Historia sztuki francuskiej obejmuje ogromny okres historyczny, od ery starożytności do naszych czasów.
Francja to niesamowity kraj, który charakteryzuje się tajemniczością i wyrafinowaniem, błyskotliwością i wyrafinowaniem, wzniosłością i szczególnym pragnieniem wszystkiego, co piękne. A historia powstawania jej unikatowości, która stała się standardem, tak różnorodna i wyjątkowa sztuka jest nie mniej niesamowita niż samo państwo.
Warunki wstępne powstania królestwa Franków
Aby zrozumieć specyfikę pojawienia się i rozwoju sztuki francuskiej, konieczne jest odbycie wycieczki do historii okresu starożytnego, kiedy terytorium współczesnego państwa francuskiego było częścią Wielkiego Cesarstwa Rzymskiego. W IV wieku rozpoczęły się aktywne ruchy plemion barbarzyńskich od brzegów Renu do granic imperium. Ich ataki i okresowe najazdy na zdewastowane ziemie rzymskie znacznie podkopały stan łacinników. A w 395 r. samo Cesarstwo Rzymskie zostało podzielone między synów obecnego cesarza na dwie części: Teodozjusz przekazał najbogatszą wschodnią część swoich terytoriów swojemu najstarszemu synowi Arkadiuszowi, a część zachodnią przekazał najmłodszemu synowi Honoriuszowi. Podział Wielkiego Cesarstwa Rzymskiego na części osłabił i tak już kruche państwo rzymskie i uczynił je bardziej podatnym na wrogów zewnętrznych.
Terytorium współczesnej Francji było częścią zachodniej części dawnego Wielkiego Cesarstwa Rzymskiego. Silny cios w 410 r. zadały Rzymowi oddziały Wizygotów pod wodzą Allaryka. Ostatni cesarz rzymski słabego państwa ukrył się w Rawennie, pozostawiając za sobą wieczny Rzym. To tam został wyprzedzony przez armię Odoakera, jednego z czołowych dowódców wojskowych plemienia Wizygotów. To właśnie z tym wydarzeniem, które miało miejsce w 476 r., wiąże się ostateczny upadek Cesarstwa Rzymskiego. W wyniku rozpoczęcia Wielkiej Migracji na odzyskanych ziemiach zaczęły powstawać państwa barbarzyńskie. W V wieku w części Galii powstało również państwo Franków.
Państwo frankońskie a rozwój sztuki francuskiej
Frankowie to grupa plemion, które od czasów starożytnych osiedlały się wzdłuż brzegów Renu w jego dolnym biegu oraz wzdłuż wybrzeża Morza Bałtyckiego. Założycielem pierwszego frankońskiego królestwa w Europie był młody przywódca Franków, Clovis Meroving, który w bitwie pod Soissons pokonał armię rzymskiego namiestnika w Galii i zdobył podległe mu terytoria. Na nowe tereny przesiedlił swoich współpracowników - Franków, obdarzając ich działkami, przeprowadził szereg reform państwowych zarówno w dziedzinie administracji publicznej, jak i w sferze sądowo-legislacyjnej, wprowadzając w życie unikalny dokument - „Salic Prawda”, skompilowana na podstawie plemiennych zakonów plemienia franków salikowych. Ponadto Chlodwig zwrócił szczególną uwagę na wybór wiary. Przyjęcie chrześcijaństwa nie tylko wzmocniło nowe państwo, ale także wpłynęło na ukształtowanie się sztuki frankońskiej.
Po tym, jak dynastia Merowingów rozleniwiła się w sprawach rządowych, życie w królestwie stawało się coraz trudniejsze. Szlachta zajęła ziemie królewskie. Pobłażliwość kwitła w zarządzaniu szlachtą działkową i chłopską. Wzrastało zubożenie ludności. W VIII wieku pojawiło się również zagrożenie zewnętrzne ze strony koczowniczych plemion arabskich. Jeden z administratorów ostatniego króla Merowingów, Karl Martell, przejął władzę w swoje ręce. Przeprowadził szereg reform, które pomogły wzmocnić państwo i pokonać Arabów. A syn Pippina Krótki został wybrany przez radę szlachecką na nowego króla Franków. Wybór ten potwierdził Papież. A pierwszym cesarzem frankońskim był syn Karola Pippina Krótkiego, który w historii był nazywany Wielkim. To właśnie Karolowi imperium frankońskie zawdzięcza szczególny etap rozkwitu kultury i sztuki, który nazywa się renesansem karolińskim.
Sztuka „oryginalnych” Franków
Jeśli zrozumiemy cechy narodzin i powstania państwa frankońskiego, wówczas jasny staje się los dziedzictwa kulturowego, które od czasów starożytnych znajdowało się na ziemiach frankońskich. Był to głównie rozwój starożytnej cywilizacji: mostów, architektury mieszkalnej i świątynnej, rzeźby i literatury, teatru oraz rzemiosła artystycznego. Jednak duchowni chrześcijańscy nie uważali za konieczne zachowania tych bogactw kulturowych, ale wykorzystywali tę ich część, która mogła być dostosowana do praktykowania kultu religijnego i do życia świeckiego. Tak więc nabożeństwo w kościołach chrześcijańskich odbywało się po łacinie, księgi kościelne pisano w tym samym języku.
Do rozpoczęcia budowy świątyń i klasztorów konieczne było wykorzystanie znalezisk architektonicznych starożytności, wykorzystanie wiedzy astronomicznej pomogło obliczyć daty kalendarza kościelnego, który w średniowieczu deklarował życie całego królestwa. Frankowie dostosowali też do swoich potrzeb system edukacji późnego Cesarstwa Rzymskiego. Warto zauważyć, że zespół przedmiotów studiowanych w szkołach frankońskich nazwano O jakiej sztuce mówiliśmy? Tzw. trivium obejmowało nauki słowa: gramatykę, retorykę i dialektykę. Quadrivium obejmowało nauki o liczbach: arytmetykę, geometrię, muzykę jako obliczanie interwałów muzycznych i astronomię.
W sztuce i rzemiośle dominowały tradycje twórczości barbarzyńskiej, która charakteryzowała się wykorzystaniem ozdób roślinnych i zwierzęcych oraz wizerunków potworów lub stworzeń, które w rzeczywistości nie istniały i często miały dość przerażający wygląd jako główne motywy. Ten rodzaj sztuki nazywa się teratologicznym lub potwornym.
Sztuka i kultura renesansu karolińskiego
Panowanie Karola Wielkiego charakteryzuje się bezprecedensowym wzrostem kultury. Jednym z powodów jest sama osobowość cesarza – osoby wykształconej i wysoko kulturalnej. Biegle mówił i czytał po łacinie, rozumiał grekę, lubił teologię i filozofię. Jedną z unikalnych budowli architektonicznych tego okresu był zadziwiający w swym artystycznym designie kościół pałacowy w Akwizgranie.
Rozwinęła się też sztuka tworzenia ksiąg rękopiśmiennych: pisane były niemal kaligraficznym pismem i ozdobione pięknymi miniaturami. Wśród ksiąg znajdowały się zarówno pisma teologiczne, jak i annały – oparty na czasie zapis wydarzeń, które miały miejsce w imperium frankońskim na przestrzeni lat.
W imperium otwarto szkoły nastawione na edukację podstawową i elitarną. Twórcą pierwszego był współpracownik Karla Alcuina. A elitarna szkoła otwarta w Akwizgranie zjednoczyła naukowców, rodzinę cesarza i cały dwór Karola Wielkiego. W szkole, zwanej „Akademią Dworską”, odbywały się rozmowy filozoficzne, studiowali Biblię i kulturę antyku, układali zagadki i układali wiersze. A jeden z członków Akademii napisał pierwszą świecką biografię, Życie Karola Wielkiego.
To właśnie w epoce renesansu karolińskiego położono podwaliny pod zachowanie i odrodzenie tradycji kultury antycznej oraz podwaliny pod dalszy rozwój kultury Franków.
Formacja Francji jako państwa
Za panowania potomków Karola Wielkiego stworzone przez niego imperium było coraz bardziej osłabione. Kiedy imperium zostało podzielone między synów Karola, zachodnia jego część trafiła do najstarszego syna Lotara. A jego potomkowie nadal osłabiali rozdrobniony stan. Imperium upadło. Ostatni z Karolingów ostatecznie utracił swoje wpływy i został obalony. Szlachta przekazała prawo do rządzenia potężnemu wówczas paryskiemu hrabiemu Hugh Capet. Była to wschodnia część dawnego Cesarstwa Franków, którą zaczęto nazywać Francją. Dzięki panowaniu Kapetów nowe państwo nie tylko odrodziło się, ale także otrzymało nowe możliwości rozwoju, w tym kulturalnego.
Sztuka ludowa średniowiecznej Francji
W teatrze i muzyce okresu średniowiecza nastąpiło również szereg zmian w porównaniu z antycznym. Kościół chrześcijański uważał aktorów za wspólników diabła i na wszelkie możliwe sposoby prześladował artystyczne bractwo. W efekcie teatr przestał istnieć jako zjawisko masowe, budynki teatrów i stadionów stopniowo popadały w ruinę, a aktorzy zaczęli tworzyć wędrowne trupy i grali dla ludzi na rozstajach, jarmarkach i placach. Mobilne grupy uniwersalnych aktorów – histrionów, były mniej wygodnym obiektem prześladowań przez kościół i władze, które podlegały mu i dążyły do własnych celów ze względu na specyfikę kierunku pracy histrionów i trubadurów – muzyków wędrownych. Specjalną grupę tworzyli włóczędzy – byli studenci lub mnisi znający wersyfikację i podstawy sztuki muzycznej, którzy samotnie wędrowali po drogach i w swoich utworach albo śpiewali o miłości cielesnej, albo potępiali gnijący kościół i zgniłe państwo.
