Dzieła Mozarta: spis. Wolfgang Amadeusz Mozart: kreatywność. Wolfgang Amadeus Mozart: biografia, wideo, ciekawostki Główne dzieła Mozarta. Lista kompozycji

Amadeusz

pl.wikipedia.org

Biografia

Mozart urodził się 27 stycznia 1756 r. w Salzburgu, który był wówczas stolicą arcybiskupstwa salzburskiego, teraz to miasto znajduje się na terytorium Austrii. Drugiego dnia po urodzeniu został ochrzczony w katedrze św. Ruperta. Wpis w księdze chrztu podaje jego imię po łacinie jako Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. W tych nazwach dwa pierwsze słowa to imię św. Jana Chryzostoma, które nie jest używane w życiu codziennym, a czwarte w okresie życia Mozarta zmieniało się: łac. Amadeusz, niemiecki Gottlieb, włoski. Amadeo, co oznacza „umiłowany przez Boga”. Sam Mozart wolał nazywać się Wolfgang.

Zdolności muzyczne Mozarta ujawniły się w bardzo młodym wieku, gdy miał około trzech lat. Jego ojciec Leopold był jednym z czołowych europejskich pedagogów muzycznych. Jego książka "Doświadczenie solidnej szkoły skrzypcowej" (niem. Versuch einer grundlichen Violinschule) została wydana w 1756 roku - roku urodzin Mozarta, doczekała się wielu wydań i została przetłumaczona na wiele języków, w tym na rosyjski. Ojciec nauczył Wolfganga podstaw gry na klawesynie, skrzypcach i organach.

W Londynie młody Mozart był przedmiotem badań naukowych, aw Holandii, gdzie muzyka była surowo zakazana podczas postów, dla Mozarta zrobiono wyjątek, ponieważ duchowni dostrzegli palec Boży w jego niezwykłym talencie.

W 1762 roku ojciec Mozarta zabrał wraz z synem i córką Annę, także wspaniałą klawesynistką, podróż artystyczną do Monachium i Wiednia, a następnie do wielu innych miast w Niemczech, Paryża, Londynu, Holandii, Szwajcarii. Wszędzie Mozart budził zdziwienie i zachwyt, wychodząc zwycięsko z najtrudniejszych prób, jakie proponowali mu ludzie zarówno znający się na muzyce, jak i amatorzy. W 1763 roku w Paryżu ukazały się pierwsze sonaty Mozarta na klawesyn i skrzypce. Od 1766 do 1769, mieszkając w Salzburgu i Wiedniu, Mozart studiował dzieła Haendla, Stradella, Carissimiego, Durante i innych wielkich mistrzów. Z rozkazu cesarza Józefa II Mozart napisał w kilka tygodni operę Wyimaginowana prosta dziewczyna (wł. La Finta semplice), ale członkowie włoskiej trupy, w której ręce wpadło dzieło 12-letniego kompozytora, nie chciał wykonywać muzyki chłopca, a ich intrygi były tak silne, że jego ojciec nie odważył się nalegać na wykonanie opery.

Mozart spędził lata 1770-1774 we Włoszech. W 1771 r. w Mediolanie, ponownie przy sprzeciwie teatralnych impresariów, wystawiono operę Mozarta Mitrydates, król Pontu (wł. Mitridate, Re di Ponto), która została przyjęta z wielkim entuzjazmem przez publiczność. Z takim samym sukcesem wydano jego drugą operę, Lucio Sulla (Lucius Sulla) (1772). Dla Salzburga Mozart napisał „Sen Scypiona” (wł. Il sogno di Scipione), o wyborze nowego arcybiskupa, 1772, dla Monachium – operę „La bella finta Giardiniera”, 2 msze, offertorium (1774). Kiedy miał 17 lat, wśród jego dzieł znalazły się już 4 opery, kilka poematów duchowych, 13 symfonii, 24 sonaty, nie mówiąc już o masie mniejszych kompozycji.

W latach 1775-1780, mimo obaw o wsparcie materialne, bezowocnego wyjazdu do Monachium, Mannheimu i Paryża, utraty matki Mozart napisał m.in. 6 sonat clavier, koncert na flet i harfę, dużą symfonię nr 31 w D-dur, nazywany paryskim, kilka chórów duchowych, 12 numerów baletowych.

W 1779 Mozart otrzymał stanowisko organisty dworskiego w Salzburgu (współpracował z Michaelem Haydnem). 26 stycznia 1781 roku w Monachium z wielkim sukcesem wystawiono opera Idomeneo. Wraz z "Idomeneo" rozpoczyna się reforma sztuki liryczno-dramatycznej. W tej operze wciąż widoczne są ślady starej włoskiej opery seria (duża liczba arii koloraturowych, partia Idamante napisana dla kastrata), ale w recytatywach, a zwłaszcza w chórach wyczuwalny jest nowy nurt. Duży krok naprzód widać także w oprzyrządowaniu. Podczas pobytu w Monachium Mozart napisał dla monachijskiej kaplicy ofertę „Misericordias Domini” – jeden z najlepszych przykładów muzyki kościelnej końca XVIII wieku. Z każdą nową operą moc twórcza i nowatorstwo technik Mozarta objawiała się coraz jaśniej. Opera Uprowadzenie z seraju (niem. Die Entfuhrung aus dem Serail), napisana w imieniu cesarza Józefa II w 1782 r., została przyjęta z entuzjazmem i wkrótce rozpowszechniła się w Niemczech, gdzie została uznana za pierwszą narodową operę niemiecką. Został napisany podczas romantycznego związku Mozarta z Constance Weber, która później została jego żoną.

Mimo sukcesu Mozarta jego sytuacja finansowa nie była genialna. Opuszczając salzburskie miejsce organisty i korzystając ze skromnych darów wiedeńskiego dworu, Mozart musiał udzielać lekcji na utrzymanie rodziny, komponować tańce wiejskie, walce, a nawet utwory na zegary ścienne z muzyką, bawić się wieczorami arystokracja wiedeńska (stąd jego liczne koncerty fortepianowe). Opery „L'oca del Cairo” (1783) i „Lo sposo deluso” (1784) pozostały niedokończone.

W latach 1783-1785 powstało 6 słynnych kwartetów smyczkowych, które Mozart zadedykował mistrzowi tego gatunku Josephowi Haydnowi i które przyjął z największym szacunkiem. Z tego samego okresu należy jego oratorium „Davide penitente” (Dawid pokutujący).

