„Wpływ idei oświecenia” – ruch oświeceniowy. Wojna o niepodległość Stanów Zjednoczonych. „Złoty wiek” rosyjskiej szlachty. Stan Rosji. Katarzyny Wielkiej. „O umowie społecznej, czyli zasadach prawa politycznego”. Powstanie Pugaczowa. Jean-Jacques Rousseau. Amerykański ruch oświeceniowy. Polityka „oświeconego absolutyzmu” w Rosji.
"Oświecenie" - Oświecenie-. Oświecenie niemieckie. Karola Monteskiusza. Urodzony w Genewie w rodzinie zegarmistrza. Muzyka. Jonathan Swift (1667-1745). Pomysły encyklopedystów. Wymień francuskich oświecaczy. Co oznacza motto Oświecenia? Wartość działań oświecających. Anglia jest kolebką Oświecenia. Encyklopedyści.
„Wojna o niepodległość i edukacja Stanów Zjednoczonych” – Jerzy Waszyngton. Materiał dodatkowy do tematu w postaci prezentacji w klasie 7, do kursu „Nowa historia”. Wojna o niepodległość i formacja Stanów Zjednoczonych. Rezydencją Prezydenta Stanów Zjednoczonych jest Biały Dom. Kapitulacja wojsk brytyjskich w Yorktown. Uroczyste wejście Waszyngtonu do Nowego Jorku. Podpisanie Deklaracji Niepodległości Zjednoczonych Prowincji.
„Kultura Oświecenia” – patos działania Goethego przeciwstawia się filisterskiemu pogodzeniu z rzeczywistością. 4. Encyklopedyści. Ośrodkami ideologii i filozofii Oświecenia były Francja, Anglia i Niemcy. Oświeceni widzieli pozbycie się wszelkich problemów społecznych w rozpowszechnianiu wiedzy. Encyklopedyści wierzyli, że „idee” wpływają na prawdziwy postęp społeczny.
„Oświecenie, klasycyzm, sentymentalizm” – Henry Fielding. Uczucie. Beethovena. Ograniczenie umysłu. Edukacja. Diderot. Powstanie sztuki muzycznej. Portret Łopuchiny. TJ Smollett. J.-J. Rousseau. Mikołaja Boileau. Jonathan Swift. Francja. Jak to wygląda. Oświecenie, klasycyzm, sentymentalizm. Krytyk. istota klasycyzmu. Carlo Gozziego. Klasycyzm.
„Europa XVIII wiek” - Głównym celem jest dominacja na Bałtyku. wewnętrzna struktura polityczna. D. Cantemir Aram Oleg. Wojny i rewolucje XIX wieku w niewielkim stopniu zmieniły zarysy krajów europejskich. Społeczeństwo. Polityka zagraniczna. EUROPA w drugiej połowie XVII - XVIII wieku.
Łącznie w temacie jest 25 prezentacji
Muzyka barokowa to okres rozwoju europejskiej muzyki akademickiej, około 1600-1750. Muzyka barokowa pojawiła się pod koniec renesansu i poprzedzała muzykę klasycyzmu. Kompozytorzy barokowi pracowali w różnych gatunkach muzycznych. Opera, która pojawiła się w późnym renesansie, stała się jedną z głównych barokowych form muzycznych. Można przywołać dzieła takich mistrzów gatunku jak Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i inni. Gatunek oratoryjny osiągnął swój szczyt w twórczości J.S. Bacha i Haendla; opery i oratoria często wykorzystywały podobne formy muzyczne. Na przykład szeroko stosowana aria da capo. Mniej popularne stały się formy muzyki sakralnej, takie jak msza i motet, ale forma kantatowa zwróciła uwagę wielu kompozytorów protestanckich, m.in. Johanna Bacha. Powstały takie wirtuozowskie formy kompozycji jak toccaty i fugi.
Sonaty i suity instrumentalne powstały zarówno na pojedyncze instrumenty, jak i na orkiestry kameralne. Gatunek concerto wyłonił się w obu formach: na jeden instrument z orkiestrą oraz jako concerto grosso, w którym niewielka grupa instrumentów solowych kontrastuje z pełnym zespołem. Splendoru i splendoru wielu dworów królewskich dodawały także utwory w formie uwertury francuskiej, z kontrastującymi częściami szybkimi i wolnymi.
Utwory klawiszowe były dość często pisane przez kompozytorów dla własnej rozrywki lub jako materiał dydaktyczny. Takimi utworami są dojrzałe kompozycje J.S.
17. Muzyka Oświecenia (realizm, romantyzm, impresjonizm).
W epoce oświecenia następuje bezprecedensowy wzrost sztuki muzycznej. Po reformie przeprowadzonej przez K.V. Glucka (1714–1787) opera stała się sztuką syntetyczną, łączącą w jednym przedstawieniu muzykę, śpiew i złożoną akcję dramatyczną. F. J. Haydn (1732–1809) podniósł muzykę instrumentalną na najwyższy poziom sztuki klasycznej. Szczytem kultury muzycznej Oświecenia jest twórczość JS Bacha (1685-1750) i W.A. Mozarta (1756-1791). Oświecający ideał uwidacznia się szczególnie jasno w operze Czarodziejski flet Mozarta (1791), wyróżniającej się kultem rozumu, światła i ideą człowieka jako korony wszechświata. Sztuka operowa XVIII wieku Reforma operowa drugiej połowy XVIII wieku. był w dużej mierze ruchem literackim. Jej protoplastą był francuski pisarz i filozof JJ Rousseau.
18. Różnorodność gatunkowa renesansu (barok, klasycyzm).
W rozwoju klasycyzmu odnotowuje się dwa etapy historyczne. Wyrastając ze sztuki renesansu, klasycyzm XVII wieku rozwijał się równolegle z barokiem, częściowo w walce, częściowo w interakcji z nim i w tym okresie największy rozwój uzyskał we Francji. Późny klasycyzm związany z Oświeceniem, od około połowy XVIII do początku XIX wieku, kojarzony jest przede wszystkim z wiedeńską szkołą klasyczną.
Złożona relacja między klasycyzmem a barokiem wywołała dyskusję na początku XX wieku: wielu muzykologów, przede wszystkim w Niemczech, uważa barok za jeden styl muzyki europejskiej między renesansem a oświeceniem - mniej więcej do połowy XX wieku. XVIII w., przed włączeniem J. S. Bacha i G. F. Haendla. We Francji, kolebce klasycyzmu, niektórzy muzykolodzy wręcz przeciwnie, skłaniali się do zbyt szerokiej interpretacji tego pojęcia, uznając styl barokowy za jeden ze szczególnych przejawów klasycyzmu.
Periodyzację epok komplikuje fakt, że w różnych kulturach narodowych style muzyczne upowszechniały się w różnym czasie; bezsporne jest, że w połowie XVIII wieku klasycyzm triumfował niemal wszędzie. Ten kierunek obejmuje w szczególności reformistyczne opery K. V. Glucka, wczesną szkołę wiedeńską i mannheimską. Najwyższe osiągnięcia klasycyzmu w muzyce związane są z działalnością wiedeńskiej szkoły klasycznej – z twórczością J. Haydna, W. A. Mozarta i L. van Beethovena.
Klasycyzm jako nurt artystyczny rozwinął się we Francji w pierwszej połowie XVII wieku: odrodzone w renesansie zainteresowanie kulturą antyczną, które dało początek naśladowcom starożytnych wzorów w różnych rodzajach sztuki, we Francji absolutystycznej przekształciło się w normatywną estetykę opartą na Poetyce Arystotelesa i uzupełnieniu jej szeregiem szczególnych, rygorystycznych wymagań.
Estetyka klasycyzmu opierała się na wierze w racjonalność i harmonię ładu świata, co przejawiało się dbałością o równowagę części utworu, starannym wykończeniem detali i rozwojem głównych kanonów formy muzycznej. W tym okresie ostatecznie ukształtowała się forma sonatowa, oparta na rozwinięciu i przeciwstawieniu dwóch kontrastujących ze sobą tematów, ustalono klasyczny skład części sonatowych z symfonii.
Federalna Agencja ds. EdukacjiUniwersytet Państwowy w Permie
Katedra Historii Nowożytnej i Współczesnej
Streszczenie na ten temat
Muzyka Oświecenia we Francji
Ukończone przez: studenta III roku
1 grupa IPF
Efimova Marina
Wstęp
Oświecenie - ruch intelektualny i duchowy końca XVII - początku XIX wieku. w Europie i Ameryce Północnej. Była to naturalna kontynuacja humanizmu renesansu i racjonalizmu początku New Age, które położyły podwaliny światopoglądu oświeceniowego: odrzucenie światopoglądu religijnego i odwołanie się do rozumu jako jedynego kryterium poznania człowiek i społeczeństwo.