Trzy sfery rozwoju sztuki średniowiecznej
9/10 ludności średniowiecznej Francji stanowili chłopi. Dlatego główną kulturę państwa można określić jako chłopską. Większość dnia średniowieczny chłop spędził na pracy na ziemi pana feudalnego. Ale to wcale nie znaczy, że nie miał potrzeby i czasu na obcowanie z kulturą i sztuką. W zasadzie była to kreatywność śpiewu i tańca, współzawodnictwo w sile i zręczności. Szczególne miejsce w komunikacji ze sztuką zajmowało oglądanie przedstawień histrionów. Rozwinęła się również ludowa sztuka ustna. Mądrość ludu znajduje odzwierciedlenie w folklorze: bajkach, pieśniach, przysłowiach i powiedzeniach. Głównym tematem gawędziarzy był wstyd głupiego bogacza przez biednego, ale życzliwego biedaka, który z reguły pochodził z rodziny chłopskiej. Opowieści miały charakter dotkliwie społeczny: ujawniały wady społeczeństwa w sferze stosunków między szlachtą a chłopstwem, a także opowiadały o losie chłopów. Powstawały także legendy i ballady gloryfikujące wyczyny bohaterów ludowych walczących o honor i godność zwykłego człowieka oraz przeciwko feudalnej arbitralności.
Drugą stroną średniowiecznej kultury i sztuki było życie miast, którego rozwój i rozkwit obserwowany był od IX wieku. Pojawienie się klasy burżuazyjnej było początkiem rozwoju kultury burżuazyjnej. Szybko poprawiły się umiejętności rzemieślników. Zmieniły się zasady ich pracy i jakość tworzonych produktów, z których wiele jest obecnie cenionych jako arcydzieła sztuki zdobniczej i użytkowej. Od tego czasu takie słowo jak „arcydzieło” weszło do naszej codzienności. Każdy mistrz wstępując do bractwa cechowego musiał wykazać się swoimi umiejętnościami i stworzyć doskonały produkt. To było arcydzieło. Stopniowo ukształtował się system interakcji i rywalizacji między warsztatami, który początkowo stał się motywatorem w rozwoju rzemiosła. Jednak z czasem warsztaty zaczęły ingerować w rozwój rzemiosła, gdyż konkurenci nie chcieli być omijani przez najzdolniejszych rzemieślników, a czasami nie chcieli, aby tajemnica procesu wytwarzania produktu lub materiału do niego dotarła. wpaść w ręce konkurentów. Często członkowie bractwa cechowego niszczyli nawet wynalazki, a czasem prześladowali ich twórców.
Trzecią stroną średniowiecznej kultury i sztuki było istnienie odrębnego świata arystokracji - panów feudalnych. Z reguły wszyscy panowie feudalni pełnili służbę wojskową u króla, będąc jego osobistymi wasalami. Mniejsi panowie feudalni byli wasalami swoich władców – baronami, hrabiami itp. Odbywając konną służbę wojskową, reprezentowali taki fenomen średniowiecznego społeczeństwa jak rycerstwo. Kultura rycerska charakteryzowała się także szczególną sztuką. Obejmuje to sztukę tworzenia herbów rycerskich - trójwymiarowych znaków identyfikacyjnych rodu rycerskiego lub pojedynczego rycerza. Wyrabiali herby z drogich materiałów - złota i srebra, emalii i futra kuny lub wiewiórki. Każdy herb był ważnym źródłem historycznym i bardzo cennym dziełem sztuki.
Ponadto w ramach chłopców - przyszłych rycerzy - uczono takich sztuk jak śpiew i taniec, granie na instrumentach muzycznych. Od dzieciństwa uczono ich dobrych manier, znali wiele wierszy, a wielu samych rycerzy pisało wiersze, dedykując je pięknej damie. I oczywiście należy przypomnieć wyjątkowe zabytki architektury średniowiecznej – zamki rycerskie zbudowane w stylu romańskim, a także niesamowite świątynie, które powstały we wszystkich miastach Francji, najpierw w stylu romańskim, a później gotyckim. Najbardziej znane świątynie to Katedra Notre Dame w Paryżu i miejsce koronacji francuskich monarchów.
Sztuka Francji: renesans
Renesans, związany z nowym zainteresowaniem starożytnym dziedzictwem kulturowym i sztuką, narodził się w słonecznej Italii w XIV wieku. We Francji trendy renesansowe znalazły odzwierciedlenie w kulturze i sztukach pięknych dopiero pod koniec XV wieku. Ale ten okres trwał również dłużej we Francji niż we Włoszech: nie do XVI, ale do XVII wieku. Wzrost w dziedzinie kultury i sztuki w państwie francuskim wiązał się z zakończeniem zjednoczenia kraju za Ludwika XI.
Odejście od tradycji gotyckich w sztuce Francji nastąpiło w związku z częstymi podróżami królów do Włoch, gdzie zapoznawali się z niesamowitą włoską sztuką renesansu. Jednak w przeciwieństwie do Włoch sztuka tego okresu we Francji była bardziej dworska niż ludowa.
Jeśli chodzi o narodowość sztuki francuskiej, to wybitny poeta tworzący figuratywne, dowcipne i wesołe dzieła poetyckie stał się jej jaskrawym przedstawicielem w literaturze.
Jeśli mówimy o sztukach plastycznych tego okresu, to należy zauważyć, że tendencje realistyczne zostały ucieleśnione w miniaturach teologicznych i literaturze świeckiej. Pierwszym artystą tego okresu w rozwoju sztuki francuskiej był Jean Fouquet, który pozostawił potomnym ogromną spuściznę w postaci portretów arystokratów i rodziny królewskiej, miniatur książkowych, pejzaży, dyptyków przedstawiających Madonnę.
Zaprosiła też do Francji włoskich mistrzów renesansu: Rosso i Primaticcio, którzy stali się założycielami szkoły z Fontainebleau, kierunku francuskiego malarstwa, który powstał w posiadłości Fontainebleau. Nurt ten opierał się na zasadach manieryzmu, który pierwotnie reprezentowali założyciele szkoły, i charakteryzował się wykorzystaniem wątków mitologicznych i zawiłych alegorii. Zachowały się źródła, które podają inne nazwiska mistrzów, którzy brali udział w projektowaniu zamku w Fontainebleau: Włosi Pellegrino i Juste de Juste, Francuzi Simon Leroy, Claude Badouin, Charles Dorigny, Flamand Leonard Tirey i inni.
W XVI wieku we Francji aktywnie rozwijał się gatunek portretu, obrazka i ołówka. Szczególnie interesujące są prace Jeana Cloueta, który malował portrety niemal całego dworu francuskiego.
Rzeźba z tego okresu we Francji kojarzy się z nazwiskiem Michela Colombe, który umiejętnie wykonał m.in. płaskorzeźby i filozoficzne interpretacje nagrobka. Interesujące są również dzieła Jeana Goujona, nasycone szczególną muzykalnością i poezją obrazów i sposobu wykonania.
Twórczość innego rzeźbiarza tego okresu, Germaina Pilona, stała się przeciwwagą dla harmonijnego i idealnego w swym pięknie i wdzięku twórczości Goujona. W swojej ekspresji i hipertrofii przekazywanych uczuć i doświadczeń są zbliżone do dzieł ekspresjonistów z XIX wieku. Wszystkie jego postacie są głęboko realistyczne, wręcz naturalistyczne, dramatyczne i ponure.
Sztuka Francji: XVII wiek
XVI wiek był dla państwa francuskiego epoką wojen i dewastacji. W pierwszej ćwierci XVII w. wzmocniła się władza we Francji. Proces centralizacji władzy przebiegał szczególnie szybko za Ludwika XIII, kiedy wszystkim w kraju rządził kardynał Richelieu. Ludzie jęczeli pod jarzmem arystokracji i trudami codziennej pracy. Jednak monarchia absolutystyczna przyczyniła się nie tylko do umocnienia i wzrostu potęgi Francji, ale także do tego, że w tym okresie kraj ten stał się jednym z wiodących wśród innych państw europejskich. Niewątpliwie znalazło to odzwierciedlenie w rozwoju i głównych nurtach kultury i sztuki w kraju.
Sztukę francuską w XVII wieku można z grubsza określić jako dwór oficjalny, co wyrażało się w pompatycznym i dekoracyjnym stylu barokowym.
W przeciwieństwie do przepychu i przesadnej dekoracyjności baroku, w sztuce Francji pojawiły się dwa nurty: realizm i klasycyzm. Pierwszym z nich było odwołanie się do odzwierciedlenia prawdziwego życia takiego, jakie było, bez upiększeń. W ramach tego kierunku rozwijają się gatunki codzienne i portretowe, biblijne i mitologiczne.
Klasycyzm w sztuce Francji odzwierciedla przede wszystkim wątek obywatelskiego obowiązku, zwycięstwa społeczeństwa nad jednostką, ideały rozumu. Ustawiane są w opozycji do niedoskonałości prawdziwego życia, ideału, do którego należy dążyć, poświęcając nawet osobiste interesy. Wszystko to dotyczy głównie sztuk pięknych Francji. Podstawą sztuki klasycyzmu była tradycja sztuki antycznej. A to najbardziej odzwierciedla się w architekturze klasycznej. W dodatku to architektura była najbardziej zależna od praktycznych interesów państwa i była całkowicie podporządkowana absolutyzmowi.
Okres XVII wieku w państwie francuskim charakteryzuje się budową dużej liczby miastotwórczych zespołów architektonicznych i budowli pałacowych. W tym okresie na pierwszy plan wysuwa się architektura świecka.
Jeśli mówimy o odzwierciedleniu powyższych trendów w sztukach wizualnych, to należy wspomnieć o twórczości Nicolasa Poussina, niesamowitego przedstawiciela epoki, którego malarstwo uosabiało zarówno uogólnienie światopoglądu, jak i nieposkromioną energię życia starożytności. sztuka.
