażysta, który w 2015 roku skończył czterdzieści lat, nie męczy się podziwianiem zmiany pór roku. Jest członkiem Związku Twórczego Artystów Rosyjskich. Na jego płótnach ożywają opuszczone, na wpół zapomniane wioski. Niemal ten sam pejzaż, malowany zarówno latem, jak i jesienią, niesie ze sobą inny, ale radośnie przemyślany nastrój ze względu na kolor. Wiejska droga latem jest sucha, a jesienią koleiny stają się ciemnofioletowe, uginające się od częstych deszczy.
Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej Aleksander Afonin
Urodzony w Kursku, zaczął rysować w wieku 12 lat, kształcił się w szkole artystycznej w Żeleznogorsku, którą uważa za jedną z najlepszych w Rosji. Wszystkie pejzaże artysta czerpie z natury, bez kopiowania fotografii. Rezultatem jest żywa rosyjska natura przed nami w całym jej dyskretnym uroku i poezji. (zwłaszcza obrazy współczesnych artystów) jest pełna wysokiej estetyki. Prace Afonina są bardzo romantyczne.
Na jednym z obrazów przed widzem otwiera się mała zielona wyspa z maleńkim kościółkiem pośrodku. I wokół we mgle łączą się jezioro i ogromne, nieskończone niebo. Malarz znalazł zaciszny i piękny zakątek i pokazał go tym, którzy z jakiegoś powodu nie mogą wyjść z domu. Spojrzenie artysty odsłania przed nami rozległy, nieznany świat.
Victor Bykov odkrywa piękno lasu
Malarza zainteresowały się leśne zarośla i leśne obrzeża, do których mieszkaniec miasta nie bywa tak często, jak by chciał. Jego płótna przenikają promienie słoneczne, załamujące się i bawiące kolorami. Zmieniają zwykłe ponure oświetlenie lasu. To po prostu staje się magiczne.
A zimowy las, pochylony pod ciężarem niedawnych opadów śniegu, wydaje się nie do zdobycia, ale wciąż woła, by przebić się przez głębokie zaspy śnieżne i strzepnąć śnieg z opadłych gałęzi, zasypując nim wszystkich swoich towarzyszy. Poranek na zdjęciu jest słoneczny i maluje go w różowo-liliowych odcieniach.
Siergiej Pierederejew
Jest członkiem Związku Artystów Federacji Rosyjskiej. Jego prace są pełne nieustannego podziwu dla naszego materialnego świata. Nie traktuje przyrody jak Bazarow, który powiedział, że przyroda to nie świątynia, ale warsztat. Nie, to świątynia, którą trzeba doceniać i kochać, bo zasoby natury nie są nieograniczone. Potrzebować obrazów olejnych. Współcześni artyści podziwiają nie tylko pola, lasy, zagajniki. Czasami bardzo ciekawa jest mała wioska, być może dawne miasto, stojące na wznoszącym się wzgórzu. Zdjęcie przedstawia jego obrzeża, a potem zaczyna się las. (obrazy) współczesnych artystów odrywają widza od miejskiego świata, od wielkich apartamentowców, od ruchu samochodów, po ciche zakątki, gdzie wszystko jest pełne harmonii.
Wiele osób maluje olejami. Współcześni artyści często wypełniają je ciszą i spokojem. Ludzie w małych wioskach żyją powoli, starając się tylko sadzić, podlewać, chwastów, zbierać plony, przygotowywać do zimy. A kiedy rano wychodzą na ganek, w pełni wdychają świeże powietrze wypełnione aromatami ziół i kwiatów.
Patrząc na współczesnych malarzy pejzażowych widać to, w czym ważny jest dokładny przekaz natury, mający swoje korzenie w XIX wieku, dzieło współczesnych artystów trwa. Jeśli wcześniej artyści stawiali sobie nie tylko zadania gatunkowe, ale dla wielu ważne było pokazanie ucisku ludu, teraz niewątpliwa umiejętność wlewa się w obrazy olejne na płótnie przez współczesnych artystów, ożywają na płótnach i nie pozostawiają widza obojętnym .
