Obrazy Leonarda da Vinci i biografia artysty. Leonardo da Vinci Dojrzały okres kreatywności

Jedna z wczesnych prac Leonarda? postać anioła na obrazie Verrocchio „Chrzest” (Florencja, Uffizi) ? wyróżnia się wśród zamrożonych postaci subtelną duchowością i świadczy o dojrzałości swojego twórcy.

Wśród wczesnych dzieł Leonarda znajduje się Madonna z kwiatem przechowywana w Ermitażu (tzw. Madonna Benois, około 1478), która zdecydowanie różni się od licznych Madonn z XV wieku. Odrzucając gatunek i drobiazgowe detale tkwiące w dziełach mistrzów wczesnego renesansu, Leonardo pogłębia cechy i uogólnia formy. Postacie młodej mamy i dziecka, misternie modelowane bocznym światłem, wypełniają niemal całą przestrzeń obrazu. Naturalne i plastyczne są ruchy postaci, organicznie ze sobą połączone. Wyraźnie wyróżniają się na ciemnym tle ściany. Czyste błękitne niebo otwierające się przez okno łączy postacie z naturą, z ogromnym światem zdominowanym przez człowieka. W zrównoważonej konstrukcji kompozycji wyczuwalny jest wewnętrzny wzór. Ale nie wyklucza ciepła, naiwnego uroku, obserwowanego w życiu (Załącznik 1).

Nie znajdując właściwej oceny swojego talentu na dworze Lorenza Medici z jego kultem wyrafinowanego wyrafinowania, Leonardo wstąpił na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Najbardziej owocny okazał się mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Tutaj z pełną mocą ujawniła się wszechstronność jego talentu jako naukowca, wynalazcy i artysty.

Swoją działalność rozpoczął od wykonania pomnika rzeźbiarskiego? konny pomnik ojca księcia Lodovico Moro Francesco Sforzy. Wielki model pomnika, który był jednogłośnie chwalony przez współczesnych, zginął podczas zdobywania Mediolanu przez Francuzów w 1499 roku. Czy są tylko rysunki? szkice różnych wersji pomnika, wizerunki odchowu, pełnego dynamiki konia, potem uroczyście wystającego konia, nawiązujące do rozwiązań kompozycyjnych Donatella i Verrocchia. Najwyraźniej ta ostatnia opcja została przełożona na model posągu. Przekroczył on znacznie rozmiary pomników Gattamelaty i Colleoniego, co dało współczesnym i samemu Leonardowi powód do nazywania pomnika „wielkim kolosem”. Ta praca pozwala nam uznać Leonarda za jednego z największych rzeźbiarzy tamtych czasów.

Czy obrazy w stylu dojrzałym należą do okresu mediolańskiego? „Madonna w grocie” i „Ostatnia wieczerza”. „Madonna w grocie” (1483? 1494, Paryż, Luwr)? pierwsza monumentalna kompozycja ołtarzowa z okresu wysokiego renesansu. Jej bohaterowie Maryja, Jan, Chrystus i anioł nabyli cech wielkości, poetyckiej duchowości i pełni wyrazistości życia. Zjednoczeni nastrojem zamyślenia i działania? Dzieciątko Chrystus błogosławi Jana? w harmonijną piramidalną grupę, jakby światłocień podsycany lekką mgiełką, bohaterowie ewangelicznej legendy wydają się być ucieleśnieniem idealnych obrazów spokojnego szczęścia.

Czy najważniejszy z monumentalnych obrazów Leonarda przenosi Cię w świat prawdziwych namiętności i dramatycznych uczuć? „Ostatnia Wieczerza”, wykonana w latach 1495-1497 dla klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie. Odchodząc od tradycyjnej interpretacji epizodu ewangelicznego, Leonardo proponuje nowatorskie rozwiązanie tematu, kompozycję, która głęboko ujawnia ludzkie uczucia i doświadczenia. Minimalizując obraz ustawienia refektarza, świadomie zmniejszając wielkość stołu i wysuwając go na pierwszy plan, skupia się na dramatycznej kulminacji wydarzenia, na kontrastowych cechach ludzi o różnych temperamentach, manifestacji złożonej gamy uczuć , wyrażony zarówno w mimice, jak i w gestach, którymi apostołowie odpowiadają na słowa Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Zdecydowany kontrast z apostołami stanowią wizerunki z pozoru spokojnego, ale smutno zamyślonego Chrystusa, który znajduje się w centrum kompozycji, oraz zdrajcy Judasza opartego o krawędź stołu, którego szorstki, drapieżny profil pogrążony jest w cieniu. Zmieszanie, podkreślone gestem ręki ściskającej konwulsyjnie portfel i ponury wygląd odróżniają go od innych apostołów, na których oświetlonych twarzach można odczytać wyraz zdziwienia, współczucia, oburzenia. Leonardo nie oddziela postaci Judasza od innych apostołów, jak to czynili mistrzowie wczesnego renesansu. Jednak odrażające pojawienie się Judasza ujawnia ideę zdrady ostrzej i głębiej. Wszystkich dwunastu uczniów Chrystusa znajduje się w grupach po trzy osoby po obu stronach nauczyciela. Niektórzy z nich podrywają się z podekscytowania ze swoich miejsc, zwracając się do Chrystusa. Artysta podporządkowuje różne wewnętrzne ruchy apostołów ścisłemu porządkowi. Kompozycja fresku zachwyca jednością, integralnością, jest ściśle wyważona, centryczna w konstrukcji. Monumentalizacja obrazów, skala obrazu przyczyniają się do wrażenia głębokiego znaczenia obrazu, podporządkowując całą dużą przestrzeń refektarza. Leonardo w pomysłowy sposób rozwiązuje problem syntezy malarstwa i architektury. Ustawiając stół równolegle do ściany ozdobionej freskiem, potwierdza jego płaszczyznę. Przedstawione na fresku zmniejszenie perspektywiczne ścian bocznych niejako kontynuuje rzeczywistą przestrzeń refektarza.

Fresk jest poważnie uszkodzony. Eksperymenty Leonarda z nowymi materiałami nie wytrzymały próby czasu, późniejsze nagrania i renowacje prawie ukryły oryginał, który został oczyszczony dopiero w 1954 roku. Ale zachowane ryciny i rysunki przygotowawcze umożliwiają dokończenie wszystkich szczegółów kompozycji (Załącznik 3).

Po zdobyciu Mediolanu przez wojska francuskie Leonardo opuścił miasto. Rozpoczęły się lata tułaczki. Na zlecenie Republiki Florenckiej wykonał karton do fresku „Bitwa pod Anghiari”, który miał ozdobić jedną ze ścian Sali Rady w Palazzo Vecchio (budynek władz miasta). Tworząc tę tekturę, Leonardo zmierzył się z młodym Michałem Aniołem, który zrealizował zamówienie na fresk „Bitwa pod Kashin” na kolejną ścianę w tym samym pomieszczeniu. Jednak te kartony, powszechnie rozpoznawane przez współczesnych, nie zachowały się do dziś. Tylko stare kopie i ryciny pozwalają nam ocenić innowacyjność geniuszy wysokiego renesansu w dziedzinie malarstwa bitewnego.

