Alonso Alicia(ur. 1921), kubańska primabalerina Tancerka romantycznego magazynu była szczególnie wspaniała w „Giselle”. W 1948 założyła na Kubie balet Alicia Alonso, później nazwany Baletem Narodowym Kuby. Życie sceniczne samej Alonso było bardzo długie, przestała występować w wieku ponad sześćdziesięciu lat.
Andreyanova Elena Ivanovna(1819-1857), rosyjska baletnica, największa przedstawicielka baletu romantycznego. Pierwszy wykonawca tytułowych ról w baletach „Giselle” i „Paquita”. Wielu choreografów stworzyło role w swoich baletach specjalnie dla Andreyanovej.
Ashton Frederick(1904-1988), angielski choreograf i dyrektor Baletu Królewskiego Wielkiej Brytanii w latach 1963-1970. Na wystawianych przez niego przedstawieniach dorastało kilka pokoleń angielskich tancerzy baletowych. Styl Ashtona określił cechy angielskiej szkoły baletowej.
Balanchine George(Georgy Melitonovich Balanchivadze, 1904-1983), wybitny rosyjsko-amerykański choreograf XX wieku, innowator. Był przekonany, że taniec nie potrzebuje pomocy literackiej fabuły, scenografii i kostiumów, a co najważniejsze, interakcji muzyki i tańca. Wpływ Balanchine'a na światowy balet jest trudny do przecenienia. Jego spuścizna obejmuje ponad 400 dzieł.
Barysznikow Michaił Nikołajewicz(ur. 1948), tancerz szkoły rosyjskiej. Jego wirtuozowska technika klasyczna i czystość stylu uczyniły Barysznikowa jednym z najsłynniejszych przedstawicieli tańca męskiego XX wieku. Po ukończeniu Leningradzkiej Szkoły Choreograficznej Barysznikow został przyjęty do trupy baletowej Teatru Opery i Baletu im. S.M. Kirowa i wkrótce wykonał główne role klasyczne. W czerwcu 1974, podczas tournée z Bolshoi Theatre Company w Toronto, Barysznikow odmówił powrotu do ZSRR. W 1978 wstąpił do trupy J. Balanchine „New York City Balle”, a w 1980 został dyrektorem artystycznym „American Balle Theatre” i pozostał na tym stanowisku do 1989 roku. W 1990 roku Barysznikow i choreograf Mark Morris założyli White Oak Dance Project, który ostatecznie przekształcił się w dużą grupę podróżniczą z nowoczesnym repertuarem. Nagrody Barysznikowa obejmują złote medale na międzynarodowych konkursach baletowych.
Bejart Maurice(ur. 1927), francuski choreograf, urodzony w Marsylii. Założył zespół „Balet XX wieku” i stał się jednym z najpopularniejszych i najbardziej wpływowych choreografów w Europie. W 1987 roku przeniósł swoją trupę do Lozanny (Szwajcaria) i zmienił jej nazwę na "Béjart Ballet in Lousanne".
Blasis Carlo(1797-1878), włoski tancerz, choreograf i pedagog. Reżyserował szkołę tańca w teatrze La Scala w Mediolanie. Autor dwóch znanych dzieł o tańcu klasycznym: „Traktat o tańcu” i „Kodeks terpsychory”. W latach 60. XIX wieku pracował w Moskwie, w Teatrze Bolszoj i szkole baletowej.
Bournonville sierpień(1805-1879), duński nauczyciel i choreograf, urodził się w Kopenhadze, gdzie jego ojciec pracował jako choreograf. W 1830 kierował baletem Teatru Królewskiego i wystawiał wiele przedstawień. Są starannie konserwowane przez wiele pokoleń duńskich artystów.
Wasiliew Władimir Wiktorowicz(ur. 1940), rosyjska tancerka i choreograf. Po ukończeniu Moskiewskiej Szkoły Choreograficznej pracował w trupie Teatru Bolszoj. Posiadając rzadki dar plastycznej transformacji, miał niezwykle szeroki zakres kreatywności. Jego styl wykonawczy jest szlachetny i odważny. Laureat wielu międzynarodowych nagród i wyróżnień. Wielokrotnie był uznawany za najlepszego tancerza epoki. Z jego imieniem związane są najwyższe osiągnięcia w dziedzinie tańca męskiego. Stały partner E.Maximova.
Vestris Auguste(1760-1842), tancerka francuska. Jego życie twórcze było niezwykle udane w Operze Paryskiej aż do rewolucji 1789 roku. Następnie wyemigrował do Londynu. Zasłynął także jako nauczyciel: wśród jego uczniów są J. Perrot, A. Bournonville, Maria Taglioni. Vestris, największy tancerz swojej epoki, posiadający wirtuozowską technikę i duży skok, nosił tytuł „boga tańca”.
Geltser Jekaterina Wasiliewna(1876-1962), rosyjska tancerka. Pierwszy z tancerzy baletowych otrzymał tytuł „Artysty Ludowego RSFSR”. Jasny przedstawiciel rosyjskiej szkoły tańca klasycznego. W swoim performance połączyła lekkość i szybkość z rozmachem i miękkością ruchów.
Goleizovsky Kasyan Jarosławowicz(1892-1970), rosyjski choreograf. Uczestnik innowacyjnych eksperymentów Fokina i Gorskiego. Muzykalność i bogata wyobraźnia przesądziły o oryginalności jego sztuki. W swojej twórczości poszukiwał nowoczesnego brzmienia tańca klasycznego.
Gorski Aleksander Aleksiejewicz(1871-1924), rosyjski choreograf i pedagog, reformator baletu. Dążył do przełamania konwencji baletu akademickiego, pantomimy zastąpił tańcem, a w projekcie spektaklu osiągnął historyczną autentyczność. Znaczącym zjawiskiem był w jego spektaklu balet „Don Kichot”, który do dziś znajduje się w repertuarze teatrów baletowych na całym świecie.
Grigorowicz Jurij Nikołajewicz(ur. 1927), rosyjski choreograf. Przez wiele lat był głównym choreografem Teatru Bolszoj, gdzie wystawił balety Spartakus, Iwan Groźny i Złoty Wiek, a także własne wersje baletów z tradycji klasycznej. W wielu z nich występowała jego żona Natalia Biessmiertnowa. Wniósł wielki wkład w rozwój rosyjskiego baletu.
Grisi Carlotta(1819-1899), włoska baletnica, pierwsza odtwórczyni roli Giselle. Występowała we wszystkich stolicach Europy oraz w Petersburskim Teatrze Maryjskim. Wyróżniająca się niezwykłą urodą, posiadała w równym stopniu pasję Fanny Elsler, jak i lekkość Marii Taglioni.
Daniłowa Aleksandra Dionisjewna(1904-1997), rosyjsko-amerykańska baletnica. W 1924 opuściła Rosję wraz z J. Balanchine'em. Była baletnicą z zespołem Diagilewa aż do jego śmierci, potem tańczyła z Rosyjskim Baletem Monte Carlo. Zrobiła wiele dla rozwoju baletu klasycznego na Zachodzie.
De Valois Ninet(ur. 1898), tancerka angielska, choreograf. W 1931 założyła zespół baletowy Vic Wells, który później stał się znany jako Royal Ballet.
Didlo Charles Louis(1767-1837), francuski choreograf i pedagog. Przez długi czas pracował w Petersburgu, gdzie wystawił ponad 40 baletów. Jego działalność w Rosji przyczyniła się do wypromowania rosyjskiego baletu na jedno z pierwszych miejsc w Europie.
Joffrey Robert(1930-1988), amerykański tancerz i choreograf. W 1956 założył trupę "Joffrey balle".
Duncan Isadora(1877-1927), amerykańska tancerka Jeden z twórców tańca współczesnego. Duncan wysunął hasło: „Wolność ciała i ducha daje początek twórczej myśli”. Zdecydowanie sprzeciwiała się szkole tańca klasycznego i opowiadała się za rozwojem szkół masowych, w których dzieci w tańcu poznałyby piękno naturalnych ruchów ludzkiego ciała. Starożytne greckie freski i rzeźby posłużyły jako ideał dla Duncana. Tradycyjny strój baletowy zastąpiła lekką grecką tuniką i tańczyła bez butów. Stąd nazwa „taniec sandałowy”. Duncan improwizowała z talentem, jej plastyczność polegała na chodzeniu, bieganiu na półpalcowych stopach, lekkich skokach i ekspresyjnych gestach. Na początku XX wieku tancerka była bardzo popularna. W 1922 wyszła za mąż poeta S. Jesienin i przyjął obywatelstwo sowieckie. Jednak w 1924 opuściła ZSRR. Sztuka Duncana niewątpliwie wpłynęła na współczesną choreografię.
Diagilew Siergiej Pawłowicz(1872-1929), rosyjska postać teatralna, impresario baletu, szef słynnego Baletu Rosyjskiego. W celu zaznajomienia Europy Zachodniej ze sztuką rosyjską Diagilew zorganizował w Paryżu w 1907 roku wystawę malarstwa rosyjskiego i cykl koncertów, aw następnym sezonie wystawiono kilka oper rosyjskich. W 1909 roku zebrał trupę tancerzy Teatrów Cesarskich i na letnie wakacje zabrał ją do Paryża, gdzie spędził pierwszy „Sezon Rosyjski”, w którym tacy tancerze jak A.P. Pavlova, T.P. Karsavina, M.M. Fokin, V.F. Niżyński. „Sezon”, który odniósł ogromny sukces i zadziwił publiczność swoją nowością, stał się prawdziwym triumfem rosyjskiego baletu i oczywiście wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój światowej choreografii. W 1911 r. Diagilew utworzył stałą trupę, Rosyjski Balet Diagilewa, który istniał do 1929 r. Wybrał balet jako dyrygenta nowych idei w sztuce i widział w nim syntezę współczesnej muzyki, malarstwa i choreografii. Diagilew był inspiracją do tworzenia nowych arcydzieł i umiejętnym odkrywcą talentów.
Ermolaev Aleksiej Nikołajewicz(1910-1975), tancerz, choreograf, pedagog. Jeden z najzdolniejszych przedstawicieli rosyjskiej szkoły baletowej lat 20-40 XX wieku. Ermolaev zniszczył stereotyp uprzejmego i szarmanckiego tancerza kawalerii, zmienił wyobrażenie o możliwościach tańca męskiego i przeniósł go na nowy poziom wirtuozerii. Jego wykonanie partii repertuaru klasycznego było nieoczekiwane i głębokie, a sam taniec niezwykle ekspresyjny. Jako pedagog wyszkolił wielu wybitnych tancerzy.
Iwanow Lew Iwanowicz(1834-1901), rosyjski choreograf, choreograf Teatru Maryjskiego. Wraz z M. Petipą wystawił balet „Jezioro łabędzie”, autor aktów „łabędzia” – drugiego i czwartego. Geniusz jego spektaklu przetrwał próbę czasu: prawie wszyscy choreografowie, którzy zwracają się do „Jeziora łabędziego”, nie naruszają „aktów łabędzi”.
Istomina Avdotya Ilyinichna(1799-1848), czołowy tancerz Baletu Petersburskiego. Miała rzadki urok sceniczny, wdzięk i wirtuozerską technikę tańca. W 1830 z powodu choroby nóg przeszła na partie mimów, aw 1836 opuściła scenę. Puszkin w „Eugeniuszu Onieginie” ma dedykowane jej wiersze:
Genialny, półpowietrzny,
posłuszny magicznemu łukowi,
W otoczeniu tłumu nimf
Warto Istomin; Ona,
Jedna stopa dotykająca podłogi
Kolejne powoli kręgi
I nagle skok i nagle leci,
Leci jak puch z ust Eola;
Teraz obóz będzie sowiecki, potem się rozwinie
I bije nogę szybką nogą.
Camargo Marie(1710-1770), francuska baletnica. Zasłynęła swoim wirtuozowskim tańcem, występując w Operze Paryskiej. Pierwsza z kobiet zaczęła wykonywać kabriolety i entrechy, wcześniej uważane za wyłącznie męską technikę taneczną. Skróciła również spódnice, aby mogła swobodniej się poruszać.
Karsavina Tamara Platonovna(1885-1978), czołowa baletnica baletu cesarskiego w Petersburgu. Od pierwszych przedstawień występowała w zespole Diagilewa i często była partnerką Wacława Niżyńskiego. Pierwszy wykonawca wielu baletów Fokine.
