Praca na skalach, skalach fortepianowych. Program edukacyjny na instrumencie muzycznym „Rekordowy flet” na Wydziale Sztuki Muzycznej (cykl przygotowawczy) Typowe błędy palcowe dla początkujących flecistów

W pierwszej lekcji samouczka Rejestrator dla początkujących szczegółowo omówiliśmy podstawy rejestratora i jesteś gotowy, aby chwycić swój rejestrator i go kopnąć. Chwalebny! A zanim weźmiemy rejestrator do ręki, policzmy palce u rąk.

Nie zrobimy nic nadprzyrodzonego. Na dłoniach nadal będzie dziesięć palców.
Ale podamy im liczby jak na rysunku:

numeracja palców do lokalizacji na rurze

Na stronie Svirelka będziemy trzymać się tej numeracji palców, ponieważ Svirelka nadaje się do nauki gry na różnych fletach podłużnych. A grając na tych fletach, zaangażowana jest inna liczba palców. Na przykład na flecie prostym gra się dziewięcioma palcami - mały palec lewej ręki (piąty palec) nie uczestniczy w grze. Na dyszy chromatycznej zaangażowane są wszystkie dziesięć palców. Generalnie ponumerowaliśmy palce i teraz bierzemy do ręki dyktafon.

Rejestrator dla początkujących. Pozycja dłoni

Lewa ręka znajduje się na górze, prawa ręka poniżej (o ile nie wskazano inaczej, wtedy wszystkie flety podłużne bierzemy w ten sposób):

ręce na dyktafonie

Kładziemy palce na rejestratorze:

• Pierwszym palcem zamknij jedyny otwór na dole rejestratora.
• Drugi, trzeci i czwarty palec znajdują się na trzech górnych otworach.
• Piąty palec spoczywa zawsze, gdy grasz na flecie prostym.
• Szósty palec podtrzymuje rejestrator od dołu. Wprawdzie nie dostał dziury, ale bez niego rejestrator miałby niestabilną pozycję lub w ogóle wypadłby mu z rąk…
• Siódmy, ósmy, dziewiąty i dziesiąty palec zakrywają pozostałe cztery otwory rejestratora.

W niektórych rejestratorach dwa dolne otwory są podwojone. Oznacza to, że zamiast jednego otworu na dziewiąty i dziesiąty palec wykonuje się dwa otwory o różnych średnicach. To dobrze! Wszystkie szczelnie zamykamy, jak pokazano na rysunku:

położenie palców na rejestratorze

Zwróć uwagę na pozycję łokci. Rozstawiamy łokcie na boki, nie uciskamy ich, odsuwamy je od ciała, abyś mógł swobodnie poruszać rękami podczas grania na flecie prostym.

Teraz ważne informacje dla działu „rejestrator dla początkujących”!

Zamknij otwory w rejestratorze za pomocą podkładek nieznacznie zgięte palce. Nie ma potrzeby wkładania palców w „młotki” jak w klawisze fortepianu. Na flecie prostym palce. Więc rozciągnij palce! I bez napięcia. Trzymaj palce wolne. Najważniejsze jest całkowite zamknięcie dziury. Jeśli otwór nie zostanie szczelnie zamknięty palcem, powietrze dostanie się do otworu i zmieni się dźwięk rejestratora. Usłyszysz to natychmiast. Nawiasem mówiąc, nawet jeśli naciskasz na otwory rejestratora całym narkotykiem, ale jednocześnie dziury nie są całkowicie zamknięte, gra nie zadziała. Dlatego przeczytaj jeszcze raz ten akapit i zrozum – trzymamy palce swobodnie, lekko zginamy się i szczelnie zamykamy „padami” otwory nutowe fletu prostego.

Nie ma trudności z zamknięciem otworów na rurze.

Wszystko czego potrzebujesz to trening. Koordynacja treningu oddechowego i palców. Oddychanie płynne, palce lekko zgięte (wyprostowane) szczelnie zamknij otwory bez napięcia. W chwilach, gdy palce zamykają lub otwierają dziury, oddech zatrzymuje się. W przeciwnym razie notatki zostaną rozmazane. Rozlegnie się nieprzyjemny syk/gwizd.

Właściwie dłużej to wyjaśniać. Na pierwszej lekcji naszego samouczka pokazano film, na którym można było zobaczyć prawidłowe ułożenie palców młodego fletu prostego. A teraz spójrz, jak robi to profesjonalny dyktafon. Obejrzyj wpis do końca. Ona jest niska. Cała uwaga skupiona jest na palcach rejestratora i jego ustach. Zobacz, jak układa palce i jak wdycha powietrze podczas przerw:

Jeśli rozumiesz, jak prawidłowo położyć palce na dyktafonie, umieść coś takiego:

Podnieś fajkę i zacznij ćwiczyć. Od najprostszych melodii. „Svirelka” jest tu po prostu niezastąpiona.

I pamiętaj, że palce na rejestratorze są umieszczone tak:

palce na otworze rejestratora

Na flecie prostym, na sopilce, na flecie i na innych fletach podłużnych tak kładziemy palce!
Zwróć uwagę na kciuki. Jeżeli znajdują się na otworach nutowych fletu prostego, to również umieszcza się je bezpośrednio (pod kątem 45 stopni), a nie „młotkiem”. Hammer na dyktafonie, w grze zawsze jest małżeństwo!

Bez wyjątku wszyscy profesjonalni muzycy grają na gamach. Jest zawsze. Ty też. Nawet jeśli czujesz, że grasz perfekcyjnie na flecie prostym, graj dalej na skalach. Zarówno diatoniczne, jak i chromatyczne. Koniecznie!

Podsumowanie lekcji rejestrator dla początkujących»:
1. Palce są swobodnie ułożone z nakładkami na otworach rejestratora, całkowicie je zakrywając.
2. Regularnie (lepiej każdego dnia) graj w skale, nawet jeśli wydaje Ci się, że rejestrator dla początkujących to już przeszłość. Notatki z łusek można znaleźć na stronie internetowej Svirelka.

Dla najbardziej niecierpliwych, którzy chcą pograć na flecie prostym, od razu obejrzyj lekcję z projektu „Music for All” z Jakucji. Ta lekcja pokazuje, jak trzymać dyktafon i tworzyć z niego muzyczne dźwięki. Lekcja prowadzona przez Lenę: Dzięki Leno! Czekamy na nowe lekcje! Zwróć uwagę, że na filmie palce, które nie zakrywają otworów w rejestratorze, są mocno uniesione nad instrumentem. Tutaj jest całkiem do przyjęcia, aby lepiej zobaczyć pozycję tych palców, które biorą udział w grze. Ty w nauce i w przyszłości podczas zabawy musisz stosować się do tej metody – palce znajdują się nad ich otworami i są tylko nieznacznie uniesione nad nimi. A jednak wideo pokazuje pierwsze nuty na rejestratorze. To trochę wyprzedza nasz samouczek, ale możesz spróbować w nie zagrać. Są proste. Osiągniesz sukces!

Teraz zaczynamy wydobywać z rejestratora pierwsze dźwięki.

Idź do strony:

Lekcja 3

Muzyczna pauza.

Petya ma 4 lata. Szukaj inspiracji. Rejestrator dla początkujących:

Idź do strony:

Lekcja 3

Rejestrator dla początkujących

Zostaw swój komentarz:

Lekcja 2 : 19 komentarzy

1. Natalia

   Witam, proszę o podanie modelu instrumentu dla dziewczynki, leworęcznej, 7 lat, dopiero zaczynam

2. Dmitrij

   Chciałbym nauczyć się grać na instrumentach dętych, przynajmniej na poziomie początkującego.
   Nie wiedziałem, jak się zabrać. Podręcznik do samodzielnej obsługi dla początkujących to wszystko!

3. Bazylia

   Czy masz podobny program do nauki gry na flecie Pan?

4. Olga

   Zaczęliśmy korzystać z programu.
   Generalnie dziecko (6 lat) uczy się grać, a jednocześnie ja (matka). Gramy na flecie sopranowym (nie barokowym), jeśli się niczego nie mylę.
   Program bardzo mi się podobał, najpierw dziecko po prostu grało nuty, potem w wolnym tempie włączało występ w programie, teraz szlifujemy swoje umiejętności i stopniowo zwiększamy tempo. Bardzo bardzo fajne.

Historia powstania instrumentu.

Flet jest jednym z najstarszych instrumentów dętych. W starożytności termin „flet” oznaczał większość instrumentów dętych, ale prawie wszystkie te instrumenty nie były spokrewnione z fletem, który widzimy dzisiaj. Mniej odległym poprzednikiem „fletu z czubkiem” (fletu podłużnego) był flageolet – prosta rura z niewielką liczbą zaworów.

Zakłada się, że kolebką fletu poprzecznego jest Azja. W średniowieczu flet przeniknął na zachód, gdzie rozprzestrzenił się wszędzie. Początkowo miała postać kawałka trzciny, wyposażonej w sześć otworów dźwiękowych i jeden do wdmuchiwania.

W tej formie jest bardzo popularny w Niemczech, gdzie jest stopniowo przekształcany i we wszystkich językach europejskich nazywany jest „niemieckim fletem”. Flet zyskuje sławę jako niezależny instrument koncertowy we Francji, gdzie lokalni muzycy zamieniają go w instrument prawdziwie orkiestrowy wraz z fletem prostym.

Stary niemiecki flet miał dość imponującą objętość, obejmującą wszystkie luki chromatyczne dwie i pół oktawy – od D do tercji. Najniższy dźwięk tego fletu uzyskano poprzez potrząsanie całym słupem powietrza zawartym w tubie instrumentu, podczas gdy wszystkie kolejne, w obrębie dolnej oktawy chromatycznej, powstawały poprzez jej stopniowe skracanie. W ten sposób wszystkie dźwięki, które były częścią skali diatonicznej D-dur, odpowiadały głównym otworom lub otworom starego niemieckiego fletu, a wszystkie pośrednie (chromatyczne) stopnie były uzyskiwane przy użyciu widelca lub „rozwidlonego uchwytu”. Przy tej metodzie wydobywania dźwięku te pośrednie stopnie nie wychodziły zbyt czysto i wkrótce wykonano dla nich osobne otwory, przykryte zaworami.

Nową podstawę urządzenia fletu po raz pierwszy opracował William Gordon (1791-1839), Szkot, oficer gwardii szwajcarskiej króla Francji Karola 10. Po obaleniu króla i rozwiązaniu gwardii Gordon całkowicie poświęcił się ulepszaniu fletu, ale nie miał czasu na dokończenie swojego pomysłu.

Z jego pracy skorzystał Theobald Boehm (1794-1881). W 1832 zaprojektował flet stożkowy z otwartymi zaworami. Ten model instrumentu odniósł sukces we Francji i Anglii, ale nadal nie był doskonały. Ciągłe eksperymenty doprowadziły do ​​powstania w 1847 r. cylindrycznej konstrukcji fletu, która jest używana do dziś. Bem opracował również system zaworów, osiągnął poprawę jakości dźwięku instrumentu i rozszerzył zakres. Teraz flet zaczął brzmieć w granicach 3 oktaw.

W przybliżeniu w tej samej formie flet istnieje do dziś.

Pierwsze lekcje gry na flecie. Ustawienie aparatu wykonawczego.

Nowoczesny flet składa się z trzech części:

• górna część nazywana jest „głową”;
• środek - „ciało”;
• niższy - „kolano”.

Flet waha się od do(c) lub si(h) pierwszej oktawy do do(c) czwartej, doświadczeni fleciści mogą grać nuty do mi(e) czwartej oktawy, ale są one dość trudne do zagrania i mają ostry, przeszywający dźwięk.

Obecnie flet jest jednym z najpopularniejszych instrumentów dętych, szczególnie popularnym wśród dzieci i rodziców. Teraz dzieci zaczynają grać na flecie dość wcześnie, w wieku 7-10 lat. Przez te lata ciało dziecka jest jeszcze słabe i nieuformowane, nie wzmocniło układu mięśniowego. Dlatego bardzo ważne jest, aby pierwsze kroki dziecka na flecie traktować ze szczególną troską i uwagą.

Mięśnie oddechowe, wargi, język, palce, brane same, nie są jeszcze aparatem wykonawczym. Stają się takimi dopiero w wyniku opanowania umiejętności wykonawczych. Aby to zrobić, muszą zjednoczyć się w jeden kompleks zwany aparatem napędowym. Aparat ruchowy jest instrumentem ludzkiej świadomości, jego kontynuacją. Niemożliwe jest pełne rozwinięcie cech wykonawczych aparatu ruchowego bez rozwinięcia przede wszystkim muzycznego myślenia samego wykonawcy.

Aparat wykonawczy to układ odpowiednich narządów ruchu człowieka, wyposażony w umiejętności wykonawcze i będący funkcjonalnym narządem świadomości muzycznej. Aparat wykonawczy składa się z następujących elementów:

1. Myślenie muzyczne.
2. Wrażenia słuchowe i ruchowe.
3. Aparatura napędowa.
4. Wykonywanie oddechu.
5. Praca z ustami.
6. Artykulacja języka.
7. Koordynacja palców.

Głównym zadaniem nauczyciela jest wprowadzenie małego ucznia w świat muzyki i zapoznanie go z instrumentem tak, aby dziecko nie odczuwało dyskomfortu, ucisku i niedogodności. Bardzo ważne jest, aby nie zapomnieć o głównej zasadzie, o której pisał Peter-Lukas Graf: „Flet to tylko jedna część twojego instrumentu. Kiedy grasz na flecie, twoje ciało jest również zaangażowane (narządy oddechowe, usta, język, gardło, ręce).”

Jak więc podejść do ekstrakcji pierwszego dźwięku?

Ciało wykonawcy jest równie ważnym instrumentem jak flet. To właśnie definiuje właściwy, piękny dźwięk. Za dobre wydobycie dźwięku odpowiada pozycja ciała, poduszki oddechowe i nauszne.

Przed wydobyciem dźwięku konieczne jest przygotowanie ciała do lekcji. Do prawidłowego funkcjonowania aparatu wykonującego należy zadbać o to, aby ciężar rozkładał się równomiernie na obie nogi, plecy były wyprostowane. Równa postawa powinna być pod szczególną kontrolą, pochylenie przeszkadza w prawidłowym oddychaniu, prowadzi do ucisku. Małemu dziecku trudno jest panować nad swoim ciałem, grając na instrumencie można wyprostować kręgosłup, opierając plecy o ścianę.

Prawidłowa pozycja ciała jest najważniejszym warunkiem dobrej kontroli oddechu, jest podstawą prawidłowego ustawienia, ma ogromny wpływ na wszystkie obszary produkcji dźwięku.

Aby ramiona, ramiona i oddech pozostały wolne, musisz przestrzegać kilku zasad:

1. Nogi powinny być rozstawione na szerokość barków, ale w taki sposób, aby lewa noga była lekko wysunięta do przodu.
2. Spojrzenie powinno być skierowane przed siebie.
3. Głowa swobodnie balansuje na grzbiecie.
4. Szyja jest wolna.
5. Kolana lekko sprężyste.

Najważniejsze, że ciało dziecka znajduje się w naturalnej pozycji.

Przed podaniem dziecku instrumentu należy wytłumaczyć mu zasady oddychania, wykonać kilka ćwiczeń, gdyż kontrola równomiernego przepływu powietrza jest bardzo ważna dla prawidłowego wydobycia dźwięku.

Grając na wszystkich instrumentach dętych, wykonawca musi używać oddechu piersiowo-brzusznego (mieszanego). Tylko przy oddychaniu mieszanym możliwe jest maksymalne wykorzystanie wszystkich mięśni oddechowych, które przyczyniają się do realizacji pełnego, głębokiego oddechu i długiego, aktywnie kontrolowanego wydechu, który jest jednym z głównych warunków powstawania i przewodzenia dźwięku. Niewłaściwa praca mięśni wpływa na dźwięk i jego przebieg. W wykonywaniu oddechu zaangażowane są zewnętrzne mięśnie międzyżebrowe i przepona. Naukę kontrolowania oddechu należy najpierw przeprowadzić bez przyrządu.

J. Dołżikow. Metodologia. 1. Technika wykonywania oddychania. Wydawnictwo "DEKA-VS". Moskwa 2004.

Przede wszystkim musisz nauczyć się oddychać w trzech krokach: kładąc rękę na brzuchu, wypełniając dolną część płuc, czując, jak odpychają się mięśnie brzucha. Następnie wypełnij środkową część powietrzem, rozszerzając żebra. I na koniec wypełnij górną część płuc, przesuwając do przodu górną część klatki piersiowej. W takim przypadku musisz upewnić się, że ramiona się nie podnoszą. Dziecko musi nauczyć się brać taki oddech powoli i nieprzerwanie, wyczuwając równomierny rozkład powietrza we wszystkich częściach płuc.

Aby zasady oddychania były bardziej zrozumiałe dla małego ucznia, należy zwrócić dużą uwagę nie tylko na prawidłowy wdech, ale także na wydech. Długi, przedłużony wydech należy opanować w ćwiczeniach wizualnych, które pozwalają kontrolować strumień powietrza. Oto niektóre z nich:

1. Połóż na stole kawałek waty i dmuchaj tak, aby poruszał się po stole w różnych kierunkach. Będzie to wymagało za każdym razem innej energii powietrza.
2. Całkowicie wydychaj całe powietrze, poczekaj kilka sekund, aż samo ciało każe ci wdychać. Wdychanie powinno być powolne, jak opisano powyżej. Następnie powoli wydychaj powietrze, nasłuchując, czy dźwięk powietrza będzie równy.
3. Weź głęboki oddech i zatrzymaj powietrze w płucach na kilka sekund. Następnie zaginając usta jak do gwizdka (wymawiając literę „u”), mocno wypuść strumień powietrza na dłoń, nie nadymając policzków. Dłoń jest potrzebna, aby wyczuć wdmuchiwany strumień powietrza, kontrolować jego równomierność.
4. Weź cienką papierową chusteczkę i przymocuj ją do ściany. Weź też głęboki wdech i zagnij usta, aby chusteczka zagwizdała, tak aby strumień powietrza jak najdłużej przytrzymał chusteczkę przy ścianie.

Podobne doznania czekają na dziecko podczas gry na flecie.

Po opanowaniu ustawienia ciała i podstaw oddychania klatką piersiową, powinieneś zacząć ustawiać zadęcie.

Dmuchając w papierową chusteczkę, zaczęliśmy więc już przygotowywać nauszniki.

Usta są najważniejszym organem wykonawczym podczas gry na flecie. Barwa instrumentu, pełnia i głębia dźwięku zależą od prawidłowego ustawienia zadęcia.

Bezpośrednio przed wydobyciem pierwszych dźwięków należy wytłumaczyć uczniowi jak prawidłowo uformować strumień powietrza.

Jednym z głównych zadań zadęcia jest stworzenie takiej szczeliny w ustach, przez którą powietrze skutecznie wnikałoby do fletu. Oto kilka prostych zasad, których należy przestrzegać, aby prawidłowo wyodrębnić dźwięk:

1. Szczęka powinna być lekko opuszczona w odległości od przygryzionego małego palca.
2. Wargi wymawiają literę „u”, podczas gdy składają się niejako w mały pień.
3. Górna warga kieruje strumień powietrza na zewnętrzną krawędź wlotu.
4. Usta są wolne, łatwo dotykają instrumentu.

Strumień powietrza powinien przypominać strumień wydmuchiwany ze słomy. Jako ilustracyjny przykład możesz poprosić ucznia, aby dmuchał przez słomkę na swojej ręce, a następnie, z tymi samymi odczuciami, dmuchał bez niej.

Ruch żuchwy może zmienić kierunek strumienia powietrza, ale szczelina w wargach musi zachować swój kształt.

