Słynny włoski kompozytor Gioacchino Rossini urodził się 29 lutego 1792 r. w małym miasteczku Pesaro, położonym na wybrzeżu Zatoki Weneckiej.
Od dzieciństwa związany z muzyką. Jego ojciec, Giuseppe Rossini, nazywany Veselchak ze względu na jego zabawne usposobienie, był miejskim trębaczem, a jego matka, kobieta o niezwykłej urodzie, miała piękny głos. W domu zawsze były piosenki i muzyka.
Będąc zwolennikiem rewolucji francuskiej, Giuseppe Rossini z radością powitał wkroczenie jednostek rewolucyjnych do Włoch w 1796 roku. Przywrócenie władzy papieża zostało naznaczone aresztowaniem głowy rodu Rossini.
Po utracie pracy Giuseppe i jego żona zostali zmuszeni do zostania wędrownymi muzykami. Ojciec Rossiniego był waltornistą w orkiestrach, które występowały na targach, a matka wykonywała arie operowe. Dochód rodziny przyniósł także piękny sopran Gioacchino, który śpiewał w chórach kościelnych. Głos chłopca był bardzo ceniony przez chórmistrzów z Lugo i Bolonii. W ostatnim z tych miast, słynącym z tradycji muzycznych, schronienie znalazła rodzina Rossini.
W 1804 roku w wieku 12 lat Gioacchino zaczął zawodowo studiować muzykę. Jego nauczycielem był kościelny kompozytor Angelo Tesei, pod którego kierunkiem chłopiec szybko opanował zasady kontrapunktu, a także sztukę akompaniamentu i śpiewu. Rok później młody Rossini wyruszył w podróż po miastach Romagna jako kapelmistrz.
Zdając sobie sprawę z niekompletności swojej edukacji muzycznej, Gioacchino postanowił kontynuować ją w Bolońskim Liceum Muzycznym, gdzie został przyjęty jako uczeń wiolonczeli. Uzupełnieniem zajęć z kontrapunktu i kompozycji było samodzielne studium partytur i rękopisów z bogatej biblioteki Liceum.
Pasja do twórczości tak znanych postaci muzycznych jak Cimarosa, Haydn czy Mozart miała szczególny wpływ na rozwój Rossiniego jako muzyka i kompozytora. Jeszcze jako uczeń Liceum został członkiem Akademii Bolońskiej, a po ukończeniu studiów w uznaniu talentu otrzymał zaproszenie do poprowadzenia wykonania oratorium Cztery pory roku Haydna.
Gioacchino Rossini wcześnie odkrył niesamowitą zdolność do pracy, szybko poradził sobie z każdym twórczym zadaniem, pokazując cuda niesamowitej techniki kompozytorskiej. W latach studiów napisał wiele utworów muzycznych, m.in. utwory sakralne, symfonie, muzykę instrumentalną i wokalną, a także fragmenty opery Demetrio i Polibio, pierwszego dzieła Rossiniego w tym gatunku.
Rok ukończenia Liceum to początek równoczesnej działalności Rossiniego jako śpiewaka, kapelmistrza i kompozytora operowego.
Okres od 1810 do 1815 roku zaznaczył się w życiu słynnego kompozytora jako „wędrówka”, w tym czasie Rossini wędrował od jednego miasta do drugiego, nie przebywając nigdzie dłużej niż dwa, trzy miesiące.
Faktem jest, że we Włoszech XVIII - XIX wieku stałe opery istniały tylko w dużych miastach - takich jak Mediolan, Wenecja i Neapol, małe osady musiały zadowolić się sztuką wędrownych trup teatralnych, składających się zwykle z primadonny , tenor, bas i kilku śpiewaków w rolach drugorzędnych. Orkiestrę rekrutowano spośród lokalnych melomanów, muzyków wojskowych i podróżujących.
Wynajęty przez impresario trupy maestro (kompozytor) skomponował muzykę do dostarczonego libretta i przedstawienie zostało wystawione, podczas gdy maestro musiał sam dyrygować operą. Po udanej produkcji praca była wykonywana przez 20-30 dni, po czym trupa rozpadła się, a artyści rozproszyli się po miastach.
Przez pięć długich lat Gioacchino Rossini pisał opery dla wędrownych teatrów i artystów. Ścisła współpraca z wykonawcami przyczyniła się do rozwoju dużej elastyczności kompozytorskiej, konieczne było uwzględnienie zdolności wokalnych każdego śpiewaka, tessitury i barwy jego głosu, temperamentu artystycznego i wielu innych.
Zachwyt publiczności i pensje groszowe – oto, co Rossini otrzymał w nagrodę za swoją twórczość kompozytorską. W jego wczesnych pracach odnotowano pewien pośpiech i nieostrożność, co wywołało ostrą krytykę. Tak więc kompozytor Paisiello, który widział potężnego rywala w Gioacchino Rossinim, mówił o nim jako o „kompozytorze rozwiązłym, słabo obeznanym z zasadami sztuki i pozbawionym dobrego smaku”.
Krytyka nie przeszkadzała młodemu kompozytorowi, który doskonale zdawał sobie sprawę z mankamentów swoich utworów, w niektórych partyturach odnotował nawet tzw. błędy gramatyczne przy słowach „zadowolić pedantów”.
W pierwszych latach samodzielnej działalności twórczej Rossini pracował nad pisaniem głównie oper komicznych, silnie zakorzenionych w kulturze muzycznej Włoch. W jego późniejszej twórczości ważne miejsce zajmował gatunek opery poważnej.
Bezprecedensowy sukces odniósł Rossini w 1813 roku, po wykonaniach w Wenecji utworów „Tankred” (opera seria) i „Włoski w Algierze” (opera buffa). Otworzyły się przed nim drzwi najlepszych teatrów Mediolanu, Wenecji i Rzymu, arie z jego kompozycji śpiewano na karnawałach, miejskich placach i ulicach.
Gioacchino Rossini stał się jednym z najpopularniejszych kompozytorów we Włoszech. Zapadające w pamięć melodie, przepełnione nieposkromionym temperamentem, zabawą, heroicznym patosem i miłosnymi tekstami, wywarły niezapomniane wrażenie na całym włoskim społeczeństwie, czy to w kręgach arystokratycznych, czy społeczności rzemieślników.
Oddźwięk znalazły także idee patriotyczne kompozytora, wybrzmiejące w wielu jego utworach z okresu późniejszego. Tak więc w typowej błazeńskiej fabule „Włocha w Algierii” z walkami, scenami z przebraniami i kochankami, którzy wpadają w bałagan, nieoczekiwanie zaklinowane są patriotyczne wątki.
Główna bohaterka opery, Izabela, zwraca się do swojego ukochanego Lindora, marniejącego w niewoli w algierskim Bey Mustafie, słowami: „Pomyśl o swojej ojczyźnie, bądź nieustraszony i wypełniaj swój obowiązek. Spójrz: w całych Włoszech odradzają się wzniosłe przykłady męstwa i godności. Ta aria odzwierciedla patriotyczne uczucia epoki.
W 1815 roku Rossini przeniósł się do Neapolu, gdzie zaproponowano mu posadę kompozytora w Operze San Carlo, co obiecywało szereg korzystnych perspektyw, takich jak wysokie honoraria i praca ze znanymi wykonawcami. Przeprowadzka do Neapolu została oznaczona dla młodego Gioacchino pod koniec okresu „włóczęgostwa”.
Od 1815 do 1822 Rossini pracował w jednym z najlepszych teatrów we Włoszech, jednocześnie jeździł po kraju i realizował zamówienia dla innych miast. Na scenie neapolitańskiego teatru młody kompozytor zadebiutował operą seria „Elizabeth, Queen of England”, która była nowym słowem w tradycyjnej włoskiej operze.
Od czasów starożytnych aria jako forma śpiewu solowego stanowiła muzyczny rdzeń takich dzieł, przed kompozytorem postawiono jedynie zarysowanie linii muzycznych opery i podkreślenie głównego konturu melodycznego w partiach wokalnych.
Sukces utworu w tym przypadku zależał wyłącznie od talentu improwizacji i gustu wirtuoza wykonawcy. Rossini odszedł od długiej tradycji: łamiąc prawa śpiewaka, wypisał w partyturze wszystkie koloratury, wirtuozowskie pasaże i dekoracje arii. Wkrótce ta innowacja weszła do twórczości innych włoskich kompozytorów.
Okres neapolitański przyczynił się do doskonalenia muzycznego geniuszu Rossiniego i przejścia kompozytora od lekkiej komedii do muzyki poważniejszej.
Sytuacja narastającego zrywu społecznego, który został rozwiązany przez powstanie karbonariuszy w latach 1820-1821, wymagała bardziej znaczących i heroicznych obrazów niż frywolne postacie utworów komediowych. W operze seria pojawiło się więc więcej okazji do wyrażenia nowych trendów, na które wyczulony był Gioacchino Rossini.
