Balet jak forma muzyczna ewoluowała od zwykłego dodatku do tańca, do specyficznej formy kompozytorskiej, która często miała to samo znaczenie, co towarzyszący taniec. Powstała we Francji w XVII wieku forma tańca zaczęła się jako taniec teatralny. Formalnie do XIX wieku balet nie uzyskał statusu „klasycznego”. W balecie terminy „klasyczny” i „romantyczny” ewoluowały chronologicznie z użycia muzycznego. Tak więc w XIX wieku klasyczny okres baletu zbiegł się z epoką romantyzmu w muzyce. Kompozytorzy muzyki baletowej XVII i XIX wieku, w tym Jean-Baptiste Lully i Piotr Czajkowski, byli głównie we Francji i Rosji. Jednak wraz z rosnącą międzynarodową sławą Czajkowski za swojego życia dostrzegł rozprzestrzenienie się baletowej kompozycji muzycznej i baletu w ogóle w całym świecie zachodnim.
Encyklopedyczny YouTube
1 / 3
✪ Absolutna plotka o balecie „Śpiąca królewna”
✪ Dona nobis pacem Udziel nam pokoju I S Msza Bacha h-moll Tatarski Teatr Opery i Baletu 2015
✪ ♫ Muzyka klasyczna dla dzieci.
Napisy na filmie obcojęzycznym
Fabuła
- Do mniej więcej drugiej połowy XIX wieku muzyka w balecie odgrywała rolę drugorzędną, z głównym naciskiem na taniec, podczas gdy sama muzyka była po prostu zapożyczona z melodii tanecznych. Pisanie „muzyki baletowej” było niegdyś dziełem rzemieślników muzycznych, a nie mistrzów. Na przykład krytycy rosyjskiego kompozytora Piotra Iljicza Czajkowskiego postrzegali jego pisanie muzyki baletowej jako coś podłego.
Od najwcześniejszych baletów do czasów Jean-Baptiste Lully (1632-1687) muzyka baletowa była nie do odróżnienia od muzyki tanecznej. Lully stworzył odrębny styl, w którym muzyka opowiadała historię. Pierwszy „Balet Akcji" wystawiono w 1717 r. Była to historia opowiedziana bez słów. Pionierem był John Weaver (1673-1760). Zarówno Lully, jak i Jean-Philippe Rameau napisali „operę – balet", w której akcja była wykonywane częściowo przez taniec, częściowo przez śpiew, ale muzyka baletowa stopniowo traciła na znaczeniu.
Kolejny duży krok miał miejsce na początku XIX wieku, kiedy to zaczęto używać przez solistów specjalnych sztywnych baletek - pointe'ów. Pozwoliło to na bardziej ułamkowy styl muzyczny. W 1832 roku słynna baletnica Marie Taglioni (1804-1884) po raz pierwszy zademonstrowała swój taniec na pointe. To było w Sylph. Teraz muzyka mogła stać się bardziej ekspresyjna, stopniowo tańce stawały się coraz bardziej śmiałe, a tancerze unosili się w powietrze obok mężczyzn.
Do czasów Czajkowskiego kompozytor baletu nie oddzielał się od kompozytora symfonii. Muzyka baletowa była akompaniamentem do tańca solowego i zespołowego. Balet Czajkowskiego „Jezioro łabędzie” był pierwszym muzycznym dziełem baletowym, które stworzył kompozytor symfoniczny. Z inicjatywy Czajkowskiego kompozytorzy baletowi nie pisali już prostych i lekkich partii tanecznych. Teraz balet skupiał się nie tylko na tańcu; równie ważna była kompozycja po tańcach. Pod koniec XIX wieku Marius Petipa był choreografem rosyjskiego baletu i tańca, współpracując z kompozytorami, takimi jak Caesar Pugni, tworząc arcydzieła baletowe, które szczyciły się zarówno złożonym tańcem, jak i złożoną muzyką. Petipa współpracował z Czajkowskim, współpracując z kompozytorem przy Śpiącej królewnie i Dziadku do orzechów, czy pośrednio poprzez nowe wydanie Jeziora łabędziego Czajkowskiego po śmierci kompozytora.