W pełnym dramaturgii i dynamiki kompozycji Leonarda oddany zostaje epizod bitwy o sztandar, moment największego napięcia sił bojowników, ujawnia się okrutna prawda wojny. Do tego samego czasu należy stworzenie portretu Mony Lisy (La Gioconda, ok. 1504, Paryż, Luwr), jednego z najsłynniejszych dzieł malarstwa światowego. Głębia i wymowa kreowanego wizerunku jest niezwykła, w której cechy jednostki łączą się z dużym uogólnieniem. Innowacja Leonarda przejawiała się również w rozwoju portretu renesansowego (Załącznik 2).

Opracowana plastycznie, zamknięta w sylwetce, majestatyczna postać młodej kobiety dominuje w odległym krajobrazie spowitym niebieskawą mgiełką z wijącymi się między nimi skałami i kanałami wodnymi. Złożony na wpół fantastyczny krajobraz subtelnie współgra z charakterem i intelektem portretowanej osoby. Wydaje się, że niepewną zmienność samego życia odczuwa się w wyrazie jej twarzy, ożywionej ledwie wyczuwalnym uśmiechem, w jej spokojnym, pewnym siebie, przenikliwym spojrzeniu. Twarz i zadbane dłonie patrycjusza pomalowane są z niezwykłą starannością i miękkością. Najcieńsza, jakby topniejąca, mgiełka światłocienia (tzw. sfumato), otulająca sylwetkę, łagodzi kontury i cienie; na zdjęciu nie ma ani jednego ostrego pociągnięcia ani kanciastego konturu.

Jego sztuka, badania naukowe i teoretyczne, sama jego osobowość miały ogromny wpływ na rozwój kultury światowej. Jego rękopisy zawierają niezliczone notatki i rysunki świadczące o uniwersalności geniuszu Leonarda. Oto starannie wyrysowane kwiaty i drzewa, szkice nieznanej broni, maszyn i urządzeń. Wraz z analitycznie dokładnymi obrazami istnieją rysunki, które wyróżniają się niezwykłym rozmachem, epickim lub subtelnym liryzmem. Namiętny wielbiciel wiedzy eksperymentalnej, Leonardo dążył do jej krytycznej refleksji, do poszukiwania praw uogólniających. "Doświadczenie? jest jedynym źródłem wiedzy”? – powiedział artysta. „Księga malarstwa” ujawnia jego poglądy jako teoretyka sztuki realistycznej, dla którego malarstwo jest zarówno „nauką, jak i prawowitą córką natury”. Traktat zawiera wypowiedzi Leonarda na temat anatomii, perspektywy, szuka wzorców w budowie harmonijnej postaci ludzkiej, pisze o interakcji kolorów, o odruchach. Wśród zwolenników i uczniów Leonarda nie było jednak ani jednego, który podszedłby do nauczyciela pod względem talentu; pozbawieni samodzielnego spojrzenia na sztukę, tylko zewnętrznie przyswoili sobie jego artystyczną manierę.

Leonardo da Vinci

W historii ludzkości nie jest łatwo znaleźć osobę tak błyskotliwą, jak twórca sztuki wysokiego renesansu, Leonardo da Vinci (1452-1519). Kompleksowość działalności tego wielkiego artysty i naukowca stała się jasna dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów z jego spuścizny. Leonardowi poświęcona jest olbrzymia literatura, jego życie jest szczegółowo badane. Niemniej jednak wiele jego prac pozostaje tajemniczych i nadal ekscytuje umysły ludzi.

Leonardo da Vinci urodził się we wsi Anchiano niedaleko Vinci: niedaleko Florencji; był nieślubnym synem zamożnego notariusza i prostej wieśniaczki. Dostrzegając niezwykłe zdolności malarskie chłopca, jego ojciec oddał go do warsztatu Andrei Verrocchio. Na obrazie nauczyciela „Chrzest Chrystusa” postać uduchowionego anioła o blond włosach należy do pędzla młodego Leonarda.

Wśród jego wczesnych prac jest obraz „Madonna z kwiatem” (1472). W przeciwieństwie do mistrzów XY w. Leonardo odmówił narracji, użycia detali odwracających uwagę widza, nasyconych obrazami tła. Obraz odbierany jest jako prosta, bezartystyczna scena radosnego macierzyństwa młodej Maryi.

Leonardo dużo eksperymentował w poszukiwaniu różnych kompozycji farb, był jednym z pierwszych we Włoszech, który przerzucił się z tempery na malarstwo olejne. „Madonna z kwiatkiem” została wykonana w tej, wówczas jeszcze rzadkiej, technice.

Pracując we Florencji, Leonardo nie znalazł zastosowania dla swoich uprawnień ani jako naukowiec-inżynier, ani jako malarz: wyrafinowane wyrafinowanie kultury i sama atmosfera dworu Lorenza Medici pozostały mu głęboko obce.

Około 1482 roku Leonardo wszedł na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Mistrz polecał się jednocześnie przede wszystkim jako inżynier wojskowy, architekt, specjalista w dziedzinie hydrotechniki, a dopiero potem jako malarz i rzeźbiarz. Najbardziej owocny okazał się jednak pierwszy mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Mistrz stał się najsłynniejszym artystą we Włoszech, zajmował się architekturą i rzeźbą, zwrócił się do malarstwa freskowego i ołtarzowego.

Nie wszystkie wspaniałe plany, w tym projekty architektoniczne, udało się zrealizować Leonardo. Egzekucja konnego posągu Francesco Sforzy, ojca Lodovico Moro: trwała ponad dziesięć lat, ale nigdy nie została odlana z brązu.Gliniany model pomnika naturalnej wielkości, zainstalowany na jednym z dziedzińców książęcego zamku, został zniszczony przez wojska francuskie, które zdobyły Mediolan.

Jest to jedyne ważne dzieło rzeźbiarskie Leonarda da Vinci, które zostało wysoko ocenione przez współczesnych.

Do naszych czasów przetrwał malowniczy Leonardo z okresu mediolańskiego. Pierwszym ołtarzem renesansu była Madonna w grocie (1483-1494). Malarz odszedł od tradycji XY wieku: w których obrazach religijnych panowała uroczysta sztywność. W ołtarzu Leonarda jest niewiele postaci: niewiasta Maryja, Dzieciątko Chrystus błogosławiące małego Jana Chrzciciela i klęczący anioł, jakby spoglądający z obrazu. Obrazy są idealnie piękne, naturalnie związane z otoczeniem. To rodzaj groty wśród ciemnych skał bazaltowych ze światłem w głębi - krajobraz typowy dla Leonarda jako całości jest fantastycznie tajemniczy. Postacie i twarze spowite są przewiewną mgiełką, która nadaje im szczególnej miękkości. Włosi nazwali tę technikę Deonardo sfumato.

