Najwięksi kompozytorzy wszech czasów na świecie: zestawienia chronologiczne i alfabetyczne, odniesienia i dzieła
100 wielkich kompozytorów świata
Lista kompozytorów w porządku chronologicznym
1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henryk Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Handel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Jan Sebastian Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. Józef Haydn (1732 -1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeusz Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franciszek Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vincenzo Bellini (1801-1835)
27. Hektor Berlioz (1803 -1869)
28. Michaił Iwanowicz Glinka (1804 -1857)
29. Feliks Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 -1869)
33. Franciszek Liszt (1811 -1886)
34. Ryszard Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanisław Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Aleksander Nikołajewicz Serow (1820 -1871)
40. Cesar Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Johann Strauss (1825 -1899)
44. Anton Grigoriewicz Rubinstein (1829 -1894)
45. Johannes Brahms (1833 -1897)
46. Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Aleksiejewicz Bałakiriew (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Modest Pietrowicz Musorgski (1839 -1881)
52. Piotr Iljicz Czajkowski (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janaczek (1854 -1928)
59. Anatolij Konstantinowicz Lyadov (1855 -1914)
60. Siergiej Iwanowicz Tanejew (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Wilk (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Ryszard Strauss (1864 -1949)
67. Aleksander Tichonowicz Greczaninow (1864 -1956)
68. Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Aleksander Nikołajewicz Skryabin (1872 -1915)
72. Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow (1873 -1943)
73. Arnold Schönberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Nikołaj Karłowicz Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartok (1881 -1945)
77. Nikołaj Jakowlewicz Myaskowski (1881 -1950)
78. Igor Fedorowicz Strawiński (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Siergiej Siergiejewicz Prokofiew (1891 -1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Dariusz Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paweł Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Izaak Osipowicz Dunajewski (1900 -1955)
89. Aram Iljicz Chaczaturian (1903 -1978)
90. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 -1975)
91. Tichon Nikołajewicz Chrennikow (ur. 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Gieorgij Wasiliewicz Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinowicz Szczedrin (ur. 1932)
96. Krzysztof Penderecki (ur. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (ur. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) i Paul McCartney (ur. 1942)
100. Żądło (ur. 1951)
ARCYDZIEŁA MUZYKI KLASYCZNEJ
Najsłynniejsi kompozytorzy świata
Lista kompozytorów w kolejności alfabetycznej
| N | Kompozytor | Narodowość | Kierunek | Rok |
| 1 | Albinoni Tomaso | Włoski | Barokowy | 1671-1751 |
| 2 | Areński Anton (Antony) Stepanowicz | Rosyjski | Romantyzm | 1861-1906 |
| 3 | Baini Giuseppe | Włoski | Muzyka kościelna - renesans | 1775-1844 |
| 4 | Bałakiriew Mili Aleksiejewicz | Rosyjski | „Potężna Garść” – rosyjska szkoła muzyczna o zasięgu ogólnokrajowym | 1836/37-1910 |
| 5 | Bacha Jana Sebastiana | Niemiecki | Barokowy | 1685-1750 |
| 6 | Belliniego Vincenzo | Włoski | Romantyzm | 1801-1835 |
| 7 | Bieriezowski Maksym Sozontowicz | rosyjsko-ukraiński | Klasycyzm | 1745-1777 |
| 8 | Beethovena Ludwiga van | Niemiecki | między klasycyzmem a romantyzmem | 1770-1827 |
| 9 | Bizeta Georgesa | Francuski | Romantyzm | 1838-1875 |
| 10 | Boito (Boito) Arrigo | Włoski | Romantyzm | 1842-1918 |
| 11 | Boccherini Luigi | Włoski | Klasycyzm | 1743-1805 |
| 12 | Borodin Aleksander Porfiriewicz | Rosyjski | Romantyzm – „Potężna Garść” | 1833-1887 |
| 13 | Bortnyansky Dmitrij Stepanowicz | rosyjsko-ukraiński | Klasycyzm - muzyka kościelna | 1751-1825 |
| 14 | Brahmsa Johannesa | Niemiecki | Romantyzm | 1833-1897 |
| 15 | Wagnera Wilhelma Ryszarda | Niemiecki | Romantyzm | 1813-1883 |
| 16 | Warłamow Aleksander Jegorowicz | Rosyjski | Rosyjska muzyka ludowa | 1801-1848 |
| 17 | Weber (Weber) Carl Maria von | Niemiecki | Romantyzm | 1786-1826 |
| 18 | Verdiego Giuseppe Fortunio Francesco | Włoski | Romantyzm | 1813-1901 |
| 19 | Wierstowski Aleksiej Nikołajewicz | Rosyjski | Romantyzm | 1799-1862 |
| 20 | Vivaldi Antonio | Włoski | Barokowy | 1678-1741 |
| 21 | Villa-Lobos Heitor | brazylijski | Neoklasycyzm | 1887-1959 |
| 22 | Wolf-Ferrari Ermanno | Włoski | Romantyzm | 1876-1948 |
| 23 | Haydna Franciszka Józefa | austriacki | Klasycyzm | 1732-1809 |
| 24 | Händel Georg Friedrich | Niemiecki | Barokowy | 1685-1759 |
| 25 | Gershwina George’a | amerykański | - | 1898-1937 |
| 26 | Głazunow Aleksander Konstantinowicz | Rosyjski | Romantyzm – „Potężna Garść” | 1865-1936 |
| 27 | Glinka Michaił Iwanowicz | Rosyjski | Klasycyzm | 1804-1857 |
| 28 | Glier Reinhold Moritzevich | Rosyjski i radziecki | - | 1874/75-1956 |
| 29 | Gluk Christoph Willibald | Niemiecki | Klasycyzm | 1714-1787 |
| 30 | Granados, Granados i Campina Enrique | hiszpański | Romantyzm | 1867-1916 |
| 31 | Greczaninow Aleksander Tichonowicz | Rosyjski | Romantyzm | 1864-1956 |
| 32 | Griega Edvarda Haberupa | norweski | Romantyzm | 1843-1907 |
| 33 | Hummel, Hummel (Hummel) Johann (Jan) Nepomuk | Austriacki - czeski według narodowości | Klasycyzm-romantyzm | 1778-1837 |
| 34 | Gounoda Charlesa François | Francuski | Romantyzm | 1818-1893 |
| 35 | Gurilew Aleksander Lwowicz | Rosyjski | - | 1803-1858 |
| 36 | Dargomyżski Aleksander Siergiejewicz | Rosyjski | Romantyzm | 1813-1869 |
| 37 | Dvorjak Antonin | Czech | Romantyzm | 1841-1904 |
| 38 | Debussy’ego Claude’a Achille’a | Francuski | Romantyzm | 1862-1918 |
| 39 | Delibesa Klemensa Philiberta Leo | Francuski | Romantyzm | 1836-1891 |
| 40 | Destouches André Kardynała | Francuski | Barokowy | 1672-1749 |