Kirkland Gelsey(ur. 1952), amerykańska tancerka baletowa Niezwykle uzdolniona, jako nastolatka otrzymała główne role od J. Balanchine'a. W 1975 roku na zaproszenie Michaiła Barysznikowa wstąpiła do trupy American Ballet Theatre. Została uznana za najlepszą wykonawcę roli Giselle w Stanach Zjednoczonych.
Kilian Jiri(ur. 1947), czeska tancerka i choreograf. Od 1970 tańczy z Baletem w Stuttgarcie, gdzie wykonywał swoje pierwsze spektakle, od 1978 jest szefem Holenderskiego Teatru Tańca, który dzięki niemu zdobył światową sławę. Jego balety wystawiane są we wszystkich krajach świata, wyróżnia je szczególny styl, oparty głównie na adagio i bogatych emocjonalnie konstrukcjach rzeźbiarskich. Wpływ jego twórczości na nowoczesny balet jest bardzo duży.
Kolpakova Irina Aleksandrowna(ur. 1933), rosyjska baletnica. Tańczył w Teatrze Opery i Baletu. CM. Kirow. Baletnica w stylu klasycznym, jedna z najlepszych wykonawczyń roli Aurory w Śpiącej królewnie. W 1989 roku na zaproszenie Barysznikowa została nauczycielką w American Ballet Theatre.
Cranko John(1927-1973), angielski choreograf urodzony w RPA. Jego produkcje wieloaktowych baletów narracyjnych zyskały wielką sławę. Od 1961 do końca życia kierował baletem w Stuttgarcie.
Kshesinskaya Matylda Feliksovna(1872-1971), rosyjski artysta, pedagog. Miała jasną osobowość artystyczną. Jej taniec wyróżniała brawura, wesołość, zalotność, a jednocześnie klasyczna pełnia. W 1929 otworzyła swoją pracownię w Paryżu. U Kshesinskiej lekcje pobierali wybitni tancerze zagraniczni, m.in. I. Shovire i M. Fontaine.
Lepeshinskaya Olga Wasiliewna(ur. 1916), rosyjska tancerka. W latach 1933-1963 pracowała w Teatrze Bolszoj. Miała genialną technikę. Jej występ wyróżniał temperament, bogactwo emocjonalne, precyzja ruchów.
Liepa Maris Eduardovich(1936-1989), rosyjska tancerka. Taniec Liepy wyróżniał się odważnym, pewnym siebie manierą, szerokością i siłą ruchów, wyrazistością, rzeźbiarskim rysunkiem. Zamyślenie wszystkich szczegółów roli i jasna teatralność uczyniły go jednym z najciekawszych „aktorów tanecznych” teatru baletowego. Najlepszą rolą Liepy była rola Krassusa w balecie „Spartakus” A. Chaczaturiana, za który otrzymał Nagrodę Lenina.
Makarowa Natalia Romanowna(ur. 1940), tancerz. W latach 1959-1970 była artystką Teatru Opery i Baletu. CM. Kirow. Niepowtarzalne dane z tworzywa sztucznego, perfekcyjne wykonanie, zewnętrzny wdzięk i wewnętrzna pasja – to wszystko jest charakterystyczne dla jej tańca. Od 1970 roku balerina mieszka i pracuje za granicą. Dzieło Makarowej zwielokrotniło chwałę szkoły rosyjskiej i wpłynęło na rozwój choreografii zagranicznej.
Macmillan Kenneth(1929-1992), tancerka i choreograf angielska. Po śmierci F. Ashtona został uznany za najbardziej wpływowego choreografa w Anglii. Styl Macmillana to połączenie szkoły klasycznej z bardziej freestyle'owym, elastycznym i akrobatycznym stylem wypracowanym w Europie.
Maksimowa Jekaterina Siergiejewna(ur. 1939), rosyjska baletnica. Dołączyła do trupy Teatru Bolszoj w 1958 roku, gdzie ćwiczyła z nią Galina Ulanova i wkrótce zaczęła grać główne role. Ma wielki sceniczny urok, filigranową ostrość i czystość tańca, wdzięk, elegancję plastyczności. Komediowe kolory, subtelny liryzm i dramat są dla niej równie przystępne.
Markowa Alicja(ur. 1910), angielska balerina Jako nastolatka tańczyła w zespole Diagilewa. Jedna z najsłynniejszych wykonawczyni roli Giselle, wyróżniała się niezwykłą lekkością swojego tańca.
Messerer Asaf Michajłowicz(1903-1992), rosyjska tancerka, choreograf, pedagog. Naukę w szkole baletowej rozpoczął w wieku szesnastu lat. Bardzo szybko stał się klasycznym tancerzem-wirtuozem o nietypowym stylu. Stale zwiększając złożoność ruchów, wniósł do nich energię, atletyczną siłę i pasję. Na scenie wyglądał jak latający sportowiec. Jednocześnie miał błyskotliwy talent komediowy i rodzaj artystycznego humoru. Szczególnie zasłynął jako pedagog, od 1946 prowadził klasę dla czołowych tancerzy i baletnic w Teatrze Bolszoj.
Messerer Shulamith Michajłowna(ur.1908), rosyjska tancerka, nauczycielka. Siostra AM Messerera. W latach 1926-1950 była aktorką Teatru Bolszoj. Tancerka o niezwykle szerokim repertuarze, wykonywała partie od lirycznych po dramatyczne i tragiczne. Od 1980 mieszka za granicą, ucząc w różnych krajach.
Moiseev Igor Aleksandrowicz(ur. 1906), rosyjski choreograf. W 1937 utworzył Zespół Tańca Ludowego ZSRR, który stał się wybitnym fenomenem w historii światowej kultury tanecznej. Wystawiane przez niego suity choreograficzne są prawdziwymi przykładami tańca ludowego. Moiseev jest honorowym członkiem Akademii Tańca w Paryżu.
Myasin Leonid Fiodorowicz(1895-1979), rosyjski choreograf i tancerz. Studiował w Moskiewskiej Cesarskiej Szkole Baletowej. W 1914 wstąpił do trupy baletowej S.P. Diagilewa i zadebiutował w sezonach rosyjskich. Talent Myasina - choreografa i charakterystycznego tancerza - szybko się rozwijał, a wkrótce tancerz zyskał światową sławę. Po śmierci Diagilewa Myasin kierował zespołem „Rosyjski Balet Monte Carlo”.
Niżyński Wacław Fomicz(1889-1950), wybitny rosyjski tancerz i choreograf. W wieku 18 lat grał główne role w Teatrze Maryjskim. W 1908 Niżyński spotkał S. P. Diagilewa, który zaprosił go jako czołowego tancerza do udziału w „Rosyjskim sezonie baletowym” w 1909 roku. Paryska publiczność entuzjastycznie powitała genialnego tancerza jego egzotycznym wyglądem i niesamowitą techniką. Następnie Niżyński wrócił do Teatru Maryjskiego, ale wkrótce został zwolniony (wystąpił w zbyt odkrywczym kostiumie w sztuce Giselle, w której uczestniczyła cesarzowa wdowa) i został stałym członkiem trupy Diagilewa. Wkrótce spróbował swoich sił jako choreograf i zastąpił Fokine w tym poście. Niżyński był idolem całej Europy. Jego taniec łączył siłę i lekkość, zadziwiał publiczność zapierającymi dech w piersiach skokami. Wielu wydawało się, że tancerka zastyga w powietrzu. Miał wspaniały dar reinkarnacji i niezwykłe zdolności mimiczne. Na scenie Niżyński promieniował potężnym magnetyzmem, choć na co dzień był nieśmiały i cichy. Pełnego ujawnienia jego talentu uniemożliwiła choroba psychiczna (od 1917 r. był pod opieką lekarzy).
Niżyńska Bronisława Fominichna(1891-1972), rosyjska tancerka i choreografka, siostra Wacława Niżyńskiego. Była artystką trupy Diagilewa, a od 1921 choreografem. Jej spektakle, nowoczesne tematycznie i choreograficznie, uważane są obecnie za klasykę sztuki baletowej.
Nover Jean Georges(1727-1810), francuski choreograf i teoretyk tańca. W słynnych „Listach o tańcu i baletach” nakreślił swoje poglądy na balet jako niezależny spektakl z fabułą i rozbudowaną akcją. Nover wprowadził do baletu poważne treści dramatyczne i ustanowił nowe prawa akcji scenicznej. Za kulisami uważany jest za „ojca” współczesnego baletu.
Nurejew Rudolf Chametowicz(także Nuriev, 1938-1993), tancerz. Po ukończeniu Leningradzkiej Szkoły Choreograficznej został czołowym solistą trupy baletowej Teatru Opery i Baletu. CM. Kirow. W 1961 podczas tournée z teatrem w Paryżu Nureyev poprosił o azyl polityczny. W 1962 wystąpił w londyńskim Royal Ballet's Giselle w duecie z Margot Fontaine. Nureyev i Fontaine to najsłynniejsza para baletowa lat 60. XX wieku. Pod koniec lat 70. Nureyev zwrócił się do tańca współczesnego i grał w filmach. Od 1983 do 1989 był dyrektorem Zespołu Baletowego Opery Paryskiej.
Pawłowa Anna Pawłowna(Matveevna, 1881-1931), jedna z największych baletnic XX wieku. Zaraz po ukończeniu petersburskiej szkoły teatralnej zadebiutowała na scenie Teatru Maryjskiego, gdzie jej talent szybko zyskał uznanie. Została solistką, aw 1906 została przeniesiona do najwyższej kategorii - kategorii primabaleriny. W tym samym roku Pavlova połączyła swoje życie z baronem V.E. Dandre. Brała udział w przedstawieniach „Baletu Rosyjskiego” Diagilewa w Paryżu i Londynie. Ostatni występ Pavlovy w Rosji miał miejsce w 1913 roku, potem zamieszkała w Anglii i koncertowała z własną trupą po całym świecie. Wybitna aktorka Pavlova była liryczną baletnicą, wyróżniała się muzykalnością i treścią psychologiczną. Jej wizerunek kojarzy się zwykle z wizerunkiem umierającego łabędzia w numerze baletowym, który specjalnie dla Pawłowej stworzył Michaił Fokin, jeden z jej pierwszych partnerów. Chwała Pavlova jest legendarna. Jej bezinteresowna służba tańcowi wzbudziła światowe zainteresowanie choreografią i dała impuls do odrodzenia zagranicznego teatru baletowego.
Perrot Jules(1810-1892), francuski tancerz i choreograf epoki romantyzmu. Był partnerem Marie Taglioni w Operze Paryskiej. W połowie lat 30. poznał Carlottę Grisi, dla której wystawił (wraz z Jeanem Corallim) balet Giselle, najsłynniejszy z baletów romantycznych.
Petit Roland(ur. 1924), choreograf francuski. Kierował kilkoma zespołami, w tym Ballet de Paris, Ballet Roland Petit i Baletem Narodowym Marsylii. Jego spektakle - zarówno romantyczne, jak i komediowe - zawsze noszą piętno błyskotliwej osobowości autora.
Petipa Marius(1818-1910), francuski artysta i choreograf, pracował w Rosji. Najwybitniejszy choreograf drugiej połowy XIX wieku, kierował Petersburskim Imperial Ballet Company, gdzie wystawił ponad 50 spektakli, które stały się przykładami ukształtowanego w tej epoce w Rosji stylu „wielkiego baletu”. To on udowodnił, że komponowanie muzyki baletowej w żaden sposób nie umniejsza godności poważnego muzyka. Współpraca z Czajkowskim stała się źródłem inspiracji dla Petipy, z której narodziły się genialne dzieła, a przede wszystkim „Śpiąca królewna”, w której osiągnął wyżyny doskonałości.