Sztuka Francji: XVIII wiek
Nowy rozkwit kultury wiązał się z ogromnym wpływem na twórczość zasady ludowej, która przede wszystkim wyraźnie wyrażała się w muzyce. W teatrze główną rolę zaczęła odgrywać komedia, aktywnie rozwijał się jarmarczny teatr masek i sztuka operowa. Coraz mniej twórców zwracało się ku wątkom religijnym, coraz aktywniej rozwijała się sztuka świecka. Kultura francuska tego okresu była bardzo różnorodna i pełna kontrastów. Sztuka realizmu polegała na odkrywaniu świata człowieka różnych klas: jego odczuć i przeżyć, codzienności, analizy psychologicznej.
Sztuka francuska XIX wieku
Ruszamy dalej. Porozmawiajmy krótko o sztuce Francji w XIX wieku. Życie ówczesnego państwa charakteryzuje się kolejną rundą narastającego niezadowolenia wśród ludzi i wyraźnych nastrojów rewolucyjnych po przywróceniu monarchii francuskiej. Temat walki i heroizmu stał się jednym z wiodących w sztukach wizualnych. Znalazło to odzwierciedlenie w nowych kierunkach malarstwa – historyzmie i romantyzmie. Ale w sztukach pięknych tego okresu toczy się walka z akademizmem.
Badanie czynnika koloru w malarstwie prowadzi do aktywnego rozwoju gatunku pejzażu i rewizji wszystkich systemów malarstwa francuskiego.
W tym okresie sztuka i rzemiosło zyskały szczególny rozwój jako najbardziej odzwierciedlające aspiracje ludzi. Lubok staje się bardzo popularny, pozwalając najprostszą techniką, wykorzystującą satyryczne obrazy, ujawnić wady i problemy społeczeństwa.
W rzeczywistości akwaforta staje się dokumentalnym źródłem historycznym epoki. Akwaforty można wykorzystać do badania historii Francji w XIX wieku.
Sztuka Francji, jak widzimy, jest bardzo różnorodna i różnorodna i jest ściśle związana z osobliwościami rozwoju państwa francuskiego. Każda epoka to ogromny blok, który wymaga specjalnego ujawnienia, czego nie da się zrobić w ramach jednego artykułu.
Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.
Hostowane na http://www.allbest.ru/
PLan
Wstęp
kultura renesansu
Kultura renesansu we Francji
Francuskie malarstwo renesansowe:
Życie i twórczość François Clouet
Życie i twórczość François Cloueta Młodszego
Życie i twórczość Jeana Fouquet
Lista wykorzystanej literatury
Wstęp
Renesans - era w historii kultury europejskiej XIII-XVI wieku, która wyznaczyła początek New Age.
Renesans - epoka w dziejach kultury i sztuki, odzwierciedlająca początek przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. W formach klasycznych renesans kształtował się w Europie Zachodniej, głównie we Włoszech, ale podobne procesy miały miejsce w Europie Wschodniej i Azji. W każdym kraju ten typ kultury miał swoje własne cechy związane z jego cechami etnicznymi, specyficznymi tradycjami i wpływem innych kultur narodowych. Odrodzenie związane jest z procesem formowania się kultury świeckiej, świadomości humanistycznej. W podobnych warunkach podobne procesy rozwijały się w sztuce, filozofii, nauce, moralności, psychologii społecznej i ideologii. Humaniści włoscy XV wieku kierowali się odrodzeniem kultury antycznej, której światopogląd i zasady estetyczne uznano za ideał godny naśladowania. W innych krajach takiego zorientowania na starożytne dziedzictwo może nie było, ale istota procesu wyzwolenia człowieka i zapewnienie siły, inteligencji, piękna, wolności jednostki, jedności człowieka i natury są charakterystyczne dla wszystkie kultury typu renesansowego.
W rozwoju kultury renesansowej wyróżnia się następujące etapy: Wczesny Renesans, którego przedstawicielami byli Petrarka, Boccaccio, Donatello, Botticelli, Giotto i inni; Wysoki renesans, reprezentowany przez Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Rafaela, François Rabelais, oraz późny renesans, kiedy ujawnia się kryzys humanizmu (Szekspir, Cervantes). Główną cechą renesansu jest integralność i wszechstronność w rozumieniu człowieka, życia i kultury. Gwałtowny wzrost autorytetu sztuki nie doprowadził do jej sprzeciwu wobec nauki i rzemiosła, ale był postrzegany jako równorzędność i równouprawnienie różnych form ludzkiej aktywności. W tej epoce sztuka użytkowa i architektura osiągnęły wysoki poziom, łącząc twórczość artystyczną z projektowaniem technicznym i rzemiosłem. Osobliwością sztuki renesansowej jest to, że ma wyraźny demokratyczny i realistyczny charakter, w centrum którego znajduje się człowiek i natura. Artyści docierają do szerokiego zasięgu rzeczywistości i są w stanie wiernie pokazać główne trendy swoich czasów. Poszukują najskuteczniejszych środków i sposobów na odtworzenie bogactwa i różnorodności przejawów realnego świata. Piękno, harmonia, wdzięk to właściwości świata realnego.
kultura renesansu
W różnych krajach kultura renesansu rozwija się w różnym tempie. We Włoszech renesans przypisuje się XIV-XVI wiekom, w innych krajach - XV-XVI wiekom. Najwyższy moment w rozwoju kultury renesansowej przypada na XVI wiek - renesans wysoki, czyli klasyczny, kiedy to renesans rozprzestrzenił się na inne kraje europejskie.
Idee humanizmu jednoczą kulturę różnych narodów Europy. Zasada humanizmu, czyli najwyższy kulturowy i moralny rozwój ludzkich zdolności, najpełniej wyraża główny cel kultury europejskiej XIV-XVI wieku. Idee humanizmu obejmują wszystkie warstwy społeczne – koła kupieckie, sfery religijne, masy. Pojawia się nowa świecka inteligencja. Humanizm potwierdza wiarę w nieograniczone możliwości człowieka. Dzięki humanistom do kultury duchowej dochodzi wolność osądu, niezależność w stosunku do autorytetów i odważny duch krytyczny. Osobowość, potężna i piękna, staje się centrum sfery ideologicznej. Ważną cechą kultury renesansu było odwołanie się do dziedzictwa antycznego. Odżył starożytny ideał człowieka, rozumienie piękna jako harmonii i miary, realistyczny język sztuk plastycznych, w przeciwieństwie do średniowiecznej symboliki. Artystów, rzeźbiarzy i poetów renesansu przyciągały tematy starożytnej mitologii i historii, starożytne języki - łacina i greka. Wynalazek druku odegrał ważną rolę w rozpowszechnianiu starożytnego dziedzictwa.
Kultura renesansu była pod wpływem kultury średniowiecznej z jej długą historią i silnymi tradycjami, ale humaniści krytykowali kulturę średniowiecza, uważając ją za barbarzyńską; w okresie renesansu pojawiła się ogromna liczba pism skierowanych przeciwko kościołowi i jego ministrom. Jednocześnie renesans nie był kulturą całkowicie świecką. Niektóre postacie chciały pogodzić chrześcijaństwo z antykiem lub stworzyć nową, zjednoczoną religię, przemyśleć ją na nowo. Sztuka renesansu była rodzajem syntezy starożytnego piękna fizycznego i duchowości chrześcijańskiej. Pod koniec XV wieku. we Francji stabilne trendy renesansowe utrwalają się w literaturze, malarstwie, rzeźbie itp. Większość francuskich badaczy przypisuje ukończenie renesansu we Francji 70-80 latom. XVI wiek, biorąc pod uwagę koniec XVI wieku. jako przejście od renesansu przez manieryzm do baroku i późniejszego klasycyzmu.
kultura renesansuFrancja
Wczesny renesans francuski charakteryzuje się rozwojem dziedzictwa antycznego, pogłębiającego się wraz z kontaktami kulturowymi z Włochami.
Od końca XV wieku. Do Francji przyjeżdżają włoscy pisarze, artyści, historiografowie, filolodzy: poeta Fausto Andrenini, grecki naukowiec John Laskaris, filolog Julius Caesar Slapiger, artyści Benvenutto Cellini, Leonardo da Vinci. Dzięki elegancji stylu dzieło Pavla Emina „10 książek o czynach Franków” posłużyło jako przykład dla młodszych pokoleń francuskich humanistów.
Młodzi mężczyźni z rodzin szlacheckich i zamożnych aspirowali do Włoch, aby dostrzec bogactwo włoskiej kultury. Znalazło to odzwierciedlenie w charakterze francuskiego renesansu, zwłaszcza w jego początkowym stadium, nadając mu zauważalny odcisk arystokratyczny i szlachecki, co znalazło odzwierciedlenie w przyswajaniu przez rody szlacheckie przede wszystkim zewnętrznych elementów kultury włoskiej. Renesans i szeroki mecenat francuskiego dworu królewskiego. Patronat nad rodzącą się inteligencją francuską objął Anna z Bretanii Franciszek I; tradycje kręgu literackiego Anny Bretanii kontynuowała później Małgorzata z Nawarry, która przyciągnęła do siebie Rabelaisa, Lefevre d'Etal, młodego Kalwina, Clemmanna, Marota, Bonawenturę itd.
A jednak nie ma powodu, aby specyfikę francuskiego renesansu sprowadzać tylko do arystokracji, a jego genezę czerpać wyłącznie z wpływów włoskich. Kultura francuskiego renesansu rosła przede wszystkim tylko na własnej ziemi. Podstawą jego powstania było dokończenie politycznego zjednoczenia kraju, ukształtowanie rynku wewnętrznego i stopniowe przekształcanie Paryża w centrum gospodarcze, polityczne i kulturalne, do którego skłaniały się najbardziej odległe regiony. Koniec wojny stuletniej, który spowodował wzrost świadomości narodowej, był także potężnym bodźcem do rozwoju kultury francuskiej.