Od 1786 roku rozpoczyna się niezwykle płodna i niestrudzona działalność Mozarta, która była główną przyczyną jego rozstroju zdrowia. Przykładem niesamowitego tempa kompozycji jest opera Wesele Figara, napisana w 1786 roku w 6 tygodni, a jednak uderzająca mistrzostwem formy, perfekcją muzycznych cech i niewyczerpanym natchnieniem. W Wiedniu Wesele Figara przeszło prawie niezauważone, ale w Pradze wzbudziło niezwykły entuzjazm. Gdy tylko współautor Mozarta Lorenzo da Ponte skończył libretto Wesela Figara, musiał spieszyć się z librettem Don Giovanniego, które Mozart napisał dla Pragi na prośbę kompozytora. To wielkie dzieło, które nie ma odpowiednika w sztuce muzycznej, ukazało się w 1787 roku w Pradze i odniosło jeszcze większy sukces niż Wesele Figara.

Znacznie mniejszy sukces przypadł losowi tej opery w Wiedniu, która na ogół traktowała Mozarta chłodniej niż inne ośrodki kultury muzycznej. Tytuł nadwornego kompozytora o wartości 800 florenów (1787) był bardzo skromną nagrodą za wszystkie dzieła Mozarta. Mimo to związał się z Wiedniem, a gdy w 1789 r. po wizycie w Berlinie otrzymał zaproszenie na kierownika kaplicy dworskiej Fryderyka Wilhelma II o wartości 3 tys. talarów, nadal nie odważył się wyjechać z Wiednia.

Jednak wielu badaczy życia Mozarta twierdzi, że nie zaoferowano mu miejsca na dworze pruskim. Fryderyk Wilhelm II zamówił dla swojej córki tylko sześć prostych sonat fortepianowych i dla siebie sześć kwartetów smyczkowych. Mozart nie chciał przyznać, że wyjazd do Prus zakończył się fiaskiem i udawał, że na nabożeństwo zaprosił go Fryderyk Wilhelm II, ale z szacunku dla Józefa II odmówił przyjęcia. Rozkaz otrzymany w Prusach nadał jego słowom pozór prawdy. Podczas podróży zarobiono niewiele pieniędzy. Ledwo starczyło na spłatę długu w wysokości 100 guldenów, które zabrano bratu Mason Hofmedel na pokrycie kosztów podróży.

Po Don Giovannim Mozart skomponował 3 najsłynniejsze symfonie: nr 39 Es-dur (KV 543), nr 40 g-moll (KV 550) i nr 41 C-dur Jupiter (KV 551), napisane w półtora miesiąca w 1788 r.; z nich, ostatnie dwa są szczególnie znane. W 1789 Mozart zadedykował królowi pruskiemu kwartet smyczkowy z partią koncertowej wiolonczeli (D-dur).

Po śmierci cesarza Józefa II (1790) sytuacja finansowa Mozarta okazała się tak beznadziejna, że ​​musiał opuścić Wiedeń przed prześladowaniami wierzycieli i polepszyć swój biznes podróżą artystyczną. Ostatnie opery Mozarta to „Cosi fan tutte” (1790), „Miłosierdzie Tytusa” (1791), zawierające wspaniałe strony, mimo że powstała w 18 dni na koronację cesarza Leopolda II, i wreszcie „Magia”. flet ”(1791), który odniósł ogromny sukces, rozprzestrzeniając się niezwykle szybko. Opera ta, w dawnych wydaniach zwana skromnie operetką, wraz z Porwaniem z seraju stała się podstawą samodzielnego rozwoju narodowej opery niemieckiej. W rozległej i różnorodnej działalności Mozarta opera zajmuje najważniejsze miejsce. W maju 1791 Mozart objął nieodpłatnie stanowisko zastępcy kapelmistrza katedry św. Szczepana, mając nadzieję na objęcie stanowiska kapelmistrza po śmierci ciężko chorego Leopolda Hoffmanna; Hoffmann go jednak przeżył.

Mozart z natury mistyk dużo pracował dla kościoła, ale pozostawił w tej dziedzinie kilka świetnych przykładów: poza „Misericordias Domini” – „Ave verum corpus” (KV 618), (1791) i majestatycznie żałosnym Requiem (KV 626), nad którym Mozart niestrudzenie, ze szczególną miłością, pracował w ostatnich dniach swojego życia. Ciekawa jest historia pisania Requiem. Tuż przed śmiercią Mozarta odwiedził go tajemniczy nieznajomy w czerni i zamówił „Requiem” (mszę pogrzebową za zmarłych). Jak ustalili biografowie kompozytora, to właśnie hrabia Franz von Walsegg-Stuppach zdecydował się zakwalifikować zakupiony utwór jako własny. Mozart pogrążył się w pracy, ale złe przeczucia go nie opuściły. Tajemniczy nieznajomy w czarnej masce, „czarny człowiek” stoi bezlitośnie przed jego oczami. Kompozytorowi zaczyna się wydawać, że tę mszę żałobną pisze dla siebie... Pracę nad niedokończonym Requiem, które do dziś szokuje publiczność żałobnym liryzmem i tragiczną ekspresją, ukończył jego uczeń Franz Xaver Süssmeier, który wcześniej brał udział w komponowaniu opery Miłosierdzie Tytusa.

Mozart zmarł 5 grudnia o godzinie 00-55 rano w 1791 roku z powodu bliżej nieokreślonej choroby. Jego ciało okazało się spuchnięte, miękkie i elastyczne, jak to się dzieje przy zatruciu. Ten fakt, jak również inne okoliczności związane z ostatnimi dniami życia wielkiego kompozytora, dały badaczom powód do obrony tej właśnie wersji przyczyny jego śmierci. Mozarta pochowano w Wiedniu, na cmentarzu św. Marka we wspólnym grobie, więc samo miejsce pochówku pozostawało nieznane. Na pamiątkę kompozytora dziewiątego dnia po jego śmierci w Pradze, w ogromnym zgromadzeniu, 120 muzyków wykonało Requiem Antonio Rosettiego.

kreacja

Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, klarownych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta ujawnia wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej jednak należy do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno twórczej indywidualności wielkiego kompozytora.

Mozart to jeden z najwybitniejszych melodystów. Jej melodia łączy w sobie cechy austriackich i niemieckich pieśni ludowych z melodyjnością włoskiej kantyleny. Mimo że jego utwory wyróżniają się poezją i subtelnym wdziękiem, często zawierają melodie o odważnym charakterze, z wielkim patosem dramatycznym i kontrastowymi elementami.