Najwyraźniej w Mediolanie mistrz stworzył obraz „Madonna z Dzieciątkiem” („Madonna Litta”). Tutaj, w przeciwieństwie do „Madonny z kwiatem”, dążył do większego uogólnienia ideału obrazu. Przedstawiona jest chwila nieokreślona, ale pewien długotrwały stan spokoju radości, w którym zanurzona jest młoda piękna kobieta.Chłodne, przejrzyste światło oświetla jej szczupłą, miękką twarz z na wpół spuszczonym spojrzeniem i lekkim, ledwie dostrzegalnym uśmiechem. Obraz namalowany temperą, nadając dźwięczności niebieskiemu płaszczowi i czerwonej sukience Maryi. Puszyste, ciemnozłote kręcone włosy Dzieciątka są niesamowicie napisane, jego uważne spojrzenie skierowane na widza nie jest dziecinnie poważne.

Kiedy Mediolan został zajęty przez wojska francuskie w 1499 roku, Leonardo opuścił miasto. Nastał czas jego wędrówek, przez pewien czas pracował we Florencji. Tam dzieło Leonarda zdawało się rozświetlać jasnym błyskiem: namalował portret Mony Lisy, żony zamożnego florenckiego Francesco di Giocondo (ok. 1503), znany jako Gioconda i stał się jednym z najwspanialszych słynne dzieła malarstwa światowego.

Niewielki portret młodej kobiety spowitej zwiewną mgiełką, siedzącej na tle niebiesko-zielonego pejzażu, jest pełen tak żywego i czułego drżenia, że według Vasariego widać puls bijący w pogłębianiu się Mony Lizy. szyja. Wydawałoby się, że obraz jest łatwy do zrozumienia. Tymczasem w obszernej literaturze poświęconej Mona Lizie zderzają się najbardziej przeciwstawne interpretacje obrazu stworzonego przez Leonarda.

W historii sztuki światowej są dzieła obdarzone dziwną, tajemniczą i magiczną mocą. Trudno to wyjaśnić, nie da się opisać. Wśród nich jedno z pierwszych miejsc zajmuje wizerunek Mony Lisy. Najwyraźniej była osobą wybitną, silną wolą, inteligentną i pełną naturą. Leonardo zainwestował w jej niesamowite spojrzenie, skierowane w stronę widza, w jej słynny, jakby szybujący, tajemniczy uśmiech, pod opieką takiej siły intelektualnej i duchowej, naznaczony zmienną zmiennością wyrazu twarzy: co wzniosło jej wizerunek na nieosiągalną wysokość .

W ostatnich latach życia Leonardo da Vinci pracował niewiele: jako artysta. Otrzymawszy zaproszenie od francuskiego króla Franciszka 1, w 1517 r. wyjechał do Francji i został malarzem dworskim. Wkrótce zmarł Leonardo. Na autoportrecie - rysunku (1510-1515) siwobrody patriarcha o głębokim, żałobnym spojrzeniu wyglądał znacznie starzej niż na swój wiek.

Skalę i wyjątkowość talentu Leonarda można ocenić po jego rysunkach, które w historii sztuki zajmują jedno z honorowych miejsc. Z rysunkami Leonarda da Vinci, szkicami, szkicami, diagramami nierozerwalnie łączą się nie tylko rękopisy poświęcone naukom ścisłym, ale także prace z zakresu teorii sztuki. Dużo miejsca poświęca się problematyce światłocienia, modelowania wolumetrycznego, perspektywy liniowej i lotniczej. Leonardo da Vinci jest właścicielem licznych odkryć, projektów i badań eksperymentalnych w matematyce, mechanice i innych naukach przyrodniczych.

Sztuka Leonarda da Vinci, jego badania naukowe i teoretyczne, wyjątkowość jego osobowości przeszły przez całą historię światowej kultury i nauki i wywarły ogromny wpływ.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - wielki włoski artysta i naukowiec,
jasny przedstawiciel typu „uniwersalnego człowieka”

Leonardo da Vinci (1452-1519), włoski malarz, rzeźbiarz, architekt, naukowiec i inżynier. Założyciel kultury artystycznej wysokiego renesansu Leonardo da Vinci rozwijał się jako mistrz, studiując u Andrei del Verrocchio we Florencji. Metody pracy w warsztacie Verrocchio, gdzie praktykę artystyczną łączono z eksperymentami technicznymi, a także przyjaźń z astronomem P. Toscanellim, przyczyniły się do powstania zainteresowań naukowych młodego da Vinci. W swoich wczesnych pracach (głowa anioła na chrzcie Werrokia, po 1470, Zwiastowanie, ok. 1474, obie w Uffizi; tzw. Madonna Benois, ok. 1478, Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu) artysta: rozwijając tradycje sztuki wczesnego renesansu, podkreślał płynną objętość form miękkim światłocieniem, czasem ożywiał twarze z ledwo wyczuwalnym uśmiechem, osiągając za jego pomocą przekazywanie subtelnych stanów umysłu.

Zapisując wyniki niezliczonych obserwacji w szkicach, szkicach i badaniach terenowych wykonywanych różnymi technikami (ołówki włoskie i srebrne, sangwina, pióro itp.), Leonardo da Vinci osiągał, uciekając się niekiedy do niemal karykaturalnej groteski, ostrość w przenoszeniu twarzy. ekspresje, rysy fizyczne i ruchy ludzkiego ciała młodych kobiet i mężczyzn doprowadzone do doskonałej harmonii z duchową atmosferą kompozycji.

W 1481 lub 1482 roku Leonardo da Vinci wstąpił na służbę władcy Mediolanu Lodovico Moro, pełniąc funkcję inżyniera wojskowego, inżyniera hydraulicznego i organizatora świąt sądowych. Przez ponad 10 lat pracował nad pomnikiem konnym Francesco Sforzy, ojca Lodovico Moro (gliniany model pomnika naturalnej wielkości został zniszczony, gdy Mediolan został zajęty przez Francuzów w 1500 roku).

W okresie mediolańskim Leonardo da Vinci stworzył „Madonnę w skałach” (1483-1494, Luwr, Paryż; druga wersja - ok. 1497-1511, National Gallery, Londyn), w której postacie przedstawione są w otoczeniu dziwacznej skały pejzaż, a najdoskonalszy światłocień pełni rolę duchowego początku, podkreślając ciepło międzyludzkich relacji. W refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie ukończył malowidło ścienne „Ostatnia wieczerza” (1495-1497; ze względu na specyfikę techniki zastosowanej podczas pracy Leonarda da Vinci na fresku - olej z temperą - zachowany w bardzo zniszczonym stanie, odrestaurowany w XX w.), co stanowi jeden ze szczytów malarstwa europejskiego; jego wysoka zawartość etyczna i duchowa wyraża się w matematycznej regularności kompozycji, logicznie kontynuującej realną przestrzeń architektoniczną, w klarownym, ściśle opracowanym systemie gestów i mimiki postaci, w harmonijnej równowadze form.