Przez wiele lat głównym przedmiotem twórczości wybitnego kompozytora była poważna opera. Rossini dążył do zmiany standardów muzycznych i fabularnych tradycyjnej opery seria, które zostały określone już na początku XVIII wieku. Starał się wnieść do tego stylu istotne treści i dramatyzm, poszerzyć związki z prawdziwym życiem i ideami swoich czasów, ponadto kompozytor nadał poważnej operze aktywność i dynamikę zaczerpniętą z opery buffa.
Czas pracy w teatrze neapolitańskim okazał się bardzo znaczący pod względem dokonań i wyników. W tym okresie powstały takie dzieła jak Tankred, Otello (1816), odzwierciedlające skłonność Rossiniego do dramaturgii, a także monumentalne dzieła heroiczne Mojżesz w Egipcie (1818) i Mohammed II (1820) .
Tendencje romantyczne rozwijające się w muzyce włoskiej domagały się nowych obrazów artystycznych i środków wyrazu muzycznego. Opera Rossiniego Kobieta z jeziora (1819) odzwierciedla takie cechy stylu romantycznego w muzyce, jak malownicze opisy i przenoszenie lirycznych przeżyć.
Za najlepsze dzieła Gioacchino Rossiniego słusznie uważa się Cyrulika sewilskiego, powstałego w 1816 roku do wystawienia w Rzymie w czasie świąt karnawałowych i będącego efektem wieloletniej pracy kompozytora nad operą komiczną, oraz heroiczno-romantycznego utworu Wilhelm Tell.
Cyrulik sewilski zachował to, co najbardziej żywotne i jasne z opery buffa: demokratyczne tradycje gatunku i elementy narodowe zostały w tym dziele wzbogacone, przeniknięte na wskroś mądrą, gryzącą ironią, szczerą zabawą i optymizmem oraz realistycznym obrazem otaczającej rzeczywistości.
Pierwsza produkcja Cyrulika sewilskiego, napisanego w zaledwie 19 czy 20 dni, nie powiodła się, ale już na drugim pokazie publiczność entuzjastycznie witała słynnego kompozytora, odbył się nawet procesja z pochodniami na cześć Rossiniego.
Libretto opery, składające się z dwóch aktów i czterech scen, oparte jest na fabule dzieła o tym samym tytule autorstwa słynnego francuskiego dramatopisarza Beaumarchais. Sceną rozgrywających się na scenie wydarzeń jest hiszpańska Sewilla, głównymi bohaterami są hrabia Almaviva, jego ukochana Rozyna, fryzjer, lekarz i muzyk Figaro, dr Bartolo, opiekun Rozyny oraz mnich Don Basilio, tajny adwokat Bartola.
Na pierwszym obrazie pierwszego aktu zakochany hrabia Almaviva wędruje w pobliżu domu doktora Bartolo, gdzie mieszka jego ukochana. Jego liryczną arię słyszy przebiegły opiekun Rosiny, który sam ma poglądy na jego podopieczną. Figaro, mistrz wszelkiej maści, zainspirowany obietnicami hrabiego, przychodzi z pomocą kochankom.
Akcja drugiego obrazu rozgrywa się w domu Bartolo, w pokoju Rozyny, która marzy o wysłaniu listu do swojego wielbiciela Lindora (pod tym imieniem kryje się hrabia Almaviva). W tym momencie pojawia się Figaro i oferuje swoje usługi, ale niespodziewane przybycie opiekuna zmusza go do ukrycia. Figaro dowiaduje się o podstępnych planach Bartolo i Don Basilio i spieszy, by ostrzec przed tym Rosinę.
Wkrótce Almaviva wpada do domu pod postacią pijanego żołnierza, Bartolo próbuje go wyrzucić za drzwi. W tym zamieszaniu hrabia udaje się po cichu przekazać ukochanej notatkę i poinformować, że to on jest Lindorem. Jest tu również Figaro, który wraz ze służącymi Bartolo próbuje rozdzielić właściciela domu i Almavivę.
Wszyscy milkną dopiero po przybyciu drużyny żołnierzy. Funkcjonariusz wydaje rozkaz aresztowania hrabiego, ale papier złożony majestatycznym gestem natychmiast zmienia jego zachowanie. Przedstawiciel władz kłania się z szacunkiem przebranemu Almavivowi, wywołując dezorientację wśród wszystkich obecnych.
Druga akcja rozgrywa się w pokoju Bartola, do którego przybywa zakochany hrabia przebrany za mnicha, udając nauczyciela śpiewu Don Alonza. Aby zdobyć zaufanie doktora Bartolo, Almaviva wręcza mu notatkę Rosiny. Dziewczyna rozpoznając w mnichu swojego Lindora, chętnie rozpoczyna studia, ale obecność Bartolo przeszkadza kochankom.
W tym czasie pojawia się Figaro i oferuje starcowi golenie. Dzięki przebiegłości fryzjerowi udaje się zdobyć klucz do balkonu Rosiny. Pojawienie się Don Basilio grozi zrujnowaniem dobrze zagranego spektaklu, ale zostaje on „usunięty” ze sceny w samą porę. Lekcja zostaje wznowiona, Figaro kontynuuje procedurę golenia, próbując zablokować kochanków przed Bartolo, ale oszustwo zostaje ujawnione. Almaviva i fryzjer są zmuszeni do ucieczki.
Bartolo, posługując się notatką od Rozyny, niedbale podarowaną mu przez hrabiego, namawia zawiedzioną dziewczynę do podpisania kontraktu małżeńskiego. Rosina wyjawia swojemu opiekunowi tajemnicę zbliżającej się ucieczki, a on idzie po strażników.
W tym czasie do pokoju dziewczynki wchodzą Almaviva i Figaro. Hrabia prosi Rozynę, by została jego żoną i otrzymuje zgodę. Kochankowie chcą jak najszybciej opuścić dom, ale niespodziewaną przeszkodą jest brak schodów przy balkonie i przybycie Don Basilio z notariuszem.
Pojawienie się Figara, który ogłosił Rosinę swoją siostrzenicą, a hrabiego Almavivę jej narzeczonym, ratuje sytuację. Dr Bartolo, który przybył ze strażnikami, stwierdza, że małżeństwo oddziału zostało już zakończone. W bezsilnej wściekłości atakuje „zdrajcę” Basilio i „łajdaka” Figara, ale hojność Almavivy go przekupuje i dołącza do ogólnego chóru powitalnego.
Libretto Cyrulika sewilskiego znacznie odbiega od pierwotnego źródła: tutaj społeczna ostrość i satyryczna orientacja komedii Beaumarchais okazała się mocno złagodzona. Dla Rossiniego hrabia Almaviva jest postacią liryczną, a nie pustym arystokratą grabią. Jego szczere uczucia i pragnienie szczęścia triumfują nad najemniczymi planami opiekuna Bartola.
Figaro jawi się jako osoba pogodna, zręczna i przedsiębiorcza, w której partii nie ma nawet śladu moralizowania i filozofowania. Życiowym credo Figara jest śmiech i żarty. Te dwie postacie skontrastowane są z postaciami negatywnymi - skąpym starcem Bartolo i obłudnym hipokrytą Don Basilio.
Wesoły, szczery, zaraźliwy śmiech to główne narzędzie Gioacchino Rossiniego, który w swoich muzycznych komediach i farsach posługuje się tradycyjnymi obrazami opery buffa – zakochanego stróża, zręcznego służącego, ładnego ucznia i przebiegłego łobuza mnicha.
Ożywiając te maski z rysami realizmu, kompozytor nadaje im wygląd ludzi, jakby wyrwanych z rzeczywistości. Zdarzało się, że akcja ukazana na scenie lub postać była kojarzona przez publiczność z pewnym wydarzeniem, incydentem lub konkretną osobą.
Cyrulik sewilski jest więc komedią realistyczną, której realizm przejawia się nie tylko w fabule i sytuacjach dramatycznych, ale także w uogólnionych postaciach ludzkich, w umiejętności typowania przez kompozytora zjawisk współczesnego życia.
Uwertura poprzedzająca wydarzenia operowe nadaje ton całemu dziełu. Pogrąża się w atmosferze wesołych i łatwych żartów. W przyszłości nastrój stworzony przez uwerturę konkretyzuje się w pewnym fragmencie komedii.
Mimo że ta muzyczna introdukcja była wielokrotnie wykorzystywana przez Rossiniego w innych utworach, postrzegana jest jako integralna część Cyrulika sewilskiego. Każdy temat uwertury oparty jest na nowej podstawie melodycznej, a części łączące tworzą ciągłość przejść i nadają uwerturze organicznej integralności.
Fascynacja akcją operową Cyrulika sewilskiego polega na różnorodności stosowanych przez Rossiniego technik kompozytorskich: introdukcji, której efekt jest efektem połączenia akcji scenicznej i muzycznej; przemienność recytatywów i dialogów z ariami solowymi charakteryzującymi tę lub inną postać oraz duety; scenki zespołowe z linią rozwoju, mające na celu mieszanie różnych wątków fabuły i podtrzymywanie intensywnego zainteresowania dalszym rozwojem wydarzeń; partie orkiestrowe, które wspierają szybkie tempo opery.