| 41 | Degtyariew Stiepan Anikiewicz | Rosyjski | muzyka kościelna | 1776-1813 |
| 42 | Giulianiego Mauro | Włoski | Klasycyzm-romantyzm | 1781-1829 |
| 43 | Dinicu Grigorasz | rumuński | 1889-1949 | |
| 44 | Donizettiego Gaetano | Włoski | Klasycyzm-romantyzm | 1797-1848 |
| 45 | Ippolitow-Iwanow Michaił Michajłowicz | Kompozytor rosyjsko-radziecki | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1859-1935 |
| 46 | Kabalewski Dmitrij Borisowicz | Kompozytor rosyjsko-radziecki | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1904-1987 |
| 47 | Kalinnikow Wasilij Siergiejewicz | Rosyjski | Rosyjska klasyka muzyczna | 1866-1900/01 |
| 48 | Kalman (Kalman) Imre (Emmerich) | język węgierski | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1882-1953 |
| 49 | Cui Cezar Antonowicz | Rosyjski | Romantyzm – „Potężna Garść” | 1835-1918 |
| 50 | Leoncavallo Ruggiero | Włoski | Romantyzm | 1857-1919 |
| 51 | Liszt (Liszt) Franz (Franz) | język węgierski | Romantyzm | 1811-1886 |
| 52 | Lyadov Anatolij Konstantinowicz | Rosyjski | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1855-1914 |
| 53 | Łapunow Siergiej Michajłowicz | Rosyjski | Romantyzm | 1850-1924 |
| 54 | Mahler (Mahler) Gustaw | austriacki | Romantyzm | 1860-1911 |
| 55 | Mascagni Pietro | Włoski | Romantyzm | 1863-1945 |
| 56 | Massenet Jules Emile Frederic | Francuski | Romantyzm | 1842-1912 |
| 57 | Marcello (Marcello) Benedetto | Włoski | Barokowy | 1686-1739 |
| 58 | Meyerbeera Giacomo | Francuski | Klasycyzm-romantyzm | 1791-1864 |
| 59 | Mendelssohn, Mendelssohn-Bartholdy Jacob Ludwig Felix | Niemiecki | Romantyzm | 1809-1847 |
| 60 | Mignoni (Mignone) Francisco | brazylijski | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1897 |
| 61 | Monteverdiego Claudio Giovanniego Antonio | Włoski | Renesans-barok | 1567-1643 |
| 62 | Moniuszko Stanisław | Polski | Romantyzm | 1819-1872 |
| 63 | Mozarta Wolfganga Amadeusza | austriacki | Klasycyzm | 1756-1791 |
| 64 | Musorgski Modest Pietrowicz | Rosyjski | Romantyzm – „Potężna Garść” | 1839-1881 |
| 65 | Dyrektor Eduard Frantsevich | Rosyjski - czeski według narodowości | Romantyzm? | 1839-1916 |
| 66 | Oginsky (Ogiński) Michał Kleofas | Polski | - | 1765-1833 |
| 67 | Offenbach (Offenbach) Jacques (Jacob) | Francuski | Romantyzm | 1819-1880 |
| 68 | Paganiniego Nicolo | Włoski | Klasycyzm-romantyzm | 1782-1840 |
| 69 | Pachelbel Johann | Niemiecki | Barokowy | 1653-1706 |
| 70 | Plunkett, Plunkett (Planquette) Jean Robert Julien | Francuski | - | 1848-1903 |
| 71 | Ponce Cuellar Manuel Maria | Meksykański | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1882-1948 |
| 72 | Prokofiew Siergiej Siergiejewicz | Kompozytor rosyjsko-radziecki | Neoklasycyzm | 1891-1953 |
| 73 | Poulenca Franciszka | Francuski | Neoklasycyzm | 1899-1963 |
| 74 | Pucciniego Giacomo | Włoski | Romantyzm | 1858-1924 |
| 75 | Ravel Maurice Joseph | Francuski | Neoklasycyzm-impresjonizm | 1875-1937 |
| 76 | Rachmaninow Siergiej Wasiliewicz | Rosyjski | Romantyzm | 1873-1943 |
| 77 | Rimski – Korsakow Nikołaj Andriejewicz | Rosyjski | Romantyzm – „Potężna Garść” | 1844-1908 |
| 78 | Rossini Gioacchino Antonio | Włoski | Klasycyzm-romantyzm | 1792-1868 |
| 79 | Rota Nino | Włoski | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1911-1979 |
| 80 | Rubinstein Anton Grigoriewicz | Rosyjski | Romantyzm | 1829-1894 |
| 81 | Sarasate, Sarasate i Navascuez Pablo de | hiszpański | Romantyzm | 1844-1908 |
| 82 | Sviridov Georgy Wasiljewicz (Jurij) | Kompozytor rosyjsko-radziecki | Neoromantyzm | 1915-1998 |
| 83 | Saint-Saëns Charles Camille | Francuski | Romantyzm | 1835-1921 |
| 84 | Sibelius (Sibelius) Jan (Johan) | fiński | Romantyzm | 1865-1957 |
| 85 | Scarlattiego Giuseppe Domenico | Włoski | Barok-klasycyzm | 1685-1757 |
| 86 | Skriabin Aleksander Nikołajewicz | Rosyjski | Romantyzm | 1871/72-1915 |
| 87 | Śmietana (Smetana) Bridzhih | Czech | Romantyzm | 1824-1884 |
| 88 | Strawiński Igor Fiodorowicz | Rosyjski | Neoromantyzm-neobarok-serializm | 1882-1971 |
| 89 | Tanejew Siergiej Iwanowicz | Rosyjski | Romantyzm | 1856-1915 |
| 90 | Telemanna Georga Philippa | Niemiecki | Barokowy | 1681-1767 |
| 91 | Torelliego Giuseppe | Włoski | Barokowy | 1658-1709 |
| 92 | Tosti Francesco Paolo | Włoski | - | 1846-1916 |
| 93 | Fibich Zdenek | Czech | Romantyzm | 1850-1900 |
| 94 | Flotow Friedrich von | Niemiecki | Romantyzm | 1812-1883 |
| 95 | Chaczaturian Aram | Kompozytor ormiańsko-radziecki | Kompozytorzy klasyczni XX wieku | 1903-1978 |
| 96 | Holsta Gustawa | język angielski | - | 1874-1934 |
| 97 | Czajkowski Piotr Iljicz | Rosyjski | Romantyzm | 1840-1893 |
| 98 | Czesnokow Paweł Grigoriewicz | Kompozytor rosyjsko-radziecki | - | 1877-1944 |
| 99 | Cilea (Cilea) Francesco | Włoski | - | 1866-1950 |
| 100 | Cimarosa Domenico | Włoski | Klasycyzm | 1749-1801 |
| 101 | Schnittke Alfreda Garriewicza | Kompozytor radziecki | polistylistyka | 1934-1998 |
| 102 | Chopina Fryderyka | Polski | Romantyzm | 1810-1849 |
| 103 | Szostakowicz Dmitrij Dmitriewicz | Kompozytor rosyjsko-radziecki | Neoklasycyzm-neoromantyzm | 1906-1975 |
| 104 | Strauss Johann (ojciec) | austriacki | Romantyzm | 1804-1849 |
| 105 | Strauss (Straus) Johann (syn) | austriacki | Romantyzm | 1825-1899 |
| 106 | Straussa Ryszarda | Niemiecki | Romantyzm | 1864-1949 |
| 107 | Franza Schuberta | austriacki | Romantyzm-klasycyzm | 1797-1828 |
| 108 | Schumanna Roberta | Niemiecki | Romantyzm | 1810-1 |
B. Britten to jeden z najważniejszych kompozytorów XX wieku. W jego twórczości reprezentowane są niemal wszystkie gatunki muzyczne: od utworów fortepianowych i wokalnych po operę.
Właściwie wskrzesił muzykę angielską, która po śmierci Haendla od prawie dwustu lat nie miała kompozytora takiej rangi.
Biografia
Początkowy okres twórczości
Edwarda Benjamina Brittena Brytyjski kompozytor, dyrygent i pianista , urodził się w 1913 roku w Lowestoft (hrabstwo Suffolk) w rodzinie dentysty. Jego zdolności muzyczne ujawniły się wcześnie: w wieku 6 lat zaczął już komponować muzykę. Jego pierwszą nauczycielką gry na fortepianie była mama, następnie chłopiec nauczył się grać na altówce.