Francja stała się centrum ruchu oświecenia w XVIII wieku. W pierwszym etapie francuskiego oświecenia głównymi postaciami byli Monteskiusz (1689-1755) i Wolter (1694-1778). W pracach Montesquieu rozwinięto doktrynę Locke'a dotyczącą rządów prawa. Wolter miał różne poglądy polityczne. Był ideologiem oświeconego absolutyzmu i starał się zaszczepić idee Oświecenia monarchom Europy. Wyróżniał się wyraźnie wyrażoną działalnością antyklerykalną, sprzeciwianiem się fanatyzmowi religijnemu i zakłamaniu, dogmatyzmowi Kościoła oraz prymatowi Kościoła nad państwem i społeczeństwem. Diderot (1713 - 1784) i encyklopedyści odegrali główną rolę w drugim etapie francuskiego oświecenia. Encyclopedia lub Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts, 1751-1780 była pierwszą encyklopedią naukową, w której przedstawiono podstawowe pojęcia z zakresu nauk fizycznych i matematycznych, nauk przyrodniczych, ekonomii, polityki, inżynierii i sztuki. W większości przypadków artykuły były wyczerpujące i odzwierciedlały najnowszy stan wiedzy.
Trzeci okres wysunął postać J.-J. Rousseau (1712 - 1778). Stał się najwybitniejszym popularyzatorem idei Oświecenia. Rousseau zaproponował własną drogę politycznej struktury społeczeństwa. Idee Rousseau znalazły swój dalszy rozwój w teorii i praktyce ideologów Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Oświecenie wywarło silny wpływ na sztukę i kulturę całej Europy, aw szczególności na muzykę Francji jako centrum Oświecenia.
Celem tego streszczenia jest ogólny przegląd muzyki ówczesnej Francji.
Wiek XVII i początek XVIII to jeden ze znaczących i błyskotliwych okresów w historii muzyki francuskiej. Cały okres rozwoju sztuki muzycznej związany ze „starym reżimem” odchodził w przeszłość; Skończyła się epoka ostatniego Ludwika, epoka klasycyzmu i rokoko. Rozpoczął się Wiek Oświecenia. Style z jednej strony odgraniczone; z drugiej strony układały się warstwowo, łączyły się ze sobą, tworząc dziwne hybrydy, trudne do analizy. Wygląd intonacyjny i struktura figuratywna muzyki francuskiej były zmienne i zróżnicowane. Ale wiodący nurt, który biegł w kierunku zbliżającej się rewolucji, wyłonił się z nieubłaganą wyrazistością.
Pod koniec XVII - początek XVIII wieku. dworu i stał się głównym odbiorcą pisania spektakli muzycznych (pojawia się monopol), w związku z czym główną funkcją francuskiej muzyki doby Oświecenia było służenie potrzebom francuskiego dworu - tańcom i różnorodnym przedstawieniom.
Opera francuska była w pewnym sensie dziełem klasycyzmu. Jej narodziny były ważnym wydarzeniem w historii kultury narodowej kraju, który do drugiej połowy XVII wieku prawie nie znał żadnej innej sztuki operowej poza importowaną włoską. Jednak gleba francuskiej kultury artystycznej wcale nie była dla niej obca i jałowa. Opera opierała się na narodowych przesłankach gatunkowo-historycznych i dość organicznie asymilowała ich nabytki 2 .
Jean Baptiste Lully (1632 - 1687), kompozytor, skrzypek, tancerz, dyrygent i nauczyciel pochodzenia włoskiego, słusznie można uznać za ojca francuskiej opery; doradca i sekretarz króla, rodu królewskiego i korony francuskiej; nadinspektor muzyki Jego Królewskiej Mości.
3 marca 1671 odbyła się w Paryżu premiera pierwszej francuskiej opery Pomona, autorstwa Pierre'a Perrina i Roberta Camberta. Nie była to nawet opera, a raczej duszpasterska, ale odniosła fantastyczny sukces publiczności, wytrzymując w Akademii Operowej, na którą Perrin miał 15-letni przywilej królewski, 146 przedstawień. Mimo to Perrin zbankrutował i trafił do więzienia. Lully, blisko króla, bardzo subtelnie wyczuwał nastroje publiczności i, co ważniejsze, króla. Porzuca Moliera, w 1672 odbiera przywilej z Perrin i otrzymawszy od króla szereg specjalnych patentów, przejmuje całkowitą kontrolę nad francuską sceną operową.
Pierwszą „tragedią opartą na muzyce” była tragedia „Kadmus i Hermiona”, napisana do wierszy Philipa Kino. Fabuła została wybrana przez króla. Prapremiera opery odbyła się 27 kwietnia 1673 w Palais-Royal, po śmierci Moliera została przekazana Lully'emu. Główną cechą jego oper była szczególna ekspresja melodii: komponując je, Lully idzie oglądać grę wielkich aktorów tragicznych. Ich dramatyczną recytację zapisuje w nutach, a następnie odtwarza w swoich kompozycjach. Dobiera własnych muzyków i aktorów, kształci ich. Sam ćwiczy swoje opery i sam je dyryguje ze skrzypcami w ręku. W sumie skomponował i wystawił 13 „tragedii w muzyce” w teatrze: Kadmus i Hermiona (1673), Alceste (1674), Tezeusz (1675), Atys (1676), Izyda (1677), Psyche (1678, wersja operowa). komedio-baletu 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseusz (1682), Faeton (1683), Amadis (1684) ), „Roland” (1685) i „Armida” (1687). Opera Achilles i Polyxena (1687) została ukończona przez Pascala Colasa 3 po śmierci Lully'ego.
Pierwsza tercja XVIII wieku był bardzo trudny dla sztuki operowej. Można je nazwać czasami ponadczasowości, zamętu estetycznego, swoistej decentralizacji opery – zarówno w zakresie zarządzania operą, jak i artystycznie. Duże jednostki kreatywne praktycznie się nie pojawiają 4 . Wśród wielu kompozytorów, którzy występowali w operze, najważniejszy jest Andre Campra (1660 - 1744). Był po Lullym jedynym kompozytorem, który mógł go przynajmniej częściowo zastąpić. Dopiero pojawienie się Rameau nieco zepchnęło prace Campry na dalszy plan. Wielkim sukcesem cieszyły się Pasticcio Campra (czyli opery złożone z fragmentów oper różnych kompozytorów, które odniosły największy sukces) – „Fragments de Lulli”, „Telemaque ou les fragments des modernes”. Z oryginalnych prac Campry wyróżnia się „La serenade vénétienne ou le jaloux trompé”. Campra napisała na scenę 28 utworów; Komponował także kantaty i motety. 5
W czasach Ludwika XV na operę francuską działały zupełnie inne, wręcz przeciwnie skierowane siły: bezwład heroizmu, jaki stworzył klasycyzm XVII wieku; wpływy niezwykle eleganckiego, cienkiego jak biżuteria, a często idyllicznego rokoka; nowy, obywatelski i polemiczno-dydaktyczny klasycyzm Woltera dramaturga i jego szkoły; wreszcie estetyczne idee Encyklopedystów (D'Alembert, Diderot i inni). W stołecznym teatrze powstał tzw. „styl wersalski”, zachowujący fabułę i schemat klasycyzmu, ale rozpuszczający je w genialnym urozmaiceniu i wyróżniający się szczególnie wyrafinowanym luksusem inscenizacji: scenografii, rekwizytów, kostiumów i dekoracji architektonicznej audytorium. Ważnym czynnikiem kształtowania się „stylu wersalskiego” z nieodłączną hegemonią baletu było ukształtowanie się i udoskonalenie w pierwszej połowie XVIII wieku nowej francuskiej szkoły sztuki choreograficznej – szkoły, która wyrosła na niezwykle wpływową kulturę i siły artystycznej i miał intensywny wpływ na operę 6.
Innym francuskim kompozytorem, który znacząco wpłynął na muzykę Oświeceniowej Francji, jest Jean Philippe Rameau. Typ opery Rameau jest francuski, a nie włoski: rozwój muzyczny nie zostaje przerwany, przejście od skończonych numerów wokalnych do recytatywów jest wygładzone. W operach Rameau wirtuozeria wokalna nie zajmuje centralnego miejsca; mają dużo przerywników orkiestrowych i generalnie dużo uwagi przywiązuje się cały czas do partii orkiestrowej; Niezbędne są również chóry i rozbudowane sceny baletowe. W porównaniu do późniejszego klasycznego modelu operowego, Rameau ma mniej wokali i mniej więcej taką samą ilość orkiestry i chóru. Melodia Rameau zawsze podąża za tekstem, oddając jego znaczenie dokładniej niż aria włoska; chociaż był znakomitym melodystą, to linia wokalna w jego operach jest w zasadzie bliższa recytatywowi niż kantylenie. Głównym środkiem wyrazu nie jest melodia, ale bogate i wyraziste wykorzystanie harmonii - to oryginalność stylu operowego Rameau. Kompozytor wykorzystał w swoich partyturach możliwości współczesnej orkiestry Opery Paryskiej: smyczki, instrumenty dęte drewniane, rogi i perkusję, a szczególną uwagę zwrócił na instrumenty dęte drewniane, których barwy nadają operam Rameau oryginalny, orkiestrowy posmak. Pisanie chórów różni się w zależności od sytuacji na scenie, chóry są zawsze dramatyczne i często taneczne. Dla jego niekończących się tańców i scen baletowych typowe jest połączenie plastycznego piękna z emocjonalną ekspresją; to choreograficzne fragmenty oper Rameau od razu porywają słuchacza. Świat figuratywny tego kompozytora jest bardzo bogaty, a wszelkie stany emocjonalne podane w libretto znajdują odzwierciedlenie w muzyce. W ten sposób namiętny ociężałość ukazują m.in. clavierowe utwory Timide (La timide) i Rozmowa muz (L „Entretien des Muses”), a także w wielu scenach pastoralnych z jego oper i baletów operowych7.