W wielu przypadkach wciąż używano w operach krótkich scen baletowych do zmiany scenerii lub kostiumów. Być może najbardziej znanym przykładem muzyki baletowej jako części opery jest „Taniec godzin” z opery La Gioconda (1876) Amilcare Ponchielli.
Kardynalna zmiana nastroju nastąpiła, gdy powstał balet Igora Strawińskiego Święto wiosny (1913).
Muzyka była ekspresjonistyczna i dysharmonijna, a ruchy mocno wystylizowane. W 1924 roku George Antheil napisał Balet Mechaniczny. To nadało się do filmu poruszających się obiektów, ale nie dla tancerzy, chociaż była to innowacja w wykorzystaniu muzyki jazzowej. Od tego momentu muzyka baletowa dzieli się na dwa nurty – modernizm i taniec jazzowy. George Gershwin próbował wypełnić tę lukę swoją ambitną muzyką do Let's Dance (1937), na którą składała się ponad godzina muzyki, która łączyła intelektualny i techniczny styl z jazzem i rumbą. Jedna ze scen została napisana specjalnie dla baletnicy Harriet Hawthor.
Wielu twierdzi, że taniec jazzowy najlepiej reprezentuje choreograf Jerome Robbins, który pracował z Leonardem Bernsteinem przy West Side Story (1957). Pod pewnymi względami jest to powrót do „baletu operowego", bo historię opowiada się głównie słowami. Modernizm najlepiej reprezentuje Siergiej Prokofiew w balecie „Romeo i Julia". Jest to przykład baletu czystego, a jest brak wpływów jazzu lub jakiejkolwiek innej muzyki popularnej. Innym trendem w historii muzyki baletowej jest trend w kierunku twórczych adaptacji muzyki dawnej. Ottorino Respighi zaadaptował utwory Gioacchino Rossiniego (1792-1868) i ich wspólne serie w balecie pod tytułem „Magic Shop”, którego premiera odbyła się w 1919 r. preferuje muzykę romantyczną, by nowe balety łączyły się ze starymi utworami poprzez nową choreografię. Znanym przykładem jest „Sleep” – muzyka Feliksa Mendelssohna w adaptacji Johna Lanchbury'ego.
Kompozytorzy baletowi
Na początku XIX wieku choreografowie wystawiali spektakle oparte na muzyce zebranej, składającej się najczęściej z fragmentów opery i melodii pieśni, które były popularne i dobrze znane publiczności. Pierwszym, który próbował zmienić dotychczasową praktykę, był kompozytor Jean-Madeleine Schneitzhoffer. W tym celu był poddawany znacznej krytyce już od pierwszego dzieła – baletu „Prozerpina” (1818):
Muzyka należy do młodego człowieka, który sądząc po uwerturze i niektórych motywach baletowych zasługuje na zachętę. Ale mocno wierzę (a doświadczenie potwierdza moją opinię), że motywy umiejętnie dobrane do sytuacji zawsze lepiej służą intencjom choreografa i wyraźniej ujawniają jego intencje niż niemal zupełnie nowa muzyka, która zamiast wyjaśniać pantomimę, sama czeka na wyjaśnienie.
Mimo ataków krytyki, za Schneitzhofferem, inni kompozytorzy zaczęli odchodzić od tradycji tworzenia partytur baletowych zebranych z fragmentów muzycznych w oparciu o motywy innych znanych (najczęściej operowych) dzieł – Ferdynanda Gerolda, Fromentala Halevi, a przede wszystkim - a potem owocnie współpracujący z Marius Petipą, tworząc swoje partytury, ściśle przestrzegał wskazówek choreografa i jego planu - aż do ilości taktów w każdym numerze. W przypadku Saint-Leona musiał nawet posłużyć się melodiami ustalonymi przez choreografa: według wspomnień Karla Waltza, Saint-Leon, sam skrzypek i muzyk, niejednokrotnie gwizdał Minkusowi motywy, które „gorączkowo tłumaczył w znaki muzyczne”.
Praktyka ta nie odpowiadała zasadom tego samego Schneitzhoffera, który cenił sobie reputację niezależnego autora i zawsze pracował oddzielnie od choreografa przy tworzeniu partytur (wyjątek zrobiono dopiero przy tworzeniu baletu La Sylphide, wspólnie z choreografem).
