Przed tobą - pierwsza lekcja dla początkujących w oświetleniu. Autorem tej serii szkoleń jest Neil Fraser, kurator Wydziału Technicznego Królewskiej Akademii Sztuki Dramatycznej w Londynie. W tym artykule autor zwraca uwagę na pięć głównych aspektów oświetlenia scenicznego i proponuje projektantom oświetlenia sposoby na jego ulepszenie.
Neil Frazier: „Pisząc ten artykuł, próbowałem wymienić, co staramy się osiągnąć dzięki oświetleniu scenicznemu. Oczywiście nie wszystkie powyższe będą prawdziwe w każdym przypadku, powstała lista jest moją próbą jak najpełniejszej odpowiedzi na to pytanie.
A więc oświetlenie sceniczne:
- daje nam możliwość zobaczenia, co dzieje się na scenie,
- charakteryzuje miejsce i czas zabawy,
- informuje nas o nastroju sceny,
- podkreśla te miejsca, które są szczególnie ważne do zobaczenia,
- nadaje scenie niezbędną atrakcję,
- podkreśla gatunek i styl spektaklu,
- podbija nas efektami specjalnymi.
Zadaniem projektanta oświetlenia jest właśnie wiedzieć, jak osiągnąć to wszystko w najbardziej efektywny sposób (oczywiście we współpracy z innymi osobami: reżyserem, scenografem itp.). Ta wiedza obejmuje kilka aspektów, które omówimy w tym kurs:
- zastrzyk,
- kształtować się,
- Kolor,
- ruch
- i skład.
Po pierwsze, zauważ, że pierwsze trzy punkty (kąt, kształt i kolor) charakteryzują samo światło, podczas gdy ostatnie dwa (ruch i kompozycja) opisują, w jaki sposób używamy tego światła do tworzenia scen świetlnych.
Teatr Muzyczny. Stanisławski i Niemirowicz-Danczenko,
reżyser Aleksander Tytel,
projektant oświetlenia Damir Ismagilov
Niezbędne są wszystkie pięć elementów: z ich pomocą opowiadamy historię, tworzymy nastrój lub po prostu przekazujemy odbiorcom określone informacje. To, jak to robimy, zależy od tego, czego nauczyliśmy się o naturze światła, o tym, jak działa – odbieramy, gromadzimy i systematyzujemy to doświadczenie przez całe życie, od urodzenia.
dyrektor Francesca Zambello,
projektant oświetlenia Mark McCullough
Bazując na tej wiedzy, projektanci oświetlenia decydują, pod jakim kątem każda scena będzie oświetlona, jaki powinien być kolor i kształt promieni, jak to wszystko się ułoży i jak zmieni się zgodnie z intencją zabawy. Publiczność również nie jest pominięta. Stają się ekspertami w interpretacji wzorów świetlnych, chociaż często nie zdają sobie z tego sprawy. Z tego punktu widzenia możemy mówić o oświetleniu efektownym – czyli takim, które pozwala widzom uchwycić znaczenie i poczuć nastrój sceny świetlnej.
Scena ze spektaklu „Sepia” Tatiany Baganowej,
Jekaterynburska trupa „Tańce prowincjonalne”
W przypadku większości rozwiązań oświetleniowych nie ma czegoś takiego jak „dobre” lub „złe”, a jest to bardzo ważne, ponieważ pozwala projektantowi oświetlenia zrealizować własne rozumienie, własny styl. Jednak Neil Fraser zdecydowanie doradza początkującym artystom oświetlenia, aby udoskonalili i rozwinęli swoje pomysły w kierunku efektywnego oświetlenia. Można to zrobić na kilka sposobów.
1. Ćwiczyć. Wykorzystaj każdą okazję, aby przetestować swoje pomysły, wypróbować nowe rzeczy, odkrywać i tworzyć,
2. Obserwacja. Wszędzie – wewnątrz i na zewnątrz, w kinie i w realnym świecie – zwróć uwagę na światło i ustal, jak zostało odebrane i jak możesz je odtworzyć na scenie.
3. Edukacja. Ucz się od malarzy, jak używać światła i komponować swoje obrazy.
Dobrymi przykładami mogą być prace Rembrandta, Caravaggia czy Davida Hockneya.
Najważniejsze to zacząć myśleć o tym, jak światło „działa” i jak możemy je wykorzystać. To pierwsze praktyczne zadanie dla tych, którzy chcą zostać prawdziwymi profesjonalistami od oświetlenia scenicznego.
W kolejnej odsłonie serii – „Poznać kąt oświetlenia” – Neil Fraser opowiada o tym, jak dobrać odpowiedni kąt oświetlenia. Życzymy twórczego sukcesu!
Część 2. Znajdź odpowiedni kąt
Przed Tobą - druga lekcja z serii dla początkujących w oświetleniu. W pierwszym artykule Neil Fraser, kurator wydziału technicznego Królewskiej Akademii Sztuk Dramatycznych, przyjrzał się pięciu głównym aspektom oświetlenia scenicznego.
W drugiej lekcji Neil Fraser odpowiada na pytanie, gdzie na scenie powinno padać światło, opowiada o różnych kątach oświetlenia i oferuje szereg przydatnych ćwiczeń do budowania obrazów świetlnych.
Wybierając kąt padania światła, ważne jest znalezienie kompromisu między tym, jak wyraźnie widzowie widzi oświetlany obiekt, a dramatycznym postrzeganiem tego obiektu. Wspaniale jest, gdy obie idee są urzeczywistnione, ale często jeden z nich wypiera drugi. Na przykład dzieje się tak, gdy ktoś próbuje uczynić obiekt bardziej widocznym dla widzów i usuwa cienie, które nadają mu pożądany charakter.
Zwykle patrząc pod kątem padania światła możemy odgadnąć, gdzie znajduje się jego źródło. Trudniej jest określić, które źródło emituje światło: słońce, lampa stołowa czy lampa uliczna. Tak więc, interpretując światło na scenie, publiczność nie może doszukiwać się analogii między kątem padania światła a znanym mu rzeczywistym źródłem światła.
Podstawowe kąty oświetlenia
Poniżej wymieniono pięć podstawowych kątów charakteryzujących położenie źródła światła w stosunku do oświetlanego obiektu:
- Światło poziome (płaskie) - światło padające bezpośrednio na obiekt wzdłuż linii wzroku widza
- Światło tylne - światło dochodzące z tyłu iz góry
- Światło boczne - światło z boku na poziomie obiektu
- Światło górne – źródło znajduje się bezpośrednio nad obiektem
- Światło rampy – źródło znajduje się przed obiektem od dołu
Łącząc niektóre z tych obszarów, możesz również uzyskać:
- Światło przednie górne - światło z góry i z przodu obiektu
- Światło ukośne - światło z góry, z dala od obiektu
Wybór kąta oświetlenia zależy od tego, co chcemy przekazać widzowi. Więc wyobraźmy sobie emocjonalne znaczenie tych kątów.
Mieszkanie Oświetlenie sceniczne jest często matowe, ponieważ prawie nie tworzy cieni. Tylko w pewnym kontekście (gdy wymagane jest silne uderzenie) może być tajemniczy i interesujący.
Tył światło można nazwać złowieszczym lub tajemniczym. Rzadko jest używany samodzielnie, w czystej postaci.
Strona światło ma silne działanie, jako coś abstrakcyjnego (rzadko spotykane w warunkach naturalnych).
Górny światło może być odbierane jako przytłaczające, wydaje się, że naciska na oświetlony przedmiot.
Rampa światło na scenie wydaje się najdziwniejsze, nadprzyrodzone i niezwykłe ze wszystkich. Nic dziwnego, że jest używany rzadziej niż inne.
Górny przód
doświetlacz modeluje znane nam źródła światła - to pod tym kątem pada światło słoneczne, światło lamp ulicznych czy żyrandola pokojowego. Ponadto najbardziej harmonijnie łączy dobrą widoczność i pewną dramaturgię.
Przekątna
światło nie jest tak znajome jak górne przednie światło, ale bardziej naturalne niż światło boczne, ponieważ. spada z góry.
Efekt, jaki światło wywiera na widza, zależy nie tyle od samego światła, ile od rzucanych przez nie cieni. To światłocień potrafi pokazać zarysy i kształt przedmiotu, wzbudzić nim zainteresowanie.
Łączenie kątów świecenia
Użycie wielu źródeł światła w scenie sprawia, że scena jest bardziej interesująca. Oto kilka uwag na ten temat:
- Efekt źródeł światła umieszczonych pod podstawowymi kątami w stosunku do obiektu może być bardzo różny od tego, jaki uzyskuje się w wyniku ich połączenia. Łącząc różne kąty oświetlenia, musimy mieć na uwadze, jak każde światło wpływa na ogólny obraz. Na przykład jeden róg służy do nadania obrazowi przejrzystości, a drugi do tworzenia dramatycznego światła.
- Każdy projektant oświetlenia wie, że posiadanie silnego, dominującego źródła światła w schemacie oświetleniowym uatrakcyjnia obraz oświetleniowy. Można przypuszczać, że mocne światło klawiszowe jest przez nas odbierane jako przyjemne na poziomie podświadomości (jak to bywa w pogodny, słoneczny dzień). Możesz to wykorzystać: nie jest trudno sprawić, by jedno źródło światła było silniejsze od drugiego i dobrze wygląda.
- Należy pamiętać, że użycie zbyt wielu kątów oświetlenia powoduje rozmycie lub prześwietlenie całego obrazu. Wygląda dobrze, ale nie jest ciekawie na to patrzeć. Tutaj (jak w wielu innych sytuacjach) sprawdza się powiedzenie „lepiej mniej znaczy więcej”.
- Światło na scenie jest w stanie „przesunąć” obiekt, np. przybliżyć go lub oddalić. Jest to bardzo widoczne, gdy zastosujemy podświetlenie, które w połączeniu z innymi kątami świecenia nabiera realnej mocy: tworząc wokół obiektu aureolę, wydaje się dociskać go w stronę widza, podkreśla jego kształt, ukazuje jego trójwymiarowość.
Zazwyczaj sposób, w jaki artysta wdraża oświetlenie na scenie, opiera się na tym, jak działa ono w świecie rzeczywistym. Jeśli obiekt sceniczny wygląda w zwykły sposób, widz z łatwością wymyśla znane mu źródło światła. Wtedy możemy mówić o naturalnym (realistycznym) świetle na scenie.
Podczas pracy z kątami oświetlenia należy pamiętać o kilku ogólnych punktach dotyczących pracy ze światłem:
- to światło ujawnia kształt przedmiotów,
- identyczne wzory świetlne szybko się nudzą,
- niewystarczająca liczba źródeł światła pogarsza widoczność,
- obecność cienia wzmacnia efekt światła.
Z reguły artyści zajmujący się oświetleniem ulepszają swoje rzemiosło, gdy tylko wykonują swoją pracę. Czasami jednak warto poeksperymentować ze światłem, nie będąc przywiązanym do żadnego projektu. Takie ćwiczenia można wykonywać samodzielnie lub w towarzystwie kolegów.
Neil Fraser zaleca początkującym artystom oświetlenia prowadzenie dziennika lub dziennika zawierającego pomysły, linki, diagramy i szkice, fotografie, pocztówki i tym podobne. Taki magazyn może stać się swoistą skarbonką pomysłów i źródłem inspiracji. Pomocne będzie dołączenie notatek do sugerowanych ćwiczeń.
ĆWICZENIA
Większość praktycznych ćwiczeń tutaj będzie wymagała wielu źródeł światła. Oczywiście najlepiej nadają się lampy teatralne, ale w niektórych przypadkach można sobie poradzić z lampami podłogowymi. Niektóre ćwiczenia można modelować w miniaturze za pomocą małych żarówek i powierzchni stołu. Niepraktyczne ćwiczenia pomogą Ci wypełnić notatnik lub dziennik pomysłami.