Większość utworów kompozytora pisana jest w dawnych, już nieistniejących formach, co nie wpływa na wysokie uznanie jego spuścizny. Rameau można postawić obok G. Purcella, a jeśli chodzi o jego współczesnych, ustępuje mu tylko Bacha i Haendla. osiem
Spuścizna Rameau składa się z kilkudziesięciu książek i szeregu artykułów dotyczących muzyki i teorii akustycznej; cztery tomy utworów clavier (jeden z nich - Concert Pieces - na clavier i flet z altówką da gamba); kilka motetów i kantat solowych; 29 kompozycji scenicznych - oper, baletów operowych i pastorałek.
Rameau wyjaśnił użycie współczesnych mu akordów za pomocą harmonijnego systemu emanującego z fizycznej natury dźwięku i pod tym względem poszedł dalej niż znany akustyk J. Sauveur. Co prawda teoria Rameau, naświetlając istotę współbrzmień, pozostawia niewyjaśniony dysonans, który nie powstaje z elementów serii alikwotowej, a także możliwość sprowadzenia wszystkich zahartowanych dźwięków do jednej oktawy.
Dziś większe znaczenie mają nie teoretyczne badania Rameau, ale jego muzyka. Kompozytor pracował w tym samym czasie z J.S.Bachem, G.F.Handlem, D.Scarlattim i przeżył ich wszystkich, ale twórczość Rameau różni się od muzyki jego wielkich współczesnych. Dziś jego utwory clavier są najbardziej znane, ale głównym polem działalności kompozytora była opera. Miał okazję pracować w gatunkach scenicznych już w wieku 50 lat, a w ciągu 12 lat stworzył swoje główne arcydzieła - tragedie liryczne Hipolit i Arisia (1733), Kastor i Pollux (1737) oraz Dardanus (dwie wydania - 1739 i 1744) ; balety operowe „Wielkie Indie” (1735) i „Święta Hebe” (1739); komedia liryczna „Platea” (1745). Rameau komponował opery do 80 roku życia, aw każdej z nich znajdują się fragmenty potwierdzające jego sławę jako wielkiego dramaturga muzycznego 9 .
Idee encyklopedystów odegrały również znaczącą rolę w przygotowaniu reformy K. V. Glucka, która doprowadziła do stworzenia nowego stylu operowego, który ucieleśniał ideały estetyczne trzeciego stanu w przededniu rewolucji francuskiej. Wystawienie w Paryżu oper Glucka Ifigenii w Aulidzie (1774), Armida (1777) i Ifigenii w Taurydzie (1779) w Paryżu zaostrzyło walkę o kierunki. Zwolennicy starej francuskiej opery, a także sprzeciwiający się Gluckowi zwolennicy opery włoskiej, przeciwstawiali mu tradycyjne dzieło N. Piccinniego. Walka między „glukistami” a „picchinnistami” (Gluck zwyciężył) odzwierciedlała głębokie zmiany ideologiczne, które miały miejsce we Francji w drugiej połowie XVIII wieku.
W operach Lully'ego i Rameau wykształcił się szczególny rodzaj uwertury, nazwany później francuską. To duży i barwny utwór orkiestrowy, składający się z trzech części. Skrajne partie są powolne, uroczyste, obfitują w krótkie pasaże i inne wyszukane ozdobniki głównego tematu. Na środek utworu wybrano z reguły szybkie tempo (widoczne było, że autorzy znakomicie opanowali wszystkie techniki polifonii). Taka uwertura nie była już przemijającym utworem, pod którym spóźnialscy hałaśliwie siadali, ale poważną pracą, która wprawiła słuchacza w ruch i ujawniła bogate możliwości brzmieniowe orkiestry. Z oper uwertura francuska szybko przeszła do muzyki kameralnej, a później była często wykorzystywana w utworach niemieckich kompozytorów G. F. Haendla i J. S. Bacha. W dziedzinie muzyki instrumentalnej we Francji główne osiągnięcia związane są z clavierem. Muzyka klawiszowa jest reprezentowana przez dwa gatunki. Jednym z nich są prace miniaturowe, proste, eleganckie, wyrafinowane. Ważne są w nich drobne detale, próby oddania pejzażu czy sceny dźwiękami. Francuscy klawesyniści stworzyli specjalną melodię, pełną wykwintnych dekoracji - melizmaty (z greckiego "melos" - "piosenka", "melodia"), które są "koronką" krótkich dźwięków, które mogą się nawet składać w maleńką melodię. Było wiele odmian melizmatów; w tekście nutowym oznaczono je specjalnymi znakami. Ponieważ dźwięk klawesynu nie rozciąga się, melizmaty są często niezbędne do stworzenia ciągłej melodii lub frazy. Innym gatunkiem francuskiej muzyki clavier jest suita (od francuskiej suity - „row”, „sequence”). Dzieło takie składało się z kilku części - utworów tanecznych o kontrastującym charakterze; podążali za sobą. W każdej suity obowiązywały cztery główne tańce: allemande, courante, sarabande i gigue. Suitę można nazwać gatunkiem międzynarodowym, ponieważ zawierała tańce z różnych kultur narodowych. Allemande (z francuskiego allemande - „niemiecki”), na przykład pochodzenia niemieckiego, kuranty (z francuskiego courante - „bieganie”) - włoski, miejsce narodzin sarabandy (hiszpańska zarabanda) - Hiszpania, jig (angielski, jig) - Anglia . Każdy z tańców miał swój charakter, wielkość, rytm, tempo. Stopniowo obok tych tańców zaczęto włączać do suity inne liczby – menuet, gawot itp. Gatunek suity znalazł dojrzałe ucieleśnienie w utworach Haendla i Bacha 10 .
Rewolucja francuska miała również duży wpływ na muzykę. W tych latach upowszechniła się opera komiczna (choć pierwsze opery komiczne pojawiły się już pod koniec XVII wieku11) – głównie jednoaktowe przedstawienia oparte na muzyce ludowej. Gatunek ten był bardzo popularny wśród ludzi - motywy i słowa kupletów były łatwo zapamiętywane. W XIX wieku popularność zyskała także opera komiczna. Jednak nadal najpopularniejszym gatunkiem była bez wątpienia piosenka. Nowa społeczna funkcja muzyki, zrodzona z sytuacji rewolucyjnej, dała początek gatunkom masowym, w tym marszom i pieśniom (Pieśń Gosseka z 14 lipca), utworom na kilka chórów i orkiestr (Lesueur, Megül). Tworzył pieśni patriotyczne. W latach rewolucji (1789 - 1794) pojawiło się ponad 1500 nowych piosenek. Muzyka została częściowo zapożyczona z oper komicznych, pieśni ludowych XVI-XVII wieku. Szczególnie lubiane były 4 pieśni: „Saera” (1789), „Pieśń marszowa” (1794), „Carmagnola” (1792) – nazwa prawdopodobnie pochodzi od nazwy włoskiego miasta Carmagnola, gdzie ubodzy pracujący stanowili większość ludności, hymn rewolucyjny Marsylii; teraz hymn narodowy; skomponowany i dostrojony do muzyki Rouger de Lisle w Strasburgu po wypowiedzeniu wojny w kwietniu 1792 roku. Pod wpływem ideologii rewolucyjnej powstały nowe gatunki - agitacyjne wykonania z udziałem wielkich mszy chóralnych („Wybrany republikanin, czyli Święto Rozumu” Gretry, 1794, „Triumf republiki, czyli obóz w Grand Pre, Gossek, 1793) oraz „opera ratunkowa” namalowana romantyzmem walki rewolucyjnej z tyranią („Lodoiska”, 1791 i „Water Carrier”, 1800, Cherubini; „Jaskinia” Lesueura, 1793) 12. Rewolucyjne przemiany wpłynęły także na system edukacji muzycznej. Zniesiono szkoły kościelne (metrisy), a w 1793 w Paryżu, na bazie połączonej szkoły muzycznej Gwardii Narodowej i Królewskiej Szkoły Śpiewu i Recytacji, powstał Narodowy Instytut Muzyki (od 1795 – Konserwatorium Muzyczne i Recytacja). Paryż stał się najważniejszym ośrodkiem edukacji muzycznej.
Wniosek
Francuska muzyka Oświecenia ewoluowała zgodnie z samą epoką. W ten sposób francuska opera komiczna z wesołej komedii z muzyką stała się uznanym gatunkiem muzyczno-teatralnym o samodzielnym znaczeniu, reprezentowanym przez wielkie postacie artystyczne o różnych osobowościach, wiele odmian gatunkowych i wiele ciekawych, wpływowych dzieł.
Muzyka, jak poprzednio, rozwijała się równolegle w kilku kierunkach - oficjalnej i ludowej. Absolutyzm był zarówno katalizatorem, jak i hamulcem rozwoju muzyki oficjalnej, czyli operowej, baletowej, w ogóle teatralnej, z jednej strony istniał państwowy porządek pisania i wykonywania muzyki, z drugiej państwowe monopole , prawie uniemożliwiając rozwój nowych kompozytorów i trendów.
Z kolei muzyka ludowa zyskała szerokie rozpowszechnienie dzięki Wielkiej Rewolucji Francuskiej w hymnach, marszach i pieśniach, których autorstwo większości jest obecnie prawie niemożliwe do ustalenia, ale które nie straciły swojej wartości kulturowej z powodu ten.