Aleksander Nikołajewicz Skriabin Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najjaśniejszych osobowości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalne i głęboko poetyckie dzieło Skriabina wyróżniało się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce, związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, jego ojciec nie mógł zwracać uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S. W. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin poświęcił się całkowicie muzyce – jako koncertowy pianista-kompozytor jeździł po Europie i Rosji, spędzając większość czasu za granicą.
Szczytem twórczości Skriabina były lata 1903-1908, kiedy powstały III Symfonia („Poemat Boski”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, wiersze fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonata oraz inne utwory. wydany. „Wiersz ekstazy”, składający się z kilku tematów-obrazów, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego jasnym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, zwiewnego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia witalna, ognista pasja, moc silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii utworowi temu miał towarzyszyć kolor muzyka, ale premiera, ze względów technicznych, nie przeszła żadnych efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” była idea Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.
A. N. Skriabin „Prometeusz”
Sergei Vasilievich Rachmaninov Sergei Vasilievich Rachmaninov to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy obraz Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często przydomkiem „najbardziej rosyjski kompozytor”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w jednoczeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w odosobnieniu w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w prowincji nowogrodzkiej, od czwartego roku życia rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem matki. Studiował w Konserwatorium Petersburskim, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej Pierwszej Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyszedł Rachmaninow w stylu łączącym rosyjskie pieśni kościelne, zanikający europejski romantyzm, współczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to przesycone złożona symbolika. W tym okresie twórczym rodzą się jego najlepsze prace, m.in
Chcąc nie chcąc nie można pominąć słynnego arcydzieła rosyjskiego kompozytora w czterech aktach, dzięki któremu niemiecka legenda o pięknej łabędziej dziewczynie zostaje uwieczniona w oczach znawców sztuki. Zgodnie z fabułą książę zakochany w królowej łabędzi zdradza ją, ale nawet uświadomienie sobie pomyłki nie uchroni jego ani jego ukochanej przed szalejącymi żywiołami.
Wizerunek głównej bohaterki - Odetty - uzupełnia galerię symboli kobiecych stworzoną przez kompozytora za życia. Warto zauważyć, że autor fabuły baletowej jest wciąż nieznany, a nazwiska librecistów nigdy nie pojawiły się na żadnym plakacie. Balet został po raz pierwszy zaprezentowany w 1877 roku na scenie Teatru Bolszoj, ale pierwsza wersja została uznana za nieudaną. Najbardziej znaną produkcją jest Petipa-Ivanov, która stała się standardem dla wszystkich kolejnych przedstawień.
Najlepsze balety świata: Dziadek do orzechów Czajkowskiego
Popularny w sylwestra balet dla dzieci Dziadek do orzechów został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1892 roku na scenie słynnego Teatru Maryjskiego. Jej fabuła oparta jest na baśni Hoffmanna „Dziadek do orzechów i król myszy”. Zmagania pokoleń, konfrontacja dobra ze złem, mądrość kryjąca się za maską – głęboki sens filozoficzny opowieści odziany jest w żywe obrazy muzyczne, zrozumiałe dla najmłodszych widzów.
Akcja toczy się zimą, w Wigilię, kiedy wszystkie życzenia mogą się spełnić - a to dodaje magicznej historii dodatkowego uroku. W tej bajce wszystko jest możliwe: spełnią się ukochane pragnienia, opadną maski hipokryzji, a niesprawiedliwość zostanie definitywnie pokonana.
************************************************************************
Najlepsze balety świata: Giselle Adam
„Miłość silniejsza niż śmierć” to chyba najtrafniejszy opis słynnego baletu w czterech aktach Giselle. Opowieść o dziewczynie umierającej z żarliwej miłości, która oddała serce szlachetnemu młodzieńcowi zaręczonemu z inną panną młodą, jest tak żywo przekazana w pełnym wdzięku ukłonie smukłych wili - panny młodej, która zmarła przed ślubem.