Rozwój kultury humanistycznej byłby niemożliwy bez podniesienia ogólnego poziomu wykształcenia. O umiejętności czytania i pisania ludności, zwłaszcza miejskiej, świadczy ogromna liczba rękopiśmiennych książek. Poczesne miejsce wśród nich (poza Biblią i zbiorami średniowiecznych fablios) zajmują rękopisy zbliżone czcionką do włoskiego opowiadania humanistycznego („Świetny przykład nowych opowiadań” Nicola de Troy, „100 nowych opowiadań”, połączenie wpływów „Dekameronu” Boccaccia z tradycjami kultury ludowej średniowiecza), które otwierają nowy kierunek w literaturze ludowej francuskiego renesansu. Rozpowszechnienie druku przyczyniło się również do rozwoju kultury we Francji.
Francuskie malarstwo renesansowe
Renesans był znaczącym etapem rozwoju kultury francuskiej. W tym czasie w kraju szybko rozwijają się stosunki burżuazyjne i umacnia się władza monarchiczna. Religijna ideologia średniowiecza jest stopniowo spychana na dalszy plan przez humanistyczny światopogląd. Sztuka świecka zaczyna odgrywać ważną rolę w życiu kulturalnym Francji. Realizm sztuki francuskiej, połączenie z wiedzą naukową, odwoływanie się do idei i obrazów starożytności zbliżają ją do włoskiego. Jednocześnie renesans we Francji ma swoisty wygląd, w którym renesansowy humanizm łączy się z elementami tragedii, zrodzonymi ze sprzeczności obecnej sytuacji w kraju.
W wyniku wielu klęsk Francji podczas wojny stuletniej z Anglią, która trwała od 1337 do 1453 roku, w kraju zapanowała anarchia feudalna. Chłopstwo, zmiażdżone nieznośnymi podatkami i okrucieństwami najeźdźców, powstało do walki ze swymi ciemiężcami. Ze szczególną siłą ruch wyzwoleńczy rozgorzał w momencie, gdy wojska brytyjskie, które zdobyły północ Francji, skierowały się do Orleanu. Nastroje patriotyczne zaowocowały występami francuskich chłopów i rycerzy pod dowództwem Joanny d'Arc przeciwko wojskom angielskim. Rebelianci odnieśli kilka wspaniałych zwycięstw. Ruch nie ustał nawet po schwytaniu Joanny d'Arc i za milczącą zgodą króla francuskiego Karol VII został spalony przez duchownych na stosie.
W wyniku długiej walki ludu z obcymi najeźdźcami Francja została wyzwolona. Monarchia wykorzystała to zwycięstwo do własnych celów, podczas gdy pozycja zwycięskiego ludu nadal była trudna.
W drugiej połowie XV wieku. dzięki staraniom Ludwika XI Francja została politycznie zjednoczona. Rozwinęła się gospodarka kraju, poprawiła się nauka i oświata, nawiązano stosunki handlowe z innymi państwami, a zwłaszcza z Włochami, z których kultura przenikała do Francji. W 1470 r. otwarto w Paryżu drukarnię, która wraz z innymi książkami zaczęła drukować dzieła włoskich humanistów.
Rozwija się sztuka miniatury książkowej, w której obrazy mistyczne i religijne zostały zastąpione realistycznymi wyobrażeniami o otaczającym świecie. Na dworze księcia Burgundii pracują wspomniani już wyżej utalentowani artyści, bracia Limburg. W Burgundii pracowali słynni mistrzowie holenderscy (malarze bracia van Eyck, rzeźbiarz Sluter), więc w prowincji tej zauważalny jest wpływ renesansu holenderskiego w sztuce mistrzów francuskich, natomiast w innych prowincjach, np. w Prowansji, wpływy włoskie Renesans wzrósł.
Jednym z największych przedstawicieli francuskiego renesansu był pracujący w Prowansji artysta Anguerrand Charonton, malujący monumentalne i złożone kompozycyjnie płótna, w których mimo motywów religijnych żywo wyrażało się zainteresowanie człowiekiem i otaczającą go rzeczywistością („Madonna Miłosierdzia”, „Koronacja Maryi”, 1453). Wprawdzie obrazy Sharonton wyróżniały się dekoracyjnym efektem (wyrafinowane linie, połączone w dziwaczny ornament, symetria kompozycji), ale ważne miejsce w nich zajmowały szczegółowe sceny z życia codziennego, pejzaże i postacie ludzkie. Na twarzach świętych i Maryi widz może odczytać uczucia i myśli, które je posiadają, wiele dowiedzieć się o charakterze bohaterów.
To samo zainteresowanie pejzażem, w starannym przeniesieniu wszystkich detali kompozycji, wyróżnia ołtarze innego prowansalskiego artysty – Nicolasa Fromenta („Zmartwychwstanie Łazarza”, „Płonący krzew”, 1476).
Cechy nowości we francuskiej sztuce przejawiały się szczególnie wyraźnie w twórczości artystów ze szkoły Loary, którzy pracowali w centralnej części Francji (w dolinie Loary). Wielu przedstawicieli tej szkoły mieszkało w mieście Tours, w którym w XV wieku. był rezydencją króla francuskiego. Mieszkańcem Tours był jeden z najwybitniejszych malarzy tamtej epoki, Jean Fouquet.
Jeden z najsłynniejszych artystów końca XV wieku. był Jean Clouet Starszy, znany również jako Mistrz Moulin. Przed 1475 pracował w Brukseli, a następnie przeniósł się do Moulins. Około 1498-1499 Jean Clouet Starszy wykonał swoje najważniejsze dzieło - tryptyk do katedry w Moulin, na środkowym skrzydle, na którym przedstawiona jest scena "Matka Boża w Chwale", a po bokach - portrety klientów ze świętymi patronami.
Centralna część przedstawia Madonnę z Dzieciątkiem, nad której głową aniołowie trzymają koronę. Prawdopodobnie Clouet był wzorowany na wizerunku Maryi przez francuską dziewczynę, kruchą i ładną. Jednocześnie abstrakcyjność intencji autora, zdobnicze efekty (koncentryczne kręgi wokół Maryi, anioły tworzące girlandę wzdłuż krawędzi płótna) nadają dziełu pewne podobieństwo do sztuki gotyckiej.
Ogromnym zainteresowaniem cieszą się piękne krajobrazy, które Jean Clouet Starszy umieszcza w kompozycjach o tematyce religijnej. Obok postaci świętych w tych pracach znajdują się portrety klientów. Na przykład na płótnie „Narodzenie” (1480), po prawej stronie Maryi, można zobaczyć kanclerza Rolena, który złożył w modlitwie ręce.
W drugiej połowie XV wieku. Simon Marmion pracował także we Francji, wykonując szereg kompozycji ołtarzowych i miniatur, wśród których najbardziej znane jego dzieła to ilustracje do Wielkiej Kroniki Francuskiej, oraz Jean Bourdichon, portrecista i miniaturzysta, który stworzył wspaniałe miniatury do Godzin Anny św. Breton.
Największym artystą tego czasu był Jean Perreal, który kierował lyońską szkołą malarstwa. Był nie tylko artystą, ale także pisarzem, architektem i matematykiem. Sława o nim wyszła poza Francję i rozprzestrzeniła się na Anglię, Niemcy, Włochy. Perreal służył u króla Karola VIII i Franciszka I, w Lyonie pełnił funkcję eksperta budowlanego. Zachowało się wiele jego dzieł portretowych, m.in. portret Marii Tudor (1514), Ludwika XII, Karola VIII. Jedną z najlepszych prac Perreala jest urocza i poetycka Dziewczyna z kwiatkiem. Interesujące są także jego obrazy katedry w Puy, na których obok wizerunków religijnych i antycznych artysta umieścił portrety francuskich humanistów, wśród nich wyróżnia się wizerunek Erazma z Rotterdamu.
Na początku XVI wieku. Francja była największym (pod względem powierzchni i liczby ludności) państwem w Europie Zachodniej. W tym czasie sytuacja chłopów została nieco złagodzona i pojawiły się pierwsze kapitalistyczne formy produkcji. Ale francuska burżuazja nie osiągnęła jeszcze poziomu zajmowania pozycji władzy w kraju, jak to było we włoskich miastach w XIV-XV wieku.
Epokę tę naznaczyły nie tylko przemiany w gospodarce i polityce Francji, ale także szerokie rozpowszechnienie renesansowych idei humanistycznych, najpełniej reprezentowanych w literaturze, w pismach Ronsarda, Rabelaisa, Montaigne'a, Du Bellaya. Montaigne, na przykład, uważał sztukę za główny środek edukacji człowieka.
Podobnie jak w Niemczech rozwój sztuki był ściśle związany z ruchem reformatorskim przeciwko Kościołowi katolickiemu. W ruchu tym uczestniczyli niezadowoleni ze swojej pozycji chłopi, a także mieszczaństwo i burżuazja. Po długiej walce został stłumiony, katolicyzm utrzymał swoją pozycję. Choć reformacja w niewielkim stopniu wpłynęła na sztukę, jej idee przeniknęły do środowiska artystów humanistycznych. Wielu francuskich malarzy i rzeźbiarzy było protestantami.
Ośrodkami kultury renesansowej były takie miasta jak Paryż, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, Lyon. Król Franciszek I odegrał ważną rolę w szerzeniu idei renesansu, zapraszając na swój dwór francuskich artystów, poetów i naukowców. Przez kilka lat na dworze królewskim pracowali Leonardo da Vinci i Andrea del Sarto. Wokół zaangażowanej w działalność literacką siostry Franciszka Margherity z Nawarry zjednoczyli się poeci i pisarze humanistyczni, promując nowe poglądy na sztukę i porządek świata. W latach 30. XVI wieku w Fontainebleau włoscy manieryści założyli szkołę malarstwa świeckiego, która miała znaczący wpływ na rozwój francuskiej sztuki plastycznej.