Lista wykorzystanej literatury
K. K. Rosenshild Muzyka we Francji XVII - początek XVIII wieku, - M .: "Muzyka", 1979
Słownik encyklopedyczny Brockhausa i Efrona (1890-1907).
Wielka radziecka encyklopedia
Zasoby internetowe:
Pod koniec XVII wieku rozpoczęła się epoka oświecenia, która objęła cały następny wiek XVIII. Kluczowymi cechami tego czasu były wolnomyślicielstwo i racjonalizm. Istniała kultura Oświecenia, która dała światu
Filozofia
Cała kultura Oświecenia opierała się na nowych ideach filozoficznych formułowanych przez myślicieli tamtych czasów. Głównymi mistrzami myśli byli John Locke, Voltaire, Monteskiusz, Rousseau, Goethe, Kant i kilku innych. To oni zdeterminowali duchowy kształt XVIII wieku (zwanego też Wiekiem Rozumu).
Adepci Oświecenia wierzyli w kilka kluczowych idei. Jednym z nich jest to, że wszyscy ludzie są z natury równi, każdy ma swoje zainteresowania i potrzeby. Aby im sprostać, konieczne jest stworzenie hostelu wygodnego dla każdego. Osobowość nie powstaje sama z siebie - kształtuje się z czasem dzięki temu, że ludzie mają siłę fizyczną i duchową, a także inteligencję. Równość musi polegać przede wszystkim na równości wszystkich wobec prawa.
Kultura Oświecenia jest kulturą wiedzy dostępną dla wszystkich. Czołowi myśliciele wierzyli, że tylko poprzez rozpowszechnianie edukacji można położyć kres niepokojom społecznym. To jest racjonalizm – uznanie rozumu za podstawę ludzkiego zachowania i wiedzy.
W epoce oświecenia trwały debaty na temat religii. Narastało oddzielenie społeczeństwa od biernego i konserwatywnego Kościoła (przede wszystkim katolickiego). Wśród wykształconych wierzących ludzi rozprzestrzeniła się idea Boga, jako pewnego rodzaju mechaniki absolutnej, która zaprowadziła porządek do pierwotnie istniejącego świata. Dzięki licznym odkryciom naukowym rozpowszechnił się pogląd, że ludzkość może odkryć wszystkie tajemnice wszechświata, a zagadki i cuda należą już do przeszłości.
Wskazówki dotyczące sztuki
Oprócz filozofii istniała także kultura artystyczna Oświecenia. W tym czasie sztuka Starego Świata obejmowała dwa główne obszary. Pierwszym był klasycyzm. Był ucieleśniony w literaturze, muzyce, sztukach pięknych. Kierunek ten oznaczał podążanie za starożytnymi zasadami rzymskimi i greckimi. Taką sztukę wyróżniała symetria, racjonalność, celowość i ścisłe podporządkowanie się formie.
W ramach romantyzmu kultura artystyczna Oświecenia odpowiadała na inne prośby: emocjonalność, wyobraźnię i twórczą improwizację artysty. Często zdarzało się, że w jednej pracy łączono te dwa przeciwstawne podejścia. Na przykład forma może odpowiadać klasycyzmowi, a treść - romantyzmowi.
Pojawiły się również style eksperymentalne. Ważnym zjawiskiem stał się sentymentalizm. Nie miał własnej formy stylistycznej, ale za jego pomocą znalazły odzwierciedlenie ówczesne wyobrażenia o ludzkiej dobroci i czystości, jaką daje człowiekowi natura. Rosyjska kultura artystyczna epoki Oświecenia, podobnie jak europejska, miała swoje jasne dzieła, które należały do nurtu sentymentalizmu. Taka była historia Nikołaja Karamzina „Biedna Lisa”.
Kult natury
To sentymentaliści stworzyli charakterystyczny dla Oświecenia kult natury. Myśliciele XVIII wieku szukali w nim przykładu tej pięknej i dobrej rzeczy, do której ludzkość powinna dążyć. Ucieleśnieniem lepszego świata okazały się parki i ogrody, które wówczas aktywnie powstawały w Europie. Zostały stworzone jako idealne środowisko dla doskonałych ludzi. W ich składzie znalazły się galerie sztuki, biblioteki, muzea, świątynie, teatry.
Oświeceni wierzyli, że nowy „człowiek naturalny” powinien powrócić do swojego naturalnego stanu – czyli natury. Zgodnie z tą ideą rosyjska kultura artystyczna okresu Oświecenia (a raczej architektura) przedstawiła Peterhof współczesnym. Przy jego budowie pracowali słynni architekci Leblon, Zemtsov, Usov, Quarenghi. Dzięki ich staraniom nad brzegiem Zatoki Fińskiej pojawił się wyjątkowy zespół, w skład którego wchodził wyjątkowy park, wspaniałe pałace i fontanny.
Obraz
W malarstwie kultura artystyczna oświeceniowej Europy rozwijała się w kierunku większej sekularyzmu. Religijny początek słabł nawet w tych krajach, w których wcześniej czuł się całkiem pewnie: w Austrii, Włoszech, Niemczech. Malarstwo pejzażowe zostało zastąpione pejzażem nastrojowym, a portret intymny zastąpił portret ceremonialny.
W pierwszej połowie XVIII wieku francuska kultura oświecenia dała początek stylowi rokoko. Taka sztuka była zbudowana na asymetrii, była prześmiewcza, żartobliwa i pretensjonalna. Ulubionymi postaciami artystów tego kierunku były bachantki, nimfy, Wenus, Diana i inne postacie starożytnej mitologii, a głównymi wątkami były miłosne.
Uderzającym przykładem francuskiego rokoka jest twórczość Francois Bouchera, który był również nazywany „pierwszym artystą króla”. Malował scenografię teatralną, ilustracje do książek, obrazy do bogatych domów i pałaców. Jego najsłynniejsze płótna to: „Toaleta Wenus”, „Triumf Wenus” itp.
Przeciwnie, Antoine Watteau zwrócił się bardziej do współczesnego życia. Pod jego wpływem wykształcił się styl największego angielskiego portrecisty Thomasa Gainsborough. Jego obrazy wyróżniały się duchowością, duchowym wyrafinowaniem i poezją.
Głównym malarzem włoskim XVIII wieku był Giovanni Tiepolo. Ten mistrz rycin i fresków jest uważany przez historyków sztuki za ostatniego wielkiego przedstawiciela szkoły weneckiej. W stolicy słynnej republiki handlowej powstała również weduta - codzienny miejski pejzaż. Najsłynniejszymi twórcami tego gatunku byli Francesco Guardi i Antonio Canaletto. Te postacie kultury Oświecenia pozostawiły po sobie ogromną liczbę imponujących obrazów.
Teatr
XVIII wiek to złoty wiek teatru. W epoce oświecenia ta forma sztuki osiągnęła szczyt popularności i rozpowszechnienia. W Anglii największym dramatopisarzem był Richard Sheridan. Jego najsłynniejsze dzieła, Podróż do Scarborough, Szkoła skandalu i Rywale, wyśmiewały niemoralność burżuazji.
Kultura teatralna Europy w okresie Oświecenia rozwijała się najdynamiczniej w Wenecji, gdzie działało jednocześnie 7 teatrów. Tradycyjny coroczny karnawał miejski przyciągał gości z całego Starego Świata. W Wenecji pracował autor słynnej „Tawerny” Carlo Goldoni. Ten dramaturg, który napisał łącznie 267 utworów, był szanowany i ceniony przez Woltera.
Najsłynniejszą komedią XVIII wieku była Wesele Figara, napisana przez wielkiego Francuza Beaumarchais. Odnaleźli w tej sztuce ucieleśnienie nastroju społeczeństwa, które miało negatywny stosunek do monarchii absolutnej Burbonów. Kilka lat po ukazaniu się i pierwszych inscenizacjach komedii we Francji miała miejsce rewolucja, która obaliła stary reżim.
Kultura europejska w okresie Oświecenia nie była jednorodna. W niektórych krajach ich własne cechy narodowe pojawiły się w art. Na przykład niemieccy dramatopisarze (Schiller, Goethe, Lessing) pisali swoje najwybitniejsze dzieła z gatunku tragedii. W tym samym czasie teatr oświecenia pojawił się w Niemczech kilkadziesiąt lat później niż we Francji czy Anglii.
Johann Goethe był nie tylko wybitnym poetą i dramatopisarzem. Nie bez powodu nazywany jest „uniwersalnym geniuszem” – koneserem i teoretykiem sztuki, naukowcem, powieściopisarzem i specjalistą wielu innych dziedzin. Jego najważniejsze dzieła to tragedia Faust i sztuka Egmont. Kolejna wybitna postać niemieckiego oświecenia, nie tylko pisała „Oszustwo i miłość” i „Zbójców”, ale pozostawiła po sobie prace naukowe i historyczne.
Fikcja
Głównym gatunkiem literackim XVIII wieku była powieść. To dzięki nowym książkom rozpoczął się triumf kultury burżuazyjnej, zastępującej dawną feudalną starą ideologię. Aktywnie publikowane były prace nie tylko pisarzy artystycznych, ale także socjologów, filozofów i ekonomistów.