Ćwiczenie 1. Szukanie odpowiedniego kąta
1. Znajdź interesujący obiekt nieożywiony do oświetlenia, taki jak ułożenie piramidy krzeseł lub zarzucenie materiału na nogi odwróconego stołu.
2.Wybierz punkt widzenia.
3. Weź trzy źródła światła i umieść je pod różnymi kątami do obiektu.
4. Zobacz, jak wygląda oświetlenie z każdego źródła z osobna i opisz to
5. Zobacz, jak wygląda oświetlenie przy łączeniu źródeł światła w pary, opisz swoje wrażenia.
6. Przyjrzyj się efektowi włączenia wszystkich trzech źródeł jednocześnie, opisz swoje wrażenia w dzienniku. Jeśli masz możliwość zmiany jasności oprawy, użyj jej do tworzenia kombinacji świateł kluczowych i wypełniających.
Aby efekt każdego światła był bardziej zauważalny, użyj dla każdego innego filtra kolorów o nasyconych odcieniach, takich jak czerwony, cyjan i zielony.
Ćwiczenie 2. Malowanie światłem
1. Wyświetl listę podstawowych kątów oświetlenia:
światło poziome,
podświetlenie,
światło boczne,
górne światło,
Światło rampy.
2. Weź stos starych czasopism i przejrzyj go w poszukiwaniu ilustracji, na które światło pada w jeden z powyższych sposobów.
3. Gdy jest wystarczająco dużo takich przykładów, ułóż je w kolejności rosnącej: od najlepszego do najgorszego zastosowania danego kąta świecenia.
Niektóre kąty oświetlenia będą spotykane częściej niż inne i są rzadkością w czystej postaci. Dlatego możesz powtórzyć to ćwiczenie, gdy ponownie gromadzisz stare dzienniki. Zapisz swoje najlepsze zdjęcia w folderze, aby móc do nich odwoływać się w przyszłości. To ćwiczenie można wykonać podczas oglądania telewizji lub obrazów wideo.
Ćwiczenie 3. Nauka widzenia światła
1. Zrób listę podstawowych kątów oświetlenia:
światło poziome,
podświetlenie,
światło boczne,
górne światło,
Światło rampy.
2. Odwiedź kilka różnych miejsc, takich jak sypialnia, klasa, sala biblioteczna, park itp.
3. Zrób w zeszycie odpowiednie notatki (miejsce, pora dnia itp.) i ustal kąty padania światła w każdym z tych miejsc.
4. Jeśli potrafisz rysować, szkicuj.
Wymyśl etykietę dla każdego rogu (może się to przydać w późniejszych notatkach).
Ćwiczenie 4. Trzech na jednego
To ćwiczenie jest podobne do ćwiczenia 1, ale zamiast nieożywionego obiektu powinien być oświetlony żywy model. Ponownie, ważną częścią tego ćwiczenia jest słowny opis tego, co widzisz. To ćwiczenie stanie się jeszcze bardziej przydatne, jeśli poprowadzisz je i przedyskutujesz z partnerem.
1. Umieść model na środku oświetlanej przestrzeni.
2. Wybierz punkt obserwacyjny - miejsce, z którego będziesz patrzył na model.
3. Wybierz trzy światła i umieść je pod różnymi kątami do modelu.
4. Zobacz jak każdy z nich indywidualnie oświetla model. Opisz swoje wrażenia: co Ci przypomina, jaką atmosferę tworzą, jakie emocje wywołują.
5. Zrób to samo dla sparowanych kombinacji źródeł światła.
6. Włącz wszystkie trzy źródła na raz i zapisz swoje wrażenia.
7. Jeśli możesz przyciemnić światła, utwórz klucz i wypełnij światło. Lub przejdź do ćwiczenia 6 (które rozwija ten temat).
Ćwiczenie 5
Utwórz schemat oświetlenia dla modelu umieszczonego na środku wybranej przestrzeni, używając pięciu źródeł światła. Każdy z nich powinien świecić pod jednym z podstawowych kątów:
światło poziome,
podświetlenie,
światło boczne,
górne światło,
Światło rampy.
Oczywiście, robiąc to, musisz bardzo jasno określić swój własny punkt widzenia. Kiedy tworzysz swój schemat:
1. Zobacz, jak wszystkie pięć świateł działa samodzielnie. Opisz swoje wrażenia: co Ci przypomina, jaką atmosferę tworzą, jakie emocje wywołują.
2. Połącz źródła światła w pary i zapisz swoje wrażenia.
3. Zrób to samo dla różnych kombinacji trzech źródeł światła.
4. Jeśli możesz dostosować jasność świateł, utwórz wiele odmian świateł kluczowych i wypełniających.
5. Odpowiedz sobie na następujące pytania:
Czy podoba Ci się, jak model jest oświetlony pod takim czy innym kątem. Wybierz swoje ulubione pojedyncze źródło światła: dlaczego je lubisz?
Którą z kombinacji stworzonych przez Ciebie źródeł światła lubisz, a które nie? Czemu? Czy możesz użyć swojego schematu, aby model wyglądał w określony sposób (jak bohater, jak słaba osoba, jak więzień itp.)?
Czy możesz stworzyć określoną atmosferę swoim schematem? Wypróbuj następujące opcje: tajemnica, horror, niepokój, zabawa, dramat, serdeczność, desperacja, ekscytacja, nuda, depresja.
Ćwiczenie 6. Realistyczne światło
1. Umieść model na środku pokoju
2. Wybierz trzy źródła światła i ustaw je tak, aby świeciło się jak w jasny, słoneczny dzień (bez kolorowych filtrów). Sprawdź wynik, prosząc kogoś o komentarz do powstałego zdjęcia. Zapytaj: „O jakim naturalnym oświetleniu ci to przypomina?” Jeśli odpowie „południe” lub słoneczny dzień, poproś go, aby powiedział, skąd pochodzi światło słoneczne (tj. które ze źródeł światła imituje światło słoneczne).
3. Powtórz eksperyment, odtwarzając obraz światła księżyca.
W tym ćwiczeniu stworzysz silne, jasne źródło światła kluczowego. Główną trudnością jest znalezienie równowagi między kluczowym światłem a innymi źródłami. Jest to dwa razy trudniejsze do osiągnięcia bez użycia kolorowego światła, ale o wiele bardziej przydatne.
Ćwiczenie 7. Improwizacja
Tworzenie efektywnego i „naturalnego” światła kluczowego jest łatwiejsze, jeśli możesz użyć koloru, aby wpłynąć na widza. Ale głównym celem tego ćwiczenia jest koordynacja poziomów światła skierowanego pod różnymi kątami.
Ponownie umieść swój model na środku pokoju i utwórz schemat oświetlenia w oparciu o następujące pomysły:
Światło słoneczne w lesie
mroźny zimowy dzień,
Oficjalne wnętrze w południe,
Róg ulicy miasta nocą
kabina w łodzi podwodnej,
Krajobraz nieznanej planety,
Oddział szpitalny,
tropikalna wyspa,
Biegun północny.
Ta lista jest nieskończona. Możesz dodać do niego własne pomysły lub poprosić kogoś, aby o nich pomyślał. Pracując w grupie, będziesz mógł znaleźć więcej opcji, które będą Ci odpowiadać, biorąc pod uwagę Twoje umiejętności. Omawianie swoich pomysłów z partnerami będzie dla Ciebie bardzo przydatne w przyszłości, kiedy będziesz musiał wcielić się w ideę reżysera lub scenografa na scenie.
Ćwiczenie 8. Dramatyczna atmosfera
Tworzenie prawdziwie dramatycznej atmosfery jest ważną funkcją oświetlenia scenicznego. W tym ćwiczeniu możesz użyć koloru, ale tylko wtedy, gdy absolutnie nie możesz się bez niego obejść. Ponownie musisz umieścić model na środku pokoju i oświetlić go w taki sposób, aby stworzyć atmosferę:
Oswobodzenie,
Zazdrość
Okrucieństwo
zaspokojenie.
I znowu, lista jest nieskończona. Na przykład można tu uwzględnić wszystkie siedem grzechów głównych. Możesz pobawić się z kolegami, omawiając opcje. Liczba pomysłów, które możesz wdrożyć, będzie zależeć od dostępnych zasobów (czasu i sprzętu). Ale nie będzie zbyteczne przynajmniej ich zapisanie.
Ćwiczenie 9
Wiele poprzednich ćwiczeń dotyczyło oświetlenia modelu. W tym ćwiczeniu pójdziemy dalej i oświetlimy nie tylko model, ale także obszar sceny wokół niego.
1.Wybierz sekcję sceny, w której umieścisz swój model. Nie powinien być zbyt duży (wystarczą 2 metry kwadratowe).
2. Teraz wybierz jakiś minimalny schemat oświetlenia z poprzednich ćwiczeń (na przykład „słoneczny dzień”, „Biegun północny”, „gniew” itp.) i oświetl fragment sceny w taki sposób, aby model mógł się poruszać i kiedy przebywać w danej atmosferze.
3. Zwróć szczególną uwagę na oświetlenie modelu na granicach swojej działki. Oczywiście w niektórych przypadkach będziesz musiał przekierować swoje urządzenia lub dodać dodatkowe światła.
To ćwiczenie jest pierwszym krokiem do oświetlenia całej sceny. Pomoże Ci zyskać pewność, że oświetlasz całą niezbędną przestrzeń. Powinieneś także odczuć różnicę między oświetleniem modelu statycznego a modelu ruchomego. Bądź szczególnie ostrożny, aby upewnić się, że twój obszar nie ma niechcianych cieni i świateł.
Część 3. Tęcza na scenie
Trzecia lekcja dla początkujących artystów oświetlenia poświęcona jest kolorowemu oświetleniu scenicznemu. Neil Fraser, kurator wydziału technicznego Królewskiej Akademii Sztuk Dramatycznych, opowiada o emocjonalnym wpływie koloru i oferuje 9 ćwiczeń rozwijających umiejętności pracy z kolorowym światłem.
Teatralne światło jest pełnoprawnym uczestnikiem każdego spektaklu, niezależnie od tego, czy jest to realistyczna produkcja, czy fantastyczna opowieść. Często to światło ustawia kontekst akcji lub zanurza widza w odpowiedniej atmosferze psychologicznej. Co więcej, siła efektu światła w dużej mierze zależy od jego koloru.
Ważne jest, aby zrozumieć, że każde światło jest kolorowe - nie ma światła, które nie ma zabarwienia. To prawda, że czasami ten odcień nie jest uderzający (na przykład rzadko postrzegamy zwykłe światło słoneczne jako kolorowe). Jeśli jednak zwrócimy uwagę, zauważymy, że lekko żółtawe światło południa wyraźnie dodaje nam optymizmu, a niebiesko-szare oświetlenie o zmierzchu pogrąża nas w niepokojących przeczuciach.
Jeśli chodzi o światło teatralne, można wyróżnić jego ciepłe i zimne odcienie.
CIEPŁE ŚWIATŁO jest uważane za bardziej odpowiednie do komedii i romantycznych historii. Zwykle stosuje się różne odcienie słomy, jasnoróżowe, bursztynowe i złote.
COOL LIGHT nadaje się do „smutnych historii”: tragedii, koszmarów i kryminałów. Popularne fajne kolory to stalowoniebieski, jasnozielony i zwykły niebieski.
Światło teatralne może również różnić się nasyceniem kolorów. Znacznie częściej stosowane są jasne i delikatne tony. Za ich pomocą można wyróżnić żądany fragment sceny, podkreślić odcień skóry, korzystnie rozświetlić kostium lub wyznaczyć porę dnia lub scenę akcji.