Możesz zaprosić dziecko do dmuchania na rękę, zmieniając kierunek strumienia (góra, dół). W takim przypadku musisz kontrolować równomierny przepływ powietrza.

W końcu dotarliśmy do samej ekstrakcji dźwięku.

W żadnym wypadku uczeń nie powinien otrzymać od razu całego instrumentu. Dziecko może być zdezorientowane, będzie mu bardzo trudno zapanować nad wszystkimi doznaniami, śledzić prawidłową pozycję ciała, rąk, ust i oddychanie.

Głowę, a raczej wewnętrzną krawędź otworu „gąbek” nakłada się na tak zwaną linię między brodą a wargą. Otwór powinien znajdować się na środku wargi, czyli pod czubkiem nosa. Otwór powinien być w około 1/3 zamknięty, a 2/3 pozostawiony otwarty, aby wypełnić powietrzem wychodzącym z wlotu.

Po wszystkich opisanych powyżej przygotowaniach powinieneś spróbować zrobić dźwięk na głowie. Używając prawidłowego wdechu i wydechu, powinieneś starać się wydać długi, równy dźwięk. Z reguły nie każdemu udaje się wydobyć pierwszy dźwięk za pierwszym razem, czasami zajmuje to kilka lekcji.

Aby bawić się na głowie i nauczyć się wydawać wyraźne dźwięki, było to dla dziecka bardziej zabawne, można dodać do lekcji elementy gry. Na przykład, stukając palcem wskazującym w otwór tuby, możesz naśladować „krzyk Indianina”. A jeśli przesuniesz palcem wewnątrz tuby, możesz zmienić wysokość dźwięku, nastąpi imitacja syreny, lub jeśli całkowicie zamkniesz otwór tuby dłonią prawej ręki, dostaniesz niski stłumiony dźwięk.

Dopiero gdy dziecko opanuje wszystkie powyższe techniki, a granie na flecie będzie dla niego łatwe, a dźwięk będzie czysty, bez kolca można przystąpić do artykulacji.

Najbardziej znane i rozpowszechnione w praktyce wykonawczej sylaby artykulacji to: tu, ta, te, ti, du, tak, du, de. Na początkowym etapie lepiej użyć jednego i drugiego. Możesz nauczyć się grać proste piosenki na jednym dźwięku (na przykład „Andrzej jest wróblem”) lub zmieniając tonację dłonią, odtwarzać utwory na dwóch dźwiękach (na przykład „Kukułka”).

Po tym, jak dziecko opanuje wszystkie powyższe, możesz zacząć ćwiczyć na całym, złożonym flecie.

Aby uczeń mógł opanować podstawy prawidłowej inscenizacji, lepiej ćwiczyć przed lustrem.

Główna zasada prawidłowego ułożenia rąk podczas gry opiera się na równowadze. Aby ciało ucznia nie było zaciśnięte, ramiona, łokcie, barki i usta pozostały wolne, należy pamiętać o punktach odniesienia fletu (miejscach, na których flet się opiera).

Głównym punktem odniesienia jest palec wskazujący lewej ręki. Prawidłowe ułożenie palca i ustawienie ręki pozwoli racjonalnie rozłożyć siłę lewej ręki do podparcia fletu.

Palec wskazujący powinien wyglądać jak angielska litera „S” i lekko podstawiony pod flet, powinien opierać się o korpus fletu bokiem, a nie wnętrzem.

Kciuk lewej dłoni jest swobodnie wyprostowany, pozostałe palce lewej dłoni są zaokrąglone i znajdują się blisko zaworów.

Kolejnym punktem odniesienia jest kciuk prawej ręki. Powinien znajdować się w pozycji wyprostowanej mniej więcej pod palcem wskazującym, podczas gdy powinien być umieszczony nieco za rurką fletu. Funkcją kciuka jest podtrzymywanie fletu od dołu. Pozostałe palce prawej ręki powinny być lekko zaokrąglone i blisko zaworów. Podczas ustawiania rąk głównym zadaniem nauczyciela jest upewnienie się, że uczeń nie naciska palcami na zawory i nie ściska sobie rąk. Znalezienie dobrej i wygodnej pozycji ręki na wczesnych etapach gry na flecie nie jest łatwym zadaniem. Dopiero gdy pozycja ciała, głowy, szyi i rąk będzie w równowadze, flet nie ześlizgnie się z brody, a palce pozostaną wolne.

Teraz możesz stopniowo uczyć się nut i piosenek. Najważniejsze to kontynuować pracę nad wzmocnieniem oddechu, zadęciem i rozwijaniem płynności palców. Na początkowym etapie szkolenia nie należy spieszyć się z komplikowaniem badanego materiału, obciążenie powinno mieścić się w mocy małego ucznia.

Gra na instrumencie dętym wymaga dobrej koordynacji, jednoczesnej pracy oddechu, języka, palców, zadęcia.

Musisz również być sprawny fizycznie, aby korzystać z instrumentu. Aby zajęcia były bardziej produktywne, dziecko musi angażować się w wychowanie fizyczne. Basen doskonale nadaje się do rozwoju narządów oddechowych, mięśni i postawy.

Z punktu widzenia szkolenia praca aparatu wykonawczego przedstawia się następująco:

1. Nauczyciel w trakcie zajęć wykonuje od ucznia celowe ruchy, oparte na własnych wyobrażeniach na temat charakteru brzmienia instrumentu i związanych z nim wysiłków mięśniowych. Złożona umiejętność powstaje z odczuć słuchowych i mięśniowych, zdeponowanych w pamięci, umiejętność przekształcana jest w reprezentację.
2. Percepcja figuratywna (wzrokowa lub słuchowa) przywołuje z pamięci odpowiednią reprezentację, która wywołuje uformowaną umiejętność - wydobywanie dźwięku.
3. Dokonuje się analizy słuchowej i motorycznej wydobytego dźwięku i na jej podstawie niezbędnej korekty umiejętności.

Innymi słowy, musisz najpierw wyobrazić sobie graną nutę lub sekwencję, a następnie starannie przygotować aparat wykonawczy i znaleźć odpowiednie odczucia podczas gry. Dopiero wtedy ma obiektywną możliwość wydobycia kontrolowanego dźwięku lub sekwencji.

Praca i rozwój aparatu wykonawczego jest możliwa tylko w całości. Trafna intonacja, swoboda i melodyjność dźwięku to naturalne kryteria jego prawidłowego działania.

Lekcje z młodymi uczniami, ich pierwsza znajomość instrumentu, pierwsze kroki powinny być ciekawe i ekscytujące. Aby praca nad wstępnym stwierdzeniem przebiegała pomyślnie, nauczyciel musi zainteresować ucznia, zniewolić, nie stracić najważniejszej rzeczy na małe rzeczy, znać ścieżkę, po której musi poprowadzić ucznia. Trzeba więc nie tylko wyobrazić sobie efekt końcowy, ale także mocno wiedzieć, jak to osiągnąć.

Używane książki:

1. Rogal-Livitsky "Nowoczesna Orkiestra".
2. Peter-Lukas Graf „20 podstawowych ćwiczeń”.
3. Yuri Dolzhikov „Folder muzyczny flecisty. Notatnik 1. Metodologia, ćwiczenia, studia.
4. Barbara Giesler-Haase „Czarodziejski flet” – technika dla początkujących.

Kamieniewa Tatiana Borisowna
Stanowisko: nauczyciel
Instytucja edukacyjna: MBUDO „Dziecięca Szkoła Muzyczna nr 1 im. M.I. Glinki”
Miejscowość: Smoleńsk
Nazwa materiału: Pomoc nauczania.
Temat: Nauczanie fletu prostego w szkole muzycznej: aktualne problemy i perspektywy.
Data publikacji: 21.09.2016
Rozdział: dodatkowa edukacja

Miejska Budżetowa Instytucja Dokształcająca „Dziecięca Szkoła Muzyczna nr 1 im. M. I. Glinki, Smoleńsk” Nauczanie gry na flecie prostym w szkole muzycznej: aktualne problemy i perspektywy. Pomoc nauczania. Kameneva T. B. nauczyciel, MO instrumenty dęte i perkusyjne, Smoleńsk
Zawartość
Wstęp

Rozdział I

Teoretyczny

Aspekty

nauczanie

rejestratory

Szkoła Muzyczna.
1.1 Powstanie szkoły gry na flecie prostym. 1.2 Formy i metody rozwoju umiejętności muzycznych w nauczaniu flet prosty.
Rozdział II.

Praktyczny

Aspekty

uczenie się

gra

rejestrator

Szkoła Muzyczna
. 2.1 Podstawowe zasady i zasady gry na flecie prostym. 2.2. Perspektywy nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej jako samodzielnego instrumentu.
Wniosek.

Bibliografia.

Wstęp

Znaczenie

Badania
praca ta jest podyktowana współczesnymi obiektywnymi warunkami. Jednym z najważniejszych działów edukacji estetycznej jest edukacja muzyczna, na którą w naszym kraju przywiązuje się dużą wagę. Znaczące miejsce wśród placówek edukacyjnych zajmują dziecięce szkoły muzyczne, które pełnią odpowiedzialną rolę w przygotowaniu uczniów do kontynuacji profesjonalnej edukacji muzycznej w średnich wyspecjalizowanych placówkach edukacyjnych i wnoszą ogromny wkład w sprawę ogólnokształcącej edukacji estetycznej. Głównym zadaniem edukacji elementarnej w dziecięcych szkołach muzycznych jest rozbudzanie w dzieciach zainteresowania muzyką i jej studiowanie, nauczenie języka sztuki muzycznej, rozwijanie smaku artystycznego i twórczej wyobraźni. Bardzo ważne jest podtrzymywanie ciekawości dziecka i żywego zainteresowania lekcjami muzyki, które wykazał, wstępując do dziecięcej szkoły muzycznej. Nauczyciele pracujący z dziećmi powinni czuć szczególną odpowiedzialność wobec swoich uczniów, aby wprowadzać dziecko w nowe i nowe wrażenia muzyczne, zachować dla niego naturalność jego stosunku do wciąż rozszerzającego się świata muzycznego, aby utrzymać w nim aktywne zainteresowanie muzyką . Specyfika instrumentów dętych determinuje nie tylko odmienne warunki nauki gry na tych instrumentach, ale także wiek, a właściwie związany z wiekiem stan zdrowia fizycznego ucznia. Ponieważ wiek chcących grać na instrumentach dętych sięga czasem zaledwie 5-7 lat, wstępne szkolenie na flecie prostym stało się normalną praktyką w szkole muzycznej. Opanowanie „dużego” instrumentu dętego w tym wieku (flet obojowy, fagot, saksofon, trąbka, puzon, tuba itp.) jest zadaniem prawie niewykonalnym ze względu na brak rozwoju fizjologicznego dziecka. Dlatego rejestrator jest wspaniałą alternatywą dla swoich dużych odpowiedników. We współczesnych szkołach muzycznych dziecko zdobywa wiedzę teoretyczną, rozwija się estetycznie, doskonali umiejętności gry na wybranym przez siebie instrumencie muzycznym. Zajęcia na flecie prostym poszerzają horyzonty muzyczne uczniów, przyczyniają się do rozwoju uwagi, pracowitości i głębszego zrozumienia muzyki. Na podstawie 20-letniego doświadczenia (autor niniejszego opracowania) z uczniami dziecięcej szkoły muzycznej można stwierdzić, że uczniowie z podstawowymi umiejętnościami muzycznymi
na pierwszym etapie dość szybko uczą się i całkowicie bezboleśnie przestawiają się na inny instrument dęty, gdzie dalej ćwiczą z powodzeniem iz dużym zainteresowaniem, osiągając wysokie wyniki.
Stopień rozwoju naukowego.
Nowoczesne systemy pedagogiczne obejmują szeroki zakres zagadnień związanych z doskonaleniem instrumentów i akustyczną naturą instrumentów; pojawiają się pytania o interpretację utworu muzycznego; dalsze doskonalenie procesu edukacyjnego; Przedstawiono wyniki dotyczące oddychania i niektóre czynniki procesu wykonawczego zawodnika wiatru. Współczesne badania naukowe wskazują, że rozwój zdolności muzycznych, kształtowanie podstaw kultury muzycznej musi być wpajane już od pierwszych dni pobytu dziecka w szkole muzycznej, a rozwój zdolności muzycznych ma wpływ na ogólny rozwój dziecka: rozwija się sfera emocjonalna, wyobraźnia, wola, fantazja. Obserwując czynności uczniów, które można wykonać na lekcji, wniosek jest taki, że przy tego typu zajęciach daje się duży rezonans ze strony dzieci, a co za tym idzie większą aktywność prowadzącą do lepszego przyswajania materiału lekcji gdzie studenci są bezpośrednimi wykonawcami. To właśnie na zasadzie własnego muzykowania opiera się wiele zachodnich technik. Na przykład system Carl Orff, który ostatnio stał się powszechny w naszym kraju. Problematyka intonacji na instrumentach dętych poruszana jest w pracach N.I. Karaulowski, BA Szestopal i Yu.I. Gritsenko. Artykuły I.F. Pushechnikova, I.P. Mozgovenko. Teorię i metodologię wykonywania umiejętności ujawniają prace naukowe V.M. Kupanowski, A.P. Barantseva i R.A. Maslova (zasady twórcze, metodyczne i pedagogiczne wybitnych muzyków). Główna część koncepcji pedagogicznych dotyczy zagadnień metod nauczania gry na instrumentach dętych na początkowym etapie. Można tu wyróżnić kilka kierunków. To poszukiwanie nowych metod nauczania związanych z doskonaleniem całego procesu edukacyjnego - A. Naydi i M. Shaposhnikov. Badanie czynników procesu wykonawczego za pomocą precyzyjnych metod badawczych
instrumenty - A. Selyanin, B. Pronin i V. Bubnovich, akustyczna natura instrumentu dętego - V. Apatsky. W pracy adiunkta klasy fletu GMPI im. Gnesinykh A. Naydi „Pytania dotyczące nauczania gry na instrumentach dętych drewnianych pokrewnych” bezpośrednio porusza problematykę przygotowania zawodowego wykonawców na instrumentach dętych pokrewnych, aw szczególności na flecie prostym. Wiodący nauczyciele, I. Pushechnikov, I.P. Mozgovenko i inni. Podkreśla się, że proces wykonawczy składa się z wielu elementów i jest uwarunkowany, po pierwsze, istniejącymi metodami nauczania; po drugie stan i doskonalenie narzędzi; po trzecie, ogólna kultura muzyczna wykonawcy, która z kolei zależy od jego wiedzy z zakresu historii i teorii muzyki, estetyki, wzorców percepcji muzyki oraz umiejętności zastosowania nabytej wiedzy w swojej twórczości. Wykonywanie oddechu, jego badanie, etapowanie i rozwój zajmuje poczesne miejsce w badaniach N.N. Sołodujew i B.O. Dikova N.I. Płatonow i Yu.G. Jagudin. Koncepcja pedagogiczna I. Pushechnikova i B. Pronina w początkowym okresie edukacji podzielona jest na dwie sekcje: teoretyczną i metodyczną. Pierwsza część koncepcji uzasadnia potrzebę wprowadzenia fletu prostego do procesu edukacyjnego szkoły muzycznej, jako instrumentu, za pomocą którego można rozwiązać problem wczesnego nauczania dzieci gry na instrumentach dętych drewnianych i blaszanych. W tym sensie flet ma pełnić funkcję instrumentu pośredniego: flet, obój lub flet oktawowy puzon, puzon. Prace tego typu uzupełniają dotychczasowe kursy metod prywatnych i przyczyniają się do powstania pełnoprawnego, kompleksowego kursu ogólnego z metodyki nauczania instrumentów dętych. Jednocześnie przeprowadzona analiza pozwala stwierdzić, że nie podjęto systematycznego podejścia do nauczania metod nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej.
Praktyczny

znaczenie

praca
polega na tym, że opiera się na badaniu rozwoju teoretycznego, metodologicznego, doświadczenia historycznego i narodowego i jest przedmiotem zainteresowania nauczycieli dziecięcych szkół muzycznych i dziecięcych szkół artystycznych.
Cel
uzasadnić konieczność nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej.
Zadania

Zbadanie genezy powstania szkoły gry na flecie prostym; analizować formy i metody rozwijania zdolności muzycznych podczas nauki gry na flecie prostym; opracowanie podstawowych reguł i zasad gry na flecie prostym; określić etapy nauki na rejestratorze; rozważ perspektywę nauczania rejestratora;
Rozdział I. Teoretyczne aspekty nauczania flet prosty

Szkoła Muzyczna.