Plisiecka Maja Michajłowna(ur. 1925), wybitna tancerka drugiej połowy XX wieku, która do historii baletu zapisała się fenomenalną długowiecznością twórczą. Jeszcze przed ukończeniem studiów Plisetskaya tańczyła partie solowe w Teatrze Bolszoj. Bardzo szybko zyskując sławę, stworzyła niepowtarzalny styl - grafikę, wyróżniającą się wdziękiem, ostrością i pełnią każdego gestu i pozy, każdego pojedynczego ruchu i całościowego rysunku choreograficznego. Balerina ma rzadki talent tragicznej aktorki baletowej, fenomenalny skok, ekspresyjną plastykę i wyczucie rytmu. Jej styl wykonawczy charakteryzuje się wirtuozerią techniczną, wyrazistymi rękami i silnym temperamentem aktorskim. Plisetskaya jest pierwszym wykonawcą wielu partii w baletach Teatru Bolszoj. Od 1942 roku tańczy miniaturę M. Fokine „Umierający łabędź”, która stała się symbolem jej wyjątkowej sztuki.
Jak choreograf Plisetskaya wystawił R.K. Szczedrin „Anna Karenina”, „Mewa” i „Dama z psem”, grając w nich główne role. Zagrała w wielu filmach baletowych, a także w filmach fabularnych jako aktorka dramatyczna. Otrzymała wiele międzynarodowych nagród, m.in. Nagrodę im. Anny Pawłowej, francuskie Ordery Komandora i Legię Honorową. Otrzymała tytuł Doktora Sorbony. Od 1990 roku występuje z programami koncertowymi za granicą, prowadząc kursy mistrzowskie. Od 1994 roku w Petersburgu odbywa się międzynarodowy konkurs „Maja” poświęcony twórczości Plisieckiej.
Rubinstein Ida Lwów(1885-1960), rosyjska tancerka. Uczestniczyła w „Rosyjskich sezonach” za granicą, a następnie zorganizowała własną trupę. Miała wyraziste dane zewnętrzne, plastyczność gestu. Specjalnie dla niej napisano kilka baletów, m.in. „Bolero” M. Ravela.
Salle Marie(1707-1756), francuska baletnica, występowała w Operze Paryskiej. Rywal Marie Camargo. Jej styl tańca, pełen wdzięku i uczucia, różnił się od technicznej wirtuozerii Camargo.
Semenova Marina Timofiejewna(1908-1998), tancerka, pedagog. Wkład Semenovej w historię rosyjskiego teatru baletowego jest niezwykły: to ona dokonała przełomu w nieznane sfery baletu klasycznego. Niemal nadludzka energia jej ruchów nadała jej tańcowi nowy wymiar, przesuwając granice wirtuozowskiej techniki. Jednocześnie była kobieca w każdym ruchu, każdym geście. Jej role uderzały artystycznym blaskiem, dramaturgią i głębią.
Spesivtseva Olga Aleksandrowna(1895-1991), rosyjska tancerka. Pracował w Teatrze Maryjskim i Balecie Rosyjskim Diagilewa. Taniec Spesivtsevy wyróżniał się ostrymi pozami graficznymi, perfekcją linii, zwiewną lekkością. Jej bohaterki, dalekie od realnego świata, odznaczały się wykwintnym, kruchym pięknem i duchowością. Jej dar najpełniej objawił się w roli Giselle. Impreza zbudowana była na kontrastach i zasadniczo różniła się od wykonania tego obrazu przez największe baleriny tamtych czasów. Spesivtseva była ostatnią baletnicą tradycyjnego stylu romantycznego. W 1937 opuściła scenę z powodu choroby.
Taglioni Maria(1804-1884), przedstawiciel włoskiej dynastii baletowej XIX wieku. Pod kierunkiem ojca, Filippo, zajmowała się tańcem, chociaż jej dane fizyczne nie pasowały do wybranego zawodu: jej ramiona wydawały się zbyt długie, a niektórzy twierdzili, że była pochylona. Maria po raz pierwszy wystąpiła w Operze Paryskiej w 1827 roku, ale odniosła sukces w 1832 roku, grając główną rolę w wystawionym przez jej ojca balecie La Sylphide, który później stał się symbolem Taglioni i całego baletu romantycznego. Przed Marią Taglioni śliczne baletnice urzekły publiczność swoją wirtuozerską techniką taneczną i kobiecym wdziękiem. Taglioni, bynajmniej nie piękność, stworzyła nowy typ baletnicy - uduchowiony i tajemniczy. W „La Sylphide” wcieliła się w wizerunek nieziemskiej istoty, uosabiając ideał, nieosiągalne marzenie o pięknie. W powiewającej białej sukni, lekko podskakując i zamarzając na wyciągnięcie ręki, Taglioni jako pierwsza baletnica użyła pointe i uczyniła z nich integralną część klasycznego baletu. Podziwiały ją wszystkie stolice Europy. Na starość Maria Taglioni, samotna i zubożała, uczyła tańca i dobrych manier dzieci londyńskiej szlachty.
Tolchif Maria(ur. 1925), wybitna amerykańska baletnica Występowała głównie w zespołach kierowanych przez J. Balanchine'a. W 1980 roku założyła trupę Chicago City Ballet, którą kierowała przez wszystkie lata jej istnienia – do 1987 roku.
Ułanowa Galina Siergiejewna(1910-1998), rosyjska baletnica. Jej twórczość charakteryzowała rzadka harmonia wszelkich środków wyrazu. Nadała duchowości nawet prostemu, codziennemu ruchowi. Już na samym początku kariery Ulanowej krytycy pisali o całkowitej jedności w jej wykonaniu techniki tanecznej, aktorstwa dramatycznego i plastyczności. Galina Sergeevna grała główne role w baletach tradycyjnego repertuaru. Jej największym osiągnięciem były role Maryi w Źródle Bakczysaraju i Julii w Romeo i Julii.
Fokin Michaił Michajłowicz(1880-1942), rosyjski choreograf i tancerz. Przełamując tradycje baletowe, Fokine starała się odejść od ogólnie przyjętego stroju baletowego, stereotypowych gestów i rutynowego konstruowania numerów baletowych. W technice baletowej widział nie cel, ale środek wyrazu. W 1909 Diagilew zaprosił Fokine'a na choreografa „Sezonu Rosyjskiego” w Paryżu. Rezultatem tego związku jest światowa sława, która towarzyszyła Fokine'owi do końca jego dni. Wystawił ponad 70 baletów w najlepszych teatrach Europy i Ameryki. Produkcje Fokine wciąż są wskrzeszane przez czołowe światowe zespoły baletowe.
Fontaine Margo(1919-1991), angielska primabalerina, jedna z najsłynniejszych tancerek XX wieku. Zaczęła baletować w wieku pięciu lat. Zadebiutowała w 1934 roku i szybko zwróciła na siebie uwagę. Rola Aurory w „Śpiącej królewnie” Fontaine rozsławiła ją na całym świecie. W 1962 r. udana współpraca Fonteyna z R.H. Nurejew. Występy tej pary stały się prawdziwym triumfem sztuki baletowej. Od 1954 Fontaine jest prezesem Królewskiej Akademii Tańca. Odznaczony Orderem Imperium Brytyjskiego.
Cecchetti Enrico(1850-1928), włoski tancerz i wybitny pedagog. Opracował własną metodę pedagogiczną, w której osiągnął maksymalny rozwój techniki tanecznej. Wykładał w petersburskiej szkole teatralnej. Wśród jego uczniów byli Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Michaił Fokin, Wacław Niżyński. Jego metodę nauczania opisano w pracy „Podręcznik teorii i praktyki klasycznego tańca teatralnego”.
Elsler Fanny(1810-1884), austriacka baletnica epoki romantyzmu. Rywaleczka Taglioniego, odznaczała się dramaturgią, namiętnym temperamentem i była świetną aktorką.
Na zakończenie chciałabym przytoczyć słowa naszej wybitnej baletnicy Maji Plisieckiej wypowiedziane przez nią w jednym z wywiadów: „Myślę, że balet to sztuka z wielką i ekscytującą przyszłością, która na pewno będzie żyła, poszukiwała, rozwijała się. To na pewno się zmieni. „Gdzie to potoczy się, trudno przewidzieć z całą dokładnością. Nie wiem. Wiem jedno: wszyscy – zarówno wykonawcy, jak i choreografowie – musimy pracować bardzo ciężko, poważnie, nie oszczędzając się Ludzie, ich wiara w sztukę, ich oddanie teatrowi potrafią zdziałać cuda. A czym okażą się te „cuda” baletu przyszłości, zadecyduje samo życie”.
Sztuka tańca to wyjątkowa forma ekspresji, która wykorzystuje uniwersalny język ciała, zrozumiały dla każdego. Od baletu po taniec nowoczesny, od hip-hopu po salsę i od tańca orientalnego po flamenco, taniec stał się ostatnio rozkoszą, która jest rodzajem renesansu.
Ale jeśli chodzi o tancerzy indywidualnych, kto ma najlepsze ruchy? Najlepsza postawa, siła i ostrość? Poniżej przedstawiamy dziesięciu największych tancerzy XX wieku - wybranych ze względu na ich sławę, popularność i wpływ na światową sztukę tańca.
10. Wacław Niżyński
Wacław Niżyński był jednym z najbardziej utalentowanych tancerzy baletowych w historii, a może nawet największym. Niestety, nie ma wyraźnego materiału filmowego, który uchwyciłby jego niesamowity talent w ruchu, co jest głównym powodem, dla którego zajmuje dopiero dziesiąte miejsce na tej liście.
Niżyński był dobrze znany ze swojej niesamowitej umiejętności przeciwstawiania się grawitacji dzięki wspaniałym skokom, a także umiejętności pełnego wcielenia się w rolę, którą grał. Jest również znany z tańca en pointe, umiejętności rzadko spotykanej u tancerzy. Niżyński tańczył w głównych rolach w parze z legendarną baletnicą Anną Pawłową. Następnie jego partnerką została Tamara Karsavina, założycielka londyńskiej Królewskiej Akademii Tańca. Opisywano ich wraz z Karsaviną jako „najbardziej wzorowych artystów tamtych czasów”.
Niżyński opuścił scenę w 1919 roku, w stosunkowo młodym wieku dwudziestu dziewięciu lat. Uważa się, że jego przejście na emeryturę było spowodowane załamaniem nerwowym i zdiagnozowano u niego schizofrenię. Niżyński ostatnie lata życia spędził w szpitalach i zakładach psychiatrycznych. Ostatni raz tańczył publicznie w ostatnich dniach II wojny światowej, imponując grupie rosyjskich żołnierzy swoimi misternymi ruchami tanecznymi. Niżyński zmarł w Londynie 8 kwietnia 1950 r.
9 Marta Graham
Martha Graham jest uważana za matkę tańca współczesnego. Stworzyła jedyną w pełni skodyfikowaną technikę tańca współczesnego, choreografowała ponad sto pięćdziesiąt prac w swoim życiu jako choreograf i wywarła głęboki wpływ na wszystkie dziedziny tańca współczesnego.
Odejście jej techniki od baletu klasycznego i stosowanie pewnych ruchów ciała, takich jak skurcz, rozluźnienie i spirale, wywarło głęboki wpływ na świat sztuki tanecznej. Graham posunął się nawet do stworzenia „języka” ruchu opartego na ekspresyjnych możliwościach ludzkiego ciała.
Tańczyła i układała choreografie przez ponad siedemdziesiąt lat. W tym czasie została pierwszą tancerką, która wystąpiła w Białym Domu; pierwszy tancerz, który podróżował za granicę jako ambasador kultury i pierwszy tancerz, który otrzymał najwyższe odznaczenie cywilne, Prezydencki Medal Wolności. Jako matka tańca współczesnego zostanie uwieczniona w pamięci ludzi dzięki swoim niezwykle emocjonalnym występom, wyjątkowej choreografii, a zwłaszcza rodzimej technice tanecznej.
8 Józefina Piekarz
Chociaż nazwisko Josephine Baker kojarzy się przede wszystkim z epoką jazzu, jej ognisty taniec wciąż ma wpływ na świat tańca, prawie sto dziesięć lat po jej narodzinach, tak jak to było wcześniej.
Wiele dekad przed Madonną, Beyoncé, Janet Jackson, Britney Spears i Jennifer Lopez była Josephine Baker, jedna z pierwszych na świecie celebrytek pochodzenia afrykańskiego. Josephine wyjechała do Paryża w 1925, aby tańczyć w La Revue Nègre. Swoim doskonałym połączeniem egzotycznego uroku i talentu wywarła trwałe wrażenie na francuskiej publiczności.