Źródłem melodii i rytmu „Cyrulika sewilskiego” Gioacchino Rossiniego jest jasna, temperamentna muzyka włoska. W partyturze tego utworu słychać codzienne zwroty pieśni i tańca oraz rytmy, które stanowią podstawę tej muzycznej komedii.
Stworzone po Cyruliku sewilskim dzieła Kopciuszek i Sroka złodziejka są dalekie od zwykłego gatunku komediowego. Kompozytor zwraca większą uwagę na cechy liryczne i sytuacje dramatyczne. Jednak przy całym dążeniu do nowego Rossiniego nie mógł ostatecznie przełamać konwencji poważnej opery.
W 1822 roku wraz z trupą artystów włoskich słynny kompozytor odbył dwuletnie tournée po stolicach państw europejskich. Glory wyprzedził słynnego maestro, wszędzie, gdzie oczekiwano od niego luksusowego przyjęcia, ogromnych opłat oraz najlepszych teatrów i wykonawców na świecie.
W 1824 r. Rossini został szefem włoskiej opery w Paryżu i na tym stanowisku zrobił wiele dla promocji włoskiej muzyki operowej. Ponadto słynny maestro patronował młodym włoskim kompozytorom i muzykom.
W okresie paryskim Rossini napisał szereg utworów do opery francuskiej, wiele starych utworów zostało przerobionych. Tak więc opera „Mohammed II” w wydaniu francuskim została nazwana „Oblężenie Coronth” i odniosła sukces na paryskiej scenie. Kompozytorowi udało się nadać swoje utwory bardziej realistycznie i dramatycznie, osiągnąć prostotę i naturalność muzycznej mowy.
Wpływ francuskiej tradycji operowej przejawiał się w bardziej rygorystycznej interpretacji fabuły operowej, przesunięciu akcentu ze scen lirycznych na heroiczne, uproszczeniu stylu wokalnego, nadaniu większej wagi scenom zbiorowym, chórowi i zespołowi, a także uważny stosunek do orkiestry operowej.
Wszystkie dzieła okresu paryskiego były krokiem przygotowawczym do stworzenia heroiczno-romantycznej opery Wilhelm Tell, w której solowe arie tradycyjnych włoskich oper zostały zastąpione masowymi scenami chóralnymi.
Libretto tego utworu, opowiadającego o wojnie narodowowyzwoleńczej szwajcarskich kantonów przeciwko Austriakom, w pełni odpowiadało patriotycznym nastrojom Gioacchino Rossiniego i żądaniom postępowej publiczności w przededniu wydarzeń rewolucyjnych 1830 roku.
Kompozytor pracował nad „Williamem Tellem” przez kilka miesięcy. Premiera, która odbyła się jesienią 1829 roku, wywołała entuzjastyczne recenzje publiczności, ale opera ta nie zyskała dużego uznania i popularności. Poza Francją produkcja Williama Tella była tematem tabu.
Obrazy z życia ludowego i tradycji Szwajcarów służyły jedynie jako tło dla ukazania gniewu i oburzenia uciśnionych, finał dzieła - powstanie mas przeciwko obcym zniewolicielom - odzwierciedlał uczucia epoki.
Najsłynniejszym fragmentem opery „William Tell” była wyróżniająca się błyskotliwością i kunsztem uwertura – wyraz wielopłaszczyznowej kompozycji całego dzieła muzycznego.
Założenia artystyczne użyte przez Rossiniego w Wilhelmie Tellu znalazły zastosowanie w twórczości wielu postaci opery francuskiej i włoskiej XIX wieku. A w Szwajcarii chcieli nawet postawić pomnik słynnego kompozytora, którego twórczość przyczyniła się do nasilenia walki narodowowyzwoleńczej Szwajcarów.
Opera „William Tell” była ostatnim dziełem Gioacchino Rossiniego, który w wieku 40 lat nagle przestał pisać muzykę operową i zaczął organizować koncerty i spektakle. W 1836 roku wybitny kompozytor powrócił do Włoch, gdzie mieszkał do połowy lat 50. XIX wieku. Rossini udzielił wszelkiej możliwej pomocy włoskim buntownikom, a nawet napisał hymn narodowy w 1848 roku.
Jednak ciężka choroba nerwowa zmusiła Rossiniego do przeniesienia się do Paryża, gdzie spędził resztę życia. Jego dom stał się jednym z ośrodków życia artystycznego francuskiej stolicy, przybyło tu wielu światowej sławy włoskich i francuskich śpiewaków, kompozytorów i pianistów.
Emerytura z opery nie osłabiła sławy Rossiniego, która przyszła do niego w młodości i nie odeszła nawet po jego śmierci. Spośród utworów powstałych w drugiej połowie jego życia na szczególną uwagę zasługują zbiory romansów i duetów „Wieczory muzyczne”, a także muzyka sakralna „Stabat mater”.
Gioacchino Rossini zmarł w Paryżu w 1868 roku w wieku 76 lat. Kilka lat później jego prochy zostały wysłane do Florencji i pochowane w panteonie kościoła Santa Croce, swoistego grobowca najlepszych przedstawicieli kultury włoskiej.
Ale niebieski wieczór ciemnieje,
Już niedługo czas na nas do opery;
Jest zachwycający Rossini,
Sługusy Europy - Orfeusz.
Ignorowanie ostrej krytyki
On jest wiecznie taki sam; zawsze nowy.
Nalewa dźwięki - gotują się.
Płyną, płoną.
Jak młode pocałunki
Wszystko jest w błogości, w płomieniu miłości,
Jak syczące ai
Złoty strumień i spray...
A. Puszkin
Wśród kompozytorów włoskich XIX wieku. Rossini zajmuje szczególne miejsce. Początek jego drogi twórczej przypada na czas, kiedy sztuka operowa Włoch, która jeszcze nie tak dawno zdominowała Europę, zaczęła tracić grunt pod nogami. Opera-buffa tonęła w bezmyślnej rozrywce, a opera-seria przerodziła się w szczupły i bezsensowny spektakl. Rossini nie tylko wskrzesił i zreformował włoską operę, ale wywarł ogromny wpływ na rozwój całej europejskiej sztuki operowej ubiegłego wieku. „Boski maestro” – tak zwany wielki włoski kompozytor G. Heine, który widział w Rossinim „słońce Włoch, trwoniące swe dźwięczne promienie po całym świecie”.
Rossini urodził się w rodzinie biednego muzyka orkiestrowego i prowincjonalnego śpiewaka operowego. Z wędrowną trupą rodzice wędrowali po różnych miastach kraju, a przyszły kompozytor już od dzieciństwa znał życie i obyczaje panujące we włoskich teatrach operowych. Żarliwy temperament, szyderczy umysł, ostry język współistniały w naturze małego Gioacchino z subtelną muzykalnością, doskonałym słuchem i niezwykłą pamięcią.
W 1806 roku, po kilku latach niesystematycznych studiów muzycznych i śpiewu, Rossini wstąpił do Bolońskiego Liceum Muzycznego. Tam przyszły kompozytor uczył się gry na wiolonczeli, skrzypcach i fortepianie. Zajęcia z teorii i kompozycji u słynnego kompozytora kościelnego S. Mattei, intensywne samokształcenie, entuzjastyczne studiowanie muzyki J. Haydna i W. A. Mozarta – wszystko to pozwoliło Rossiniemu opuścić liceum jako kulturalny muzyk, który opanował sztukę komponowania.
Już na samym początku swojej kariery Rossini wykazywał szczególnie wyraźne zamiłowanie do teatru muzycznego. Swoją pierwszą operę Demetrio i Polibio napisał w wieku 14 lat. Od 1810 roku kompozytor corocznie komponuje kilka oper różnych gatunków, stopniowo zdobywając sławę w szerokich kręgach operowych i podbijając sceny największych włoskich teatrów: Fenice w Wenecji, San Carlo w Neapolu, La Scali w Mediolanie.
Rok 1813 był punktem zwrotnym w twórczości operowej kompozytora, 2 dzieła wystawione w tym roku – „Włoski w Algierze” (onepa-buffa) i „Tankred” (opera heroiczna) – wyznaczyły główne ścieżki jego dalszej twórczości. Sukces utworów zawdzięczał nie tylko doskonałej muzyce, ale także treści libretta przesyconego patriotycznymi sentymentami, tak zgodnej z rozwijającym się wówczas ruchem narodowowyzwoleńczym na rzecz zjednoczenia Włoch. Publiczne oburzenie wywołane operami Rossiniego, stworzenie „Hymnu Niepodległości” na prośbę patriotów z Bolonii, a także udział w demonstracjach bojowników o wolność Włoch – wszystko to doprowadziło do wieloletniej tajnej policji nadzór, który został ustanowiony dla kompozytora. Wcale nie uważał się za osobę o poglądach politycznych iw jednym ze swoich listów napisał: „Nigdy nie mieszałem się do polityki. Byłem muzykiem i nigdy nie przyszło mi do głowy, aby zostać kimkolwiek innym, nawet jeśli doświadczyłem najżywszego udziału w tym, co działo się na świecie, a zwłaszcza w losach mojej ojczyzny.