Powstanie szkoły gry na flecie prostym
. Flet prosty jest rodzajem fletu podłużnego i należy do klasy instrumentów dętych drewnianych i należy do rodziny gwizdków. To naprawdę jeden z instrumentów, których łatwo nauczyć się grać nawet w wieku 4-5 lat i grać najprostsze melodie. z tyłu działa jak zawór oktawowy, to znaczy z jego pomocą dźwięk podnosi się o oktawę. Powstawanie dźwięku następuje w ustniku, który jest nieruchomy i znajduje się na końcu fletu. Flet prosty należy do instrumentów skali diatonicznej, ale dzięki zastosowaniu palcowania „widełkowego” i dmuchania system można rozszerzyć na chromatyczny. Palcowania "widelkowe" pozwalają uzyskać pożądane półtony za pomocą pół-zamkniętych otworów. Skala chromatyczna - „zbiór dźwięków ułożonych sekwencyjnie w półtonach (w porządku rosnącym lub malejącym) w ramach dostępnego zakresu instrumentu. Grając na flecie prostym ze skalą chromatyczną, muzyk ma większe możliwości kreatywności dzięki szerszej palecie dźwięków. Oczywiście początkowo rejestrator nie był plastikowy. Choćby dlatego, że w momencie jego wynalezienia po prostu nie wiedzieli o takim materiale. Autentyczny flet prosty to instrument drewniany. Nowoczesne dyktafony są zwykle wykonane z drewna lub plastiku. Istnieją również opcje łączone: główna część instrumentu wykonana jest z drewna, a ustnik z tworzywa sztucznego. Od czasów baroku flety wykonywane ręcznie z mahoniu, palisandru czy bukszpanu uważane są za jedne z najlepszych. Prostsze opcje to rejestratory klonu, gruszy lub innych drzew owocowych. Nie ma nic w tym, że rejestratory są wykonane z tych gatunków drewna.
cudowny. Wystarczy zapoznać się z właściwościami ich drewna. Na przykład palisander, którego drewno jest nadal jednym z najdroższych, ma doskonałą odporność na wilgoć i praktycznie nie ulega rozkładowi. Ponadto drewno różane jest bardzo gęste i trwałe, co sprawia, że ​​gotowy instrument jest również odporny na naprężenia mechaniczne. Drewno klonu, gruszy i jabłoni jest również dość twarde i trwałe, ale ma gorsze właściwości niż bukszpan i palisander. Barwa i inne cechy dźwięku flet prosty są bardzo zależne od materiału, z którego wykonany jest instrument. Ponieważ żywotność instrumentu dętego, zwłaszcza drewnianego, jest niewspółmiernie krótsza od żywotności instrumentu smyczkowego, przeciętna żywotność fletu prostego przy ciągłym użytkowaniu wynosi około 20 lat. Rejestrator istnieje w tradycjach różnych krajów europejskich. A każdy język ma swoje własne odmiany nazwy. Tak więc po angielsku dyktafon brzmi jak dyktafon. Nazwa ta pochodzi od słowa nagrywać, które ma dwa znaczenia: nagrywać i uczyć się. Znana rosyjskiemu uszowi nazwa „blockflute” jest transliteracją niemieckiego słowa „blockflote” (flet blokowy), które można przetłumaczyć jako „flet z blokiem”. Rzeczywiście, ten instrument przybył do naszego kraju z Niemiec wraz z modą na niemieckich nauczycieli. To wyjaśnia popularność niemieckiego systemu palcowania w Rosji. Niewykluczone, że francuski flet a bec – „flet z ustnikiem” – pochodzi od nazwy niemieckiej. W języku włoskim flet prosty brzmi jak flauto dolce, czyli „delikatny flet” lub „słodki flet”. Prawdopodobnie nazwa ta wynika z faktu, że dźwięk autentycznego fletu prostego był naprawdę bardzo delikatny i aksamitny. Przyjęło się rozróżniać flety proste według takich kryteriów, jak rejestr dźwięku, wielkość i palcowanie. Istnieje pięć typów fletów prostych, które najczęściej występują pod względem rejestrów dźwięku: sopran, sopran, alt, tenor i bas. Spośród wszystkich odmian tych instrumentów najczęściej spotykane są flety proste (z angielskiego „Descant”). Jest to flet prosty sopranowy, który jest aktywnie wykorzystywany do nauczania w szkołach muzycznych. Wszystkie materiały szkoleniowe, w tym większość notatek, zostały nagrane specjalnie dla tego instrumentu. Zakres częstotliwości fletu prostego sopranu jest w rzeczywistości o oktawę wyższy, ale ponieważ notacja muzyczna, w której nuty dokładnie odpowiadają częstotliwościom, byłaby bardzo niewygodna dla muzyków, zwyczajowo zapisywano nuty o oktawę niżej.
Według muzycznej encyklopedii „palcowanie (z łac. Applico - wciskam, aplikuję) to sposób pozycjonowania i kolejność naprzemiennych palców podczas gry na instrumencie muzycznym; oznaczenie tej metody w uwagach”. W ten sposób palcowanie dla fletu prostego wyjaśnia, które otwory w instrumencie należy zamknąć palcami, aby uzyskać tę lub inną nutę. Rejestratory systemu angielskiego lub „barokowego” są szeroko rozpowszechnione na całym świecie. To jest palcowanie używane przez profesjonalnych muzyków. Jak sama nazwa wskazuje, to palcowanie pochodzi z Anglii. Cechą rejestratorów barokowych jest to, że ich czwarty otwór od dołu ma mniejszą średnicę niż trzeci. Rejestratory z palcowaniem niemieckim pojawiły się znacznie później niż instrumenty z systemem barokowym. Ten model jest teraz dość rzadki. Rejestratory niemieckie są bardziej nowoczesne, wynaleziono je już w XX wieku. Niemieckie dyktafony są popularne, głównie w Niemczech, Holandii i, o dziwo, w Rosji. Uważa się, że flety proste z palcowaniem germańskim są łatwiejsze do nauczenia. Dlatego ten model jest oferowany uczniom szkół muzycznych. Wynika to z faktu, że niemieckie flety proste zostały stworzone do nauczania dzieci w wieku szkolnym. Jedną z różnic między fletami niemieckimi a angielskimi jest to, że przeciwnie, czwarty otwór ma większą średnicę niż trzeci. W związku z tym istnieje różnica w palcowaniu podczas robienia pewnych nut, co stwarza pewne trudności dla dzieci w wykonaniu.Dodatkowo barokowe flety proste mają węższy kanał, przez co ich dźwięk jest cichszy niż niemieckich. Rejestrator, wynaleziony w średniowieczu, przez wiele stuleci cieszył się wielką popularnością wśród najróżniejszych grup ludności Anglii, Niemiec, Włoch i Francji. Rejestrator znajduje się na obrazach artystów, w dziełach literackich tamtych czasów. Według niektórych doniesień rejestrator był nawet jednym ze świeckich instrumentów szlachty rosyjskiej. Począwszy od drugiej połowy XVIII wieku instrument ten na wiele lat został wyrzucony nie tylko ze składu orkiestr symfonicznych i aż do początku XX wieku prawie całkowicie zapomniany. Tak więc, gdyby nie kilku entuzjastów minionego stulecia, rejestrator na zawsze pozostałby nieciekawym archaizmem. Paradoksalnie „nowoczesny” flet prosty jest w rzeczywistości bezpośrednim następcą modelu instrumentu z epoki wysokiego baroku. Te proste plastikowe narzędzia, tak powszechne i
popularne wśród młodych ludzi w naszych czasach są jedynie uproszczone kopie tych fletów, które cieszyły uszy „Króla Słońca” (Ludwika XIV) i po prostu grały w salonach muzycznych tamtej epoki. Faktem jest, że „rewolucja” w konstrukcji rejestratora nastąpiła nieco wcześniej – na skrzyżowaniu renesansu i baroku. Ale jeszcze bardziej zaskakujący dla wielu może być fakt, że to renesansowe modele fletów prostych w Europie są często wykorzystywane do wykonywania muzyki współczesnej, nawet jazzu. Ale też, uczciwie, warto zwrócić uwagę na twórczość tak wybitnych mistrzów XX wieku, jak np. Ralf Ehlert z Niemiec. Nie tylko rozwinął możliwości brzmieniowe i moc brzmieniową instrumentu, ale nawet wynalazł własny model fletu prostego, który jest bardzo popularny w Europie. Klasyczny rejestrator europejski znany jest od XI wieku, ale szeroką popularność zyskał właśnie w okresie renesansu. Idee dotyczące muzyki wczesnego średniowiecza są bardzo warunkowe. Można jedynie przypuszczać, że upadek Cesarstwa Rzymskiego (od którego zwyczajowo rozpoczyna się odliczanie średniowiecza) i Wielka Wędrówka Narodów (IV-VII w.) wpłynęły na rozpowszechnienie się instrumentów muzycznych w Europie. Większość dętych instrumentów muzycznych w Europie można śmiało nazwać dziedzictwem Cesarstwa Rzymskiego. Zasadniczo mówimy o narzędziach, które były używane przez wojsko. Historia rejestratora zaczyna się znacznie później. Ale możesz rozważyć przesłanki do popularyzacji tego narzędzia. Możemy mówić o muzyce europejskiej z około VI wieku - niestety możemy tylko spekulować o tym, co działo się w muzyce przed tym okresem. W tym czasie zaczyna kształtować się tradycja monofonicznego śpiewu kościelnego, który następnie przechodzi w chorały. W sercu tych utworów muzycznych znajdują się hymny kościelne. Niemal przed pojawieniem się chorału wszyscy parafianie śpiewali w kościele. Chóry składały się wyłącznie z profesjonalnych muzyków. Przez bardzo długi czas w kościołach zachował się tylko ten rodzaj muzyki. W 660 roku pojawił się pierwszy kościelny instrument muzyczny, „boski instrument muzyczny” – organy, które do dziś stanowią główną różnicę między kościołami katolickimi. Nawiasem mówiąc, wiele piszczałek w konstrukcji organów ma kształt fletu prostego. Około XI-XII wieku narodził się śpiew polifoniczny (polifoniczny), któremu kilka wieków później zaczął towarzyszyć akompaniament instrumentów muzycznych. Jednak nie to zjawisko jest głównym powodem pojawienia się rejestratora na scenie średniowiecznej. Dużo ważniejszą rolę w popularyzacji odegrali muzycy wędrowni, którzy zaczęli pojawiać się w tym samym czasie. Pod wędrujących muzyków możesz
Chodzi tu przede wszystkim o francuskich trubadurów i truwerów, a także niemieckich minnesingerów – artystów, którzy w swoich wierszach ujmowali różne aspekty życia rycerskiego, w tym miłość do niedostępnej Pięknej Pani. Wszystkie wiersze skomponowane przez wędrownych muzyków zakładały akompaniament, flet prosty stał się właśnie tym instrumentem towarzyszącym. Do dziś zachowało się zaledwie kilka średniowiecznych instrumentów. Trzy z nich zostały znalezione podczas wykopalisk w holenderskim mieście Dordrecht w niemieckim Getyndze oraz w polskim Elblągu. Te flety należą do XIII-XIV wieku. Wszystkie mają rejestr sopranowy. W renesansie muzyka świecka, wcześniej surowo zabroniona, wreszcie zaczęła stopniowo zyskiwać wolność, choć już wtedy można doszukiwać się wyraźnej przewagi gatunków wokalnych. Muzyka instrumentalna, choć stopniowo zaczęła usamodzielniać się, przez długi czas pozostawała drugorzędnym akompaniamentem do pieśni i tańców. W tym czasie popularnością zaczęły cieszyć się kompozycje przerabiane z duchowych czy świeckich na folkowe, niekiedy z akompaniamentem perkusji i instrumentów dętych, w szczególności fletów prostych. Rozprzestrzenianie się rejestratora wynikało ze względnej prostoty gry. Szczególnie popularne były zespoły składające się z instrumentów tego samego typu – małżonków. Nawiasem mówiąc, dość duża liczba dzieł muzycznych z tamtych czasów powstała bez przywiązania do konkretnego instrumentu. Oznacza to, że jeden utwór może być wykonywany zarówno przez małżonkę flet, jak i przez zespół smyczkowy. We Francji nastąpiły najważniejsze zmiany w muzyce renesansu. Wiąże się to przede wszystkim z nazwiskiem Pierre'a Attenyana. Ten człowiek, który zaczął publikować około 1525 roku, jako pierwszy wymyślił litery reprezentujące pięciolinię i notatki. Od tego czasu partytury stały się dostępne dla szerokiego grona osób. Bardzo szybko unikalna technologia druku firmy Attenyan rozprzestrzeniła się w całej Europie. Można powiedzieć, że to właśnie tej osobie zawdzięczamy pojawienie się pierwszych nut dla rejestratora. A dziesięć lat później, w 1535 roku, w Wenecji ukazał się pierwszy podręcznik gry na flecie prostym – „La Fontegara, la quale insegna di suonare il flauto etc.”. Został napisany przez włoskiego kompozytora Silvestro Ganassi. Ważne jest, aby traktat ten zawierał nie tylko informacje o różnych sposobach gry na flecie prostym, ale także palcowania. Epoce baroku zawdzięczamy powstanie systemu równotemperatu, który jest podstawą całej muzyki europejskiej.
Flet prosty stał się jednym z czołowych instrumentów muzycznych epoki baroku. Do tej pory zachowała się ogromna liczba utworów muzycznych napisanych na ten instrument. Barok to w pewnym sensie czas nagrań płytowych. Na przykład w tym okresie ukazał się zbiór Jacoba van Eycka Der Fluyten Lust-Hof (1646-1649), który do dziś uważany jest za największy zbiór dzieł jednego kompozytora na solowy instrument dęty. W XVII wieku nastąpiły zmiany w konstrukcji rejestratora. To właśnie w tym czasie pojawił się tak zwany „barokowy” flet prosty – bardzo zbliżony do nowoczesnej wersji tego instrumentu. Zmiany polegały głównie na zmniejszeniu średnicy fletu. To zmieniło ton fletu. Od tego czasu przestał być miękki i gładki, w przeciwieństwie do wcześniejszych instrumentów, a zbliżył się do tego, co słyszymy teraz. W XVIII wieku nazwa „rejestrator” zeszła na dalszy plan, zastąpiona określeniem „flet”. Flet poprzeczny w tym czasie nazywano po prostu fletem niemieckim. Przyczynami przesunięcia fletu prostego przez flet poprzeczny w orkiestrach symfonicznych i zespołach instrumentalnych są różni eksperci. Możliwe, że wszystkie w jakiś sposób wpłynęły na zapomnienie instrumentu. Za jeden z powodów tradycyjnie uważa się raczej cichy dźwięk rejestratora. Ale ta pozycja jest kontrowersyjna, ponieważ początkowo flet poprzeczny nie brzmiał głośniej niż flet prosty. Dopiero później, po przejściu pewnych zmian konstrukcyjnych, flet poprzeczny zaczął mieć głośniejszy dźwięk i wyższe możliwości techniczne. Obecnie bardzo trudno doszukać się podobieństw między fletem prostym a fletem poprzecznym. Nie da się jednak zaprzeczyć, że już wtedy flet poprzeczny miał szerszy zasięg i czystszą intonację. Innym powodem jest to, że dyktafon jest bardzo trudny do grania ze względu na swoje właściwości. Faktem jest, że drewniane rejestratory mają tendencję do zmiany systemu z powodu zmian temperatury powietrza. System zmienia się zarówno od grania na mrozie, jak i od podgrzewania samego fletu podczas gry. W flecie poprzecznym problem ten jest znacznie mniej wyraźny. Interesujące jest to, że wiele utworów muzycznych, na przykład 10. opus Vivaldiego, zostało pierwotnie napisanych na flet prosty, a później przerobionych na flet poprzeczny. Niektóre źródła podają, że kolejnym powodem przesunięcia fletu prostego był fakt, że muzyka przestała być tylko przyjemną rozrywką i przekształciła się w czysto
obszar zawodowy. Trudno się z tym zgodzić, bo flet prosty nie był uważany za instrument nieprofesjonalny. Ponadto w wielu utworach Bacha, obok trąbki i oboju, solistą jest flet prosty. Zmiana gustów muzycznych, zarówno samych muzyków, jak i słuchaczy, a także niedocenienie możliwości fletu prostego, spowodowane brakiem profesjonalnych wykonawców, co również wynika ze zmiany priorytetów. W tym samym czasie moda na flety proste zaczęła stopniowo odchodzić w przeszłość, a zespoły składające się z odmiennych instrumentów zaczęły pojawiać się coraz częściej. Pod tym względem flet prosty nie mógł konkurować z innymi instrumentami dętymi. Właściwie ze wszystkich zespołów do początku XVIII wieku pozostał tylko kwartet smyczkowy, który później stał się podstawą orkiestry symfonicznej. Wszystkie inne instrumenty - perkusja, wiatr itp. - zostały wybrane na orkiestry na zasadzie kompatybilności ze smyczkami. Głównymi kryteriami były dynamika i stabilność intonacyjna. Flet prosty to instrument, na którym praktycznie nie dało się grać dynamicznie na różne sposoby. Ponadto nie ma wystarczającej czystości intonacji w porównaniu z innymi instrumentami. Można też przypuszczać, że dużą rolę odgrywała diatoniczna skala rejestratora i trudność jej rozszerzenia na chromatykę. Należy jednak zauważyć, że rejestrator nie od razu zrezygnował ze swoich pozycji. Jedna z odmian fletu prostego - harmonijka ustna - rozpowszechniła się w XVII wieku i ze względu na dość głośny i czysty dźwięk organicznie wpasowała się w orkiestrę. Strojenie harmoniczne rozpoczyna się od nuty „re” drugiej oktawy. Jednym z najbardziej uderzających przykładów użycia flażoletu w orkiestrze jest opera V.-A. Czarodziejski flet Mozarta. To właśnie flageolet stał się bardzo „magicznym fletem” w dziele geniusza. Tak czy inaczej, w drugiej połowie XIX wieku flet został całkowicie zastąpiony przez flet poprzeczny, a wraz ze zniknięciem tego instrumentu z dalszej historii muzyki aż do wieku XX, mistrzowie, którzy zajmowali się zniknęła również produkcja dyktafonów. W Europie Wschodniej flety proste są nadal popularne jako instrumenty ludowe. Są to ukraińska sopilka (dentsivka), białoruska fajka, słowacka fujara, mołdawska i rumuńska fluera (fluyara, fluyra). Pod koniec XIX - na początku ubiegłego wieku, flet prosty został ponownie zapamiętany jako ciekawy stary instrument. Wynikało to z ogólnoeuropejskiego trendu w kierunku ożywienia zainteresowania własną historią i kulturą innych narodów. Pierwsze zespoły
muzyka dawna pojawiła się właśnie na przełomie XIX i XX wieku. Tym razem wiąże się z pojawieniem się takiego zjawiska jak „autentyczność”. Autentyczność lub autentyczne wykonanie to „ruch w muzycznym wykonaniu, który ma na celu jak najdokładniejsze odtworzenie dźwięku muzyki z przeszłości, zgodność współczesnego wykonania z oryginalnymi, „historycznymi” pomysłami”. Wczesny autentyzm wiązał się w zasadzie ze szczegółowym odtworzeniem muzyki epoki baroku. Następnie koncepcja ta rozprzestrzeniła się na inne style muzyczne. W 1919 roku angielski muzyk Arnold Dolmech poczynił pierwsze kroki w kierunku przywrócenia osiemnastowiecznej angielskiej wersji flet prosty poprzez wykonanie instrumentu. Następnie odegrał ważną rolę w szerzeniu zainteresowania autentycznym wykonawstwem i produkcją analogów starożytnych instrumentów. Jednak na samej galaretce Dolmech nie był bynajmniej pierwszym, chociaż jest uważany za taki. Poprzedzili go muzycy z Konserwatorium Brukselskiego (gdzie studiował Dolmech) i organizacji Bogenhauser Künstlerkapelle oraz muzycy Willibald Gurlit, Werner Danckerz, Gustav Schek. Wszystko to sugeruje, że odrodzenie fletu prostego było wynikiem nie jednej osoby, ale całej grupy muzyków, którzy zresztą pracowali nad nim niezależnie od siebie w różnych krajach. Co ciekawe, przez nieco ponad sto lat informacje o rejestratorze prawie zaginęły. Kiedy Igor Fiodorowicz Strawiński zapoznał się z tym instrumentem, był pewien, że to bardzo stary rodzaj klarnetu. Kompozytor właściwie nie pomylił się zbytnio, gdyż pierwsze klarnety były bardzo podobne z wyglądu do fletów prostych. Takie nazwiska jak Paul Hindemith, Mark Weinroth, Ferdinand Conrad, David Monroe kojarzą się z autentycznym wykonaniem i popularyzacją fletu prostego.
1.2. Formy i metody rozwoju zdolności muzycznych w