Bogatsze, ciemniejsze kolory mogą być bardzo dramatyczne i zazwyczaj przekazują bardziej konkretne wiadomości. Tak więc zielony można interpretować jako kolor zazdrości lub choroby, niebieski tworzy atmosferę spokoju i pokoju, a czerwony oznacza pasję, krew, wojnę, wściekłość lub miłość.
Kiedy widzimy określony kolor, wychodzimy z wrażenia, jakie wywierają na nas promienie, odbijając się od tego lub innego przedmiotu. Nasze oczy rozpoznają różne długości fal i interpretują je jako wrażenia kolorystyczne.
Nazwy jakie nadajemy różnym kolorom są subiektywne, ponieważ barwy widma płynnie przechodzą jedna w drugą bez wyraźnych granic między nimi. Rzeczywiście, siedem kolorów, których używamy do opisania tęczy, to bardzo przybliżony sposób na opisanie wszystkich niezliczonych odcieni, które zawiera widmo.
Jednak w teorii percepcji barw wyróżnia się kilka barw podstawowych – ich wybór zależy od zastosowanego modelu mieszania barw.
Jeśli na trzech reflektorach umieścimy filtry światła CZERWONY, ZIELONY i NIEBIESKI, to przecięcie wszystkich trzech promieni da nam światło białe. W tym przypadku trzy podstawowe kolory uzupełniają się, więc proces ten nazywa się addytywnym mieszaniem kolorów (od angielskiego słowa „add” – add). Dzięki dodatkowemu mieszaniu kolorów na przecięciu promieni uzyskuje się więcej światła i jaśniejszy kolor.
Jeśli umieścisz trzy filtry (ŻÓŁTY, FIOLETOWY i NIEBIESKI) na jednym reflektorze, każdy filtr zatrzyma światło o określonej długości fali, proces ten nazywa się subtraktywnym mieszaniem kolorów (od angielskiego słowa „subtract” - subtract). Oczywiste jest, że w tym przypadku dostaniemy mniej światła i ciemniejszy kolor.
Najważniejszą rzeczą, o której należy pamiętać podczas pracy z kolorowym oświetleniem teatralnym:
- Każde światło jest kolorowe
- Kolor to potężne narzędzie do przekazywania stanu emocjonalnego.
- Kolor pomaga określić miejsce i czas działania.
- Nasycone kolory mają silny wpływ
- Nastrój również wprowadzają jaśniejsze kolory, ale nie tak jawnie.
- Kolor może być różnie interpretowany w różnych kontekstach (na przykład czerwony może reprezentować gniew lub pasję)
Ćwiczenie 10. Budowanie kolekcji
1. Zaopatrz się w stare czasopisma z mnóstwem kolorowych zdjęć i ilustracji.
2. Na dużej kartce papieru narysuj tęczę (w postaci łuku lub po prostu płaskiego widma): czerwony - pomarańczowy - żółty - zielony - niebieski - indygo - fioletowy.
3. Wytnij małe obrazki w kolorach tęczy z czasopism i przyklej je na swoim papierze.
4. Gdy skończysz, przejrzyj wzornik próbnych filtrów kolorów i obok obrazków wpisz numery kolorów, które pojawiają się na wykresie.
Wykonaj to samo ćwiczenie ze swoim ulubionym kolorem. Zobacz, ile odcieni koloru pasuje między najjaśniejszymi i najciemniejszymi opcjami (na przykład między jasnoniebieskim a ciemnoniebieskim).
To ćwiczenie ćwiczy postrzeganie kolorów. Ludzkie oko jest w stanie rozróżnić kilka milionów odcieni kolorów, a projektanci oświetlenia muszą nieustannie doskonalić się w tej sztuce.
Ćwiczenie 11. Rysuj światłem
1. Używając trzech reflektorów z filtrami czerwonym, zielonym i niebieskim, skieruj trzy wiązki pomalowane w podstawowych kolorach na białą powierzchnię - ekran lub białe płótno (najlepiej to zrobić w zaciemnionej przestrzeni).
2. Zwróć uwagę, jaki kolor masz, gdy wszystkie urządzenia są włączone z pełną mocą.
3. Zmieniając jasność reflektorów, znajdź najlepszą dostępną wersję „białego” światła. Popraw ustawienia urządzenia.
4. <Используя материал, подготовленный в Упражнении 10, выберите какой-нибудь из цветов и воспроизведите его с помощью трёх прожекторов. Снова зафиксируйте настройки.
5. Powtórz eksperyment z innymi kolorami.
Wykonaj to ćwiczenie, używając filtrów żółtych, cyjan i magenta.
Ćwiczenie 12
1. Poszukaj kilku przedmiotów lub tkanin, które zostały ufarbowane na intensywne kolory. Mogą być jedno lub wielokolorowe.
2. Korzystając z diagramu z ćwiczenia 11 i podstawowych filtrów kolorów, skieruj kolorowe promienie jeden po drugim na swoją „martwa natura”. To ćwiczenie jest przydatne do dopasowywania różnych kolorów (najlepiej jest to robić w zaciemnionej przestrzeni).
3. Zapisz, jak każdy z kolorów podstawowych wpływa na wygląd wybranych przez Ciebie przedmiotów. Nie zapomnij zanotować, jaki był oryginalny kolor każdego z twoich obiektów przy normalnym oświetleniu, ale dokładnie w miejscu, w którym je następnie oświetliłeś.
Powtórz eksperyment, zastępując kolory podstawowe innymi nasyconymi lub bardziej subtelnymi odcieniami.Te obiekty, które wyglądają dokładnie tak samo w określonym świetle, mogą się radykalnie zmienić, gdy zostaną oświetlone promieniami o innym kolorze. Dzieje się tak, ponieważ materiał, z którego są wykonane, w różny sposób odbija światło o różnych długościach fal.
Ćwiczenie 13. Wszystkie odcienie czerni
1. Znajdź kilka przedmiotów lub kawałków materiału, które wydają Ci się czarne (nie martw się, że będą wyglądać nieco inaczej w kolorowym lub nawet normalnym świetle).
2. Ponownie użyj schematu i podstawowych kolorów filtrów z ćwiczenia 11 i skieruj kolorowe promienie jeden po drugim na czarne obiekty.
3. Zapisz, jak każdy z kolorów podstawowych wpływa na wygląd wybranych obiektów.
Postaraj się zrobić dobrą mieszankę „czarnych”, tak aby niektóre z nich nie odbijały żadnego koloru, podczas gdy inne wydawały się czarne w normalnym świetle, ale odbijały pewien kolor, gdy zostały oświetlone promieniami o określonym świetle. Najprawdopodobniej tak odbity kolor i tak będzie dość ciemny.
Powtórz to ćwiczenie z „białymi” przedmiotami wykonanymi z różnych materiałów (takich jak papier, tkanina, proszek do prania, pióra itp.)
Ćwiczenie 14. Emocje i kolor
1. Zrób listę stanów emocjonalnych, które znasz. Postaraj się, aby był jak najbardziej kompletny, najpierw dodaj do niego:
GNIEW / RADOŚĆ / NIENAWIŚĆ / ZAzdrość / MIŁOŚĆ / JEYEY / WSPÓŁCZUCIE / NADZIEJA / Zmieszanie / POKÓJ / PODNIECENIE / NIESPODZIANKA / CHCIWOŚĆ / SZALEŃSTWO / PODEJRZENIE…
2. A teraz przy każdym słowie zapisz kolor, który kojarzy Ci się z daną emocją lub uczuciem.
Możesz wykonać to ćwiczenie, korzystając z dowolnej innej listy jako podstawy, na przykład listy ludzi lub zwierząt. Możesz też przetestować swoich znajomych – w tym przypadku najlepiej przeczytać listę, domagając się natychmiastowej odpowiedzi – takiej, która przychodzi na myśl jako pierwsza. Nie powinieneś długo myśleć, lepiej w ogóle nie mieć odpowiedzi, niż ją forsować.
To ćwiczenie dotyczy rozwijania wyobraźni, a nie uzyskiwania „właściwego” światła. Jak w wielu innych przypadkach, nie ma błędnych decyzji. Jedynym złym działaniem jest nie znalezienie jednego rozwiązania.
Ćwiczenie 15
1. Weź listę emocji z poprzedniego ćwiczenia i zapisz każde słowo na osobnej karcie.
2. Umieść wszystkie karty w torbie lub kapeluszu.
3. Wyciągnij stamtąd dowolną kartę.
4. Teraz na białym ekranie (lub pionowo wiszącym prześcieradle) stwórz oświetlenie ilustrujące jedną z wybranych przez Ciebie emocji. Oczywiście możesz zmienić nie tylko kolor, ale także kształt, intensywność i wielkość rzutowanej wiązki. Chociaż dominującym nadal powinien być kolor.
5. Po zbudowaniu tej sceny pokaż ją komuś i poproś, aby odgadł, jakie emocje ilustrujesz. Jeśli ta osoba nie może odpowiedzieć od razu, poproś ją, aby wybrała jedną emocję z listy.
Możesz wypróbować to ćwiczenie, używając mniejszej ilości sprzętu (stopniowo zmniejszając je, aż pozostanie jeden punkt).
Możesz powtórzyć to ćwiczenie wiele razy. Niektóre emocje są łatwiejsze do wyrażenia niż inne. Pamiętaj, że nie szukamy „poprawnych” odpowiedzi, ale rozwijamy wyobraźnię.
Ćwiczenie 16
1. Uzbrój się we wzornik filtrów kolorowych od producenta.
2. Poszukaj wśród nich tych kolorów, które można znaleźć w prawdziwym życiu (najprawdopodobniej będą to jasne odcienie słomy, bursztynu, różu, błękitu i ewentualnie odcienie zieleni).
3. Przez pewien czas (dzień lub tydzień) wybierz kilka chwil, w których możesz się zatrzymać i przyjrzeć się bliżej kolorom występującym w świetle naturalnym lub sztucznym. Może to obejmować światło poranne, deszczowe światło dzienne, światło wieczorne, światło uliczne o zmierzchu, światło fluorescencyjne w kuchni, światło nocne w sypialni, światło z działającego telewizora i tak dalej.
4. Za każdym razem spróbuj dopasować kolor źródła światła do jednej z próbek w swoim wzorniku. Podczas robienia notatek pamiętaj o podaniu źródła światła, pory dnia, warunków pogodowych i numeru filtra.
Zapisz swoje wyniki w dzienniku projektanta oświetlenia. Jeśli jeszcze tego nie zacząłeś, teraz nadszedł czas, aby to zrobić. Takie notatki są nieocenione, gdy szukasz inspiracji lub po prostu szukasz koloru, który Ci się podoba.
Ćwiczenie 17
ŚWIT
POŁUDNIE
PYŁ
Wykonaj to ćwiczenie, oświetlając niewielką powierzchnię sceny (nie więcej niż 1 m2), umieszczając na niej pojedynczy przedmiot (na przykład krzesło).
Uwagi:
1. Oczywiście, wykonując to ćwiczenie na samolocie i w kosmosie, poczujesz ogromną różnicę. W drugim przypadku trzeba znaleźć odpowiednie kąty do ukierunkowania światła. Jeśli pracujemy z płaskim ekranem, kolor odgrywa główną rolę.
2. Kolory, które wybierzesz, mogą wahać się od całkiem naturalnych do jawnie romantycznych. I od Twojej decyzji, co dokładnie przedstawisz: mroźną zimę czy ciepły letni dzień.
3. Jak to często bywa, nie ma tu „poprawnych” rozwiązań, a jedynie mniej lub bardziej efektywne.
Ćwiczenie 18. Cztery pory roku
1. Przygotuj mały biały pionowy ekran lub białą kartkę.
2. Skieruj światło na ekran, aby przedstawić jedną lub więcej pór roku (LATO, JESIEŃ, ZIMA lub WIOSNA).
Spróbuj ponownie wykonać to ćwiczenie na małej części sceny z tylko jednym przedmiotem (na przykład krzesłem).
