Koncert jazzowy Chi Korea na żywo. Laska coria. Twórcze duety i solowe albumy

Słynny pianista jazzowy o kulturze Rosji, Wielkiej Sali Konserwatorium i selfie na scenie.

15 maja w Moskwie wystąpił słynny pianista jazzowy Chick Corea, który ma na swoim koncie rekord największej liczby nagród Grammy.

Wraz z basistą Eddie Gomezem i perkusistą Brianem Bladem położyli jasny kres trasie tria, grając na koniec słynną kompozycję „Spain” - publiczność Czajkowskiego śpiewała do muzyków w chórze.

Po koncercie 75-letni Chick Corea opowiedział Jewgienijowi Konoplevowi o tym, jak żyją klasyki jazzu w czasach YouTube.

Ostatni raz występowałeś w Moskwie w 2012 roku. Od tego czasu wiele się wydarzyło - w naszym kraju, w waszym kraju, na świecie. Czy podczas obecnej wizyty odczułeś zmiany, czy też czujesz, że to wciąż ta sama Rosja?

Jedna rzecz jest na tym świecie nieunikniona – zmiana. Wszystko się zmienia – i moim zdaniem zmienia się coraz szybciej. Ale to temat dla socjologa, a nie muzyka.

Jeśli chodzi o mnie, moim narzędziem poznawania kultury i świata jest publiczność, którą widzę przed sobą. To są żywi ludzie, przybyli i oto są. Dzisiejszy koncert był bardzo ciepły, publiczność była bardzo chłonna i bardzo mi się podobało. To właśnie zapamiętam dla siebie jako odpowiedź na pytanie: „Jak ci się podoba dzisiejsza Moskwa?”

Na dzisiejszym koncercie zebrało się dla mnie wiele. Nasze trio odbyło bardzo udaną, cudowną trasę koncertową, a dzisiejszy wieczór był ich zakończeniem.

Koncerty na tej trasie stawały się coraz lepsze, zespół stawał się coraz bardziej zjednoczony. Dziś zakończyliśmy. A mój koncert w Petersburgu będzie już solo – fortepian.

Wiele lat temu brałeś udział w koncercie, z którego dochód został wykorzystany do naprawy i renowacji Wielkiej Sali Konserwatorium, legendarnego moskiewskiego miejsca. I zapisałeś swoje nazwisko w historii tej sali.

Och, uwielbiam ten pomysł! Ta sala ma dla mnie ogromne znaczenie – to tutaj zarejestrowano największy koncert Włodzimierza Horowitza, kiedy przyjechał tu już w wieku 83 lat.

Wielokrotnie oglądałem go na DVD, ponieważ jestem wielkim fanem tego pianisty.

Czy dla ciebie Rosja to kraj Rachmaninowa czy Igora Butmana i innych muzyków jazzowych, o których wspomniałeś w wywiadzie?

Rosja to dla mnie wszystko razem. Nie można odrzucić historii Rosji, ponieważ ta historia dała takie skarby kultury - w muzyce, balecie, we wszystkich kierunkach. Ale od lat 50. i 60. ubiegłego wieku jest tu tak duże zainteresowanie jazzem. Najpierw pod ziemią, teraz za darmo.

Wiesz, pokazali mi dzisiaj jedną rzecz... płytę. I jestem bardzo dumny z tego, że po wydaniu mojego albumu „Return to Forever” w 1972 roku, kilka lat później ukazał się on nakładem wytwórni Melodiya i stał się albo pierwszą, albo jedną z pierwszych płyt jazzowych wydanych w Rosji oficjalnie.

Generalnie nie dzielę kultury Rosji na „starą” i „nową”. Dla mnie to wszystko jeden wątek.

Muzycy zgadzają się, że twoja technika gry jest oburzająca. Jesteś więc gotowy do wykonywania najbardziej złożonej muzyki. Czy często czujesz, że chociaż chciałbyś pokazać coś zupełnie nowego i złożonego, publiczność może po prostu nie być w stanie tego dostrzec?

Myślę, że to kwestia równowagi. W końcu można sprawić, że publiczność poczuje się komfortowo w mojej sali, w mojej przestrzeni. Wierzę – i moje doświadczenie mnie o tym przekonuje – że jeśli widzowie czują się komfortowo, mogę pokazać im rzeczy o różnym stopniu złożoności.

Zauważcie, że podczas dzisiejszego koncertu były momenty, w których grana była bardzo, bardzo subtelna muzyka, a słuchacze byli na nią bardzo, bardzo otwarci.

Lubię, gdy publiczność rozumie przesłanie i pomysł. Staram się więc stworzyć atmosferę, w której słuchacz może zrozumieć różne pomysły i mogę pokazać coś, czego ludzie nigdy nie słyszeli, i połączyć to z rzeczami, które już znają… i tak kontynuować jakościowy dialog.

- A co myślisz o „nowej publiczności”? Czy muzykowi jazzowemu trudno jest wprowadzić swoją muzykę w erę YouTube?

Tak, wokół jest tyle różnych rzeczy, a świat jest tak inny. Co pięć lat społeczeństwo i kultura zmieniają się drastycznie... Uważam jednak, że poszukiwanie sposobów komunikacji, interakcji z publicznością jest nadal obowiązkiem artysty.

A ty, muszę powiedzieć, bardzo żywo okazuje się, że szukasz nowych sposobów komunikacji. Dzisiaj publiczność była bardzo rozbawiona twoim strzelaniem ze sceny telefonem komórkowym i selfie, które ty i muzycy zrobiliście podczas końcowych oklasków.

Cóż, to tylko moja pamięć. I pokaż mojej żonie. Ale myślę też, że pozwala to widzom poczuć się trochę bardziej zrelaksowanym, mniej formalnym. Nie lubię zbyt formalnych koncertów.

Laska Corea. Zdjęcie - Olga Karpowa

Widziałeś wiele okresów w rozwoju muzyki. Czy nie macie wrażenia, że ​​dzisiaj ogólnie traci na znaczeniu? Niektórzy uważają, że bycie zarówno gwiazdą rocka, jak i raperem jest dziś mniej prestiżowe niż kilkadziesiąt lat temu. Co jest o wiele fajniejsze, jeśli chodzi o bankierów inwestycyjnych lub przedsiębiorców IT.

Kto tak myśli? Nie sądzę. Wiesz, ludzie są tacy indywidualni - w każdej rodzinie, mieście, kulturze, grupie wiekowej...

Ludzkość jest tak inna. Nie można więc powiedzieć, że „oni” myślą „to jest to”. Myślą różne rzeczy. A dla mnie droga do prawdziwej komunikacji, do prawdziwej pracy zespołowej, do prawdziwej kreacji prowadzi właśnie przez rozpoznanie ludzi jako jednostek.

Przecież w jednej rodzinie może być pięć lub dziesięć osób - a każda będzie inna od drugiej. Nie ma więc potrzeby generalizować. Myślę, że to jedyny sposób na szukanie prawdy i budowanie relacji.

Nie mogę się powstrzymać od zadania pytania jako właścicielka 22 statuetek Grammy. Ile ich powinno być, abyś powiedział: „Mnie wystarczy”?

- (śmiech) To nie zależy ode mnie! Nie wybieram. To jest praca grupowa. Nagrywamy płytę, a potem głosują na nią eksperci Grammy. I za każdym razem to nowy album i nowa muzyka.

Nagrody dodają pewności siebie, ale też pchają do przodu, bo zobowiązują za każdym razem, by dać coś jeszcze lepszego. Po prostu nie mam prawa cały czas nagrywać i wydawać tej samej muzyki.

Redakcja Colta.ru dziękuje organizatorom moskiewskiego koncertu firmie Ram Music za zorganizowanie wywiadu.