szkolenie rejestratora.
Pedagogika muzyczna, stale doskonaląca metody nauczania gry na instrumentach dętych, powinna niewątpliwie dać nowy impuls szerszemu wprowadzaniu fletu prostego do praktyki edukacji muzycznej i wykonawstwa. Ale zanim przejdziemy bezpośrednio do kwestii nauczania dzieci na flecie prostym, należy zastanowić się nad niezbędnymi warunkami wstępnymi, które przyczyniają się do opanowania wszystkich subtelności wykonawczych i psychologicznych, które powinny
jest stale w polu widzenia i uwagi nauczyciela na specjalnym instrumencie - flecie prostym. Umiejętnościami muzycznymi, które pozwalają opanować każdy instrument muzyczny, w tym flet prosty, to: słuch, pamięć i rytm, oczywiście oznacza to ucho do muzyki, pamięć muzyczną i wyczucie rytmu muzycznego. Sprawny uczeń powinien nie tylko umieć określić dźwięk, jego wysokość, ale także reagować na „intonację”, „dynamikę”, emocjonalnie przeżywać muzykę, czuć jej charakter. Dzięki celowym i celowym studiom można osiągnąć świetne wyniki w rozwoju zdolności muzycznych. Umiejętności muzyczne można rozwijać pod warunkiem zamiłowania do muzyki i ogromnej chęci się w nią angażować. Dane przyrodnicze należy opracowywać od wczesnego dzieciństwa. Czasami zdolności muzyczne dziecka nie pojawiają się od razu. Ale jego pociąg do muzyki można określić w bardzo młodym wieku. Konieczne jest umiejętne i profesjonalne zaangażowanie się w rozwój słuchu, dlatego w dziecięcych szkołach muzycznych od pierwszych lat studiów przewidziano przedmioty poprawiające słuch muzyczny, pamięć i rytm. Ale same te lekcje nie wystarczą, aby rozwinąć wszystkie subtelności muzycznej percepcji dziecka. Nauczyciel specjalności powinien regularnie rozwijać umiejętności ucznia w swojej klasie. Ucho ucznia może być lepiej rozwinięte niż pamięć czy rytm. Może być na odwrót: pamięć i rytm są lepiej rozwinięte niż słuch. Dlatego konieczne jest rozwijanie umiejętności ucznia w oparciu o jego możliwości i naturalne dane. Aby określić zdolności muzyczne, nauczyciel musi skrupulatnie zbadać swojego ucznia. Nieustanną uwagę należy też zwracać na precyzyjną intonację – najważniejszy środek wyrazu muzycznego. Aby wypracować dokładną intonację, konieczne jest nieustanne rozwijanie u ucznia słuchu muzycznego, a także poczucia samokontroli. Osiągnięcie czystej intonacji na flecie prostym nie jest łatwe, ponieważ większość dźwięków wytwarzana jest za pomocą palcowania kombinowanego. Wiadomo, że nie ma perfekcyjnie nastrojonych instrumentów muzycznych. Instrumenty dęte to półstałe instrumenty strojowe. Wysokość fletu prostego można regulować dynamiką, zmianami palcowania i wydłużeniem ustnika. Szczególnie ważne jest, aby o tym pamiętać podczas nauki gry na flecie prostym, ponieważ obojętny stosunek ucznia do wydobywania dźwięku często prowadzi do obniżenia lub zwiększenia strojenia, zniekształcenia intonacji.
Instrumenty dęte mają szereg cech, z których jedną jest niedokładność strojenia, która wymusza ciągłe „korekty” wysokości poszczególnych dźwięków poprzez odpowiednie napięcie warg, wymagające zwiększonej wrażliwości słuchowej na intonację. Kolejną cechą jest pewne zróżnicowanie barwy. Dzięki temu studenci instrumentów dętych mogą stosunkowo łatwo nabyć umiejętność określania i wyobrażania sobie wysokości absolutnej dźwięków instrumentu, na którym grają. Dla wielu objawia się to, gdy tylko podnoszą instrument, w oparciu o związek między reprezentacją dźwięku a wrażeniami motorycznymi. Konsekwencją tego jest szybki, aktywny rozwój ucha muzycznego. Niezbędne jest wykształcenie u dzieci umiejętności przewidywania dźwięku. Dlatego na pierwszym etapie warto zaśpiewać, a potem zagrać piosenkę. Pamiętaj, że niektóre dźwięki dyktafonu mogą być przesadzone. Na przykład fis drugiej oktawy, czerwony krzyżyk drugiej oktawy itp. W takich przypadkach konieczne jest zastosowanie innego palcowania, które przyczyni się do bardziej stabilnej intonacji dźwięku. Uczeń powinien być tego świadomy i starać się przejąć inicjatywę w doborze palcowania. Ważnym aspektem rozwoju ucha ucznia jest także harmoniczna podstawa wykonywanej melodii. Dlatego przy wykonywaniu najlżejszych i najbardziej nieskomplikowanych utworów powinien towarzyszyć mu fortepian. Biorąc pod uwagę, że na flecie prostym można regulować ogólną budowę instrumentu poprzez wysunięcie ustnika, uczeń od pierwszych lekcji musi wpajać umiejętności samodzielnego dostrajania instrumentu do fortepianu lub gitary. Muzyka płynie w czasie, dlatego percepcja melodii i ciągów harmonicznych jest możliwa tylko wtedy, gdy pewna część wybrzmiewanego materiału zostaje zachowana w pamięci i porównywana z dźwiękiem w każdym kolejnym momencie. Tylko obecność dobrej pamięci muzycznej pozwoli na w miarę pełne wrażenie słuchanego utworu. Pamięć w psychologii jest odzwierciedleniem przeszłych doświadczeń, wyrażających się w jego uchwyceniu i odtworzeniu. Pamięć pozwala gromadzić doświadczenie i je wykorzystywać. Osoba pozbawiona pamięci pod względem stopnia rozwoju zawsze byłaby na poziomie noworodka. Pamięć poszczególnych ludzi różni się w stosunku do czynności narządów zmysłów: niektórzy, pamiętając, opierają się głównie na czynności aparatu wzrokowego, inni - na aparacie słuchowym, a jeszcze inni -
motor (motor), czwarty - o logicznym myśleniu. Są ludzie, którzy w równym stopniu wykorzystują wszystkie te rodzaje pamięci. Pamięć, jako wyjątkowa zdolność w ogóle, jest niezbędna do życia i działalności człowieka, a muzyka - w szczególności wykonawcy. Dlatego podczas nauki gry na flecie prostym należy rozwiązać zadanie rozwijania pamięci muzycznej, co z kolei doprowadzi do skoku jakościowego. Na początkowym etapie edukacji uczniowie mają trudności z zapamiętywaniem utworów, jednak przy systematycznym zapamiętywaniu materiału muzycznego zauważalny jest znaczny wzrost tej umiejętności. Zapamiętywanie może być mimowolne i arbitralne. W pierwszym przypadku jest to takie zapamiętywanie i odtwarzanie materiału, które następuje automatycznie i bez większego wysiłku, bez wyznaczania zadań specjalnych. W drugim przypadku takie zadanie jest koniecznie obecne, a sam proces zapamiętywania czy odtwarzania wymaga skupienia się na wszystkich szczegółach badanego utworu. W pedagogice muzycznej wyróżnia się pięć głównych typów pamięci: słuchowa; wizualny; silnik-silnik; logiczny; mieszany; Pamięć słuchowa jest głównym rodzajem pamięci muzycznej. Pod słuchem należy wyróżnić zdolność zapamiętywania dzięki aparatowi słuchowemu poprzez postrzeganie zarówno zmysłu modalnego, jak i reprezentacji słuchowej. To dobre zapamiętywanie i dokładne odtwarzanie różnych dźwięków, zwrotów melodycznych, poszczególnych motywów i intonacji, całych utworów muzycznych i tak dalej. Pamięć wzrokowa jest również potrzebna uczniowi w jego pracy praktycznej. Musi być rozwijany z uwzględnieniem możliwości i rozwoju dziecka. Uczeń musi nauczyć się nie tylko widzieć tekst, ale także umieć go odtworzyć, zamykając notatki. Pamięć wzrokowa wiąże się z zachowaniem i reprodukcją obrazów wizualnych. Ten rodzaj pamięci obejmuje rozwój zdolności osoby do wyobrażenia. Opiera się w szczególności na procesie zapamiętywania i odtwarzania materiału: to, co dana osoba może sobie wyobrazić, z reguły łatwiej zapamiętuje i odtwarza. Pamięć ruchowo-ruchowa to zapamiętywanie i utrwalanie, a w razie potrzeby odtwarzanie z
wystarczająca dokładność różnorodnych, złożonych ruchów. Bierze udział w kształtowaniu umiejętności motorycznych. Z tym rodzajem pamięci wiąże się bezpośrednio poprawa ruchów rąk człowieka. Rozwija się za pomocą systematycznych ćwiczeń, wielokrotnych powtórzeń najtrudniejszych i niewygodnych do wykonania miejsc, głównie palcowania. Pamięć logiczna związana jest z zapamiętywaniem materiału muzycznego poprzez myślenie i rozumowanie: charakter i forma utworu; w jaki sposób wyrażony jest materiał; co jest najważniejsze w tekście, co jest drugorzędne; które epizody są trudniejsze do zapamiętania i dlaczego; Najwyższe osiągnięcie w zakresie poprawy pamięci muzycznej należy uznać za typ mieszany. Można to osiągnąć przy pewnym talencie i dużej pracy nad sobą. Nagromadzenie materiału muzycznego i pieśniowego wzbogaca gust początkującego ucznia i wzmacnia jego pamięć. Dlatego warto, przechodząc przez nowy materiał, rozwijać i wzmacniać pamięć, warto systematycznie nie zapominać i powtarzać już wyuczonych na pamięć kawałków. Na jakość uczenia się na pamięć duży wpływ ma charakter wykonywanego utworu. Jeśli ten materiał muzyczny jest dla ucznia interesujący i przystępny, szybko go opanuje i zapamięta. Pamięć muzyczna jest pojęciem złożonym, dlatego należy uczyć ucznia od samego początku do samodzielnej i przemyślanej pracy, unikając jej jednowymiarowości. Mówiąc o rytmie, inaczej go postrzegamy, wyobrażamy sobie i czujemy. Wynika to z indywidualnego wyczucia rytmu tempo-metro. Dzieci z reguły wykonują ten sam utwór na różne sposoby. Ale to nie znaczy, że zastępują notację muzyczną. Wykonanie zależy głównie od wyczucia rytmu tempo-metro-rytm wykonawcy. Dlatego rytm jest podstawą w muzyce, którą bardzo trudno wytłumaczyć i wyedukować. Rytm powinien być wyraźny, równy i określony. Każdy utwór ma określony metrum i rytm i musi być wykonany w tempie wskazanym przez autora. Jednak gdzieś w środku utworu, taktu lub frazy zawsze mogą wystąpić odstępstwa od tempa i czysto arytmetycznej reprezentacji rytmu. To jest żywotność muzyki, jej naturalne wykonanie, a nie formalne, obojętne. Rytmu nie można uznać za coś nieokreślonego, niewytłumaczalnego i
arbitralny. Rytm ze swej natury ma pewną regularność, bez której nie do pomyślenia byłoby zarówno jego odbiór, jak i odtworzenie muzyki jako całości. Umiejętność wykonawcy, ujawniająca jego gust i talent, zależy od stopnia rozwoju poczucia rytmu. Poczucie rytmu należy pielęgnować od pierwszych kroków nauki w szkole muzycznej. Nauczyciel od samego początku, ucząc ucznia gry na flecie prostym, musi osiągnąć klarowne wykonanie, zarówno w prostym ćwiczeniu, gamach, pasażach, jak i etiudach czy utworach. Najmniejsze niedokładności w wykonaniu rytmicznym powinny być zauważone i skorygowane przez nauczyciela. Dlatego musisz stale monitorować rytm i tempo. Aby usprawnić pracę nad metro-rytmem, w klasie można go wykorzystać jako ćwiczenia, podkreślając mocne uderzenia w takcie, dzieląc złożone ugrupowania rytmiczne na prostsze itp. Bardzo przydatne jest, aby uczniowie najpierw wysłuchali melodii, a następnie stukali w nią rękami. Nauczyciel powinien podchodzić do studiowania repertuaru muzycznego ze szczególną odpowiedzialnością. Szczególne znaczenie ma tempo-metro-rytm zapisany nie tylko w partii solowej, ale także z akompaniamentem fortepianu lub innego instrumentu towarzyszącego. Ciągły rozwój tempa-metro-rytmu pozwoli uczniowi stopniowo wspinać się coraz wyżej po szczeblach umiejętności wykonawczych.
Rozdział II. Praktyczne aspekty nauki gry na flecie prostym

Szkoła Muzyczna.