Powieść jako gatunek wyrosła z dziennikarstwa edukacyjnego. Dzięki niemu myśliciele XVIII wieku znaleźli nową formę wyrażania swoich idei społecznych i filozoficznych. Jonathan Swift, autor Podróży Guliwera, zainwestował w swoją pracę wiele aluzji do wad współczesnego społeczeństwa. Napisał także „Opowieść o motylu”. W tej broszurze Swift wyśmiewał ówczesne nakazy kościelne i spory.
Rozwój kultury w okresie Oświecenia można upatrywać w pojawieniu się nowych gatunków literackich. W tym czasie powstała powieść epistolarna (powieść w listach). Takimi były na przykład sentymentalne dzieła Johanna Goethego „Cierpienia młodego Wertera”, w których główny bohater popełnił samobójstwo, czy „Listy perskie” Monteskiusza. Powieści dokumentalne pojawiły się w gatunku pisarstwa podróżniczego lub opisów podróży (Podróże po Francji i Włoszech Tobiasa Smolletta).
W literaturze kultura oświecenia w Rosji kierowała się zasadami klasycyzmu. W XVIII wieku pracowali poeci Aleksander Sumarokow, Wasilij Trediakowski, Antioch Kantemir. Pojawiły się pierwsze kiełki sentymentalizmu (wspomniany już Karamzin z „Biedną Lizą” i „Natalią, córką bojara”). Kultura Oświecenia w Rosji stworzyła wszelkie przesłanki, by literatura rosyjska, prowadzona przez Puszkina, Lermontowa i Gogola, przetrwała swój złoty wiek na początku nowego XIX wieku.
Muzyka
To właśnie w epoce oświecenia rozwinął się nowoczesny język muzyczny. Za jej założyciela uważa się Johanna Bacha. Ten wielki kompozytor pisał utwory we wszystkich gatunkach (wyjątkiem była opera). Bach do dziś jest uważany za niedoścignionego mistrza polifonii. Inny niemiecki kompozytor, Georg Handel, napisał ponad 40 oper, a także liczne sonaty i suity. Podobnie jak Bach czerpał inspiracje z tematów biblijnych (tytuły utworów są typowe: „Izrael w Egipcie”, „Saul”, „Mesjasz”).
Innym ważnym muzycznym fenomenem tamtych czasów była szkoła wiedeńska. Dzieła jej przedstawicieli do dziś są wykonywane przez orkiestry akademickie, dzięki czemu współcześni ludzie mogą dotknąć dziedzictwa pozostawionego przez kulturę Oświecenia. Wiek XVIII kojarzy się z nazwiskami takich geniuszy jak Wolfgang Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven. To właśnie ci wiedeńscy kompozytorzy na nowo przemyśleli dawne formy i gatunki muzyczne.
Haydn uważany jest za ojca symfonii klasycznej (napisał ich ponad sto). Wiele z tych utworów opierało się na tańcach i pieśniach ludowych. Zwieńczeniem twórczości Haydna jest cykl symfonii londyńskich, pisanych przez niego podczas podróży do Anglii. Kultura Oświecenia i jakiegokolwiek innego okresu w historii ludzkości rzadko produkowała tak płodnych artystów. Oprócz symfonii Haydnowi przypisuje się 83 kwartety, 13 mszy, 20 oper i 52 sonaty clavier.
Mozart nie tylko pisał muzykę. Grał niezrównanie na klawesynie i skrzypcach, opanowując te instrumenty w młodym wieku. Jego opery i koncerty wyróżniają się różnorodnością nastrojów (od poetyckich tekstów po zabawę). Za główne dzieła Mozarta uważa się jego trzy symfonie, napisane w tym samym 1788 roku (numery 39, 40, 41).
Inny wielki klasyk, Beethoven, upodobał sobie heroiczne wątki, co znalazło odzwierciedlenie w uwerturach Egmont, Coriolanus i operze Fidelio. Jako wykonawca zadziwiał współczesnych grając na pianinie. Beethoven napisał na ten instrument 32 sonaty. Kompozytor stworzył większość swoich dzieł w Wiedniu. Jest też właścicielem 10 sonat na skrzypce i fortepian (najsłynniejsza to sonata „Kreutzer”).
Beethoven doznał poważnego ubytku słuchu przez niego. Kompozytor popełnił samobójstwo iw desperacji napisał legendarną Sonatę Księżycową. Jednak nawet straszna choroba nie złamała woli artysty. Przezwyciężając własną apatię, Beethoven napisał znacznie więcej utworów symfonicznych.
Oświecenie angielskie
Anglia była kolebką europejskiego oświecenia. W tym kraju, wcześniej niż w innych, w XVII wieku miała miejsce rewolucja burżuazyjna, która dała impuls rozwojowi kulturalnemu. Anglia stała się wyraźnym przykładem postępu społecznego. Filozof John Locke był jednym z pierwszych i głównych teoretyków idei liberalnej. Pod wpływem jego pism powstał najważniejszy dokument polityczny Oświecenia – amerykańska Deklaracja Niepodległości. Locke uważał, że wiedza ludzka jest zdeterminowana percepcją zmysłową i doświadczeniem, co obala popularną wcześniej filozofię Kartezjusza.
Innym ważnym brytyjskim myślicielem XVIII wieku był David Hume. Ten filozof, ekonomista, historyk, dyplomata i publicysta zaktualizował naukę o moralności. Jego współczesny Adam Smith stał się twórcą nowoczesnej teorii ekonomicznej. Krótko mówiąc, kultura Oświecenia poprzedzała wiele nowoczesnych koncepcji i idei. Praca Smitha była właśnie taka. Jako pierwszy zrównał znaczenie rynku ze znaczeniem państwa.
Myśliciele Francji
Filozofowie francuscy XVIII wieku działali w opozycji do istniejącego wówczas systemu społeczno-politycznego. Rousseau, Diderot, Monteskiusz - wszyscy protestowali przeciwko krajowym rozkazom. Krytyka mogła przybierać różne formy: ateizm, idealizacja przeszłości (chwalono republikańskie tradycje starożytności) itp.
35-tomowa „Encyklopedia” stała się wyjątkowym fenomenem kultury Oświecenia. Składał się z głównych myślicieli Wieku Rozumu. Do poszczególnych tomów przyczynili się Julien La Mettrie, Claude Helvetius i inni wybitni intelektualiści XVIII wieku.
Monteskiusz ostro skrytykował arbitralność i despotyzm władz. Dziś słusznie uważany jest za twórcę burżuazyjnego liberalizmu. Voltaire stał się przykładem wybitnego dowcipu i talentu. Był autorem wierszy satyrycznych, powieści filozoficznych, traktatów politycznych. Dwukrotnie myśliciel trafił do więzienia, więcej razy musiał ukrywać się w biegu. To Wolter stworzył modę na wolnomyślicielstwo i sceptycyzm.
Niemieckie oświecenie
Kultura niemiecka XVIII wieku istniała w warunkach rozdrobnienia politycznego kraju. Zaawansowane umysły opowiadały się za odrzuceniem feudalnych śladów i jedności narodowej. W przeciwieństwie do filozofów francuskich myśliciele niemieccy byli ostrożni w sprawach związanych z Kościołem.
Podobnie jak rosyjska kultura Oświecenia, kultura pruska kształtowała się przy bezpośrednim udziale autokratycznego monarchy (w Rosji była to Katarzyna II, w Prusach – Fryderyk Wielki). Głowa państwa zdecydowanie popierała zaawansowane ideały swoich czasów, choć nie rezygnował z nieograniczonej władzy. System ten nazwano „oświeconym absolutyzmem”.
Głównym oświeconym w Niemczech w XVIII wieku był Immanuel Kant. W 1781 opublikował fundamentalną pracę Krytyka czystego rozumu. Filozof opracował nową teorię wiedzy, badał możliwości ludzkiego intelektu. To on uzasadnił metody walki i prawne formy zmiany ustroju społecznego i państwowego, z wyłączeniem rażącej przemocy. Kant wniósł znaczący wkład w powstanie teorii rządów prawa.
Ten artykuł może służyć jako dodatkowy materiał do lekcji muzyki w klasach 7-8. Oferuje materiał do pogłębionego studium kultury muzycznej XVII-XVIII wieku. W muzyce tamtej epoki kształtuje się język, który następnie „przemówi” po całej Europie.
Ściągnij:
Zapowiedź:
„Muzyka oświecenia”
Ruch oświeceniowy wywarł znaczący wpływ na życie muzyczne. W muzyce XVII - XVIII wieku. kształtuje się język muzyczny, którym następnie „przemówi” cała Europa. Pierwszymi byli Johann Sebastian Bach (1685-1750) i Georg Friedrich Handel (1685-1759). Bach jest znakomitym kompozytorem i organistą, pracował we wszystkich gatunkach muzycznych oprócz opery. Doprowadził do perfekcji sztukę polifoniczną, która powstała w Europie w średniowieczu. Głębia myśli Bacha, jego uczucia ujawniają się w pełni w pracy organów, w spowiedzi duszy. Wśród sześciu pokoleń Bachów prawie wszyscy to organiści, trębacze, fleciści, skrzypkowie, kapelmistrzowie i kantorzy. Droga życiowa genialnego kompozytora to ciągła walka o prawo do tworzenia. Handel, podobnie jak Bach, wykorzystywał w swoich pracach tematy biblijne.