Balet odniósł ogromny sukces od pierwszej inscenizacji w 1841 roku, a przez 18 lat na scenie Opery Paryskiej wystawiono 150 teatralnych przedstawień dzieła słynnego francuskiego kompozytora. Historia ta podbiła serca koneserów sztuki na tyle, że odkryta pod koniec XIX wieku asteroida została nawet nazwana imieniem głównego bohatera. A dzisiaj nasi współcześni zadbali już o zachowanie jednej z największych pereł dzieła klasycznego w filmowych wersjach klasycznej produkcji.
************************************************************************
Najlepsze balety świata: Don Kichot Minkusa
Era wielkich rycerzy już dawno minęła, ale to nie przeszkadza współczesnym młodym damom marzyć o spotkaniu z Don Kichotem XXI wieku. Balet dokładnie oddaje wszystkie szczegóły folkloru mieszkańców Hiszpanii; a wielu mistrzów próbowało inscenizować fabułę szlacheckiej rycerskości we współczesnej interpretacji, ale to klasyczna inscenizacja zdobi rosyjską scenę od stu trzydziestu lat.
Choreograf Marius Petipa potrafił umiejętnie oddać w tańcu cały smak kultury hiszpańskiej dzięki wykorzystaniu elementów tańców narodowych, a niektóre gesty i postawy bezpośrednio wskazują miejsce, w którym rozgrywa się akcja. Historia nie straciła dziś na znaczeniu: nawet w XXI wieku Don Kichot umiejętnie inspiruje młodych ludzi o ciepłych sercach, zdolnych do desperackich czynów w imię dobra i sprawiedliwości.
************************************************************************
Najlepsze balety świata: Romeo i Julia Prokofiewa
Nieśmiertelna historia dwóch kochających się serc, zjednoczonych dopiero po śmierci na zawsze, ucieleśnia się na scenie dzięki muzyce Prokofiewa. Spektakl miał miejsce na krótko przed II wojną światową, a my musimy oddać hołd oddanym mistrzom, którzy opierali się zwyczajowym wówczas rozkazom, panującym także w sferze twórczej stalinowskiego państwa: kompozytor zachował tradycyjne tragiczne zakończenie działki.
Po pierwszym wielkim sukcesie, który nagrodził spektakl Nagrodą Stalina, wersji było wiele, ale dosłownie w 2008 roku odbyła się tradycyjna inscenizacja z 1935 roku w Nowym Jorku ze szczęśliwym zakończeniem słynnej historii nieznanej dotąd publiczności .
************************************************************************
Miłego oglądania!
Powstała na wzór zachodnich opery rosyjska opera wniosła cenny wkład do skarbca kultury światowej.
Występując w epoce klasycznego rozkwitu oper francuskich, niemieckich i włoskich, opera rosyjska w XIX wieku nie tylko dogoniła klasyczne narodowe szkoły operowe, ale też je wyprzedziła. Ciekawe, że rosyjscy kompozytorzy tradycyjnie wybierali do swoich utworów tematy o charakterze czysto ludowym.
„Życie dla cara” Glinka
Opera „Życie za cara” lub „Iwan Susanin” opowiada o wydarzeniach z 1612 roku – kampanii polskiej szlachty przeciwko Moskwie. Autorem libretta został baron Jegor Rozen, jednak w czasach sowieckich, ze względów ideologicznych, redagowanie libretta powierzono Siergiejowi Gorodeckiemu. Premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w Petersburgu w 1836 roku. Przez długi czas rolę Susanin grał Fiodor Chaliapin. Po rewolucji Życie za cara opuściło scenę sowiecką. Próbowano dostosować fabułę do wymagań nowych czasów: tak Susanin została przyjęta do Komsomołu, a ostatnie wersy brzmiały jak „Chwała, chwała, sowiecki system”. Dzięki Gorodeckiemu, kiedy opera była wystawiana w Teatrze Bolszoj w 1939 roku, „system sowiecki” został zastąpiony przez „naród rosyjski”. Od 1945 roku Teatr Bolszoj tradycyjnie otwiera sezon różnymi przedstawieniami Iwana Susanina Glinki. Największą zagraniczną produkcję opery zrealizowano być może w mediolańskiej La Scali.