2.1 Podstawowe zasady i zasady wykonania

na rejestratorze.
Metodę nauczania gry na flecie prostym należy traktować z jednej strony jako część ogólnej metody nauczania gry na instrumentach dętych, z drugiej zaś jako szczególną, ze wszystkimi specyficznymi cechami tego instrumentu przeznaczonymi do tworzenia muzyki dla dzieci. Dotyczy to nauczania dzieci w wieku od 4 do 9 lat, co stwarza pewne trudności w opracowaniu wskazówek metodycznych: ustawienie oddechu, ust, palców, ogólne ustawienie dłoni i ciała, nauka gry ze słuchu, z nut itp. Przede wszystkim nauczyciel powinien kierować się indywidualnymi cechami (muzycznymi, fizjologicznymi) i predyspozycjami dziecka, jego zainteresowaniami naukowymi, a także wieloma innymi czynnikami, które bezpośrednio wpływają na kształtowanie się jego orientacji muzycznej w przyszłości. Należy traktować flet prosty jako instrument do dalszych przygotowań
zajęcie w starszym wieku na dowolnym innym dętym instrumencie muzycznym: flecie, oboju, klarnecie, trąbce i innych. W tym przypadku należy narysować analogię do smyczków, którzy ucząc przedszkolaków i dzieci w wieku szkolnym mają dość duży wybór instrumentów dziecięcych o znaczeniu przejściowym: 1/8, 1/4, 1/2 , 3/4. W ten sam sposób u dętych fletów flet prosty pełni w swoich funkcjach rolę przejściowego, dziecięcego instrumentu. Trening na instrumentach dętych odbywa się w dwóch etapach. Pierwszy etap: wstępne szkolenie uczniów na flecie prostym. Drugi etap: przejście na instrument główny (do wyboru studenta), z uwzględnieniem cech jego ust i aparatu wykonawczego. Pierwszy etap jest bardzo ważny w początkowym treningu na instrumentach dętych. Wynika to z faktu, że dziecko powinno być przygotowane: do wyjaśnienia natury oddychania, nauczenia prawidłowego wykonywania oddechu, poprawnej inscenizacji z instrumentem i położeniem palców, metody wydobywania dźwięków i nauki palcowania. Z reguły w przypadku dzieci, które posiadają umiejętności solfeżowe nabyte w pierwszych latach nauki szkolnej, nie ma trudności z wiedzą teoretyczną. Dlatego szkolenie na pierwszym etapie sprowadza się głównie do opanowania instrumentu (w szczególności flet prosty). Głównym zadaniem nauczyciela jest podtrzymywanie zainteresowania dziecka w klasie tak, aby w łatwy sposób mogło nabyć umiejętności gry na flecie prostym, nauczyć się utworu na kompetentnym poziomie muzycznym, czytać nuty, a także grać w duet lub zespół fletów fletowych, wykonują proste utwory z akompaniatorem. Bazując na doświadczeniu pracy z uczniami w dziecięcej szkole artystycznej, dzieci o dobrych zdolnościach muzycznych uczą się dość szybko na pierwszym etapie i nie ma potrzeby dzielenia ich na grupy według stopnia rozwoju zdolności muzycznych. Główne trudności dotyczą ustawienia wykonywanego oddechu i ustawienia palców. Jeżeli przy ustawianiu wykonywania oddychania dzieci pokonują trudności wykonując ćwiczenia oddechowe, a także dzięki wyjaśnieniu przez nauczyciela istoty oddychania fizjologicznego, różnicy między oddychaniem fizjologicznym a wykonywaniem, to ustawianie palców trwa nieco dłużej. Palcowanie instrumentu jest w dużej mierze identyczne jak w przypadku fletu, oboju, klarnetu, a nawet fagotu. Brak zaworów eliminuje trudności w obsłudze, dlatego każdy z uczniów, który posiada jeden z powyższych
tych instrumentów, potrafi nie tylko z łatwością grać na flecie blokowym, opanować palcowanie, ułożenie palców, dłoni, cechy wydawania dźwięku, oddychanie, ale także nauczyć się na nim grać. Najtrudniejszą rzeczą w nauczaniu uczniów szkół podstawowych gry na dowolnym instrumencie muzycznym jest znalezienie najłatwiejszego wyjaśnienia podstaw, które powinien zrozumieć: przyswajanie i zapamiętywanie omawianego materiału; określenie pierwszego dźwięku wykonywanego przez ucznia; sposób wydobywania i czas trwania tego dźwięku. Jeśli weźmiemy pod uwagę, że ten dźwięk zajmuje określone miejsce na pięciolinii - pięciolinia, ma swoje położenie na klawiaturze fortepianu lub na podstrunnicy instrumentu strunowego, mechanizm zaworowy z drewna lub mechanizm zaworowy z mosiądzu i że trzeba go wydobyć określonym palcem lub kombinacją ich – wszystko to wydaje się tak skomplikowane, że powoduje zamieszanie i zamieszanie w umyśle dziecka i często jest przeszkodą w jego treningu na specjalnym instrumencie dętym (flecie , obój, klarnet, trąbka, puzon itp.). Ucząc uczniów, którzy później będą grać na instrumencie wargowym, produkcja powinna być zbliżona do fletu. Polega na specyficznej cesze ustawienia poprzecznego fletu z podparciem na dolnej wardze, górna niejako reguluje ciśnienie powietrza. Jeżeli w przyszłości uczeń będzie grał na jednym z instrumentów językowych (obój, klarnet, fagot), należy mu doradzić ustawienie ustnika fletowego, co jest typowe dla tych instrumentów: należy ustalić położenie ustnika między wargami równomiernie. Pozycja ustnika może być nieco inna dla uczniów, którzy w przyszłości będą uczyć się gry na instrumentach z zasadzki: ustnik fletu prostego powinien być masywny i umieszczony między wargami, z naciskiem na górny. Wszystkie trzy z tych ustawień ustnika nie powinny być wymagane. Mogą być jedynie przewodnikiem dla nauczyciela, pomagać mu konkretnie w pracy praktycznej, biorąc pod uwagę perspektywy dalszej edukacji. Dzięki lekkości zarówno samego instrumentu, jak i wydobycia na nim dźwięku, flet prosty umożliwia zapoznanie studenta ze wszystkimi ogólnymi podstawowymi zasadami i zasadami gry na instrumentach dętych. Jest to ustawienie oddechu i koncepcja ataku dźwięku oraz zasady zadęcia (z francuskiego bouche - usta). I nie wspominając o palcowaniu
flet prosty jest bardzo podobny do palcowania wielu instrumentów dętych drewnianych. Rejestrator pozwala w pełni poznać wszystkie odmiany „uderzeń”, wszystkie możliwości niuansów. Nauka gry na flecie prostym wymaga od uczniów, oprócz umiejętności muzycznych, także dobrego zdrowia i sprawności fizycznej. Podczas gry na flecie czynnym pracują płuca, aparat wargowy, niektóre mięśnie ciała napinają się. Prawidłowe ustawienie aparatu do ust i wykonywanie oddechów to jeden z niezbędnych warunków udanego treningu. Tradycyjna technika gry na flecie prostym polega na kontrolowaniu trzech głównych parametrów: dźwięku, intonacji (prawidłowa wysokość) i artykulacji (sposób łączenia lub rozdzielania nut). Oczywiście brzmienie instrumentu zostało pierwotnie określone przez jego producenta. Liczy się projekt i materiał, z którego jest wykonany. Obecnie profesjonalne narzędzia wykonywane są z drewna, narzędzia masowe z tworzywa sztucznego. Z drewnianych fletów blokowych możemy polecić produkty niemieckich firm „Upitcr” i „Venus”, dobre tworzywo sztuczne produkuje „Yamaha” i koreańska firma „Angel”. Naturalnie, manipulując oddechem, wykonawca może zmienić jakość dźwięku. Niezwykłą cechą fletu jest niewielki opór, jaki sam instrument wywiera na strumień powietrza. To właśnie odróżnia go od innych instrumentów dętych. Umiejętność sterowania strumieniem powietrza, który nie napotyka na swojej drodze zauważalnego oporu, to ważna umiejętność, która przyda się w przyszłości przy przejściu na główne narzędzie. Ponadto oddychanie bierze udział w uzyskiwaniu wahań głośności (tremolo) i częstotliwości (vibrato). Krótko mówiąc, pierwszy efekt osiąga się poprzez skurcz mięśni krtani, a drugi - przez przeponę. Podczas gry na flecie prostym stosuje się dużą liczbę alternatywnych palcowań. Wszystkie dźwięki oprócz najniższych mogą być grane z różnymi kombinacjami dołków, które różnią się nieco tonem i głośnością. W ten sposób muzyk, naprzemiennie z różnymi palcowaniami, ma do dyspozycji znaczną gamę odcieni dźwiękowych. Innym powodem używania alternatywnych do tradycyjnych palcowań jest unikanie skomplikowanych ruchów palców podczas gry szybkiej, legato i trylowej. Ogólnie można powiedzieć, że
dobrana w taki sposób, aby zminimalizować ruch palców. Wbrew powszechnemu przekonaniu granie na flecie prostym wymaga szczególnej kontroli nad zadęciem (z francuskiego bouche – usta), czyli układem mięśni ust i ułożeniem ust. Manipulacja kształtem i wielkością ust i krtani, a także kontrola odpowiedniej muskulatury wzbogaca brzmienie, ułatwia granie nut w górnym rejestrze i pozwala na kontrolę nad intonacją. Nacisk strumienia powietrza i nauszników razem mają znaczący wpływ na intonację. Zmiany ciśnienia przy zachowaniu kształtu jamy ustnej znacząco zniekształcają wysokość wybrzmiewającej nuty. Ten nierozerwalny związek między wysokością dźwięku a mocą odróżnia flety proste od innych nowoczesnych instrumentów. Zanim zagrasz pierwszą nutę, musisz wiedzieć, jak prawidłowo trzymać dyktafon. Zwykle lewa ręka znajduje się nad prawą. Chociaż muzyk, który uważa się za leworęcznego, może zrobić coś przeciwnego. To prawda, należy pamiętać, że nowoczesne flety proste są projektowane z oczekiwaniem, że lewa ręka wykonawcy będzie wyższa niż prawa. Głowa, szyja i plecy wykonawcy powinny być w linii prostej, a instrument powinien być trzymany pod kątem 45 stopni do poziomu. Ręce powinny być lekko odsunięte od ciała, a opuszki palców powinny znajdować się na środkowej osi instrumentu tuż przy otworach. Między wargami znajduje się tylko sam czubek ustnika. A wspierający kciuk leży bezpośrednio pod palcem wskazującym prawej ręki. Nic nie powinno ograniczać klatki piersiowej, gardło powinno być rozluźnione. Nauczyciele śpiewu uczą, że właściwa postawa jest jednym z niezbędnych warunków dobrej produkcji dźwięku. Jednak podczas gry na instrumencie dętym każda nuta jest wynikiem strumienia powietrza, który wydostaje się z płuc, jest wzmacniany przez ruch przepony w górę, przechodzi przez gardło i usta, a na koniec dostaje się bezpośrednio do instrumentu. W technice wykonania muzycznego na flecie prostym można wyróżnić następujące etapy: 1). Oddychanie, a dokładniej - wydech, potem równomierny, potem stopniowo nasilany, a następnie stopniowo osłabiany zgodnie z wymaganiami wydajności. 2). Napięcie mięśni twarzy, odpowiadające wysokości wydobywanych dźwięków i zgodne z oddychaniem.
3). Ruch palca. cztery). Ruch języka, który określa charakter pociągnięć. Konieczne jest rozwijanie umiejętności opanowania każdego z tych elementów i ich łączenia tak, aby wszystkie techniki wykonawcze były naturalne i swobodne. Produkcja dźwięku. W instrumentach muzycznych typu flet dźwięk rodzi się ze strumienia powietrza przecinanego ostrą krawędzią wycięcia ścianki lufy, co prowadzi do wibracji słupa powietrza zawartego w rurze. Jeśli weźmiesz prostą rurkę, taką jak kawałek bambusa lub łodygę trzciny i dmuchasz w nią bez żadnych sztuczek, nie będzie dźwięku. Kierując strumień powietrza nie bezpośrednio do rurki, ale ukośnie tak, aby przecinał krawędź otworu, pień bambusa lub łodygi trzciny natychmiast wyda równomierny i wystarczająco głośny dźwięk, ponieważ przepływ powietrza, przecinając krawędź rury, tworzy wibracje. Jeśli przestaniesz dmuchać, dźwięk natychmiast ustanie. Ta metoda wydobywania przez podzielenie słupa powietrza jest jedną z najstarszych (jest stosowana w flecie Pana). Jest to jednak niewygodne: trudno utrzymać pożądany kierunek strumienia, przepływ powietrza jest duży. Te metody wydobywania dźwięku nazywane są gwizdkiem. Tutaj wibracje są wzbudzane przez strumień powietrza uderzający o przeszkodę. Wibracje te są odbierane jako dźwięk. Wysokość dźwięku zależy od wielkości kolumny. Po pierwszym zadaniu - jak wzbudzić dźwięk, pojawia się kolejne: jak sprawić, by tuba mogła emitować nie jeden dźwięk, ale kilka. Jednym z rozwiązań jest zabranie osobnej tuby dla każdego dźwięku. Im dłuższa rurka, tym niżej brzmi. Łącząc ze sobą kilka rurek o różnych długościach, otrzymujemy instrument, który obecnie potocznie nazywany jest fletem Pana. Dźwięk jest w nim podekscytowany dokładnie tak samo, jak w eksperymencie z butelką. Ten podobno pierwszy z instrumentów dętych słynie również z tego, że był odległym poprzednikiem organów. Rzeczywiście, w organach, pomimo całej odmienności rozmiarów piszczałek, obowiązuje ta sama zasada - dla każdego dźwięku używana jest osobna rurka. Później pojawił się czarny flet, w którym stworzono genialną zasadę wydłużania i skracania słupa powietrza w jednej tubie. Aby zmienić wysokość dźwięku, wykorzystuje się otwory w lufie instrumentu. Jeśli wszystkie otwory są zamknięte, na całej długości rurki zabrzmi słup powietrza. Jeśli którykolwiek z
dziury, tylko część filaru zaczyna brzmieć - od ust muzyka do otwartej dziury. Oczywiście zmienia się również wysokość tonu. Dzięki kilku podziałom kolumny powietrza, czyli kombinacją palców, można również wydobyć chromatyzmy. Innym sposobem na zmianę wysokości tonu w grupie instrumentów fletowych jest dmuchanie, czyli intensywniejszy dopływ powietrza do instrumentu. Najbardziej doświadczeni wykonawcy są w stanie zbudować naturalną skalę za pomocą dmuchania, używając tylko jednego dźwięku, czyli części 8, części 5, części 4 i tak dalej. Powstawanie dźwięku podczas gry na flecie prostym jest wytwarzane przez lekki, śpiewny oddech, zbliżony do sylaby „tu”. Koniec dźwięku można wykonać na dwa sposoby: 1). Wymawiając spółgłoskę „t”, zatrzymując w ten sposób dostęp powietrza do ustnika. Ta metoda jest łatwiejsza, stosujemy ją szczególnie przy wykonywaniu uderzeń staccato, daje ona natychmiastowe ustanie dźwięku. 2). Zatrzymaj wydech. Ta metoda wymaga pewnych umiejętności, jest to konieczne w przypadkach, gdy konieczne jest zredukowanie dźwięku do zera pod koniec pracy, gdy konieczne jest miękkie usuwanie. Wykonywanie oddechu. Zanim przejdziesz do oddychania, musisz zrozumieć strukturę aparatu głosowego, ponieważ składa się on z narządów oddechowych. Mechanizm oddychania to płuca z drogami oddechowymi i mięśniami, które wykonują proces oddychania. Płuca są delikatną, porowatą tkanką, w której nagromadzone pęcherzyki - alvioli są połączone kanałami tworzącymi układ oskrzelowy. Oskrzela lewego i prawego płuca łączą się i tworzą tchawicę, która kończy się w krtani. W kompleksie wszystko to nazywa się drzewem oskrzelowym. Płuca mają dopływ powietrza, który jest stale odnawiany. Istnieje zapas powietrza niezbędny do życia organizmu. Nie można jej używać podczas śpiewania. Podczas wdechu mięśnie klatki piersiowej i przepony (ciasna błona oddzielająca klatkę piersiową i brzuch) rozszerzają jamę klatki piersiowej w kierunku pionowym, bocznym, przednim i tylnym. A pod wpływem ciśnienia atmosferycznego powietrze dostaje się do płuc. Przepona opada, naciska na jamę brzuszną i na zewnątrz wszystko to wyraźnie się objawia.
Istnieje kilka rodzajów oddychania: obojczykowy, piersiowy i brzuszny. Oddychanie obojczykowe to oddychanie górne żebrowe, w którym powietrze jest wypełnione tylko u góry, więc ten rodzaj oddychania jest krótki. Oddychanie w klatce piersiowej jest również powierzchowne (środkowy żebrowy). Płuca są w połowie pełne. Oddychanie brzuszne lub kostno-brzuszne to charakterystyczny ruch przepony w dół, zapamiętujący dolną część płuc z powietrzem i ruch brzucha. Jest to najbardziej prawidłowy oddech podczas śpiewania, ponieważ płuca są całkowicie wypełnione powietrzem i umożliwiają śpiewanie długiej frazy muzycznej bez wznawiania oddychania. Będąc instrumentem dętym, flet prosty może jednocześnie rozwiązywać kwestię ćwiczeń oddechowych, stając się tym samym momentem leczniczym, ponieważ przepona jest prawidłowym rodzajem oddychania podczas gry na instrumentach dętych. Działa jak tłok i intensywnie masuje narządy wewnętrzne jamy brzusznej – żołądek, wątrobę, nerki, jelita, co jest skutecznym środkiem oczyszczania organizmu. Grając na flecie prostym, posługują się śpiewem oddechu. Najważniejszym elementem techniki wokalnej jest rozkład oddechu i jego regulacja na akordy. Zużycie wdechu i wydechu uzależnione jest od środków wyrazu dzieła, jego tempa, dynamiki, nuty muzycznej i innych. Wykonywanie oddychania różni się od oddychania fizjologicznego nierównymi fazami (wydech jest większy niż wdech). Oddychanie fizjologiczne jest naturalne, to znaczy reprezentuje naturalny stan ludzkiego ciała. Ważne jest, aby nauczyć się prawidłowo wdychać, a co najważniejsze, prawidłowo wydychać powietrze do instrumentu. Przy stopniowym i równomiernym wydechu dźwięk ma jednakową siłę. Wzmocnienie wiąże się z przyspieszeniem wydechu, osłabieniem - ze stopniowym spowolnieniem. Największy dopływ powietrza można uzyskać tylko przy maksymalnym zmniejszeniu membrany. Dlatego najbardziej prawidłowym rodzajem oddychania jest klatka piersiowa-brzuszna lub przeponowa. Poniżej znajduje się seria ćwiczeń oddechowych mających na celu zrozumienie różnicy między oddychaniem naturalnym a oddychaniem wykonywanym. Ćwiczenia oddechowe wykonuje się bardzo powoli, na stojąco, z przyjemnością. Wdech i wydech przez nos. Dla głębszego
koncentracja, możesz zamknąć oczy. AI Usov, opisując te ćwiczenia, proponuje podział oddychania na dolny, środkowy, górny i mieszany. Najpierw powinieneś opanować naturalne (lub fizjologiczne) oddychanie. Niższy oddech. Dla kontroli dłoń prawej ręki leży na brzuchu, lewa - po lewej stronie, dotykając dolnych części żeber. – Wdech: brzuch i boki rozszerzają się do przodu i na boki. Wydech: brzuch i boki wracają do swojej pierwotnej pozycji. Średni oddech. Płuca wypełniają się powietrzem i rozszerzają głównie w okolicy klatki piersiowej. W tym przypadku żołądek pozostaje nieruchomy, ramiona nie unoszą się. Dłoń prawej dłoni znajduje się na klatce piersiowej, lewa ręka jest z boku, dotykając środkowych części żeber. Wdech: ściana klatki piersiowej rozszerza się do przodu i na boki. Wydech: ściana klatki piersiowej powraca do swojej pierwotnej pozycji. Najlepsze oddychanie. Powietrze koncentruje się głównie w górnej części płuc. Dłonie dłoni leżą w górnej części klatki piersiowej. Wdech: klatka piersiowa i ramiona unoszą się. Wydech: klatka piersiowa i ramiona wracają do swojej pierwotnej pozycji. Mieszane oddychanie. Wykorzystywana jest pełna objętość płuc - wszystkie poprzednie rodzaje oddychania. Dłoń prawej dłoni spoczywa na brzuchu, lewa po lewej stronie, dotyka bioder. Wdychanie: powietrze jest najpierw wciągane do dolnych części płuc, żołądek i boki rozszerzają się. Następnie środkowa część płuc jest wypełniona powietrzem, klatka piersiowa rozszerza się, żebra rozsuwają się. I wreszcie powietrze dostaje się do górnej części płuc, klatka piersiowa i ramiona unoszą się. Wydech: w tej samej kolejności. Powietrze jest wypuszczane od dołu, od środka, a następnie od góry. Wykonywanie oddechu, jak wspomniano powyżej, różni się od naturalnego (fizjologicznego). Wydajność powinna być intensywna podczas wdechu i mieć tzw. wsparcie. Wdech jest krótki. Wydech - długi. Oddech jest pobierany przez usta, wykorzystywana jest cała objętość płuc. Tak więc technika wdechu i wydechu ćwiczeń do wykonywania oddychania zmienia się radykalnie. Główne rodzaje