W XVIII wieku w wielu krajach (Włochy, Niemcy, Austria, Francja itd.) następowały procesy kształtowania się nowych gatunków i form muzyki instrumentalnej, które ostatecznie ukształtowały się i osiągnęły szczyt w tzw. „Wiedeńska szkoła klasyczna”.Wiedeńska szkoła klasyczna, organicznie wchłaniająca zaawansowane osiągnięcia narodowych kultur muzycznych, sama była zjawiskiem głęboko narodowym, zakorzenionym w demokratycznej kulturze narodu austriackiego. Przedstawicielami tego kierunku artystycznego byli J. Haydn, V.A. Mozarta, L. van Beethovena. Każdy z nich miał jasną osobowość. Tak więc styl Haydna wyróżniał się jasnym światopoglądem, wiodącą rolą gatunku i elementów codziennego użytku. Dla stylu Mozarta bardziej charakterystyczny był początek liryczno-dramatyczny. Styl Beethovena jest ucieleśnieniem heroicznego patosu walki. Jednak wraz z różnicami, które decydowały o wyjątkowości indywidualności każdego z tych kompozytorów, łączy ich realizm, zasada afirmująca życie i demokracja. Oświeceniowe myślenie zorientowane na racjonalizm i abstrakcyjne uogólnianie doprowadziło do powstania nowych gatunków: SYMFONIA, SONATA, KONCERT. Gatunki te przybrały formę cyklu sonatowo-symfonicznego, którego trzon stanowiło allegro sonatowe. SONATA ALLEGRO to proporcjonalna i symetryczna konstrukcja, składająca się z trzech głównych części - ekspozycji, rozwoju i repryzy.
Klasyczna szkoła wiedeńska charakteryzowała się artystycznym stylem klasycyzmu, który powstał we Francji w XVII wieku.Opierając się na ideach regularności, racjonalności porządku światowego, mistrzowie tego stylu dążyli do jasnych i ścisłych form, harmonijnych wzorów i ucieleśnienia wysokich ideałów moralnych. Uważali dzieła sztuki antycznej za najwyższe, niedoścignione przykłady twórczości artystycznej, dlatego opracowali antyczne wątki i obrazy. Klasycyzm pod wieloma względami przeciwstawiał się baroku z jego pasją, zmiennością, niekonsekwencją, głosząc swoje zasady w różnych rodzajach sztuki, w tym w muzyce.Działalność kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej została przygotowana przez doświadczenia artystyczne ich poprzedników i współczesnych, w tym włoską i francuską kulturę operową i instrumentalną, dorobek muzyki niemieckiej. Ogromną rolę w powstaniu wiedeńskiej szkoły klasycznej odegrało życie muzyczne Wiednia - największego ośrodka muzycznego, muzycznego folkloru wielonarodowej Austrii. Sztuka klasyków wiedeńskich jest ściśle związana z ogólnym rozkwitem kultury austriacko-niemieckiej, z oświeceniem, które odzwierciedlało humanistyczne ideały stanu trzeciego w przededniu rewolucji francuskiej. Twórcze idee wiedeńskich klasyków są ściśle związane z poglądami G.E. Lessing, I.G. Herder, IV Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, z niektórymi przepisami francuskich encyklopedystów.
Twórczość przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej charakteryzuje uniwersalność artystycznego myślenia, konsekwencja, klarowność formy artystycznej. W ich pracach organicznie łączą się uczucia i intelekt, tragizm i komizm, precyzyjna kalkulacja i naturalność, łatwość wyrazu.Muzyka kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej to nowy etap w rozwoju myślenia muzycznego. Ich język muzyczny charakteryzuje się ścisłym porządkiem połączonym z wewnętrzną różnorodnością i bogactwem. Każdy z mistrzów wiedeńskiej szkoły klasycznej miał wyjątkową osobowość. Haydn i Beethoven byli najbliżsi sferze muzyki instrumentalnej, Mozart sprawdził się w równym stopniu zarówno w gatunkach operowych, jak i instrumentalnych. Haydn skłaniał się bardziej ku obiektywnym obrazom ludowym, humorowi, dowcipom, Beethoven - ku heroizmowi, Mozart, bycie artystą uniwersalnym - ku różnym odcieniom lirycznego doświadczenia. Ogromny wpływ na dalszy rozwój muzyki miała twórczość kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej, należącej do wyżyn światowej kultury artystycznej.
Najbardziej złożoną formą muzyki instrumentalnej jest SYMFONIA (gr. „współbrzmienie”). Przeznaczony jest do wykonywania przez orkiestrę symfoniczną. Możliwości tego gatunku są ogromne: pozwala wyrazić filozoficzne i moralne idee za pomocą środków muzycznych, porozmawiać o uczuciach i przeżyciach. Gatunek powstał w połowie XVIII wieku w twórczości przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej. Kompozytorzy opracowali cykl sonatowo-symfoniczny w czterech częściach, różniących się charakterem muzyki, tempem i sposobami opracowania tematu. Część pierwsza, zbudowana w formie sonatowej i zwykle wykonywana w szybkim tempie, przepełniona jest treścią dramatyczną. Czasami poprzedza go powolny wstęp. Część druga jest powolna, kontemplacyjna; to centrum liryczne kompozycji. Trzecia jest w kontraście do drugiej: poruszająca muzyka na żywo to taniec lub zabawa. Do początku XIX wieku. kompozytorzy posługiwali się formą menueta (fr. menuet, z menu „mały, mały”), popularnego tańca salonowego XVIII wieku. Później menueta zastąpiło scherzo (z wł. scherzo – „żart”) – tak nazywano małe utwory wokalne lub instrumentalne, szybkie w tempie i zabawne w treści. Część czwarta, zwykle szybka, jest finałem symfonii; tutaj podsumowuje się wyniki rozwoju tematów i obrazów dzieła.Jedna z najbardziej złożonych i bogatych w treści form muzycznych, sonata, zaczęła kształtować się w pierwszej połowie XVIII wieku. a ostateczny kształt uzyskał w drugiej połowie wieku w twórczości kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej. SONATA FORM to zasada prezentacji materiału muzycznego. Nie chodzi tu o mechaniczną zmianę części i przekrojów, ale o interakcję tematów i obrazów artystycznych. Tematy – główny i drugorzędny – albo są sobie przeciwstawne, albo się uzupełniają. Rozwój tematów przebiega przez trzy etapy – ekspozycję, rozwinięcie i podsumowanie. W ekspozycji pojawiają się tematy (z łac. expositio - „prezentacja, pokaz”). Główny brzmi w tonacji głównej, która określa nazwę tonacji całej kompozycji. Temat drugorzędny jest zwykle prezentowany w innym tonie - powstaje kontrast między tematami. W rozwoju następuje dalszy rozwój tematów. Mogą popaść w ostrą wzajemną sprzeczność. Czasem jedno tłumi drugie lub odwrotnie, schodzi w cień, pozostawiając „rywalowi” całkowitą swobodę działania. Oba tematy mogą pojawić się w innym świetle, np. będą wykonywane przez inny skład instrumentów, albo zmienią dramatycznie charakter. W repryzie (repryza francuska, od reprendre - „odnów, powtórz”) tematy na pierwszy rzut oka wracają do swojego pierwotnego stanu. Jednak temat poboczny brzmi już w tonacji głównej, łącząc się w ten sposób z tonacją główną. Rekapitulacja jest wynikiem złożonej ścieżki, do której tematyka wzbogacana jest doświadczeniem ekspozycji i rozwoju. Wyniki rozwoju są czasami ustalane w dodatkowej sekcji - kod (z włoskiego coda - „ogon”), ale jest to opcjonalne. Forma sonatowa stosowana jest zwykle w pierwszej części sonaty i symfonii, a także (z niewielkimi zmianami) w drugiej części i finale.
Jednym z głównych gatunków muzyki instrumentalnej jest SONATA (włoska sonata, od sonare - „do dźwięku”). Jest to praca wieloczęściowa (zazwyczaj trzy lub czteroczęściowa). W twórczości mistrzów wiedeńskiej szkoły klasycznej sonata, podobnie jak symfonia, osiągnęła swój szczyt. W przeciwieństwie do symfonii, sonata przeznaczona jest na jeden instrument (najczęściej fortepian) lub na dwa (z których jednym jest fortepian). Pierwsza część utworów tego gatunku napisana jest w formie sonatowej. Oto główne motywy muzyczne dzieła. Część druga, zwykle spokojna i powolna, ostro kontrastuje z pierwszą. Trzeci to finał, wykonywany w szybkim tempie. Podsumowuje i ostatecznie określa ogólny charakter pracy.
Joseph Haydn jest uważany za założyciela wiedeńskiej szkoły klasycznej. Z twórczością Haydna wiąże się rozkwit takich gatunków jak symfonia (ma ich sto cztery, nie licząc zaginionych), kwartet smyczkowy (osiemdziesiąt trzy) i sonata clavier (pięćdziesiąt dwie). . Kompozytor przywiązywał dużą wagę do koncertów na różne instrumenty, zespołów kameralnych i muzyki sakralnej.