Ważne miejsce w malarstwie Francji pierwszej połowy XVI wieku. zajmował się sztuką artystów zaproszonych z Włoch do malowania pałacu królewskiego w Fontainebleau, Giovanniego Battisty Rosso, Niccolò del Abbate i Francesco Primaticcio. Centralne miejsce w ich freskach zajmowały tematy mitologiczne, alegoryczne i historyczne, w tym wizerunki nagich postaci kobiecych, których nie było na obrazach ówczesnych mistrzów francuskich. Wyrafinowana i elegancka, choć nieco zmanierowana, sztuka Włochów wywarła wielki wpływ na wielu francuskich artystów, którzy dały początek kierunkowi zwanemu szkołą Fontainebleau.
Dużym zainteresowaniem cieszy się sztuka portretowa tego okresu. Francuscy portreciści kontynuowali najlepsze tradycje XV-wiecznych mistrzów, a przede wszystkim Jeana Fouqueta i Jeana Cloueta Starszego.
Portrety były szeroko rozpowszechnione nie tylko na dworze, obrazy ołówkowe służyły jako współczesne fotografie w wielu francuskich rodzinach. Rysunki te często wyróżniały się wirtuozerią wykonania i rzetelnością w przekazywaniu cech charakteru człowieka.
Portrety ołówkowe były popularne w innych krajach europejskich, na przykład w Niemczech i Holandii, ale tam pełniły rolę szkicu poprzedzającego portret obrazkowy, a we Francji takie prace stały się niezależnym gatunkiem.
Największym francuskim portrecistą tej epoki był Jean Clouet Młodszy.
Cornel de Lyon, który pracował w Lyonie, był znakomitym portrecistą, który malował subtelne i uduchowione wizerunki kobiece („Portret Beatrice Pacheco”, 1545; „Portret królowej Claude”), wyróżniające się niemal miniaturowym wykonaniem i drobnym szkliwem oraz dźwięczne kolory.
Proste i szczere portrety dzieci i mężczyzn autorstwa Corneille de Lyon charakteryzują się umiejętnością ukazania głębi wewnętrznego świata modelki, prawdziwości i naturalności póz i gestów („Portret chłopca”, „Portret nieznanego Mężczyzna z czarną brodą”).
Od połowy XVI wieku. we Francji pracowali utalentowani mistrzowie portretu ołówkowego: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, którzy kontynuowali tradycje słynnego Francois Cloueta. Znakomitymi portrecistami pracującymi w technice graficznej byli bracia Etienne i Pierre Dumoustier.
Życie i twórczość François Clouet
odrodzenie malarstwa artystycznego francuskiego
François Clouet urodził się około 1516 roku w Tours. Studiował u swojego ojca, Jeana Cloueta Młodszego, pomagał mu w wypełnianiu zamówień. Po śmierci ojca odziedziczył posadę nadwornego malarza królowi.
Chociaż w twórczości Francois Cloueta zauważalny jest wpływ Jeana Cloueta Młodszego, a także włoskich mistrzów, jego styl artystyczny wyróżnia się oryginalnością i jasną osobowością.
Jednym z najlepszych dzieł François Cloueta jest obraz „Kąpiąca się” (ok. 1571), który w sposobie wykonania przypomina nieco obraz szkoły z Fontainebleau. Jednocześnie, w przeciwieństwie do kompozycji mitologicznych tej szkoły, skłania się ku gatunkowi portretowemu. Niektórzy historycy sztuki uważają, że obraz przedstawia Dianę Poitier, podczas gdy inni uważają, że jest to ukochana Karola IX, Marie Touchet. Kompozycja zawiera elementy rodzajowe: obraz przedstawia kobietę w wannie, obok której stoi dziecko i pielęgniarka z niemowlęciem na rękach; w tle pokojówka podgrzewająca wodę do kąpieli. Jednocześnie dzięki specjalnej konstrukcji kompozycyjnej i wyraźnemu portretowi w interpretacji wizerunku młodej kobiety patrzącej na widza z zimnym uśmiechem błyskotliwej świeckiej damy płótno nie sprawia wrażenia zwykłej codzienności scena.
Niezwykłe umiejętności François Cloueta ujawniły się w jego pracy portretowej. Jego wczesne portrety pod wieloma względami przypominają prace jego ojca, Jeana Cloueta Młodszego. W dojrzalszych utworach wyczuwa się oryginalną manierę francuskiego mistrza. Choć w przeważającej części portrety te odznaczają się wielkością i powagą, blask dodatków oraz luksus kostiumów i draperii nie przeszkadzają artyście w zaprezentowaniu widzowi żywych, indywidualnych cech swoich modeli.
Zachowało się kilka portretów Karola IX autorstwa François Cloueta. We wczesnym ołówkowym portrecie z 1559 roku artysta przedstawiał zadowolonego z siebie nastolatka, który z uwagą przyglądał się widzowi. Rysunek z 1561 roku przedstawia zamkniętego, nieco wymuszonego młodzieńca, ubranego w galowy strój. Malowniczy portret wykonany w 1566 roku ukazuje widza Karola IX w pełni wzrostu. W kruchej postaci i bladej twarzy artysta dostrzegł główne cechy swojej postaci: niezdecydowanie, brak woli, drażliwość, egoistyczny upór.
Jedno z najwybitniejszych dzieł sztuki francuskiej XVI wieku. stał się malowniczym portretem Elżbiety Austriaczki, napisanym przez François Cloueta około 1571 roku. Obraz przedstawia młodą kobietę we wspaniałej sukni ozdobionej błyszczącymi klejnotami. Jej piękna twarz jest zwrócona do widza, a wyraziste ciemne oczy wyglądają na nieufne i niedowierzające. Bogactwo i harmonia koloru sprawiają, że płótno jest prawdziwym arcydziełem malarstwa francuskiego.
Inaczej powstaje intymny portret, na którym Francois Clouet przedstawił swojego przyjaciela, aptekarza Pierre'a Kute (1562). Artysta umieścił bohatera w swoim zwykłym środowisku biurowym, przy stole, na którym leży zielnik. W porównaniu z poprzednią pracą obraz wyróżnia się bardziej powściągliwą kolorystyką, zbudowaną na połączeniu odcieni złota, zieleni i czerni.
Dużym zainteresowaniem cieszą się portrety ołówkowe Francois Cloueta, wśród których wyróżnia się portret Joanny d "Albret, przedstawiający elegancką młodą dziewczynę, w której oczach widz może przybrać mocny i zdecydowany charakter.
W latach 1550-1560 Francois Clouet wykonał wiele portretów graficznych, w tym piękne rysunki przedstawiające małego Franciszka II, żywą i uroczą dziewczynę Małgorzatę Walezjuszną, Marię Stuart, Gasparda Coligny, Henryka II. Choć niektóre obrazy są nieco wyidealizowane, główną cechą portretów jest ich realizm i prawdziwość. Artysta posługuje się różnymi technikami: sangwiną, akwarelą, małymi i lekkimi pociągnięciami.
Francois Clouet zmarł w 1572 roku w Paryżu. Jego sztuka wywarła wielki wpływ na współczesnych artystów i grafików, a także francuskich mistrzów kolejnych pokoleń.
Życie i twórczość François Cloueta Młodszego
Jean Clouet Młodszy, syn Jeana Cloueta Starszego, urodził się około 1485 roku. Ojciec i został jego pierwszym nauczycielem malarstwa. Niewiele jest informacji o życiu artysty, wiadomo tylko, że od 1516 roku. Jean Clouet Młodszy pracował w Tours, a od 1529 w Paryżu, gdzie piastował stanowisko nadwornego malarza.
Portrety Jeana Cloueta Młodszego są niezwykle autentyczne i zgodne z prawdą. Oto ołówkowe wizerunki dworzan: Diane Poitiers, Guillaume Goufier, Anny Montmorency. Artysta kilkakrotnie namalował niektórych współpracowników króla: zachowały się trzy portrety Gaio de Genuillaca, uczestnika bitwy pod Marignano, wykonane w latach 1516, 1525 i 1526, dwa portrety marszałka Brissaca z lat 1531 i 1537 do dzisiaj. Jednym z jego najlepszych portretów ołówkowych jest wizerunek hrabiego d „Etan (ok. 1519), w którym zauważalne jest pragnienie mistrza wniknięcia w głąb wewnętrznego świata człowieka. Godny uwagi jest również portret Erazma z Rotterdamu (1520) , zaskakująco żywotny i duchowy.
Jean Clouet Młodszy opanował nie tylko ołówek, ale i pędzel. Świadczy o tym kilka zachowanych do dziś płócien. Wśród nich jest portret delfina Franciszka (ok. 1519), księcia Claude de Guise (ok. 1525), Ludwika de Cleves (1530).
Wizerunki są nieco wyidealizowane w uroczystych, ceremonialnych portretach małej Charlotty z Francji (ok. 1520) i Franciszka I na koniu (1540), prostym i surowym portretem nieznanego mężczyzny z tomem Petrarki w ręku.
Niektórzy badacze uważają, że portret Franciszka I, przechowywany obecnie w Luwrze, należy do pędzla Jana Cloueta Młodszego. Tę wersję potwierdza rysunek wykonany przez artystę, choć niewykluczone, że za wzór dla jednego z uczniów Jeana Cloueta Młodszego (np. jego syna Francois Cloueta) stworzył malowniczy portret króla.
Luwrowski portret Franciszka I łączył powagę, dekoracyjność i chęć oddania indywidualnych cech modela – króla-rycerza, jak nazywali Franciszka współcześni. Splendor tła i bogaty strój króla, blask dodatków - wszystko to nadaje obrazowi splendoru, ale nie przyćmiewa różnorodnego wachlarza ludzkich uczuć i cech charakteru, które można odczytać w oczach Franciszka: oszustwo, próżność, ambicja, odwaga. Portret ukazywał spostrzegawczość artysty, umiejętność dokładnego i zgodnego z prawdą dostrzeżenia tej wyjątkowej rzeczy, która odróżnia jedną osobę od drugiej.
Jean Clouet Młodszy zmarł w 1541 roku. Jego prace (zwłaszcza rysunki) wywarły wielki wpływ na licznych uczniów i naśladowców, wśród których chyba najbardziej utalentowanym był jego syn Francois Clouet, którego Ronsard w „Elegii do Jeana” (współcześni Jeanowi nazywali wszystkich przedstawiciele rodziny Clouet) nazywali „honorem naszej Francji”.