W następnym roku wystąpiła w Folies Bergère i to był prawdziwy początek jej kariery. Pojawiła się w spódnicy bananowej i zachwyciła tłum swoim stylem tańca. Później dodała śpiew do swoich występów i przez wiele lat była popularna we Francji. Josephine Baker odpowiedziała na uwielbienie Francuzów, sama stając się obywatelką Francji w 1937 roku.
We Francji nie odczuwała tego samego poziomu uprzedzeń rasowych, jaki był wówczas obecny w Stanach Zjednoczonych. Pod koniec życia Josephine Baker miała nadzieję stworzyć „światową wioskę” w swojej posiadłości we Francji, ale plany te upadły z powodu trudności finansowych. Aby zebrać fundusze, wróciła na scenę. Jej powrót był krótki, ale był to triumf na Broadwayu w latach 70., aw 1975 roku otworzyła retrospektywną wystawę w Paryżu. Zmarła w tym samym roku na krwotok mózgowy, tydzień po otwarciu programu.
7 Gene Kelly
Gene Kelly był jedną z największych gwiazd i największych innowatorów złotego wieku musicali w Hollywood. Kelly uważał swój własny styl za coś w rodzaju hybrydy różnych podejść do tańca, czerpiąc swoje ruchy z tańca współczesnego, baletu i stepowania.
Kelly wprowadził taniec do kin, wykorzystując każdy centymetr swojego planu, każdą powierzchnię i każdy szeroki kąt kamery, aby wyrwać się z dwuwymiarowych ograniczeń filmu. W ten sposób zmienił sposób, w jaki filmowcy patrzą na swoje kamery. Dzięki Kelly kamera stała się żywym instrumentem, a nawet tancerką, którą filmowała.
Dziedzictwo Kelly przenika branżę teledysków. Fotograf Mike Salisbury sfotografował Michaela Jacksona na okładkę Off The Wall w „białych skarpetkach i lekkich skórzanych butach, takich jak mokasyny Gene Kelly” – które stały się znakiem rozpoznawczym gwiazdy filmowej. To właśnie ten obraz po pewnym czasie stał się rozpoznawalnymi markami piosenkarza.
Paula Abdul, znana pierwotnie z tańca i choreografii, nawiązała do słynnego tańca Kelly z Myszką Jerry w swoim wulgarnym teledysku do Opposites Attract, który kończy się stepowaniem. Usher był kolejnym najlepiej sprzedającym się artystą, który oddał hołd dziedzictwu Kelly'ego. Nigdy nie będzie innego tancerza takiego jak Kelly, a jego wpływ nadal odbija się od pokoleń amerykańskich tancerzy.
6. Sylvie Guillem
Czterdziestoośmioletnia Sylvie Guillem nadal przeciwstawia się prawom baletu i grawitacji. Guillem zmieniła oblicze baletu dzięki swoim nadprzyrodzonym talentom, z których zawsze korzystała z inteligencją, uczciwością i wrażliwością. Jej naturalna ciekawość i odwaga skierowały ją na najśmielsze ścieżki, wykraczające poza zwykłe ramy baletu klasycznego.
Zamiast poświęcać całą karierę na „bezpieczne” spektakle, podejmowała odważne decyzje, zdolna równie dobrze wcielić się w rolę „Raymonda” (Raymonda) w Operze Paryskiej, jak i być częścią nowatorskiego spektaklu tanecznego opartego na twórczości Forsythe'a ( Forsythe) „W środku Nieco podniesiony”. Prawie żadna inna tancerka nie ma takiego zakresu, nic więc dziwnego, że stała się punktem odniesienia dla większości tancerzy na całym świecie. Podobnie jak Maria Callas w świecie opery, Guillem był w stanie zmienić popularny wizerunek baletnicy.
5. Michael Jackson
Michael Jackson był człowiekiem, który sprawił, że teledyski stały się trendem i bez wątpienia uczynił taniec ważnym elementem współczesnej muzyki pop. Ruchy Jacksona stały się już standardowym słownictwem w tańcu pop i hip-hop. Większość współczesnych ikon popu, takich jak Justin Bieber, Usher, Justin Timberlake, przyznaje, że styl Michaela Jacksona miał na nich silny wpływ.
Jego wkład w sztukę tańca był oryginalny i niezwykły. Jackson był innowatorem, który był przede wszystkim samoukiem, projektując nowe ruchy taneczne bez często występujących formalnych efektów uczenia się, które ograniczają lot wyobraźni. Jego naturalny wdzięk, elastyczność i niesamowity rytm przyczyniły się do powstania „stylu Jacksona”. Jego pracownicy nazywali go „gąbką”. Ten przydomek został mu nadany za zdolność wchłaniania pomysłów i technik, gdziekolwiek je znalazł.
Głównymi inspiracjami Jacksona są James Brown, Marcel Marceau, Gene Kelly i być może zaskoczy to wiele osób - różnych tancerzy baletu klasycznego. Wielu z jego fanów nie wie, że początkowo próbował „piruetować jak Barysznikow” i „tapować jak Fred Astaire”, ale poniósł sromotną porażkę. Jednak jego oddanie własnemu niepowtarzalnemu stylowi przyniosło mu sławę, której szukał, a dziś jego nazwisko stoi obok innych gigantów muzyki popularnej, takich jak Elvis i Beatlesi, i jest uważany za jedną z największych ikon popu wszech czasów.
4. Joaquin Cortes
Joaquin Cortez jest najmłodszym tancerzem na tej liście, ale mimo że wciąż buduje swoją spuściznę, jest jednym z niewielu tancerzy w historii, którzy stali się fenomenalnymi symbolami seksu, kochanymi zarówno przez kobiety, jak i przez mężczyzn. Elle Macpherson opisała to jako „seks chodzący”; Madonna i Jennifer Lopez publicznie go uwielbiają, a Naomi Campbell i Mira Sorvino należą do kobiet, których serca podobno złamał.
Można śmiało powiedzieć, że Cortes to nie tylko jeden z największych tancerzy flamenco wszech czasów, ale także ten, który ugruntował miejsce flamenco w kulturze popularnej. Jego męskimi wielbicielami są Tarantino, Armani, Bertolucci, Al Pacino, Antonio Banderas i Sting. Wielu jego fanów nazywa go Bogiem Flamenco lub po prostu Bogiem Seksu, a jeśli będziesz miał okazję obejrzeć jeden z jego programów, zrozumiesz dlaczego. Jednak w wieku czterdziestu czterech lat Cortes pozostaje kawalerem, stwierdzając, że „taniec to moja żona, moja jedyna kobieta”.
3. Fred Astaire i Ginger Rogers
Astaire i Rogers byli oczywiście niepowtarzalną parą tancerzy. Mówi się, że „dał jej uroku, a ona seksapilu”. W dość prymitywnych czasach taniec stał się znacznie bardziej atrakcyjny dla mas. Było to częściowo spowodowane tym, że Rogers wykorzystywała swoje umiejętności aktorskie do tańca i sprawiała wrażenie, że taniec z Astaire był najszczęśliwszym momentem jej życia.
Epoka przyczyniła się również do wzrostu ich popularności, podczas wielkiej depresji wielu Amerykanów próbowało wiązać koniec z końcem - a ci dwaj tancerze dali ludziom szansę na chwilę zapomnieć o przygnębiającej rzeczywistości i dobrze się bawić.
2. Michaił Barysznikow 
Michaił Barysznikow to jeden z najwybitniejszych tancerzy baletowych wszech czasów, przez wielu krytyków uważany za największy. Urodzony na Łotwie Barysznikow studiował balet w Akademii Baletu Rosyjskiego im. Waganowej w Sankt Petersburgu (wówczas znanej jako Leningrad), zanim w 1967 związał się z Teatrem Maryjskim. Od tego czasu występował w głównych rolach w kilkudziesięciu baletach. Odegrał kluczową rolę we wprowadzaniu baletu do kultury popularnej już na przełomie lat 70. i 80., a także przez ponad dwie dekady był twarzą sztuki. Barysznikow jest prawdopodobnie najbardziej wpływowym tancerzem naszych czasów.
1. Rudolf Nurejew
Barysznikow podbił serca krytyków i kolegów tancerzy, a Rudolf Nureyev był w stanie oczarować miliony zwykłych ludzi na całym świecie. Urodzona w Rosji tancerka została solistką Teatru Maryjskiego w wieku 20 lat. W 1961 roku, kiedy jego życie osobiste stało się przedmiotem kontroli władz sowieckich, szukał azylu politycznego w Paryżu, a następnie koncertował z Grand Ballet du Marquis de Cuevas.
W latach 70. włamał się do przemysłu filmowego. Większość krytyków twierdzi, że technicznie nie był tak dobry jak Barysznikow, ale Nureyev wciąż zdołał uwieść tłumy swoją niesamowitą charyzmą i emocjonalnymi występami. Balet Nureyev i Fonteyn Romeo i Julia do dziś pozostaje jednym z najpotężniejszych i najbardziej emocjonalnych spektakli duetu w historii baletu.
Niestety, Nureyev był jedną z pierwszych ofiar zakażenia wirusem HIV i zmarł na AIDS w 1993 roku. Dwadzieścia lat później wciąż możemy zobaczyć niesamowitą spuściznę, którą pozostawił po sobie.
+
Donnie Burns 
Donnie Burns to szkocki profesjonalny tancerz towarzyski, który specjalizuje się w tańcu latynoskim. On i jego były partner taneczny Gaynor Fairweather byli szesnastokrotnie rekordowymi mistrzami świata w profesjonalnym tańcu latynoskim. Obecnie jest prezesem World Dance Council, a także wystąpił w dwunastym sezonie Tańca z Gwiazdami.
Uważany jest za najlepszego tancerza towarzyskiego wszechczasów, a jego mistrzowskie tańce z partnerem są obecnie uważane za klasyki. Ale sprawy nie zawsze układały się tak dobrze dla Burnsa. Podczas wywiadu dla Daily Sun przyznał: „Nigdy nie sądziłem, że mały chłopiec z Hamilton doświadczy choćby ułamka tego, czego ja doświadczyłem w swoim życiu. W szkole niestrudzenie mnie dokuczano i często wdawałem się w bójki, ponieważ chciałem udowodnić, że nie jestem „taneczną królową”.
Można śmiało powiedzieć, że dzisiaj nie sprzeciwiłby się takiemu epitetowi, ponieważ Donnie Burns jest obecnie uważany za „Króla tańca”.
17 marca wielki rosyjski tancerz Rudolf Nurejew skończyłby 78 lat. Klasyk baletu Roland Petit nazwał Nureyeva niebezpiecznym, prasa nazwała go szalonym Tatarem, gwiazdy rocka i członkowie rodziny królewskiej wyznali mu miłość.
WACŁAW NIEŻYŃSKI
Sarah Bernard uważała Niżyńskiego za największego aktora na świecie, prasę - nie mniej niż ósmy cud świata. Pochodzący z Kijowa tancerz Teatru Maryjskiego Niżyński zapisał się w Paryżu, gdzie zachwycił publiczność i krytyków fenomenalną techniką, plastycznością i smakiem. A najbardziej uderzające jest to, że jego kariera tancerza trwała zaledwie dziesięć lat. W 1917 roku po raz ostatni pojawił się na scenie i aż do śmierci w 1950 roku zmagał się ze schizofrenią, poruszając się po klinikach psychiatrycznych. Wpływ Niżyńskiego na światowy balet jest trudny do przecenienia, a jego pamiętniki wciąż są rozszyfrowywane i różnie interpretowane przez specjalistów.
RUDOLF NURIEV Jedna z głównych gwiazd rosyjskiego baletu na świecie, Nuriev była prawdziwą gwiazdą popu, ekstrawagancką i skandaliczną. Ciężka, kłótliwa postać, arogancja, burzliwe życie osobiste i skłonność do oburzenia nie przesłaniały najważniejszej rzeczy - niesamowitego talentu Nureyeva, któremu udało się połączyć tradycje baletu i aktualne, jak mówią teraz, trendy. Pochodzący z Ufy długo oczekiwany syn, który nie spełnił nadziei swego wojskowego ojca, który z pogardą nazwał Rudolfa „baletnicą”, najsłynniejszy skok oddał nie na scenie, ale w strefie kontrolnej lotnisko w Paryżu. W 1961 roku radziecki tancerz Nuriew niespodziewanie zrezygnował z 30 frankami w kieszeni, prosząc o azyl polityczny. Tak rozpoczęła się wspinaczka Nureyeva na światowy balet Olympus. Sława, pieniądze, luksus, imprezy w Studio 54, złoto, brokat, plotki o romansie z Freddiem Mercurym, Yvesem Saint Laurentem, Eltonem Johnem - i najlepsze role w London Royal Ballet, dyrekcja w grupie baletowej Grand Opera w Paryżu. Ostatnie sto dni swojego życia, całkowicie chory, Nuriev spędził w ukochanym Paryżu. Tam jest pochowany.