To ćwiczenie zmusza cię do przypomnienia sobie pomysłów na temat pór roku i odtworzenia esencji tych doświadczeń na scenie. Oczywiste jest, że lato i zima wyglądają inaczej w różnych miejscach iw różnym czasie. Warto jednak spróbować uchwycić istotę każdego sezonu i przekazać swoje pomysły za pomocą określonych mediów, nie zagłębiając się zbytnio w szczegóły.
Część 4. Tworzenie nastroju na scenie
Czwarta lekcja z serii artykułów dla początkujących artystów oświetlenia poświęcona jest tworzeniu nastroju na scenie. Neil Fraser, kurator wydziału technicznego Królewskiej Akademii Sztuk Dramatycznych, opowiada o tym, jak wykorzystać światło do oddania charakteru sceny i podkreślenia emocji aktorów.
Jaki jest nastrój sceny?
Obraz, który malujesz na scenie, może być konkretny, abstrakcyjny lub gdzieś pomiędzy. Na przykład musisz stworzyć oświetlenie, które naśladuje zimną jesienną noc skąpaną w świetle księżyca (jest to bardzo dosłowne użycie oświetlenia) lub oddaje poczucie tragicznego horroru (koncepcja bardziej abstrakcyjna). Albo wszystko razem: ZIMNA JESIENNA NOC, IMPONUJĄCA HORROR!
Za pomocą światła można więc nie tylko określać przestrzeń czy czas, ale także tworzyć żywioły (ogień, woda, powietrze) czy nastroje. Każdy z nas rozumie, jak wizualizować emocje, takie jak gniew, radość, smutek. Ważne jest, aby zrozumieć, że nie ma tu właściwych odpowiedzi, a jedynie te najbardziej preferowane (z Twojego punktu widzenia, a także z punktu widzenia reżysera, scenografa, dramaturga itp.).
Jednocześnie konieczne jest uwzględnienie oczekiwań odbiorców - w końcu oni też mają pewne wyobrażenia na temat tego, jak to lub inne oświetlenie wygląda w realnym świecie. Ta reprezentacja pomaga im zinterpretować to, co dzieje się na scenie, nawet jeśli nie są tego świadomi. Dlatego tak ważne jest szczegółowe opracowanie własnych pomysłów, osiąganie ich maksymalnej skuteczności.
Jak stworzyć nastrój?
Aby stworzyć nastrój, sprawdzają się zwykłe metody konstruowania lekkich obrazów. Wszystko zależy od Twoich konkretnych decyzji: jakie urządzenia i gdzie dokładnie umieścić, jakiego koloru, intensywności i kształtu wiązki użyć. Podobnie jak nuty w utworze muzycznym, urządzenia oświetleniowe oferują wiele możliwości, w zależności od ich względnej pozycji i ustawień. Każda kombinacja wnosi swój niepowtarzalny wkład w atmosferę spektaklu.
Ścieżka tworzenia takich obrazów świetlnych przypomina spacer po nieznanym mieście. Z jednej strony masz podstawową wiedzę, która pozwala zadawać sobie właściwe pytania. Znasz podstawowe kąty, pod którymi zamierzasz celować, masz gamę kolorów i możesz zmieniać intensywność różnych źródeł światła.
Z drugiej strony tylko praktyka pomoże ci określić, co lubisz najbardziej i co chcesz skończyć. Aby ta ocena była jak najbardziej obiektywna, musisz stale ćwiczyć następujące rzeczy:
obserwacja. Spójrz na świat szeroko otwartymi oczami, potraktuj świat wokół siebie jako rodzaj szkoły pracy ze światłem. Naucz się widzieć, jak światło kształtuje przedmioty, jak odbija się od różnych powierzchni. Naucz się kojarzyć to lub inne oświetlenie w prawdziwym świecie ze swoim samopoczuciem lub nastrojem.
Edukacja. Poczuj się jak artysta, który buduje kompozycję swojego obrazu. Ucz się od wielkich mistrzów - Embrandta, Caravaggia, Vermeera, Hockneya. Musisz rozwinąć swój własny gust - zrozumienie, co składa się na dobry obraz świetlny.
Eksperyment. Wykorzystaj każdą okazję do przetestowania swoich pomysłów, czerpania z nich korzyści, wyciągania praktycznych wniosków. Im więcej opcji oświetlenia opracujesz dla każdej sceny, tym łatwiej będzie wybrać najlepsze.
Poniżej Ćwiczenia pomoże rozwinąć niezbędne umiejętności w pracy ze światłem i nauczy się tworzyć na scenie zachwycające, pełne dramatyzmu i emocji obrazy świetlne. Bardzo przydatne jest prowadzenie dziennika, w którym będziesz zapisywać pomysły, linki, rysunki, zdjęcia, pocztówki i inne wyniki swoich ćwiczeń. Taki magazyn może stać się Twoim pomocnikiem i źródłem pomysłów.
Ćwiczenie 19
1.Wybierz jedną lub więcej scen z listy (wszystkie odbywają się na zewnątrz):
Popołudnie na pustyni
nocny las
opadanie liści
Jazda na sankach
Morska plaża
Miejskie światła
2. Wybierz mały obszar sceny (około jednego metra kwadratowego) i umieść tam dowolny przedmiot: krzesło, roślinę doniczkową lub cokolwiek, co masz pod ręką.
3. Oświetl ten obszar, starając się stworzyć scenę wybraną w kroku 1. Zwróć szczególną uwagę na dobór koloru i sposób jego działania przy użyciu innego kształtu wiązki, jej intensywności. Nie martw się o to, kogo lub co konkretnie kryjesz. Skoncentruj się na uzyskaniu odpowiedniego nastroju.
Ważnym punktem tego ćwiczenia jest stworzenie silnego i definiującego kluczowego światła - może ono symulować słońce, lampę uliczną lub coś innego. Im lepiej to zrobisz, tym bardziej realistyczny będzie wynik. Będziesz także musiał zdecydować, skąd będziesz obserwować efekt swoich wysiłków (gdzie zasiądzie publiczność). Ten punkt widzenia odgrywa ważną rolę w kolejnych ćwiczeniach.
Ćwiczenie 20
1. Wybierz jedną ze scen wewnętrznych z listy:
Rano w klasie
podziemna krypta
Wieczorne nabożeństwo w kościele
Cela więzienna
2. Wykonaj te same kroki jak w ćwiczeniu 19.
W przeciwieństwie do „oświetlenia ulicznego”, wnętrze składa się z różnych źródeł światła naturalnego i sztucznego. Jego skuteczność będzie zależeć od tego, jak dobrze je połączysz. I oczywiście na podstawie twojego zrozumienia, jak to działa w prawdziwym świecie.
Ćwiczenie 21
2. Umieść kilka urządzeń, aby twój „aktor” był w jednym z następujących nastrojów:
depresja
Niebezpieczeństwo
Ukojenie
groza
Prawość
Podobnie jak w poprzednich ćwiczeniach, fajnie byłoby poprosić znajomych i kolegów, aby zgadli, jaki nastrój miałeś na myśli. Twój „aktor” nie powinien ci pomóc, jego zadaniem jest po prostu stać lub siedzieć w miejscu. Ustawienie również nie jest krytyczne - nie ma znaczenia, gdzie tworzysz tę scenę ani jakiego rodzaju źródła światła używasz. Priorytetem powinno pozostać użycie światła kluczowego i dobra równowaga z innymi światłami. Następnie możesz stworzyć efektowne, dramatyczne i ekscytujące oświetlenie.
Ćwiczenie 22
1. Poproś przyjaciela lub kolegę, aby stanął w środku wiązki światła
2. Użyj światła od dołu, aby oświetlić swojego „aktora”, tak jak w horrorze.
3. Dodaj kilka dodatkowych urządzeń, aby poprawić ten nastrój
4. A teraz ponownie usuń wszystkie urządzenia, z wyjątkiem słabego światła
5. Spraw, aby dolne światło było przyciemnione i ciepłe
6. Jeśli możesz, znajdź sposób na dodanie migotania, tak jakby na scenie paliło się ognisko.
Ważne jest, abyś zrozumiał znaczenie kontekstu podczas inscenizacji sceny. To samo słabe światło, które było przerażające w innym kontekście, może stworzyć całkiem ładne, a nawet przyjazne oświetlenie.
To ćwiczenie warto wykonać zarówno dla siebie, jak i po to, aby pokazać innym. Kiedy grupa ludzi obserwuje pierwszy (i bardzo przekonujący) efekt osiągnięty przy słabym oświetleniu, prawie nikt nie jest w stanie zasugerować, że to samo światło może wywołać komfortowe i optymistyczne wrażenie bez zmiany skupienia, po prostu dodając kolor. Czasami warto poprosić swojego "aktora" o wykonanie jednego gestu - ogrzania dłoni nad wyimaginowanym ogniem. To po raz kolejny dowodzi znaczenia kontekstu.
Ćwiczenie 23
1. Wybierz mały fragment sceny i umieść w nim kilka typowych przedmiotów - stół i krzesła, stos książek, filiżanki do kawy, wieszak itp.
2. Wybierz jedną lub więcej par nastrojów wymienionych poniżej
3. Utwórz dwie sceny, w których obiekty są w dwóch stanach kontrastu:
Horror/Fantasy
Wolność/Wniosek
Dobry zły
Wojna/Pokój
Szybko wolno
Ciepło Zimno
Duży mały
Zawód iluminatora pojawił się w epoce Szekspira. Specjalna służba pilnowała, aby podczas przedstawienia nie palono ani nie gaszono świec. Systemy oświetlenia teatrów zaczęły powstawać we Włoszech w okresie renesansu. Dziś, aby zostać projektantem oświetlenia, trzeba nie tylko być na „ciebie” z elektrotechniką, ale także mieć dobre zdolności organizacyjne, gust artystyczny i wyważone poczucie światła, a także trzeba wiedzieć fizyka, optyka, reżyseria i scenografia. Jak widać wymagań jest wiele, dlatego projektant oświetlenia w naszym kraju jest rzadkim specjalistą.
Cechy tego zawodu łączy Konstantin Gerasimov, projektant oświetlenia i dyrektor generalny firmy TDS, specjalizującej się w kompleksowej obsłudze technicznej wydarzeń.
|
TDS Konstantin Gerasimov w pracy. |
„Projektant oświetlenia to niesamowite połączenie jednej z najbardziej technicznych i jednocześnie kreatywnych profesji. Za pomocą światła przekazujemy ogólną ideę spektaklu, tworzymy atmosferę. Do każdego projektu opracowujemy unikalny projekt, dobieramy sprzęt, który może rozwiązać konkretne problemy. I tutaj ważna jest nie tylko znajomość praw oświetlenia, nowoczesnych urządzeń i technologii, ale także niestrudzona wyobraźnia, by raz po raz zaskakiwać widza.
W naszej działalności, podobnie jak w malarstwie, nie można po prostu wziąć do ręki pędzla i od razu zacząć tworzyć arcydzieła. Ten zawód to nauka przez całe życie. Nie wystarczy opanować podstawy. Branża widowiskowa rozwija się dynamicznie, codziennie pojawiają się nowe technologie. Musisz jasno zrozumieć, które z nich są teraz w trendach, i poszukać tego, czego globalna publiczność jeszcze nie widziała. I tu z pomocą przychodzi symbioza technologii, bo każdy pokaz składa się z zestawu elementów – scenografii, sekwencji wideo, efektów specjalnych. Pracując przez wiele lat w branży show, zdałem sobie sprawę, że sekret udanego pokazu tkwi właśnie w zintegrowanym podejściu do tworzenia projektu. Współpraca projektanta oświetlenia z innymi specjalistami technicznymi pozwala na stworzenie bardzo ekskluzywnego i przenosi show na zupełnie nowy poziom jakości.