Chick Corea nie miał wykształcenia muzycznego, co nie przeszkodziło mu zostać światowej sławy pianistą jazzowym

Dziś porozmawiamy o jednej z najbardziej kultowych postaci wśród pianistów jazzowych ostatnich dekad – Armando Anthonym „Chicku” Corei. Amerykański muzyk (fortepian, instrumenty klawiszowe, perkusja) i kompozytor nazywany jest twórcą jazz-rocka, którego muzyczne eksperymenty nie znają granic.

Armando Anthony „Chick” Coria urodził się 12 czerwca 1941 roku w Chelsea w stanie Massachusetts we włoskiej rodzinie. Jego ojciec był muzykiem jazzowym i uczył syna gry na fortepianie w wieku 4 lat, a od 8 roku życia na instrumentach perkusyjnych. Pomimo tego, że Chick Corea nie otrzymał specjalnego wykształcenia muzycznego, kontynuował naukę muzyki i zadebiutował w zespole ojca, a następnie grał w orkiestrach Billy'ego Maya i Warrena Covingtona.

W 1962 roku, w wieku 22 lat, Chick Corea przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie rozpoczął karierę zawodową z Mongo Santamaria Orchestra, wykonując muzykę w stylu latynoamerykańskim. W połowie lat 60. Corea poznała trębacza Blue Mitchella, flecistę Herbiego Manna, saksofonistę Stana Getza i współpracowała z nimi do 1968 roku. Z nimi dokonał pierwszych profesjonalnych nagrań. Pierwszy sukces Corii pochodzi z rekordu Dźwięki dla kości Joanny, nagrany w stylu „hard bop” w 1966 roku. Jeszcze bardziej znany w 1968 roku był album „Now He Sings, Now He Sobs”, nagrany jako trio z Miroslavem Vitusem i Royem Haynesem. Dziś jest uważany przez krytyków muzycznych za klasykę światowego jazzu.

Pod koniec 1968 roku Corea dołączyła do zespołu Milesa Davisa, z którym nagrywano płyty. Filles De Kilimandżaro, Po cichu, Bitches Brew, Live-Evil. W tym okresie Corea używa pianina elektronicznego, które otwiera nowe brzmienie i rodzi nowy kierunek w jazzie. W 1970 Corea została liderem grupy, która wystąpiła przed 600-tysięczną publicznością na festiwalu muzycznym w Anglii.

Koło

W poszukiwaniu nowego brzmienia Chick Corea założył free jazzowe trio Circle z Dave'em Hollandem i Barrym Altschulem.

Wkrótce po udanym występie na festiwalu Corea wraz z basistą Davem Hollandem opuścili zespół Davisa w poszukiwaniu własnego awangardowego brzmienia. Założyli free jazzowe trio z perkusistą Barrym Altshulem. Koło, do którego później dołączył saksofonista Anthony Braxton. Nowa grupa zaczęła grać awangardowy akustyczny jazz i intensywnie koncertować w Europie i Stanach Zjednoczonych. Mimo że grupa Koło nie trwało to długo, muzycy wydali trzy płyty, z których najlepsza nazywa się Koncert Paryski(1971). Wkrótce Chick Corea zmienił kierunek w kierunku solowych improwizacji fortepianowych i już w kwietniu 1971 nagrał kilka kompozycji dla wytwórni ECM, przepowiadając tym samym popularność współczesnej muzyki fortepianowej.

Wróć do na zawsze

Pod koniec 1971 roku Corea stworzyła grupę Return to Forever, w skład której wchodzili basista Stanley Clark, saksofonista i flecista Joe Farrell, perkusista i perkusista Airto Moreira, wokalistka Flora Purim. W tym składzie w lutym 1972 roku nagrali swój debiutancki album dla wytwórni ECM, na którym znalazła się bardzo znana kompozycja Corii „La Fiesta”. Już w marcu nagrano kolejne hity – „500 Miles High”, „Captain Marvel”. Grupa nie opuściła inspiracji. Ten genialny zespół stworzył klasyczne i lekkie melodie jazzowe z brazylijskimi rytmami. Najlepsi stali się w latach 70. w stylu „fusion”.

Na początku 1973 roku w skład zespołu weszli gitarzysta elektryczny Bill Connors i perkusista Lenny White, z którymi zespół znalazł nowe elektroniczne brzmienie. Nowa fala muzyczna narodziła się, gdy improwizacje rockowe i jazzowe połączyły się w jeden dźwięk. To właśnie w tym roku Corea została okrzyknięta „kompozytorem numer jeden” w magazynie „Down Beat”, a od 1975 roku jest najlepszym wykonawcą na pianinie elektrycznym.

W 1974 roku gitarzystę Connorsa zastąpił 19-letni szalejący i szybki Al DiMeola. Odetchnął energicznym, rockowym i odważnym dźwiękiem. Wraz z nim grupa podbiła nową publiczność i zyskała rzesze fanów rocka. Odnosi się wrażenie, że Corea oddaje hołd modzie. Ale idzie dalej, uzupełniając grupę o instrumenty smyczkowe i dęte, a także posługując się technikami muzyki klasycznej.

Od 1972 Corea i Return to Forever nagrywają rokrocznie album – Light As A Feather (1972), Return To Forever (1973), Hymn Of The Seventh Galaxy (1973), Where Have I Known You Before (1974), Bez tajemnic (1975), Leprechaun (1976), Moje hiszpańskie serce (1976), Szalony szalony (1977), Magia muzyki (1977). W latach 1976-1977 grupa jest na szczycie sukcesu i zdobyła trzy nagrody. Grammy.

Twórcze duety i solowe albumy

W 1978 roku Chick Corea znalazł inspirację w duecie z Herbie Hancockiem, kontynuując jednocześnie współpracę z Return to Forever (RTF). Chick i Herbie grają wyłącznie na akustycznym pianinie i razem osiągnęli wspaniałe rezultaty: nagrania zostały dokonane w 1978 Corea / Hancock, w 1980 roku Wieczór z Herbiem Hancockiem i Chickiem Coreą.

Corea współpracuje również z Michaelem Brekkerem, Keithem Jarrettem. Wiosną 1981 r. Corea odwiedziła Moskwę i Sankt Petersburg z Garym Burtonem. Nie była to wycieczka w zwykłym znaczeniu tego słowa, przyjechał do Związku Radzieckiego, wiedziony ciekawością sowieckiego życia i dał kilka występów w wąskim kręgu wtajemniczonych.

Oprócz twórczych sojuszy Corea nagrała albumy solowe i klasyczne. Tak więc w 1984 roku ukazał się Koncert na dwa klakiery Mozarta.

Zespół elektryczny

W skład nowego zespołu weszli basista John Patituchi, gitarzysta Frank Gembale, saksofonista Eric Marienthal, perkusista Dave Weakle.

W 1985 roku Chick Corea otworzył nowy projekt – „Electric Band”, w stylu fusion. W skład nowego zespołu weszli basista John Patituchi, gitarzysta Frank Gembale, saksofonista Eric Marienthal, perkusista Dave Weakle. Wspólnie nagrali pięć albumów: Elektric Band (1986), Light Years (1987), Eye of the Beholder (1988), Inside Out (1990) i Beneath the Mask (1991).

Kilka lat później zebrał „Acoustic Trio” z Wickle i Patituchi. W 1993 roku Corea nagrała wiele improwizacji jazzowych na fortepian iw kolejnych latach intensywnie koncertowała.

Muzyka Chicka Corei jest wirtuozowska i nieprzewidywalna, pełna żywych uczuć i pasji. Coria to wszechstronna pianistka, która przoduje w każdym gatunku. Jego zasługą jest to, że nie poprzestał na samym jazzie – nieustannie wychodzi poza granice i odkrywa coś nowego. Stoi u początków kierunku jazz-rocka.

Coria poświęcił się całkowicie muzyce, pracuje ciężko i owocnie, często realizując kilka projektów jednocześnie. Dziś znany jest jako pianista-wirtuoz i kompozytor, którego standardy jazzowe stały się klasyką i którego styl jest zawsze rozpoznawalny.