wydajność oddychania: dolna, środkowa, mieszana. Górne oddychanie nie jest używane. Jej brak tłumaczy się tym, że wykonawca skupia się na znalezieniu podparcia, które zależy od pracy przepony i brzucha. Musisz po cichu wziąć oddech. Najpierw musisz opanować dolny i środkowy oddech. Niższy oddech. Przyłóż dłoń prawej dłoni do brzucha, lewą po lewej stronie, dotykając dolnej części żeber. Podczas wdechu upewnij się, że powietrze równomiernie wypełnia dolną część płuc, dzięki czemu rozszerza się nie tylko żołądek, ale także mięśnie boków i pleców. Wydech jest swobodny, a nie napięty. Prasa brzuszna powinna niejako wstrzymywać wydech, to znaczy prowadzić go, aż pojawi się fizjologiczna potrzeba nowego oddechu. Średni oddech. Łączy niskie i średnie. To jest najważniejsze w praktyce wykonawczej. Dłoń prawej dłoni leży na brzuchu, lewa - na żebrach lewej strony. Podczas wdechu powietrze najpierw wypełnia dolną część płuc, obszar brzucha, boków i dolnej części pleców rozszerza się. Natychmiast, bez zwłoki, powietrze dostaje się do środkowej i górnej części płuc, co prowadzi do uniesienia klatki piersiowej, rozciągania żeber i mięśni międzyżebrowych. Ramiona nie unoszą się. Wydech zasadniczo różni się od wydechu naturalnego oddychania. Pojawienie się tzw. podpory wykonawczej podczas wydechu powoduje, że na początku powietrze jest uwalniane z górnych i środkowych części płuc. Jednocześnie mięśnie brzucha, boków, pleców pozostają jak najdłużej w pozycji wdechowej. W ostatniej chwili dochodzą do swojej pierwotnej pozycji. Podnoszenie ramion podczas wdechu wskazuje na nieprawidłowy rodzaj oddychania, w którym przepona prawie nie działa, wdech jest płytki, a wydech krótki i słaby. Po wdechu uczeń powinien starać się utrzymać klatkę piersiową w pozycji wdechowej (przytrzymać) i powoli przejść do pozycji wydechowej. W celu określenia obecności wspomagania oddechu niemiecki trębacz Rudolf Quincke zaleca następujący eksperyment w podręczniku „Oddychanie, wsparcie, zasadzki, metoda”. Oprzyj półmetrowy drewniany kij jednym końcem o ścianę, drugim, po głębokim wdechu, o brzuch. Po powolnym wydechu upewnij się, że kij nie spada, ale jest trzymany z powodu wysiłków prasy brzusznej. Podobnie
doświadczenie można uzyskać grając długie dźwięki lub długie pasaże utworu muzycznego. Za pomocą różnych metod wydechu można osiągnąć różne niuanse. Na początkowym etapie treningu należy uzyskać jednorodny dynamicznie dźwięk. Należy pamiętać, że wykonywanie oddychania powinno rozwijać się dopiero w trakcie wykonywania. Dla niektórych wykonawców podczas wydechu część powietrza wychodzi przez nos, w wyniku czego dźwięk traci swoje walory barwowe. Często dzieci też oddychają po każdym dźwięku. Ta wada musi zostać wyeliminowana. Oddychanie oddziela jedną frazę muzyczną od drugiej. Momenty inspiracji nie mogą znajdować się w przypadkowych miejscach. Nie musisz próbować zagrać całej frazy na jednym oddechu. Rozkład punktów wdechowych ma pełną analogię z czytaniem, które staje się bezsensowne i niepiśmienne. Jeżeli przystanki (cezury) odpowiadające oddechowi znajdują się w przypadkowych miejscach, to prawidłowe rozłożenie oddechu ma ogromne znaczenie dla wykonania ekspresyjnego. Gry oddechowe. W pracy z uczniami, zwłaszcza w wieku szkolnym, wskazane jest stosowanie gier oddechowych: 1). Aby rozwinąć równomierne oddychanie, możesz dmuchać w kartkę papieru, aby oddalając się od ciebie, pozostała równo, jakby zamrożona w powietrzu i nie wzdrygnęła się przed przerywanym lub nierównym oddechem. 2). Podobną grę-ćwiczenie można przeprowadzić: dmuchając na płomień świecy w taki sposób, że płomień jest odchylany, ale nie gaszony. Pomoże to uczniom odnaleźć siłę wydechu, ponieważ dzieci często muszą być ograniczane w sile wydechu, szczególnie na początkowym etapie nauki. 3). Ale są dzieci anemiczne, które muszą zwiększyć swój wydech. Wtedy to ćwiczenie jest dobre: ​​uczniowie są zapraszani na bawełnę (lub inny sygnał od nauczyciela), jakby nadmuchali balon, a potem stopniowo, bardzo powoli zaczyna się opróżniać, jakby przez mały otwór. Możesz zaprosić dzieci, aby w momencie wdechu podniosły ręce do góry, przedstawiając piłkę. Wtedy, wraz z początkiem wydechu, ręce opadną, a gdy w kuli w ogóle nie ma powietrza (czyli wydech się kończy), dziecko powinno klaskać w dłonie. Ta technika
pomoże nauczycielowi kontrolować czas trwania wydechu dla każdego ucznia. 4) Kolejne ćwiczenie mające na celu zwiększenie objętości płuc, dlatego w celu wypracowania dłuższego wydechu, pochodzi z pierwszego programu „fonopedycznej metody rozwoju głosu” V. Emelyanova - imitacja dźwięku „r” za pomocą wibracja ust. Należy zwrócić uwagę na to, że kombinacja spółgłosek „DBR” powinna być naśladowana, to znaczy dźwięczna, a nie głucha „TPR”. Dzieci są zaproszone do zabawy w podróż samochodem ze zmianą kierunku ruchu, wspinaniem się na wzgórze, schodzeniem, omijaniem przeszkód itp., co będzie wymagało od dzieci zmiany wysokości i siły tonu na wibracje ust. Zalecane jest uzyskanie dźwięcznego, energicznego tonu, który daje uczniom poczucie aktywnej pracy oddechowej i odzwierciedlenie tej pracy na mięśniach brzucha, boków i pleców. 5). Jako ćwiczenie oddechowe możesz również użyć żartu dla dzieci: „Trzydzieści trzy Yegorki mieszkają na wzgórzu, na pagórku ...”, a następnie następuje wyliczenie: raz Yegorka, dwa Yegorki, trzy Yegorki ... i tak na, który należy wypowiedzieć szybko i jednym tchem. To ćwiczenie może być oferowane dzieciom jako zawody. Codzienna praktyka z długimi nutami pomoże zwiększyć pojemność płuc i nauczyć się kontrolować strumień powietrza. Z biegiem czasu, po zdobyciu pewnego doświadczenia, możesz nauczyć się określać siłę oddychania niezbędną w konkretnym przypadku. Jeśli uczeń wdycha więcej powietrza niż wydychasz, może to powodować zawroty głowy. W takim przypadku musisz usiąść, zrelaksować się i spróbować trochę rzadziej oddychać. Wkrótce dyskomfort minie, a w klasie konieczne będzie zmniejszenie ilości wdychanego powietrza. Podczas gry na flecie bardzo ważny jest aparat artykulacyjny, a co za tym idzie, związana z nim specyficzna aktywność płuc, krtani, jamy ustnej, języka, warg i mięśni twarzy. Opanowanie umiejętności spokojnego oddychania pomaga w prawidłowej artykulacji podczas gry na instrumentach dętych. Wydobywając dźwięk, uczeń musi mieć na myśli tę lub inną sylabę, fonem mowy (wyobraź sobie go w myślach, a nie wymawiaj). Ta umiejętność prowadzi do aktywnego działania całego aparatu artykulacyjnego, co przyczynia się do swobody i łatwości wydobycia dźwięku. Jeśli weźmiemy pod uwagę stosunek artykulacji do pociągnięć, to artykulacja jest pierwotna, a pociągnięcia są drugorzędne, pochodne.
Wiadomo, że trzy rodzaje ataków są podobne w brzmieniu i sposobie reprodukcji do następujących fonemów mowy: tdk. Podczas wydobywania dźwięku mocnym atakiem ze spółgłoską „t”, czubek języka dotknie dna górnych zębów. Przy miękkim ataku ze spółgłoską „d” czubek języka będzie nieco wyższy niż przy poprzednim ataku. Atak pomocniczy wymaga udziału nie czubka języka, ale jego tylnej części (plecy), czyli spółgłoski „k”. Samogłoska następująca po spółgłosce dla wszystkich rodzajów ataków będzie wspólna: a, y lub i. Jego wybór zależy od rejestru odtwarzanej muzyki. Warunkiem decydującym jest wysokość samogłoski: „a” - małymi literami, „y” - w środku, „i” - dużymi literami. Z punktu widzenia artykulacji flet prosty pozwala na uzyskanie najszerszej gamy odcieni od najostrzejszego staccatissimo do najdłuższego legato. Niezbędny atak i zwolnienie na początku i na końcu każdej nuty jest kontrolowane przez język i palce. Jak każdy inny instrument, flet prosty pozwala łączyć różne metody artykulacji w celu uzyskania kontrastowych struktur rytmicznych niezbędnych do efektywnego frazowania. Szczegół. Nuty są wydobywane przez uderzanie czubkiem lub tyłem języka o wlot instrumentu na sylabach „tu” lub „ta”. Zwróć uwagę ucznia na oddzielanie dźwięków językiem, a nie przerywając wydech, bo. przy oddzielaniu nut przez oddech dźwięk jest rozmyty, „rozmazany”. Konieczne jest upewnienie się, że podczas wykonywania wzoru melodycznego palce dokładnie pokrywają się z uderzeniem języka. Staccato. Innymi słowy, istotą staccato jest podział czasu trwania zapisanej na papierze nuty na okres dźwiękowy i równą jej wielkością pauzę. Staccato sprawia, że ​​linia muzyczna jest lżejsza i bardziej miękka w dźwięku. W ten sposób można stworzyć wrażenie spokojniejszego grania bez zmiany siły dźwięku, co jest bardzo ważne w przypadku instrumentu dętego, w którym zmiana siły oddechu może prowadzić do zmiany wysokości brzmienia Notatka. Legato. Możliwe jest przejście od jednej nuty do drugiej bez konieczności poruszania językiem podczas grania drugiej nuty. Załóżmy, że podczas grania nuty „la” wystarczy podnieść drugi palec, aby zabrzmiała nuta „si”, jeśli ruch palca jest zbyt wolny, wówczas między dwoma nutami słychać obcy dźwięk, a szybszy ruch, tylko żądane dwie nuty są uzyskiwane. Ta metoda wydobycia dźwięku może wydawać się prostsza, ponieważ przy wydobywaniu drugiej nuty nie jest wymagany udział języka, a zatem nie ma potrzeby zastanawiania się nad koordynacją.
jego ruchy z ruchem palców. Z drugiej jednak strony jest to bardziej skomplikowane, ponieważ wymaga precyzyjnej pracy palców, której błędów nie da się już maskować przerwami między dźwiękami, jak w przypadku produkcji dźwięku staccato. Przy długim legato pojawia się kolejny problem – jak oddychać? Jeśli nie ma przerw między brzmiącymi nutami, to kiedy powinieneś zrobić wdech? Pozostaje tylko polegać na objętości płuc i pracować nad wysokiej jakości dźwiękiem z umiarkowanym wydechem. Rejestrator nie wymaga od muzyka dużych ilości powietrza. Ruch palca. Gdy tylko uczeń zacznie jednocześnie podnosić lub opuszczać więcej niż jeden palec, natychmiast wykrywane są problemy z koordynacją jego ruchu. Na początek nie podnoś palców zbyt wysoko nad otwory. Najlepsza odległość to taka, która pozwoli na powrót palca na swoje miejsce w możliwie najkrótszym czasie (np. 5-10 mm). Podniesiony palec powinien znajdować się dokładnie nad otworem. Jeśli palce odchylą się od tej pozycji, za każdym razem będziesz musiał dosłownie gonić odpowiednią dziurę, próbując ją zablokować. Gdy palce są zbyt wysokie lub na nierównej wysokości, utrudniają im prawidłowe i wyraźne poruszanie się. W przypadku podniesienia dwóch lub więcej sąsiednich palców, powinny one poruszać się jako jeden blok, a nie jako oddzielne jednostki. Palce powinny zakrywać otwory rejestratora podkładkami, a nie czubkami. Opuszki palców są większe niż otwory, więc powinno się je bez problemu zamknąć. Wielu początkujących błędnie naciska mocno palcami na otwory rejestratora, próbując w ten sposób je bezpieczniej zamknąć. W rzeczywistości wystarczy, że opuszki palców po prostu leżą na odpowiednich otworach. Kiedy dociskasz palce do instrumentów, pojawia się w nich dodatkowe napięcie, które przeszkadza w ich swobodnym ruchu. Niskie tony, oznaczające „re” i „do” pierwszej oktawy, nie są tak łatwe do przyjęcia. Na początek otwory, które są zamykane palcami prawej ręki, można zakleić taśmą samoprzylepną. Jednocześnie palce lewej ręki pozostają na swoich otworach, a uwaga ucznia może być skupiona na znalezieniu właściwej siły oddechu. Widzimy zatem, że wiedza o prawidłowym oddychaniu, dźwięku i aparacie artykulacyjnym leży u podstaw muzycznej wydajności. Wymagają priorytetowej uwagi podczas szkolenia
na instrumencie dętym. Dopiero po opanowaniu tych podstaw możesz przejść na wyżyny mistrzostwa. Podczas gry na flecie bardzo ważne jest również kształtowanie umiejętności gry na instrumencie.Na początku nauczyciel zwraca uwagę uczniów na ułożenie rąk. Pozycja wyjściowa: stopy na szerokość barków; odpoczynek na wygodniejszej dla dziecka nodze; ręce trzymają flet prosty, nie dociskają go do ciała i nie podnoszą wysoko, sylwetka ucznia układa się w stylizowaną literę „F”. Ułożenie rąk na rejestratorze: lewa ręka powyżej, prawa ręka poniżej. Musisz wziąć dyktafon prawą ręką od dołu, tak jakbyś trzymał ołówek. Kciuk i palec wskazujący lewej ręki powinny być złożone razem (iluzja dzioba kaczki). Teraz możesz prowadzić dowolną rozmowę, a nawet zaśpiewać znajomą piosenkę, wypowiadając się za pomocą tego „dzioba”. Wraz z artykulacją uczniowie wymawiają słowa dowolnej piosenki. Na przykład: „Cześć, kaczątko. Czyim dzieckiem jesteś? Do kogo dzwonisz? Gdzie płyniesz? - „Witam, dzieci, Katia i Petya! Sam wiesz, płynę do mamy. Należy zwrócić uwagę na to, że jasny, wyrazisty, zapadający w pamięć obraz kaczki lub kaczątka pomoże w przyszłości dokładnie zlokalizować lokalizację pierwszego otworu do gry na lufie instrumentu. W przyszłości, odnosząc się do prawej ręki, za pomocą podobnego zadania uczniowie dokładnie spadną na czwarty dołek gry. Kolejnym krokiem w procesie pracy jest ustawienie pozycyjne rąk. Należy zwrócić uwagę na ustawienie łokci, których nie należy dociskać do ciała. Otwory należy zamknąć środkiem opuszkami palców, przy czym dłonie nie powinny być ściskane, a palce w miarę możliwości powinny być ustawione pod kątem prostym do rejestratora. Zapewni to całkowite zakrycie otworów dyktafonu i doprowadzi do dokładnej intonacji nut. Uczeń powinien czuć się komfortowo trzymając rejestrator. Ważne: małe palce obu rąk, w lekko zaokrąglonym położeniu, znajdują się nad frontem rejestratora. Niewłaściwe jest opuszczanie małych palców, zginanie ich pod lufą instrumentu lub podnoszenie ich. Stopień zaokrąglenia zależy od ich wzajemnej długości, to znaczy od budowy ręki każdego dziecka. Ten moment inscenizacji jest bardzo ważny dla wszystkich kolejnych szkoleń i tutaj konieczne jest zapewnienie, aby każdy poradził sobie z zadaniem i aby żaden uczeń nie miał wątpliwości co do własnych umiejętności dotyczących instrumentu. Po opanowaniu układania rąk możesz przejść bezpośrednio do gry.
Rejestrator jest umieszczony pod kątem 45% do ust, tzn. dolna krawędź instrumentu nie powinna być skierowana prosto w dół ani być równoległa do podłogi. Otwory powinny być całkowicie zamknięte: trzy górne - palcem wskazującym, środkowym i serdecznym lewej ręki, a cztery dolne - palcem wskazującym, środkowym, serdecznym i małym, palcami prawej ręki. Ta pozycja rąk uczy dzieci prawidłowego ustawienia i nie wymaga przekwalifikowania przy przechodzeniu na flet poprzeczny, klarnet, saksofon itp. Ponadto oczekiwana jest indywidualna praca z każdym uczniem. Musisz upewnić się, że otwory do gry są całkowicie zamknięte. Można to zrobić mocno ściskając dyktafon, co powinno pozostawić ślady na opuszkach palców: jeśli kółka są na nich całkowicie odciśnięte, to otwory są prawidłowo zamknięte, jeśli nie, to należy kontrolować dziecko, gdy zamyka otwory do zabawy. Zamykając nuty na instrumencie muzycznym, nie należy podnosić wysoko palców – w przyszłości może to niekorzystnie wpłynąć na technikę wykonania, na przykład: w utworze występują krótkie czasy, które należy wykonać w szybkim tempie. Dziecko, które podnosi wysoko palce z otworów do gry, nie będzie w stanie zagrać utworu w tempie, w jakim jest napisane. Jeśli nauczyciel wprowadził obraz kaczątka, możesz pokonać ten moment w następujący sposób: kaczątko jest bardzo dumne, że ma magnetofon, a jego skrzydła unoszą się z dumy. Jeśli nauczyciel pracuje ze starszymi uczniami, możesz poprosić dzieci, aby położyły łokcie jak na poduszkach, podobnie jak twoje ręce są na podłokietnikach, gdy siedzisz na krześle. Po wszystkich ćwiczeniach i przetwarzaniu ruchów możesz zacząć grać. Nauczyciel, podobnie jak uczniowie, bierze do ręki flet prosty i wyraźnie pokazuje, co i jak mają zrobić. Zamykając jeden otwór do gry od góry lewą ręką palcem wskazującym, zdecydowanie musisz powiedzieć, jak nazywa się ta nuta, ponieważ od pierwszej klasy należy uczyć dzieci notacji muzycznej i poprawnie nazywać nuty. Pierwsza grająca dziura na rejestratorze nazywana jest nutą „si”. Powinieneś również pokazać, jak ta notatka wygląda w nagraniu. Palec wskazujący lewej ręki, który zamyka nutę „si”, będzie ponumerowany jako pierwszy (1), ponieważ każdy palec będzie miał swój własny numer. Podczas gry uczniowie powinni „atakować” językiem każdą nutę i jakby szeptem wypowiadać sylaby to, to, to.
Wiodąca rola w wychowaniu i edukacji ucznia należy do nauczyciela. Dlatego główną formą pracy wychowawczo-wychowawczej jest lekcja. Na lekcji nauczyciel łączy ustne wyjaśnienie i wykonanie pracy w całości lub w części, co zwiększa zainteresowanie, uwagę i aktywność ucznia. Wspólne muzykowanie ucznia i nauczyciela (ucznia i ucznia) przyczynia się do rozwoju zdolności twórczych młodych muzyków, przyspiesza proces uczenia się, rozwija u ucznia słuch, poczucie rytmu, umiejętność czytania z kartki, zaszczepia umiejętności gry w zespole. „Rozwój muzyczny ucznia – wykształcenie jego myślenia muzycznego i gustu artystycznego, poszerzenie jego horyzontów muzycznych, rozwój umiejętności wykonawczych – to zadanie, którego rozwiązanie jest głównym celem wszystkich etapów edukacji, w tym m.in. początkowy„ Rzeczywiście, trudno jest określić czas, który będzie potrzebny na rozwój niektórych umiejętności. System lekcji indywidualnych pozwala nauczycielowi budować swoją pracę w każdym indywidualnym przypadku, w oparciu o indywidualne cechy ucznia. Najważniejsze jest kierunek, treść i metody nauczania oraz rozwój ucznia. Aby skonsolidować pewne nabyte umiejętności, należy przejść przez dużą liczbę prac o mniej więcej tym samym stopniu trudności. Komplikowanie zadowalającego repertuaru powinno odbywać się stopniowo. I wreszcie, konieczne jest, aby nie pozbawiać dziecka zainteresowania nauką (szkoła muzyczna. Zależy to od wysiłków nauczyciela, jego umiejętności pedagogicznych. Jeśli uczeń z przyjemnością uczęszcza na zajęcia, nie tęskni za nimi bez dobrego powód, jeśli studiuje z zainteresowaniem, bierze czynny udział w występach koncertowych - jest to już ogromny plus zarówno dla dziecka, jak i nauczyciela Jak pisze B. Ya Grach w swojej pracy: „Praca jest dyskutowana, gdy uczeń jest zainteresowany , ale dzieje się tak, gdy jedna praca zostaje zastąpiona przez inną, gdy jedno zadanie zostaje zastąpione innym, gdy trudności są pokonywane bez zbędnego stresu. Tylko w tym przypadku dobre wyniki przynoszą uczniowi radość. Wszystko, co nie wychodzi, denerwuje ucznia a niepowodzenia często prowadzą do kontuzji. ​​Po opanowaniu umiejętności gry na flecie prostym, nauce prawidłowego wykonywania oddechu, wydobycia dźwięku na flecie prostym uczeń będzie przygotowany do drugiego etapu nauki gry na instrumentach dętych Rzeczywiście trudno określić czas które będą wymagane do rozwinięcia pewnych umiejętności. System lekcji indywidualnych daje
szansa dla nauczyciela w każdym indywidualnym przypadku, nauczyciel buduje swoją pracę w oparciu o indywidualne cechy ucznia. Najważniejsze jest kierunek, treść i metody nauczania oraz rozwój ucznia. W ten sposób właściwa wstępna nauka gry na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania reprezentacji muzycznej i słuchowej, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonawczego.
2.2.Perspektywy