Ta idea stała się podstawą firmy TDS, która zrzeszała profesjonalistów w dziedzinie obsługi technicznej wydarzeń. Nasz zespół prowadzi projekt na wszystkich etapach jego życia - opracowuje scenografię i scenografię, tworzy instalacje świetlne i wideo oraz wykonuje pełen zakres administracji technicznej i wsparcia projektowego.
Wierzymy, że jakość każdego projektu zależy od staranności jego przygotowania, dlatego do zaprojektowania i wystawienia spektaklu wykorzystujemy wizualizację 3D oraz metody wstępnego programowania. Pozwala to na zobaczenie pełnego obrazu projektu i szczegółowe opracowanie jego komponentu technicznego jeszcze przed rozpoczęciem instalacji.
Kliknij na zdjęcie, aby zobaczyć następny slajd.
artysta oświetlenia scenicznego zaprojektowany w celu podkreślenia ogólnej idei spektaklu poprzez oświetlenie i kolorystykę, dlatego ściśle współpracuje z reżyserem i wypracowuje styl lekkiego projektu spektaklu.
W teatrze szczególną rolę odgrywają dekoracje i oświetlenie. Oświetlenie sceniczne nadaje przedstawieniu szczególną wyrazistość, tworzy niezbędny nastrój emocjonalny, a nawet, jak powiedział David Lynch, „Światło może znacząco zmienić postrzeganie spektaklu, a czasem także postaci bohaterów”. Efekty świetlne mogą również zmienić scenerię nie do poznania: „Ciemne chmury zamieniają się w niebiańskie kwiaty, jeśli są całowane przez światło”, powiedział Rabindranath Tagore.
Nowoczesne oświetlenie i wyposażenie sceniczne daje ku temu nieograniczone możliwości. A w niektórych produkcjach głównym elementem scenerii jest światło. Technolog oświetlenia scenicznego jest pełnoprawnym członkiem kreatywnego zespołu produkcyjnego w teatrze.
Nowoczesny sprzęt oświetleniowy w teatrze jest różnorodny i złożony. Oświetlenie sceniczne zapewniają urządzenia oświetleniowe zainstalowane w różnych miejscach:
- światło górne - reflektory zawieszone w rzędach nad sceną (plan 1, plan 2);
- światło boczne - oprawy oświetleniowe zainstalowane na bocznych galeriach i portalu za kulisami;
- światło zdalne - reflektory na specjalnych balkonach, rampa (na przedniej krawędzi sceny);
- światło poziome - sprzęt do oświetlania horyzontu;
- światło specjalne - lampy w formie lampionów, świec, pochodni, wbudowane w dekoracje.
Ponadto stosowany jest dodatkowy sprzęt oświetleniowy do efektów specjalnych: kurtyna świetlna, podświetlenie, stroboskop do efektu migotania itp.
W dawnych teatrach oświetleniem scenicznym sterował ręcznie zespół iluminatorów umieszczonych na różnych końcach teatru. W nowoczesnym teatrze sterowanie oświetleniem odbywa się centralnie za pomocą programów komputerowych z jednego specjalnego pomieszczenia. Aby zarządzać całym tym skomplikowanym sprzętem, musisz zdobyć odpowiednie wykształcenie.
Podczas przygotowywania nowego spektaklu tworzona jest ocena oświetlenia, która odzwierciedla:
- wykaz i liczbę opraw oświetleniowych użytych w spektaklu;
- liczba programów świetlnych;
- tryb oświetlenia i ściemniania;
- sygnały zmian światła (wskazówki, ruchy lub frazy);
- filtry barwne, natężenie światła, kierunek promieni opraw oświetleniowych i inne parametry.
Oceny oświetleniowe dopracowywane są podczas prób oświetleniowych, podczas których dopracowywane są pozycje i tryby oświetlenia oraz działania pracowników działu oświetleniowego. Ocena oświetlenia musi być wykonana ściśle i bez zmian.
Cechy zawodu
Działalność zawodową artysty-technologa w oświetleniu scenicznym można realizować w trzech aspektach:
Działalność artystyczna i twórcza- podczas których specjalista:
- zajmuje się opracowywaniem i projektowaniem oświetlenia do spektakli według projektu scenografa;
- rozwija efekty świetlne;
- tworzy niezbędną dokumentację lekkiej partytury spektaklu (w razie potrzeby angażując specjalistów);
- prowadzi proces oświetlenia scenicznego;
- uczestniczy w próbach oświetleniowych, podczas których na partytury utrwalane jest oświetlenie artystyczne;
- prowadzi stałą kontrolę nad dokładną realizacją pokrycia wykonań w bieżącym repertuarze;
- w swojej pracy wykorzystuje najnowsze osiągnięcia nauki w dziedzinie aparatury i techniki teatralnej oraz nowe materiały.
Organizacyjne i zarządcze- podczas których artysta-technolog może kierować działami teatru zajmującymi się projektowaniem oświetlenia spektakli lub produkcją sprzętu oświetleniowego dla teatru. Ponadto kontroluje prawidłowe wdrożenie przez pracowników lekkiej oceny prezentacji oraz zasad bezpieczeństwa i ochrony pracy podczas pracy z takim sprzętem (przepisy przeciwpożarowe i sanitarne). Za przeprowadzanie prób oświetleniowych i w ich trakcie niezbędne dostrojenie sprzętu oświetleniowego odpowiada także artysta oświetlenia-technolog.
Działalność pedagogiczna polega na nauczaniu dyscyplin z zakresu projektowania oświetlenia spektaklu w placówkach edukacyjnych sztuki teatralnej (technologia projektowania oświetlenia do spektaklu, projektowanie oświetlenia inscenizowanego dla przedsiębiorstw teatralnych i rozrywkowych, layout, podstawy techniki oświetleniowej i sprzętu oświetleniowego dla teatru, grafika teatralna i techniczna, obliczenia techniczne konstrukcji).
Plusy i minusy zawodu
plusy
- Kreatywny i ciekawy zawód, w którym można rozwijać się technicznie zgodnie z innowacjami w tej dziedzinie.
- Zawód jest poszukiwany nie tylko w teatrze, ale także na koncertach, w kinie i cyrku.
Minusy
- Nieregularne godziny pracy
- nocny tryb życia
- Możliwe nieporozumienia z reżyserem, który może trzymać się punktu widzenia K.S. Stanisławskiego i nie doceniać roli oświetlenia spektaklu: „Nigdy nie zapominaj, że teatr nie żyje blaskiem światła, luksusem scenografii i kostiumy, widowiskowe mise-en-sceny, ale na pomysłach dramaturga. Wady idei spektaklu nie da się niczym zamknąć. Żaden teatralny blichtr nie pomoże.
Miejsce pracy
Artyści oświetlenia scenicznego mogą pracować w teatrach, studiach filmowych i telewizyjnych, salach koncertowych, obiektach, stadionach, cyrkach.
Ważne cechy
- bogata wyobraźnia artystyczna;
- umiejętność rysowania i pracy rękami;
- dobra percepcja kolorów;
- emocjonalność;
- Dbałość o szczegóły;
- ciągłe dążenie do rozwoju zawodowego.
Gdzie studiować jako artysta-technolog w oświetleniu scenicznym. Edukacja
- Wydział scenografii i technologii projektowania artystycznego spektaklu. Szkoła posiada pracownię „Lighting Artist”, która ma techniczne możliwości studiowania różnorodnych nowoczesnych metod oświetlenia scenicznego. Tutaj uczą opracowywania koncepcji projektowania oświetlenia sceny i sali. W trakcie praktyki przeprowadzana jest znajomość rozmieszczenia sprzętu oświetleniowego w moskiewskich teatrach.
- Wyższa Szkoła Sztuk Scenicznych („Szkoła Teatralna Konstantina Raikina”). W 2014 roku otwarto wydział „Technologii projektowania artystycznego spektaklu” o specjalności „Inżynieria oświetlenia” i „Inżynieria dźwięku”.
- Państwowy Instytut Kultury i Sztuki w Biełgorodzie
- Wydział „Technologia projektowania artystycznego spektaklu”.
- Petersburska Państwowa Akademia Sztuk Teatralnych
- Wydział „Technologie projektowania artystycznego spektaklu”
- Kazańska Szkoła Teatralna, specjalność „Oświetlenie”
- Kursy w Wyższej Szkole Teatralno-Artystycznej nr 60. Seminarium „Projektant Światła”
Pensja
Wynagrodzenie specjalistów tego profilu w rosyjskich teatrach jest niewielkie: od 20 tysięcy rubli. Ale doświadczeni profesjonaliści są często zapraszani do pracy w niepełnym wymiarze godzin w przedsiębiorstwach, organizacjach koncertowych, klubach nocnych, w których można zarobić przyzwoite pieniądze - za 2 noce pracy od 25 tysięcy rubli.
Wynagrodzenie na dzień 28.10.2019
Rosja 30000-630060
Kroki i perspektywy kariery
Absolwenci placówek oświatowych mogą rozpocząć karierę w teatrze od prostego inżyniera oświetlenia, scenografa, grafika. Dla początkującego technologa oświetlenia jest to niezbędny etap, na którym zdobywa się nieocenione doświadczenie praktyczne. Stopniowo ze zwykłego specjalisty artysta-technolog może awansować z kategorii na kategorię i zostać kierownikiem działu teatralnego odpowiedzialnego za projektowanie oświetlenia spektakli. Możesz również pracować w organizacjach koncertowych, klubach nocnych, cyrku, relacjonować imprezy miejskie, święta kościelne.
Historia oświetlenia scenicznego
Oświetlenie sceniczne powstało w XVII wieku, kiedy we wnętrzach zaczęto wystawiać spektakle teatralne. W tym czasie do oświetlania używano świec. Oznacza to, że oświetlenie teatralne ewoluowało wraz z pojawieniem się nowych źródeł światła. W XIX wieku jako oświetlenie sceniczne zaczęto wykorzystywać lampy oliwne, a później palniki gazowe. Wraz z nadejściem elektryczności zmodernizowano także oświetlenie teatralne, które stało się bardziej mobilne, jasne i wyraziste. W ówczesnych lekkich partyturach opracowanych przez K.S.
Ale artystyczny projekt oświetlenia spektaklu rozwijał się nie tylko równolegle z rozwojem techniki oświetleniowej. Wielu reżyserów za pomocą światła wyrażało wizualnie dźwięk muzyki (Appiah), albo podkreślało wielkość postaci ludzkiej lub formy architektoniczne, albo wyrażało tragedię duszy bohatera (Craig).
Wielki Meyerhold wykorzystywał projekcje świetlne do przedstawiania haseł, reklam, tytułów odcinków. Oznacza to, że światło stało się rzecznikiem propagandowych, krytycznych czy satyrycznych stanowisk reżysera. Czeski scenograf J. Svoboda, wykorzystując nowoczesne technologie (lasery i komputery), uczynił ze światła głównego bohatera teatru. Lekki projekt stworzył atmosferę, powietrze, ściany, korytarze, kurtynę. Te zasady oświetlenia scenicznego zaczęły być stosowane na całym świecie. J. Svoboda wpadł na pomysł wykorzystania wideo w teatrze.
Inni reżyserzy, jak L. Mondzika i R. Wilson, uważają moc światła za silniejszą i bardziej wyrazistą niż umiejętności aktorów. L. Mondzik stworzył swoje kameralne spektakle jako konfrontację ciemności i światła. R. Wilson twierdził, że „światło ma swoją rolę, jak aktor”. Tacy reżyserzy przyczynili się do powstania zawodu artysty oświetlenia scenicznego. W Rosji tradycję tę kontynuują i doskonalą D. Ismagilov w Moskwie i G. Filshtinsky w Petersburgu.
Nowoczesny sprzęt oświetleniowy
Kontrolowane (cyfrowe, inteligentne) urządzenia oświetleniowe dzielą się na 2 typy: rysunek i zalanie.