Mozart przywiązywał szczególną wagę do opery. Jego opery reprezentują całą epokę w rozwoju tego rodzaju sztuki muzycznej. Wraz z Gluckiem był największym reformatorem gatunku operowego, ale w przeciwieństwie do niego uważał muzykę za podstawę opery. Mozart stworzył zupełnie inny rodzaj dramatu muzycznego, w którym muzyka operowa jest w całkowitej jedności z rozwojem akcji scenicznej. W efekcie w jego operach nie ma postaci wyjątkowo pozytywnych i negatywnych, postacie są żywe i wieloaspektowe, ukazane są relacje między ludźmi, ich uczucia i aspiracje. Najpopularniejsze opery to Wesele Figara, Don Giovanni i Czarodziejski flet.

Mozart przywiązywał dużą wagę do muzyki symfonicznej. Ze względu na to, że przez całe życie pracował jednocześnie nad operami i symfoniami, jego muzykę instrumentalną wyróżnia melodyjność arii operowej i dramatyczny konflikt. Największą popularnością cieszyły się trzy ostatnie symfonie – nr 39, nr 40 i nr 41 („Jowisz”). Mozart stał się także jednym z twórców gatunku koncertów klasycznych.

Twórczość kameralną i instrumentalną Mozarta reprezentują różnorodne zespoły (od duetów po kwintety) oraz utwory fortepianowe (sonaty, wariacje, fantazje). Mozart zrezygnował z klawesynu i klawikordu, które brzmią słabiej w porównaniu z fortepianem. Styl fortepianowy Mozarta wyróżnia elegancja, wyrazistość, staranne wykończenie melodii i akompaniamentu.

Kompozytor stworzył wiele dzieł duchowych: msze, kantaty, oratoria, a także słynne Requiem.

Katalog tematyczny dzieł Mozarta, z notatkami, opracowany przez Köchela („Chronologisch-thematisches Verzeichniss sammtlicher Tonwerke W. A. ​​Mozarta”, Lipsk, 1862), ma 550 stron. Według obliczeń Kechela Mozart napisał 68 utworów duchowych (msze, offertoria, hymny itp.), 23 utwory teatralne, 22 sonaty na klawesyn, 45 sonat i wariacji na skrzypce i klawesyn, 32 kwartety smyczkowe, około 50 symfonii, 55 koncerty itp., łącznie 626 utworów.

O Mozarcie

Być może nie ma w muzyce imienia, przed którym ludzkość skłoniła się tak życzliwie, radowała się i tak bardzo dotykała. Mozart jest symbolem samej muzyki.
- Borys Asafiew

Niesamowity geniusz wyniósł go ponad wszystkich mistrzów wszelkich sztuk i wieków.
- Ryszard Wagner

Mozart nie odczuwa udręki, ponieważ jest ponad udręką.
- Józef Brodski

Jego muzyka to z pewnością nie tylko rozrywka, to cała tragedia ludzkiej egzystencji.
- Benedykt XVI

Działa o Mozarcie

Dramat życia i twórczości Mozarta oraz tajemnica jego śmierci stały się owocnym tematem dla artystów wszystkich dziedzin sztuki. Mozart stał się bohaterem licznych dzieł literackich, dramatycznych i filmowych. Nie sposób wymienić ich wszystkich - poniżej przedstawiamy najsłynniejsze z nich:

Dramat. Gra. Książki.

* „Małe tragedie. Mozarta i Salieriego. - 1830, A. S. Puszkin, dramat
* Mozart w drodze do Pragi. - Eduard Mörike, historia
* Amadeusz. — Peter Schaeffer, graj.
* „Kilka spotkań ze zmarłym Monsieur Mozartem”. - 2002, E. Radzinsky, esej historyczny.
* Morderstwo Mozarta. - 1970 Weiss, David, powieść
* „Wzniosły i ziemski”. - 1967 Weiss, Dawid, powieść
* Stary kucharz. - K. G. Paustowski
* „Mozart: socjologia jednego geniusza” – 1991, Norbert Elias, socjologiczne studium życia i twórczości Mozarta w warunkach współczesnego społeczeństwa. Tytuł oryginalny: Mozart. Zur Sociologie eines Genies»

Filmy

* Mozart i Salieri - 1962, reż. V. Gorikker, w roli Mozarta I. Smoktunowskiego
* Mała tragedia. Mozart i Salieri - 1979, reż. M. Schweitzer jako Mozart V. Zolotukhin, I. Smoktunovsky jako Salieri
* Amadeus - 1984, reż. Milos Forman jako Mozart T. Hals
* Zaczarowana Mozarta - dokument 2005, Kanada, ZDF, ARTE, 52 min. reż. Thomas Wallner i Larry Weinstein
* Słynny historyk sztuki Michaił Kazinik o Mozarcie, film „Ad Libitum”
* Mozart to dwuczęściowy dokument. Został on wyemitowany 21 września 2008 roku na kanale Rossija.
* „Mały Mozart” to serial animowany dla dzieci oparty na prawdziwej biografii Mozarta.

Musicale. opery rockowe

*Mozarcie! - 1999, muzyka: Sylvester Levay, libretto: Michael Kunze
* Mozart L "Opera Rock - 2009, twórcy: Albert Cohen / Dove Attia, jako Mozart: Mikelangello Loconte

Gry komputerowe

* Mozart: Le Dernier Secret (The Last Secret) - 2008, deweloper: Game Consulting, wydawca: Micro Application