Franz Joseph Haydn urodził się we wsi Rorau (Austria) w rodzinie mistrza powożenia. Od 8 roku życia zaczął śpiewać w kaplicy św. Szczepana w Wiedniu. Przyszły kompozytor musiał zarabiać na życie kopiując nuty, grając na organach, clavier i skrzypcach. W wieku siedemnastu lat Haydn stracił głos i został wyrzucony z kaplicy. Dopiero cztery lata później znalazł stałą pracę - dostał pracę jako akompaniator słynnego włoskiego kompozytora operowego Nicola Porpora (1686-1768). Docenił talent muzyczny Haydna i zaczął uczyć go kompozycji. W 1761 r Haydn wstąpił na służbę do bogatych książąt węgierskich Esterhazy i spędził na ich dworze prawie trzydzieści lat jako kompozytor i kierownik kaplicy. W 1790 kaplica została rozwiązana, ale Haydn zachował pensję i stanowisko kapelmistrza. Dało to mistrzowi możliwość osiedlenia się w Wiedniu, podróżowania i koncertowania. W latach 90. Haydn przez długi czas żył i pracował owocnie w Londynie. Zyskał europejską sławę, jego twórczość została doceniona przez współczesnych – kompozytor stał się posiadaczem wielu honorowych stopni i tytułów. Joseph Haydn jest często określany mianem „ojca” symfonii. To w jego twórczości symfonia stała się wiodącym gatunkiem muzyki instrumentalnej. W symfoniach Haydna interesujące jest rozwinięcie głównych tematów. Wykonując melodię w różnych tonacjach i rejestrach, nadając jej taki czy inny nastrój, kompozytor odkrywa w ten sposób jej ukryte możliwości, ujawnia wewnętrzne sprzeczności: melodia albo się przekształca, albo powraca do stanu pierwotnego. Haydn miał subtelne poczucie humoru, a ta cecha osobowości znalazła odzwierciedlenie w jego muzyce. W wielu symfoniach rytm części trzeciej (menueta) jest celowo ociężały, jakby autor starał się oddać niezdarne próby pospolitego powtórzenia wytwornych ruchów dzielnego tańca. Dowcipna Symfonia nr 94 (1791). W połowie drugiej części, kiedy muzyka brzmi spokojnie i cicho, nagle słychać uderzenia kotłów - aby słuchacze „nie się nudzili”. To nie przypadek, że utwór został nazwany „Z bitwą na kotły, czyli z niespodzianką”. Haydn często stosował technikę onomatopei (ptaki śpiewają, niedźwiedź wędruje po lesie itp.). W symfoniach kompozytor często sięgał po tematy ludowe.
Przedstawicielom wiedeńskiej szkoły klasycznej, a przede wszystkim Haydna, przypisuje się ukształtowanie stabilnego składu orkiestry symfonicznej. Wcześniej kompozytorzy zadowalali się tylko tymi instrumentami, które były obecnie dostępne. Pojawienie się stabilnego składu orkiestry jest wyraźną oznaką klasycyzmu. Dźwięk instrumentów muzycznych został w ten sposób sprowadzony do ścisłego systemu, przestrzegającego zasad instrumentacji. Zasady te opierają się na znajomości możliwości instrumentów i zakładają, że brzmienie każdego z nich nie jest celem samym w sobie, ale środkiem do wyrażenia pewnej idei. Stabilna kompozycja nadała orkiestrze integralne, jednorodne brzmienie.
Oprócz muzyki instrumentalnej Haydn zwracał uwagę na kompozycje operowe i duchowe (stworzył szereg mszy pod wpływem Haendla), zwrócił się ku gatunkowi oratorium (Stworzenie świata, 1798; Pory roku, 1801).
Opera od momentu powstania nie miała przerw w rozwoju. Reforma operowa w drugiej połowie XVIII wieku. był w dużej mierze ruchem literackim. Jej protoplastą był francuski pisarz i filozof J.J. Rousseau. Rousseau studiował także muzykę i jeśli w filozofii nawoływał do powrotu do natury, to w gatunku operowym opowiadał się za powrotem do prostoty.Idea reformy wisiała w powietrzu. Jednym z symptomów był rozkwit różnych rodzajów opery komicznej; inne były Listy o tańcu i baletach francuskiego choreografa J. Novera (1727–1810), które rozwinęły ideę baletu jako dramatu, a nie tylko spektaklu. Osobą, która wprowadziła reformę w życie, był K.V. Gluck (1714-1787). Jak wielu rewolucjonistów, Gluck zaczynał jako tradycjonalista. Przez kilka lat inscenizował tragedie w dawnym stylu i raczej pod presją okoliczności zwrócił się ku operze komicznej. Opera w Wiedniu dzieli się na trzy główne oddziały. Wiodące miejsce zajęła poważna opera włoska (włoska opera seria), w której w atmosferze wielkiej tragedii żyli i umierali klasyczni bohaterowie i bogowie. Mniej formalna była opera komiczna (opera buffa), oparta na fabule Arlekina i Columbine z włoskiej komedii (commedia dell „arte), w otoczeniu bezwstydnych lokajów, ich zgrzybiałych panów i wszelkiego rodzaju łobuzów i łotrów. form, rozwinęła się niemiecka opera komiczna (singspiel), której sukces polegał być może na używaniu jego ojczystego języka niemieckiego dostępnego dla ogółu społeczeństwa. Jeszcze przed rozpoczęciem kariery operowej Mozarta Gluck opowiadał się za powrotem do prostoty siedemnastowiecznych opera, której fabuły nie wyciszały długie, solowe arie, które opóźniały rozwój akcji i służyły śpiewakom jedynie jako okazja do zademonstrowania siły głosu.
Mocą swojego talentu Mozart połączył te trzy kierunki. Jako nastolatek napisał po jednej operze każdego rodzaju. Jako dojrzały kompozytor kontynuował pracę we wszystkich trzech kierunkach, choć tradycja opery seria zanikała.Dzieło Mozarta zajmuje szczególne miejsce w wiedeńskiej szkole klasycznej. W jego pracach klasyczny rygor i klarowność form łączy się z głęboką emocjonalnością. Muzyka kompozytora jest zbliżona do tych nurtów w kulturze drugiej połowy XVIII wieku, które adresowane były do ludzkich uczuć ("Storm and Drang", częściowo sentymentalizm). To Mozart jako pierwszy pokazał niespójność wewnętrznego świata jednostki.
Wolfgang Amadeus Mozart urodził się w Salzburgu (Austria). Posiadając fenomenalne muzyczne ucho i pamięć, w młodym wieku nauczył się grać na klawesynie, a w wieku pięciu lat napisał swoje pierwsze kompozycje. Pierwszym nauczycielem przyszłego kompozytora był jego ojciec Leopold Mozart, muzyk w kaplicy arcybiskupa salzburskiego. Mozart po mistrzowsku posiadał nie tylko klawesyn, ale także organy i skrzypce; Zasłynął jako genialny improwizator. Od szóstego roku życia podróżował po Europie. Mając jedenaście lat stworzył pierwszą operę Apollo i Hiacynt, a w wieku czternastu dyrygował już w teatrze mediolańskim na premierze własnej opery Mitrydates, król Pontu. W tym samym czasie został wybrany na członka Akademii Filharmonicznej w Bolonii. Jak wielu muzyków tamtej epoki, Mozart pełnił służbę dworską (1769-1781) – był akompaniatorem i organistą u arcybiskupa miasta Salzburga. Jednak niezależność mistrza wywołała ostre niezadowolenie arcybiskupa, a Mozart zdecydował się opuścić służbę. Spośród wybitnych kompozytorów przeszłości jako pierwszy wybrał życie wolnego artysty. w 1781 r Mozart przeprowadził się do Wiednia, miał rodzinę. Zarabiał na rzadkich wydaniach własnych kompozycji, lekcjach gry na fortepianie i występach (te ostatnie stanowiły zachętę do tworzenia koncertów fortepianowych). Mozart zwracał szczególną uwagę na operę. Jego twórczość to cała epoka w rozwoju tego typu sztuki muzycznej. Opera przyciągnęła kompozytora możliwością pokazania relacji między ludźmi, ich uczuć i aspiracji. Mozart nie dążył do stworzenia nowej formy operowej – sama jego muzyka była nowatorska. W dojrzałych utworach kompozytor zrezygnował ze ścisłego rozróżnienia na operę poważną i komiczną – pojawiło się przedstawienie muzyczno-dramatyczne, w którym te elementy przeplatają się. W rezultacie w operach Mozarta nie ma postaci jednoznacznie pozytywnych i negatywnych, postacie są żywe i wieloaspektowe, niezwiązane. Mozart często sięgał do źródeł literackich. Tak więc opera Wesele Figara (1786) została napisana na podstawie sztuki francuskiego dramaturga P.O. Beaumarchais Crazy Day, czyli Wesele Figara, które zostało zakazane przez cenzurę. Głównym tematem opery jest miłość, co jednak można powiedzieć o wszystkich utworach Mozarta. Jednak w pracy jest też podtekst społeczny: Figaro i jego ukochana Zuzanna są bystrzy i energiczni, ale mają skromne pochodzenie, ale tylko służą w domu hrabiego Almavivy. Ich sprzeciw wobec mistrza (głupiego i oszukanego arystokraty) wzbudza sympatię autora – dość oczywiste jest, że stoi on po stronie kochanków. W operze „Don Giovanni” (1787) średniowieczna opowieść o zdobywcy kobiecych serc otrzymała muzyczne ucieleśnienie. Energiczny, temperamentny, samowolny i wolny od wszelkich norm moralnych, bohaterowi przeciwstawia się w osobie Komendanta siła wyższa, uosabiająca rozsądny porządek. Uogólnienie filozoficzne współistnieje tu z miłosnymi intrygami i elementami gatunkowymi. Tragiczny i komiczny tworzą nierozerwalną jedność. Tę cechę opery podkreślał sam autor, nadając swojej pracy podtytuł „Wesoły dramat”. Wydawałoby się, że w finale triumfuje sprawiedliwość – występek (Don Juan) jest karany. Ale muzyka opery jest subtelniejsza i bardziej skomplikowana niż tak uproszczone rozumienie dzieła: budzi w słuchaczu sympatię dla bohatera, który pozostał wierny sobie nawet w obliczu śmierci. Filozoficzna opowieść-przypowieść „Czarodziejski flet” (1791) została napisana w gatunku singspiel. Główną ideą dzieła jest nieuchronność zwycięstwa dobra nad złem, wołanie o męstwo, o miłość, o zrozumienie jego wyższego znaczenia. Bohaterowie opery poddawani są poważnym próbom (cisza, ogień, woda), ale pokonują je z godnością i docierają do krainy piękna i harmonii.