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook oraz W kontakcie z
Europejscy artyści zaczęli używać farby olejnej w XV wieku i od tego czasu jest ona używana do tworzenia najsłynniejszych obrazów wszechczasów. Ale nawet w naszych czasach zaawansowanych technologii olej nadal zachowuje swój urok i tajemniczość, a artyści wciąż wynajdują nowe techniki, rozrywając wzory na strzępy i przesuwając granice współczesnej sztuki.
stronie internetowej wybraliśmy prace, które nas zachwyciły i przypomniały nam, że piękno może narodzić się w każdej epoce.
Posiadacz niezwykłej umiejętności, polska artystka Justyna Kopania, w swoich ekspresyjnych, szerokich pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla, płynne kołysanie statku na falach.
Jej obrazy zachwycają głębią, objętością, nasyceniem, a faktura jest taka, że nie sposób oderwać od nich wzroku.
Prymitywny artysta z Mińska Valentin Gubarev nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest szalenie popularna za granicą, ale prawie nieznana jego rodakom. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, jak się wydaje, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, podobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.
We współczesnej erze obrazów o wysokiej rozdzielczości i narastania hiperrealizmu prace Philipa Barlowa natychmiast przyciągają uwagę. Wymaga jednak pewnego wysiłku od widza, by zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Zapewne tak właśnie osoby cierpiące na krótkowzroczność widzą świat bez okularów i soczewek kontaktowych.
Olej na drewnianych panelach amerykańskiego artysty Jeremy'ego Manna maluje dynamiczne portrety współczesnej metropolii. „Abstrakcyjne formy, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakie człowiek odczuwa w tłumie i zgiełku miasta, ale może też wyrażać spokój, jaki można znaleźć, gdy kontemplujemy spokojne piękno” – mówi Artystka.
Na obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone (Neil Simone) wszystko nie jest tym, czym się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie świat wokół mnie to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i powiązane. Granice zostają zmyte, a historie zlewają się ze sobą.
Urodzony we Włoszech współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso przenosi na płótno sceny, które widział w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne impulsy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.
Większość ludzi jako hobby wybiera robótki ręczne lub inne opcje artystyczne. Co więcej, ze względu na te same towary produkowane masowo, rośnie popyt na rzeczy wykonane przez siebie. Zdjęcia lub obrazy komputerowe są drukowane wielokrotnie. Możesz zrobić coś wyjątkowego, ucząc się malowania obrazów olejnych. Jeśli obejrzysz lekcje wideo znanych artystów, nawet początkujący może zrozumieć tę technikę malowania.
Nawet jeśli spróbujesz powtórzyć swoją fabułę perfekcyjnie dwa razy, nadal nie możesz zrobić dokładnej kopii. To tworzy niepowtarzalność dzieł sztuki. Jak zacząć i nauczyć się tworzyć obrazy?
Materiały, które będą potrzebne do pracy:
- gospodarz.
- Różne kolory.
- Pędzle.
- Rozpuszczalnik i mały pojemnik na niego.
- Specjalna paleta do mieszania.
Mistrzowie również używają szpachla- specjalne metalowe, elastyczne łopaty z drewnianymi uchwytami, którymi nanosi się farbę na podstawę. Dla początkującego ważne jest, aby opanować pędzle.
Ponadto mistrzowie malują obrazy na sztaluga lub wysokiej jakości szkicownik, jeśli pójdą do pracy w naturze, aby przedstawić obrazy olejne z natury.
Krajobrazy dla początkujących to złożony temat. Lepiej tworzyć obrazy za pomocą wyobraźni lub zdjęć. Ułatwi to zobrazowanie krajobrazu.
Według profesjonalistów łatwiej pracować na sztalugach, ponieważ łatwiej jest się cofnąć i spojrzeć na wynik pracy. Na początku możesz spróbować ćwiczyć na powierzchni stołu, ale lepiej wziąć deskę i położyć ją na krześle pod pewnym nachyleniem. Zobaczysz przegląd swojej pracy i będziesz mógł dobrze ocenić jej jakość, w porę zauważyć swoje braki.
Zapamietaj to farba szybko się zużywa Dlatego musisz kupować je pojedynczo i w dużych ilościach. Forma wydania ma różne rozmiary. Najszybciej opuszcza się biała farba, ale czarna jest zużywana w bardzo małych ilościach. Najpierw musisz się zdecydować intrygować, a następnie kupić farby o odpowiednich kolorach i odcieniach.