Zajmując się architekturą, Leonardo da Vinci opracował różne wersje „idealnego” miasta oraz projekty świątyni z centralną kopułą, która miała ogromny wpływ na współczesną architekturę Włoch. Po upadku Mediolanu życie Leonarda da Vinci minęło w nieustannym ruchu (1500-1502, 1503-1506, 1507 - Florencja; 1500 - Mantua i Wenecja; 1506, 1507-1513 - Mediolan; 1513-1516 - Rzym; 1517 -1519 - Francja). W rodzinnej Florencji pracował nad obrazem Wielkiej Sali Rady w Palazzo Vecchio „Bitwa pod Anghiari” (1503-1506, nieukończona, znana z kopii z tektury), stojącej u początków europejskiego gatunku bitewnego nowoczesne czasy. W portrecie „Mona Lisa” lub „La Gioconda” (ok. 1503-1505, Luwr, Paryż) ucieleśniał wzniosły ideał wiecznej kobiecości i ludzkiego wdzięku; ważnym elementem kompozycji był kosmicznie rozległy krajobraz, rozpływający się w zimnej, niebieskiej mgiełce.

Do późnych dzieł Leonarda da Vinci należą projekty pomnika marszałka Trivulzio (1508-1512), ołtarza „Św. Anna i Maryja z Dzieciątkiem” (ok. 1507-1510, Luwr, Paryż), uzupełniające poszukiwania mistrza w zakresie perspektywy świetlnej i harmonijnych piramidalnych kompozycji konstrukcyjnych oraz „Jan Chrzciciel” (ok. 1513-1517, Luwr),

gdzie nieco cukierkowa niejednoznaczność obrazu świadczy o narastających w twórczości artysty momentach kryzysu. W serii rysunków przedstawiających katastrofę powszechną (tzw. cykl z „Potopem”, włoski ołówek, długopis, ok. 1514-1516, Biblioteka Królewska, Windsor) refleksje nad znikomością człowieka wobec potęgi elementy są połączone z racjonalistycznymi wyobrażeniami o cykliczności procesów naturalnych.

Jeśli w młodości zwracał uwagę przede wszystkim na malarstwo, to z czasem stosunek ten zmienił się na korzyść nauki. Trudno znaleźć takie obszary wiedzy i techniki, które nie zostałyby wzbogacone jego wielkimi odkryciami i odważnymi pomysłami. Nic nie daje tak żywego wyobrażenia o niezwykłej wszechstronności geniuszu Leonarda da Vinci, jak tysiące stron jego rękopisów. Zawarte w nich zapiski, w połączeniu z niezliczonymi rysunkami, które nadają myślom Leonarda da Vinci plastyczną materializację, obejmują całość bytu, wszystkie dziedziny wiedzy, będąc niejako najjaśniejszym dowodem odkrycia świata, jaki przyniósł ze sobą renesans . W tych rezultatach jego niestrudzonej pracy duchowej wyraźnie wyczuwalna jest różnorodność samego życia, w świadomości której artystyczne i racjonalne zasady pojawiają się u Leonarda da Vinci w nierozerwalnej jedności.

Jako naukowiec i inżynier wzbogacił niemal wszystkie dziedziny nauki tamtych czasów. Leonardo da Vinci, wybitny przedstawiciel nowej nauki przyrodniczej opartej na eksperymencie, zwracał szczególną uwagę na mechanikę, widząc w niej główny klucz do tajemnic wszechświata; jego błyskotliwe domysły konstruktywne znacznie wyprzedzały jego współczesną epokę (projekty walcowni, maszyn, łodzi podwodnych, samolotów). Zebrane przez niego obserwacje na temat wpływu mediów przezroczystych i półprzezroczystych na kolorystykę przedmiotów doprowadziły do ustalenia naukowo ugruntowanych zasad perspektywy powietrznej w sztuce Wysokiego Renesansu. Badając urządzenie oka, Leonardo da Vinci dokonał właściwych przypuszczeń na temat natury widzenia obuocznego. W rysunkach anatomicznych położył podwaliny pod nowoczesną ilustrację naukową, a także studiował botanikę i biologię.

A jako przeciwieństwo tej pełnej najwyższego napięcia działalności twórczej, losy życiowe Leonarda, jego niekończące się tułaczki, związane z niemożnością znalezienia sprzyjających warunków do pracy w ówczesnych Włoszech. Dlatego, gdy francuski król Franciszek I zaproponował mu stanowisko nadwornego malarza, Leonardo da Vinci przyjął zaproszenie i przybył do Francji w 1517 roku. We Francji w tym okresie, szczególnie aktywnie włączając się w kulturę włoskiego renesansu, Leonardo da Vinci otaczany był na dworze powszechną czcią, która miała jednak raczej charakter zewnętrzny. Siły artysty kończyły się, a dwa lata później, 2 maja 1519 roku, zmarł na zamku Cloux (niedaleko Amboise, Touraine) we Francji.

Autoportret Leonarda da Vinci. Po 1515 r.

Dzieło Leonarda da Vinci.

Biografia Leonarda da Vinci

(pełne imię i nazwisko: Leonardo di ser Piero da Vinci Leonardo di ser Piero da Vinci, urodzony 15 kwietnia 1452 we wsi Anchiano k. miasta Vinci k. Florencji - zmarł 2 maja 1519 w zamku Clos-Lucet k. Amboise, Touraine, Francja - wielki włoski artysta (malarz) , architekt, rzeźbiarz) i naukowiec (przyrodnik, anatom), wynalazca, pisarz.

Leonardo da Vinci jest jednym z największych przedstawicieli sztuki wysokiego renesansu, jego natura jest żywym przykładem „ uniwersalny człowiek” (po łacinie: homo universalis), co jest ideałem włoskiego renesansu. Tak więc, ukazując sobie ideał: homo universalis renesansu, da Vinci był rozumiany w późniejszej tradycji jako osoba, która najdobitniej reprezentowała zakres poszukiwań twórczych tej epoki.

Rodzice Leonarda da Vinci. Dzieciństwo

Leonardo da Vinci był synem bogatego notariusza. ”. Rodzicami Leonarda byli 25-letni notariusz Piero i jego ukochana, wieśniaczka Katerina. Nazwisko Leonardo nie miało we współczesnym znaczeniu; „da Vinci” oznacza tylko „(pierwotnie) z miasta Vinci”. Jego pełne imię i nazwisko jest po włosku: Leonardo di ser Piero da Vinci, co oznacza: „Leonardo, syn pana Piero z Vinci”. Leonardo da Vinci pierwsze lata życia spędził razem z matką.Jego ojciec wkrótce poślubił szlachetną, bogatą dziewczynę, ale małżeństwo to okazało się bezdzietne, a Piero zabrał na wychowanie swojego trzyletniego syna.Podobno Leonardo da Vinci, oddzielony od matki, przez całe życie próbował odtworzyć swój wizerunek na swoich obrazach. Leonardov mieszkał tym razem ze swoim dziadkiem. We Włoszech ówczesnych nieślubnych dzieci traktowano prawie jak prawowitych spadkobierców. Kiedy Leonardo miał 13 lat, jego macocha zmarła przy porodzie.Ojciec ożenił się ponownie - ale wkrótce znów został wdowcem.Piero żył 67 lat, był czterokrotnie żonaty, miał 12 dzieci.Ojciec próbował wprowadzić Leonarda do rodzinnego zawodu, ale bezskutecznie: syn nie wykazywał zainteresowania w prawach społeczeństwa.