Są to skanery i głowice z ruchomymi korpusami. Przy skanerze ruchome lustro steruje projekcją wiązki światła, a przy głowie ciało poruszające się we wszystkich kierunkach. Oba urządzenia mogą zmieniać kolor i wzór wiązki. Sterowanie sprzętem oświetleniowym odbywa się za pomocą cyfrowego protokołu DMX.
Analogowy sprzęt oświetleniowy składa się z pistoletów świetlnych emitujących wiązkę śledzącą oraz urządzeń z oświetleniem powodziowym.
W dzisiejszym teatrze istnieje wiele opraw oświetleniowych, które dają wspaniałe efekty:
- księżycowy kwiat (inne nazwy: tunel, miotła lub kwiat) - urządzenie oświetleniowe, które emituje wiązkę kolorowych lub białych promieni rozchodzących się pod różnymi kątami
- stroboskop - urządzenie odtwarzające migotanie światła w określonym rytmie;
- reflektor armatni emitujący jasną, bezpośrednią wiązkę do śledzenia oświetlenia pojedynczego obiektu lub osoby
- wiązki laserowe
- jasna podłoga
- lampy ultrafioletowe
- generatory dymu, mgły, śniegu
- symulator lub generator płomienia i wiele więcej.
Nie podoba mi się nazwa tego, co robię. "Artysta oświetleniowy" - brzmi zbyt pretensjonalnie. Tak wyszukana nazwa wypacza postrzeganie zawodu nie tylko przez samego „artystę”, ale także przez jego pracodawców. To takie piękne i przyjemne, kiedy już nazywasz się artystą, ponieważ włączyłeś magenta podczas bufetowego stołu.
Status artysty zwodniczo wzmacnia świadomość własnego znaczenia zawodowego.
Rozumiem, że nazwa rozwinęła się historycznie, ale współczesny show-biznes odsunął definicję artysty od zrozumienia istoty jego twórczości.
Design - znacznie dokładniej opisuje ten zawód. Nie wiem, jak najlepiej dostosować angielską nazwę zawodu projektanta oświetlenia. Projektant oświetlenia brzmi niezdarnie. Projektant światła? Niech na razie będzie tylko projektantem.
Debata o różnicy między sztuką a dizajnem jeszcze się nie skończyła, ale ja wyraźnie widzę różnicę, gdy zostanie wystawiona na światło dzienne.
Artysta
Moim zdaniem artysta działa niezależnie. Tworzy niezależną pracę, aby dzielić się swoimi uczuciami. Autor potrafi wyrzucić emocje i pokazać odbicie wewnętrznego świata poprzez dzieło sztuki. Tworzy sztukę, aby dzielić się swoimi doświadczeniami ze światem lub czerpać z nich inspirację.
Artysta nie jest ograniczony żadnymi prawami i ma swobodę w doborze wszelkich środków do realizacji celów twórczych. Jednocześnie nie ma obowiązku wyjaśniania nikomu swojej pracy i stosowanych technik. Dzieło w ogóle nie może być przez nikogo zrozumiane lub może mieć wiele interpretacji.
Kazimierza Malewicza. Czarny kwadrat suprematysty. 1915. (Yuri Kadobnov/Agence France-Presse - Getty Images) Artyści oświetleniowi w tym przypadku to ci, którzy tworzą niepowtarzalne prace oświetleniowe bez aktorów, scenografii, muzyki. Utwory, które istnieją niezależnie i są interpretowane przez publiczność według własnego uznania.
Wpuszcza mgiełkę zaciągnięcia się, mruga wielokolorowymi diodami i kręci głową do muzyki – projektant oświetlenia, tak.
Projektant
Design to rozwiązanie konkretnych problemów. W przeciwieństwie do sztuki, design nie może istnieć sam. Jest to czynność dodatkowa. Projekt powinien być zrozumiały, a projektant powinien umieć wyjaśnić i uzasadnić zastosowane techniki. Projektant musi odpowiedzieć na pytania dlaczego i dlaczego. „Jestem artystą, tak to widzę” nie zadziała.
Jestem projektantem, ponieważ rozwiązuję problemy za pomocą technologii światła i pokazu. Moim zadaniem jest wzmacnianie emocji płynących z muzyki, wizualizacja aranżacji i tekstów. Cóż, przynajmniej upewnij się, że grupa na scenie jest widoczna.
Pokaz świetlny stworzony na koncert nie może żyć bez sceny, zespołu i muzyki.
Czy dobry koncert lub spektakl można zrobić bez dobrego oświetlenia? Oczywiście tak, ale nie odwrotnie. Dobre światło nigdy nie uratuje nudnego artysty. To jeszcze gorsze niż nierozwiązany problem. Takie przedstawienie naciąga koc na siebie i odwraca uwagę od najważniejszego - muzyki.
Projektant teatralny rozwiązuje przede wszystkim problem oświetlenia aktorów i scenografii. Przekłada twórcze zadania reżysera, scenografa na język lekkich partytur.
Zadaniem projektanta oświetlenia na imprezie firmowej jest spełnienie życzeń dyrektora imprezy. Daj ludziom wygodny posiłek i zabawę w tańcu.
W telewizji projektantka wysłuchuje zadań operatora zdjęć i reżysera. Jednym z jego zadań jest sprawienie, by ludzie wyglądali lepiej niż w życiu :). "Rysunek" być, wypełnienie, powrót. Tam jest to ważne. Przykład, który podał mi L. Pozdnyansky: reżyser przesunął do niego spot zakrywający Gradsky'ego w programie Voice. Tak więc kąt stał się ostrzejszy, a cień z podbródka zaczął ukrywać wady szyi mentora.
Bardzo podoba mi się cytat Colina Wrighta o różnicy między sztuką a designem:
Sztuka jest jak masturbacja. To samolubne i introwertyczne, zrobione dla ciebie i tylko dla ciebie. Design jest jak seks. Jest w to zaangażowany ktoś inny, jego potrzeby są tak samo ważne jak twoje, a jeśli wszystko pójdzie dobrze, obie strony są w końcu szczęśliwe”.
Taki inny artysta oświetlenia
Brak odrębnych specjalności i arogancja specjalistów zajmujących się światłem zdewaluowały wszystkich artystów oświetlenia.
Cóż, mamy też:
| Projektant oświetlenia | Projektant oświetlenia |
| Operator konsoli | Projektant oświetlenia |
| Technik | Projektant oświetlenia |
| Kierownik agencji eventowej | Projektant oświetlenia |
| Prowadzący | Projektant oświetlenia |
| Dyrektor korporacyjny | Projektant oświetlenia |
| Właściciel wypożyczalni | Projektant oświetlenia |
| Dyrektor techniczny | Projektant oświetlenia |
| stażysta | Projektant oświetlenia |
| Facet ze światłem słonecznym | Projektant oświetlenia |
| DJ | Projektant oświetlenia |
| Koleś, któremu w wypożyczalni pokazano, jak łatać i nagrywać cue | Projektant oświetlenia |
| I | Projektant oświetlenia |
Nazwa zawodu projektanta oświetlenia jest amortyzowana i nie oddaje istoty mojej pracy. Jestem projektantem.
O kolegach jak o zmarłych: dobrzy czy nie. Krytyka nie może urazić, ponieważ czyni cię lepszym.
Artysta nie widzi, ufa lub nie rozumie. Widz nie rozumie. Co w takim razie daje mi do tego energię? Przede wszystkim ja. Po drugie, wy, drodzy koledzy.
Jeden z problemów rosyjskiego teatru projektant oświetlenia oraz iluminator, mówi Władimir Łukaszewicz, główny projektant oświetlenia Teatru Maryjskiego.
Co projektant oświetlenia- to nie jest osoba, która dokładnie wie tylko technologia oświetleniowa, Władimir Łukaszewicz zrozumiał kilka lat po rozpoczęciu pracy w teatrze. Dlatego on i jego przyjaciel Michaił Mikler, teraz główny projektant oświetlenia Mały Teatr Operowy przyjechał do wydziału produkcji Leningradzkiego Państwowego Instytutu Teatru, Muzyki i Kinematografii (LGITMiK) w 1977 roku i poprosił o nauczanie ich według programu, który sami dla siebie ułożyli. Do przedmiotów ogólnych, tradycyjnych dla scenografów, dodali teorię koloru, elektronikę, fizjologię widzenia, psychologię percepcji, które wcześniej w ogóle na tym wydziale nie istniały. Teraz tego i wielu innych będzie się uczyć w nowym toku wydziału produkcji Akademii Teatralnej. We właściwym kierunku Projektant oświetlenia”, stworzony z inicjatywy Łukaszewicza i głowy. Wydział wydziału produkcyjnego V. M. Shepovalova.
Błędy innych ludzi
Projektant oświetlenia tworzy swoją rolę Sveta w spektaklu, który teoretycznie powinien (podobnie jak wszystkie inne składniki „roli”) wywołać u widza płacz i śmiech, czemu służy teatr jako całość. Jak naprawdę możesz sprawić, by widz płakał, jeśli nie wiesz, jak naciskać jego gruczoły łzowe, jeśli nie znasz psychologii percepcji? Istnieje fizjologia widzenia, na przykład prawo adaptacji do ciemności. Jak dokonać zmiany podczas „wycinania” na scenie, aby widz tego nie zauważył? Może po prostu się opłaci lekki, ale to nie wystarczy, bo w teatrze nie ma zupełnej ciemności – w końcu jest dół dla orkiestry, Lampy wyjście awaryjne itp. Być może w tym przypadku bardziej słuszne byłoby przystosowanie widzenia widza do pewnego zwiększonego jasności, aby przedłużyć odczucie „ciemności” widza do czasu, gdy nastąpi adaptacja do ciemności. To całkiem realne narzędzia... A jeśli nie chcesz całkowitej ciemności, ale stanu, w którym widz widzi to, co niezbędne do akcji, a nie to, co chciałeś ukryć? Oczywiście można długo ćwiczyć empirycznie, szukając w jakim stopniu, do jakiej jasności i na jak długo trzeba dostosować widzenie widza, albo można po prostu wiedzieć, jak działa krzywa adaptacji… No cóż, psychologia percepcji kolorów sięga daleko w historię, której korzenie odnajdziecie w filozofii tybetańskiej i kulturze buddyjskiej. Na przykład starożytny teatr indyjski. Kiedy w indyjskim teatrze obniżono tło o określonym kolorze, powiedzmy, zielonym, widz natychmiast zrozumiał, że chodzi o melancholię. Był zarówno symbolem, jak i znakiem dla widza. No i tak dalej. Takie rzeczy, oczywiście, muszą być najpierw poznane i zrozumiane. Dlaczego potrzebna jest edukacja podstawowa - żeby nie zaczynać za każdym razem od zera, naszej ulubionej metody własnych prób i błędów.
Niestety w Rosji nie było szkoły, w której w jednym miejscu zgromadzono by całą wiedzę niezbędną do edukacji. współczesny projektant oświetlenia. Zawsze istniał transfer rzemiosła od mistrza do ucznia. Ale mistrzowie tacy jak Klimowski, Kutikow, Diagilew, Drapkin, Siniaczewski, Barkow, Wołkow, Simonow, którzy pracowali w latach pięćdziesiątych i siedemdziesiątych, zawsze mówili: „Patrz, jak to robię – i ucz się”. Naturalnie więc pozostawili niewielu uczniów. A dziś chyba słusznie byłoby powiedzieć, że w większości wszyscy obecni rosyjscy artyści oświetleniowi- samoukiem. Bazując wyłącznie na własnym doświadczeniu i intuicji, raz po raz zaczynają od tego samego zera, od którego wyszło poprzednie pokolenie. To jest istota koncepcji „szkoły zawodowej” – kumuluje ona doświadczenie.