nauczanie

rejestratory

musical

szkoła jako samodzielne narzędzie.
Przyzwyczailiśmy się mówić o flecie prostym tylko jako o instrumencie pomocniczym, przygotowującym młodego wykonawcę do przejścia na instrument „duży”. Może tylko przygotować dziecko na klarnet lub obój. Rejestrator nie jest instrumentem. Tak, niestety, myśli większość zwykłych rodaków, którzy nie są muzykami. Po prostu nie wiedzą, ile wspaniałej muzyki jest w tej „fajce” i jak pięknie i po mistrzowsku można ją na niej zagrać z historycznym i współczesnym wykonaniem. Jednocześnie flet prosty jest instrumentem całkowicie niezależnym i samowystarczalnym. Trzeba tylko pamiętać, że swoje utwory pisali dla niej najwięksi kompozytorzy: A. Vivaldi, G.F. Telemann, G.F. Haendla, I.S. Kawaler. Rejestrator w krajach europejskich często gra w najlepszych salach koncertowych! Wielu współczesnych nam kompozytorów, m.in. Britten, Hindemith i inni, używało fletu prostego w zespołach kameralnych i utworach symfonicznych. Istnieją zespoły muzyki dawnej, w których flet prosty jest równorzędnym instrumentem. Jest to jedno z najwygodniejszych narzędzi edukacji muzycznej. Przede wszystkim dlatego, że o wiele wygodniej jest trzymać w domu miniaturowy dyktafon niż np. fortepian. Cichy dźwięk tego instrumentu ponownie pozwala odtwarzać muzykę bez irytujących krewnych i sąsiadów. Nauka gry na flecie prostym nie wymaga wielu lat praktyki, specjalnego rozciągania palców i dużej siły mięśniowej płuc. Nie bez powodu w szkołach muzycznych to z fletem zaczyna się nauka gry na instrumentach dętych. Ponadto dyktafon jest znacznie tańszy niż jakikolwiek inny instrument. Najprostszy model plastikowy można dziś kupić za jedyne 400-500 rubli. Z tych wszystkich powodów, flety proste cieszą się dużą popularnością zarówno wśród muzyków, jak i tych, którzy chcą dołączyć do kultury muzycznej. Ponieważ, aby tego użyć
instrument może być używany w niemal każdym kierunku muzycznym, a fanów grania na flecie jest coraz więcej. Uczniowie szkół ogólnokształcących, młodzież i dorośli w sektorach praktyki pedagogicznej szkół muzycznych mogą również uczyć się gry na tym instrumencie. Być może w zespołach muzyki dawnej flet prosty pełni najpełniej funkcję, dla której został stworzony. Przez muzykę dawną rozumie się zwykle „muzykę tradycji zachodnioeuropejskiej, powstałą w okresie od średniowiecza do początku XIX wieku”. Głównym znaczeniem i zadaniem stojącym przed nauczycielem jest maksymalny (w miarę możliwości) powrót dźwięku tego czy innego utworu muzycznego poprzez grę w zespole fletów prostych. Zainteresowanie fletem wśród muzyków akademickich jest raczej słabe. Jednak na flecie są wykonawcy muzyki akademickiej, a ponadto nawet w Rosji znacznie częściej pojawiają się wielkie nazwiska jako poważne narzędzie. Na przykład niemiecki flecista Maurice Steger jest uznawany za jednego z „najlepszych wirtuozów flet prostych na świecie”. Maurice wykonuje na flecie różnorodną muzykę, od muzyki dawnej po współpracę z orkiestrami współczesnymi. Na jego koncie wykonanie najsłynniejszych utworów na flet prosty Telemanna, Sammartiniego, Vivaldiego i wielu innych, za które muzyk wielokrotnie otrzymywał nagrody od środowiska eksperckiego. Innym reprezentantem, a raczej reprezentantem kierunku akademickiego, jest dr Michala Petri z Danii. Michala występuje na europejskiej scenie zarówno jako artysta solowy, jak i członek najsłynniejszych orkiestr. Specjalnie dla Michała napisano kilkadziesiąt utworów na flet prosty. Ta niesamowita kobieta po raz pierwszy wzięła do ręki dyktafon w wieku trzech lat, a w wieku pięciu lat występowała już w duńskim radiu. Następnie Petri wybuchł oklaskami w najsłynniejszych salach koncertowych na świecie. Co ciekawe, większość zagranicznych fletów prostych nie specjalizuje się w żadnym konkretnym kierunku w muzyce, ale stara się jak najwięcej coverować. Wielu muzyków gra jednocześnie zarówno w zespołach muzyki dawnej, jak iz orkiestrami klasycznymi oraz bierze udział w różnych awangardowych projektach.
Wraz z rozwojem technologii informacyjnej instrumenty takie jak dyktafon (można by pomyśleć) szybko schodzą na dalszy plan. Ale to narzędzie ma przyszłość. Instrumenty na żywo będą obecne i stale używane. Żadne nanotechnologie nie zastąpią niczego naturalnego. Ale uzupełnienie, stworzenie równoległej przestrzeni wibracyjnej – tak. Myślę, że w niedalekiej przyszłości możliwości wykonawcze grania na flecie prostym zwiększą się dzięki zniesieniu ograniczeń. Najważniejsze jest, aby pozbyć się oczekiwań i uzyskać całkowicie niewyobrażalne odkrycia możliwości narzędzia. Flet prosty, jak każdy instrument, żyje w wielkim prawie wszechświata i jest wyjątkową częścią całej orkiestry, którą nazywa się Życiem. Rejestrator jest szeroko stosowany w prawie wszystkich dziedzinach współczesnej muzyki. Muzyka akademicka nie jest nurtem ani kierunkiem, ale drzewem rosnącym w ogrodzie cywilizacji. Muzyka akademicka - muzyka ciągłości tj. taki, który ma pamięć kulturową i rodzaj DNA, który pozwala wykryć w nim oznaki sztuki wysokiej. Każde rozgałęzienie tego drzewa będzie miało do pewnego stopnia swoje właściwości. Nieważne co: barok, klasycyzm, romantyzm, impresjonizm, awangarda... nawet najbardziej lewicowe odłamy są zawsze w zgodzie z tą estetyką. Do przekazywania wiedzy potrzebny jest system: nauczyciel-uczeń, a co za tym idzie różne jego formy. Jak ważny jest dzisiaj rejestrator? Teraz są narzędzia o znacznie szerszych możliwościach technicznych. Rzeczywiście, istnieją narzędzia, które w toku rozwoju historii kultury zyskały status archetypów, posłańców określonej epoki. Na przykład klawesyn jest niewątpliwie uważany za pewien znak baroku, epoki Rameau i Couperina, Polletti i Scarlattich, dynastii Bacha. Podobnie jest z rejestratorem. Instrument ten należy w przeważającej części do muzyki barokowej i etnicznej. Jaki jest jej repertuar? Liczne transkrypcje z oryginałów, aranżacje, etnoimprowizacje. Rejestrator nie został poddany takiemu technicznemu rozszerzeniu technik wydobywania dźwięku i, co najważniejsze, zastosowaniu tych rozszerzeń w dziele sztuki, jak np. wielki flet. Ale wręcz przeciwnie, żyje własnym, całkowicie niezależnym i niezależnym życiem. Co zaskakujące, przy dość szerokich możliwościach technicznych ubiegłego wieku i prawie bezgranicznym nurcie,
Rejestrator jest aktywnie wykorzystywany w muzyce popularnej. To zresztą po raz kolejny obala teorię, że o flecie prostym zapomniano ze względu na jego ciche brzmienie i słabe możliwości muzyczne. Nauczyciele od dawna włączają do repertuaru szkoły muzycznej melodie tak popularnych i legendarnych grup jak The Beatles, The Rollling Stones, Led Zeppelin, Curtis E. „Wróć do Sorrento!”, Oliveira L. Muzyka z filmu „The Generałowie z Sandy Quarry”, James Last. The Lonely Shepherd, 134 Kb, zip Ponadto jest dziś wielu kompozytorów, którzy piszą muzykę specjalnie na flety proste. Wśród zagranicznych nazwisk są Giorgio Tedda, Alberto Jacopucci, Markus Zhanhausen, Macotto Shinoara, Moritz Eggert, Decebala Grigorutse. W naszym kraju komponowanie muzyki na flet prosty nie jest tak powszechne. Jednak na przykład jeden z najpopularniejszych i najwybitniejszych kompozytorów rosyjskich Siergiej Słonimski jest autorem wielu kompozycji na zespoły fletowe. Należy również zwrócić uwagę na kompozytora Władimira Daszkiewicza, który jest autorem muzyki do wielu filmów. Jego kompozycje często zawierają partie dla fletu prostego (np. w kompozycjach do filmu „Sherlock Holmes i Dr. Watson”). Tworzenie aranżacji na instrumenty dęte i perkusyjne przyczynia się również do wzbogacenia repertuaru studentów. Przez lata istnienia wydziału nauczyciele zwracali uwagę na tę pracę. Jako przykład można przytoczyć opracowanie I.P. Mozgovenki sonat i partit skrzypcowych J.S. Bacha; opracowanie wariacji J. Dunkla S.P. itp.
Wniosek
Nauczanie gry na flecie prostym w dziecięcej szkole muzycznej na początkowym etapie edukacji daje rozwój nie tylko ogólnych umiejętności muzycznych, ale także zawodowych. Im aktywniej dzieci zaangażują się w sztukę muzyczną, tym bardziej harmonijne będzie wychowanie młodszego pokolenia. Dzieci uczące się na flecie prostym w dziecięcych szkołach muzycznych, które nie osiągnęły perfekcji i profesjonalizmu, z pewnych przyczyn indywidualnych, nabędą na tym instrumencie cenny bagaż dla ogólnego rozwoju muzycznego i oswajania się z muzyką, nauczą się emocjonalnie przeżywać i postrzegać muzykę.
Te dzieci, które będą w stanie wynieść swój trening na flecie prostym na profesjonalnym poziomie, odniosą nieocenione korzyści w dalszym doskonaleniu swoich umiejętności wykonawczych. Wyznaczając sobie tak wysokie cele, nauczyciel w swojej specjalności powinien zajmować się uczniem w zakresie muzyki w ogóle, a na tym instrumencie w szczególności. Dlatego tylko ten nauczyciel osiągnie pożądane rezultaty, które wraz z nauką gry na instrumencie rozwiną jego zdolności muzyczne. Zaszczepienie miłości do instrumentu dętego, zapewnienie prawidłowego ustawienia aparatu ust, palców i całego ciała dziecka to ważny punkt w pracy nauczyciela z uczniem. Uczeń, ucząc się na flecie prostym, w pierwszych latach zajęć powinien zawsze usłyszeć od nauczyciela, że ​​każdy instrument dęty jest piękny i wyrazisty, a uczyć się na nim mogą tylko ci, którzy mają do niego pewne fizyczne zdolności muzyczne. Takie metodycznie poprawne sformułowanie pytania praktycznie wyklucza możliwość urazu psychicznego dziecka przy przesiadce z flet prosty na obój, klarnet, trąbkę czy jakikolwiek inny instrument dęty. Wstępna nauka gry na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania się wykonawstwa muzycznego i słuchowego, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonawczego. Opanowanie podstaw gry na flecie prostym powinno pozwolić dzieciom na dalsze obcowanie z muzyką, stanie się muzykami amatorami, koneserami muzyki, zrozumieniem charakteru, formy, stylu utworu muzycznego, a także uczestniczenie w amatorskich występach czy po prostu granie muzyki. Każde dziecko, biorąc do ręki flet prosty, uczy się muzyki od pierwszych lekcji poprzez własne muzykowanie. Teraz staje się bezpośrednim „dyrygentem” wszystkich pomysłów kompozytora, ponieważ aby zagrać utwór, trzeba dokładnie przeanalizować i dosłownie „przepuścić przez siebie”, nawet nieświadomie, wszystkie myśli i uczucia przekazywane przez dźwięki. A instrumenty muzyczne związane z oddychaniem są najbliżej ludzkiego głosu – najlepszego „instrumentu muzycznego”. Właściwie wszyscy najlepsi muzycy w swojej twórczości starają się grać tak, jak człowiek śpiewa lub mówi. Flet - dzięki łatwej produkcji dźwięku ma ogromne możliwości wyrażania myśli i
wybuchy duszy, z wyczuciem reaguje na najdrobniejsze zmiany w naszym oddechu czy ruchu, a flet prosty w dobrych rękach potrafi opowiedzieć wiele ciekawych rzeczy... Myślę, że ten instrument wybierają ludzie, którzy potrafią odnaleźć i docenić piękno w prostych słowach. , podstawowe rzeczy. I rzadko w naszej praktycznej, pieniężnej epoce. I rzeczywiście - mało prestiżowy instrument muzyczny - prosta rura, tylko 8 otworów, ale ile emocji, jaki rozwój daje naszemu umysłowi i naszemu sercu. Zainteresowanie fletem prostym i innymi starożytnymi instrumentami muzycznymi wynika w dużej mierze z ogólnego zainteresowania wszystkim, co ma związek z starożytnością. Ten trend nie jest niczym nowym. Z historii można wywnioskować, że ludzie zawsze interesowali się swoją przeszłością. Wyjątkowość instrumentu, jego dostępność do masteringu, szeroki wachlarz możliwości muzycznych, niski koszt również przyczyniają się do rosnącego zainteresowania fletem.
BIBLIOGRAFIA
1. Abdulin E. B. Nikolaeva E. V. Teoria edukacji muzycznej - M., 2004. 2. Apraksina O. Metody edukacji muzycznej w szkole. - Instruktaż. - M.: Oświecenie 1983. 3. Barenboim L. System edukacji muzycznej K. Orffa. - L.: Muzyka, 1970. 4. Barenboim L. Podstawowa edukacja muzyczna wg systemu K. Orffa. - L.: Muzyka, 1970. 5. Berezin V. Wielki francuski flecista w zwierciadle czasu. „Muzyka wczesna”: Ezhekv. muzyka czasopismo / Założyciel: Agencja Literacka „PREST”. M.: B. ja. 2005. - nr 1-2 (27-28). 6. Berezin V. Instrumenty dęte w muzycznej kulturze klasycyzmu. M.: Wydawnictwo Instytutu Ogólnokształcącego Szkolnictwa Średniego Rosyjskiej Akademii Edukacji, 2000. 388 e., ilustracje, notatki. 7. Bocharow. Y. Mistrzowie muzyki dawnej. M. - Helios, 2005, s. 6 8. Braudo I. Artykulacja (O wymowie melodii). Wydanie II. Muzyka, oddział Leningradu. L.: 1973. 200 s. 9. Vinogradov L.V., Tevosyan E.S. Flet blokowy. Kolektywne tworzenie muzyki. Część 1. Państwo. obraz. Szkoła nr 1321 „Arka”. Regionalna Organizacja Publiczna Osób Niepełnosprawnych i Rodziców Dzieci Niepełnosprawnych (ROOI), 2004.
10. Gruber R. Historia kultury muzycznej. T.I (od czasów starożytnych do końca XVI wieku) Część druga. M., JL: Stan. muzyka Wydawnictwo, 1994. 514 s. 11. Dikov B. O oddychaniu podczas gry na instrumencie dętym. - M.: Muzgiz, 1956. 12. Dikov B. Metody nauczania gry na instrumentach dętych. Wyd. 2. - M .: Muzyka, 1987. 13. Dolzhikov Yu Artykulacja i uderzenia podczas gry na flecie w książce Pytania pedagogiki muzycznej: zbiór artykułów. Kwestia. 10. (Opracował Yu.Usov). M.: Muzyka, 1991.-176 s. 14. Dolzhikov Yu Technika oddychania flecisty: Pytania pedagogiki muzycznej: Zbiór artykułów. Kwestia. 4/Wyd.-stat. Ju.Usow. -M.: Muzyka, 1983. 128 e., notatki. 15. Druskin M. Historia muzyki obcej (wyd. IV). II poł. XIX w., M.: Muzyka, 1980. 528 e., przyp. 16. Emelyanov V. „Rozwój głosu, koordynacja i szkolenie”. - SPb., 2000. 17. Iwanow V. Słownik muzyków dętych blaszanych. M.: Muzyka, 2007. - 128 s. 18. Kachmarchik V. Barokowa technika zadęcia flecisty. Magazyn muzyczny i czasowy. M., 2006. -№11.ts 19. Kachmarchik V. Artykulacja fletu epoki baroku. „Muzyka wczesna”: Ezhekv. muzyka czasopismo / Założyciel: Lit. agencja "GEREST". M.: B. ja. -2005.-№№3-4. 20. Levin S. Instrumenty dęte w dziejach kultury muzycznej. - L.: Muzyka, 1993. 21. Słownik muzyczny Grove'a. Drugie wydanie rosyjskie, poprawione i powiększone. Za. z angielskiego. M.: Praktyka, 2007. - 1103 s. 22. Encyklopedia muzyczna, v.1,: M. Encyklopedia radziecka, 1976 - s.178 23. Nowa uniwersalna księga informacyjna krajów i narodów świata / opracowana przez A.G. Wyd. 2. - Rostov n / a: Phoenix, 2007. - 380, 1. s. - (Podręcznik). 24. Polezhaev D. Historyczny cel ludu i jego odzwierciedlenie w mentalności narodowej. (Materiały z międzynarodowej konferencji naukowej: „Nauka, sztuka, wychowanie w kulturze I tysiąclecia”, 10-11 kwietnia 2003 r.). Wołgograd: Izd.VolGU, 2003. 25. Płatonow N. Zagadnienia metod nauczania gry na instrumentach dętych.
26. Platonov N. Metody nauczania gry na flecie (patrz: Metody nauczania gry na instrumentach dętych. Eseje. Wydanie II / pod redakcją generalną Yu.A. Usov /). Muzyka. M., 1966. 270 s. 27. Pushechnikov I. ABC początkującego rejestratora. - M.: Muzyka, 1991. 19. Rachina B. Podróż do kraju muzyki. - Petersburg, 1997. 28. Pushechnikov I / Pytania metod nauczania gry na flecie prostym. - Petersburg, 1984. 29. Raaben L. Kameralna muzyka instrumentalna pierwszej połowy XX wieku. : Kraje Europy i Ameryki: Badania / Lengir. państwo. Instytut Teatru, Muzyki i Kinematografii im. N.A. Czerkasowa. L.: Kompozytor radziecki. Wydział Leningradzki, 1986. - 197, 1. e., ilustracje, notatki. 30. Rokityanskaya T. Nauka gry na flecie prostym w grupie // Sztuka w szkole. - 1998. - nr 1 31. Rolland R. Dziedzictwo muzyczne i historyczne: W 8 numerach. Kwestia. 3. Muzycy przeszłości. Muzyczna podróż do krainy przeszłości / red., komp. i komentować. V. Bryantseva. M .: Muzyka, 1988. - 448 e., notatki, portret. 32. Trizno B. Flet / Seria "Instrumenty muzyczne". LGITMiK. M.: Muzyka, 1964. 52 s. 33. Usov A. Pytania teorii i praktyki gry na waltorni // Metody nauczania gry na instrumentach niedętych: Problem. 1. - M., 1964. 34. Usov Yu Historia wykonań zagranicznych na instrumentach dętych: Podręcznik. - wyd. 2, dodaj. -M.: Muzyka, 1989. 205 2. e., notatki. 35. Usov Yu Radziecka szkoła gry na instrumentach dętych w latach 1960-1980: Wydajność muzyczna i nowoczesność: Zbiór artykułów / Comp. mgr Smirnow. -M.: Muzyka, 1988. 319 s. 36. Fedotov A. Metody nauczania gry na instrumentach dętych. M.: Muzyka, 1975.-159 s. 37. Shkolyar L. V., Krasilnikova M. S., Kritskaya E. D., Usacheva V. O., Medushevsky V. V., Shkolyar V. A. Teoria i metody edukacji muzycznej dla dzieci. - M., 1999. 38. Tsybin V. Podstawy techniki gry na flecie. Część 1. Państwo. muzyka Wydawnictwo. M.-L.: 1940, 248 s. 39. Yagudin Yu O rozwoju ekspresji dźwięku (Metody nauczania gry na instrumentach dętych, wydanie Z), M.: 1971. 271 s.

6440 0 5.0

PROGRAM NAUCZANIA PRZEDSZKOLAKÓW GRY NA Flecie Fletowym

dyrektor muzyczny MBDOU nr 124 miasta Penza.

Notatka wyjaśniająca

Nauka gry na flecie prostym obejmuje nie tylko opanowanie specyfiki posiadania instrumentu, ale także naukę umiejętności muzycznych, rozwijanie słuchu, poczucia rytmu, a także poznawanie historii muzyki. Dziecko otrzymuje pełnoprawny rozwój muzyczny i nabywa umiejętności gry na flecie prostym.
Praktyczne znaczenie lekcji na flecie prostym wiąże się zarówno z fizycznym, jak i intelektualnym rozwojem dziecka. Stosowanie specjalnych technik wykonywania oddechu rozwija narządy oddechowe, ciągła praca nad technikami wykonywania stymuluje rozwój płynności palców i precyzyjnej koordynacji ruchów. Praca nad pracami ćwiczy pamięć dziecka. Znajomość różnych gatunków muzycznych, kompozytorów, stylów historycznych, epok i krajów podczas studiowania każdej charakterystycznej twórczości poszerza horyzonty artystyczne dziecka, zaszczepia w nim zainteresowanie i miłość do muzyki oraz rozwija zdolności twórcze.
Występy zespołowe odgrywają ważną rolę w nauce gry na flecie prostym. Przyczynia się do rozwoju słuchu dziecka, jego techniki wykonawczej, pozwala poszerzyć zakres badanych utworów.
Program nauki gry na flecie prostym wprowadza dzieci w sztukę muzykowania, rozwija emocjonalność, kunszt, gust muzyczny i artystyczny dziecka. Sprzyja pracowitości, dokładności, celowości, pomaga przystosować się społecznie, tworzy kulturę wykonawczą.
Program należy do orientacji artystycznej i estetycznej. Program został opracowany z uwzględnieniem wieku i cech psychologicznych dzieci i jest modyfikowany, gdyż pisany jest w oparciu o istniejące metody i tradycje gry na instrumentach dętych drewnianych (w szczególności na flecie prostym). Przede wszystkim są to metody nauczania fletu stosowane w dziecięcych szkołach muzycznych, a także tradycje nauczania takich profesorów-nauczycieli jak Yu.Dolzhikov, V.Kudrya, N.Volkov, N.Platonov itp.
Charakterystyczną cechą programu jest to, że każde dziecko, niezależnie od naturalnych zdolności i poziomu wyszkolenia muzycznego, może opanować umiejętności gry na flecie prostym.
Program przeznaczony jest do pełnego rozwoju dziecka podczas gry na instrumencie. Na szkolenie przyjmowane są dzieci o wszystkich umiejętnościach. Na pierwszej lekcji badany jest słuch dziecka, pamięć muzyczna i poczucie rytmu. W ten sposób nauczyciel opracowuje indywidualny plan dla każdego dziecka, określając dla siebie rozwój umiejętności, które powinny być traktowane priorytetowo.
Kluczowe pojęcia użyte w programie zostały zaczerpnięte głównie z metod różnych nauczycieli, ale istnieje kilka koncepcji, które są unikalne dla tego programu:
1. Wszystkie zainteresowane dzieci mogą uczyć się bez uwzględniania danych muzycznych.
2. Dziecko może rozpocząć naukę w każdym wieku.
3. Specyfika procesu edukacyjnego. Dziecko, nawet o przeciętnych umiejętnościach, może osiągnąć określone wyniki w nauce gry na flecie prostym.
Indywidualne podejście nauczyciela do wyboru badanych prac pomaga dziecku w jak najkrótszym czasie poprawić swój poziom wykonawczy.

Cele i zadania programu nauczania przedszkolaków gry na flecie prostym.

Cel programu- opanowanie podstawowych umiejętności gry na flecie prostym, twórczy rozwój osobowości dziecka.
Zadania:
. Poradniki:
Nauczenie dzieci podstawowych umiejętności gry na flecie prostym. Opanowanie wiedzy muzyczno-teoretycznej. Rozwój umiejętności gry w zespole.
. Edukacyjny:
Grając w zespole, zaszczepić dzieciom kulturę komunikacji, szacunek dla siebie. Kształtowanie zasad zachowania w społeczeństwie, rozwijanie tradycji domowego muzykowania.
. Rozwijanie:
Rozwój cech osobistych, takich jak: samodzielność, aktywność, odpowiedzialność, dokładność, towarzyskość. A także zdolności muzyczne, pamięć muzyczną, myślenie. Kształtowanie potrzeby samorozwoju, samodoskonalenia. Rozwój zainteresowań muzycznych, gustów, potrzeb dziecka.