Nauczanie Leonarda da Vinci

Leonardo od najmłodszych lat wykazywał niezwykłe zdolności artystyczne, więc Sir Piero nie mógł tego pominąć, decydując o losie swojego syna. Wkrótce ojciec wysłał osiemnastoletniego chłopca na studia do jednego z najbardziej zaawansowanych i udanych warsztatów malarskich. Leonardo da Vinci był mentorem słynnego artysty Andrea del Verrocchio. Na szczęście Verrocchio nie głosił średniowiecznych poglądów na sztukę, ale podążał za duchem czasu. Był zainteresowany próbkami sztuki starożytnej, która pozostała niedościgniona, i starał się ożywić tradycje Grecji i Rzymu. Jednocześnie w jego pracowni szeroko wykorzystywano współczesne osiągnięcia naukowo-techniczne, dzięki czemu obraz stawał się coraz bardziej realistyczny. Metody pracy w warsztacie Verrocchio, gdzie praktykę artystyczną łączono z eksperymentami technicznymi, a także przyjaźń z astronomem P. Toscanellim, przyczyniły się do powstania zainteresowań naukowych młodego da Vinci.

Schematyczne i płaskie obrazy średniowiecza ustąpiły miejsca chęci naśladowania natury we wszystkim. Aby to zrobić, konieczne było opanowanie technik perspektywy powietrznej i liniowej, zrozumienie natury światła i cienia, co oznacza, że nie można obejść się bez znajomości matematyki, geometrii, rysunku, fizyki, optyki i chemii. Leonardo uczył się u Verrocchio podstaw nauk ścisłych, jednocześnie opanowując techniczne techniki rysunku, rzeźbienia i modelowania, nabywając umiejętności pracy z metalem, gipsem i skórą. Jego talent ujawnił się tak jasno, że wkrótce młody talent wyprzedził doświadczonego mistrza pod względem jakości i mistrzostwa malarstwa.

W 1472 roku dwudziestoletni Leonardo został członkiem florenckiej gildii artystów.

Pierwszy okres florencki

Pierwszy okres florencki (ok. 1470-1480) zajmuje ważne miejsce w kształtowaniu twórczego wizerunku młodego artysty. Prawdopodobnie Leonardo da Vinci miał własny warsztat we Florencji w latach 1476-1481.

W pracach pierwszego okresu florenckiego kształtują się cechy nowego stylu artystycznego, naznaczone pragnieniem uogólnienia, lakonizmu, skupienia się na wizerunku osoby, nowego stopnia kompletności obrazów; ważną rolę zaczyna pełnić światłocień, który miękko modeluje formy i łączy je z otoczeniem przestrzennym. W obrazie „Madonna z kwiatem” Leonardo da Vinci odrzuca detale charakterystyczne dla jego współczesnych, skupiając całą swoją uwagę na Maryi Dziewicy i Dzieciątku, łącząc w tym przedstawionym momencie naturalną manifestację uczuć i uroczystą powagę. Rysunki przygotowawcze pozwalają prześledzić poszukiwania najbardziej harmonijnej i zwartej formuły kompozycyjnej, gdy postacie zdają się wpasowywać w jakiś niewidzialny łuk, powtarzający kontury obrazu.

Jeszcze bardziej zdecydowane odejście od tradycji wczesnego renesansu ukazuje niedokończona Adoracja Trzech Króli (1481-1482, Florencja, Galeria Uffizi), pozostająca jedynie na etapie złocistobrązowego podobrazia, zbudowanego na kontraście dramatycznego podniecenia, penetrując tłum połączony ze sobą przez wielkie masy światła i cieni, dziwny krajobraz z ruinami, zaciekle walczący jeźdźcy i pełną czci ciszę, która jednoczy Madonnę i Mędrców.

Pierwsze doświadczenie Leonarda w dziedzinie portretu należy do okresu florenckiego. Niewielki Portret Ginevry Benci (ok. 1474-1476, Waszyngton, Galeria Narodowa) wyróżnia się na tle ówczesnych portretów pragnieniem artysty stworzenia na płótnie poczucia bogactwa życia duchowego, czemu sprzyja subtelna gra światła i cienia. Blada twarz przedstawionej młodej kobiety lśni na tle pejzażu spowitego wieczornym zmierzchem ciemnym krzakiem jałowca i refleksami światła na tafli stawu, uprzedzając późniejsze prace artystki z niedopowiedzeniem tego wyrazu.

Okres mediolański

W 1481 lub 1482 roku Leonardo wstąpił na służbę władcy Mediolanu Lodovico Moro, pełniąc funkcję inżyniera wojskowego, inżyniera hydraulika i organizatora świąt sądowych. Przez ponad 10 lat pracował nad pomnikiem konnym Francesco Sforzy, ojca Lodovico Moro (gliniany model pomnika naturalnej wielkości został zniszczony, gdy Mediolan został zajęty przez Francuzów w 1500 roku).

Okres mediolański (1482-1499) to czas najbardziej intensywnej i wszechstronnej działalności Leonarda da Vinci. Nadworny inżynier księcia Lodovico Moro nadzorował prace budowlane i układanie kanałów, projektował instalacje wojskowe, urządzenia oblężnicze, opracowywał projekty ulepszania broni.Większość rękopisów naukowych Leonarda i jego notatek dotyczących problemów malarskich należy do Mediolanu okresu, następnie usystematyzowana i wydana przez jego ucznia Melziego pod tytułem Księga malarstwa.