MICHAIL BARYSZNIKOW Inny znany przedstawiciel baletu, którego można śmiało nazwać gwiazdą popu, Michaił Barysznikow jest pod wieloma względami podobny do Nurejewa: dzieciństwo na sowieckich prowincjach (jeśli uważasz Rygę za prowincję, to wciąż nie jest Moskwa ani Leningrad), kompletne nieporozumienie ze strony ojca i prawdziwy artystyczny start poza ZSRR. Pozostając na Zachodzie w 1974 roku, Barysznikow szybko ugruntował swoją pozycję na szczycie: najpierw kierował legendarnym New York City Ballet, potem przez dziewięć lat, od 1980 do 1989 roku, kierował nie mniej znanym American Ballet Theatre. Również aktywnie i dość skutecznie, choć nierównomiernie, działał w filmach, został towarzyski, spotkał się z hollywoodzkimi pięknościami - Jessicą Lange i Lizą Minnelli. A nowej publiczności, z dala od baletu (a nawiasem mówiąc, od Josepha Brodskiego, z którym Barysznikow miał prawdziwą przyjaźń), ta niesamowita osoba stała się znana dzięki małej, ale zauważalnej roli w serialu Seks w wielkim mieście. Sarah Jessica Parker, jego wielka fanka. nazwał twardziela Michaiła Barysznikowa - "twardziela". Kto by się kłócił.
WŁADIMIR WASILIEW Władimir Wasiliew jest symbolem Teatru Bolszoj i całego rosyjskiego baletu drugiej połowy XX wieku. Ze względu na to, że Wasiliew mieszkał w Związku Radzieckim, jego popularność na Zachodzie jest znacznie gorsza od chwały tego samego Barysznikowa, chociaż miłośnicy sztuki oczywiście go znają i doceniają. Wasiliew pracował głównie w Europie, stopniowo zmieniając zawód na choreografa. Kazań i Paryż, Rzym i Perm, Wilno i Rio - geografia ruchów twórczych Wasiliewa potwierdza i potwierdza jego kosmopolityzm.
ALEXANDER GODUNOV Blond olbrzym, gwiazda Bolszoj, Godunow, w sierpniu 1979 roku podczas tournée po Stanach postanowił nie wracać do domu. Wybuchł straszny dramat, w który zaangażowani byli nie tylko sam artysta i jego żona, baletnica Ludmiła Własowa, ale także Józef Brodski, FBI, a nawet przywódcy Stanów Zjednoczonych i Związku Radzieckiego. Pozostając w Stanach, Godunow dołączył do słynnego Amerykańskiego Teatru Baletowego, który ostatecznie opuścił po kłótni ze swoim najlepszym przyjacielem Michaiłem Barysznikowem. Potem była praca w ramach własnego projektu „Godunov and Friends”, sukces, romans z aktorką Jacqueline Bisset i ostre odejście od zawodu. Bisset namówił Aleksandra do kariery w kinie i częściowo mu się to udało: „Świadek” z Harrisonem Fordem, a zwłaszcza „Szklana pułapka” uczyniły wczorajszego baletnicę pięciominutową gwiazdą Hollywood. Jednak sam Godunow nie lubił stać na uboczu, chociaż teraz ci, którzy wcześniej nie interesowali się baletem, dowiedzieli się o „tym Rosjaninie”.
Korespondent Teatru Opery i Baletu Bolszoj na Białorusi Naviny . przez Dowiedziałem się z pierwszej ręki, co tancerze baletowi noszą pod rajstopami i dlaczego uważa się, że jest wśród nich wielu gejów.Przeczytaj o ciąży balerinek i jednym dniu wolnym w tygodniu w naszych 10 faktach.
Aby dowiedzieć się korespondentowi, które plotki o balecie białoruskim są prawdziwe, a które czystą fikcją Naviny. przez asystował artysta teatralny Giennadij Kulinkowicz z asystentami baleriny.
1. Czy tancerze baletowi są delikatni i puszyści?
Przesłuchanie: W jednym przedstawieniu tancerz baletu podnosi i niesie około 2 ton wagi.
Prawda: Aktywność fizyczna jest naprawdę duża. Na scenie - to oczywiście zależy od produkcji - baletnica, mężczyzna wielokrotnie podnosi baletnicę. W nowoczesnych produkcjach wszystko, co robisz, to podnosisz i ustawiasz, podnosisz i ustawiasz, podnosisz, zakreślasz, ustawiasz. Jeśli policzysz liczbę wind, to tak, dwie tony to liczba rzeczywista.
Ponadto tancerze baletowi dużo ćwiczą i ćwiczą. To też jest obciążenie. Próby mamy codziennie, z wyjątkiem weekendu, który odbywa się raz w tygodniu. Plus występy.
2. Tancerze baletowi częściej chorują
Przesłuchanie: Z powodu dużych obciążeń i stałej diety tancerze baletowi chorują częściej niż inni.
Prawda: Sale prób baletowych Teatru Bolszoj Białorusi są wyposażone w lampy bakteriobójcze, jak w szpitalu. Zimą, kiedy zaczyna się grypa i pojawiają się inne wirusy, pojedynczy pracownik włącza te lampy na pół godziny, aby zdezynfekować pomieszczenie. Bardzo ważne jest, aby choroby się nie rozprzestrzeniały: wszyscy pracujemy w bliskim kontakcie, trenujemy i ćwiczymy przez wiele godzin. Jeśli ktoś przyniósł chorobę, jest ona neutralizowana.
3. Choroby zawodowe w balecie
Przesłuchanie: Nogi są najbardziej bolesnym miejscem na ciele tancerza.
Prawda: To częściowo prawda. Choroby zawodowe tancerzy to choroby stawów. U tancerzy baletowych wystają kości na dużych palcach, stawy są naturalnie zaognione, bolą. Kobiety również cierpią na tę chorobę, ale jest to spowodowane niewygodnymi, ciasnymi butami, które deformują stopę. Dla mistrzów baletu - stałe obciążenia palców i przedniej części stopy: wiele ruchów w balecie wykonuje się na palcach.
Drugą powszechną klasą problemów zdrowotnych jest wypadanie narządów spowodowane ciągłymi skokami. Wszystko jest indywidualne, ale często spadają nerki, serce i inne narządy wewnętrzne, co z kolei powoduje ucisk na pęcherz.
4. Młodzi emeryci
Przesłuchanie: Niektórzy uważają, że baleriny zbyt wcześnie przechodzą na emeryturę.
Prawda. Tancerze baletowi legalnie przechodzą na emeryturę po 23 latach stażu pracy. Urlop macierzyński nie wlicza się do stażu pracy. W rezultacie tancerze baletowi stają się młodymi emerytami. Jednak wielu z nich nie udaje się na zasłużony odpoczynek: w zależności od stanu zdrowia emerytowani tancerze pracują jako korepetytorzy, nauczyciele, reżyserzy, pracownicy sceniczni, kostiumografowie itp.
Rozmówca Naviny. przez Giennadij Kulinkowicz ma dwa lata do przejścia na emeryturę. W przyszłości tancerka planuje również uczyć.
5. Nieprawidłowa praca
Przesłuchanie: Artyści teatru baletowego mają dwa dni wolne w tygodniu, jak zwykli obywatele
Prawda. Tancerze baletowi pracują 6 dni w tygodniu. Jedyny wolny dzień to poniedziałek. Latem, w związku z migracją publiczności do domków letniskowych i nad morze, dzień wolny w Teatrze Bolszoj przesunięty jest na sobotę. Cieszy się z tego kobieca część trupy: wreszcie pojawia się możliwość spędzenia czasu z rodziną. Mężczyźni narzekają: kiedy w poniedziałek wypada dzień wolny, możesz przynajmniej odpocząć i nie wykonywać prac domowych.
Nienormalny jest także dzień pracy baletmistrzów w rozumieniu zwykłego człowieka: od 10:00 do 15:00, potem trzygodzinna przerwa, po przerwie praca wznawiana jest o 18:00 w związku z wieczornymi przedstawieniami. Oficjalny dzień pracy pracowników baletu kończy się o godzinie 21:00.
Konieczna jest długa przerwa, aby po porannym treningu i próbach organizm miał czas na odpoczynek i regenerację przed wieczorną pracą.
Dla młodych tancerzy jest to wygodne: możesz uczyć się podczas przerwy. Na przykład Giennadij Kullinkowicz otrzymał w ten sposób wyższe wykształcenie choreograficzne. Ale teraz widzi małe plusy w tym harmonogramie.
„Przy takim harmonogramie bardzo trudno jest zorganizować życie osobiste. Spójrz na mnie: 38 lat, bez rodziny, bez dzieci. Całe życie w teatrze- mówi Giennadij.
6. Czy balet i dzieci są nie do pogodzenia?
Przesłuchanie: Ze względu na wymagania dotyczące wyglądu balerinki muszą zrezygnować z macierzyństwa.
Prawda: Tancerkom baletu naprawdę trudniej jest założyć rodzinę i dzieci u szczytu kariery niż przedstawicielom innych zawodów: ma to również wpływ na harmonogram pracy, a poporodowe przywrócenie formy wymaga czasu i wysiłku. Tak więc dziewczynki stosują dwie strategie: albo założyć rodzinę i dzieci zaraz po szkole/na uniwersytecie, albo odłożyć to do czasu przejścia na emeryturę.
Mimo niesprzyjających okoliczności w Teatrze Bolszoj na Białorusi są baletnice, które mają dwoje, a niektóre nawet troje dzieci.
„My, podobnie jak lekarze i nauczyciele, łączymy pracę z ciążą. Planujemy, idziemy na urlop macierzyński, wracamy do zdrowia i pracujemy dalej. To sprawa każdego artysty z osobna, ale w czasie ciąży - im szybciej opuścisz zajęcia taneczne, tym lepiej dla Ciebie i nienarodzonego dziecka. Wiąże się to z ryzykiem: tutaj trzeba się zginać, skakać, można upaść i zranić ”- powiedział stronie internetowej Baleriny Bolszoj.
„Jesteśmy najlepszymi matkami, żonami, a także umiemy tańczyć i chodzić na palcach po kuchni”- żartują baletnice w odpowiedzi na pytanie o specyfikę życia rodzinnego.
7. Jeśli tańczy w balecie, to jest gejem
Przesłuchanie: Wśród tancerzy baletowych jest wielu gejów.
Prawda: To powszechny stereotyp, mówi baletnica Giennadij Kullinkowicz. Już na to nie odpowiadamy. Tak mówią o wszystkich mężczyznach, którzy tańczą. Powstaje z niezrozumienia ze strony widza: jak mężczyźni mogą pozostać obojętni i spokojni w otoczeniu tyle piękna i nagości. Przecież publiczność często schodzi za kulisy, a panowie są w szoku: tu wszyscy przebierają się, intymne części ciała są na wyciągnięcie ręki… A my już do tego przywykliśmy i reagujemy jak coś normalnego. Więc widz myśli, że mężczyźni w balecie są gejami.
8. Co tancerka ma pod rajstopami?
Przesłuchanie: Tancerze nie noszą majtek.
Zdjęcie pixabay.com
Prawda: Mówią bardziej o bieliźnie męskich artystów niż o bieliźnie balerinek: widz pod śnieżnobiałymi rajstopami, ku swojemu zdziwieniu, nie widzi spodziewanych konturów majtek.
Giennadij Kulinkowicz powiedział, że tancerze mają swoje sekrety. Producenci odzieży tanecznej wychodzą naprzeciw oczekiwaniom artystów i produkują bezszwowe modele specjalnej bielizny niewidocznej pod kostiumem - bandaże. Specjalną odzież dla tancerzy sprzedaje sklep znajdujący się w pobliżu Bolszoj.