Po „Włosku w Algierze” i „Tankred” praca Rossiniego szybko idzie pod górę i po 3 latach osiąga jeden ze szczytów. Na początku 1816 r. w Rzymie odbyła się premiera Cyrulika sewilskiego. Napisana w zaledwie 20 dni opera była nie tylko szczytowym osiągnięciem komediowo-satyrycznego geniuszu Rossiniego, ale także punktem kulminacyjnym niemal stuletniego rozwoju gatunku opera-buifa.
Dzięki Cyrulikowi sewilskiemu sława kompozytora wykroczyła poza Włochy. Genialny styl Rossiniego odświeżył sztukę Europy żywiołową wesołością, iskrzącym dowcipem, pieniącą się pasją. „Mój Fryzjer z każdym dniem odnosi coraz większe sukcesy” – pisał Rossini – „a nawet najbardziej zagorzałym przeciwnikom nowej szkoły udało mu się podlizać, aby wbrew swojej woli zaczęli coraz bardziej kochać tego mądrego faceta. ”. Fanatycznie entuzjastyczny i powierzchowny stosunek do muzyki Rossiniego arystokratycznej publiczności i mieszczańskiej szlachty przyczynił się do pojawienia się wielu przeciwników kompozytora. Jednak wśród europejskiej inteligencji artystycznej nie brakowało również poważnych koneserów jego twórczości. Urzeczeniem muzyki Rossina byli E. Delacroix, O. Balzac, A. Musset, F. Hegel, L. Beethoven, F. Schubert, M. Glinka. I nawet K.M. Weber i G. Berlioz, którzy zajmowali pozycję krytyczną w stosunku do Rossiniego, nie wątpili w jego geniusz. „Po śmierci Napoleona była jeszcze jedna osoba, o której ciągle mówi się wszędzie: w Moskwie i Neapolu, w Londynie i Wiedniu, w Paryżu i Kalkucie” – pisał Stendhal o Rossinim.
Kompozytor stopniowo traci zainteresowanie onepe-buffa. Napisany wkrótce w tym gatunku „Kopciuszek” nie ukazuje słuchaczom nowych twórczych rewelacji kompozytora. Skomponowana w 1817 roku opera Sroka złodziejka całkowicie wykracza poza gatunek komediowy, stając się przykładem dramatu muzycznego i realistycznego na co dzień. Od tego czasu Rossini zaczął zwracać większą uwagę na opery heroiczno-dramatyczne. Po „Otello” pojawiają się legendarne dzieła historyczne: „Mojżesz”, „Pani Jeziora”, „Mohammed II”.
Po pierwszej rewolucji włoskiej (1820-21) i jej brutalnym stłumieniu przez wojska austriackie, Rossini wyruszył w tournée do Wiednia z neapolitańską trupą operową. Wiedeńskie triumfy jeszcze bardziej umocniły europejską sławę kompozytora. Wracając na krótko do Włoch na produkcję semiramidu (1823), Rossini wyjechał do Londynu, a następnie do Paryża. Mieszka tam do 1836 r. W Paryżu kompozytor kieruje Operą Włoską, ściągając do niej młodych rodaków; przerabia opery Mojżesz i Mohammed II dla Wielkiej Opery (tę ostatnią wystawiono w Paryżu pod tytułem Oblężenie Koryntu); pisze na zamówienie Opery Comique elegancką operę The Comte Ory; wreszcie w sierpniu 1829 r. wystawił na scenie Wielkiej Opery swoje ostatnie arcydzieło - operę Wilhelm Tell, która miała ogromny wpływ na dalszy rozwój włoskiego gatunku heroicznej opery w twórczości V. Belliniego, G. Donizettiego i G. Verdiego.
„William Tell” dokończył muzyczną pracę sceniczną Rossiniego. Operowe milczenie genialnego mistrza, który za nim podążał, który miał za sobą około 40 oper, współcześni nazywali tajemnicą stulecia, otaczając tę okoliczność wszelkimi domysłami. Sam kompozytor pisał później: „Jak wcześnie, jako ledwie dojrzały młodzieniec, zacząłem komponować, tak wcześnie, wcześniej niż ktokolwiek mógł to przewidzieć, przestałem pisać. W życiu zawsze tak się dzieje: kto wcześnie zaczyna, musi, zgodnie z prawami natury, wcześnie skończyć.
Jednak nawet po zaprzestaniu pisania oper Rossini nadal pozostawał w centrum uwagi europejskiego środowiska muzycznego. Cały Paryż wsłuchał się w trafnie krytyczne słowo kompozytora, jego osobowość jak magnes przyciągała muzyków, poetów i artystów. Spotkał się z nim R. Wagner, C. Saint-Saens był dumny ze swojej komunikacji z Rossinim, Liszt pokazywał swoje dzieła włoskiemu maestro, V. Stasov entuzjastycznie wypowiadał się o spotkaniu z nim.
W latach po Williamie Tellu Rossini stworzył majestatyczne dzieło duchowe Stabat mater, Małą Mszę uroczystą i Pieśń Tytanów, autorski zbiór utworów wokalnych Wieczory muzyczne oraz cykl utworów fortepianowych pod żartobliwym tytułem Sins of Old. Wiek... Od 1836 do 1856 Rossini, otoczony chwałą i honorami, mieszkał we Włoszech. Kierował tam Bolońskim Liceum Muzycznym i prowadził działalność pedagogiczną. Wracając następnie do Paryża, pozostał tam do końca swoich dni.
12 lat po śmierci kompozytora jego prochy przewieziono do ojczyzny i pochowano w panteonie kościoła Santa Croce we Florencji, obok szczątków Michała Anioła i Galileusza.
Rossini przekazał cały swój majątek na rzecz kultury i sztuki swojego rodzinnego miasta Pesaro. Obecnie regularnie odbywają się tu festiwale operowe Rossini, wśród których można spotkać nazwiska największych współczesnych muzyków.
I. Vetlitsyna
Urodził się w rodzinie muzyków: jego ojciec był trębaczem, matka śpiewaczką. Uczy się grać na różnych instrumentach muzycznych, śpiewać. Studiuje kompozycję w Bolońskiej Szkole Muzycznej pod kierunkiem Padre Mattei; nie ukończył kursu. Od 1812 do 1815 pracował w teatrach Wenecji i Mediolanu: „Włoszka w Algierze” odniosła szczególny sukces. Na zlecenie impresaria Barbaia (Rossini poślubia swoją dziewczynę, sopranistkę Isabellę Colbran) tworzy szesnaście oper do 1823 roku. Przeniósł się do Paryża, gdzie został dyrektorem Théâtre d'Italien, pierwszym kompozytorem króla i generalnym inspektorem śpiewu we Francji. Żegna się z działalnością kompozytora operowego w 1829 roku po inscenizacji „Williama Tella”. Po rozstaniu z Colbrandem poślubia Olimpę Pelissier, reorganizuje Bolońskie Liceum Muzyczne, przebywa we Włoszech do 1848 roku, kiedy burze polityczne ponownie sprowadzają go do Paryża: jego willa w Passy staje się jednym z ośrodków życia artystycznego.
Ten, którego nazywano „ostatnim klasykiem” i któremu publiczność oklaskiwała jako króla gatunku komiksowego, już w pierwszych operach wykazał wdzięk i blask inspiracji melodycznej, naturalność i lekkość rytmu, który nadawał śpiewowi, w której tradycje XVIII wieku zostały osłabione, bardziej szczery i ludzki charakter. Kompozytor, udając, że dostosowuje się do współczesnych obyczajów teatralnych, mógł się jednak przeciw nim zbuntować, utrudniając np. wirtuozowską dowolność wykonawców lub ją moderując.
Najważniejszą innowacją dla Włoch w tamtym czasie była ważna rola orkiestry, która dzięki Rossiniemu stała się żywa, mobilna i błyskotliwa (zauważamy wspaniałą formę uwertur, które naprawdę nastrajają do pewnego odbioru). Wesołe upodobanie do swoistego orkiestrowego hedonizmu wynika z tego, że każdy instrument, używany zgodnie z jego możliwościami technicznymi, utożsamiany jest ze śpiewem, a nawet mową. Jednocześnie Rossini może śmiało twierdzić, że słowa powinny służyć muzyce, a nie odwrotnie, nie umniejszając sensu tekstu, lecz przeciwnie, używając go w nowy sposób, świeżo i często przechodząc do typowej rytmiki. schematy – podczas gdy orkiestra swobodnie akompaniuje mowie, tworząc wyraźny relief melodyczny i symfoniczny oraz pełniąc funkcje ekspresyjne lub obrazowe.