Nieliczne obrazy Leonarda da Vinci z okresu mediolańskiego należą do jego najważniejszych dzieł. Ołtarz Madonna w grocie (ok. 1483, Paryż, Luwr) jest niezwykły pod względem motywu wybranego przez artystę - cichej samotności Madonny z Dzieciątkiem, Jana Chrzciciela, młodego bezskrzydłego anioła o zmierzchu grota z fantastyczną stertą ostrych kamieni. Ich postacie wpisane są w klasyczną piramidę dla rozwiązań kompozycyjnych renesansu, co nadaje kompozycji wyraźną czytelność, opanowanie, równowagę; jednocześnie spojrzenia, gesty, odwrócenia głowy, wskazujący palec anioła, który zwrócił na nas wzrok, tworzą wewnętrzny ruch, cykl rytmów, który angażuje widza, zmuszając go do ciągłego zwracania się do każdej postaci, przesiąknięty atmosferą pełnej czci duchowej koncentracji. Dużą rolę w obrazie odgrywa przytłumione, rozproszone światło, wnikające przez szczeliny w mrok groty, dające początek zadymionemu światłocieniu – „sfumato”, w terminologii Leonarda – nazywanemu przez niego „twórcą mimiki”. Zmiękczając, rozmywając kontury i odciążając formy, sfumato wywołuje uczucie czułości i ciepła nagich dziecięcych ciał, nadaje pięknym twarzom Madonny i anioła subtelnej duchowości. Leonardo stara się oddać ten nieuchwytny ruch uczuć zarówno w Litta Madonna (ok. 1490-1491, Sankt Petersburg, Państwowy Ermitaż), jak i w Damie z gronostajem (ok. 1483, Kraków, Galeria Czartoryskich).

Ostatnia Wieczerza

Centralne miejsce wśród dzieł okresu mediolańskiego Leonarda zajmuje monumentalny obraz Ostatnia Wieczerza (1495-1497, Mediolan, klasztor Santa Maria delle Grazie). Odrzucając tradycyjną technikę fresku, która wymagała szybkości wykonania i prawie nie pozwalała na edycję, Leonardo da Vinci preferował złożoną technikę mieszaną, która powstała już w XVI wieku. zrzucanie malarstwa. Uwolniony dziś od licznych zapisów konserwatorskich, zachował ślady zniszczenia po licznych ubytkach farby oraz wielkość intencji artysty. To pierwsze dzieło Leonarda, w którym osiągnął tę miarę artystycznego uogólnienia, wielkości i duchowej siły obrazów, charakterystycznych dla sztuki wysokiego renesansu. Bazując na interpretacji kompozycyjno-fabularnej odnalezionej przez Castagno (symetria kompozycji rozmieszczona równolegle do płaszczyzny obrazu, reakcja apostołów na słowa „jeden z was mnie zdradzi”), Leonardo znalazł rozwiązanie, które wykluczyło tradycyjny rytuał powagi i opierała się na dramatycznym kontraście spokojnego oderwania się Chrystusa od wybuchu uczuć, jakby falami odchodzącymi od niego, chwytającymi zszokowanych apostołów.

Mona Lisa (La Gioconda)

W portrecie „Monna Lisa” lub „La Gioconda” (ok. 1503, Luwr, Paryż) ucieleśniał wzniosły ideał wiecznej kobiecości i ludzkiego wdzięku; ważnym elementem kompozycji był kosmicznie rozległy krajobraz, rozpływający się w zimnej, niebieskiej mgiełce.

Drugi okres florencki i późniejsza praca

W 1499 Leonardo opuścił Mediolan. W wyniku toczących się wojen miasto zostało zdobyte przez Francuzów pod wodzą Ludwika XII, a książę Sforza, utraciwszy władzę, uciekł za granicę. Zaczęły się przenosić z miejsca na miejsce i do 1503 roku Leonardo długo nigdzie nie przebywał. A teraz, w wieku pięćdziesięciu lat, znów czekała na niego Florencja - miasto, w którym kiedyś zaczynał jako prosty uczeń, a teraz, u szczytu swojej twórczej ścieżki, pracował nad stworzeniem genialnego płótna „Mona Lisa”. Kilka lat później Leonardo powrócił do Mediolanu jako nadworny malarz Ludwika XII, który w tym czasie przejął kontrolę nad całą włoską północą.

Przez jakiś czas życie Leonarda toczyło się między Mediolanem a Florencją, aż w 1513 przeniósł się do Rzymu pod patronatem Giuliano Medici, brata papieża Leona X. Przez kolejne trzy lata artysta zajmował się głównie nauką, eksperymentami technicznymi i zamówieniami do rozwoju inżynieryjnego.

Włoski geniusz resztę życia spędził we Francji, gdzie został zaproszony przez Franciszka I, który zastąpił na tronie Ludwika XII. Życie w królewskiej rezydencji, zamku Lmboise, otoczone było najwyższym honorem maestro od monarchy. Pomimo tego, że wiekowa prawa ręka Leonarda zdrętwiała, a jego zdrowie się pogarszało, kontynuował szkicowanie i naukę z uczniami, którzy zastąpili go rodziną, której mistrz nigdy nie stworzył za jego życia.

Wkład w kulturę światową Leonarda da Vinci

Wkład Leonarda da Vinci w światową kulturę artystyczną jest niezwykle ważny nawet na tle kohorty geniuszy, jaką dał włoski renesans. Dzięki jego pracom sztuka malarstwa przeszła na jakościowo nowy etap rozwoju. Artyści renesansowi, którzy poprzedzili Leonarda, zdecydowanie porzucili wiele konwencji sztuki średniowiecznej. Był to ruch w kierunku realizmu i wiele już osiągnięto w badaniu perspektywy, anatomii, większej swobody w decyzjach kompozycyjnych. Ale jeśli chodzi o malowniczość, pracę z farbą, artyści byli nadal dość konwencjonalni i ograniczeni. Linia na zdjęciu wyraźnie zarysowała temat, a obraz wyglądał jak namalowany rysunek. Najbardziej warunkowy był krajobraz, który odgrywał drugorzędną rolę. Leonardo zrealizował i ucieleśnił nową technikę malarską. Jego linia ma prawo się zamazywać, bo tak to widzimy. Zdał sobie sprawę ze zjawiska rozpraszania się światła w powietrzu i pojawiania się sfumato – mgiełki między widzem a przedstawianym przedmiotem, która łagodzi kontrasty i linie kolorystyczne. W rezultacie realizm w malarstwie przeniósł się na jakościowo nowy poziom.

Najsłynniejsze obrazy Leonarda da Vinci to: „Mona Lisa (La Gioconda)”. 1503, „Zwiastowanie” . 1497, „Portret Ginevry de Benci”. 1474., „Dama z gronostajem. Portret Cecylii Gallerani. 1490, Leda z łabędziem. 1515., "Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Chrystusowym". 1510., Madonna Benois. 1478., "Madonna Dreyfus". 1470-1475, „Jan Chrzciciel”. 1515-1516., „Ostatnia Wieczerza”. 1495-1498., "Madonna Lita". 1480, „Portret muzyka”, „Madonna z wrzecionem”. 1501, Madonna w grocie, Chrzest Chrystusa. 1472.