Królewska Szkoła Muzyczna
W Royal College of Music w Londynie studiował grę na fortepianie, studiując także kompozycję. Jego wczesne dzieła od razu przykuły uwagę świata muzycznego – był to „Hymn do Dziewicy” i wariacje chóralne „Narodziny dziecka”. Britten zostaje zaproszony do wytwórni filmów dokumentalnych, z którą współpracował przez 5 lat. Uważa ten okres za dobrą szkołę, w której musiał wiele się uczyć i komponować, nawet gdy natchnienie odchodzi i pozostaje tylko sumienna praca.
W tym okresie działał także w radiu: pisał muzykę do audycji radiowych, następnie rozpoczął działalność koncertową.
Okres II wojny światowej
W latach trzydziestych był już kompozytorem, którego dzieła zyskały światową sławę: jego muzykę słychać było we Włoszech, Hiszpanii, Austrii i USA, ale wybuchła II wojna światowa, a Britten opuścił Anglię udając się do USA i Kanady. Kompozytor powrócił do ojczyzny dopiero w 1942 roku. Od razu rozpoczął występy na terenie całego kraju: w małych wioskach, schronach przeciwbombowych, szpitalach, a nawet w więzieniach. A kiedy wojna się skończyła, od razu odwiedził z koncertami Niemcy, Belgię, Holandię, Szwajcarię i kraje skandynawskie.
Twórczość powojenna
W 1948 roku zorganizował w Aldborough, gdzie się osiedlił, Doroczny Międzynarodowy Festiwal Muzyczny, któremu poświęca wiele czasu, wysiłku i pieniędzy. Na pierwszym festiwalu w 1948 roku wykonano jego kantatę „Święty Mikołaj”.
Na początku lat pięćdziesiątych Britten brał udział w działalności Organizacji Artystów Muzycznych – Zwolenników Pokoju, pisał opery, a w 1956 odbył podróż do Indii, Cejlonu, Indonezji i Japonii. Wrażenia z podróży znalazły odzwierciedlenie w partyturze baletu „Książę pagód”. Ta baśniowa ekstrawagancja staje się pierwszym narodowym „dużym” baletem, wcześniej w Anglii istniały tylko balety jednoaktowe. Potem Britten powraca do swojej ulubionej opery: w 1958 pojawia się Arka Noego, a w 1960 - Sen nocy letniej.
W 1961 roku Britten stworzył Requiem wojenne, które stało się pomnikiem ofiar wojny. Został napisany z okazji ceremonii poświęcenia katedry w mieście Coventry, całkowicie zniszczonej przez niemieckie bombardowania. Po raz pierwszy „Requiem wojenne” wykonano w 1962 roku. Sukces był ogłuszający: „Requiem” zostało sprzedane w ciągu pierwszych dwóch miesięcy w nakładzie 200 tysięcy płyt, co świadczyło o prawdziwym sukcesie dzieła.
Ruiny katedry w Coventry
W tym samym czasie Britten napisał dzieła nowego gatunku: opery przypowieści. W 1964 roku na japońskiej działce powstała rzeka Curlew. „Akcja w piecu” (1966) oparta jest na epizodzie ze Starego Testamentu, a „Syn marnotrawny” (1968) na przypowieści ewangelicznej. „Kantata Miłosierdzia” Britten pisze na 100. rocznicę powstania Czerwonego Krzyża, kantata oparta jest na przypowieści o dobrym Samarytaninie. Uroczystość odbyła się 1 września 1963 roku w Genewie.
Brittena i Rosji
Usłyszawszy po raz pierwszy w Londynie grę M. Rostropowicza, Britten postanawia napisać dla niego pięcioczęściową Sonatę, z których każda ukazuje szczególne umiejętności wiolonczelisty. W marcu 1963 r. w Moskwie i Leningradzie odbył się festiwal muzyki angielskiej, na którym sonatę tę wykonali sam Britten i M. Rostropowicz. W tym samym czasie jednoaktowe opery Brittena zostały po raz pierwszy wystawione w Rosji przez Small Company z Covent Garden Theatre. W 1964 r. Britten ponownie odwiedza nasz kraj, nawiązuje przyjazne stosunki z D. Szostakowiczem, M. Rostropowiczem i G. Wiszniewską, nawet w nowym roku 1965 Britten spotyka się z Szostakowiczem na jego daczy.
M. Rostropowicz i B. Britten
Muzyka Szostakowicza ma zauważalny wpływ na twórczość Brittena. Pisze Koncert wiolonczelowy i dedykuje go Mścisławowi Rostropowiczowi, a cykl pieśni według wierszy Puszkina Galinie Wiszniewskiej. Szostakowicz dedykuje Brittenowi swoją XIV Symfonię.
Ostatni raz B. Britten odwiedził Rosję w 1971 r. W 1975 r. zmarł D. Szostakowicz, a w 1976 r. Britten.
Twórczość B. Brittena
Brittena uważa się za twórcę odrodzenia opery w Anglii. Pracując w różnych gatunkach muzycznych, Britten najbardziej lubił operę. Swoją pierwszą operę, Peter Grimes, ukończył w 1945 roku, a jej wystawienie zapoczątkowało odrodzenie narodowego teatru muzycznego. Libretto opery oparte jest na tragicznej historii rybaka Petera Grimesa, którego nęka los. Muzyka jego opery jest różnorodna pod względem stylistycznym: posługuje się stylem wielu kompozytorów, w zależności od treści sceny: rysuje obrazy samotności i rozpaczy w stylu G. Mahlera, A, Berga, D. Szostakowicza ; realistyczne sceny rodzajowe – w stylu D. Verdiego i pejzaże morskie – w stylu C. Debussy’ego. A wszystkie te style genialnie łączy jedno – styl Brittena i kolor Wielkiej Brytanii.
Kompozytor przez całe swoje późniejsze życie zajmował się komponowaniem oper. Stworzył opery kameralne: „Zbezczeszczenie Lukrecji” (1946), „Albert Śledź” (1947) na fabule G. Maupassanta. W latach 50-60. tworzy opery Billy Budd (1951), Gloriana (1953), The Turn of the Screw (1954), Arka Noego (1958), Sen nocy letniej (1960) na podstawie komedii W. Szekspira, opera kameralna Rzeka Carlew (1964), operę Syn marnotrawny (1968) dedykowaną Szostakowiczowi i Śmierć w Wenecji (1970) według T. Manna.
Muzyka dla dzieci
Britten pisze także dla dzieci i tworzy muzykę do celów edukacyjnych. Na przykład w spektaklu „Zróbmy operę” (1949) wprowadza widza w proces jej wykonania. Już w 1945 roku napisał wariację i fugę na temat Purcella „Przewodnik po orkiestrze dla młodych słuchaczy”, w której wprowadza słuchaczy w barwy różnych instrumentów. S. Prokofiew ma podobną operę dla dzieci - „Piotruś i wilk”.
W 1949 roku Britten stworzył operę dla dzieci Mały kominiarz, a w 1958 operę Arka Noego.
B. Britten dużo koncertował jako pianista i dyrygent, koncertując po całym świecie.
„Odkrycie” Ivesa przez Charlesa Ivesa nastąpiło dopiero pod koniec lat 30., kiedy okazało się, że wiele (i bardzo różnych) metod najnowszego pisarstwa muzycznego zostało już sprawdzonych przez oryginalnego amerykańskiego kompozytora w epoce A. Skriabina, C. Debussy'ego i G. Mahlera. Zanim Ives stał się sławny, przez wiele lat nie komponował muzyki i poważnie chory zerwał kontakt ze światem zewnętrznym.