Dzieła sztuki

opery

* „Obowiązek Pierwszego Przykazania” (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Oratorium teatralne
* „Apollo i Hiacynt” (Apollo et Hyacinthus), 1767 – studencki dramat muzyczny w tekście łacińskim
* „Bastien i Bastienne” (Bastien und Bastienne), 1768. Kolejna rzecz studencka, singspiel. Niemiecka wersja słynnej opery komicznej J.-J. Rousseau - "Wiejski czarownik"
* „Udawana prosta dziewczyna” (La finta semplice), 1768 – ćwiczenie z gatunku operowo-buffowego na libretto Goldoniego
* „Mitrydates, król Pontu” (Mitridate, re di Ponto), 1770 - w tradycji włoskiej opery seria, opartej na tragedii Racine'a
* „Ascanio in Alba” (Ascanio in Alba), 1771. Serenada operowa (duszpasterska)
* Betulia Liberata, 1771 - oratorium. Na podstawie historii Judyty i Holofernesa
* „Sen Scypiona” (Il sogno di Scipione), 1772. Serenada operowa (duszpasterska)
* „Lucio Sulla” (Lucio Silla), 1772. Serial operowy
* „Tamos, król Egiptu” (Tamos, Konig in Agypten), 1773, 1775. Muzyka do dramatu Geblera
* „Wyimaginowany ogrodnik” (La finta giardiniera), 1774-5 – ponownie powrót do tradycji operowego buffa
* „The Shepherd King” (Il Re Pastore), 1775. Serenada operowa (duszpasterska)
* Zaide, 1779 (zrekonstruowany przez H. Chernovina, 2006)
* „Idomeneo, król Krety” (Idomeneo), 1781
* Porwanie z Seraju (Die Entfuhrung aus dem Serail), 1782. Singspiel
* „Gęś Kairska” (L'oca del Cairo), 1783
* „Oszukany małżonek” (Lo sposo deluso)
* „Dyrektor Teatru” (Der Schhauspieldirektor), 1786. Komedia muzyczna
* „Wesele Figara” (Le nozze di Figaro), 1786. Pierwsza z 3 wielkich oper. W gatunku miłośników opery.
* „Don Giovanni” (Don Giovanni), 1787
* „Tak jak wszyscy” (Cosi fan tutte), 1789
* „Miłosierdzie Tytusa” (La clemenza di Tito), 1791
* Czarodziejski flet (Die Zauberflote), 1791. Singspiel

Inne prace

* 17 mszy, w tym:
* „Koronacja”, KV 317 (1779)
* „Wielka Msza” C-moll, KV 427 (1782)

* „Requiem”, KV 626 (1791)

* około 50 symfonii, w tym:
* „Paryski” (1778)
* nr 35, KV 385 "Haffner" (1782)
* nr 36, KV 425 „Linzskaya” (1783)
* nr 38, KV 504 "Praga" (1786)
* nr 39, KV 543 (1788)
* nr 40, KV 550 (1788)
* nr 41, KV 551 "Jowisz" (1788)
* 27 koncertów na fortepian i orkiestrę
* 6 koncertów na skrzypce i orkiestrę
* Koncert na dwoje skrzypiec i orkiestrę (1774)
* Koncert na skrzypce i altówkę z orkiestrą (1779)
* 2 koncerty na flet i orkiestrę (1778)
* nr 1 G-dur KV 313 (1778)
* nr 2 w D-dur KV 314
* Koncert na obój i orkiestrę D-dur KV 314 (1777)
* Koncert na klarnet i orkiestrę A-dur KV 622 (1791)
* Koncert na fagot i orkiestrę B-dur KV 191 (1774)
* 4 koncerty na róg i orkiestrę:
* nr 1 D-dur KV 412 (1791)
* nr 2 Es-dur KV 417 (1783)
* nr 3 Es-dur KV 447 (między 1784 a 1787)
* nr 4 Es-dur KV 495 (1786) 10 serenad na orkiestrę smyczkową, w tym:
* „Mała nocna serenada” (1787)
* 7 divertisses na orkiestrę
* Różne zespoły mosiężne
* Sonaty na różne instrumenty, tria, duety
* 19 sonat fortepianowych
* 15 cykli wariacji na fortepian
* Rondo, fantazje, zabawy
* Ponad 50 arii
* Zespoły chórów, pieśni

Uwagi

1 Wszystko o Oscarze
2 D. Weissa. „Wzniosły i ziemski” to powieść historyczna. M., 1992. str. 674.
3 Lew Gunin
4 Levik B.V. „Literatura muzyczna obcych krajów”, tom. 2. - M.: Muzyka, 1979 - s. 162-276
5 Mozart: katolik, mistrz mason, ulubieniec papieża

Literatura

* Abert G. Mozart: Per. z nim. M., 1978-85. T.1-4. Rozdz. 1-2.
* Weiss D. Wzniosły i ziemski: powieść historyczna o życiu Mozarta i jego czasach. M., 1997.
* Opery Chigarevy E. Mozarta w kontekście kultury jego czasów. M.: URSS. 2000
* Chicherin G. Mozart: Studium badawcze. wyd. L., 1987.
* Steinpress BS Ostatnie strony biografii Mozarta // Steinpress BS Eseje i etiudy. M., 1980.
* Schuler D. Gdyby Mozart prowadził pamiętnik… Przetłumaczone z węgierskiego. L. Bałowa. Wydawnictwo Kowrin. Drukarnia Ateneum, Budapeszt. 1962.
* Einstein A. Mozart: Osobowość. Kreatywność: Per. z nim. M., 1977.

Biografia

Mozart urodził się 27 stycznia 1756 roku w Salzburgu w Austrii, a na chrzcie otrzymał imię Johann Chryzostom Wolfgang Theophilus. Matka - Maria Anna z domu Pertl, ojciec - Leopold Mozart, kompozytor i teoretyk, od 1743 - skrzypaczka w orkiestrze dworskiej arcybiskupa salzburskiego. Z siedmiorga dzieci Mozarta przeżyło dwoje: Wolfgang i jego starsza siostra Maria Anna. Zarówno brat, jak i siostra mieli genialne zdolności muzyczne: Leopold zaczął udzielać córce lekcji gry na klawesynie, gdy miała osiem lat, a Notatnik z lekkimi utworami skomponowanymi przez jej ojca w 1759 roku dla Nannerl był wtedy przydatny w nauczaniu małego Wolfganga. W wieku trzech lat Mozart podniósł tercje i seksty na klawesynie, w wieku pięciu lat zaczął komponować proste menuety. W styczniu 1762 r. Leopold zabrał swoje cudowne dzieci do Monachium, gdzie bawiły się w obecności elektora bawarskiego, a we wrześniu - do Linzu i Pasawy, stamtąd wzdłuż Dunaju - do Wiednia, gdzie zostały przyjęte na dworze, w Pałac Schönbrunn i dwukrotnie przyjmowany był przez cesarzową Marię Teresę. Ta podróż zapoczątkowała serię tras koncertowych, które trwały dziesięć lat.