Najważniejszym źródłem do badania poglądów Leonarda da Vinci są jego zeszyty i rękopisy (około 7 tysięcy arkuszy), których fragmenty zostały zawarte w „Traktacie o malarstwie”, opracowanym po śmierci mistrza przez jego ucznia F. Melzi i które wywarły ogromny wpływ na europejską myśl teoretyczną i praktykę artystyczną. W sporze między sztukami Leonardo da Vinci ustąpił miejsca malarstwu, rozumiejąc je jako uniwersalny język zdolny do ucieleśnienia wszystkich różnorodnych przejawów racjonalnej zasady w przyrodzie. Jako naukowiec i inżynier wzbogacił niemal wszystkie dziedziny nauki tamtych czasów. Leonardo da Vinci, wybitny przedstawiciel nowej przyrodoznawstwa opartego na eksperymencie, zwracał szczególną uwagę na mechanikę, widząc w niej główny klucz do tajemnic wszechświata; jego błyskotliwe domysły konstruktywne znacznie wyprzedzały jego współczesną epokę (projekty walcowni, maszyn, łodzi podwodnych, samolotów). Zebrane przez niego obserwacje na temat wpływu mediów przezroczystych i półprzezroczystych na kolorystykę przedmiotów doprowadziły do ustalenia naukowo ugruntowanych zasad perspektywy powietrznej w sztuce Wysokiego Renesansu. Badając strukturę oka, Leonardo da Vinci dokonał właściwych przypuszczeń na temat natury widzenia obuocznego. W rysunkach anatomicznych położył podwaliny pod nowoczesną ilustrację naukową, a także studiował botanikę i biologię. Niestrudzony eksperymentator i genialny artysta Leonardo da Vinci stał się powszechnie rozpoznawanym symbolem renesansu.

Mona Lisa (La Gioconda). 1503.

Mona Lisa (La Gioconda)” .

" Mona Lisa (La Gioconda)” .

"Zwiastowanie". 1497

Fragment obrazu Leonarda da Vinci „Zwiastowanie”, 1497

Fragment płótna „Zwiastowanie”, 1497

Portret Ginevry de Benci. 1474.

Portret Ginevry de Benci.

Dama z gronostajem. Portret Cecylii Gallerani. 1490

Lód z łabędziem. 1515.

Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus. 1510.

Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus".

Leonardo da Vinci. Madonna Benois. 1478

Madonna Dreyfus. 1470-1475

Madonna Dreyfus".

Madonna Dreyfus.

Jan Chrzciciel. 1515-1516

Fresk „Ostatnia Wieczerza” na ścianie refektarza mediolańskiego klasztoru Santa Maria delle Grazie

Ostatnia Wieczerza. 1495-1498.

Fragment fresku Leonarda da Vinci „Ostatnia Wieczerza”

Fragment obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia Wieczerza”

"Ostatnia Wieczerza". 1495-1498.

"Ostatnia Wieczerza",

Madonna Litta. 1480

Madonna z wrzecionem. 1501

Madonna z wrzecionem".

Madonna w grocie

Szkic „Bitwa pod Angyari”

Rysunek „Bitwa pod Angyari”

Adoracja Trzech Króli.

Rysunek mężczyzny

Głowa dziewczyny. 1483

Rysunki Leonarda da Vinci

Mechanizmy Leonarda da Vinci

Święty Hieronim. 1480 - 1482

Chrzest Chrystusa. 1472.

Fragment obrazu „Chrzest Chrystusa”. Leonardo da Vinci

Alegoria.

Leda. 1503-1507.

Szkice anatomiczne ludzkiego obręczy barkowej

Św. Anna z Maryją Dzieciątkiem i Janem Chrzcicielem

Portret Lukrecji Crivelli. 1490-1495

człowiek witruwiański

Olbrzymia Kusza

Szkic męskiej głowy do obrazu „Ostatnia Wieczerza”

Szkic draperia dla siedzącej postaci

Najnowsze artykuły w tej sekcji:

↓↓ Spójrz na poniższe podobieństwo tematyczne (powiązane treści) ↓↓

Pewne nurty w sztuce wysokiego renesansu były antycypowane w twórczości wybitnych artystów XV wieku i wyrażały się w pragnieniu majestatu, monumentalizacji i uogólniania obrazu. Jednak prawdziwym założycielem stylu wysokiego renesansu był Leonardo da Vinci, geniusz, którego twórczość oznaczała imponującą jakościową zmianę w sztuce. Znaczenie jego wszechstronnej działalności naukowej i artystycznej stało się jasne dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów Leonarda. Jego notatki i rysunki zawierają błyskotliwe wglądy w różne dziedziny nauki i technologii. Był, mówiąc słowami Engelsa, „nie tylko wielkim malarzem, ale także wielkim matematykiem, mechanikiem i inżynierem, któremu najróżniejsze gałęzie fizyki zawdzięczają ważne odkrycia”.

Sztuka dla włoskiego artysty była sposobem na zrozumienie świata. Wiele jego szkiców służy jako ilustracja pracy naukowej, a jednocześnie są dziełami sztuki wysokiej. Leonardo ucieleśniał nowy typ artysty - naukowca, myśliciela, uderzającego w szerokość poglądów, wszechstronność talentu. Leonardo urodził się we wsi Anchiano, niedaleko miasta Vinci. Był nieślubnym synem notariusza i prostej wieśniaczki. Studiował we Florencji, w pracowni rzeźbiarza i malarza Andrei Verrocchio. Jedno z wczesnych dzieł młodego artysty - postać anioła w obrazie Verrocchio "Chrzest" (Florencja, Uffizi) - wyróżnia się wśród zastygłych postaci subtelną duchowością i świadczy o dojrzałości swego twórcy.

Wśród wczesnych dzieł Leonarda znajduje się Madonna z kwiatem przechowywana w Ermitażu (tzw. Madonna Benois, około 1478), która zdecydowanie różni się od licznych Madonn z XV wieku. Odrzucając gatunek i drobiazgowe detale tkwiące w dziełach mistrzów wczesnego renesansu, Leonardo pogłębia cechy i uogólnia formy. Postacie młodej mamy i dziecka, misternie modelowane bocznym światłem, wypełniają niemal całą przestrzeń obrazu. Naturalne i plastyczne są ruchy postaci, organicznie ze sobą połączone. Wyraźnie wyróżniają się na ciemnym tle ściany. Czyste błękitne niebo otwierające się przez okno łączy postacie z naturą, z ogromnym światem zdominowanym przez człowieka. W zrównoważonej konstrukcji kompozycji wyczuwalny jest wewnętrzny wzór. Ale to nie wyklucza ciepła, naiwnego uroku, obserwowanego w życiu.

Madonna z Dzieciątkiem i Janem
Baptysta, ok. 1490, kolekcja prywatna

Zbawiciel świata
ok. 1500, kolekcja prywatna

W 1480 Leonardo miał już własny warsztat i otrzymywał zamówienia. Jednak jego pasja do nauki często odciągała go od sztuki. Niedokończona pozostała kompozycja wielkiego ołtarza „Adoracja Trzech Króli” (Florencja, Uffizi) i „Święty Hieronim” (Rzym, Watykan Pinakoteka). W pierwszym artysta dążył do przekształcenia złożonej, monumentalnej kompozycji obrazu ołtarzowego w łatwo widoczną grupę w kształcie piramidy, oddającą głębię ludzkich uczuć. W drugim - do wiernego obrazu złożonych kątów ludzkiego ciała, przestrzeni krajobrazu. Nie znajdując właściwej oceny swojego talentu na dworze Lorenza Medici z jego kultem wyrafinowanego wyrafinowania, Leonardo wstąpił na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Najbardziej owocny okazał się mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Tutaj z pełną mocą ujawniła się wszechstronność jego talentu jako naukowca, wynalazcy i artysty.