Następnie, w latach dwudziestych, odchodząc od muzyki, Ives stał się odnoszącym sukcesy biznesmenem i wybitnym specjalistą (autorem popularnych dzieł) ubezpieczeń. Większość dzieł Ivesa należy do gatunków muzyki orkiestrowej i kameralnej. Jest autorem pięciu symfonii, uwertur, utworów programowych na orkiestrę (Trzy wioski w Nowej Anglii, Central Park w ciemności), dwóch kwartetów smyczkowych, pięciu sonat na skrzypce, dwóch na fortepian, utworów na organy, chóry i ponad 100 pieśni . Symfonia nr. 1 ja. Allegro Rej. II. Largo II. Adagio molto III. Scherzo: Vivace IV. Allegro molto I. Allegro Ray. II. Largo II. Adagio Malto III. Scherzo: Vivace IV Allegro malto
W II Sonacie fortepianowej () kompozytor złożył hołd swoim duchowym poprzednikom. Każda jej część przedstawia portret jednego z filozofów amerykańskich: R. Emersona, N. Hawthorne’a, G. Topo; cała sonata nosi nazwę miejsca, w którym żyli ci filozofowie (Concord, Massachusetts,). Ich idee stały się podstawą światopoglądu Ivesa (na przykład idea połączenia życia ludzkiego z życiem natury) Sonata No. 2 na fortepian: Concord, Mass., t.j. Emersona II. Hawthorne III. Alcottowie IV. Thoreau Sonata 2 na fortepian:. Concord, Massachusetts, tj. Emersona II. Hawthorne III. W Alcotts IV Toro
Edward William Elgar E. Elgar był największym angielskim kompozytorem przełomu XIX i XX w. Pierwsze lekcje muzyki pobierał u ojca, organisty i właściciela sklepu muzycznego, następnie rozwijał się samodzielnie, ucząc się podstaw muzyki zawód w praktyce. Dopiero w 1882 roku kompozytor zdał egzaminy w Królewskiej Akademii Muzycznej w Londynie w klasie skrzypiec i z teoretycznych przedmiotów muzycznych. Już w dzieciństwie opanował grę na wielu instrumentach na skrzypcach, fortepianie, w 1885 zastąpił ojca na stanowisku organisty kościelnego.W 1873 Elgar rozpoczął karierę zawodową jako skrzypek w Worcester Glee Club (stowarzyszeniu chóralnym), a ponieważ pracował w rodzinnym mieście jako akompaniator i dyrygent orkiestry amatorskiej.
O znaczeniu Elgara dla historii muzyki angielskiej decydują przede wszystkim dwa dzieła: oratorium Sen Gerontiusa (1900, o św. J. Newmana) oraz symfoniczne Wariacje na tajemniczy temat, które stały się szczytami angielskiego musicalu romantyzm. „Tajemnica” wariacji polega na tym, że zaszyfrowane są w nich imiona przyjaciół kompozytora, a także ukryty jest temat muzyczny cyklu. (Wszystko to przypomina „Sfinksy” z „Karnawału” R. Schumanna.) Elgar jest także właścicielem pierwszej symfonii angielskiej (1908). Wśród innych licznych dzieł orkiestrowych kompozytora (uwertury, suity, koncerty itp.) wyróżnia się Koncert skrzypcowy (1910), jeden z najpopularniejszych dzieł tego gatunku. Sen Geroncjusza Sen Geroncjusza
Muzyka Elgara jest melodyjna, kolorowa, ma jasny charakter, w utworach symfonicznych przyciąga kunszt orkiestrowy, subtelność instrumentacji, przejaw romantycznego myślenia. Już na początku XX wieku. Elgar zyskał europejską sławę. Kraina Nadziei i Chwały
Ralph Vaughan Williams Angielski kompozytor, organista i muzyczna osoba publiczna, kolekcjoner i badacz angielskiego folkloru muzycznego. Studiował w Trinity College, Cambridge University u C. Wooda oraz w Royal College of Music w Londynie () u X. Parry'ego i C. Stanforda (kompozycja), W. Parretta (organy); doskonalił się kompozycyjnie u M. Brucha w Berlinie, u M. Ravela w Paryżu. Organista kościoła South Lambeth w Londynie. Od 1904 roku był członkiem Towarzystwa Pieśni Ludowej. Od 1919 wykładał kompozycję w Royal College of Music (od 1921 profesor). Lider Chóru Bacha.
Dzieła symfoniczne Vaughana-Williamsa wyróżniają się dramatyzmem (IV symfonia), klarownością melodyki, mistrzostwem prowadzenia głosu i pomysłowością orkiestracji, w której wyczuwalny jest wpływ impresjonistów. Do monumentalnych dzieł wokalnych, symfonicznych i chóralnych zaliczają się oratoria i kantaty przeznaczone do wykonań kościelnych. Spośród oper największy sukces odnosi „Zakochany Sir John” („Sir John in Love”, 1929 na podstawie „Plotek z Windsoru” W. Szekspira). Vaughan Williams był jednym z pierwszych angielskich kompozytorów aktywnie działających w kinie (jego VII symfonia powstała na podstawie muzyki do filmu o polarniku R. F. Scottie). Symfonia Vaughana Williamsa 4.
Naukę gry na fortepianie rozpoczęła w wieku 5 lat, w wieku 8 lat zagrała na pamięć prawie wszystkie dzieła Beethovena. W wieku 20 lat liczba jej koncertów osiągnęła 100 rocznie. „Kiedy słucham, jak gram, mam wrażenie, że jestem na własnym pogrzebie” – to zdanie stało się jakby prorocze, ponieważ w 1960 roku z powodu zawału serca na koncercie ustała jej działalność muzyczna. Skomponowała kilka swoich utworów („Sonata Julii Hess”, „Pożegnanie”). Styl: muzyka klasyczna. W czasie wojen koncertowała na całym świecie, za co została doceniona i wciąż pamiętana przez wielu ludzi.
Amerykański pianista jazzowy, dyrygent, autor tekstów, jazzman, flecista, aktor i kompozytor, zdobywca 14 nagród Grammy, jeden z najbardziej wpływowych muzyków jazzowych. Muzyka Hancocka łączy w sobie elementy rocka i jazzu z elementami freestyle. Hancock jest Ambasadorem Dobrej Woli UNESCO i prezesem Instytutu Jazzu Theloniusa Monka. Mówią o Herbim: „Geniusz czystej prostoty”.
Wokalista, muzyk, pianista, aranżer, kompozytor, harmonista. Od dzieciństwa był niewidomy, ale to nie przeszkodziło mu w zostaniu genialnym pianistą w wieku 8 lat. „Widzi, bo czuje” – powiedzieli jego rodzice. Wonder lubi wykorzystywać w swoich kompozycjach wiele skomplikowanych akordów. Prezydent USA Barack Obama jest wieloletnim fanem muzyki Steviego Wondera. Jego nazwisko w krajach anglojęzycznych stało się powszechnie znane wśród niewidomych.