Z Wiednia Leopold i jego dzieci przenieśli się wzdłuż Dunaju do Preszburga, gdzie przebywali od 11 do 24 grudnia, a następnie wrócili do Wiednia przed Wigilią. W czerwcu 1763 r. Leopold, Nannerl i Wolfgang rozpoczęli najdłuższą ze swoich tras koncertowych: do domu w Salzburgu wrócili dopiero pod koniec listopada 1766 r. Leopold prowadził dziennik podróży: Monachium, Ludwigsburg, Augsburg i Schwetzingen, letnia rezydencja elektora Palatynatu. 18 sierpnia Wolfgang dał koncert we Frankfurcie. Do tego czasu opanował już grę na skrzypcach i grał na nich swobodnie, choć nie z tak fenomenalną błyskotliwością, jak na instrumentach klawiszowych. We Frankfurcie wykonał swój koncert skrzypcowy, wśród obecnych na sali był 14-letni Goethe. Potem nastąpiła Bruksela i Paryż, gdzie rodzina spędziła całą zimę w latach 1763-1764. Mozartów przyjmowano na dworze Ludwika XV w czasie świąt Bożego Narodzenia w Wersalu i przez całą zimę cieszyły się dużym zainteresowaniem w kręgach arystokratycznych. W tym samym czasie w Paryżu ukazały się pierwsze cztery sonaty skrzypcowe Wolfganga.

W kwietniu 1764 r. rodzina wyjechała do Londynu i mieszkała tam przez ponad rok. Kilka dni po przybyciu Mozartów uroczyście przyjął król Jerzy III. Podobnie jak w Paryżu, dzieci dawały publiczne koncerty, podczas których Wolfgang demonstrował swoje niesamowite umiejętności. Kompozytor Johann Christian Bach, ulubieniec londyńskiego towarzystwa, od razu docenił ogromny talent dziecka. Często, kładąc Wolfganga na kolana, grał z nim sonaty na klawesynie: grali po kolei, każdy przez kilka taktów, i robili to z taką dokładnością, że wydawało się, że grał jeden muzyk. W Londynie Mozart skomponował swoje pierwsze symfonie. Podążali wzorami szarmanckiej, żywej i energicznej muzyki Johanna Christiana, który został nauczycielem chłopca, i wykazali się wrodzonym wyczuciem formy i instrumentalnym kolorem. W lipcu 1765 r. rodzina opuściła Londyn i wyjechała do Holandii, we wrześniu w Hadze Wolfgang i Nannerl doznali ciężkiego zapalenia płuc, po którym chłopiec wyzdrowiał dopiero w lutym. Następnie kontynuowali swoją podróż: z Belgii do Paryża, potem do Lyonu, Genewy, Berna, Zurychu, Donaueschingen, Augsburga, a wreszcie do Monachium, gdzie Elektor ponownie wysłuchał cudownej dziecięcej zabawy i był zdumiony odniesionym sukcesem. Gdy tylko wrócili do Salzburga, 30 listopada 1766, Leopold zaczął planować kolejną podróż. Zaczęło się we wrześniu 1767 roku. Cała rodzina przybyła do Wiednia, gdzie w tym czasie szalała epidemia ospy. Choroba ogarnęła oboje dzieci w Olmutz, gdzie musiały pozostać do grudnia. W styczniu 1768 dotarli do Wiednia i ponownie zostali przyjęci na dworze. Wolfgang napisał w tym czasie swoją pierwszą operę The Imaginary Simple Girl, ale do jej realizacji nie doszło z powodu intryg niektórych muzyków wiedeńskich. W tym samym czasie pojawiła się jego pierwsza wielka msza na chór i orkiestrę, która została odprawiona na otwarciu kościoła w sierocińcu przed liczną i życzliwą publicznością. Na zamówienie powstał koncert na trąbkę, niestety nie zachowany. W drodze do domu do Salzburga Wolfgang wykonał swoją nową symfonię K. 45a”, w klasztorze benedyktynów w Lambach.