„Borys Godunow” Musorgskiego
Opera, w której car i lud są wybierani jako dwie postacie, została zapoczątkowana przez Musorgskiego w październiku 1868 roku. Do napisania libretta kompozytor wykorzystał tekst tragedii Puszkina o tym samym tytule oraz materiały z Historii Państwa Rosyjskiego Karamzina. Tematem opery były rządy Borysa Godunowa tuż przed Czasem Kłopotów. Musorgski ukończył pierwszą edycję opery Borys Godunow w 1869 roku, która została przedstawiona komitetowi teatralnemu Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Recenzenci odrzucili jednak operę, odmawiając jej wystawienia ze względu na brak jasnej roli kobiecej. Musorgski wprowadził do opery „polski” akt miłosnej linii Mariny Mniszek i Fałszywego Dymitra. Dodał też monumentalną scenę popularnego powstania, dzięki czemu finał był bardziej widowiskowy. Mimo wszelkich korekt opera ponownie została odrzucona. Wystawiono ją dopiero 2 lata później, w 1874 roku, na scenie Teatru Maryjskiego. Za granicą premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w paryskiej Grand Opera 19 maja 1908 roku.
Dama pikowa Czajkowskiego
Operę Czajkowskiego ukończył wczesną wiosną 1890 roku we Florencji, a pierwsza inscenizacja odbyła się w grudniu tego samego roku w Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Opera została napisana przez kompozytora na zamówienie Teatru Cesarskiego i po raz pierwszy Czajkowski odmówił przyjęcia zamówienia, uzasadniając swoją odmowę brakiem „odpowiedniej scenicznej obecności” w fabule. Ciekawe, że w opowiadaniu Puszkina bohater nosi nazwisko Hermann (z dwoma „n” na końcu), a w operze głównym bohaterem jest mężczyzna o imieniu Herman – nie jest to pomyłka, a celowa zmiana autora . W 1892 roku opera została wystawiona po raz pierwszy poza Rosją w Pradze. Następnie - pierwsza produkcja w Nowym Jorku w 1910 i premiera w Londynie w 1915.
„Książę Igor” Borodin
Podstawą libretta był pomnik starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”. Pomysł na fabułę podsunął Borodinowi krytyk Władimir Stasow na jednym z wieczorów muzycznych u Szostakowicza. Opera powstawała przez 18 lat, ale kompozytor nigdy jej nie ukończył. Po śmierci Borodina prace nad dziełem zakończyli Głazunow i Rimski-Korsakow. Istnieje opinia, że Głazunowowi udało się przywrócić z pamięci autorskie wykonanie uwertury operowej, którą kiedyś usłyszał, jednak sam Głazunow obalił tę opinię. Pomimo faktu, że Głazunow i Rimski-Korsakow wykonali większość pracy, upierali się, że książę Igor był w całości operą Aleksandra Porfiriewicza Borodina. Premiera opery odbyła się w Teatrze Maryjskim w Petersburgu w 1890 roku, po 9 latach obejrzała ją zagraniczna publiczność w Pradze.
„Złoty Kogucik” Rimskiego-Korsakowa
Opera Złoty Kogucik powstała w 1908 roku na podstawie baśni Puszkina pod tym samym tytułem. Ta opera była ostatnim dziełem Rimskiego-Korsakowa. Teatry cesarskie odmówiły wystawienia opery. Ale gdy tylko publiczność zobaczyła ją po raz pierwszy w 1909 roku w Operze Moskiewskiej Siergieja Zimina, opera została wystawiona w Teatrze Bolszoj miesiąc później, a następnie rozpoczęła swój triumfalny pochód dookoła świata: Londyn, Paryż, Nowy Jork, Berlin, Wrocław.
„Lady Makbet z rejonu mceńskiego” Szostakowicza
Pomysł opery wyszedł od Aleksandra Dargomyżskiego w 1863 roku. Jednak kompozytor wątpił w jego sukces i uważał dzieło za twórczy „rekonesans”, „zabawę nad Don Giovannim” Puszkina. Napisał muzykę do tekstu Puszkina The Stone Guest, nie zmieniając w nim ani jednego słowa. Problemy z sercem nie pozwoliły jednak kompozytorowi dokończyć dzieła. Zmarł, prosząc w testamencie swoich przyjaciół Cui i Rimskiego-Korsakowa o dokończenie dzieła. Opera została po raz pierwszy zaprezentowana publiczności w 1872 roku na scenie Teatru Maryjskiego w Petersburgu. Prapremiera zagraniczna odbyła się dopiero w 1928 roku w Salzburgu. Ta opera stała się jednym z „kamień węgielnych”, bez wiedzy o tym nie można zrozumieć nie tylko rosyjskiej muzyki klasycznej, ale także ogólnej kultury naszego kraju.