Geniusz Rossiniego natychmiast ujawnił się w gatunku opery seria inscenizacją Tancrediego w 1813 roku, która przyniosła autorowi pierwszy wielki sukces u publiczności, dzięki odkryciom melodycznym z ich wysublimowanym i łagodnym liryzmem oraz nieskrępowanym rozwojem instrumentalnym, co zawdzięcza swój początek gatunkowi komiksowemu. Związki między tymi dwoma gatunkami operowymi są zresztą u Rossiniego bardzo bliskie, a nawet decydują o niesamowitej efektowności jego poważnego gatunku. W tym samym 1813 roku zaprezentował też arcydzieło, ale w gatunku komicznym, w duchu starej neapolitańskiej opery komicznej – „Włoszka w Algierze”. To opera bogata w echa Cimarosy, ale jakby ożywiona burzliwą energią bohaterów, szczególnie objawiającą się w końcowym crescendo, pierwszym Rossiniego, który wykorzysta ją potem jako afrodyzjak w tworzeniu paradoksalnych lub niepohamowanych pogodnych sytuacji.
Zjadliwy, ziemski umysł kompozytora w zabawie znajduje ujście dla żądzy karykatury i zdrowego entuzjazmu, który nie pozwala mu popaść ani w konserwatyzm klasycyzmu, ani w skrajności romantyzmu.
Bardzo dokładny wynik komiksowy osiągnie w Cyruliku sewilskim, a dekadę później dojdzie do elegancji The Comte Ory. Ponadto, w gatunku poważnym, Rossini wielkimi krokami ruszy w stronę opery o coraz większej doskonałości i głębi: od niejednorodnej, ale żarliwej i nostalgicznej „Pani Jeziora” po tragedię „Semiramide”, kończącą włoski kompozytor. pełen oszałamiających wokalizacji i tajemniczych zjawisk w barokowym guście, do „Oblężenia Koryntu” z jego chórami, do uroczystej opisowości i sakralnej monumentalności „Mojżesza” i wreszcie do „Williama Tella”.
Jeśli jeszcze dziwniejsze, że Rossini osiągnął te osiągnięcia w dziedzinie opery w zaledwie dwadzieścia lat, to równie uderzające jest to, że milczenie, które nastąpiło po tak owocnym okresie i trwało przez czterdzieści lat, uważane jest za jeden z najbardziej niezrozumiałych przypadków w historii kultury, czy to przez niemal demonstracyjny dystans, godny jednak tego tajemniczego umysłu, czy też przez świadectwo jego legendarnego lenistwa, oczywiście bardziej fikcyjnego niż rzeczywistego, biorąc pod uwagę zdolność kompozytora do pracy w swoich najlepszych latach. Niewielu zauważyło, że coraz bardziej ogarniało go neurotyczne pragnienie samotności, wypierając tendencję do zabawy.
Rossini nie przestał jednak komponować, choć zerwał wszelki kontakt z publicznością, zwracając się głównie do wąskiego grona gości, stałych bywalców jego domowych wieczorów. Inspiracje najnowszymi dziełami duchowymi i kameralnymi pojawiały się w naszych czasach stopniowo, budząc zainteresowanie nie tylko koneserów: odkrywano prawdziwe arcydzieła. Najbardziej błyskotliwą częścią spuścizny Rossiniego są nadal opery, w których był ustawodawcą przyszłej szkoły włoskiej, tworząc ogromną liczbę wzorów wykorzystywanych przez kolejnych kompozytorów.
Aby jeszcze lepiej podkreślić charakterystyczne cechy tak wielkiego talentu, z inicjatywy Ośrodka Badań nad Rossinim w Pesaro podjęto nowe wydanie krytyczne jego oper.
G. Marchesi (przetłumaczone przez E. Greceanii)
Kompozycje Rossiniego:
opery - Demetrio i Polibio (Demetrio e Polibio, 1806, post. 1812, tr. "Balle", Rzym), Weksel ślubny (La cambiale di matrimonio, 1810, tr. "San Moise", Wenecja), Dziwna sprawa (L 'equivoco stravagante, 1811, Teatro del Corso, Bolonia), Happy Deception (L'inganno felice, 1812, San Moise, Wenecja), Cyrus w Babilonie (Ciro in Babilonia, 1812, t-r "Municipale", Ferrara), Jedwab Klatka schodowa (La scala di seta, 1812, tr "San Moise", Wenecja), Probierz (La pietra del parugone, 1812, tr "La Scala", Mediolan), Szansa czyni złodzieja lub walizki zmieszane (L'occasione fa il ladro, ossia Il cambio della valgia, 1812, San Moise, Wenecja), Signor Bruschino, lub Przypadkowy syn (Il signor Bruschino, ossia Il figlio per azzardo, 1813, ibid), Tancredi (Tancredi, 1813, tr Fenice, Wenecja), Włoch w Algierii (L'italiana in Algeri, 1813, tr San Benedetto, Wenecja), Aurelian w Palmyrze (Aureliano in Palmira, 1813, centrum handlowe La Scala, Mediolan), Turk we Włoszech (Il turco in Italia, 1814, ibid.). ), Sigismondo (Sigismondo, 1814, tr Fenice, Wenecja), Elżbieta, królowa Anglii (Elisabetta, regina d'Inghilterra, 1815, tr San Carlo, Neapol), Torvaldo i Dorliska (Torvaldo e Dorliska, 1815, tr "Balle", Rzym ), Almaviva lub Vain Precaution (Almaviva, ossia L'inutile precauzione; znany pod nazwą Cyrulik sewilski - Il barbiere di Siviglia, 1816, tr Argentyna, Rzym), Gazeta, czyli małżeństwo przez konkurs (La gazzetta, ossia Il matrimonio per concorso, 1816, tr Fiorentini, Neapol), Otello, czyli wenecki Maur (Otello , ossia Il toro di Venezia, 1816, tr "Del Fondo", Neapol), Kopciuszek, czyli Triumf Cnoty (Cenerentola, ossia La bonta in trionfo, 1817, tr "Balle", Rzym) , Sroka złodziejka (La gazza ladra , 1817, tr "La Scala", Mediolan), Armida (Armida, 1817, tr "San Carlo", Neapol), Adelaide Burgundii (Adelaide di Borgogna, 1817, t -r "Argentyna", Rzym), Mojżesz w Egipcie (Mosè in Egitto, 1818, tr "San Carlo", Neapol; wyd. francuskie - pod tytułem Mojżesz i faraon, czyli przekroczenie Morza Czerwonego - Moïse et Pharaon, ou Le passage de la mer rouge, 1827, "Royal Academy of Muzyka i taniec”, Paryż), Adina, czyli Kalif Bagdadu (Adina, ossia Il califfo di Bagdad, 1818, post. 1826, tr „San-Carlo, Lizbona), Ricciardo i Zoraida (Ricciardo e Zoraide, 1818, tr San Carlo, Neapol), Hermiona (Ermione, 1819, ibid), Eduardo i Cristina (Eduardo e Cristina, 1819, tr San Benedetto, Wenecja), Dziewica Jeziora (La donna del lago, 1819, tr San Carlo, Neapol), Bianca i Faliero lub Sobór Trzech (Bianca e Faliero, ossia II consiglio dei tre, 1819, t-r „La Scala”, Mediolan), „Mohammed II” (Maometto II, 1820, t-r „San-Carlo, Neapol; Francuski wyd. - pod imieniem Oblężenie Koryntu - Le siège de Corinthe, 1826, „Król. Akademia Muzyki i Tańca, Paryż), Matilde di Shabran, czyli Piękno i Żelazne Serce (Matilde di Shabran, ossia Bellezza e cuor di ferro, 1821, t-r „Apollo”, Rzym), Zelmira (Zelmira, 1822, t- r „San Carlo”, Neapol), Semiramide (Semiramide, 1823, tr „Fenice”, Wenecja), Podróż do Reims lub Hotel Złotej Lilii (Il viaggio a Reims, ossia L'albergo del giglio d'oro, 1825 , Theatre Italien, Paryż), Hrabia Ory (Le comte Ory, 1828, Królewska Akademia Muzyki i Tańca, Paryż), Wilhelm Tell (Guillaume Tell, 1829, ibid.); pasticcio(z fragmentów oper Rossiniego) - Ivanhoe (Ivanhoe, 1826, tr "Odeon", Paryż), Testament (Le testament, 1827, ibid.), Kopciuszek (1830, tr "Covent Garden", Londyn), Robert Bruce (1846) , Królewska Akademia Muzyki i Tańca, Paryż), Jedziemy do Paryża (Andremo a Parigi, 1848, Theatre Italien, Paryż), Śmieszny wypadek (Un curioso Accidente, 1859, ibid.); na solistów, chór i orkiestrę- Hymn Niepodległości (Inno dell`Indipendenza, 1815, tr "Contavalli", Bolonia), kantaty- Aurora (1815, wyd. 1955, Moskwa), Ślub Tetydy i Peleusa (Le nozze di Teti e di Peleo, 1816, centrum handlowe Del Fondo, Neapol), Szczery hołd (Il vero omaggio, 1822, Werona) , A szczęśliwy omen (L'augurio felice, 1822, tamże), Bard (Il bardo, 1822), Holy