Celem kolejnej planowanej przez Leopolda podróży były Włochy - kraj opery i oczywiście kraj muzyki w ogóle. Po 11 miesiącach nauki i przygotowań do podróży w Salzburgu, Leopold i Wolfgang rozpoczęli pierwszą z trzech wypraw przez Alpy. Nie było ich przez ponad rok, od grudnia 1769 do marca 1771. Pierwsza włoska podróż przerodziła się w łańcuch nieustannych triumfów - dla papieża i księcia, dla króla Ferdynanda IV Neapolitańskiego i dla kardynała, a przede wszystkim dla muzyków. Mozart spotkał się z Niccolò Piccinim i Giovanni Battista Sammartinim w Mediolanie, z Niccolò Iomellim i Giovannim Paisiello, kierującymi neapolitańską szkołą operową w Neapolu. W Mediolanie Wolfgang otrzymał zamówienie na wykonanie nowej opery seria podczas karnawału. W Rzymie usłyszał słynnego Miserere Gregorio Allegri, którego następnie spisał z pamięci. Papież Klemens XIV otrzymał Mozarta 8 lipca 1770 r. i odznaczył go Orderem Złotej Ostrogi. Studiując kontrapunkt w Bolonii u słynnego nauczyciela Padre Martiniego, Mozart rozpoczął pracę nad nową operą Mitrydates, król Pontu. Za namową Martiniego zdał egzamin w słynnej Filharmonii Bolońskiej i został przyjęty na członka akademii. Opera z powodzeniem została pokazana na Boże Narodzenie w Mediolanie. Wolfgang spędził wiosnę i wczesne lato 1771 roku w Salzburgu, ale w sierpniu ojciec i syn pojechali do Mediolanu, aby przygotować premierę nowej opery Ascanius w Albie, która odniosła sukces 17 października. Leopold miał nadzieję przekonać arcyksięcia Ferdynanda, na którego ślub zorganizowano uroczystość w Mediolanie, do przyjęcia Wolfganga na służbę, ale dziwnym zbiegiem okoliczności cesarzowa Maria Teresa wysłała list z Wiednia, w którym stanowczo wyraziła niezadowolenie z Mozartów w szczególności nazwała ich „bezużyteczną rodziną”. Leopold i Wolfgang zostali zmuszeni do powrotu do Salzburga, nie mogąc znaleźć odpowiedniej pracy dla Wolfganga we Włoszech. W dniu ich powrotu, 16 grudnia 1771 r., zmarł dobrotliwy dla Mozartów książę-arcybiskup Zygmunt. Jego następcą został hrabia Hieronymus Colloredo, a na uroczystość inauguracyjną w kwietniu 1772 Mozart skomponował „dramatyczną serenadę” „Snu Scypiona”. Colloredo przyjął młodego kompozytora do służby z roczną pensją 150 guldenów i zezwolił na podróż do Mediolanu, Mozart podjął się napisania nowej opery dla tego miasta, ale nowy arcybiskup, w przeciwieństwie do swojego poprzednika, nie tolerował długich nieobecności Mozarta i nie miał ochoty ich podziwiać. Trzecia włoska podróż trwała od października 1772 do marca 1773. Nowa opera Mozarta, Lucius Sulla, została wystawiona dzień po Bożym Narodzeniu 1772, a kompozytor nie otrzymał dalszych zamówień na operę. Leopold na próżno próbował pozyskać patronat Wielkiego Księcia Florencji Leopolda. Po kilku kolejnych próbach załatwienia syna we Włoszech, Leopold zdał sobie sprawę ze swojej porażki i Mozartowie opuścili ten kraj, aby już nigdy tam nie wrócić. Po raz trzeci Leopold i Wolfgang próbowali osiedlić się w stolicy Austrii; pozostali w Wiedniu od połowy lipca do końca września 1773 r. Wolfgang miał okazję zapoznać się z nowymi dziełami symfonicznymi szkoły wiedeńskiej, zwłaszcza z symfoniami dramatycznymi w tonacji molowej Jana Wahnhala i Josepha Haydna, czego owocem tej znajomości jest jego symfonia g-moll „K. 183". Zmuszony do pozostania w Salzburgu Mozart poświęcił się całkowicie kompozycji: w tym czasie pojawiły się symfonie, dywersje, utwory gatunków kościelnych, a także pierwszy kwartet smyczkowy - muzyka ta szybko zapewniła autorowi opinię jednego z najzdolniejszych. kompozytorów w Austrii. Symfonie powstałe na przełomie 1773 - 1774 "K. 183”, „K. 200”, „K. 201”, wyróżniają się wysoką dramaturgią. Krótką przerwę od znienawidzonego przez niego salzburskiego prowincjonalizmu dał Mozartowi zamówienie z Monachium na nową operę na karnawał w 1775 r.: w styczniu premiera Wyimaginowanego ogrodnika zakończyła się sukcesem. Ale muzyk prawie nie opuścił Salzburga. Szczęśliwe życie rodzinne w pewnym stopniu rekompensowało nudę salzburskiej codzienności, ale Wolfgang, który porównywał swoją obecną sytuację z żywą atmosferą zagranicznych stolic, stopniowo tracił cierpliwość. Latem 1777 Mozart został zwolniony ze służby arcybiskupiej i postanowił szukać szczęścia za granicą. We wrześniu Wolfgang i jego matka podróżowali przez Niemcy do Paryża. W Monachium elektor odmówił jego usług; po drodze zatrzymali się w Mannheim, gdzie Mozart został powitany przez członków lokalnej orkiestry i śpiewaków. Chociaż nie dostał miejsca na dworze Karla Theodora, pozostał w Mannheim: powodem była jego miłość do piosenkarki Aloysii Weber. Ponadto Mozart miał nadzieję odbyć trasę koncertową z Aloysią, która miała wspaniały sopran koloraturowy, udał się z nią nawet potajemnie na dwór księżnej Nassau-Weilburg w styczniu 1778 roku. Leopold początkowo wierzył, że Wolfgang pojedzie do Paryża z zespołem muzyków z Mannheim, pozwalając matce wrócić do Salzburga, ale kiedy usłyszał, że Wolfgang jest zakochany bez pamięci, surowo nakazał mu natychmiast udać się z matką do Paryża.

Pobyt w Paryżu, trwający od marca do września 1778 r., okazał się wyjątkowo nieudany: 3 lipca zmarła matka Wolfganga, a paryskie środowiska dworskie straciły zainteresowanie młodym kompozytorem. Chociaż Mozart z powodzeniem wykonał w Paryżu dwie nowe symfonie, a do Paryża przybył Christian Bach, Leopold nakazał synowi powrót do Salzburga. Wolfgang opóźniał powrót tak długo, jak mógł, a zwłaszcza ociągał się w Mannheim. Tu zdał sobie sprawę, że Aloysia jest mu zupełnie obojętna. To był straszny cios i dopiero straszliwe groźby i błagania ojca zmusiły go do opuszczenia Niemiec. Nowe symfonie Mozarta G-dur K. 318”, B-dur, „K. 319”, C-dur, „K. 334” oraz instrumentalne serenady D-dur „K. 320” cechuje krystaliczna klarowność formy i orkiestracji, bogactwo i subtelność emocjonalnych niuansów oraz szczególna serdeczność, która stawia Mozarta ponad wszystkimi kompozytorami austriackimi, z możliwym wyjątkiem Josepha Haydna. W styczniu 1779 Mozart wznowił obowiązki organisty na dworze arcybiskupim z pensją roczną w wysokości 500 guldenów. Muzyka kościelna, którą musiał komponować na niedzielne nabożeństwa, jest znacznie głębsza i bardziej różnorodna niż to, co wcześniej pisał w tym gatunku. „Msza koronacyjna” i „Msza celebrująca” C-dur, „K. 337". Ale Mozart nadal czuł nienawiść do Salzburga i arcybiskupa, dlatego chętnie przyjął propozycję napisania opery dla Monachium. „Idomeneo, król Krety” został wystawiony na dworze elektora Karola Teodora, jego zimowa rezydencja znajdowała się w Monachium w styczniu 1781 roku. Idomeneo było wspaniałym efektem doświadczeń nabytych przez kompozytora w poprzednim okresie, głównie w Paryżu i Mannheim. Pismo chóralne jest szczególnie oryginalne i dramatyczne. W tym czasie arcybiskup salzburski przebywał w Wiedniu i kazał Mozartowi natychmiast udać się do stolicy. Tutaj osobisty konflikt między Mozartem a Colloredo stopniowo przybierał niepokojące rozmiary, a po głośnym publicznym sukcesie Wolfganga na koncercie na rzecz wdów i sierot po wiedeńskich muzykach 3 kwietnia 1781 r., w czasie jego służby u arcybiskupa były ponumerowane. W maju złożył rezygnację, a 8 czerwca został wyrzucony za drzwi. Wbrew woli ojca Mozart poślubił Constanzę Weber, siostrę swojego pierwszego kochanka, a matce panny młodej udało się uzyskać bardzo korzystne warunki od Wolfganga w kontrakcie małżeńskim, ku złości i rozpaczy Leopolda, który obsypał syna z listami, błagając go, by zmienił zdanie. Wolfgang i Constanta pobrali się w wiedeńskiej katedrze św. Stephena 4 sierpnia 1782 r. I chociaż Constanta była równie bezradna w sprawach finansowych jak jej mąż, ich małżeństwo najwyraźniej okazało się szczęśliwe. W lipcu 1782 roku w wiedeńskim Burgtheater wystawiono operę Mozarta Uprowadzenie z seraju, która odniosła znaczący sukces, a Mozart stał się idolem Wiednia nie tylko w kręgach dworskich i arystokratycznych, ale także wśród koncertowiczów z trzeciego stanu. W ciągu kilku lat Mozart osiągnął szczyt sławy; życie w Wiedniu skłoniło go do różnorodnych zajęć, komponowania i wykonywania. Był bardzo poszukiwany, bilety na jego koncerty (tzw. akademie), rozprowadzane w abonamencie, całkowicie się wyprzedały. Z tej okazji Mozart skomponował serię znakomitych koncertów fortepianowych. W 1784 Mozart dał 22 koncerty w ciągu sześciu tygodni. Latem 1783 roku Wolfgang i jego narzeczona złożyli wizytę Leopoldowi i Nannerlowi w Salzburgu. Z tej okazji Mozart napisał swoją ostatnią i najlepszą mszę c-moll „K. 427", który nie został ukończony. Msza została wykonana 26 października w Peterskirche w Salzburgu, a Constanza zaśpiewała jedną z partii solowych sopranu. Constanta najwyraźniej była dobrą profesjonalną piosenkarką, chociaż jej głos był pod wieloma względami gorszy od głosu jej siostry Aloysi. Po powrocie do Wiednia w październiku para zatrzymała się w Linzu, gdzie pojawiła się symfonia Linz K. 425". W lutym następnego roku Leopold złożył wizytę swemu synowi i synowej w ich dużym wiedeńskim mieszkaniu niedaleko katedry. Ten piękny dom przetrwał do naszych czasów i choć Leopold nie mógł się pozbyć swojej niechęci do Constanzy, przyznał, że sprawy syna jako kompozytora i wykonawcy układają się bardzo dobrze. Do tego czasu datuje się początek wieloletniej szczerej przyjaźni Mozarta z Josephem Haydnem. Podczas wieczoru kwartetowego u Mozarta w obecności Leopolda Haydn, zwracając się do ojca, powiedział: „Twój syn jest największym kompozytorem ze wszystkich, których osobiście znam lub o których słyszałem”. Haydn i Mozart mieli na siebie znaczący wpływ; jeśli chodzi o Mozarta, pierwsze owoce tego wpływu widoczne są w cyklu sześciu kwartetów, które Mozart zadedykował przyjacielowi w słynnym liście we wrześniu 1785 roku.