Planując trening na flecie prostym, weź pod uwagę następujące punkty:
- orientacja metodyczna szkolenia, w której dzieci świadomie postępują zgodnie z instrukcjami nauczyciela, rozumieją, zapamiętują metody, techniki, kolejność w pracy; rozszerzenie zakresu lekcji o solfeż, ruchy rytmiczne, słuchanie muzyki, mówienie o muzyce; stymulowanie aktywności, samodzielności i kreatywności dzieci we wszystkich rodzajach ich aktywności w klasie;
- emocjonalne bogactwo lekcji;
- wykorzystanie gier i technik gier w prowadzeniu zajęć;
- problematyczna struktura zajęć, aktywizująca uwagę, myślenie, rozwój ogólny i muzyczny dzieci.
Wszystkie te zapisy pozostają niezmienione na wszystkich etapach uczenia się rejestratora. Zmieniają się tylko konkretne treści, formy i metody pracy.

Plan tematyczny I roku studiów

1. Lekcja wprowadzająca 2 lekcje
2. Ustawienie oddechu 6 lekcji
3. Nauka palcowania 6 lekcji
4. Opanowanie wykonania głównych uderzeń 3 lekcje


7. Podstawy alfabetyzacji muzycznej 4 lekcje
8. Pokazy, koncerty 3 lekcje
9. Razem: 70 lekcji

Plan tematyczny II roku studiów

№ Nazwa sekcji Liczba lekcji
1. Lekcja wprowadzająca 1 lekcja
2. Rozwój umiejętności oddychania 7 lekcji
3. Nauka palcowania 4 lekcje
4. Rozwój artykulacji 4 lekcje
5. Praca nad pracami 23 lekcje
6. Praca nad materiałem edukacyjno-szkoleniowym (ćwiczenia, skale, etiudy) 23 lekcje
7. Nauka nowych struktur metrorytmicznych 4 lekcje
8. Pokazy, koncerty 4 lekcje
9. Razem: 70 lekcji

Struktura lekcji

Lekcja składa się z następujących części:

1. Skale, ćwiczenia rozwoju techniki 5-10 min
2. Notacja muzyczna, wybór 5 min
3. Gry kreatywne, transpozycja 5 min
4. Praca nad szkicami 5 min
5. Czytanie wzrokiem 5 min
6. Praca nad repertuarem, dyskusja, rozmowa o kompozytorze, charakterze, stylu 10 min
7. Praca zespołowa 5 min
8. Praca domowa, której celem jest utrwalenie odpowiedniej wiedzy lub umiejętności 5 min

Ten przybliżony schemat lekcji jest postrzegany jako model, który można zmieniać na różne sposoby, poświęcając mniej lub więcej czasu na jakiś rodzaj aktywności na lekcji, w zależności od poziomu rozwoju muzycznego i roku studiów.

Formy organizacji procesu edukacyjnego

1. Aktywność poznawcza: trening, prowadzenie rozmów o muzyce; powtórka; uczęszczanie na koncerty i
występy.
2. Działalność twórcza: występy koncertowe; udział w konkursach i festiwalach.
Praca z rodzicami: zajęcia otwarte, dni otwarte; indywidualne rozmowy nauczyciela z rodzicami; spotkania rodziców.
Plan lekcji jest zawsze inny. Dziecko aktywnie uczestniczy w procesie edukacyjnym, rozwija swoje
kreatywne myślenie, dążenie do osiągnięcia dobrego wyniku.
Flet prosty jest jedną z najpopularniejszych odmian fletu podłużnego. Wielowiekowa historia jego rozwoju rozpoczęła się w czasach wypraw krzyżowych, kiedy fletu prostego przybyło ze Wschodu do Europy Zachodniej i zaczął być uważany za jeden z najdoskonalszych instrumentów dętych.
Obecnie rejestrator jest używany głównie tylko w procesie edukacyjnym. Opanowanie umiejętności gry na flecie prostym przygotowuje dziecko do gry na dowolnym innym instrumencie dętym.
Wszystkie dzieci, niezależnie od wieku, rozpoczynają naukę na flecie prostym. Po kilku zajęciach, w których dziecko otrzymuje priorytetową wiedzę i umiejętności, gra w zespole zostaje dołączona do gry solowej. Może to być zespół: flet prosty z fortepianem lub zespół kilku instrumentów. Umiejętności zespołowe uczymy się na lekcjach indywidualnych. Ale od drugiego roku studiów na flecie prostym więcej czasu poświęca się grze w zespole.
Zarówno kompozycje zespołowe, jak i wykonywane utwory rozwijają się i stają się coraz bardziej złożone.
W trakcie nauki programu do nauki gry na flecie prostym dziecko nauczy się prawidłowo oddychać, grać wszystkie nuty w zakresie półtorej oktawy, grać gamy różnymi uderzeniami (legato, staccato, detal ), znać wszystkie klawisze i grać je w ruchomym tempie. Naucz się samodzielnie czytać muzykę. Dziecko będzie mogło grać w zespole z pianinem lub innymi instrumentami. Znajomość podstawowych struktur metrorytmicznych.
Umieć nastroić instrument i monitorować intonację podczas gry.
W trakcie nauki według programu nauki gry na flecie, dziecko opanuje techniki wykonywania oddechu, rodzaje i metody ataku, równomierność i czas trwania nauki o dźwięku, techniki grania nut w różnych rejestrach, prawidłowe ustawienie instrumentu i technika wykonania palców. Naucz się intonować, stroić instrument i monitorować jego stan techniczny. Dziecko musi zastosować wszystkie wyuczone umiejętności gry w zespole z fortepianem lub innymi instrumentami.

I rok studiów:

Skale molowe i durowe z jednym znakiem, kreską legato i staccato, samodzielna analiza tekstu muzycznego, podstawowe struktury metrorytmiczne (długość nut, znaki i zapis dynamiki), utwory zróżnicowane.

Drugi rok studiów:

Skale molowe i durowe do 3 znaków w tempie ruchomym z różnymi uderzeniami, rytmem punktowanym, samostrojeniem instrumentu, dokładnością intonacji podczas wykonania.

Przybliżona lista utworów muzycznych zalecanych do wykonania na flecie prostym w ciągu roku akademickiego na kolokwiach i egzaminach

Pierwszy rok studiów
1 połowa
Rosyjska piosenka ludowa „W zielonym ogrodzie”;
W. A. ​​Mozarta „ABC”;
D. B. Kabalevsky "Mała Polka".

2 semestr
A. Krasev „Top-top”;
Szwajcarska piosenka ludowa „Kukułka”;
J. Haydna „Pieśń”.
Zespół: rosyjska piosenka ludowa „Winogrona kwitną w ogrodzie”;
B. A. Mozart „Allegretto”;
A. Gretry „Spór”.

Drugi rok studiów
1 połowa
L.V. Beethoven „Ecossaise”;
N. A. Rimsky-Korsakov „Kołysanka Wołchowa”;
C. Moniuszko „Opowieść zimowa”.

2 semestr
LV Beethoven „Świstak”;
JB Rameau "Rigodon";
A. Lyadov „Taniec komara”.
Zespół: W. A. ​​Mozart „Menuet”;
R. Schumanna "Ćma";
F. Mendelssohn „Pieśń”.

Pierwszy rok studiów

1. Lekcja wprowadzająca.

2. Ustawienie oddechu.
Teoria: podstawowe zasady wykonywania oddechu na rejestratorze.
Praktyka: specjalne ćwiczenia dla rozwoju aktywnego szybkiego wdechu i przedłużonego wydechu. Odtwarzanie długich dźwięków.
3. Nauka palcowania na flecie prostym.
Opanowanie racjonalnego ustawienia rąk, głowy.
4. Opanowanie wykonania głównych uderzeń na flecie prostym.
Teoria: metody artykulacji.
Praktyka: ćwiczenia na różne rodzaje ataków, wykonywane na tym samym dźwięku. Nauka gry różnymi uderzeniami.

Teoria: utwory proste, czytanie a vista, analiza znaków muzycznych i notacja.
Praktyka: granie utworów solo iz akompaniamentem.

Wykonanie skal, etiud i różnych utworów. Praca nad różnymi rodzajami technik wykonawczych.
7. Podstawy umiejętności muzycznych odgrywają ważną rolę w nauce gry na flecie prostym.
Teoria: opanowanie notacji muzycznej, czasy trwania; opanowanie najprostszych rozmiarów metro-rytmicznych, pauz, niuansów;
badanie zakresu fletów.
Praktyka: znajomość różnych gatunków utworów; struktura akordów głównych i interwałów; nauka skal durowych i molowych.
8. Zespół (dla programu I roku studiów).
Rozwój umiejętności czytania a vista, praca nad intonacją, gra w zespole z innymi instrumentami.
9. Próby, udział w koncertach i konkursach.
Umiejętności sceniczne. Udział w koncertach w DOW.

Drugi rok studiów

1. Lekcja wprowadzająca.
Odprawa BHP, zapoznanie się z programem szkolenia, narzędziem, jego urządzeniem, zasadami opieki nad nim.
2. Rozwój sprawności oddychania wyczynowego.
Teoria: zasady wydłużonego, równomiernego wydechu i koncepcja podparcia.
Praktyka: granie przedłużonych dźwięków z różną dynamiką, granie ćwiczeń.
3. Nauka palcowania.
Teoria: palcowanie w obrębie trzech oktaw.
Praktyka: gra rozwijająca ćwiczenia, trening palców.
4. Rozwój artykulacji.
Teoria: opanowanie różnych metod artykulacji i rodzajów ataku.
Praktyka: gra ćwiczeń ataku, gra ćwiczeń mobilności języka.
5. Praca nad pracami.
Teoria: Utwory o różnych uderzeniach i bardziej złożone struktury metrum-rytmiczne.
Praktyka: samodzielna analiza i granie utworów zarówno solo, jak iw zespole.
6. Praca nad materiałami edukacyjnymi i szkoleniowymi.
Teoria: badanie struktur metrorytmicznych.
Praktyka: granie gam do trzech znaków, etiud i utworów o różnym charakterze.
7. Podstawy alfabetyzacji muzycznej.
Teoria: opanowanie bardziej złożonych struktur metrorytmicznych, zmienne rozmiary.
Praktyka: gra ćwiczeń, zabawy.
8. Próby. Udział w koncertach, konkursach.
Występy na scenie, udział w koncertach DOW

Wsparcie metodyczne programu

Każda lekcja zawiera różne rodzaje pracy. Na każdej lekcji stosunek poszczególnych sekcji nie jest precyzyjnie regulowany. W zależności od warunków jest różnie, ale we wszystkich przypadkach zawsze obserwuje się pewną proporcjonalność i kolejność poszczególnych odcinków.
Aby osiągnąć dobrą jakość wykonania, każde dziecko jest wychowywane z dużymi wymaganiami wobec siebie. Świadome przyswajanie wiedzy, umiejętności i zdolności zakłada aktywność ucznia. Przez cały etap szkolenia prowadzona jest praca nad intonacją, stosowane są metody pracy indywidualnej i zespołowej, stosowane są różne ćwiczenia, tuner itp.
Jednym z niezbędnych warunków pełnego rozwoju dziecka, edukacji rozwiniętej osobowości twórczej jest systematyczne nauczanie umiejętności muzycznych itp. Nauka gry na flecie prostym jest determinowana przez pedagogikę i
wskazówki metodyczne, którymi kieruje się nauczyciel w swojej pracy.
Forma zajęć to lekcja indywidualna. Forma pracy na lekcji jest praktyczna i teoretyczna. Zespół jest działaniem grupowym. Forma pracy – praktyczna i teoretyczna.

Gra na flecie prostym to poważny proces, który wymaga koncentracji zdolności umysłowych i fizycznych dziecka. Uczeń nabywa nowe umiejętności i zdolności. Ale najważniejsza jest kreatywność. Dlatego podczas lekcji stosuje się techniki, które pomagają dziecku szybko opanować badany materiał. Do pracy nad rytmem, podczas rozwoju różnych czasów trwania, stosuje się: marsz, klaskanie, solfegging, zespół (gra z innymi instrumentami). Dzieci przychodzą na zajęcia, aby uczyć się i czerpać estetyczną przyjemność z całego procesu twórczego: poznawania nowych utworów, komunikowania się z nauczycielem, z rówieśnikami, z odczuwania rozwoju zawodowego jako wykonawca.

Warunki realizacji programu

Pomyślne wdrożenie programu wymaga:
1. Obecność biura, fortepian.
2. Obecność stojaka na muzykę i materiał muzyczny.
3. Dostępność środków technicznych (metronom, tuner).
Każde dziecko ma swój indywidualny instrument i materiał muzyczny.

) rozmawialiśmy ogólnie o skalach. Dzisiaj chciałbym konkretnie poruszyć kwestię pracy nad gamma - jak z nią pracować, aby osiągnąć swoje cele. Jak pamiętasz, najważniejsze z nich to równość, przejrzystość i płynność. Ale najpierw zastanówmy się, które skale będą „pionierami” w twoim życiu muzycznym jako pianisty. W programach szkolnych pierwszym z nich jest studium skali C-dur. Trzyma się na prowadzeniu ze względu na brak znaków - czyli gra się na białych klawiszach. Jednak mimo pozornej prostoty skala nie jest zbyt wygodna pianistycznie. Istnieje coś takiego jak „formuła Chopina”, według której gama H-dur zapewnia najwygodniejszą pozycję ręki. Jeśli ułożysz palce, zaczynając od jej subdominy – mi-fa#-sol#-la#-si, wtedy ręka przyjmie najbardziej naturalną pozycję – dźwignie (1 i 5 palców) są opuszczone – leżą na białych klawiszach ; a środkowe palce tworzą naturalną kopułę. Na potwierdzenie tej tezy chciałbym przytoczyć słowa słynnego rosyjskiego pianisty i nauczyciela Lwa Oborina: „Ręka czuje się najbardziej naturalnie, gdy pierwszy i piąty palec leżą na białych klawiszach, a drugi, trzeci i czwarty na klawiszach. czarne klucze. Ta pozycja, niegdyś polecana przez Chopina, jest najbardziej praktyczna dla wypracowania naturalnej pozycji ręki. Po opanowaniu tego możesz przejść do mniej dogodnych pozycji ... ”

Na początek można więc ćwiczyć na tej Chopinowskiej formule, grając ją lekko nie legato z udziałem pędzla. Po opanowaniu formuły zaczynamy studiować całą skalę H-dur, a następnie przechodzimy do pozostałych skal.

Możesz wybrać inną kolejność studiowania skal - kwintami: Do - Sol - Re - La - Mi itd. Ta metoda daje badanie systemu tonalnego muzyki. Po przepracowaniu wszystkich skal w kręgu kwintowym zrozumiesz wszystkie tonacje i skonsolidujesz teorię z praktyką.

Możesz także zagrać w skali, w której napisana jest uczona praca. Tutaj zaletą jest to, że znaki w skali są już znane, a same palce opadną na pożądane klawisze. A jeśli praca zawiera fragmenty przypominające skalę, tym bardziej skala będzie odpowiednia i użyteczna na tym etapie.

Chcę zauważyć, że w tandemie z durem grany jest mol równoległy, to znaczy taki, który leży o tercję małą poniżej.

Porozmawiajmy teraz o trudnościach technicznych w wagach.

Pierwszą rzeczą, na którą musisz zwrócić uwagę, jest palcowanie. Prawidłowo wyuczona sekwencja palców jest kluczem do szybkiej i równej gry. Wszystkie zasady palcowania opisałem już w poprzednim artykule. W tym samym artykule znajdziesz również rodzaje skal, którymi trzeba grać. Aby jednak do nich przejść, najpierw musisz dobrze poznać główny widok, ponieważ jest to szkielet dla wszystkich typów.

Najbardziej problematycznym momentem jest, jak już wiesz, włożenie pierwszego palca. W tym miejscu chcę zwrócić się do psychologicznej postawy rosyjskiego pianisty i nauczyciela G. G. Neuhausa: „koncepcję wkładania pierwszego palca pod rękę” należy zastąpić „bardziej realną i naturalną koncepcją przesuwania ręki po pierwszym palcu. ” W końcu psychologicznie łatwiej jest przesunąć rękę przez pierwszy palec niż umieścić ją pod dłonią ...

A oto ćwiczenie, które poleca: podczas grania gamy C-dur zatrzymujemy się na dźwięk mi, trzymając klawisz w opuszczonej pozycji. Kolejny dźwięk - Fa - grany jest naprzemiennie czwartym i pierwszym palcem. Podobny przystanek w kroku 7 (si), po którym następuje granie si do piątym lub pierwszymi palcami:

Kolejnym ćwiczeniem zalecanym przez G.G. Neuhausa jest wyodrębnienie w skali skali tylko tych dźwięków, które muszą być podkładane:

Inny nauczyciel i pianista W. Safonow proponuje następujący wariant pracy nad tym problemem: wykonując tradycyjne ćwiczenie pięciopalcowe, graj je nie wszystkimi palcami po kolei, ale kolejno poruszając kciukiem:

To ćwiczenie pomoże ci osiągnąć niezależność i koordynację palców oraz nauczyć się wkładania i wypinania.

Możesz spróbować wariacji palcowania - zagraj całą skalę 1-2,1-2; 1-3,1-3 i 1-4,1-4.

Podczas układania ważne jest, aby mieć oko na rękę. Bardzo często łokieć i całe przedramię są zbyt „wywinięte” wraz z pierwszym palcem. Należy tego unikać i upewnić się, że przedramię i łokieć wydają się rysować prostą linię, bez załamań i zgięć.

Aby skoordynować pracę obu rąk, a także zachować przejrzystość rytmiczną, zalecam wykonywanie akcentów czterech dźwięków w skali czterech oktaw, a ponadto we wszystkich formach. Ale akcent nie powinien zmienić się w głośne pukanie, stanie w miejscu i zakończenie jakiegokolwiek ruchu do przodu. Akcent, zarówno w skali, jak iw każdej pracy, jest miejscem, z którego trzeba się odepchnąć, aby się ruszyć. Tutaj akcent jest wykonywany machnięciem palca, z umiarkowaną głośnością.

Ważną rolę odgrywają również ruchy obejmujące. Wyobraź sobie, że twoje przedramię to pociąg, a twoje palce to ludzie, którzy go przegapili. Te obrazy jasno wyjaśniają ruchy, które powinny być obecne w grze łusek: Cała ręka rysuje linię i idzie przed palcami, to znaczy palce są posłuszne dłoni. Dynamika może pomóc temu ruchowi. Tutaj sprawa jest prosta: góra – crescendo, dół – diminuendo. Możesz sobie wyobrazić ten sam pociąg, który jedzie z daleka, dogonił cię i odjechał. W ten sposób zabijesz dwa ptaki jednym kamieniem - i pojawią się ruchy, a gamma stanie się jasna i interesująca.

Aby zrozumieć klarowność rytmiczną i dynamiczną jasność, graj na skali różnymi formułami rytmicznymi - triole, rytm z kropkami, synkopy; oraz w różnych gradacjach dynamicznych - od pianissimo do fortissimo. A granie w różnym tempie pozwoli Ci uniknąć nudnego flirtu, a jednocześnie określić swój limit techniczny.

Osobną warstwę w grze gam zajmują pasaże. Tutaj zadania są takie same, ale problemy techniczne są inne. Ale o tym porozmawiamy w następnym artykule.

Podczas kopiowania, przedruku materiału lub jego części wymagane jest aktywne hiperłącze na początku i na końcu artykułu do strony http: // site.