Prawdziwe imię wybitnego kompozytora i wykonawcy to Armando Anthony „Chick” Corea (Armando Anthony Corea). Urodził się w Chelsea (Massachusetts) latem 1941 roku w rodzinie włoskich emigrantów, którzy mieszkali w tym czasie w tradycyjnym mieście sąsiadującym z imigrantami z Rosji i Europy Wschodniej. Ojciec Chiki jest szewcem, który w wolnym czasie lubi jazz. To on zaczął uczyć swojego syna muzyki, gdy miał 4 lata. Nawiasem mówiąc, wszystkie 13 dzieci w tej rodzinie miało ucho do muzyki i wiedziało, jak grać na tym czy innym instrumencie. Sam Armondo Anthony opanował sztukę gry na pianinie, bębnach, perkusji i trąbce.

Solidniejsze doświadczenie muzyczne "Chick" zdobywa grając w orkiestrach Mongo Santamaria, Willie Bobo (1962-63), Blue Mitchell (1964-66), Herbie Mann i Stan Getz. Jako lider własnej grupy w 1966 nagrał płytę „Tones for Joan's Bones”. A kilka lat później ukazała się płyta „Now He Sings, Now He Sobs”, nagrana w trio z Miroslavem Vitusem i Roy Hens.Dziś te kompozycje należą do światowej klasyki jazzu.Krótki okres współpracy z Sarah Vaughn zostaje zastąpiony owocną pracą (1968-70) w Miles Davis Orchestra, gdzie Corea zastąpiła Hancocka. znane projekty jak Filles de Kilimandżaro, In s Silent Way, Bitches Brew.

Zaraz po odejściu z Davisa utalentowany muzyk zmienia swoje pasje i zaczyna wykonywać awangardowy akustyczny jazz w ramach grupy Circle, do której został zaproszony przez Anthony'ego Braxtona, Dave'a Hollanda i Bury'ego Eltlucha. Ale pod koniec 1971 roku Chick ponownie zmienia kierunek: najpierw krótko współpracuje ze Stanem Getzem, a następnie tworzy własny zespół Return to Forever. W skład grupy weszli Stanley Clark, Joe Farrell, Flora Purim, która zadebiutowała w brazylijskiej tradycji jazzowej. Przez następny rok Corea i jego muzycy próbowali grać wyłącznie wysokoenergetyczną fuzję. Muszę powiedzieć, że do tego czasu (1974) na świecie królowało rockowe i elektroniczne brzmienie, ale nawet pod nimi można było łatwo odgadnąć improwizacje jazzowe.

Za te i inne kreatywne rzucanie, niekonsekwencje, Coria nie była faworyzowana przez krytyków muzycznych. Według nich częściej niż inni zmieniał style, kierunki, instrumenty, starając się łączyć niekompatybilne, przemawiające w jeden wieczór z programami równoległymi. Do tej pory kompozytor ma na swoim koncie ponad 70 różnych albumów nagranych we współpracy z takimi muzykami jak Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Bobby McFerrin, Bella Fleck i inni. Od 1992 roku Chick jest właścicielem wytwórni Stretch Records i Mad Hatter Studios w Los Angeles, które przynoszą dobre dochody. Ale spokojne „dobrze” życie nie pozbawiło go zamiłowania do awanturnictwa i pragnienia stworzenia czegoś nowego, chęci zaskoczenia słuchaczy i krytyków. Ma wiedzę encyklopedyczną, potrafi wykorzystać swoje liczne talenty w różnych dziedzinach. W swojej karierze (dane za 2015 rok) muzyk był 33 razy nominowany do Grammy i 22 razy do tej najbardziej prestiżowej amerykańskiej nagrody, a także dwukrotnie zdobył Latin Grammy Awards.

Koria odwiedził ZSRR w latach 80., a jego wizyty były podyktowane nie tylko chęcią koncertowania, ale poznania z bliska prawdziwego życia w Związku Radzieckim. W 2001 roku powrócił ponownie, by wystąpić w Wielkiej Sali Konserwatorium, aby zebrać pieniądze na remont tej sali o wyjątkowej akustyce. W 2007 roku dał koncert w Czajkowskiego Concert Hall, gdzie wystąpił z Bellą Fleco (banjo), a cztery lata później „Chick” grał z Harrym Burtonem (wibrafon) w Sali Swietłanowa Międzynarodowego Domu Muzyki.

______________________________________________________

Laska Korea 75 lat // Esej Michaiła Alperin

Chick zainspirował więcej niż jedno pokolenie muzyków do odnalezienia własnego głosu w tym świecie imitacji. Byłem jednym z tych, którzy od razu zakochali się w jego „głosie”.

Solowy album fortepianowy "Piosenka dziecięca", nadal uważam go za wyjątkowy przykład połączenia muzyki improwizacyjnej i myśli kompozytora.

Napisałem nawet kiedyś, wiele lat temu, parodię Mikołaja Lewinowskiego pod tytułem „Brzozy latynoamerykańskie czy list do mamy Chick Korea”

Tak, walczyłem o swój oryginalny głos w Moskwie, gdzie wszystko, co domowe w tamtych latach było egzotyczne, a pseudoamerykański jazz Kozlova i Levinovsky'ego był postrzegany jako „twardy”, jak dżinsy i Coca Cola.

Wtedy moja własna droga dopiero się zaczynała, ale wewnętrzny głos zaprotestował przeciwko podróbkom w każdej dziedzinie życia.Tak myślę teraz.

Chick Korea na początku zaskoczył mnie swoim talentem i dość szybko straciłem nim zainteresowanie, ponieważ przez lata nie ewoluował jako muzyk, ale na odwrót

uległ amerykańskiej mentalności rozrywkowej i nic więcej. Jest przykładem dla nas wszystkich, jak rynek muzyczny absorbuje talenty, a dolar staje się religią.

Niewielu może nie zgadzać się ze społeczeństwem.

Należę do mniejszości.

Publiczność i historia muzyki zawsze pamiętają nie sukces muzyków, ale przesłanie, które każdy artysta musi przekazać poprzez dźwięki na swój sposób za pomocą dźwięków lub słów.

Muzyka nie jest rozrywką, ale uzdrawiającym narzędziem duchowego wychowania człowieka.

Człowiek potrzebuje uzdrawiania i transmedytatywnego zanurzenia się w dźwięku, dla trwałego doświadczenia komunikacji z subtelnymi światami.

Kiedy muzyk taki jak wielki Chick Korea chce się bawić i tańczyć jako jedyny środek relaksu po ciężkiej pracy „zwykłego człowieka”, chcę zapytać Chica, czy na pewno wszyscy są tak zmęczeni po pracy, że są gotowy tylko do tańca przy dźwiękach latyno-amerykańskiego jazzu?

Wyraźnie nie lekceważysz publiczności, tak samo jak siebie, jak sądzę.

Chick jest pewien, że my, muzycy, w tym „ciężkim świecie” jesteśmy wezwani do odwrócenia uwagi człowieka od smutnych myśli.

Widzisz, jak prymitywnie myśli mistrz?

To staroszkolny podział na sztukę poważną i niepoważną, który wkrótce powinien zniknąć.

Bez świadomości tych procesów przez każdą osobę z osobna, nie będzie to łatwe.