W 1784 Mozart został masonem, co pozostawiło głęboki ślad w jego filozofii życia. Idee masońskie można odnaleźć w wielu późniejszych kompozycjach Mozarta, zwłaszcza w Czarodziejskim flecie. W tamtych latach wielu znanych naukowców, poetów, pisarzy, muzyków w Wiedniu było członkami lóż masońskich, m.in. Haydna, w kręgach dworskich kultywowano także wolnomularstwo. W wyniku różnych intryg operowych i teatralnych Lorenzo da Ponte, nadworny librecista, spadkobierca słynnego Metastasia, zdecydował się na współpracę z Mozartem w opozycji do kliki nadwornego kompozytora Antonio Salieriego i rywala da Ponte, librecisty opata z Casti. Mozart i da Ponte rozpoczęli antyarystokratyczną sztuką Beaumarchais Wesele Figara, do tego czasu zakaz nie został jeszcze zniesiony z niemieckiego przekładu sztuki. Za pomocą różnych sztuczek udało im się uzyskać od cenzury niezbędne pozwolenie i 1 maja 1786 roku w Burgtheater po raz pierwszy pokazano Wesele Figara. Chociaż później ta Mozartowska opera odniosła ogromny sukces, wkrótce została zastąpiona nową operą Vicente Martina y Solera Rzadka rzecz, kiedy została wystawiona po raz pierwszy. Tymczasem w Pradze wyjątkową popularność zyskało Wesele Figara, na ulicach rozbrzmiewały melodie z opery, a arie z niej tańczono w salach balowych i kawiarniach. Mozart został zaproszony do poprowadzenia kilku występów. W styczniu 1787 roku spędził z Konstantą około miesiąca w Pradze i był to najszczęśliwszy okres w życiu wielkiego kompozytora. Dyrektor opery Bondini zamówił dla niego nową operę. Można przypuszczać, że fabułę wybrał sam Mozart - stara legenda Don Giovanniego, libretto miał przygotować nie kto inny jak da Ponte. Opera Don Giovanni została po raz pierwszy wystawiona w Pradze 29 października 1787 r.

W maju 1787 zmarł ojciec kompozytora. Ten rok stał się generalnie kamieniem milowym w życiu Mozarta, jeśli chodzi o jego zewnętrzny przebieg i stan ducha kompozytora. Jego refleksje były coraz bardziej zabarwione głębokim pesymizmem; na zawsze przeminęły blask sukcesu i radość młodości. Szczytem podróży kompozytora był triumf Don Giovanniego w Pradze. Po powrocie do Wiednia pod koniec 1787 r. Mozart zaczął ścigać niepowodzenia, a pod koniec życia - ubóstwo. Inscenizacja Don Giovanniego w Wiedniu w maju 1788 zakończyła się niepowodzeniem: sam Haydn bronił opery na przyjęciu po przedstawieniu. Mozart otrzymał stanowisko nadwornego kompozytora i kapelmistrza cesarza Józefa II, ale ze stosunkowo niewielką pensją za to stanowisko, 800 guldenów rocznie. Cesarz niewiele wiedział o muzyce zarówno Haydna, jak i Mozarta. O dziełach Mozarta powiedział, że „nie były w smaku wiedeńczyków”. Mozart musiał pożyczyć pieniądze od Michaela Puchberga, swojego kolegi masońskiego. Wobec beznadziejności sytuacji w Wiedniu oraz dokumentów potwierdzających, jak szybko frywolni wiedeńczycy zapomnieli o swoim dawnym idolu, Mozart postanowił odbyć koncertową podróż do Berlina, kwiecień - czerwiec 1789, gdzie miał nadzieję znaleźć dla siebie miejsce przy ul. dwór króla pruskiego Fryderyka Wilhelma II. Rezultatem były tylko nowe długi, a nawet zamówienie na sześć kwartetów smyczkowych dla Jego Królewskiej Mości, który był porządnym wiolonczelistą-amatorem, oraz sześć sonat clavier dla księżnej Wilhelminy.