Życie i twórczość Jeana Fouquet
Jean Fouquet urodził się około 1420 roku w Tours w rodzinie księdza. Studiował malarstwo w Paryżu i być może w Nantes. Pracował w Tours jako malarz nadworny króla Karola VII, a następnie Ludwika XI. Posiadał duży warsztat, w którym wykonywano rozkazy dworu królewskiego.
Fouquet przez kilka lat mieszkał we Włoszech, w Rzymie, gdzie zapoznał się z twórczością włoskich mistrzów. Ale pomimo tego, że w jego pracach, zwłaszcza wczesnych, zauważalny jest wpływ sztuki włoskiej i holenderskiej, artysta szybko wypracował własny, niepowtarzalny styl.
Najwyraźniej twórczość Fouqueta przejawiała się w gatunku portretowym. Portrety Karola VII i jego ministrów stworzone przez artystę są realistyczne i zgodne z prawdą, nie zawierają pochlebstw ani idealizacji. Choć sposób wykonania tych prac pod wieloma względami przypomina obrazy malarzy holenderskich, to portrety Fouquet są bardziej monumentalne i znaczące.
Najczęściej Fouquet portretował swoje modele w chwilach modlitwy, więc bohaterowie jego prac wydają się pogrążeni we własnych myślach, zdają się nie zauważać ani tego, co dzieje się wokół nich, ani na widowni. Jego portrety nie wyróżnia uroczysty przepych i luksus dodatków, obrazy na nich są zwyczajne, prozaiczne i statyczne w stylu gotyckim.
Na portrecie Karola VII (ok. 1445) widnieje napis: „Najbardziej zwycięski król Francji”. Ale Fouquet przedstawił króla tak rzetelnie i zgodnie z prawdą, że nic nie wskazuje na jego zwycięstwo: obraz przedstawia słabego i brzydkiego człowieka, w którego wyglądzie nie ma nic bohaterskiego. Widz widzi przed sobą egoistę nasyconego życiem i zmęczonego rozrywką z małymi oczami, dużym nosem i mięsistymi ustami.
Tak samo prawdziwy, a nawet bezlitosny jest portret jednego z najbardziej wpływowych dworzan króla, Juvenela des Yurzena (ok. 1460). Obraz przedstawia grubego mężczyznę o spuchniętej twarzy i zadowolonym spojrzeniu. Realistyczny jest również portret Ludwika XI. Artysta nie starał się w jakiś sposób upiększyć swoich modeli, przedstawiał je dokładnie tak, jak za życia. Potwierdzają to liczne rysunki ołówkiem poprzedzające malarskie portrety.
Arcydziełem Fouquet był dyptyk napisany około 1450 roku, którego jedna część przedstawia Etienne Chevalier ze św. Szczepana, az drugiej Madonna z Dzieciątkiem Jezus. Maria uderza wdziękiem i spokojną urodą. Blade ciała Madonny z Dzieciątkiem, szaroniebieska suknia i gronostajowa szata Marii ostro kontrastują z jaskrawoczerwonymi postaciami aniołków otaczających tron. Wyraźne linie, lakoniczna i surowa kolorystyka obrazu nadają obrazowi powagi i wyrazistości.
Obrazy drugiej części dyptyku odznaczają się tą samą ścisłą wyrazistością i wewnętrzną głębią. Jego bohaterowie są zamyśleni i spokojni, ich wygląd odzwierciedla jasne cechy charakteru. Stefan stoi swobodnie i prosto, przedstawiony jako prawdziwa osoba, a nie święty. Jego ręka spoczywa protekcjonalnie na ramieniu lekko spętanego Etienne Chevalier, którego artysta reprezentuje w chwili modlitwy. Kawaler to mężczyzna w średnim wieku o pomarszczonej twarzy, haczykowatym nosie i surowym spojrzeniu małych oczu. Tak prawdopodobnie wyglądał w prawdziwym życiu. Podobnie jak obraz z Madonną, ta część dyptyku wyróżnia się integralnością kompozycji, bogactwem i dźwięcznością koloru, opartą na odcieniach czerwieni, złota i fioletu.
Dużą rolę w twórczości Fouquet zajmują miniatury. Te prace artysty są bardzo podobne do dzieł braci Limburg, ale bardziej realistycznie przedstawiają otaczający ich świat.
Fouquet stworzył wspaniałe ilustracje do „Wielkich kronik francuskich” (koniec lat pięćdziesiątych XIV wieku), Księgi godzin Etienne'a Chevaliera (1452-1460), „Powieści” Boccaccia (ok. 1460), „Starożytności żydowskich” Józefa Flawiusza (ok. 1470). ). W miniaturach przedstawiających sceny religijne, antyczne lub życie włoskie, współczesne francuskie miasta z cichymi uliczkami i dużymi placami, łąkami, wzgórzami, brzegami rzek pięknej ojczyzny malarza, artysta odgaduje wspaniałe zabytki architektoniczne Francji, w tym katedrę Notre Dame, Saint-Chapelle.
Miniatury prawie zawsze przedstawiają postacie ludzkie. Fouquet lubił przedstawiać sceny z życia chłopskiego, miejskiego i dworskiego, epizody bitew niedawno zakończonej wojny. Na niektórych miniaturach można zobaczyć portrety współczesnych artyście ("Reprezentacja Matki Bożej autorstwa Etienne Chevalier").
Fouquet jest utalentowanym kronikarzem, jego prace opisują wydarzenia historyczne z niezwykłą dokładnością, szczegółowością i prawdą. Taka jest miniatura „Proces księcia Alençon w 1458 roku”, przedstawiająca ponad dwieście znaków na jednym arkuszu. Mimo ogromnej liczby figur obraz nie scala się, a kompozycja pozostaje wyraźna i wyraźna. Szczególnie żywi i naturalni wydają się bohaterowie na pierwszym planie - mieszczanie, którzy przyszli popatrzeć na sędziego, strażnicy powstrzymujący napór tłumu. Rozwiązanie kolorystyczne jest bardzo udane: centralną część kompozycji podkreślono niebieskim tłem dywanu, który zakrywa miejsce osądu. Inne dywany z pięknymi zdobieniami, gobelinami i roślinami podkreślają wyrazistość miniatury i nadają jej szczególnego piękna.
Prace Fouquet świadczą o umiejętności ich autora w mistrzowskim przekazywaniu przestrzeni. Na przykład jego miniatura „Św. Marcina” (Księga godzin Etienne'a Chevaliera) przedstawia most, nabrzeże, domy i mosty tak dokładnie i rzetelnie, że łatwo przywrócić wygląd Paryża za panowania Karola VII.
Wiele miniatur Fouquet odznacza się subtelnym liryzmem, który tworzy poetycki i spokojny pejzaż (arkusz „Dawid dowiaduje się o śmierci Saula” z „Starożytności Żydów”).
Fouquet zmarł w latach 1477-1481. Bardzo popularny za życia artysta został szybko zapomniany przez rodaków. Jego sztuka została doceniona dopiero wiele lat później, pod koniec XIX wieku.
Wwniosek
Sztuka w okresie renesansu była główną formą aktywności duchowej. Nie było prawie ludzi obojętnych na sztukę. Prace artystyczne najpełniej wyrażają zarówno ideał harmonijnego świata, jak i miejsce w nim człowieka. Wszystkie formy sztuki są w różnym stopniu podporządkowane temu zadaniu.
Ideały renesansu zostały najpełniej wyrażone przez architekturę, rzeźbę, malarstwo, a malarstwo w tym okresie wysuwa się na pierwszy plan, odsuwając architekturę na bok. Tłumaczy się to tym, że malarstwo miało więcej możliwości pokazania realnego świata, jego piękna, bogactwa i różnorodności.
Cechą charakterystyczną kultury renesansowej jest ścisły związek nauki ze sztuką. Artyści, dążąc do jak najpełniejszego odzwierciedlenia wszelkich form naturalnych, sięgają po wiedzę naukową. Powstaje nowy system artystycznego widzenia świata. Artyści renesansowi rozwijają zasady perspektywy linearnej. Odkrycie to pomogło poszerzyć wachlarz przedstawianych zjawisk, włączyć pejzaż i architekturę w malowniczą przestrzeń, czyniąc z obrazu swoiste okno na świat. Połączenie naukowca i artysty w jednej osobie twórczej było możliwe dopiero w renesansie. W okresie renesansu narodziły się i rozwinęły nowe style i trendy, które w dużej mierze determinowały zarówno rozkwit nowoczesnej kultury, jak i jej dalszy rozwój.
Zlista wykorzystanej literatury
1) Gurevich PS. Kulturologia: Podręcznik. - M., 1996.
3) Kulturologia / wyd. Radugina AA - M., 1996.
4) Sztuka wczesnego renesansu. - M.: Sztuka, 1980. - 257 s.
5) Historia sztuki: renesans. - M.: AST, 2003. - 503 s.
6) Yaylenko E. V. Włoski renesans. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 s.
7) Yaylenko E. V. Włoski renesans. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 s.
8) Livshits N.A. Sztuka francuska XV-XVIII wiek L., 1967.
9) Pietruszewicz NB. Sztuka Francji 15-16 wieków. M., 1973.
10) Kamenskaya T.D. Nowoselskaja I.N. Rysunek francuski XV-XVI wiek. L., 1969.