Mozart uważał muzykę za główną, choć był bardzo wymagający w kwestii tekstu libretta. W jego operach znacznie wzrosła rola orkiestry. To właśnie w partii orkiestrowej często ujawnia się stosunek autora do bohaterów: albo przemyka motyw prześmiewczy, albo pojawia się piękna poetycka melodia. Uważnemu słuchaczowi te szczegóły mówią więcej niż tekst. Arie pozostały głównymi cechami portretowymi, a relacje między postaciami opisują zespoły wokalne. Kompozytorowi udało się przekazać w zespołach specyfikę charakteru każdej postaci.Mozart stał się także jednym z twórców klasycznego gatunku KONCERT. Koncert opiera się na rywalizacji solisty z orkiestrą, a proces ten zawsze podlega ścisłej logice. Kompozytor posiada dwadzieścia siedem koncertów na fortepian i orkiestrę, siedem na skrzypce i orkiestrę. W niektórych utworach słuchacza uderza wirtuozeria, świętowanie, w innych dramat i kontrasty emocjonalne. Zainteresowania mistrza nie ograniczały się do muzyki operowej i instrumentalnej. Tworzył także dzieła duchowe: msze, kantaty, oratoria, requiem. Muzyka Requiem (1791), przeznaczona dla solistów, chóru i orkiestry, jest głęboko tragiczna (Mozart pracował nad kompozycją, gdy był już chory, a właściwie przed śmiercią). Fragmenty kompozycji, przypominające arie operowe i zespoły, sprawiają, że muzyka jest bardzo emocjonalna, a polifoniczne (przede wszystkim „Panie, zmiłuj się!”) uosabiają zasadę duchową, najwyższą sprawiedliwość. Głównym obrazem requiem jest osoba cierpiąca w obliczu surowej Boskiej sprawiedliwości. Mistrz nie zdążył dokończyć requiem, sfinalizował je według szkiców kompozytora jego uczeń F.K. Susmayra.
Historycznie twórczość Ludwiga van Beethovena (1770-1827) należy do szkoły wiedeńskiej, której ideały estetyczne ukształtowały się w dobie francuskiej rewolucji burżuazyjnej. W związku z tym w jego pracy wkroczył temat heroiczny. „Muzyka powinna palić ogień z ludzkiej piersi” – to słowa niemieckiego kompozytora Ludwiga van Beethovena, którego utwory należą do najwyższych osiągnięć kultury muzycznej.Muzycznie jego twórczość z jednej strony kontynuowała tradycje wiedeńskiego klasycyzmu, z drugiej uchwyciła cechy sztuki noworomantycznej. Od klasycyzmu w twórczości Beethovena - wzniosłość treści, doskonała znajomość form muzycznych, odwołanie się do gatunków symfonii i sonaty. Od romantyzmu – odważny eksperyment na polu tych gatunków, zainteresowanie miniaturami wokalnymi i fortepianowymi. Ludwig van Beethoven urodził się w Bonn (Niemcy) w rodzinie nadwornego muzyka. Naukę muzyki rozpoczął od wczesnego dzieciństwa pod kierunkiem ojca. Jednak prawdziwym mentorem Beethovena był kompozytor, dyrygent i organista K.G. Nawa. Nauczył młodego muzyka podstaw kompozycji, nauczył go gry na clavier i organach. Od jedenastego roku życia Beethoven pełnił funkcję asystenta organisty w kościele, następnie organisty dworskiego, koncertmistrza w Operze w Bonn. W wieku osiemnastu lat wstąpił na Wydział Filozoficzny Uniwersytetu w Bonn, ale nie ukończył go, a następnie zrobił wiele samokształcenia. W 1792 r Beethoven przeniósł się do Wiednia. Lekcje muzyki pobierał u J. Haydna, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (najwięksi muzycy tamtej epoki). Albrechtsberger zapoznał Beethovena z twórczością Haendla i Bacha. Stąd błyskotliwa wiedza kompozytora o formach muzycznych, harmonii i polifonii. Beethoven wkrótce zaczął koncertować; stać się popularnym. Rozpoznawany na ulicach, zapraszany na uroczyste przyjęcia w domach wysokich rangą osób. Dużo komponował: pisał sonaty, koncerty na fortepian i orkiestrę, symfonie.
Przez długi czas nikt nie domyślał się, że Beethoven został dotknięty poważną chorobą - zaczął tracić słuch. Przekonany o nieuleczalnej chorobie kompozytor zdecydował się umrzeć iw 1802 roku. sporządził testament, w którym wyjaśnił powody swojej decyzji. Beethovenowi udało się jednak przezwyciężyć rozpacz i znaleźć siłę do dalszego pisania muzyki. Wyjściem z kryzysu była III ("heroiczna") Symfonia. W latach 1803-1808. kompozytor pracował także nad tworzeniem sonat; w szczególności Dziewiąta na skrzypce i fortepian (1803; dedykowana paryskiemu skrzypkowi Rudolfowi Kreutzerowi, stąd nazwano ją "Kreutzer"), XXIII ("Appassionata") na fortepian, V i VI symfonia (obie 1808) . Szósta ("Pastoralna") symfonia nosi podtytuł "Wspomnienia z życia na wsi". Praca ta ukazuje różne stany duszy ludzkiej, chwilowo odsuniętej od wewnętrznych przeżyć i zmagań. Symfonia przekazuje uczucia wynikające z kontaktu ze światem przyrody i życia na wsi. Jego struktura jest niezwykła – pięć części zamiast czterech. Symfonia zawiera elementy figuratywności, onomatopei (śpiew ptaków, grzmoty grzmotów itp.). Znaleziska Beethovena były następnie wykorzystywane przez wielu kompozytorów romantycznych. Szczytem dzieła symfonicznego Beethovena była IX Symfonia. Powstał w 1812 roku, ale kompozytor pracował nad nim w latach 1822-1823. Symfonia ma imponującą skalę; Szczególnie niezwykły jest finał, który jest czymś w rodzaju wielkiej kantaty na chór, solistów i orkiestrę, napisanej do tekstu ody „Do radości” J.F. Schillera. Prawykonanie symfonii odbyło się w 1825 roku. w Operze Wiedeńskiej. Do realizacji autorskiego planu nie wystarczyła orkiestra teatralna, musieli zaprosić amatorów: dwadzieścia cztery skrzypiec, dziesięć altówek, dwanaście wiolonczel i kontrabasy. Jak na wiedeńską orkiestrę klasyczną była to kompozycja niezwykle mocna. Ponadto każda partia chóralna (bas, tenor, alt i sopran) obejmowała dwudziestu czterech śpiewaków, co również przekraczało utarte normy. Za życia Beethovena IX Symfonia dla wielu pozostawała niezrozumiała; podziwiali go tylko ci, którzy dobrze znali kompozytora, jego oświeceni w muzyce uczniowie i słuchacze. Z czasem najlepsze orkiestry świata zaczęły włączać symfonię do swojego repertuaru i znalazła ona nowe życie.
Tak więc szczytem rozwoju muzycznego klasycyzmu była twórczość Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta i Ludwiga van Beethovena. Działali głównie w Wiedniu i ukształtowali kierunek w kulturze muzycznej drugiej połowy XVIII - początku XIX wieku - wiedeńską szkołę klasyczną. Zauważ, że klasycyzm w muzyce pod wieloma względami nie jest podobny do klasycyzmu w literaturze, teatrze czy malarstwie. W muzyce nie można oprzeć się na starożytnych tradycjach, ponieważ są one prawie nieznane. Ponadto treść utworów muzycznych często kojarzy się ze światem ludzkich uczuć, które nie podlegają ścisłej kontroli umysłu. Jednak kompozytorzy wiedeńskiej szkoły klasycznej stworzyli bardzo harmonijny i logiczny system reguł konstruowania dzieła. Dzięki takiemu systemowi najbardziej złożone uczucia zostały ubrane w przejrzystą i doskonałą formę. Cierpienie i radość stały się dla kompozytora przedmiotem refleksji, a nie doświadczenia. A jeśli w innych rodzajach sztuki obowiązują prawa klasycyzmu na początku XIX wieku. wielu wydawał się przestarzały, to w muzyce system gatunków, form i zasad harmonii wypracowany przez wiedeńską szkołę zachowuje swoje znaczenie do dziś.