Aby narysować jesienny bukiet, potrzebujesz jednego zestawu, a letniego bukietu zupełnie innego. Aby nie marnować budżetu na niepotrzebne kolory, lepiej wziąć tylko niezbędne w odpowiedniej ilości. Wszystkie kolory i odcienie można uzyskać tylko za trzy główne kolory(żółty, czerwony, niebieski), a także biały i czarny.
Galeria: obrazy olejne (25 zdjęć)
Tworzenie i wybór bazy krok po kroku
Jeśli chcesz ułatwić sobie rysowanie, kupuj w wyspecjalizowanych sklepach gotowe podkłady do pracy, na którą można natychmiast nałożyć farbę. Kosztują przyzwoitą kwotę, ale są w sam raz dla początkującego, ponieważ znacznie ułatwiają pracę.
Kolejną świetną opcją jest zastosowanie płyty pilśniowej. W gospodarstwie domowym każdego człowieka znajdują się resztki tego materiału, który zostaje po naprawie. Łatwo go znaleźć, pytając przyjaciół, krewnych lub ukochaną osobę. Ktoś na pewno go używał i trzyma resztki tego materiału w garażu.
Kształt boków płyty pilśniowej jest inny, jeden wygląda bardzo gładko, a drugi jest raczej chropowaty, w pewnym stopniu podobny do struktury tkanej. Można stosować obie formy, ale więcej części i warstw podkładu należy nakładać na szorstką powierzchnię, w przeciwnym razie kolor może zmatowieć, ponieważ farba trochę zapadnie się w strukturę takiego produktu.
Jeśli po raz pierwszy zdecydujesz się na malowanie pejzażowego obrazu olejnego, możesz wziąć gotową bazę z płyty pilśniowej z już nałożonym podkładem. Arkusz powinien być mały, nie większy niż poziomy.
Jeśli chcesz zrobić bazę z WPV własnymi rękami, łatwym i niedrogim sposobem jest używając zwykłej żelatyny, możesz dodać do niego klej PVA, aby kolor zmienił się na biały. Konieczne jest nałożenie tego podkładu w kilku warstwach ze wstępnym suszeniem przeszłości. Wystarczą trzy razy. Powinieneś poczuć, że powierzchnia się zmieniła. Po przygotowaniu bazy możesz przystąpić do tworzenia obrazu.
Obraz olejny klasy mistrzowskiej
Po stworzeniu podstawy i przygotowaniu materiałów przystępujemy do pracy etapami:
- Zrób rysunek linii na płótnie za pomocą prostego ołówka lub farby.
- Zadbaj o rozkład cieni i świateł (tam, gdzie będą jasne i ciemne obszary).
- Utwórz tło i wszystkie duże obiekty.
- Zaangażuj się w rysowanie małych kształtów i detali.
Czasami odsuń się ze zdjęcia, aby ocenić wyniki swoich działań. W trakcie rysowania mieszaj różne odcienie kolorów na palecie. Ostatnią czynnością jest zaprojektowanie obrazu do ramy.
Mistrzowska klasa malarstwa olejnego dla początkujących
W tej klasie mistrzowskiej narysujemy morze!
Opis rysunku krok po kroku:
Przede wszystkim musisz przygotować obraz, którym będziesz malować morze. Połóż płótno na sztalugach. Utwórz pierwsze pociągnięcia na płótnie, tworząc główne tło. Poczekaj chwilę, aż całkowicie wyschnie. Jeśli zastosujesz się do wskazówek klasy mistrzowskiej, będziesz mógł namalować obraz farbami olejnymi z morzem. Po zakończeniu rysowania musisz zdecydować się na nazwę, co najważniejsze, nie zapomnij zostawić swoich inicjałów w pracy. Autorstwo jest bardzo ważne, ponieważ wyróżnia Twoją pracę.
Wniosek
Jeśli rozumiesz rysunek, możesz zrozumieć, że przedstawienie krajobrazu lub malowanie nie jest trudne. Możesz również rysować gotowymi płótnami, ponieważ jest to najłatwiejsze do zrobienia.
Malujemy obrazy olejne: foto