Na corocznych seminariach dla języka rosyjskiego artyści oświetleniowiŁukaszewicz niejednokrotnie słyszał o praktyce pracy w niektórych teatrach, co jest całkowicie nie do pomyślenia w pracy artysta oświetlenia: "A w naszym teatrze reżyser mówi:" Przefiltruj tę latarnię na czerwono! Ta - na zielono! Wskaż tutaj, powiedziałem! A ta - tam! Zrób tak, jak powiedziałam...".
To właśnie nazwałbym pracą. iluminator, - oświetlimy, gdzie mówią.
Współczesny teatr nie może tak działać. Tego rodzaju praktyka stała się przestarzała sto lat temu i są to oczywiście podstawy teatru XIX wieku. Ale o dziwo, w dość dużej liczbie miejsc istnieje bezpiecznie. Być może wynika to z faktu, że nasi reżyserzy i artyści tradycyjnie otrzymują niewystarczające wykształcenie w sprawach „scenografii” i… Sveta i jak słabo wykształceni ludzie są przekonani, że „wszystko wiedzą”. Problem jest oczywiście dwustronny. Niewystarczające wykształcenie po obu stronach powoduje sytuacje wzajemnej nieufności, gdy reżyser nie wierzy w kreatywność artysta oświetlenia, projektant oświetlenia - świeci, gdzie mówią, tym samym początkowo zubożając tworzone dzieło.
Oczywiście nikt się nie kłóci: reżyser jest twórcą i generatorem idei i koncepcji spektaklu jako całości. Ale nie pytanie reżysera - co? lampa dokąd wysłać. Reżyser ma inne zadania – radzenie sobie z aktorami, mise-en-scene i tak dalej. Chodzi o to, że projektant oświetlenia współpracuje z reżyserem od samego początku, kiedy pomysł jeszcze powstaje, przed próbami spektaklu na scenie. Zanim artysta wejdzie na scenę, wszystko powinno być gotowe. Absolutnie wszystko na próby, gdzie „rola Sveta”, w takim samym stopniu, jak każda rola aktorska. Za późno na myślenie. Oznacza to, że musi urodzić partyturę Sveta, który nawiązuje do koncepcji spektaklu, realizowanego wspólnie z reżyserem. Stworzyć własne dzieło - stworzyć kolorystykę, która harmonizuje nie tylko z kostiumami i scenerią, ale także z postaciami, muzyką i wszystkim innym. Jednym słowem musi wykonać własną, dokładną i zweryfikowaną estetycznie pracę, wypracować partyturę oświetlenia. W przeciwnym razie uzyskuje się na wpół ukończone spektakle – „dzieła”. Według Łukaszewicza jednym z problemów teatru rosyjskiego jest to, że bardzo często nie rozróżniamy: co jest projektant oświetlenia i co jest iluminator, który na prośbę reżysera oświetlać aktor – „aby było widać”, a sceneria – „aby było pięknie”.
Standard edukacji
Impuls do rozpoczęcia prac nad otwarciem w Akademii Teatralnej kursu” Projektant oświetlenia”było zaproszenie Władimira na Uniwersytet Connecticut, aby wygłosić wykłady na temat historii tego przedmiotu w Rosji. Nawiasem mówiąc, Amerykanie zaangażowali się w szkolenie zawodowe artyści oświetleniowi od 1936 roku doświadczenia rosyjskie wydawały się interesujące. Z kolei Vladimir zazdrościł sposobu, w jaki zorganizowane jest ich szkolenie. Wszak na wydziale dramatycznym uczelni działają cztery własne, dobrze wyposażone teatry, w których rocznie wystawia się 6-8 pełnoprawnych spektakli przez wszystkich studentów wydziału. Zatem, artyści oświetleniowi, tak jak jednak, jak aktorzy z reżyserami, istnieje możliwość - a to nawet konieczne - do pracy i iluminatory oraz montażystów i asystentów reżyserów, czyli opanowanie teatru ze wszystkich stron. Na kurs udaje im się wypuścić na własną rękę jako projektanci oświetlenia po 5–7 występy. W związku z tym po ukończeniu kursu mają już przyzwoite portfolio i mogą być czymś interesującym dla pracodawców.
Władimir Łukaszewicz w przeszłości miał doświadczenie w nauczaniu (12 lat) teatru inżynieria oświetlenia na wydziale produkcyjnym LGITMiK, a nawet wydano kilka kursów w specjalności „Artysta-technolog” ze specjalizacją” Projektant oświetlenia”. Ostatecznie stało się jasne, że teoretycznie, bez przyzwoitej bazy technicznej, to chyba nie ma sensu.
Widzisz, okazało się, że to coś złego. Wszelkie próby stworzenia normalnej klasy na wydziale iw tym samym czasie w Teatrze Maryjskim zakończyły się niepowodzeniem. I okazało się, że ludzie przyjeżdżali do nas na studia, uczyliśmy ich, skończyli liceum, otrzymali dyplom” projektant oświetlenia” i byli pewni, że to, co zostało napisane w dyplomie, było prawdą. Ale tak nie było, albo nie do końca tak. Przynajmniej dlatego, że nie mieli okazji nauczyć się zawodu w praktyce. I okazało się, że powiedzieliśmy tej osobie, że jest czerwony, ale w rzeczywistości był łysy. Ale oszukiwanie nadal nie jest dobre. Z tego powodu przygotowanie artyści oświetleniowi został zatrzymany, ale jest łatwy do odczytania technologia oświetleniowa to już nie było bardzo interesujące.
I dalej. Po nauczaniu w Ameryce dręczyła mnie zazdrość: dlaczego można się od nich uczyć, a nie od nas? W końcu dzisiaj sytuacja od dawna jest inna i są możliwości uzyskania pewnej bazy technicznej, wystarczy nad nią popracować. I umówiliśmy się z Akademią Teatralną, aby otworzyć odpowiedni kurs na wydziale produkcji.
Jest w specjalności Projektant oświetlenia»?
Tu kryje się kolejny, duży, a zarazem śmieszny problem. Główną ideą było to, że od pierwszego dania powinien to być kurs artyści oświetleniowi. Bez żadnych specjalizacji, bo to są jeszcze różne rzeczy: specjalizacja i zawód. Ale potem natknęliśmy się na coś ciekawego. Okazało się, że na liście zawodów dostępnych w naszym kraju, projektant oświetlenia Tak, ale nie na liście Ministerstwa Edukacji. To znaczy okazuje się, że zawód taki jest, ale nikt nie rozumie, kto i jak powinien szkolić specjalistów. To kompletna bzdura.
Aby ten zawód pojawił się na powyższej liście, musi istnieć zatwierdzony Standard Edukacyjny. Pisaliśmy ten standard, ale chyba w ministerstwie nie ma nikogo, kto by się tym zajął, by go zatwierdził (bo 8-15 absolwentów rocznie).
Czym jest ten standard edukacyjny?
Lista wszystkich przedmiotów i wiedzy, które uczeń musi opanować, aby zostać profesjonalistą. Zaprosiłem do tej pracy mojego przyjaciela Jima Franklina, który kiedyś organizował podobny kurs na University of Connecticut (obecnie jedna z wiodących szkół naszego zawodu w USA). Równolegle przez cały semestr wykładał w Akademii Teatralnej. Jednocześnie temat ten był aktywnie dyskutowany na spotkaniach i okrągłych stołach Stowarzyszenia artyści oświetleniowi Rosja. Złamali włócznie. Zaczęło się od bzdur: A jak to nazwać? projektant oświetlenia albo coś innego? Ale co to jest? projektant oświetlenia? nie rozumiem kto jest projektant oświetlenia. Czym w ogóle jest design w naszym rozumieniu? W końcu w języku angielskim słowo „projektant” nie odpowiada bezpośrednio słowu „artysta”. To bardziej konstruktor. Chociaż to też nie jest do końca prawdą. Ostatecznie mówimy o zawodzie twórczym i tworzącym pewien zakres wizualny, czyli o artyście. Przecież poza naszymi sporami istnieje w rejestrze zawodów. Projektant oświetlenia- to prawda.
Z drugiej strony, jak uczyć być artystą? To chyba niemożliwe, bardziej prawdopodobne od mamy i taty. Myślę, że w naszej Akademii (jak w każdej innej kreatywnej uczelni) chodzi przede wszystkim o danie człowiekowi rzemiosła. Rzemieślnicze metody egzystencji w zawodzie. A to, co robi z tymi technikami, jak to realizuje, zależy od jego potencjału twórczego. Ale zawodu trzeba się nauczyć. Historia teatru rosyjskiego i obcego, historia kultury materialnej, historia sztuk plastycznych, filozofia, teoria scenografii, historia literatury rosyjskiej i obcej, perspektywa, rysunek, kalkulacja struktur teatralnych, malarstwo, rysunek, psychologia i fizjologia percepcji, historia teatralne światło i kostium teatralny, modelowanie komputerowe i teoria rozwiązania przestrzennego spektaklu... Tak, w Standardzie Edukacyjnym zawarliśmy wiele innych rzeczy. Długa lista.
Po co projektant oświetlenia studiować tak wiele nauk humanistycznych?
Być wykształconym, nowoczesnym. Jak proponujesz pracę nad sztuką, powiedzmy, lub operą, nie znając historii, kultury materialnej epoki, której dotyczy Twój spektakl? Wąską wiedzę zawodową Karol Marks nazwał moim zdaniem „profesjonalnym kretynizmem”. Oczywiście ze względu na szeroką wiedzę! Później Jim (byłem wtedy w trasie) zaprezentował nasz program w Monachium na seminarium artyści oświetleniowi gdzie tradycyjnie gromadzą się potwory naszego zawodu z Europy i Ameryki. I, zdaniem Jima, koledzy byli trochę zaskoczeni: program wygląda jeszcze poważniej niż ten, który istnieje dzisiaj w Stanach. Faktem jest, że z wielu powodów, na przykład w Stanach Zjednoczonych, nie ma możliwości dostarczenia tak szerokiego asortymentu. A Akademia Teatralna w Petersburgu ma w tym względzie ogromne zasoby. I poszedłem na to z premedytacją, bo w amerykańskiej szkole bardzo wstydziłem się właśnie ograniczonej znajomości historii, doświadczeń świata, teatru europejskiego i światopoglądu. Być może nie wiedzą nic o rosyjskim teatrze, z wyjątkiem nazwiska Stanisławskiego. Tam, na uniwersytecie, przyszli do mnie studenci i opowiedzieli mi o szalonych pomysłach, które sami wpadli. I musiałem wygłosić wykład o naszym rodaku, który pracował dla Dalcroze w Hellerau w 1912 roku. „... To już się stało. W czternastym roku Nikolai Saltsman już to wszystko zrobił ... ”. Aby projektant oświetlenia to nie tylko wiedza latarki. Jest to szczegółowa znajomość tematu ze wszystkich stron.
Jakie są wymagania dotyczące egzaminów wstępnych?
W związku z tym, że kurs otwierany jest specjalnie w Akademii Teatralnej, jak we wszystkich uczelniach kreatywnych, mamy możliwość umówienia doboru studentów w dwóch i pół rundach. Zgodnie z tym, jak chcesz.
Więc po co?