Alliance (La Santa alleanza, 1822), Skarga Muz na śmierć Lorda Byrona (Il pianto delie Muse in morte di Lord Byron, 1824, Almack Hall, Londyn), Chór Straży Miejskiej Bolonii (Coro dedicato alla guardia civica di Bologna, instrument. D. Liverani, 1848, Bolonia), Hymn do Napoleona III i jego walecznych ludzi (Hymne b Napoleon et syn vaillant peuple, 1867, Pałac Przemysłu, Paryż), Hymn Narodowy (Hymn, angielski hymn narodowy, 1867, Birmingham); na orkiestrę- symfonie (D-dur, 1808; Es-dur, 1809, użyte jako uwertura do farsy Weksel ślubny), Serenada (1829), Marsz wojskowy (Marcia militare, 1853); na instrumenty i orkiestrę- Wariacje na instrumenty obowiązkowe F-dur (Variazioni a piu strumenti obligati, na klarnet, dwoje skrzypiec, altówkę, wiolonczelę, 1809), Wariacje C-dur (na klarnet, 1810); na orkiestrę dętą- fanfara na 4 trąbki (1827), 3 marsze (1837, Fontainebleau), Korona Włoch (La corona d'Italia, fanfara na orkiestrę wojskową, ofiarowana Wiktorowi Emanuelowi II, 1868); kameralne zespoły instrumentalne- duety na rogi (1805), 12 walców na 2 flety (1827), 6 sonat na 2 skr., vlc. i k-bass (1804), 5 strun. kwartety (1806-08), 6 kwartetów na flet, klarnet, róg i fagot (1808-09), Temat i wariacje na flet, trąbkę, róg i fagot (1812); na fortepian- Walc (1823), Kongres w Weronie (Il congresso di Verona, 4 ręce, 1823), Pałac Neptuna (La reggia di Nettuno, 4 ręce, 1823), Dusza czyśćca (L'vme du Purgatoire, 1832); na solistów i chór- kantata Skarga na harmonię na śmierć Orfeusza (Il pianto d'Armonia sulla morte di Orfeo, na tenor, 1808), Śmierć Dydony (La morte di Didone, monolog sceniczny, 1811, hiszpański 1818, tr "San Benedetto" , Wenecja), kantata (na 3 solistów, 1819, tr "San Carlo", Neapol), Partenope i Higea (na 3 solistów, 1819, tamże), Wdzięczność (La riconoscenza, na 4 solistów, 1821, tamże); na głos i orkiestrę- kantata Ofiara pasterska (Omaggio pastorale, na 3 głosy, na uroczyste otwarcie popiersia Antonia Canovy, 1823, Treviso), Pieśń Tytanów (Le chant des Titans, na 4 basy unisono, 1859, hiszpański 1861, Paryż ); na głos i fortepian- Kantaty Elie i Irene (na 2 głosy, 1814) i Joanna d'Arc (1832), Wieczory Muzyczne (Soirees musicales, 8 ariette i 4 duety, 1835); 3 woki kwartet (1826-27); Ćwiczenia sopranowe (Gorgheggi e solfeggi per soprano. Vocalizzi e solfeggi per rendere la voce agile ed apprendere a cantare secondo il gusto moderno, 1827); 14 albumów z woka. i instr. kawałki i zespoły, zjednoczone pod nazwą. Grzechy starości (Péchés de vieillesse: Album pieśni włoskich - Album per canto italiano, album francuski - Album francais, Utwory powściągliwe - rezerwy Morceaux, Cztery przystawki i cztery desery - Quatre hors d'oeuvres et quatre mendiants, na fp., Album na fp., skr., vlch., fisharmonię i waltornię, wiele innych, 1855-68, Paryż, niepublikowany); muzyka duchowa- Absolwent (na 3 głosy męskie, 1808), msza (na głosy męskie, 1808, odprawiona w Rawennie), Laudamus (ok. 1808), Qui tollis (ok. 1808), Msza uroczysta (Messa solenne, połączone z P. Raimondi, 1819, hiszpański 1820, kościół San Fernando, Neapol), Cantemus Domino (na 8 głosów z fortepianem lub organami, 1832, hiszpański 1873), Ave Maria (na 4 głosy, 1832, hiszpański 1873), Quoniam (na bas i orkiestra, 1832),
Gioakkino Rossini urodził się 29 lutego 1792 r. w Pesaro w rodzinie trębacza miejskiego (herolda) i śpiewaka.
Bardzo wcześnie zakochał się w muzyce, zwłaszcza w śpiewie, ale naukę na poważnie zaczął dopiero w wieku 14 lat, wstępując do Liceum Muzycznego w Bolonii. Tam uczył się gry na wiolonczeli i kontrapunktu do 1810 roku, kiedy to w Wenecji wystawiono pierwsze godne uwagi dzieło Rossiniego, jednoaktową operową farsę La cambiale di matrimonio (1810).
Po nim nastąpił szereg oper tego samego typu, wśród których dwie - "Produkt" (La pietra del paragone, 1812) i "Jedwabne schody" (La scala di seta, 1812) - są nadal popularne.
W 1813 roku Rossini skomponował dwie opery, które uwieczniły jego imię: „Tancredi” (Tancredi) Tasso, a następnie dwuaktową operę buffa „Włoski w Algierze” (L „włoska w Algierze”), triumfalnie przyjęta w Wenecji, a następnie w całej Północy. Włochy.
Młody kompozytor próbował skomponować kilka oper dla Mediolanu i Wenecji. Ale żaden z nich (nawet opera Il Turco in Italia, 1814, która zachowała swój urok we Włoszech - rodzaj „pary” do opery Włoch w Algierii) nie odniosła sukcesu.
W 1815 Rossini znów miał szczęście, tym razem w Neapolu, gdzie podpisał kontrakt z impresario Teatru San Carlo.
Mowa o operze „Elisabetta, królowa Anglii” (Elisabetta, regina d „Inghilterra), wirtuozowskim utworze napisanym specjalnie dla Isabelli Colbran, hiszpańskiej primadonny (sopran), która przez kilka lat cieszyła się przychylnością neapolitańskiego dworu później Isabella została żoną Rossiniego).
Następnie kompozytor udał się do Rzymu, gdzie planował napisać i wystawić kilka oper.
Drugim z nich – w momencie pisania – była opera „Cyrulik sewilski” (Il Barbiere di Siviglia), wystawiona po raz pierwszy 20 lutego 1816 r. Porażka opery na premierze okazała się równie głośna, jak jej triumf w przyszłości.
Wracając, zgodnie z warunkami kontraktu, do Neapolu, Rossini wystawił tam w grudniu 1816 operę, być może najbardziej docenioną przez współczesnych – „Otella” Szekspira. Jest w nim kilka naprawdę pięknych fragmentów, ale dzieło psuje libretto, które wypaczyło tragedię Szekspira.
Rossini skomponował kolejną operę ponownie dla Rzymu. Jego "Kopciuszek" (La cenerentola, 1817) został później przychylnie przyjęty przez publiczność, ale premiera nie dała podstaw do spekulacji na temat przyszłego sukcesu. Jednak Rossini przeżył tę porażkę znacznie spokojniej.
W tym samym 1817 roku udał się do Mediolanu, by wystawić operę La gazza ladra, Srokę złodziejską, elegancko zaaranżowany melodramat, teraz prawie zapomniany, z wyjątkiem wspaniałej uwertury.
Po powrocie do Neapolu Rossini wystawił tam pod koniec roku operę Armida, która została ciepło przyjęta i wciąż jest oceniana znacznie wyżej niż Sroka złodziejka.
W ciągu następnych czterech lat Rossini skomponował kilkanaście oper, w większości obecnie mało znanych.
Jednak przed zerwaniem kontraktu z Neapolem podarował miastu dwie wybitne prace. W 1818 napisał operę Mojżesz w Egipcie (Mos in Egitto), która wkrótce podbiła Europę.
W 1819 roku Rossini zaprezentował Panią Jeziora (La donna del lago), która odniosła skromniejszy sukces.
W 1822 r. Rossini w towarzystwie żony Isabelli Colbrand po raz pierwszy opuścił Włochy: zawarł umowę ze swoim starym przyjacielem, impresario Teatru San Carlo, obecnie dyrektorem Opery Wiedeńskiej.
Kompozytor przywiózł do Wiednia swoje najnowsze dzieło – operę „Zelmira” (Zelmira), która przyniosła autorowi bezprecedensowy sukces. Chociaż niektórzy muzycy, na czele z K.M. von Weberem, ostro krytykowali Rossiniego, inni, m.in. Społeczeństwo bezwarunkowo opowiedziało się po stronie Rossiniego.
Najważniejszym wydarzeniem podróży Rossiniego do Wiednia było spotkanie z Beethovenem.
Jesienią tego samego roku kompozytor został wezwany do Werony przez księcia Metternicha: Rossini miał uczcić kantatami zawarcie Świętego Przymierza.