Hostowane na Allbest.ru
Podobne dokumenty
Cechy renesansu. Narodziny kultury renesansowej w Holandii. Dzieło Pietera Bruegla i Jana van Eycka. Technika portretowa autorstwa Francois Cloueta. Praca mistrzów szkoły z Fontainebleau. Charakterystyczne cechy kultury artystycznej renesansu północnego.
praca semestralna, dodana 30.09.2015
Ogólna charakterystyka renesansu, jego charakterystyczne cechy. Główne okresy i człowiek renesansu. Rozwój systemu wiedzy, filozofia renesansu. Charakterystyka arcydzieł kultury artystycznej okresu największego rozkwitu sztuki renesansowej.
praca twórcza, dodano 17.05.2010
Periodyzacja renesansu i jego charakterystyka. Specyfika kultury materialnej renesansu. Charakter wytwarzania przedmiotów kultury materialnej. Główne cechy stylu, artystyczny wygląd epoki. Cechy charakterystyczne kultury materialnej.
praca semestralna, dodana 25.04.2012
Rozwój kultury artystycznej renesansu we Włoszech. Ścieżka życia i twórczość Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła Buonarrotiego. Twórczość wielkich mistrzów późnego renesansu – Palladio, Veronese, Tintoretto. Sztuka renesansu.
streszczenie, dodane 13.03.2011
Tło społeczno-gospodarcze, pochodzenie duchowe i charakterystyczne cechy kultury renesansowej. Rozwój kultury włoskiej w okresie protorenesansu, wczesnego, wysokiego i późnego renesansu. Cechy okresu renesansu w państwach słowiańskich.
streszczenie, dodane 05.09.2011
Ustalenie stopnia wpływu średniowiecza na kulturę renesansu. Analiza głównych etapów rozwoju kultury artystycznej renesansu. Charakterystyczne cechy renesansu w różnych krajach Europy Zachodniej. Cechy kultury białoruskiego renesansu.
praca semestralna, dodana 23.04.2011
Renesans jako epoka w dziejach Europy. Historia pojawienia się tego zjawiska, cechy wczesnego renesansu. Rozkwit renesansu w Holandii, Niemczech i Francji. Sztuka renesansu północnego, nauka, filozofia i literatura. Architektura i muzyka.
prezentacja, dodano 15.12.2014
Ramy chronologiczne renesansu, jego charakterystyczne cechy. Świeckość kultury i jej zainteresowanie człowiekiem i jego działalnością. Etapy rozwoju renesansu, cechy jego manifestacji w Rosji. Odrodzenie malarstwa, nauki i światopoglądu.
prezentacja, dodana 24.10.2015
Humanizm jako ideologia renesansu. Manifestacje humanizmu w różnych epokach. Charakterystyczne cechy renesansu. Twórczość włoskiego poety Francesco Petrarca. Erazm z Rotterdamu – największy uczony renesansu północnego.
prezentacja, dodana 10.12.2016
Problem renesansu we współczesnych studiach kulturowych. Główne cechy renesansu. Natura kultury renesansu. Humanizm renesansu. Wolnomyślicielstwo i świecki indywidualizm. Nauka renesansu. Doktryna społeczeństwa i państwa.
Luwr - dzieło architekta Pierre'a Lesko i rzeźbiarza Jeana Goujona - to jeden z najdoskonalszych zabytków francuskiej architektury renesansowej. Od miniatury z Luwrem dzieli go prawie półtora wieku - okres, w którym kultura francuska przeszła trudną drogę od ascetycznego zaprzeczenia wartości ziemskiej egzystencji do gloryfikacji jej piękna. Jak to się stało?
Kiełki nowego torowały sobie drogę przez glebę znacznie surowszą niż ziemia miast-republik Włoch i Holandii: Francja była krajem klasycznych form feudalizmu i kolebką stylu gotyckiego (w Europie został nazwany „francuskim manierą”). Jego miasta nigdy nie cieszyły się niezależnością, jaką mieli ich północni i południowi sąsiedzi. A tradycje gotyckie, zwłaszcza w architekturze, pozostały niewzruszone aż do początku XVI wieku.
A jednak już na przełomie XIV i XV wieku w życiu duchowym społeczeństwa francuskiego dały się zauważyć zasadnicze zmiany. W sztukach plastycznych szczególnie wyraźnie widać je w „iluminacjach” (jak nazywano wówczas miniatury) zdobiących księgi rękopiśmienne. Głównym ośrodkiem produkcji rękopisów był Paryż – jedna z największych stolic kulturalnej Europy. Pisarze, introligatorzy, pergaminatorzy, malarze zajmowali cały blok w przylegającym do Sorbony mieście - Uniwersytecie Paryskim. Ich publikacje cieszyły się dużym zainteresowaniem. Zamówiono traktaty naukowe, powieści rycerskie, utwory poetyckie, przekłady starożytnych autorów, Biblie, księgi godzin. Wszystkie księgi ozdobiono eleganckimi ornamentami i kolorowymi miniaturami. Kultura dekoracji była na wysokim poziomie. Dante i Petrarka z podziwem wypowiadali się o paryskich rękopisach.
 |
J. Sourdo, D. Sourdo, J. Gobero, P. Neve. Zamek Chambord. 1519-1559. (W górę) Bracia Limburgowie. "Październik". Miniatura z Wspaniałej Księgi Godzin księcia Berry. Akwarele. 1411 - 1416. W tle Luwr z początku XV wieku. (Po prawej) A. Karton. Ukoronowanie Dziewicy. Masło. 1453. |
Renesans – przetłumaczony z francuskiego oznacza „renesans”. Tak nazwali całą epokę, symbolizując intelektualny i artystyczny rozkwit kultury europejskiej. Renesans rozpoczął się we Włoszech na początku XIV wieku, zwiastując schyłek epoki upadku kultury i średniowiecza, opartego na barbarzyństwie i ignorancji, a rozwijając się, osiągnął swój szczyt w XVI wieku.
Po raz pierwszy o renesansie pisał historiograf pochodzenia włoskiego, malarz i autor prac o życiu znanych artystów, rzeźbiarzy i architektów na początku XVI wieku.
Początkowo termin „renesans” oznaczał pewien okres (początek XIV wieku) kształtowania się nowej fali sztuki. Ale po pewnym czasie pojęcie to zyskało szerszą interpretację i zaczęło oznaczać całą epokę rozwoju i formowania się kultury przeciwstawnej feudalizmowi.
Okres renesansu jest ściśle związany z pojawieniem się we Włoszech nowych stylów i technik malarskich. Istnieje zainteresowanie starożytnymi obrazami. Sekularyzm i antropocentryzm to integralne cechy, które wypełniają ówczesne rzeźby i malarstwo. Renesans zastępuje ascezę charakteryzującą epokę średniowiecza. Pojawia się zainteresowanie wszystkim, co przyziemne, bezgraniczne piękno natury i oczywiście człowieka. Artyści renesansowi podchodzą do wizji ludzkiego ciała z naukowego punktu widzenia, starając się dopracować wszystko w najdrobniejszych szczegółach. Obrazy stają się realistyczne. Malarstwo pełne jest niepowtarzalnego stylu. Ustanowiła podstawowe kanony smaku w sztuce. Szeroko rozpowszechniona jest nowa koncepcja światopoglądowa zwana „humanizmem”, zgodnie z którą osoba jest uważana za najwyższą wartość.
okres renesansu
Duch rozkwitu jest szeroko wyrażany w ówczesnych obrazach i nadaje malarstwu szczególną zmysłowość. Renesans łączy kulturę z nauką. Artyści zaczęli uważać sztukę za dziedzinę wiedzy, szczegółowo badając fizjologię człowieka i otaczającego go świata. Dokonano tego, aby bardziej realistycznie oddać prawdę o stworzeniu Boga i wydarzeniach rozgrywających się na ich płótnach. Dużo uwagi poświęcono przedstawieniu tematów religijnych, które dzięki umiejętnościom geniuszy takich jak Leonardo da Vinci nabrały ziemskiej treści.
Istnieje pięć etapów rozwoju włoskiej sztuki renesansowej.
Międzynarodowy (dworski) gotycki
Pochodzący z początku XIII wieku gotyk dworski (ducento) charakteryzuje się przesadnym blaskiem, przepychem i pretensjonalnością. Głównym typem malarstwa jest miniatura przedstawiająca sceny ołtarzowe. Artyści do tworzenia swoich obrazów używają farb temperowych. Renesans obfituje w sławnych przedstawicieli tego okresu, takich jak włoscy malarze Vittore Carpaccio i Sandro Botticelli.
Okres przedrenesansowy (protorenesansowy)
Kolejny etap, uważany za antycypujący renesans, nazywany jest protorenesansem (trecento) i przypada na koniec XIII - początek XIV wieku. W związku z szybkim rozwojem humanistycznego światopoglądu malarstwo tego okresu historycznego ujawnia wewnętrzny świat człowieka, jego duszę, ma głębokie znaczenie psychologiczne, ale jednocześnie ma prostą i przejrzystą strukturę. Wątki religijne schodzą na dalszy plan, a wiodąca stają się wątki świeckie, a głównym bohaterem jest osoba ze swoimi uczuciami, mimiką i gestami. Pojawiają się pierwsze portrety włoskiego renesansu, zastępujące ikony. Znani artyści tego okresu to Giotto, Pietro Lorenzetti.
Wczesny renesans
Na początku rozpoczyna się etap wczesnego renesansu (quattrocento), symbolizującego rozkwit malarstwa przy braku tematów religijnych. Twarze na ikonach przybierają ludzką postać, a pejzaż jako gatunek w malarstwie zajmuje osobną niszę. Założycielem kultury artystycznej wczesnego renesansu jest Mosaccio, którego koncepcja opiera się na inteligencji. Jego obrazy są bardzo realistyczne. Wielcy mistrzowie zgłębiali perspektywę liniową i powietrzną, anatomię i wykorzystywali wiedzę w swoich kreacjach, co widać we właściwej trójwymiarowej przestrzeni. Przedstawicielami wczesnego renesansu są Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.