Karierę rozpoczął od wykonania pomnika rzeźbiarskiego – pomnika konnego ojca księcia Lodovico Moro Francesco Sforzy. Wielki model pomnika, który był jednogłośnie chwalony przez współczesnych, zginął podczas zdobywania Mediolanu przez Francuzów w 1499 roku. Zachowały się jedynie rysunki - szkice różnych wersji pomnika, obrazy stadniny, pełne dynamiki konia, potem uroczyście sterczącego konia, przypominające rozwiązania kompozycyjne Donatella i Verrocchia. Najwyraźniej ta ostatnia opcja została przełożona na model posągu. Przekroczył on znacznie rozmiary pomników Gattamelaty i Colleoniego, co dało współczesnym i samemu Leonardowi powód do nazywania pomnika „wielkim kolosem”. Ta praca pozwala nam uznać Leonarda za jednego z największych rzeźbiarzy tamtych czasów.

Nie zdarzył się nam ani jeden zrealizowany projekt architektoniczny Leonarda. A jednak jego rysunki i projekty budynków, pomysły na stworzenie idealnego miasta mówią o jego darze jako wybitnego architekta. Okres mediolański obejmuje obrazy w stylu dojrzałym – „Madonna w grocie” i „Ostatnia wieczerza”. „Madonna in the Grotto” (1483-1494, Paryż, Luwr) – pierwszy monumentalny ołtarz renesansu. Jej bohaterowie Maryja, Jan, Chrystus i anioł nabyli cech wielkości, poetyckiej duchowości i pełni wyrazistości życia. Zjednoczeni nastrojem zadumy i działania – Dzieciątko Chrystus błogosławi Jana – w harmonijną piramidalną grupę, niczym światłocienie przesłonięte lekką mgiełką, bohaterowie ewangelicznej legendy wydają się być ucieleśnieniem idealnych obrazów spokojnego szczęścia.

(przypisanie Carlo Pedretti), 1505,
Muzeum Starożytnego Ludu Lucanii,
Vallio Basilicata, Włochy

Najważniejszy z monumentalnych obrazów Leonarda, Ostatnia Wieczerza, wykonany w latach 1495-1497 dla klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, przenosi w świat prawdziwych namiętności i dramatycznych uczuć. Odchodząc od tradycyjnej interpretacji epizodu ewangelicznego, Leonardo proponuje nowatorskie rozwiązanie tematu, kompozycję, która głęboko ujawnia ludzkie uczucia i doświadczenia. Minimalizując obraz ustawienia refektarza, świadomie zmniejszając wielkość stołu i wysuwając go na pierwszy plan, skupia się na dramatycznej kulminacji wydarzenia, na kontrastowych cechach ludzi o różnych temperamentach, manifestacji złożonej gamy uczuć , wyrażony zarówno w mimice, jak i w gestach, którymi apostołowie odpowiadają na słowa Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Zdecydowany kontrast z apostołami stanowią wizerunki z pozoru spokojnego, ale smutno zamyślonego Chrystusa, który znajduje się w centrum kompozycji, oraz zdrajcy Judasza opartego o krawędź stołu, którego szorstki, drapieżny profil pogrążony jest w cieniu. Zmieszanie, podkreślone gestem ręki ściskającej konwulsyjnie portfel i ponury wygląd odróżniają go od innych apostołów, na których oświetlonych twarzach można odczytać wyraz zdziwienia, współczucia, oburzenia. Leonardo nie oddziela postaci Judasza od innych apostołów, jak to czynili mistrzowie wczesnego renesansu. Jednak odrażające pojawienie się Judasza ujawnia ideę zdrady ostrzej i głębiej. Wszystkich dwunastu uczniów Chrystusa znajduje się w grupach po trzy osoby po obu stronach nauczyciela. Niektórzy z nich podrywają się z podekscytowania ze swoich miejsc, zwracając się do Chrystusa. Artysta podporządkowuje różne wewnętrzne ruchy apostołów ścisłemu porządkowi. Kompozycja fresku zachwyca jednością, integralnością, jest ściśle wyważona, centryczna w konstrukcji. Monumentalizacja obrazów, skala obrazu przyczyniają się do wrażenia głębokiego znaczenia obrazu, podporządkowując całą dużą przestrzeń refektarza. Leonardo w pomysłowy sposób rozwiązuje problem syntezy malarstwa i architektury. Ustawiając stół równolegle do ściany ozdobionej freskiem, potwierdza jego płaszczyznę. Przedstawione na fresku zmniejszenie perspektywiczne ścian bocznych niejako kontynuuje rzeczywistą przestrzeń refektarza.

Fresk jest poważnie uszkodzony. Eksperymenty Leonarda z nowymi materiałami nie wytrzymały próby czasu, późniejsze nagrania i renowacje prawie ukryły oryginał, który został oczyszczony dopiero w 1954 roku. Ale zachowane ryciny i rysunki przygotowawcze pozwalają uzupełnić wszystkie szczegóły kompozycji.

W ostatnich latach życia Leonardo większość czasu poświęcał badaniom naukowym. Zmarł we Francji, dokąd przybył na zaproszenie króla Francji Franciszka I i gdzie mieszkał zaledwie dwa lata. Jego sztuka, badania naukowe i teoretyczne, sama jego osobowość miały ogromny wpływ na rozwój kultury światowej. Jego rękopisy zawierają niezliczone notatki i rysunki świadczące o uniwersalności geniuszu Leonarda. Oto starannie wyrysowane kwiaty i drzewa, szkice nieznanej broni, maszyn i urządzeń. Wraz z analitycznie dokładnymi obrazami istnieją rysunki, które wyróżniają się niezwykłym rozmachem, epickim lub subtelnym liryzmem. Namiętny wielbiciel wiedzy eksperymentalnej, Leonardo dążył do jej krytycznej refleksji, do poszukiwania praw uogólniających. „Doświadczenie to jedyne źródło wiedzy” – powiedział artysta. „Księga malarstwa” ujawnia jego poglądy jako teoretyka sztuki realistycznej, dla którego malarstwo jest zarówno „nauką, jak i prawowitą córką natury”. Traktat zawiera wypowiedzi Leonarda na temat anatomii, perspektywy, szuka wzorców w budowie harmonijnej postaci ludzkiej, pisze o interakcji kolorów, o odruchach. Wśród zwolenników i uczniów Leonarda nie było jednak ani jednego, który podszedłby do nauczyciela pod względem talentu; pozbawieni samodzielnego spojrzenia na sztukę, tylko zewnętrznie przyswoili sobie jego artystyczną manierę.