W lutym 1823 skomponował dla Wenecji nową operę Semiramidę, z której w repertuarze koncertowym pozostała tylko uwertura. „Semiramide” można uznać za kulminację okresu włoskiego w twórczości Rossiniego, choćby dlatego, że była to ostatnia jego opera skomponowana dla Włoch. Co więcej, opera ta była wystawiona w innych krajach z takim blaskiem, że po niej nie było już wątpliwości co do reputacji Rossiniego jako największego kompozytora operowego epoki. Nic dziwnego, że Stendhal porównał triumf Rossiniego na polu muzyki do zwycięstwa Napoleona w bitwie pod Austerlitz.
Pod koniec 1823 r. Rossini trafił do Londynu (gdzie przebywał przez sześć miesięcy), a wcześniej spędził miesiąc w Paryżu. Kompozytora gościnnie witał król Jerzy VI, z którym śpiewał w duetach, Rossini cieszył się dużym zainteresowaniem w świeckim społeczeństwie jako śpiewak i akompaniator.
Najważniejszym wydarzeniem tamtych czasów było zaproszenie kompozytora do Paryża jako dyrektora artystycznego Opery Théâtre d'Italiane. Znaczenie tego kontraktu polega na tym, że wyznaczał on miejsce zamieszkania kompozytora do końca jego dni. Ponadto potwierdził absolutną wyższość Rossiniego jako kompozytora operowego. (Należy pamiętać, że Paryż był wówczas centrum „muzycznego wszechświata”, zaproszenie do Paryża było dla muzyka bardzo dużym wyróżnieniem).
Udało mu się udoskonalić kierownictwo Opery Włoskiej, zwłaszcza w zakresie dyrygowania spektaklami. Z wielkim sukcesem wykonano dwie opery napisane wcześniej, które Rossini radykalnie zrewidował dla Paryża. A co najważniejsze, skomponował operę komiczną „Hrabia Ory”, która, jak można się spodziewać, okazała się ogromnym sukcesem.
Kolejnym dziełem Rossiniego, które ukazało się w sierpniu 1829 roku, była opera „William Tell” (Guillaume Tell), kompozycja uznawana za największe osiągnięcie kompozytora.
Uznawana przez wykonawców i krytyków za absolutne arcydzieło, opera ta jednak nigdy nie wzbudziła takiego entuzjazmu wśród publiczności jak „Cyrulik sewilski”, „Semiramide” czy „Mojżesz”: zwykli słuchacze uznali „Opowiedz” za operę zbyt długą i chłodną . Nie da się jednak zaprzeczyć, że opera zawiera w sobie najpiękniejszą muzykę i na szczęście nie zniknęła całkowicie z repertuaru współczesnego świata. Wszystkie opery Rossiniego powstałe we Francji są napisane do francuskich librett.
Po „Williamie Tellu” Rossini nie pisał już oper, aw ciągu następnych czterech dekad stworzył tylko dwie znaczące kompozycje w innych gatunkach. Takie zaprzestanie działalności kompozytorskiej u szczytu mistrzostwa i sławy jest zjawiskiem wyjątkowym w historii światowej kultury muzycznej.
Przez następną dekadę po Tellu Rossini, choć zachował mieszkanie w Paryżu, mieszkał głównie w Bolonii, gdzie miał nadzieję znaleźć odpoczynek, którego potrzebował po nerwowych napięciach poprzednich lat.
Co prawda w 1831 wyjechał do Madrytu, gdzie ukazało się powszechnie obecnie znane „Stabat Mater” (w pierwszym wydaniu), a w 1836 do Frankfurtu, gdzie poznał F. Mendelssohna, dzięki któremu odkrył twórczość J.S. Kawaler.
Można przypuszczać, że kompozytor został wezwany do Paryża nie tylko przez sprawy sądowe. W 1832 Rossini poznał Olimpię Pelissier. Ponieważ związek Rossiniego z żoną dawno pozostawiał wiele do życzenia, w końcu para zdecydowała się odejść, a Rossini poślubił Olimpię, która stała się dobrą żoną dla chorego kompozytora.
W 1855 roku Olimpia przekonała męża, by wynajął powóz (nie rozpoznawał pociągów) i pojechał do Paryża. Bardzo powoli, jego stan fizyczny i psychiczny zaczął się poprawiać, kompozytor powrócił do części optymizmu. Muzyka, która od lat była tematem tabu, znów zaczęła mu przychodzić na myśl.
15 kwietnia 1857 – imieniny Olimpii – stały się swego rodzaju punktem zwrotnym: tego dnia Rossini zadedykował swojej żonie cykl romansów, które skomponował w tajemnicy przed wszystkimi. Potem nastąpiła seria małych sztuk teatralnych - Rossini nazwał je "grzechami mojej starości". Ta muzyka stała się podstawą baletu „Magic Shop” (La boutique fantasque).
W 1863 roku ukazało się ostatnie dzieło Rossiniego – „Mała msza uroczysta” (Petite messe solennelle). Msza ta w istocie nie jest zbyt uroczysta i wcale nie mała, ale dzieło piękne w muzyce i przepojone głęboką szczerością.
Po 19 latach na prośbę rządu włoskiego trumnę kompozytora przewieziono do Florencji i pochowano w kościele Santa Croce obok prochów Galileusza, Michała Anioła, Machiavellego i innych wielkich Włochów.
Jak obliczana jest ocena?◊ Ocena jest obliczana na podstawie punktów zgromadzonych w ostatnim tygodniu
◊ Punkty są przyznawane za:
⇒ odwiedzanie stron poświęconych gwieździe
⇒ zagłosuj na gwiazdę
⇒ komentowanie gwiazd
Biografia, historia życia Rossiniego Gioacchino
ROSSINI Gioacchino (1792-1868), włoski kompozytor. Z twórczością Rossiniego związany jest rozkwit włoskiej opery w XIX wieku. Jego muzykę wyróżnia niewyczerpane bogactwo melodyczne, dokładność i dowcipne cechy. Operę-buffę wzbogacił realistyczną treścią, której szczytem jest jego Cyrulik sewilski (1816). Opery: Tankred, Włoszka w Algierze (obie 1813), Otello (1816), Kopciuszek, Sroka złodziejka (obie 1817), Semiramide (1823), William Tell (1829) , żywy przykład opery heroiczno-romantycznej) .
ROSSINI Gioacchino (pełna nazwa Gioacchino Antonio) (29 lutego 1792, Pesaro - 13 listopada 1868, Passy k. Paryża), włoski kompozytor.
Burzliwy początek
Syn waltornisty i śpiewaka, od dzieciństwa uczył się gry na różnych instrumentach i śpiewu; śpiewał w chórach kościelnych i teatrach w Bolonii, gdzie rodzina Rossini osiadła w 1804 roku. W wieku 13 lat był już autorem sześciu uroczych sonat na smyczki. W 1806, gdy miał 14 lat, wstąpił do Bolońskiego Liceum Muzycznego, gdzie jego nauczycielem kontrapunktu był wybitny kompozytor i teoretyk S. Mattei (1750-1825). Swoją pierwszą operę, jednoaktową farsę The Marriage Promissory Note (dla weneckiego teatru San Moise) skomponował w wieku 18 lat. Rozkazy napłynęły z Bolonii, Ferrary, ponownie z Wenecji i Mediolanu. Napisana dla teatru La Scala opera The Touchstone (1812) przyniosła Rossiniemu pierwszy duży sukces. W ciągu 16 miesięcy (w latach 1811-12) Rossini napisał siedem oper, w tym sześć z gatunku opera-buffa.
Pierwszy międzynarodowy sukces
W kolejnych latach aktywność Rossiniego nie zmniejszyła się. W 1813 ukazały się jego dwie pierwsze opery, które odniosły międzynarodowy sukces. Oba powstały dla teatrów Wenecji. Cykl operowy „Tankred” jest bogaty w niezapomniane melodie i zwroty harmoniczne, momenty genialnego pisania orkiestrowego; Opera buffa Włoszka w Algierze łączy komiczną groteskę, wrażliwość i patriotyczny patos. Mniej udane były dwie opery przeznaczone dla Mediolanu (m.in. Turek we Włoszech, 1814). W tym czasie utrwaliły się główne cechy stylu Rossiniego, w tym słynne „Rossini crescendo”, które uderzyło jego współczesnych: technika stopniowego zwiększania intensywności poprzez wielokrotne powtarzanie krótkiej frazy muzycznej z dodatkiem coraz to nowych instrumentów, poszerzanie zakresu, dzielenie czasu trwania, zróżnicowanie artykulacji.