Murzyński gitarzysta Chuck Berry, który stał u początków rock and rolla, miał taki wpływ na tę muzykę, że po prostu nie sposób wyobrazić sobie tego stylu bez niego. Skomponował wiele świetnych piosenek, które stały się przykładami rock and rolla, wymyślił wiele trików, które gitarzyści wciąż powtarzają na scenie. Stwierdzenie Johna Lennona jest dość symptomatyczne: „Gdyby nie istniał termin „rock and roll”, ta muzyka musiałaby nazywać się „Chuck Berry” „Chuck Berry”. Amerykański muzyk Chuck Berry Chuck Berry 1926) (1926)
Bob Dylan nazywany jest „objawieniem Ameryki” i w tym sensie jego twórczość jest przeciwieństwem twórczości mistrzów alegorii gwiazd popu. Wiadomo, że w piosenkach, jak w lustrze, odbija się ich autor ze wszystkimi swoimi działaniami i dążeniami. Piosenki Dylana charakteryzują się pewną przemyślanością i oryginalnością, podkreślaną niezależnością ocen. Już we wczesnych latach odrzucał wszelkie zewnętrzne opinie na temat śpiewania i pisania muzyki. Amerykański piosenkarz i kompozytor Bob Dylan Amerykański piosenkarz i kompozytor Bob Dylan (1941) (1941)
Z Elvisem Presleyem kojarzy się stabilna fraza „King of Rock and Roll”. Według magazynu Rolling Stone zajmuje trzecie miejsce wśród największych wykonawców wszechczasów i największych wokalistów. W swojej karierze Elvis Presley zdobył trzy nagrody Grammy (1967, 1972, 1975), był nominowany 14 razy. W styczniu 1971 roku piosenkarka otrzymała nagrodę Jaycee – jako jedna z „dziesięciu wybitnych osób roku” amerykańskiego piosenkarza rockowego Elvisa Presleya ()
Brytyjski zespół rockowy z Liverpoolu, założony w 1960 roku, w skład którego wchodzili John Lennon, Paul McCartney, George Harrison i Ringo Starr. Słynny zespół z Liverpoolu osiągnął wiele sukcesów, które do dziś są niesamowite, a które współcześni wykonawcy starają się powtórzyć. Do najwyższych osiągnięć Beatlesów można zaliczyć fakt, że ich „A Day In The Life” jest najlepszą piosenką w Wielkiej Brytanii, płyta „Revolver” (1966) została uznana za najlepszą płytę w historii rock and rolla, oraz smutna piosenka „Yesterday” była wykonywana w ubiegłym stuleciu ponad siedem milionów razy. A to nie wszystkie osiągnięcia Beatlesów!
Jej sukcesy na polu muzycznym są imponujące. Dziś piosenkarka na swoim koncie ma 34 złote i 21 platynowych płyt. W swojej karierze zdobyła dwie nagrody GRAMMY. Od 1964 roku na świecie sprzedano ponad 60 milionów jej płyt… Jej sukcesy na polu muzycznym są imponujące. Dziś piosenkarka na swoim koncie ma 34 złote i 21 platynowych płyt. W swojej karierze zdobyła dwie nagrody GRAMMY. Od 1964 roku na całym świecie sprzedano ponad 60 milionów jej płyt… W 1992 roku ukazały się cztery płyty CD Barbry Streisand „Just for the Chronicle”, stanowiące dźwiękową ilustrację jej kariery, począwszy od pierwszego nagrania dźwiękowego w 1955 roku . Na płytach znajdują się nagrania wczesnych programów telewizyjnych z udziałem Barbry Streisand, jej przemówień związanych z wręczeniem nagród oraz niewydane jeszcze piosenki. W 1992 roku ukazały się cztery płyty CD Barbry Streisand „Just for the Chronicle”, będące ilustracją dźwiękową jej kariery od pierwszego nagrania w 1955 roku. Na płytach znajdują się nagrania wczesnych programów telewizyjnych z udziałem Barbry Streisand, jej przemówień związanych z wręczeniem nagród oraz niewydane jeszcze piosenki. „Trzeba żyć, nie podporządkowując swojego życia opiniom innych ludzi” – Barbra podsumowuje swoje doświadczenie życiowe. Tylko w ten sposób nie możesz siebie zmienić. „Trzeba żyć, nie podporządkowując swojego życia opiniom innych ludzi” – Barbra podsumowuje swoje doświadczenie życiowe. Tylko w ten sposób nie możesz siebie zmienić. Amerykańska piosenkarka, kompozytorka, reżyserka, scenarzystka, aktorka filmowa (1942)
Brytyjski zespół rockowy założony w 1964 roku. Oryginalny skład składał się z Pete'a Townsenda, Rogera Daltreya, Johna Entwistle i Keitha Moona. Zespół odniósł ogromny sukces dzięki niezwykłym występom na żywo i jest uważany zarówno za jeden z najbardziej wpływowych zespołów lat 60. i 70., jak i za jeden z największych zespołów rockowych wszechczasów. The Who zasłynęli w swojej ojczyźnie zarówno dzięki nowatorskiej technice łamania instrumentów na scenie po występie, jak i dzięki hitowym singlom. Kto (ci sami) 1964
Anglia nazywana jest najbardziej „niemuzykalnym” krajem w Europie. Według historyków sztuki historia powstania muzyki angielskiej sięga odległego IV wieku, kiedy na terytorium Wysp Brytyjskich żyły plemiona celtyckie. W zachowanych pieśniach i balladach z tamtych czasów śpiewacy i bardowie opisywali kampanie wojenne, wyczyny, romantyczne legendy i miłość do ojczyzny. Nowy etap w rozwoju kultury Anglii przypada dopiero na VI wiek, wraz z przyjęciem chrześcijaństwa, sztuka muzyczna zaczęła się szybko rozwijać: najpierw pod kościołem, a następnie pod państwem.
Dziś kompozytorzy angielscy nie są tak znani jak ich europejscy odpowiednicy i wtedy dość trudno jest szybko przypomnieć sobie ich nazwiska czy dzieła. Ale jeśli spojrzysz na historię muzyki światowej, możesz dowiedzieć się, że Wielka Brytania dała światu tak wielkich kompozytorów jak Edwarda Elgara, Gustaw Holst,Ralpha Vaughana Williamsa I Benjamina Brittena.
Rozkwit kultury muzycznej w Wielkiej Brytanii przypadł na panowanie królowej Wiktorii. W 1905 roku w Anglii powstała pierwsza symfonia, której autorem był Edwarda Elgara. Powszechne uznanie młodemu kompozytorowi przyniosło oratorium „Sen Geroncjusza”, powstałe w 1900 roku, a także „Wariacje na tajemniczy temat”. Elgar zyskał uznanie nie tylko Anglii, ale całej Europy, a słynny Austriak Johann Strauss zauważył nawet, że twórczość Elgara jest szczytem angielskiego romantyzmu w dziedzinie muzyki.
Gustaw Holst to kolejny znany angielski kompozytor żyjący w XIX wieku. Nazywany jest najbardziej oryginalnym i niezwykłym twórcą muzyki klasycznej – takie uznanie otrzymał za scenę „Planety”. Praca ta składa się z siedmiu części i opisuje planety naszego Układu Słonecznego.
Kolejnym na liście wielkich kompozytorów jest założyciel szkoły „angielskiego renesansu muzycznego”, pra-bratanek Karola Darwina - Ralpha Vaughana Williamsa. Oprócz komponowania muzyki Williams zajmował się także działalnością społeczną i kolekcjonował angielski folklor. Do jego najsłynniejszych dzieł należą trzy Rapsodia z Norfolk, fantazje na temat Tallisa na podwójną orkiestrę smyczkową, a także symfonie, trzy balety, kilka oper i aranżacje pieśni ludowych.