Dyskografia Chick Corea (na rok 2016)

Jako lider lub współlider:

• Dźwięki do kości Joanny (1966)
• Rozkosz! (1968), wydany po raz pierwszy jako Turczynki w łaźni (1967) pod imieniem Pete'a La Roca
• Teraz śpiewa, teraz szlocha (1968)
• Czy (1969)
• Sundance (1969)
• Pieśń śpiewu (1970)
• Cyrk (1970)
• ŁUK. (1971)
• Koncert Paryski (1971)
• Improwizacje fortepianowe Cz. 1 (1971)
• Improwizacje fortepianowe Cz. 2 (1972)
• Powrót do wieczności (1972, ECM)
• Przestrzeń wewnętrzna (1972)
• Kryształowa cisza (1973, z Garym Burtonem)
• Laska Corea (1975)
• Leprechaun (1976)
• Moje hiszpańskie serce (1976)
• Szalony Kapelusznik (1978)
• Wieczór z Herbiem Hancockiem i Chickiem Coreą: In Concert (1978)
• Tajny agent (1978)
• Przyjaciele (1978)
• Delfy I (1979)
• Korea Hancock (1979)
• Duet (1979, z Garym Burtonem)
• Chick Corea i Lionel Hampton na koncercie (1980, z Lionelem Hamptonem)
• In Concert, Zurych, 28 października 1979 (1980, z Garym Burtonem)
• Delfy II i III (1980)
• Krok kranu (1980)
• Greatest Hits of 1790 (1980, z Philharmonia Virtuosi of New York pod dyrekcją Richarda Kappa. Wybitny solista fortepianu Mozarta: „Elvira Madigan” i Beethoven: „Dla Elizy”)
• Mieszkać w Montreux (1981)
• Trzy kwartety (1981)
• Muzyka tria (1981)
• Kamień probierczy (1982)
• Suita liryczna na sekstet (1982, z Garym Burtonem)
• Znowu i Znowu (1983)
• Na dwóch fortepianach (1983, z Nicolasem Economou)
• Spotkanie (1983, z Friedrichem Guldą)
• Piosenki dla dzieci (1984)
• Fantazja na dwa fortepiany z Friedrichem Guldą (1984)
• Podróż - ze Stevem Kujalą (1984)
• Septet (1985)
• Chick Corea Electric Band (1986)
• Lata świetlne (1987, z zespołem elektrycznym)
• Trio Muzyka na żywo w Europie (1987)
• Letnia Noc - na żywo (1987, z zespołem Akoustic)
• Laska Corea z udziałem Lionela Hamptona (1988)
• Eye of the Beholder (1988, z Electric Band)
• Chick Corea Akoustic Band (1989)
• Szczęśliwa rocznica, Charlie Brown (1989)
• Inside Out (1990, z zespołem elektrycznym)
• Pod maską (1991, z zespołem elektrycznym)
• Żywy (1991, z zespołem Akoustic)
• Play (1992, z Bobbym McFerrinem)
• Electric Band II: Pomaluj świat (1993)
• Morska bryza (1993)
• Wyrażenia (1993)
• Zakrzywienie czasu (1995)
• Sesje Mozarta (1996, z Bobbym McFerrinem)
• Na żywo z Elario's (pierwszy koncert) (1996, z zespołem Elektric)
• Na żywo z Blue Note Tokio (1996)
• Na żywo z Country Clubu (1996)
• Z niczego (1996)
• Wspominając Buda Powella (1997)
• Native Sense - Nowe duety (1997, z Garym Burtonem)
• Live at the Blue Note (1998, z Origin)
• Tydzień w Blue Note (1998, z Origin)
• Like Minds (1998, z Garym Burtonem, Patem Methenym, Royem Haynesem, Davem Hollandem)
• Zmiana (1999, z Origin)
• Corea Concerto – Hiszpania na sekstet i orkiestrę – Koncert fortepianowy nr 1 (1999, z początkiem)
• Koncert Corea (1999)
• Pianino solo - oryginały (2000)
• Fortepian solo - standardy (2000)
• Nowe trio: przeszłość, teraźniejszość i przyszłość (2001)
• Spotkanie w Nowym Jorku (2003)
• Do gwiazd (2004, z zespołem elektrycznym)
• Flamenco z rumbą (2005)
• Ostateczna przygoda (2006)
• Super Trio (2006, ze Stevem Gaddem i Christianem McBride)
• Zaklęcie (2007, z Belą Fleck)
• 5trios - 1. Dr. Joe (2007, z Antonio Sanchezem, Johnem Patituccim)
• 5trios - 2. Od Milesa (2007, z Eddiem Gómezem, Jackiem DeJohnette)
• 5trios - 3. Chillin" w Chelan (2007, z Christianem McBride, Jeffem Ballardem)
• 5trios - 4. Boston Three Party (2007, z Eddiem Gomezem, Airto Moreira)
• 5trios - 5. Brooklyn, Paryż do Clearwater (2007, z Hadrien Feraud, Richie Barshay)
• Nowa kryształowa cisza (2008, z Garym Burtonem)
• Five Peace Band Live (2009, z Johnem McLaughlinem)
• Duet (2009, z Hiromi Ueharą)
• Orvieto (ECM, 2011) ze Stefano Bollani
• Na zawsze (2011)
• Dalsze eksploracje (2012) z Eddiem Gomezem i Paulem Motian
• Gorący dom (2012) z Garym Burtonem
• The Vigil (2013) z Hadrienem Feraudem, Marcusem Gilmore, Timem Garlandem i Charlesem Altura
• Trylogia (2013) (uniwersalny, 3CD na żywo)
• Fortepian solo - Portrety (2014)
• Dwa (z Belą Fleck) (2015)

• Krążąc w (1970)
• Cyrk (1970)
• Krąg 1: Koncert na żywo w Niemczech (1970)
• Koncert Paryski (1971)
• Krąg 2: Spotkanie (1971)

Z powrotem na zawsze

• Powrót na zawsze (1972)
• Światło jak piórko (1972)
• Hymn siódmej galaktyki (1973)
• Gdzie wcześniej cię znałem (1974)
• Bez tajemnic (1975)
• Romantyczny wojownik (1976)
• Musicomag (1977)
• Na żywo (1977)
• Powrót na zawsze - Powroty (2009)
• Return to Forever Returns: Live at Montreux (DVD) (2009)
• Powrót statku-matki (2012) z Jean-Luc Ponty

Z Anthonym Braxtonem

• Kompletny Braxton 1971 (Wolność, 1977)

Z Marion Brown

• Popołudnie fauna z Georgii (ECM, 1970)

Z Donaldem Byrdem

• Pnącze (Blue Note, 1967)

Ze Stanleyem Clarke'em

• Dzieci wieczności (Polydor, 1973)
• Podróż do miłości (Nemperor Records, 1975)
• Skały, kamyki i piasek (Epic, 1980)

Przestrzenie (Awangarda, 1970)

Z Milesem Davisem

• Dzieci wodne (Columbia 1976, nagrane w latach 1967-68)
• Filles de Kilimandżaro (Kolumbia, 1969)
• W cichy sposób (Columbia, 1969)
• Na żywo w Europie 1969: The Bootleg Series Cz. 2 (Dziedzictwo Kolumbii wydane w 2013 r.)
• Bitches Brew (Columbia, 1970)
• Hołd dla Jacka Johnsona (Columbia, 1970)
• Black Beauty: Live at the Fillmore West (Columbia, 1977, nagrany w 1970)
• Miles Davis at the Fillmore: Live at the Fillmore East (Columbia, 1970)
• Miles at the Fillmore - Miles Davis 1970: The Bootleg Series Cz. 3 (Dziedzictwo Kolumbii wydane w 2014 r.)
• Circle in the Round (Columbia, 1979, nagrany w latach 1955-70)
• Żywe zło (Kolumbia, 1971)
• Na rogu (Kolumbia, 1972)
• Wielka zabawa (Kolumbia, 1974)

Z Richardem Davisem

• Filozofia duchowości (Cobblestone, 1971)

Z Joe Farrellem

• Kwartet Joego Farrella (1970)
• Outback (CTI, 1971)
• Park deskorolkowy (1979)

• Słodki deszcz (Werwa, 1969)
• Kapitan Marvel (Werwa, 1972)

Z Herbiem Hancockiem

• Świat Gershwina (Verve, 1998)

Z Joe Hendersonem

• Relaxin” w Camarillo (współczesny, 1979)
• Lustro Lustro (Pauza, 1980)
• Big Band (Verve, 1996)

Z Elvinem Jonesem

• Karuzela (1971)