CIĄG DALSZY PONIŻEJ
„Cyrulik sewilski” i „Kopciuszek”
W 1815 r. na zaproszenie wpływowego impresaria Domenico Barbaia (1778-1841) Rossini wyjechał do Neapolu, by objąć stanowisko stałego kompozytora i dyrektora muzycznego Teatru San Carlo. Dla Neapolu Rossini pisał głównie opery poważne; jednocześnie wykonywał zamówienia z innych miast, w tym z Rzymu. To dla teatrów rzymskich przeznaczone były dwie najlepsze buffaopery Rossiniego, Cyrulik sewilski i Kopciuszek. Ten pierwszy, ze swoimi wdzięcznymi melodiami, ekscytującymi rytmami i mistrzowskimi zespołami, uważany jest za szczyt gatunku bufonów we włoskiej operze. Na premierze w 1816 roku Cyrulik sewilski nie powiódł się, ale jakiś czas później zdobył sympatię publiczności wszystkich krajów europejskich. W 1817 roku pojawiła się urocza i wzruszająca bajka „Kopciuszek”; partia jej bohaterki zaczyna się prostą pieśnią w duchu ludowym, a kończy wytworną koloraturową arią przystającą do księżniczki (muzyka arii zapożyczona z Cyrulika sewilskiego).
dojrzały mistrz
Wśród poważnych oper, jakie Rossini powstał w tym samym okresie dla Neapolu, wyróżnia się Otello (1816); ostatni, trzeci akt tej opery, z solidną, solidną konstrukcją, świadczy o pewnej i dojrzałej sprawności Rossiniego jako dramatopisarza. W swoich neapolitańskich operach Rossini oddał niezbędny hołd stereotypowej wokalnej „akrobacji” i jednocześnie znacznie rozszerzył wachlarz środków muzycznych. Wiele scen zespołowych tych oper jest bardzo rozbudowanych, chór odgrywa niezwykle aktywną rolę, obligatoryjne recytatywy nasycone są dramaturgią, często na pierwszy plan wysuwa się orkiestra. Podobno, chcąc od samego początku wciągnąć publiczność w perypetie dramatu, Rossini zrezygnował z tradycyjnej uwertury w wielu operach. W Neapolu Rossini rozpoczął romans z najpopularniejszą primadonna, przyjacielem Barbai I. Colbranem. W 1822 r. pobrali się, ale szczęście rodzinne nie trwało długo (ostateczna przerwa nastąpiła w 1837 r.).
W Paryżu
Kariera Rossiniego w Neapolu zakończyła się cyklami operowymi Mohammed II (1820) i Zelmira (1822); jego ostatnią operą stworzoną we Włoszech była Semiramide (1823, Wenecja). Kompozytor wraz z żoną spędzili kilka miesięcy w 1822 r. w Wiedniu, gdzie Barbaia zorganizowała sezon operowy; następnie wrócili do Bolonii, a w latach 1823-24 udali się do Londynu i Paryża. W Paryżu Rossini objął kierownictwo muzyczne Teatru Włoskiego. Wśród dzieł Rossiniego stworzonych dla tego teatru i dla Wielkiej Opery znajdują się edycje wczesnych oper (Oblężenie Koryntu, 1826; Mojżesz i faraon, 1827), częściowo nowe kompozycje (Comte Ori, 1828) i opery, od początku nowe. koniec (William Tell, 1829). Ta ostatnia – pierwowzór francuskiej heroicznej grand opera – jest często uważana za szczyt twórczości Rossiniego. Jest niezwykle obszerny, zawiera wiele inspirujących stron, przepełniony jest złożonymi zespołami, scenami baletowymi i procesjami w tradycyjnym francuskim duchu. Bogactwo i wyrafinowanie orkiestracji, śmiałość języka harmonicznego i bogactwo dramatycznych kontrastów „William Tell” przewyższa wszystkie dotychczasowe dzieła Rossiniego.
Znowu we Włoszech. Powrót do Paryża
Po Williamie Tellu 37-letni kompozytor, który osiągnął szczyt sławy, postanowił zrezygnować z komponowania oper. W 1837 wyjechał z Paryża do Włoch, a dwa lata później został mianowany doradcą Bolońskiego Liceum Muzycznego. Następnie (w 1839) zachorował na długą i ciężką chorobę. W 1846 roku, rok po śmierci Izabeli, Rossini poślubił Olimpię Pelissier, z którą mieszkał wówczas przez 15 lat (to właśnie Olimpia opiekowała się Rossinim w czasie jego choroby). Przez cały ten czas praktycznie nie komponował (jego kompozycja kościelna Stabat mater, wykonana po raz pierwszy w 1842 pod dyrekcją G. Donizettiego, pochodzi z okresu paryskiego). W 1848 roku Rossini przenieśli się do Florencji. Powrót do Paryża (1855) wpłynął korzystnie na zdrowie i ton twórczy kompozytora. Ostatnie lata jego życia to tworzenie wielu eleganckich i dowcipnych utworów fortepianowych i wokalnych, które Rossini nazwał „Grzechami starości” i „Małą mszą uroczystą” (1863). Przez cały ten czas Rossiniego otaczała powszechna cześć. Został pochowany na cmentarzu Pere Lachaise w Paryżu; w 1887 jego prochy przeniesiono do florenckiego kościoła św. Krzyż (Santa Croce).
Gioacchino Rossini
Rossini urodził się w Pesaro, w Marche, w 1792 roku w rodzinie muzycznej. Ojciec przyszłego kompozytora był waltornistą, a matka śpiewaczką.
Wkrótce w dziecku odkryto talent muzyczny, po czym wysłano go do rozwijania głosu. Wysłali go do Bolonii, do Angelo Tesei. Tam też zaczął uczyć się grać.
Ponadto słynny tenor Mateo Babbini udzielił mu kilku lekcji. Nieco później został uczniem Abbe Matei. Nauczył go jedynie znajomości prostego kontrapunktu. Według opata znajomość kontrapunktu wystarczała do samodzielnego pisania oper.
I tak się stało. Pierwszym debiutem Rossiniego była jednoaktowa opera La cambiale di matrimonio, Weksel małżeński, która, podobnie jak jego kolejna opera wystawiona w teatrze weneckim, przyciągnęła uwagę szerokiej publiczności. Lubiła ich i lubiła tak bardzo, że Rossini był dosłownie przytłoczony pracą.
Do 1812 roku kompozytor napisał już pięć oper. Po ich wystawieniu w Wenecji Włosi doszli do wniosku, że Rossini jest największym żyjącym kompozytorem operowym we Włoszech.
Najbardziej spodobał się publiczności jego „Cyrulik sewilski”. Panuje opinia, że opera ta jest nie tylko najbardziej pomysłowym dziełem Rossiniego, ale także najlepszym dziełem w gatunku oper buff. Rossini stworzył go w dwadzieścia dni na podstawie sztuki Beaumarchais.
Na tej fabule napisano już operę, dlatego nową operę odbierano jako zuchwałość. Dlatego za pierwszym razem była postrzegana raczej chłodno. Gioacchino, po raz drugi zdenerwowany, odmówił dyrygowania w swojej operze i właśnie po raz drugi otrzymała najwspanialszą odpowiedź. Odbyła się nawet procesja z pochodniami.
Nowe opery i życie we Francji
Podczas pisania opery Otello Rossini całkowicie zrezygnował z recitativo secco. I bezpiecznie dalej pisał opery. Wkrótce podpisał kontrakt z Domenico Barbaia, któremu zobowiązał się wystawić co roku dwie nowe opery. Miał w tym momencie w swoich rękach nie tylko opery neapolitańskie, ale także mediolańską La Scala.
W tym czasie Rossini poślubił piosenkarkę Isabellę Colbran. W 1823 wyjechał do Londynu. Został tam zaproszony przez dyrektora Teatru Jego Królewskiej Mości. Tam w ciągu około pięciu miesięcy, wraz z lekcjami i koncertami, zarabia około 10 000 funtów.
Gioachino Antonio RossiniWkrótce osiadł w Paryżu i na długo. Tam został dyrektorem Théâtre Italienne w Paryżu.
Jednocześnie Rossini w ogóle nie posiadał zdolności organizacyjnych. W rezultacie teatr znalazł się w bardzo katastrofalnej sytuacji.
Ogólnie rzecz biorąc, po rewolucji francuskiej Rossini stracił nie tylko to, ale także resztę swoich stanowisk i przeszedł na emeryturę.
Za życia w Paryżu stał się prawdziwym Francuzem iw 1829 napisał William Tell, swoje ostatnie dzieło sceniczne.
Zakończenie kariery twórczej i ostatnie lata życia
Wkrótce, w 1836 r., musiał wrócić do Włoch. Początkowo mieszkał w Mediolanie, potem przeniósł się i zamieszkał w swojej willi pod Bolonią.
W 1847 roku zmarła jego pierwsza żona, a dwa lata później ożenił się z Olimpią Pelissier.
Przez pewien czas odradzał się ponownie dzięki ogromnemu sukcesowi swojej ostatniej pracy, ale w 1848 r. zamieszki, które miały miejsce, bardzo źle wpłynęły na jego samopoczucie i całkowicie przeszedł na emeryturę.
Musiał uciekać do Florencji, potem wyzdrowiał i wrócił do Paryża. Swój dom uczynił jednym z najmodniejszych wówczas salonów.
Rossini zmarł w 1868 roku na zapalenie płuc.