9. Mięso w pointach
Przesłuchanie: Baleriny wkładają mięso w pointy, aby zmniejszyć obrażenia stopy.
Prawda: Nie wkładaj mięsa. Istnieją bardziej nowoczesne sposoby ochrony nóg. Firmy baletowe produkują specjalne półbuty, które zakrywają tylko palce. Są silikonowe. Ktoś niczego nie załącza - jest to już dla niego wygodne. Wkładki silikonowe do pointów nie są produkowane na Białorusi, produkowane są w USA, Chinach i Rosji.
Zdjęcie pixabay.com
Przez rok balerina nosi 5-10 par pointe, w zależności od obciążenia. Niektórzy artyści mają własne ochraniacze - wolumetryczne kopie stóp wykonane przez mistrzów, według których pointy robione są na zamówienie.
10. Taniec dobrze się opłaca
Przesłuchanie: Artyści dużo zarabiają.
Prawda: Wszystko jest względne. Wynagrodzenie tancerzy baletowych uzależnione jest od stanowiska w trupie: czołowego mistrza sceny, solisty lub tancerza corps de ballet. Wpływa również na ilość scen opracowanych w produkcjach. Za każde wyjście przyznawane są punkty, które są utrzymywane przez specjalnego pracownika teatru. Wartość punktów za każdy taniec jest swoista, standardowa dla wszystkich artystów, zależy od złożoności i czasu trwania spektaklu. Ilość otrzymanych punktów wpływa na nagrodę. Tak więc pensja tancerza corps de ballet wynosi około 120 rubli, a premia naliczana za występy może ją kilkakrotnie przekroczyć.
Zdjęcie: Sergey Balai
To położyło podwaliny pod jej światową sławę. plakat do pracy W. Sierow z sylwetką A. Pavlova stał się na zawsze symbolem „Rosyjskich Pór Roku”. 1910 Pavlova koncertowała w wielu krajach na całym świecie z własną trupą. Choreograf Michaił Fokin wystawił kilka baletów specjalnie dla trupy A. Pawłowej, w tym Siedmiu Córek Króla Gór. Teatr Maryjski miał miejsce w 1913, i w Rosja- w 1914 po czym osiedliła się w Anglia i nigdy nie wrócił do Rosji. 1921 -1925 Anna Pavlova koncertowała USA organizatorką jej trasy była Amerykanka impresario rosyjskie pochodzenie Salomon Yurok. W 1921 Anna Pavlova wystąpiła również w Indie i przyciągnął uwagę indyjskiej opinii publicznej w Delhi , Bombaj I Kalkuta .Nazwisko Pavlova za życia baletnicy stało się legendarne.
Karsavina Tamara Platonovna
Balerina urodziła się 25 lutego ( 9 marca) 1885 w Petersburg w rodzinie tancerza cesarskiej trupy Platona Karsavina i jego żony Anny Iosifovny z domu Chomyakova, córki kuzyna (czyli pra-siostrzenicy) słynnego słowianofila A.S. Chomyakova. Brat - Lew Karsawin, rosyjski filozof. W 1902 ukończyła Cesarską Szkołę Teatralną, gdzie nauczyła się podstaw baletu od nauczyciela Aleksandra Gorskiego, a następnie dołączyła do trupy Teatr Maryjski . Karsavina szybko osiągnęła status primabaleriny i grała główne role w baletach klasycznego repertuaru – Giselle, Śpiąca królewna, Dziadek do orzechów, Jezioro łabędzie, Karnawał itp. Od 1909 roku na zaproszenie Siergieja Diagilewa zaczął występować Karsavina w zorganizowanym przez niego tournée rosyjskich tancerzy baletowych w Europie, a następnie w Rosyjskim Balecie Diagilewa. Najbardziej znanymi dziełami baletnicy w okresie współpracy z Diagilewem były główne role w baletach Ognisty ptak, Upiór w operze, Pietruszka (w inscenizacji Michaiła Fokine), Kobiece kaprysy itp. Na emigracji nie grała przestać występować na scenie i koncertować z Rosyjskim Baletem Diagilewa, zajmował się działalnością pedagogiczną. Ponadto na początku lat dwudziestych baletnica występowała w epizodycznych rolach w kilku niemych filmach wyprodukowanych w Niemczech i Wielkiej Brytanii, m.in. w filmie „Droga do siły i piękna” z 1925 r. W latach 1930-1955. pełnił funkcję wiceprezesa Royal Academy of DanceTamara Karsavina zmarła 26 maja 1978 roku w Londynie w wieku 93 lat.
Ułanowa Galina Siergiejewna
Urodziła się 8 stycznia 1910 (według nowego stylu) w Petersburgu w rodzinie artystycznej. W 1928 ukończyła Leningradzką Szkołę Choreograficzną, gdzie uczyła się przez pierwsze sześć lat z matką M. F. Romanową, a następnie z A. Ya. Teatr Opera i Balet im. S. M. Kirowa (od 1992 Teatr Maryjski). Debiutowała w najtrudniejszej części Odety-Odyli w balecie P. I. Czajkowskiego „Jezioro łabędzie”. W 1941 r. Ułanowa została laureatką Nagrody Stalina (tytuł ten przyznano jej również w latach 1946, 1947 i 1950).W 1944 baletnica została zaproszona do Moskwy i została solistką Teatru Bolszoj. Ulanova tańczyła na jej scenie do 1960 roku, tworząc niezapomniane obrazy zarówno w klasycznym rosyjskim, jak i zagranicznym repertuarze baletowym.Baletnica zwróciła się także ku twórczości współczesnych kompozytorów. Tak więc Ulanova niesamowicie wcieliła się na scenie w wizerunek Julii w balecie Romeo i Julia S. S. Prokofiewa.W 1951 r. Galina Siergiejewna otrzymała tytuł Artysty Ludowego ZSRR. Jej talent został doceniony na całym świecie. Kiedy Teatr Bolszoj po raz pierwszy wyruszył w trasę do Londynu w 1956 roku, Ulanova triumfowała sukces w partiach Giselle (w balecie A. Adama pod tym samym tytułem) i Julii. Juliet była jej ulubioną postacią.
Jest jedyną baletnicą, której za życia wzniesiono pomniki (w Leningradzie i Sztokholmie).Ostatnim baletem, w którym tańczyła Ulanova, była Chopiniana do muzyki F. Chopina. Po zejściu ze sceny kontynuowała pracę w Teatrze Bolszoj już jako nauczyciel-powtórka. Wśród jej uczniów są E. Maksimova, V. Vasiliev, L. Semenyaka i wielu innych. A. N. Tołstoj nazwał Ułanow „zwykłą boginią”. Zmarła 22 września 1998 roku w Moskwie.
Jurij Timofiejewicz Żdanow
Jurij Timofiejewicz Żdanow (29 listopada [według innych źródeł 29 września] 1925, Moskwa - 1986, Moskwa) - Artysta Ludowy RSFSR, choreograf, pedagog, artysta. Ukończył Moskiewską Szkołę Choreograficzną w klasie N. I. Tarasowa w 1944 roku, wydział baletmistrzowski GITIS im. A. V. Lunacharsky (prof. L. M. Lavrovsky i R. V. Zakharov) w 1968 r. W latach 1944-1967 był czołowym solistą Baletu Bolszoj. Wystąpiła główne role w baletach Romeo i Julia, Giselle, Fontanna Bakczysaraju, Jeździec spiżowy, Czerwony mak, Chopiniana, Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna, Raymonda, Don Kichot, „Płomień Paryża”, „Gayane”, "Ognisty Ptak", "Noc Walpurgii" i inni prowadzili dużą działalność koncertową. W latach 1951-1960. była stałym partnerem Galiny Ulanowej, występowała z nią w pierwszych sześciu wymienionych baletach oraz w programie koncertowym. Razem odbyli tournée po miastach ZSRR (1952), w kolejnych latach brali udział w pierwszym tournée baletu sowieckiego w Paryżu (1954, 1958), Londynie (1956), Berlinie (1954), Hamburgu, Monachium, Bruksela (1958), Nowy Jork, Waszyngton, Los Angeles, San Francisco, Toronto, Ottawa, Montreal (1959), występował w filmach („Romeo i Julia”). W 1953 roku w studiu Lenfilm nakręcono film „Mistrzowie rosyjskiego baletu”. Film zawiera fragmenty baletów Borysa Asafiewa Fontanna Bachczysaraju i Płomienie Paryża oraz balet Jezioro łabędzie P.I. Czajkowskiego. Jurij Żdanow zagrał jedną z głównych ról w tym filmie. Y. Żdanow występował również z Swietłaną Adyrkejewą, Sofią Gołowkiną, Olgą Lepeszyńską, Jekateriną Maksimową, Mają Plisiecką, Raisą Struchkową, Niną Timofiejewą, Allą Shelest i innymi rosyjskimi i zagranicznymi balerinami. Widzowie z ponad trzydziestu krajów znają sztukę choreograficzną Jurija Żdanowa. Pod koniec kariery scenicznej J. Żdanow był dyrektorem artystycznym Państwowego Zespołu Koncertowego „Balet Klasyczny” (1971-1976), dla którego wystawił balety „Francesca da Rimini” P. Czajkowskiego, „Wiosenna fantazja”. R. Drigo, „Suita choreograficzna” K.Akimowa, miniatury koncertowe „Młode głosy” Y. Bendy, „Etiuda-obraz” S. Rachmaninowa i wielu innych. kostiumy sam. W latach 1981-1986 Żdanow uczył w GITIS „e, gdzie prowadził kursy „Sztuka baletmistrza” i „Teatr baletowy i artysta”. Ju. Żdanow otrzymał wykształcenie artystyczne w pracowni słynnego artysty, członka korespondenta Akademii Sztuka ZSRR GM Szegal Od początku lat 50. systematycznie uczestniczył w ogólnounijnych i międzynarodowych wystawach artystów radzieckich, miał ponad piętnaście wystaw indywidualnych w kraju i za granicą. Od 1967 członek Związku Artystów ZSRR. W muzeach naszego kraju znajduje się ponad 150 dzieł J. Żdanowa - obrazowych i graficznych, około 600 prac zostało zakupionych do prywatnych kolekcji. Jurij Timofiejewicz Żdanow zmarł 9 kwietnia 1986 r. W Moskwie na atak serca. Po śmierci Żdanowa jego sława artystyczna rośnie coraz bardziej. Film telewizyjny „Jurij Żdanow. Karty z życia artysty i artysty” (1988). W ostatnich latach w Moskwie i innych miastach z powodzeniem odbywały się osobiste wystawy mistrza, wiele prac zostało sprzedanych do prywatnych kolekcji w Rosji, Anglii, USA, Niemczech, Włoszech, Japonii, Finlandii, Grecji.
Plisiecka Maja Michajłowna
Maja Michajłowna urodziła się 20 listopada 1925 r. To naprawdę największa baletnica. Jest piękna, elegancka, inteligentna.
Tańczyła w wielu spektaklach:
W plastyczności Maji Plisieckiej sztuka tańca osiąga wysoką harmonię. .
Najbardziej znane imprezy: Odette-Odile w Jeziorze łabędzim, Aurora w Śpiąca Królewna » ( 1961 ), Raymonda balet o tej samej nazwie Głazunow, Pani miedzianej góry w " kamienny kwiat » Prokofiew, Mechmene Banu ” Legenda o miłości » Melikowa, Carmen ( Apartament Carmen Rodion Szczedrin).
Plisiecka występowała jako choreografka, wystawiała balety: "Anna Karenina" R. K. Szczedrin (1972, razem z N. I. Ryżenko i V. V. Smirnov-Golovanov, Teatr Bolszoj; Plisetskaya - pierwszy wykonawca głównej części), "Frajer" R. K. Szczedrin (1980, Teatr Bolszoj; Plisetskaya - pierwszy wykonawca głównej roli), „Raymonda” A. K. Glazunova (1984, Opera w Termach Karakalli, Rzym), „Dama z psem” R. K. Szczedrin (1985, Teatr Bolszoj; Plisetskaya - pierwszy wykonawca głównej części).