• Echa epoki (1982)

• Usłyszeć to zobaczyć! (Prestiż, 1969)
• Świadomość! (Prestiż, 1970)

• Idąc do tęczy (1971)

Z Petem La Roca .em

• Tureckie kobiety w łaźni (1967), wznowione pod nazwą Corea jako Bliss (1973)

Z Hubertem Lawsem

• Prawa jazzu (Atlantyk, 1964)
• Przepisy dotyczące fletu (Atlantyk, 1966)
• Prawa” Przyczyna (Atlantyk, 1968)
• Dziki kwiat (Atlantyk, 1972)

Z Herbiem Mannem

• Herbie Mann gra „Ryk smaru” – Zapach tłumu (Atlantyk, 1965)
• Poniedziałkowa noc przy bramie wiejskiej (Atlantyk 1965)
• Latin Mann (Kolumbia, 1965)
• Owacja na stojąco w Newport (Atlantic, 1965)

Z Niebieskim Mitchellem

• Rzecz do zrobienia (1964)
• Precz z tym! (Niebieska notatka, 1965)
• Boss Horn (Blue Note, 1966)

Z Tete Montoliu

• Obiad w Los Angeles (Współczesna, 1980)

Z Airto Moreira

• Bezpłatny (CTI, 1972)

• Manhattan łaciński (Decca, 1964)

Z Waynem Shorterem

• Moto Grosso Feio (Blue Note, 1970)

Z Sonnym Stittem

• Stitt idzie po łacinie (Roost, 1963)

Z Johnem Surmanem

• Pożoga (Świt, 1971)

Z Gaborem Szaboiem

• Femme Fatale (Pepita, 1979)

• Wybuch duszy (Verve, 1966)

Z Miroslavem Vitousem

• Uniwersalne synkopy (ECM, 2003)

Z Sadao Watanabe

• Podróż w obie strony (1974)

• 1976: Laska Corea/Herbie Hancock/Keith Jarret/McCoy Tyner (Atlantyk)
• 1987: Chick Corea Compact Jazz (Polydor)
• 1993: Best of Chick Corea (Blue Note)
• 2002: Wybrane nagrania (ECM)
• 2002: Kompletne sesje „Jest” (Blue Note)
• 2004: Najlepszy z Chick Corea (uniwersalny)
• 2007: Herbie Mann-Chick Corea: Kompletne sesje zespołu latynoskiego

Chick Corea z programem „Solo Piano” w Filharmonii Moskiewskiej

12 czerwca obchodzi 75-lecie laska korea- jeden z najbardziej wpływowych i cenionych muzyków jazzowych na świecie, zdobywca ponad dwudziestu nagród Grammy(dokładniej w tej chwili – 22) i ponad 40 nominacji do tej prestiżowej nagrody w dziedzinie nagrań dźwiękowych, a także wielu innych międzynarodowych nagród.

W 2012 roku prestiżową nagrodę International Association of Jazz Journalists Jazz Award-2012 w kategorii „Best Photo of the Year” odebrał stały współpracownik wydawnictwa Jazz.Ru, publikującego z nami od 1998 roku – mistrz Rosyjska fotografia jazzowa Pavel Korbut. Nagrodę przyznano za pracę z 2011 roku „Pianista Chick Corea”, która posłużyła za podstawę okładki magazynu Jazz.Ru nr 2-2011.

Ceremonia wręczenia nagród odbyła się w sierpniu 2012 roku na scenie moskiewskiego festiwalu Jazz w Ermitażu.

Antonio Armando Coria(Laska – „Laska” – jego pseudonim muzyczny) urodził się 12 czerwca 1941 r. w Chelsea, Massachusetts (przedmieście Bostonu). Do 1958 r. mieszkał z rodzicami przy ulicy Kasztanowej 149, która w 2001 r. została przemianowana na cześć słynnego rodaka Ulica Chick Corea. W 1956 roku, kiedy Corea była w dziewiątej klasie, został wybrany „prezesem” swojej klasy i według szkolnego świadectwa okazał się „najbardziej dążącym do sukcesu, najbardziej otwartym na współpracę i najbardziej muzykalnym”. Zgodnie z tym samym opisem, w wieku 15 lat chciał „zostać muzykiem jazzowym i pisać piosenki”. Jego dawni koledzy z klasy wspominają, że był bardzo skromny, że jego tata prowadził amatorski zespół, który grał na wszystkich szkolnych imprezach (jak na tamte miejsca to było nietypowe – po prostu zaczęli nagrywać we wszystkich okolicznych szkołach), a sam Chick grał na trąbce w szkolnej orkiestry i akompaniował szkolnemu chórowi na fortepianie.

Wspaniała jazzowa kariera Chicka Corei rozpoczęła się w Nowym Jorku w pierwszej połowie lat sześćdziesiątych. w ramach zespołów jazzowych prowadzonych przez Mongo Santamaria, Willie Bobo, Herbie Mann oraz Stan Getz. Następnie dokonał pierwszych nagrań solowych.

Najważniejszym etapem w życiu muzyka było zaproszenie do zespołu wielkiego rewolucjonisty jazzowego – trębacza Miles Davis, we współpracy z którą nagrano ważne albumy Milesa z końca lat 60.: Filles de Kilimandżaro», « W cichy sposób», « Napar suki».

WIDEO: 29 sierpnia 1970, Miles Davis gra 38-minutową improwizację na festiwalu rockowym Isle of Wight (Wielka Brytania), później nazwanym „Call It Anything”.
Skład: Chick Corea i Keith Jarrett - instrumenty klawiszowe, Gary Bartz - saksofony, Dave Holland - gitara basowa, Airto Moreira - perkusja, Jack DeJohnette - perkusja.

Od tego czasu Chick Corea wielokrotnie sięgał po różne style – od awangardowego akustycznego jazzu po fusion i post-bop. Na przełomie lat 80. i 90. Chick Corea zainteresował się dużymi formami koncertowymi, stworzył koncert fortepianowy z orkiestrą symfoniczną (nagrany z London Philharmonic Orchestra), a także jazzowe wersje koncertów W.A. Mozarta i inne duże formy w sposób krzyżowanie(na przecięciu jazzu i muzyki akademickiej).

Przez lata Chick Corea pracował z szeroką gamą własnych kompozycji - Koło, Return To Forever, zespół elektryczny, nowe trio itd.

WIDEO: Chick Corea ze swoim zespołem Return To Forever, 1973

Ze względu na Chick Corea - występy na wszystkich największych i najbardziej prestiżowych scenach koncertowych Ameryki, Europy i Azji, udział w najważniejszych festiwalach oraz współpraca ze znanymi muzykami ( Bobby McFerrin, John McLaughlin, Paco de Lucia, Herbie Hancock, Al DiMeola, John Patitucci, Bela Fleck itd). Chick Corea wydał ponad 100 albumów.

Szczególną rolę w życiu Chicka Corei odegrała współpraca z wibrafonistą Gary Burton. W 1972 roku na mało znanej europejskiej etykiecie Edycje dla muzyki współczesnej(„Wydawnictwo Muzyki Współczesnej”), obecnie znane wszystkim po prostu jako ECM, album został nagrany przez duet Chick Corea i Gary Burton, zatytułowany "Crystal Silence", " Kryształowa cisza”. Idea ciszy generalnie dość mocno zajęła stałemu szefowi i producentowi ECM Manfred Aicher, nie bez powodu motto twórcze jego wytwórni płytowej jest tłumaczone na język rosyjski jako „Najpiękniejszy dźwięk po ciszy”. Chick i Gary przypadkowo skrzyżowali ścieżki w 1971 roku w Monachium, gdzie firma ma swoją siedzibę, na festiwalu jazzowym i nagle odkryli, że tylko we dwoje zjawili się na festiwalowym jam session po koncercie. Próbowali grać razem i – jak mówią – „klikali”. I tak zaczął się duet. Co ciekawe, dwa lata wcześniej, gdy Chick grał jeszcze z Milesem Davisem, a Gary miał już swój własny kwartet jazz-rockowy, próbowali już grać razem, ale w kwartecie, a potem „nie kliknęło”: aktywny sekcja rytmiczna okazała się dla nich zbędna do wspólnego grania.