Wśród współczesnych kompozytorów angielskich na uwagę zasługuje baron Edwarda Benjamina Britenne’a. Britten pisał utwory na orkiestry kameralne i symfoniczne, muzykę kościelną i wokalną. Dzięki niemu w podupadającej wówczas Anglii nastąpiło odrodzenie opery. Jednym z głównych tematów twórczości Britenna był protest przeciwko przejawom przemocy i wojny na rzecz pokoju i harmonii w relacjach międzyludzkich, co najwyraźniej znalazło swój wyraz w „Requiem wojennym” napisanym w 1961 roku. Edward Benjamin także często odwiedzał Rosję, a nawet pisał muzykę do słów A. S. Puszkina.
Wstęp
Losy muzyki angielskiej okazały się złożone i paradoksalne. Od XV wieku do końca XVII wieku, kiedy to kształtowała się i rozkwitała angielska tradycja muzyki klasycznej, jej rozwój był ciągły. Proces ten przebiegał intensywnie ze względu na oparcie się na folklorze, które zostało zdeterminowane wcześniej niż w innych szkołach kompozytorskich, a także na skutek powstawania i utrwalania oryginalnych, narodowych gatunków (antem, maska, półopera). Wczesna muzyka angielska dała ważne impulsy sztuce europejskiej, m.in. polifonię, wariacyjno-figuratywne zasady rozwoju i suitę orkiestrową. Jednocześnie pierwotnie odbijał bodźce dochodzące z zewnątrz.
W XVII wieku mają miejsce wydarzenia, które zadają potężny cios angielskiej kulturze muzycznej. Jest to po pierwsze purytanizm, który powstał podczas rewolucji 1640-1660, z jego fanatycznym pragnieniem zniesienia starych wartości duchowych oraz starożytnych typów i form kultury świeckiej, a po drugie, przywrócenie monarchii (1660) , co radykalnie zmieniło ogólną orientację kulturową kraju, wzmacniając wpływy zewnętrzne (z Francji).
Co zaskakujące, równolegle z oczywistymi symptomami kryzysu zachodzą zjawiska świadczące o najwyższym rozkwicie sztuki muzycznej. W trudnym dla muzyki angielskiej okresie pojawił się Henry Purcell (1659-1695), którego dzieła zaznaczyły rozkwit narodowej szkoły kompozytorskiej, choć nie wywarły bezpośredniego wpływu na twórczość kolejnych pokoleń. Działający w Anglii Georg Friedrich Handel (1685-1759) swoimi oratoriami ustanowił prymat tradycji chóralnej w spektrum gatunków muzyki angielskiej, co bezpośrednio wpłynęło na jej dalszy rozwój. W tym samym okresie przodkiem wielu przykładów tzw. opery balladowej stała się Opera żebracza Gaya i Pepusza (1728), której parodyczny charakter świadczył o rozpoczęciu epoki przemian kulturowych.
Był to jeden ze szczytów sztuki teatralnej w Anglii i zarazem dowód obalenia sztuki muzycznej, a dokładniej przeniesienia jej „kulturotwórczej energii” (A. Schweitzer) – z profesji na sfera amatorska.
Na tradycję muzyczną składa się wiele czynników – takich jak twórczość kompozytorska, wykonawstwo, sposób życia muzycznego. Regulowane postawami ideologicznymi, estetycznymi i ogólnoartystycznymi czynniki te nie zawsze działają w skoordynowanej jedności, często w pewnych warunkach historycznych ich interakcja zostaje zakłócona. Świadczyć o tym może okres stuletni od około połowy XVIII do połowy XIX wieku w Anglii.
Muzyka Anglii
Wysoki poziom wykonawstwa, szerokie rozpowszechnienie i głębokie zakorzenienie w życiu codziennym różnych form tworzenia muzyki – instrumentalnej, wokalno-zespołowej i chóralnej – stworzyły wówczas podatny grunt dla jasnego, zakrojonego na szeroką skalę życia koncertowego Londynu, które przyciągało kontynentalne muzycy do stolicy imperium: Chopin, Berlioz, Czajkowski, Głazunow… Muzycy niemieccy również nieśli ze sobą świeży powiew nowoczesności, droga na Wyspy Brytyjskie była szeroko otwarta od czasów panowania dynastii hanowerskiej (od 1714 do 1901) – przypomnijmy chociażby cotygodniowe koncerty Bacha – Abla i koncerty Haydna – Salomona. Tym samym Anglia uczestniczyła w intensywnym procesie powstawania symfonii przedklasycznej i klasycznej, ale nie wniosła do niej żadnego rzeczywistego wkładu twórczego. Ogólnie rzecz biorąc, w tym czasie gałąź twórczości narodowej w gatunkach opery i symfonii, które były istotne na kontynencie, była nierozwinięta, w innych gatunkach (na przykład w oratorium) kanał czasami stawał się płytki. To właśnie ta epoka nadała Anglii obecnie nieprzekonującą nazwę „kraju bez muzyki”.
Paradoksem jest, że „era ciszy” przypadła na tzw. epokę wiktoriańską – okres panowania królowej Wiktorii (od 1837 do 1901 roku). Państwo było u szczytu swej potęgi i chwały. Potężna potęga kolonialna, „warsztat świata”, dała swojemu narodowi pewność siebie i przekonanie, że „jego przeznaczeniem było zajmować pierwsze miejsce w świecie do końca swoich dni” (J. Aldridge). Epoka wiktoriańska to rozkwit wszystkich dziedzin kultury angielskiej: jej prozy i poezji, dramatu i teatru, malarstwa i architektury, wreszcie estetyki – i czas zauważalnego upadku twórczości kompozytorskiej.
Jednocześnie właśnie od połowy XIX w., kiedy kryzys narodowej szkoły kompozytorskiej był już oczywisty, zaczęły kumulować się impulsy wzrostowe, które uwidoczniły się w połowie XIX w. na przełomie XIX i XX wieku.
Ruch chóralny, amatorski i zawodowy, rozwijał się i rozwijał. Tradycję chóralną postrzegano jako prawdziwie narodową. Wierność jej przysięgali angielscy mistrzowie: Hubert Parry (1848–1918), Edward Elgar (1857–1934), Frederick Dilius (1862–1934), Gustav Holst (1874–1934), Ralph Vaughan Williams (1872–1958).
Równolegle rozwijał się ruch folklorystyczny, na którego czele stał Cecil J. Sharp (1859-1924). Obejmował kierunek naukowy (kolekcja terenowa, zrozumienie teoretyczne) i praktyczny (wprowadzenie do szkoły i życia codziennego). Towarzyszyła temu krytyczna ocena salonowo-rozrywkowej asymilacji gatunków folklorystycznych i przenikania materiału ludowego do twórczości kompozytorskiej. Wszystkie te aspekty ruchu folklorystycznego współdziałały ze sobą – uzupełniały się, a czasem sprzecznie.
Do połowy XIX wieku, choć na pierwszy rzut oka może się to wydawać dziwne, pieśni angielskie rzadko trafiały do zbiorów – znacznie rzadziej niż pieśni ze Szkocji, Walii, a zwłaszcza Irlandii. Nie bez ironii Ralph Vaughan Williams napisał we wstępnym eseju do książki „English Folk Song” autorstwa czołowego folklorysty w kraju Cecila Sharpa: „Z wiarygodnych źródeł nadal wiedzieliśmy, że muzyka ludowa jest„ albo zła, albo irlandzka ””
Ruchy na rzecz odrodzenia muzyki dawnej – Purcell, Bach, angielscy madrygaliści i wirginiści – przyczyniły się do rozbudzenia głębokiego zainteresowania wykonawców, producentów instrumentów muzycznych i naukowców (m.in. A. Dolmetch z rodziną), a także kompozytorów Do
„złoty wiek” angielskiej szkoły zawodowej. Dziedzictwo XV-XVII w., ożywione praktyką wykonawczą, wywyższone krytyczną myślą, okazało się inspirującą siłą narodowego kunsztu.