Chcę, żeby uczeń był mądry i utalentowany. Tak przebiegła pierwsza runda kwalifikacyjna. Każdy zgłaszający otrzymał reprodukcję obrazu - obraz klasyczny. Na podstawie tego obrazu trzeba było narysować plan, przekrój boczny - aby zrobić rzekomo teatralną scenę - i umieścić lekki. W rękach tylko ołówek i papier. Nie miało dla mnie znaczenia, w jaki sposób mogą rysować układy - będą nauczeni rysować je przez cztery lata później - ważne jest, aby zrozumieć, po pierwsze, ile dana osoba widzi przestrzeń, a po drugie, ile widzi lekki w tej przestrzeni. To jest zadanie jezuickie, które im wyznaczyłem. A do drugiej rundy trzeba było albo samemu zrobić zdjęcie, albo znaleźć wycinki z czasopism ze zdjęciami, w których lekki odegrał pewną rolę. I porozmawiaj o tym. I nie najprostsze spektakularne zdjęcia, na których, powiedzmy, słońce wschodzi za lasem i widać silne „podświetlenie”, ale coś bardziej złożonego, wieloaspektowego. Było jeszcze kilka problemów ze szkolnej fizyki i rysunku. Następnie - wywiad, w którym wszyscy nauczyciele wydziału pytali kandydatów o teatr, literaturę, muzykę. Aby zrozumieć, jaka jest osoba teatralna i od naszego zespołu. W ten sposób wybrano osiem osób (chociaż początkowo zakładałem kurs sześciu). Mamy nadzieję, że z tego wyjdą.
A twoi absolwenci włożą lekki w najlepszych teatrach na świecie?
Oczywiście chciałbym. Myślę, że to przede wszystkim zależy od nich. Co na wydziale zależy od nas, myślę, że zrobimy. A potem - jak poprowadzi życie. Może nie teatr, kto wie. Chodzi o to, że projektant oświetlenia- Ten projektant oświetlenia. I lekki może go wystawić wszędzie: w kasynie, w teatrze... Oświetl katedrę kazańską lub eksponaty muzealne. To jest zawód. I może zastosować się do wszystkiego. Pytanie brzmi, czy człowiek rozumie, co robi. Oczywiście istnieje specjalizacja - oświetlenie architektoniczne, teatralne światło, koncertowe światło. Ale to są różne tematy kursu. ALE projektant oświetlenia musi znaleźć najlepszy sposób oświetlać to czy tamto. Na przykład chciałbym zobaczyć oświetlenie architektoniczne Petersburg nie jest tym, czym jest dzisiaj. W końcu Petersburg to niesamowite, dramatyczne środowisko. No, może Petersburg Dostojewskiego być oświetlonym tak jak Petersburg Puszkina - to są różne miasta! I lekki, a środowisko w tych różnych miastach powinno wyglądać inaczej. Cóż, przynajmniej ze względów estetycznych. I mamy całe oświetlenie - latarki: było ciemno, stało się jasne - to cały postęp. Tak samo jest z teatrem - problemy tego samego źródła. Ale ten okres w końcu minie. Miejmy nadzieję, że nie bez naszej pomocy.
Władimir Łukaszewicz urodził się w Odessie w 1956 roku. W wieku piętnastu lat wstąpił do Leningradzkiej Szkoły Technologii Filmowych, uzyskując dyplom projektanta oświetlenia teatralnego. W wieku siedemnastu lat po raz pierwszy wystąpił jako projektant oświetlenia w Regionalnym Teatrze Dramatycznym Ryazan. Absolwent Leningradzkiego Instytutu Teatru, Muzyki i Kinematografii. Występował w wielu teatrach dramatycznych w Rosji. Pracował w teatrze. V. F. Komissarzhevskaya z Artystą Ludowym ZSRR R. S. Agamirzyanem. Wykładał w LGITMiK dyscyplinę „Artysta-Technolog” ze specjalizacją „Artysta w oświetleniu”. Od 1985 roku pracuje w Teatrze Maryjskim jako główny projektant oświetlenia. Wykłada na Uniwersytecie Connecticut. Zapala się w przedstawieniach nie tylko w Petersburgu, ale także na scenach teatrów operowych i baletowych na całym świecie. Na swoim koncie ma ponad 300 spektakli, klasyczne i awangardowe produkcje: Borys Godunow, Dziadek do orzechów, Lohengrin, Parsifal, Śpiąca królewna, Samson i Delilah, Korsarz, Ognisty ptak, „Pietruszka”, „Traviata”, „Copelia”. , „Carmen”, „Temat z wariacjami”, „Manon”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Ariadna auf Naxos” i inne… Zaprojektowane przez niego spektakle gościły i jeżdżą na wielu scenach świata – Festiwal Spoletto USA, La Scala, Opera Bordeaux, Royal Opera Covent Garden, Opera Marsylia, Nowa Opera Izraelska, Nowa Opera Narodowa w Tokio. Osiem lat temu, według jego projektu, w Teatrze Maryjskim wykonano niezwykłą rekonstrukcję sprzętu oświetleniowego reflektorów, aw teatrze pojawił się sprzęt oświetleniowy z w pełni zautomatyzowanym sterowaniem. Vladimir Lukasevich jest jednym z członków zarządu Stowarzyszenia Artystów Oświetlenia Rosji i pod auspicjami tego stowarzyszenia i Akademii Teatralnej w Petersburgu prowadzi coroczne seminaria dla zaawansowanego szkolenia artystów oświetlenia. A w tym roku z jego inicjatywy wydział inscenizacji Akademii Teatralnej po raz pierwszy zorganizował scenografię do kursu „Projektant światła”.
Lista przedmiotów 5-letniego toku studiów w specjalności „Projektant Oświetlenia”
Język obcy
Kultura fizyczna
Historia narodowa:
Światowy proces historyczny w Rosji
Historia ojczyzny
Filozofia:
Podstawy wiedzy filozoficznej
Filozofia sztuki (estetyka)
Kulturologia
Psychologia i pedagogika
Język rosyjski i kultura mowy
Socjologia
Historia literatury rosyjskiej
Historia literatury obcej
Historia dramaturgii obcej
Historia teatru
Historia teatru obcego
Historia teatru rosyjskiego
Historia sztuki pięknej
Historia zagranicznych sztuk plastycznych
Historia rosyjskiej sztuki plastycznej
Historia kultury materialnej i życia
Rysowanie i malowanie
Budynki i budowle teatralne
Organizacja biznesu teatralnego w Rosji
Makijaż teatralny i pastige
Bezpieczeństwo życia
Historia rosyjskiej muzyki i teatru muzycznego
Historia muzyki i muzyki obcej. teatr
Historia Petersburga
Bezpieczeństwo w teatrze
Sprzęt sceniczny (lekki)
Analiza dramaturgiczna
Teoria scenografii
Historia światła teatralnego
Kompozycja scenograficzna
Technologia artystyczna
Technologia produkcji teatralnej
Urządzenie i wyposażenie sceniczne
Podstawy perspektywy i układu
Obliczanie struktur teatralnych
Technologia kostiumów scenicznych
Technologia oświetlenia artystycznego
Historia sztuki teatralnej i dekoracyjnej
Historia kostiumów
Podstawy architektury
Geometria rysunkowa i opisowa
Sprzęt oświetleniowy teatralny
światło i kolor
Punktacja światła, grafika
Psychologia percepcji
Technologia oświetlenia teatralnego
Elektronika
Estetyka światła
Komputerowa symulacja światła
Specjalistyczne oprogramowanie
Światło w teatrze muzycznym
Światło w Teatrze Dramatycznym
Projekt oświetlenia architektonicznego
Oświetlenie programów koncertowych
Książki
Książka referencyjna na temat inżynierii oświetleniowej
Dom Moskiewski Sveta i Wydawnictwo Znak przygotowują się do wydania pod koniec 2005 r. trzeciego wydania Informatora nt inżynieria oświetlenia».
Pierwsze dwa wydania ukazały się w 1983 i 1995 roku. W tym czasie, wydana w nakładzie 65 000 egzemplarzy, Informator Inżynierii Oświetlenia stał się podręcznikiem dla większości specjalistów i jednocześnie podręcznikiem w wielu dziedzinach inżynierii świetlnej.
Nową edycję wyróżnia znacznie większa kompletność materiałów, prezentacja najnowszych danych regulacyjnych, metod i środków obliczeniowych, projekt i projekt oświetlenia, pełnokolorowy projekt oraz druk na wysokiej jakości papierze. W nowym, trzecim wydaniu, działy „ Źródła światła"," Stateczniki i systemy sterowania oświetleniem", zrewidowane metody obliczeń i projektowania oparte na powszechnym wykorzystaniu technologii komputerowej. Nowe rozdziały w książce: Lekki projekt», « Lekki i zdrowie”, „Oszczędność energii w instalacjach oświetleniowych”, „ oświetlenie podwodne”, „Historia inżynierii oświetleniowej”.
„Podręcznik dla inżynieria oświetlenia» jest przeznaczony dla szerokiego grona specjalistów oświetleniowych, elektryków, architektów, higienistek, lekarzy, pracowników ochrony pracy związanych z wykorzystaniem naturalnych i Sztuczne oświetlenie, rozwój i produkcja produkty oświetleniowe, projektowanie, montaż i eksploatacja instalacji oświetleniowych.
„Podręcznik dla inżynieria oświetlenia ukaże się również na CD.
Książkę informacyjną na temat inżynierii oświetleniowej można zamówić w House of Light. Jego adres:
Rosja, 129626, Moskwa, Prospekt Mira, 106, z. 346
tel./fax: (095) 682-19-04, tel. (095) 682-26-54
E-mail: Lekki- [e-mail chroniony]
Ballada światła
„Ma ponad 120 lat, ale nie wygląda na swój wiek. Bez względu na to, ile nowych źródeł światła z nim konkuruje, pozostaje najpiękniejsze ze wszystkich. Rzecz niezmienna w swojej klasycznej formie, przykład doskonałego designu, do którego nie ma nic do dodania i nic do odebrania. W wielu przypadkach znacznie piękniejsze niż wszystkie abażury i Lampy którymi go teraz ozdabiają i przykrywają.
Tak zaczyna się nowa, właśnie opublikowana książka poświęcona pierwszemu w historii szeroko stosowanemu urządzeniu elektrycznemu. Książka zawiera ponad 200 ilustracji. Tekst jest zbudowany wokół trzech głównych tematów: technicznych aspektów wprowadzenia żarówek, reklamy i grafiki z wielu wcześniej niepublikowanych dokumentów i wreszcie „słowa o lekki» - spojrzenie poetów i pisarzy na przedmiot badań.
Ta książka to 144-stronicowy pean na temat żarówki, z wyjątkowo minimalistyczną okładką, która jest repliką plakatu z 1912 roku zamówionego przez AEG przez Petera Beechrensa. Książka nie pretenduje do miana traktatu technicznego czy podręcznika techniki oświetleniowej, jest „atlasem ilustrowanym”, który czyta się z przyjemnością. Nawet tytuł przypomina Sveta przynieś radość i szczęście.
Tekst otwierają wiersze rosyjskiego poety Władimira Majakowskiego poświęcone żarówce elektrycznej i jej ognistemu sercu. Książka kończy się słowami wielkiego amerykańskiego neurologa Olivera Sacksa: fragmentem autobiograficznej prozy o jego ulubionych metalach – osmie, wolframie i tantalu, z których wykonane są włókna w lampach. Pomiędzy tymi dwoma świetlistymi prętami rozciąga się pięć części książki: „Mit i piękno”, „Edison i jego gatunek”, „Wojna z gazem”, „Warsztaty światła”, „Nasz czas”. Warsztaty Światła to sześć biografii najważniejszych firm oraz wyczerpujące opisy niezliczonych marek handlowych. Autor nie jest nowy w tego typu publikacjach. W 1995 roku Lupetti opublikował swoje „Signs of Light”, które obecnie są praktycznie wyprzedane. W towarzystwie ilustracji można łatwo i przyjemnie poruszać się po historii reklamy żarówek z odrobiną szczegółów technicznych i dygresji kulturowych. W rzeczywistości jedna trzecia tomu - jego ostatnia część - podnosi urok Sveta na wysokim piedestale stworzonym słowami poetów.
Materiały udostępnione przez Portal Sveta
www.lightingacademy.org
Dowiedz się, gdzie możesz dostać magazyn, możesz ...