Kiedy Corea zaczął grać w duetach z Burtonem, właśnie stworzył swój własny projekt fusion, Wróć do na zawsze, który miał stać się jednym z najsłynniejszych klasycznych zespołów jazz-rockowych lat 70-tych. Ale na pierwszym wspólnym albumie z Burtonem nie było free jazzu (jak we wcześniejszym projekcie Corea Koło), ani jazz-rock. Była naprawdę krystalicznie czysta, lekka muzyka o niesamowicie ostrej rytmicznej naturze, ponieważ obaj muzycy używali swoich instrumentów, odpowiednio fortepianu i wibrafonu, podkreślając ostrą perkusję i perkusję ich brzmienia. Ale to wszystko jak zwykle w estetyce dźwięku firmy ECM brzmiało bardzo powściągliwie i romantycznie.

WIDEO: Koncert Chick Corea i Gary Burton w Tokio, 1981

Album odniósł sukces, a duet koncertował prawie co roku, kiedy Chick zabierał na wakacje swój zespół jazz-rockowy. W gorącym lipcu 1982 roku Chick Corea i Gary Burton po raz pierwszy przybyli do Moskwy, ale był to jeden z najbardziej napiętych momentów zimnej wojny, stosunki między Związkiem Radzieckim a Stanami Zjednoczonymi były tak wrogie jak zawsze, a nie było koncertu publicznego. Niektórym udało się dostać na swój prywatny występ w Spaso House, rezydencji amerykańskiego ambasadora, a następnego dnia odbyło się jam session w sali Związku Kompozytorów – dokąd poszli radzieccy jazzmani, jak mówią liczni świadkowie trochę za burtą, próbując zaimponować zagranicznym „supergwiazdom”.

Corea i Burton słuchają dżemu w Moskwie, 1982 (wśród otaczającej publiczności - A.E. Petrov, A. Gradsky, N. Levinovsky, V. Feiertag itp.) Zdjęcie Alexander Zabrin z książki "Soviet Jazz", 1987

Następnie zarówno Chick, jak i Gary wielokrotnie przyjeżdżali do postsowieckiej Rosji, każdy z własnymi solowymi projektami.

Tak więc Chick Corea wystąpił w Wielka Sala Konserwatorium Moskiewskiego w ramach festiwalu poświęconego 100-leciu słynnej sali koncertowej w kwietniu 2001 roku. Zespół, z którym wtedy przyjechał - Nowe Trio Laska Corea czyli on sam, kontrabasista Avishai Cohen z Izraela i perkusista Jeff Ballard w rzeczywistości była to sekcja rytmiczna ówczesnego dużego zespołu Coria, Pochodzenie. W tym samym czasie w BZK wykonano także utwór symfoniczny Corii „Koncert nr 1” w wykonaniu mistrza wraz z trio i orkiestrą symfoniczną Wielkiej Sali Konserwatorium (w zasadzie orkiestra studencka). Dyryguje szef orkiestry Jurij Botnari.

WIDEO: Chick Corea i jego „New Trio” na antenie programu „Antropologia” w NTV, prowadzonego przez Dmitrija Dibrowa (2001).
Wywiad i wyjątkowe nagranie tria na żywo z Avishai Cohenem i Jeffem Ballardem w studiu na żywo.

Duet z Burtonem pojawił się ponownie na moskiewskiej scenie dopiero w 2006 roku, kiedy obchodzili 35. rocznicę ich pierwszego wspólnego albumu podczas światowej trasy koncertowej. Dwa lata później ECM wydali swój album Nowa kryształowa cisza”, po raz kolejny nagrodzony nagrodą Grammy.

A w kwietniu 2011 roku, podczas nowej światowej trasy duetu Chick Corea - Gary Burton, dwaj znani muzycy wystąpili w Rosji po raz trzeci.

WIDEO: Laska Corea i Gary Burton „La Fiesta”
Występ na festiwalu Jazzwoche Burghausen, 2011

Jazz.Ru dużo pisał o twórczości i występach Chicka Corei - przynajmniej o wszystkich jego wizytach, począwszy od koncertów w BZK w 2001 roku, a skończywszy na występie duetu z wokalistą Bobbym McFerrinem w 2012 roku. Ale w dniu jego 75. urodzin Urodzinowy sławny pianista, postanowiliśmy odtworzyć teksty dwóch jego wywiadów: pierwszy zabrał mu nasz korespondent w Erewaniu Armen Manukyan za kulisami Erywańskiego Festiwalu Jazzowego w 2000 roku, a drugi został mu telefonicznie odebrany przed występami w Moskwie w 2001 roku przez dziennikarza muzycznego Andriej Sołowiow, później - wieloletni współautor naszego podcastu jazzowego "Słuchaj tutaj".

Laska Corea: „Moim przeznaczeniem jest zabawianie ludzi” (2000)

Tekst ekskluzywnego wywiadu, jakiego wielki pianista udzielił erewańskiemu dziennikarzowi Armenowi Manukyanowi za kulisami podczas Erewańskiego Festiwalu Jazzowego (nie udzielił ani jednego wywiadu podczas całej swojej wizyty w Armenii na początku czerwca 2000 r.).

Teraz wielu próbuje przewidzieć przyszły rozwój jazzu. Jedni widzą to w sojuszu z elektroniką, inni - w symbiozie z folklorem czy klasyką. Jaka jest Twoja opinia?

Często pytają mnie o przyszłość jazzu i to bardzo dobre pytanie, które naprawdę musimy sobie teraz zadać. Nie jest więc dla mnie tak ważne, czy jazz będzie bardziej przypominał muzykę symfoniczną, czy folkową, czy też mniej czy więcej uwagi poświęci się improwizacji. Dla mnie najważniejsza jest sytuacja, w której muzyka rodzi się i jest wykonywana. Prawdziwa muzyka może istnieć tylko w spokojnej, spokojnej atmosferze. Jeśli sytuacja w kraju jest napięta, ludzie są onieśmieleni, cierpi przede wszystkim sztuka, w tym muzyka. Bo muzyka to przede wszystkim muzycy, a muzycy to ludzie, którzy mieszkają w kraju. Jeśli więc chcemy, aby nasza muzyka kwitła, musimy stworzyć spokojne otoczenie, dać muzykom swobodę twórczą, jednym słowem szczęśliwe życie. To bardzo trudne zadanie, ale musimy zrobić wszystko, co w naszej mocy, aby je wykonać. Ale w jakiej formie twórczość muzyka znajdzie swój wyraz, nie jest już tak ważne.

Istnieje opinia, że ​​jazz stracił ostatnio swój pierwotny cel - zabawiać i bawić ludzi. Stając się muzyką profesjonalistów, jazz opuścił kluby i bary, przenosząc się do filharmonii. Jazz stał się zbyt złożony, elitarna sztuka.

Każda muzyka, stając się zbyt poważna, traci duszę, emocjonalność, a w końcu traci słuchaczy. I to nie tylko jazz. Ten problem jest nieodłącznym elementem każdej innej sztuki. Każdy gatunek ma swoich profesjonalistów i amatorów, a jazz w tym sensie nie jest wyjątkiem. Jazz można uznać za prawdziwy jazz tylko wtedy, gdy jest dobrej jakości, kiedy ludzie go rozumieją, kiedy to czują, cieszą się nim. Dziś na koncercie w Erewaniu udało nam się zadowolić publiczność, choć nasza muzyka nie jest taka prosta. Myślę, że nie jest to kwestia złożoności czy prostoty muzyki. Faktem jest, że aby osiągnąć sukces, należy nawiązać kontakt duchowy między wykonawcą a słuchaczem. A głównym wykonawcą tego zadania jest muzyk, a nie publiczność. Musi stworzyć atmosferę wzajemnego zrozumienia i zaufania, tylko wtedy może być zrozumiany przez ludzi.