Tendencje te, początkowo ledwo zauważalne, stopniowo nasilały się i pędząc ku sobie, pod koniec XIX wieku wysadziły ziemię w powietrze. Ich związek zapoczątkował nowe odrodzenie muzyczne w Anglii. Po długiej przerwie kraj ten, nie jako odrębne jednostki twórcze, ale jako szkoła narodowa, wszedł w europejską kulturę muzyczną. W tym czasie na kontynencie mówiło się o kompozytorach angielskich; Ciekawą przyszłość przewidywał Brahms dla muzyki angielskiej, wspierał ją R. Strauss w osobie E. Elgara. Intensywność jego ewolucji na przełomie XIX i XX wieku była ogromna.
Tradycja austro-niemieckiego romantyzmu od dawna znalazła w Anglii podatny grunt. Ten historycznie uwarunkowany wpływ, wzmocniony systemem edukacji muzycznej i praktyką doskonalenia młodych kompozytorów w miastach Niemiec, odbił się na stylu (przede wszystkim w Parry, Stanford, Elgar). Angielscy muzycy rozumieli, że potwierdzenie tożsamości narodowej oznacza wyzwolenie spod tak apodyktycznego wpływu. Jednak wbrew deklaracjom ten proces twórczy był powolny i trudny, gdyż same wiodące gatunki – w tym tak konceptualne, jak symfonia czy poemat symfoniczny – opierały się na owocnych doświadczeniach szkoły austro-niemieckiej. W związku z tym miara wpływów niemieckich i stopień ich przezwyciężenia służyły za kryterium oryginalności narodowej i znaczenia dzieła kompozytora. Na przykład takie oceny jednego z angielskich krytyków są orientacyjne: „Podczas gdy muzyka Parry'ego i Stanforda mówiła po niemiecku z angielskim i irlandzkim akcentem… Muzyka Elgara mówiła po angielsku z niemieckim akcentem”.
Na przełomie wieków w Wielkiej Brytanii, podobnie jak w całej Europie, pojawiła się potrzeba stworzenia języka muzycznego wpisującego się we współczesną estetykę. „Nowe słowo” pochodzi z Francji. Zainteresowanie Wschodem, jakie narodziło się wśród muzyków angielskich, skłoniło ich do zwrócenia uwagi na osiągnięcia francuskiego impresjonizmu. Było to szczególnie widoczne w twórczości Cyrila Scotta (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) i Gustava Holsta. To prawda, że u Scotta i Bantocka świat orientalnych obrazów i nastrojów nie wpływa na podstawy myślenia kompozytora. Ich obraz Wschodu jest warunkowy i nietrudno doszukać się w jego wcieleniu wielu tradycyjnych cech.
Realizacja tego tematu w twórczości Holsta, skłaniającego się ku kulturze indyjskiej, osiągnęła inny poziom. Dążył do znalezienia głębszego, duchowego kontaktu między kulturami Zachodu i Wschodu, co jest ogólnie charakterystyczne dla sztuki XX wieku. I realizował to pragnienie na swój własny sposób, a nie zgodnie z tym, co robił jego starszy, współczesny Debussy. Jednocześnie odkrycia impresjonizmu, kojarzone z nową koncepcją przestrzeni muzycznej, barwy, dynamiki, z nowym podejściem do dźwięku, weszły na paletę środków wyrazu, którymi posługiwali się kompozytorzy Anglii – miejsca narodzin „krajobrazu i mariny” (rozdz. Nodier).
Przy wszystkich indywidualnych różnicach stylistycznych, kompozytorów angielskich tamtego okresu łączyła chęć wzmocnienia ludowo-narodowych podstaw swojej muzyki. Odkrycie folkloru chłopskiego i twórczość mistrzów szkoły staroangielskiej jako dwa powiązane ze sobą źródła należą do G. Holsta i R. Vaughana-Williamsa. Odwoływanie się do dziedzictwa „złotego wieku” sztuki angielskiej było jedyną możliwą drogą wskrzeszenia tradycji narodowej. Folklor i dawni mistrzowie, nawiązanie związków ze współczesną europejską kulturą muzyczną – interakcja tych nurtów w sztuce Holsta i Vaughana Williamsów przyniosła długo oczekiwaną odnowę muzyki angielskiej XX wieku. Tematy, wątki i obrazy angielskiej prozy, poezji i dramaturgii stanowiły ważne wsparcie w ustalaniu ideałów narodowych. Dla muzyków wiejskie ballady Roberta Burnsa i ateistyczne wiersze Johna Miltona, pastoralne elegie Roberta Herricka i nasycone namiętną intensywnością wiersze Johna Donne’a zyskują nowoczesne brzmienie; ponownie odkryty przez Williama Blake’a. Coraz głębsze zrozumienie kultury narodowej stało się najważniejszym czynnikiem powstawania i rozkwitu angielskiej szkoły kompozytorskiej XX wieku, kształtowania się ideału estetycznego kompozytorów.
Pierwszymi znaczącymi przedstawicielami nowego odrodzenia muzycznego w Anglii byli Hubert Parry (1848-1918) i Charles Stanford (1852-1924). Kompozytorzy, uczeni, performerzy, zakłócacze i pedagodzy, podobnie jak założyciele wielu szkół narodowych, byli postaciami wybitnymi, których wielostronna praca była bezinteresownie nakierowana na utworzenie nowej narodowej szkoły kompozytorskiej, zdolnej wskrzesić tradycję chwalebnej przeszłości muzyki angielskiej. Ich własna działalność społeczna i twórcza była wzorem dla współczesnych i dla kompozytorów angielskich kolejnych, młodszych pokoleń.
Formacja nowej angielskiej szkoły kompozytorskiej nastąpiła podczas długiego panowania (1837-1901) królowej Wiktorii. W tej epoce w pełni rozwinęły się różne obszary kultury angielskiej. Szczególnie bogata i owocna była duża narodowa tradycja literacka.O ile Parry'ego i Stanforda łączy się ściśle z ich działalnością, relatywnie rzecz biorąc, z okresem prarenesansowym omawianej epoki, to nazwisko Elgara otwiera właściwy okres twórczy nowego odrodzenia .
Angielska szkoła kompozytorska, podobnie jak im współcześni, stawiała czoła przede wszystkim problemom europejskiego romantyzmu muzycznego w całej jego rozciągłości. I oczywiście skupili się na sztuce Wagnera. Władczy wpływ muzyki wagnerowskiej na Anglię można porównać jedynie z jej ówczesnym wpływem we Francji lub z wpływem Handla w XVIII-wiecznej Anglii.
Już na przełomie wieków kompozytorzy angielscy podejmowali uporczywe próby wyrwania się spod wpływu niemieckich tradycji klasyczno-romantycznych, które tak głęboko zakorzeniły się na angielskim gruncie. Przypomnijmy, że Parry chciał stworzyć – w przeciwieństwie do Mendelssohna – narodową wersję oratorium filozoficznego. Wielkim osiągnięciem była trylogia małych kantat Elgara The Spirit of England (1917).