Kiedy mówimy o balecie, zawsze mamy na myśli kreatywność, ponieważ to on wprowadził ten gatunek sceniczny do kategorii poważnych i dużych przedstawień muzycznych i scenicznych. Ma tylko trzy balety, a wszystkie trzy – „Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna” słyną z doskonałej dramaturgii i wspaniałej muzyki.
Najpopularniejszym utworem baletowym Piotra Czajkowskiego, który słyszy prawie każdy, jest „”, napisany w 1877 roku. Wiele fragmentów tego tanecznego spektaklu - „Taniec małych łabędzi”, „Walc” i inne, od dawna żyje własnym, oddzielnym życiem, podobnie jak popularne kompozycje muzyczne. Na uwagę melomanów zasługuje jednak cały spektakl, który opowiada historię miłosną. Czajkowski, za życia znany ze swojego niezwykłego talentu kompozytorskiego, hojnie nagrodził balet niezliczoną ilością uroczych i zapadających w pamięć melodii.
Kolejnym z najlepszych baletów w historii muzyki jest balet Czajkowskiego. Był to drugi apel kompozytora do tańca i jeśli publiczność początkowo nie doceniała Jeziora łabędziego, to Piękno natychmiast zostało uznane za arcydzieło i pojawiło się w prawie wszystkich teatrach Imperium Rosyjskiego i Europy.
Balet oparty jest na znanej nam od dzieciństwa bajce Charlesa Perraulta o Śpiącej Królewnie, złej wróżce i miłości zwyciężającej wszystko. Czajkowski uzupełnił tę historię wspaniałymi tańcami baśniowych postaci, a Marius Petipa niesamowitą choreografią, która przez cały czas stała się encyklopedią sztuki baletowej.
"" - trzeci i ostatni balet Piotra Czajkowskiego, jeden z uznanych szczytów jego twórczości, który z pewnością trafi do wszystkich teatrów w Europie w Boże Narodzenie i Sylwestra. Baśń Hoffmanna „Dziadek do orzechów i król myszy” kontynuuje wątek walki dobra ze złem, zapoczątkowany przez Czajkowskiego w Jeziorze łabędzim, uzupełniając go elementami fantazji i oczywiście miłości i poświęcenia. Filozoficzna baśń, liczne piękne melodie numerów tanecznych i choreografia sprawiają, że balet ten jest jednym z najlepszych i najbardziej poszukiwanych klasycznych dzieł muzycznych świata.
Kiedyś był to jeden z najbardziej skandalicznych baletów. Teraz „Romeo i Julia” to jeden z klasycznych spektakli tanecznych w wielu teatrach na całym świecie. Nowa, pod wieloma względami rewolucyjna muzyka kompozytora wymagała od zespołu nowej scenografii i sposobu ruchu. Przed premierą kompozytor musiał dosłownie namówić reżyserów i tancerzy do udziału w produkcji. Jednak to nie pomogło, główne teatry kraju - teatry Bolszoj i Kirow odmówiły wystawienia tego spektaklu. Dopiero po niespodziewanym i oszałamiającym sukcesie Romea i Julii w Czechosłowacji balet został wystawiony w Petersburgu i Moskwie, a sam Prokofiew otrzymał Nagrodę Stalina.
Klasycznym występem wszystkich zespołów tanecznych na świecie jest Giselle. Balet oparty jest na legendzie o jeepach – duchach narzeczonych, które umarły z nieszczęśliwej miłości i dlatego ścigały wszystkich młodych mężczyzn na swojej drodze w szaleńczym tańcu. Od premiery w 1841 roku Giselle nie straciła na popularności wśród miłośników tańca i miała na swoim koncie wiele spektakli.