Dużo występujesz i nagrywasz. Czego Twoi fani powinni się spodziewać w najbliższej przyszłości?

Mam wiele różnych pomysłów. Obecnie jestem zaangażowany w projekt z moim sekstetem Początek- Dużo koncertujemy w różnych krajach świata. Dość często wykonuję również projekty solowe i właśnie wydałem dwa albumy nagrane podczas moich solowych występów w Japonii i Europie. Współpracuję z London Philharmonic Orchestra przy moich koncertach fortepianowych. No i oczywiście dużo eksperymentuję i pracuję z elektroniką w swoim studio. Jest mało prawdopodobne, aby z tego wynikło coś wartościowego, ale w wyniku takich eksperymentów mogą zrodzić się nowe pomysły.

Często zmieniasz gusta - grałeś muzykę elektroniczną, akustyczną i klasyczną. Który okres swojej pracy lubisz najbardziej?

Nie chodzi o styl muzyki, którą gram. Jestem muzykiem i moim celem jest zabawianie ludzi i oczywiście nie chcę się powtarzać w nieskończoność. Gdybym był aktorem, to co sezon zmieniałbym swoją rolę – tragiczny, komik. Zrobiłbym coś awangardowego dla wąskiego kręgu widzów, zabawnego dla szerokiej publiczności. Robię to samo jako muzyk. Zawsze staram się tworzyć coś nowego, aby dawać ludziom radość i przyjemność.

Muzyka Corię znamy bardzo dobrze, ale jednocześnie prawie nic nie wiemy o jego życiu poza muzyką.

Mam dwójkę dzieci. Chociaż nie są już dziećmi. Mój syn Fabius gra na instrumentach perkusyjnych, pisze muzykę. Ma własny zespół, a ostatnio występowali w Las Vegas w show o nazwie Grupa niebieskich mężczyzn. Jest żonaty z piękną dziewczyną o imieniu Tracy. Jest tancerką i choreografką, często występującą w musicalach na Broadwayu. Moja córka Liana, doskonała pianistka, bardzo kocha swój instrument, często występuje z przyjaciółmi, grając jazz. Kocha i lubi stary jazz z lat 40. i 50. XX wieku. Mój ojciec zmarł 12 lat temu i to jemu poświęciłem swoją pracę” Rhumba Armando"i ostatnio -" Tango Armando”. Był też muzykiem, miał własny zespół, często zbierali się u nas w domu i grali, więc dorastałem w środowisku muzycznym. Mój ojciec miał ogromną kolekcję starych płyt 78rpm i często ich słuchałem. Moja pierwsza znajomość z jazzem przeszła przez te płyty. To była muzyka Charliego Parkera, Dizzy'ego Gillespiego, Buda Powella. Dorastałem z muzykami i otaczającą mnie muzyką jazzową.

WIDEO: solowy występ Chicka Corei na Jazz à Vienne, Francja, 2012

Laska Corea: „Nie wstydzę się studiować” (2001)

W przeddzień przyjazdu Chicka Corei do Rosji w 2001 roku dziennikarz Andrey Solovyov skontaktował się z nim telefonicznie i zadał mu kilka pytań. Przede wszystkim oczywiście poprosił pianistę o skomentowanie samego faktu jego występu w cytadeli rosyjskiej muzyki akademickiej – Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.
Czy teraz bardziej interesuje Cię muzyka klasyczna niż jazz?

Kiedy występuję lub nagrywam z zespołem lub orkiestrą, staram się nie myśleć za dużo o stylu i jego granicach. Dużo ważniejsze jest dla mnie zrozumienie muzyków, z którymi pracuję. Wynik zależy od tego, jak rozwijają się relacje między wykonawcami. Nie chodzi tylko o styl czy kierunek, ale o to, jak uda ci się znaleźć konkretny dźwięk. Najmniej myślę o kategoriach - to muzyka klasyczna, jazz czy jakaś inna, zaczynam od dźwięku przede wszystkim. Z tego punktu widzenia muzyka akademicka – czy to kameralna, czy orkiestra symfoniczna – wyróżnia się szczególnymi barwami i możliwościami brzmieniowymi. Wyznaczyłam sobie pole działania i mogę powiedzieć: wszystko, co ostatnio zrobiłam, jest wewnętrznie powiązane, we wszystkich moich pracach jest wiele wspólnego. Po prostu używam różnych środków do realizacji moich pomysłów.

W ciągu ostatnich 30 lat wielokrotnie powracał Pan do idei syntezy jazzu z muzyką akademicką – czy wiąże się to z jakimś rytmem życia, wewnętrznym poczuciem upływu czasu?

Nie sądzę. Kiedy myślę o muzyce lub coś o niej czytam, często wydaje mi się, że konstrukcje i schematy związane z czasem, z procesem historii zawierają zbyt duże prawdopodobieństwo błędu. Wydaje mi się, że jest łatwiej. Pracuję z klasycznymi składami, kiedy jestem zainteresowany i kiedy jest ku temu okazja.

Jedna z twoich słynnych płyt (" Szalony Kapelusznik”) jest dźwiękowym odpowiednikiem opowieści o Alicji w Krainie Czarów. Czy jest jakaś literacka podstawa dla innych dzieł?

Myślę, że " Szalony Kapelusznik” jest raczej wyjątkiem od reguły i nie próbowałem dosłownie podążać za fabułami zapożyczonymi od Lewisa Carrolla. To samo można powiedzieć o albumie” Moje hiszpańskie serce”, w którym często próbują znaleźć taki lub inny pomysł na program. Nie ma dosłownych paraleli z dziełami literackimi, ale zawsze interesowałam się kulturą hiszpańską - poezją, malarstwem - i to wszystko mogło mieć wpływ na moją twórczość.

Wszyscy znają Cię jako jednego z pionierów syntezy jazzu i rocka. Co myślisz o tym, co dzieje się dzisiaj w muzyce rockowej, popowej i tanecznej?

Nadal z zainteresowaniem śledzę to, co dzieje się w tej dziedzinie. Tutaj jak zawsze jest mnóstwo kreatywnych ludzi, którzy cały czas wymyślają coś niezwykłego. Nie wstydzę się od nich uczyć, zawsze staram się zrozumieć, co mają do powiedzenia i jestem wdzięczna za świeże pomysły tych, którzy dziś nagrywają elektroniczną muzykę taneczną. Niestety muzycy jazzowi często zachowują się arogancko i uważają muzykę pop za sztukę drugorzędną. To im tylko szkodzi. Dzielenie się pomysłami i zwracanie bacznej uwagi na to, co robią „sąsiedzi”, przynosi muzykom tylko pożytek.

W pierwszej połowie lat 80. występowałeś już w Rosji w duecie z wibrafonistą Garym Burtonem. Jakie wrażenia pozostawiła ta podróż, którego z naszych muzyków pamiętasz wtedy?

Tak, oczywiście pamiętam te wycieczki, było wiele różnych wrażeń. Spośród rosyjskich muzyków szczególnie polubiłem wtedy pianistę Nikołaj Lewinowski Grałem z nim jam session i poznałem jego rodzinę. W Petersburgu spotkałem się też z Igor Butman oraz z kilkoma innymi znakomitymi muzykami - niestety nie pamiętam ich nazwisk. Ale ogólnie bardziej znam tych Rosjan, którzy na stałe mieszkają w Nowym Jorku lub często przyjeżdżają do Ameryki. A w samej Rosji bardziej uderzyły mnie nie muzycy, ale publiczność, bo zainteresowanie moimi występami było bardzo duże. Wydawało mi się, że Rosjanie bardzo lubią jazz.