Pierwszym prawdziwym kompozytorem, którego Anglia wyprodukowała od czasów Purcella, jest Edward Elgar (1857-1934). Był bardzo ściśle związany z angielską prowincjonalną kulturą muzyczną. Na początku swojej twórczej drogi był kompozytorem i aranżerem orkiestry w rodzinnym Worcester, pisał także dla muzyków w Birmingham, pracował dla lokalnych stowarzyszeń chóralnych. Jego wczesne pieśni i kantaty chóralne wpisują się w wielką angielską tradycję chóralną, która narodziła się w latach 80. i 90. XX wieku. 19 wiek – czyli dokładnie wtedy, gdy Elgar tworzył wczesne kompozycje chóralne – do fazy kulminacyjnej. Oratorium Elgara Sen Gerontiusa (1900), które przyniosło sławę muzyce angielskiej na kontynencie, było dla kompozytora na tyle znaczącym osiągnięciem, że wyparło Eliasza Mendelssohna i stało się drugim po Mesjaszach Haendla ulubionym oratorium angielskiej publiczności.
Znaczenie Elgara dla historii muzyki angielskiej wyznaczają przede wszystkim dwa dzieła: oratorium Sen Gerontiusa (1900, o św. J. Newmana) oraz symfoniczne Wariacje na tajemniczy temat (Enigma – wariacje (Enigma (łac. .) - zagadka. ), 1899), który stał się szczytem angielskiego romantyzmu muzycznego. Oratorium „Sen Gerontiusa” podsumowuje nie tylko długi rozwój gatunków kantata-oratoryjnych w twórczości samego Elgara (4 oratoria, 4 kantaty, 2 ody), ale pod wieloma względami całą drogę angielskiej muzyki chóralnej, która poprzedzała To. W oratorium znalazła odzwierciedlenie kolejna ważna cecha narodowego renesansu - zainteresowanie folklorem. To nie przypadek, że po wysłuchaniu „Snu Gerontiusa” R. Strauss wzniósł toast „za pomyślność i sukcesy pierwszego angielskiego postępowca Edwarda Elgara, mistrza młodej postępowej szkoły kompozytorów angielskich”. W przeciwieństwie do oratorium „Enigma”, wariacje położyły kamień węgielny pod symfonizm narodowy, który przed Elgarem był najbardziej wrażliwym obszarem angielskiej kultury muzycznej. „„ Enigma ”-wariacje świadczą o tym, że w osobie Elgara kraj znalazł kompozytora orkiestrowego pierwszej wielkości” – napisał jeden z angielskich badaczy. „Tajemnica” wariacji polega na tym, że zaszyfrowane są w nich imiona przyjaciół kompozytora, a także ukryty jest temat muzyczny cyklu. (Wszystko to przypomina „Sfinksy” z „Karnawału” R. Schumanna.) Elgar jest także właścicielem pierwszej symfonii angielskiej (1908).
Twórczość Elgara należy do najwybitniejszych zjawisk romantyzmu muzycznego. Syntetyzując wpływy narodowe i zachodnioeuropejskie, głównie austro-niemieckie, nosi cechy kierunków liryczno-psychologicznych i epickich. Kompozytor szeroko posługuje się systemem motywów przewodnich, w którym wyraźnie wyczuwalny jest wpływ R. Wagnera i R. Straussa.
Utworzenie nowych stanowisk w muzyce angielskiej nastąpiło w momencie przełomowym w życiu duchowym Wielkiej Brytanii. To były lata wielkich prób i zmian. Pierwsza wojna światowa zmusiła wielu artystów tego kraju, uważającego się za ostoję nienaruszalności w Europie, do niespotykanej na skalę skalę wrażliwości i wrażliwości na sprzeczności otaczającej rzeczywistości. W powojennej muzyce angielskiej dominuje odśrodkowa potrzeba patrzenia na świat z szerokiej perspektywy. Młodsze pokolenie zdecydowanie zetknęło się z nowatorskimi poszukiwaniami europejskich mistrzów – Strawińskiego, Schönberga. Fasada Williama Waltona (1902-1983) wywodzi się z pomysłów kompozycyjnych zaczerpniętych z Księżycowego Pierrota Schönberga, jednak styl kompozycji opiera się na antyromantyzmie głoszonym przez Strawińskiego i francuską szóstkę. Constant Lambert (1905-1951) zaskakiwał swoich rodaków, rozpoczynając od pierwszych kroków na swojej drodze twórczej pracę w gatunku baletu, którego tradycje zostały przerwane w Anglii w drugiej połowie XVIII wieku; w istocie jest rzeczą całkiem naturalną, że kompozytora pociągał ten gatunek, który w Europie lat dwudziestych XX wieku stał się symbolem współczesnych poszukiwań artystycznych. Balet Lamberta Romeo i Julia (1925) był swego rodzaju odpowiedzią na Pulcinellę Strawińskiego. W tym samym czasie Lambert inną kompozycją – Elegia Blues na małą orkiestrę (1927) – odpowiedział na jazz, który uderzył w Europejczyków. Alan Bush (1900-1995) związał swoją działalność z pozycją twórczą Eislera i ruchem robotniczym, nie tylko przejął odnośne idee społeczno-polityczne i filozoficzne, ale także rozwinął własną technikę kompozytorską, opierając się owocnie na doświadczeniach szkoły nowowieńskiej przez Eislera.
W pierwszej połowie lat 30. XX w. zarysowała się wreszcie zarysowana w poprzedniej dekadzie zmiana pokoleń kompozytorów. W 1934 roku Anglia straciła trzech głównych mistrzów - Elgara, Diliusa, Holsta. Spośród nich tylko Holst pracował aktywnie aż do ostatnich dni. Elgar, po dekadzie milczenia, dopiero na początku lat 30. ożył dla kreatywności. W tym samym czasie Dilius, dotknięty poważną chorobą i ślepotą, mieszkający we Francji, zainspirował się nieoczekiwanym sukcesem swojej muzyki w ojczyźnie, w Londynie, gdzie w 1929 r. odbył się jego festiwal autorski, oraz wzroście popularności siłą podyktował swoje ostatnie dzieła.
Pod koniec lat trzydziestych młode pokolenie osiągało dojrzałość twórczą. Skończył się czas eksperymentów, główne zainteresowania zostały określone, kreatywność wkracza do głównego nurtu utartych tradycji, pojawia się mistrzostwo i dokładność w stosunku do własnych pomysłów. I tak William Walton pisze monumentalne oratorium biblijne („Święto Belszaccara”, 1931), a po nim - najważniejsze dzieła orkiestrowe (Pierwsza Symfonia, 1934; Koncert skrzypcowy, 1939). Michael Tippett (ur. 1905) odrzuca swoje wczesne dzieła; nowe dzieła z gatunku kameralnego (Pierwsza Sonata fortepianowa, 1937) i koncertowe kompozycje orkiestrowe (Koncert na orkiestrę podwójną, 1939; Fantazja na temat Handla na fortepian i orkiestrę, 1941) ogłasza początek swojej kariery, pierwszą kulminację z nich było oratorium „Dziecko naszych czasów” (1941). W tych latach nad wielkoformatowymi kompozycjami pracowali Lambert (maska „Ostatnia wola i testament lata” na solistę, chór i orkiestrę, 1936), Berkeley (I Symfonia, 1940), Bush (Pierwsza Symfonia, 1940).
Benjamin Britten wyróżnia się spośród wielu błyskotliwych i oryginalnych osobowości artystycznych, w które bogata jest angielska szkoła kompozycji XX wieku. To jemu było pisane znaleźć w swojej twórczości harmonijne współdziałanie wielokierunkowych (a dla poprzedniego pokolenia kompozytorów angielskich niemalże wzajemnie się wykluczających) nurtów - ucieleśnienie idei nowoczesności i urzeczywistnienie oryginalności sztuki narodowej.
britten tworzący zespół wokalny