W latach 80. Plisiecka i Szczedrin spędzały dużo czasu za granicą, gdzie pracowała jako dyrektor artystyczny. Teatr Opery i Baletu w Rzymie (1983-1984), a także Hiszpański Balet Narodowy w Madrycie (1988-1990). Opuścił scenę w wieku 65 lat; po długim czasie brała udział w koncertach, prowadzi kursy mistrzowskie. W dniu swoich 70. urodzin zadebiutowała w specjalnie dla niej napisanym numerze. Bejart„Ave Maya”. OD 1994 Plisiecka jest przewodniczącą corocznego międzynarodowego konkursu baletowego „Maja” ( Petersburg).
Maksimowa Jekateryna
W siódmej klasie tańczyła swoją pierwszą rolę - Maszę w Dziadku do orzechów. Po studiach wstąpiła do służby w Teatrze Bolszoj i natychmiast, praktycznie omijając korpus baletowy, zaczęła tańczyć partie solowe.
W latach 1958-1988 była czołową tancerką baletową Teatru Bolszoj. Doskonałe mistrzostwo tańca klasycznego, doskonałe dane zewnętrzne, kunszt i urok osobisty pozwoliły Maximovej opanować tradycyjny repertuar teatralny. Następnie balety Giselle (wydanie tradycyjne, muzyka A. Adama), Don Kichot A.A. Gorsky (muzyka L. Minkusa), Śpiąca królewna (wersja tradycyjna, potem wersja Yu.N. Grigorovicha, muzyka Czajkowskiego) itp. Maksimowa występowała także w większości nowych baletów wystawianych w latach 60. szczególnie w przedstawieniach Grigorowicza, gdzie często była pierwszym wykonawcą (Dziadek do orzechów, 1966; Spartak, muzyka A.I. Chaczaturiana, 1968, rola Frygii itp.). Maksimova była stałym partnerem swojego męża V.V. Wasiljewa i tańczył w przedstawieniach wystawianych przez niego w Teatrze Bolszoj i nie tylko: Ikar (muzyka S.M. Słonimskiego, 1976; Anyuta, muzyka V.A. Gavrilin, 1986; Kopciuszek, muzyka S.S. Prokofiewa, 1991) . Za granicą grała główne role w baletach Maurice'a Bejarta (Romeo i Julia do muzyki G. Berlioza), Rolanda Petit (Błękitny Anioł do muzyki M. Constant), Johna Cranko (Oniegin do muzyki Czajkowskiego). K.Ya pracował z Maximovą. Goleizovsky, który w 1960 roku wystawił dla niej jeden ze swoich najlepszych utworów – Mazurka do muzyki A.N. Skriabin. Karierę prawie położyła kontuzja kręgosłupa, którą doznała na próbie baletu „Iwan Groźny”. Doszło do trudnego podparcia górnego, z którego bezskutecznie zawiodła baletnica. W rezultacie jej kręg „wyskoczył”. Jej normalny ruch był wątpliwy. Ale ona, przy pomocy męża i siły woli, poradziła sobie z chorobą. Przez cały rok nosiła specjalny gorset i wykonywała ćwiczenia zaprojektowane dla niej przez Wasiliewa. 10 marca 1976 Ekaterina Maksimova ponownie weszła na scenę Bolszoj. W "Giselle" Szczególne znaczenie w twórczości Maximovej miał udział w baletach telewizyjnych, który ujawnił nową jakość jej talentu - talent komediowy (Galatea według Pigmaliona B. Shawa, muzyka F. Lowe w przetworzeniu TI Kogana , choreograf DA Bryantsev; Stare tango do muzyki Kogana, tego samego choreografa). Sztuka Maksimovej, a zwłaszcza jej udział w słynnym duecie Maksimov - Vasiliev, uchwycony w filmie telewizyjnym "Duet" (1973) i francuskim filmie wideo "Katya and Volodya" (1989), cieszy się światowym uznaniem. W 1980 roku Maksimova ukończyła studia Państwowy Instytut Sztuki Teatralnej im. A. IN. Łunaczarski (obecnie Rosyjska Akademia Sztuk Teatralnych). Od 1982 roku rozpoczęła nauczanie dziedzictwa klasycznego i kompozycji tanecznej na wydziale choreografii tego instytutu (w 1996 uzyskała tytuł naukowy profesora). Od 1990 roku Maksimova jest nauczycielem-repetytorem Kremlowskiego Teatru Baletowego. Od 1998 roku jest choreografem-repetytorem Teatru Bolszoj (przestała być solistką trupy w 1988 roku).
Łopatkina Uliana Wiaczesławowna
Artysta Ludowy Rosji (2005).
Laureat Nagrody Państwowej Rosji (1999).
Laureat Konkursu Międzynarodowego Vaganova-Prix (1991).
Laureatka nagród: „Złota Podbitka” (1995), „Boska” z tytułem „Najlepszej Baletnicy” (1996), „Złota Maska” (1997), Benois de la dance(1997), Baltika (1997, 2001: Grand Prix za promowanie światowej sławy Teatru Maryjskiego), Wieczorny Standard (1998), Światowe nagrody taneczne w Monako(2001), "Triumf" (2004).
W 1998 roku otrzymał honorowy tytuł "Artysta Jej Królewskiej Mości Cesarskiej Sceny Suwerennej Rosji" z nagrodą medalu "Człowiek-Twórca".
Urodzony w Kerczu (Ukraina).
Absolwent Akademii Baletu Rosyjskiego. A. Ya Vaganova (klasa profesor Natalii Dudinskaya).
Od 1991 w zespole Teatru Maryjskiego.
Od 1995 roku jest solistką.
„Giselle” (Mirta, Giselle);
„Korsarz” (Medora);
„Bajadera” (Nikia) – pod redakcją Vakhtanga Chabukianiego;
Wielki Pas z baletu „Paquita” (solista);
Śpiąca Królewna (Liliowa Wróżka) - pod redakcją Konstantina Sergeeva;
„Jezioro łabędzie” (Odette-Odile);
„Raymonda” (Raymonda, Clemence);
Łabędź, Szeherezada (Zobeida), choreografia Michaił Fokine,
„Fontanna Bakczysaraju” (Zarema);
„Legenda o miłości” (Mekhmene Banu);
„Symfonia Leningradzka” (Dziewczyna);
Pas de quatre (Maria Taglioni), choreografia Antona Dolina,
„Serenada”, „Symfonia w C” (druga część Adagio), „Klejnoty” („Diamenty”), „II Koncert fortepianowy” ( Balet Imperial), Theme and Variations, Walc, Scottish Symphony, choreografia George Balanchine,
W nocy (część III), choreografia Jerome'a Robbinsa,
Młodość i śmierć, choreografia Rolanda Petita,
Goya Divertissement (Śmierć), choreografia José Antonio,
Dziadek do orzechów (fragment „Nauczyciel i uczeń”), choreografia Johna Neumeiera,
Pocałunek wróżki (Wróżka), Poemat ekstazy, Anna Karenina (Anna Karenina), choreografia Aleksieja Ratmańskiego,
- choreografia Williama Forsythe'a;
Trois Gnossienes- choreografia Hansa van Manena;
Tango, choreografia Nikołaja Androsowa,
Grand pas de deux- Choreografia Christiana Spuck
Zacharowa Swietłana Juriewna
W Teatrze Maryjskim
1996
Księżniczka Florina(Śpiąca królewna P. Czajkowskiego, choreografia M. Petipa, poprawiona wersja K. Siergiejew)
Driada Pani(Don Kichot L. Minkusa, choreografia M. Petipa, A. Gorsky)
Pas de Czajkowskiego(choreografia J. Balanchine)
„Umierający łabędź”(do muzyki C. Saint-Saens, choreografia M. Fokin)
Maria(Fontanna Bachczysaraju B. Asafiewa, choreografia R. Zacharowa)
Masza(Dziadek do orzechów P. Czajkowskiego, choreografia V. Vainonen)
1997
Gulnara(Korsarz A. Adama, choreografia M. Petipy, poprawiona wersja P. Gusiewa)
Giselle(Giselle A. Adama, choreografia J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa)
mazurka i siódmego walca(Chopiniana, choreografia M. Fokine)
1998
Księżniczka Aurora("Śpiąca Królewna")
Terpsychor(Apollo I. Strawińskiego, choreografia G. Balanchine)
Solista(Serenada do muzyki P. Czajkowskiego, choreografia G. Balanchine)
Odette-Odile(Jezioro łabędzie P. Czajkowskiego, choreografia M. Petipa, L. Ivanov, poprawiona wersja K. Siergiejew)
Solista(„Wiersz ekstazy” do muzyki A. Skriabina, wyd. A. Ratmansky)
1999
Solista I części(Symfonia C do muzyki J. Bizeta, choreografia J. Balanchine)
Księżniczka Aurora(„Śpiąca królewna”, rekonstrukcja spektaklu M. Petipy S. Vikhareva)
Medora("Korsarz")
Nikiya(Bajadera L. Minkusa, choreografia M. Petipa, poprawiona wersja V. Ponomarev i V. Chabukiani)
2000
Solista w „Diamentach” do muzyki P. Czajkowskiego(Klejnoty, choreografia G. Balanchine)
Manon(Manon do muzyki J. Masseneta, choreografia C. Macmillan)
Kitri("Don Kichot")
2001
Solista(„Teraz i wtedy” do muzyki M. Ravela, inscenizacja J. Neumeier)
Panienka(Młoda dama i chuligan do muzyki D. Szostakowicza, choreografia K. Boyarsky)
Zobeida(Szeherezada do muzyki N. Rimskiego-Korsakowa, choreografia M. Fokine)
2002
Julia(Romeo i Julia S. Prokofiewa, choreografia L. Ławrowski)
Solista(grand pas z baletu Paquita L. Minkusa, choreografia M. Petipy)
Solista(„Średni Duet” do muzyki Y. Khanon, inscenizacja A. Ratmansky)
2003
Solista(Etiudy" do muzyki K. Czernego, choreografia H. Lander)
Jednym ze stałych partnerów baleriny był Igor Zelensky.
W Teatrze Bolszoj
W sezonie 2003/2004
Svetlana Zacharova przeniosła się do trupy Teatru Bolszoj, gdzie została jej nauczycielką-powtórką Ludmiła Semenyaka
, który jest także przedstawicielem petersburskiej szkoły baletowej.
Balerina została przedstawiona personelowi teatru na tradycyjnym spotkaniu trupy, które odbyło się 26 sierpnia 2003 r. Debiut jako solista Teatru Bolszoj odbył się 5 października w balecie Giselle (pod redakcją W. Wasiliewa) . Przed przeprowadzką do Moskwy trzykrotnie tańczyła ten spektakl w Teatrze Bolszoj.
2003
Giselle("Giselle")
Aspicia(Córka faraona C. Pugni, inscenizacja P. Lacotte wg M. Petipy)
Odette-Odile(Jezioro łabędzie P. Czajkowskiego w drugiej wersji J. Grigorowicza, fragmenty choreografii M. Petipy, L. Iwanowa, A. Gorskiego)
2004
Księżniczka Aurora(Śpiąca Królewna P. Czajkowskiego, choreografia M. Petipa, poprawiona wersja J. Grigorowicz)
Solista II części(„Symfonia w C”)
Nikiya(„La Bayadere” w wersji Y. Grigorovicha)
Kitri(Don Kichot L. Minkusa, choreografia M. Petipa, A. Gorsky, poprawiona wersja A. Fadeechev)
Hipolita(Titania) ("Sen nocy letniej" do muzyki F. Mendelssohn-Bartholdy i D. Ligeti, wyd. J. Neumeier) -
2005
Raymond(Raymonda A. Glazunova, choreografia M. Petipa, poprawiona wersja Y. Grigorovich)
Carmen(Suita Carmen J. Bizeta - R. Szczedrin, inscenizacja A. Alonso)
2006
Kopciuszek(Kopciuszek S. Prokofiewa, choreografia Y. Posokhov, reż. Y. Borisov) - pierwszy wykonawca
2007
Solista(Serenada do muzyki P. Czajkowskiego, choreografia J. Balanchine) - pierwszy wykonawca Teatru Bolszoj
Medora(Korsarz A. Adama, choreografia M. Petipy, produkcja i nowa choreografia A. Ratmansky i Y. Burlaka) - pierwszy wykonawca
Solista(Koncert klasowy do muzyki A. Głazunowa, A. Lyadova, A. Rubinsteina, D. Szostakowicza, choreografia A. Messerer)
2008
Egina(Spartakus A. Chaczaturiana, choreografia Y. Grigorovich)
para na żółto(„Pory roku rosyjskie” do muzyki L. Desyatnikova, inscenizacja A. Ratmansky) - był jednym z pierwszych wykonawców baletu w Teatrze Bolszoj
Pakwita(Grand classic pas z baletu „Paquita” L. Minkusa, choreografia M. Petipy, inscenizacja i nowa wersja choreograficzna Y. Burlaki)
2009
Swietłana(„Zakharova Supergame” E. Palmieri, inscenizacja F. Ventrilla) - Światowa premiera
2010
Śmierć(„Młody człowiek i śmierć” do muzyki J.S. Bacha, inscenizacja R. Petit) - pierwszy wykonawca Teatru Bolszoj
Pierwsze i dwa kolejne spektakle „Córki faraona” z udziałem Zacharowej zostały nakręcone na potrzeby wydania baletu na DVD przez francuską firmę Bel Air Media.