Wysoki renesans lub „złoty wiek”
Od końca XV wieku rozpoczął się i nie trwał długo, aż do początku XVI wieku, etap wysokiego renesansu (cinquecento). Jego centrum stały się Wenecja i Rzym. Artyści poszerzają swoje ideowe horyzonty i interesują się przestrzenią. Człowiek pojawia się na obraz bohatera, doskonałego zarówno duchowo, jak i fizycznie. Postaciami tej epoki są Leonardo da Vinci, Raphael, Tycjan Vecellio, Michał Anioł Buonarroti i inni. Wielki artysta Leonardo da Vinci był „człowiekiem uniwersalnym” i nieustannie poszukiwał prawdy. Zajmując się rzeźbą, dramaturgią, różnymi eksperymentami naukowymi, znalazł czas na malowanie. Kreacja „Madonna in the Rocks” wyraźnie odzwierciedla wykreowany przez malarza styl światłocienia, gdzie połączenie światła i cienia tworzy efekt trójwymiarowości, a słynna „La Gioconda” wykonana jest techniką „smuffato”, która tworzy iluzję mgły.
Późny renesans
W okresie późnego renesansu, który przypada na początek XVI wieku, miasto Rzym zostało zdobyte i splądrowane przez wojska niemieckie. To wydarzenie zapoczątkowało erę zagłady. Rzymskie centrum kulturalne przestało być mecenasem najsłynniejszych postaci, które zostały zmuszone do rozejścia się do innych miast Europy. W wyniku narastającej pod koniec XV wieku niespójności poglądów między wiarą chrześcijańską a humanizmem, dominującym stylem charakteryzującym malarstwo staje się manieryzm. Renesans powoli dobiega końca, gdyż za podstawę tego stylu uważa się piękny manier, który przysłania wyobrażenia o harmonii świata, prawdzie i wszechmocy umysłu. Kreatywność staje się złożona i nabiera cech konfrontacji różnych kierunków. Wspaniałe dzieła należą do tak znanych artystów jak Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).
Włochy stały się kulturalnym centrum malarstwa i obdarzyły świat znakomitymi artystami tego okresu, których obrazy do dziś budzą emocjonalny zachwyt.
Oprócz Włoch rozwój sztuki i malarstwa zajmował ważne miejsce w innych krajach europejskich. Ten trend został nazwany.Na szczególną uwagę zasługuje malarstwo renesansowej Francji, które wyrosło na własnej ziemi. Koniec wojny stuletniej spowodował wzrost świadomości powszechnej i rozwój humanizmu. Jest w tym realizm, połączenie z wiedzą naukową, pociąg do obrazów starożytności. Wszystkie powyższe cechy zbliżają go do włoskiego, ale obecność tragicznej nuty na płótnach jest istotną różnicą. Znani artyści renesansu we Francji - Anguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet Starszy.
Renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wieki. wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.
Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze prowadzą codzienne rozmowy ze swoimi mecenasami. W pewnym momencie wydawało się, że ludem rządzili mędrcy, tak jak chciał tego Platon.
Pamiętajcie o starożytnych Rzymianach i Grekach. Zbudowali też społeczeństwo wolnych obywateli, w którym główną wartością jest człowiek (nie licząc oczywiście niewolników).
Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanka. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i duchowe.
To był tylko błysk. Okres wysokiego renesansu to około 30 lat! Od 1490 do 1527 Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed złupieniem Rzymu.
Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy były zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.
Jednak te 30 lat określiło główne cechy malarstwa europejskiego na 500 lat do przodu! Aż do .
Realizm obrazu. Antropocentryzm (kiedy środkiem świata jest Człowiek). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Krajobraz…
Niesamowicie, w ciągu tych 30 lat pracowało jednocześnie kilku genialnych mistrzów. Innym razem rodzą się raz na 1000 lat.
Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Ale nie sposób nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach: Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięciu mistrzów florenckiego renesansu”. Początek XVI wieku. . XIV wiek. Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, raczej by nie nadeszła.
Przed Giottem były ikony i freski. Zostały stworzone według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. płaskie figury. Niedopasowanie proporcjonalne. Zamiast pejzażu - złote tło. Jak na przykład na tej ikonie.
Guido da Siena. Adoracja Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy. I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają duże figury. Twarze szlachetnych ludzi. Stary i młody. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Różny.
Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (szczegół). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (matki Marii), fragment.
Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegni w Padwie. Kiedy ten kościół został otwarty dla parafian, tłumy ludzi wlewały się do niego. Nigdy tego nie widzieli.
W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. Przetłumaczył biblijne historie na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.
Giotta. Adoracja Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegni w Padwie we Włoszech. To będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakonizm obrazów. Żywe emocje bohaterów. Realizm.
Przeczytaj więcej o freskach mistrza w artykule.
Giotto był podziwiany. Ale jego innowacja nie była dalej rozwijana. Moda na międzynarodowy gotyk zawitała do Włoch.
Dopiero po 100 latach pojawi się godny następca Giotta.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancaccich w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.
Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę liniową. Zaprojektował go jego przyjaciel architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek to już przeszłość.
Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancaccich w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.
Zamiast blokowych postaci, Giotto to pięknie zbudowani ludzie. Tak jak starożytni Grecy.
Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy. 
Masaccio. Wygnanie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Masaccio żył krótko. Zmarł, podobnie jak jego ojciec, niespodziewanie. W wieku 27 lat.
Miał jednak wielu zwolenników. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do kaplicy Brancaccich, aby uczyć się z jego fresków.
Tak więc innowacja Masaccio została podchwycona przez wszystkich wielkich artystów wysokiego renesansu.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie, Włochy. Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Wywarł ogromny wpływ na rozwój malarstwa.
To właśnie da Vinci sam podniósł status artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. To są twórcy i arystokraci ducha.
Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portretach.
Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno błądzić od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Zwięzły. Harmonijny.
Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Chertoryskich, Kraków. Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób, aby obrazy… były żywe.
Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie dobrane. Malowany rysunek nie mógł być żywy.
Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zamazał linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się być pokryci ledwo dostrzegalną mgłą. Postacie ożyły.
. 1503-1519 Luwr, Paryż. Sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.
Często pojawia się opinia, że Leonardo oczywiście był geniuszem, ale nie wiedział, jak doprowadzić cokolwiek do końca. I często nie kończył malowania. A wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). W ogóle został wrzucony do medycyny, a potem do muzyki. Kiedyś lubiła nawet sztukę serwowania.
Pomyśl jednak sam. 19 obrazów - a on jest największym artystą wszechczasów i narodów. A ktoś nie jest nawet bliski wielkości, pisząc 6000 płócien w ciągu życia. Oczywiście, kto ma wyższą wydajność.
Przeczytaj o najsłynniejszym obrazie mistrza w artykule.
4. Michał Anioł (1475-1564)
Daniele da Volterrę. Michał Anioł (szczegóły). 1544 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Jak jego inni koledzy z renesansu. Dlatego jego dziedzictwo malarskie jest nie mniej imponujące.
Rozpoznają go przede wszystkim rozwinięte fizycznie postacie. Przedstawił doskonałego człowieka, w którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.
Dlatego wszystkie jego postacie są tak muskularne, odporne. Nawet kobiety i starzy ludzie.
Michał Anioł. Fragmenty fresku Sądu Ostatecznego w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.
Często Michał Anioł malował postać nago. A potem dodałem ubrania na wierzch. Aby ciało było jak najbardziej wytłoczone.
Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu pocierać farby. Tak, był nietowarzyski. Miał twardą i kłótliwą osobowość. Ale przede wszystkim był niezadowolony z… siebie.
Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan. Michał Anioł żył długo. Przetrwał upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace pełne są smutku i smutku.
Ogólnie rzecz biorąc, twórcza ścieżka Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace to pochwała ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Jak jego David.
W ostatnich latach życia - to tragiczne obrazy. Celowo ciosany kamień. Jakby przed nami były pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego „Pietę”.
Rzeźby Michała Anioła na Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555
Jak to jest możliwe? Jeden artysta przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu do XX wieku w ciągu jednego życia. Co zrobią następne pokolenia? Idź swoją drogą. Wiedząc, że poprzeczka została ustawiona bardzo wysoko.
5. Rafał (1483-1520)
. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy. Raphael nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze doceniany: zarówno za życia, jak i po śmierci.
Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To on jest słusznie uważany za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Piękno zewnętrzne odzwierciedla duchowe piękno bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.
Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy. Słynne słowa „Piękno uratuje świat”, o których właśnie powiedział Fiodor Dostojewski. To było jego ulubione zdjęcie.
Jednak zmysłowe obrazy to nie jedyna mocna strona Rafaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niezrównanym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że inaczej być nie może.
Rafał. Szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w salach Pałacu Apostolskiego, Watykan. Rafael żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Od złapanych przeziębień i błędów medycznych. Ale jego spuścizny nie można przecenić. Wielu artystów uwielbiało tego mistrza. I zwielokrotnili jego zmysłowe obrazy na tysiącach swoich płócien..
Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo eksperymentował też z kompozycją. Ogólnie był odważnym innowatorem.
Za tak błyskotliwy talent wszyscy go kochali. Nazywany „królem malarzy i malarzem królów”.
Mówiąc o Tycjanie, chcę umieścić wykrzyknik po każdym zdaniu. W końcu to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Blask kolorów.
Tycjanowski. Wniebowstąpienie Maryi. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari, Wenecja. Pod koniec życia opracował niezwykłą technikę pisania. Pociągnięcia są szybkie i grube. Farbę nakładano pędzlem lub palcami. Z tego - obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. A fabuły są jeszcze bardziej dynamiczne i dramatyczne.
Tycjanowski. Tarkwiniusz i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama, Cambridge, Anglia. Czy to ci nic nie przypomina? Oczywiście to technika. I technika artystów XIX wieku: Barbizon i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w ciągu jednego życia przejdzie przez 500 lat malowania. Dlatego jest geniuszem.
Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.
Artyści renesansowi to właściciele wielkiej wiedzy. Aby zostawić taką spuściznę, trzeba było dużo się uczyć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.
Dlatego każdy z ich obrazów skłania do myślenia. Dlaczego to jest pokazane? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?
Prawie nigdy się nie mylą. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Wykorzystali cały bagaż swojej wiedzy.
Byli kimś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśniali nam świat poprzez malowanie.
Dlatego zawsze będą dla nas głęboko interesujące.