Wszyscy znają Cię jako jednego z najbardziej technicznych wirtuozów współczesnego jazzu. Co sądzisz o tych muzykach, którzy są mniej przygotowani technicznie, ale mimo to starają się utorować sobie drogę w sztuce?

Nie wiem, niestety lub na szczęście, ale bardzo mnie to interesuje. Co więcej, zdałem sobie sprawę, że nieczęsto muzykom udaje się dokonać przełomu niezbędnego do tego, by muzyka stała się naprawdę wolna. I to nie zależy od technologii ani od edukacji. Bycie świadkiem takiego wydarzenia jest zawsze interesujące i ekscytujące. Ale niestety nie ma czasu na ich poszukiwanie.

Czy udaje Ci się znaleźć czas na realizację nowych projektów i pomysłów?

Niestety to nie tylko kwestia czasu. Wiele zależy od pieniędzy. Muzykom trzeba zapłacić, duże wydatki wiążą się z wycieczkami, z zaproszeniem artystów z różnych krajów. Nie mam swobody rozwiązywania tych problemów - nie piszę muzyki do filmów (wielu na tym dobrze zarabia), nie promuję projektów komercyjnych. Dlatego każdy pomysł, zwłaszcza jeśli jego realizacja wiąże się z udziałem dużej liczby osób, wymaga wsparcia finansowego, a ja sam nie mam wystarczających środków. Im większy zespół, tym droższa przyjemność pracy z nim.

Co cię w muzyce pociąga przede wszystkim – umiejętność mówienia o poważnych rzeczach, odzwierciedlenie wzniosłych aspektów życia, czy odwrotnie – dowcip i ironia?

Wydaje mi się, że nie trzeba skupiać się na wyborze między tymi stanami. Ironia, podobnie jak poważny stosunek do życia, jest raczej konsekwencją ogromu pracy, rezultatem. Każdy stan emocjonalny (a muzyka może wyrażać bardzo szeroki zakres ludzkich doświadczeń) zależy od tego, jak szczerze komunikują się muzycy. Bardzo ważny jest również kontakt z publicznością, czasem bardzo trudno go nawiązać. Jeśli na koncercie panuje duch komunikacji, muzyka może głęboko oddziaływać zarówno na słuchaczy, jak i na samych wykonawców.

A co dziś cenisz – twórczą wolność czy dyscyplinę, porządek?

Nie sądzę, że „wolność” i „porządek” powinny być w ogóle traktowane jako para przeciwieństw. Brak „wolności” oznacza raczej „niewolnictwo”, a „porządek” przeciwstawia się „chaosowi”. Wolność i dyscyplina nigdy nie kolidują ze sobą. Być wolnym oznacza mieć zdolność samodzielnego i odpowiedzialnego podejmowania decyzji, wybierać. Aby to osiągnąć, często musisz się zmusić i zrobić coś wbrew swojej woli.

Byłeś jednym z pierwszych, którzy wprowadzili do jazzu syntezatory i inną elektronikę. Jednak ostatnio częściej występowałeś z programami akustycznymi, chociaż technika ta stała się znacznie doskonalsza niż w czasach Wróć na zawsze. Czy to oznacza, że ​​jesteś rozczarowany elektroniką i uważasz, że nie nadaje się ona do muzyki jazzowej?

Nie, nie mam nic przeciwko elektronice, po prostu wydaje mi się, że cała ta technologia jest o wiele bardziej przydatna w domu niż na scenie. Używam wielu urządzeń i urządzeń - ułatwiają mi pracę z partyturą, ale na scenę zabieram tylko fortepian Fendera. Nie dlatego, że mnie to nie interesuje – to po prostu wiąże się ze zbyt wieloma dodatkowymi trudnościami technicznymi, przede wszystkim ze strojeniem dźwięku i koordynacją wykonawców.

WIDEO: Chick Corea w nowym składzie Return to Forever na Montreux Festival, Szwajcaria, 2008 – „Hymn of the Seventh Galaxy”
Chick Corea - klawisze elektroniczne, Al DiMeola - gitara, Stanley Clarke - gitara basowa, Lenny White - perkusja

Chick Corea to jedna z najbardziej kultowych postaci jazzowych ostatnich dekad. Niezadowolony z osiągniętych wyników, Coria jest zawsze całkowicie zafascynowany kilkoma projektami muzycznymi jednocześnie, a jego muzyczna ciekawość nigdy nie zna granic. Pianista-wirtuoz, który wraz z Herbie Hancockiem i Keithem Jarrettem był jednym z czołowych stylistów, zaraz po Billu Evansie i McCoyu Tynerze, Corea jest także jednym z niewielu „klawiszowców elektronicznych”, który ma oryginalny i rozpoznawalny styl gry. Ponadto jest autorem kilku klasycznych standardów jazzowych, takich jak „Spain”, „La Fiesta” i „Windows”.

Corea zaczął grać na pianinie, gdy miał zaledwie 4 lata, a podczas kształtowania się jego muzycznych upodobań, Horace Silver i Bud Powell byli jego głównymi inspiracjami. Poważne doświadczenie muzyczne zdobył grając w orkiestrach Mongo Santamaria i Willy Bobo, Blue Mitchell, Herbie Mann i Stan Getz.

Jego debiutanckie nagranie jako lidera zespołu to „Tones For Joan's Bones” z 1966 roku, a album „Now He Sings, Now He Sobs”, nagrany jako trio z Miroslavem Vitusem i Royem Haynesem w 1968 roku, uznawany jest przez krytyków muzycznych za światowy klasyka jazzu.

Po krótkim pobycie z Sarah Vaughn, Corea dołączyła do Milesa Davisa jako następca Hancocka w orkiestrze i pozostała z Milesem podczas niezwykle ważnego okresu przejściowego 1968-70. Występował w imponujących pracach Milesa, takich jak Filles De Kilimanjaro, In A Silent Way, Bitches Brew.

W ramach Circle z Anthonym Braxtonem, Davem Hollandem i Barrym Eltchulem zaczął grać awangardowy jazz akustyczny po odejściu z Davisa. A pod koniec 1971 ponownie zmienił kierunek.

Po opuszczeniu projektu Circle Corea krótko grała ze Stanem Getzem, a następnie założyła Return To Forever ze Stanleyem Clarke'em, Joe Farrellem, Airto i Florą Purim, która zadebiutowała w brazylijskiej tradycji melodycznej. W ciągu roku Corea, wraz z Clarke'em, Billem Connorsem i Lennym Whitem, próbowała przekształcić Return To Forever w czołowy wysokoenergetyczny zespół fusion; w 1974 Connors został zastąpiony przez Al DiMeola. W czasach, gdy muzyka była zorientowana na rock i wykorzystywała improwizacje jazzowe, Corea pozostawała dość rozpoznawalna nawet pod zasłoną elektronicznego brzmienia.

Po rozpadzie grupy pod koniec lat 70. Corea i Clark grali w różnych orkiestrach, nadając tym grupom szczególne znaczenie. W ciągu następnych kilku lat Corea skupiła się głównie na dźwiękach akustycznych i pojawiła się publicznie albo z duetem Gary Burton i Herbie Hancock, albo w kwartecie Michaela Breckera, a nawet wykonywała klasyczną muzykę klasyczną.

W 1985 roku Chick Corea założył nowy zespół fusion, The Electric Band, w skład którego weszli basista John Patituchi, gitarzysta Frank Gembale, saksofonista Eric Marienthal i perkusista Dave Weakle. Kilka lat później zainicjował swoje "Akustyczne Trio" z Patituchi i Wickle.

W latach 1996-97 Corea koncertowała z kwintetem gwiazd, w tym Kennym Garrettem i Vallacey Roney, którzy wykonywali współczesne wersje kompozycji Buda Powella i Theloniousa Monka.

Obecnie gra muzykę, która w mistrzowski sposób przeplata złożone pasaże aranżacji z solówkami fusion. Przywraca jazzowi dawną siłę, a każdy etap jego twórczego rozwoju jest pięknie reprezentowany przez jego płyty.