15 czerwca 2005 r. Na Scenie Głównej Teatru Bolszoj odbył się pierwszy twórczy wieczór Swietłany Zacharowej, którego program obejmował obraz „Cienie” z baletu „Bajadera” (Solor - solista Teatru Maryjskiego Igor Zełenski)
„Średni duet” reż. A. Ratmansky(partner - solista Teatru Maryjskiego Andrey Merkuriev)
duet z baletu „W środku trochę na podwyższeniu” do muzyki T. Willemsa, inscenizacja W. Forsytha (partner - Andrey Merkuriev)
III akt z baletu „Don Kichot” (Basile – Andrey Uvarov) oraz szereg numerów w wykonaniu solistów Baletu Bolszoj
Wisznowa Diana Wiktorowna
Artysta Ludowy Rosji
Laureat Nagrody Państwowej Rosji
Laureat Międzynarodowego Konkursu Baletowego (Lozanna, 1994)
Zwycięzca nagrody Benois de la Danse(1996), "Złota Podbitka" (1996, 2011), "Baltika" (1998), "Złota Maska" (2001), "Tancerka Roku - 2002" ( Tancerz Europy), nagrody magazynu "Balet" (2003)
Laureatka Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska” (2009) w trzech kategoriach: „Najlepsza aktorka”, „Taniec współczesny/rola kobieca” i „Nagroda krytyków” („Diana Vishneva: Piękno w ruchu”, projekt Siergieja Daniliana, USA-Rosja )
Diana Vishneva urodziła się w Leningradzie. Absolwent Akademii Baletu Rosyjskiego. A. Ya Vaganova (klasa profesor Ludmiły Kovaleva). Ostatni rok studiów połączyła ze stażem w Teatrze Maryjskim. W 1995 roku Diana Vishneva została przyjęta do trupy Teatru Maryjskiego, a od 1996 roku jest solistką Teatru Maryjskiego.
Diana Vishneva aktywnie występuje w czołowych teatrach Europy. W 2001 roku zadebiutowała w monachijskim Staatsballett (Manon Kennetha Macmillana) i La Scali (Aurora - Śpiąca królewna w wersji Rudolfa Nureyeva), a w 2002 wystąpiła na scenie Opery Paryskiej (Kitri - Don Kichot w wersji Rudolfa Nurejewa). W 2003 roku zadebiutowała w Metropolitan Opera w Nowym Jorku (Juliet - Romeo i Julia, choreografia Kennetha Macmillana).
Od 2002 roku Diana Vishneva jest gościnną solistką Staatsoper (Berlin), grając główne role w baletach Giselle, Bajadera, Jezioro łabędzie (wersja Patrice Barthes), Ring Around the Ring Maurice'a Béjarta, Manon i Śpiąca królewna” . Od 2005 roku balerina występuje gościnnie jako solistka na scenie American Ballet Theatre (tańczyła w baletach Jezioro Łabędzie, Giselle, Don Kichot, Manon, Romeo i Julia, Balet Imperial, "Śpiąca Królewna", Sen, "Bajadera"). W American Ballet Theatre Diana Vishneva zagrała główne role w baletach Sylvia i Thais Pas de deux(choreografia Frederica Ashtona), Nad Dnieprem (choreografia Aleksieja Ratmańskiego), Pani kameliowa (choreografia Johna Neumeiera) i Oniegina (choreografia Johna Cranko).
Diana Vishneva aktywnie współpracuje ze znanymi współczesnymi choreografami i reżyserami. W 2005 roku w Teatrze Maryjskim odbyła się premiera baletu Ręce morza Piotra Zuski, wystawionego specjalnie dla Diany Wiszniewej. W 2007 roku Andrey Moguchiy i Alexei Kononov wystawili sztukę Silenzio. Diana Wiszniewa. W lutym 2008 roku Diana Vishneva we współpracy z Ardani Artists Management i Orange County Performing Arts Center zaprezentowała program „Piękno w ruchu” („Księżycowy pierrot” Aleksieja Ratmańskiego, „Zwroty miłości” Dwighta Rodina, PŁYW. Mojżesza Pendletona).
W marcu 2011 roku w Teatrze Maryjskim odbyła się premiera baletu Le Parc (choreografia Angelina Preljocaja) z udziałem Diany Vishnevej. W październiku tego samego roku balerina zaprezentowała projekt Diana Vishneva: Dialogi, wspierany przez Teatr Maryjski, Fundację Diana Vishneva i Ardani Artists.
Repertuar Teatru Maryjskiego:
Giselle (Myrtha, Sylma), choreografia Jean Coralli, Jules Perrot, Marius Petipa,
Le Corsaire (Gulnara, Medora), spektakl Piotra Gusiewa na podstawie kompozycji i choreografii Mariusa Petipy,
Grand pas z Paquity (wariacja), choreografia Mariusa Petipy,
La Bayadere (Nikia), choreografia Marius Petipa, poprawiona wersja Vladimira Ponomareva i Vakhtanga Chabukianiego,
Śpiąca królewna (Aurora), choreografia Marius Petipa, poprawiona wersja Konstantina Sergeyeva,
Dziadek do orzechów (Masza), choreografia Wasilij Vainonen, inscenizacja Michaiła Szemyakina, choreografia Kirill Simonov,
Jezioro łabędzie (Odette-Odile), choreografia Marius Petipa i Lv Ivanov, poprawiona wersja Konstantina Sergeyeva,
Raymonda (Raymonda), choreografia Marius Petipa, poprawiona wersja Konstantin Sergeyev,
balety Michaiła Fokine: Szeherezada (Zobeide), Ognisty ptak (Ognisty ptak), Wizja róży, Łabędź;
pas de quatre(Fanny Cerrito), choreografia Antona Dolina,
Grand pas classique, choreografia Wiktora Gzowskiego,
Legenda o miłości (Mekhmene-Banu), choreografia Jurij Grigorowicz,
Carmen Suite (Carmen), choreografia Alberto Alonso,
balety George'a Balanchine'a: „Apollo” (Terpsichore), „Symfonia w C” (część III), Czajkowski Pas de deux, Klejnoty (Ruby), II Koncert fortepianowy ( Balet Imperial);
In the Night (duet I), choreografia Jerome Robbins,
Młodość i śmierć, Carmen (Carmen), choreografia Rolanda Petit,
Manon (Manon), choreografia Kennetha MacMillana,
Wiosna i jesień, teraz i wtedy, Sounds of Blank Pages, choreografia Johna Neumeiera,
balety Aleksieja Ratmańskiego: Poemat ekstazy, Kopciuszek (Kopciuszek), Anna Karenina (Anna Karenina);
balety Williama Forsytha: W środku, nieco wzniosły I tekst krokowy;
Park, choreografia Angelina Preljocaja,
„Diana Vishneva: Piękno w ruchu” („Księżyc Pierrot” Aleksieja Ratmanskiego, „Z miłości do kobiety” Dwighta Rhodena, „Zwroty miłości” Mosesa Pendletona);
„Diana Vishneva: Dialogi” („Labirynt” Marthy Graham, „Dialog” Johna Neumeiera, „Obiekt zmiany” Paula Lightfoota i Sol Leona).
Tereszkina Wiktoria Waleriewna
Czczony Artysta Rosji (2008)
Laureat IX Międzynarodowego Konkursu Baletowego „Arabeska-2006” (Perm, 2006). Laureat nagrody magazynu „Balet” – „Dusza tańca” w nominacji „Wschodząca gwiazda” (2006)
Laureatka najwyższej nagrody teatralnej Petersburga „Złota podbitka” w nominacji „Najlepsza aktorka w spektaklu baletowym” za rolę Królowej Morza w balecie „Ondyna” (2006)
Laureatka najwyższej nagrody teatralnej w Petersburgu „Złoty Sofit” w nominacji „Najlepsza rola kobieca w przedstawieniu baletowym” w przedstawieniu baletowym Przybliżona Sonata Choreografia Williama Forsytha. (2005)
Laureatka Międzynarodowej Nagrody Baletowej „DANCE OPEN” w nominacji „Miss Virtuosity” (2010 i 2011)
Urodzony w Krasnojarsku.
W 2001 roku ukończyła Akademię Baletu Rosyjskiego. A. Ya Vaganova (klasa Marina Vasilyeva).
Od 2001 roku w zespole Teatru Maryjskiego.
W repertuarze:
„Giselle” (Giselle, Mirta, Zulma);
„Korsarz” (Medora);
„Bajadera” (Nikiya, Gamzatti);
„Śpiąca Królewna” (Aurora, Złota Wróżka, Diamentowa Wróżka);
Jezioro łabędzie (Odette-Odile), choreografia Marius Petipa i Lv Ivanov, poprawiona wersja Konstantina Sergeyeva,
Raymonda (Raymonda), choreografia Marius Petipa, poprawiona wersja Konstantin Sergeyev,
Don Kichot (Kitri), choreografia Aleksandra Gorskiego,
Szeherezada (Zobeida), choreografia Michaiła Fokine,
Spartakus (Frygia), choreografia Leonida Yakobsona,
Romeo i Julia (Julia), choreografia Leonida Ławrowskiego,
Legenda o miłości (Mechmene Banu), choreografia Jurij Grigorowicz,
Grand pas klasyczny- choreografia Wiktora Gzowskiego;
balety George'a Balanchine'a: Apollo (Polyhymnia, Terpsichore, Calliope), Serenada, Symfonia C (część I), Sen nocy letniej (Tytania), Temat i wariacje, Cztery temperamenty, Czajkowski Pas de deux, „Klejnoty” („Ruby”, „Diamenty”), „Koncert fortepianowy nr 2” ( Balet Imperial), Tarantella;
W nocy, choreografia Jerome'a Robbinsa,
Młodość i śmierć (Śmierć), choreografia Rolanda Petita,
Manon (Courtesans), choreografia Kennetha MacMillana,
Etiudy (solista), choreografia Haralda Landera,
Ondine (Królowa Morza), choreografia Pierre Lacotte,
Balety Aleksieja Ratmańskiego: Anna Karenina (Anna Karenina), Kopciuszek (Szczupła kobieta, Taniec kobiet), Mały garbaty koń (Czarownica);
„Delikatnie, ogniem” ( Dolce, con fuoco) - choreografia Svetlany Anufrieva;
Dziadek do orzechów (Masha, the Nutcracker Sisters), produkcja Michaiła Chemiakina, choreografia Kirill Simonov,
balety Williama Forsytha: Sonata przybliżona, pośrodku, nieco wzniesiona;
Ring, choreografia Aleksieja Miroshnichenko,
Aria Interrupted (solistka), choreografia Petera Quantza,
Bolero Factory (Soul), choreografia Jurija Smekałowa,
Park (solista), choreografia Angelin Preljocaj.
Pierwszy wykonawca ról Królowej Morza (Ondyna, choreografia Pierre Lacotte, 2006), Tsar Maiden (Konik garbaty, choreografia Aleksiej Ratmansky, 2009) i Frygii (Spartakus, choreografia Leonid Yakobson, 2010).
Galaktyka wschodzących gwiazd rosyjskiego baletu
Krystyna Szaprań
Anna Tichomirowa
Siergiej Polunin
Artem Owczarenko
Kristina Andreeva i Oleg Ivenko