W 1789 r. pogorszył się stan zdrowia Konstanty, a następnie samego Wolfganga, a sytuacja finansowa rodziny stała się wręcz groźna. W lutym 1790 zmarł Józef II, a Mozart nie był pewien, czy utrzyma stanowisko nadwornego kompozytora pod rządami nowego cesarza. Uroczystości koronacyjne cesarza Leopolda odbyły się we Frankfurcie jesienią 1790 roku, a Mozart udał się tam na własny koszt, mając nadzieję, że przyciągnie uwagę publiczności. To wykonanie, Koncert clavier „Koronacja”, „K. 537”, odbyła się 15 października, ale nie przyniosła żadnych pieniędzy. Po powrocie do Wiednia Mozart spotkał się z Haydnem; londyński impresario Zalomon przyjechał zaprosić Haydna do Londynu, a Mozart otrzymał podobne zaproszenie do angielskiej stolicy na kolejny sezon zimowy. Gorzko zapłakał, gdy zobaczył odjeżdżających Haydna i Salomona. „Nigdy więcej się nie zobaczymy” – powtórzył. Poprzedniej zimy zaprosił tylko dwóch przyjaciół, Haydna i Puchberga, na próby do opery „Wszyscy tak to robią”.

W 1791 roku Emanuel Schikaneder, pisarz, aktor i impresario, dawny znajomy Mozarta, zamówił dla niego nową operę w języku niemieckim dla jego Freihaustheater na wiedeńskim przedmieściu Wieden, a wiosną Mozart rozpoczął pracę nad Czarodziejemnym fletem. W tym samym czasie otrzymał z Pragi zamówienie na operę koronacyjną Miłosierdzie Tytusa, dla której uczeń Mozarta, Franz Xaver Süssmeier, pomógł napisać kilka potocznych recytatywów. Wraz ze studentem i Constanzą Mozart udał się w sierpniu do Pragi, aby przygotować przedstawienie, które odbyło się bez większego sukcesu 6 września, później opera ta cieszyła się dużym zainteresowaniem. Następnie Mozart pospiesznie wyjechał do Wiednia, aby ukończyć Czarodziejski flet. Opera została wystawiona 30 września iw tym samym czasie ukończył swój ostatni utwór instrumentalny, Koncert klarnetowy A-dur „K. 622". Mozart był już chory, gdy w tajemniczych okolicznościach przyszedł do niego nieznajomy i zamówił requiem. Był to kierownik hrabiego Walsegga-Stuppacha. Hrabia zamówił kompozycję upamiętniającą zmarłą żonę, zamierzając ją wykonać pod własnym nazwiskiem. Mozart, przekonany, że sam komponuje requiem, gorączkowo pracował nad partyturą, aż opuściły go siły. 15 listopada 1791 ukończył Małą Kantatę Masońską. Constanza była w tym czasie leczona w Baden i pospiesznie wróciła do domu, gdy zdała sobie sprawę, jak poważna jest choroba jej męża. 20 listopada Mozart zachorował, a kilka dni później poczuł się tak słaby, że przyjął komunię. W nocy z 4 na 5 grudnia wpadł w stan urojeń iw stanie półświadomości wyobrażał sobie, że gra na kotłach w „Dniu Gniewu” z własnego niedokończonego requiem. Była prawie pierwsza w nocy, kiedy odwrócił się plecami do ściany i przestał oddychać. Konstanca, złamana żalem i bez żadnych środków, musiała zgodzić się na najtańsze nabożeństwo pogrzebowe w kaplicy katedry św. Stefana. Była zbyt słaba, by towarzyszyć ciału męża w długiej podróży na cmentarz św. Marka, gdzie został pochowany bez żadnych świadków poza grabarzami, w grobie nędzarza, którego lokalizacja została wkrótce beznadziejnie zapomniana. Süssmeier dokończył requiem i zaaranżował duże niedokończone fragmenty tekstu pozostawione przez autora. Jeśli za życia Mozarta jego moc twórczą realizowała tylko stosunkowo niewielka liczba słuchaczy, to już w pierwszej dekadzie po śmierci kompozytora uznanie jego geniuszu rozprzestrzeniło się po całej Europie. Ułatwił to sukces, jaki odniósł Czarodziejski flet z szeroką publicznością. Niemiecki wydawca André nabył prawa do większości niepublikowanych utworów Mozarta, w tym jego wspaniałych koncertów fortepianowych i wszystkich późnych symfonii, z których żadna nie została wydrukowana za życia kompozytora.

W 1862 Ludwig von Köchel opublikował katalog dzieł Mozarta w porządku chronologicznym. Od tego czasu tytuły utworów kompozytora zawierają zwykle numer Koechel, podobnie jak dzieła innych autorów zwykle zawierają oznaczenie opus. Na przykład pełny tytuł Koncertu fortepianowego nr 20 brzmiałby: Koncert nr 20 d-moll na fortepian i orkiestrę lub „K. 466". Indeks Kochala był rewidowany sześciokrotnie. W 1964 r. Breitkopf & Hertel z Wiesbaden w Niemczech opublikował gruntownie zmieniony i rozszerzony indeks Köchela. Zawiera wiele utworów, dla których udowodniono autorstwo Mozarta, ao których nie wspomniano we wcześniejszych wydaniach. Terminy kompozycji są również określone zgodnie z danymi z badań naukowych. W wydaniu z 1964 r. dokonano zmian w chronologii iw konsekwencji w katalogu pojawiły się nowe numery, ale kompozycje Mozarta nadal istnieją pod starymi numerami katalogu Koechela.

Biografia

Biografia wielkiego kompozytora potwierdza dobrze znaną prawdę: fakty są całkowicie pozbawione sensu. Dzięki faktom możesz udowodnić każdą fikcję. Co świat robi z życiem i śmiercią Mozarta. Wszystko jest opisane, przeczytane, opublikowane. A mimo to mówią: „Nie umarł śmiercią naturalną – został otruty”.

boski dar

Król Midas ze starożytnego mitu otrzymał wspaniały prezent od boga Dionizosa - wszystko, czego nie dotknął, zamieniło się w złoto. Inną rzeczą jest to, że prezent okazał się podstępem: nieszczęśnik prawie umarł z głodu i odpowiednio błagał o litość. Szalony dar został zwrócony Bogu - w micie to proste. Ale jeśli prawdziwy człowiek otrzyma równie spektakularny prezent, tylko muzyczny, to co wtedy?

Tutaj Mozart otrzymał od Pana wybrany prezent - wszystkie nuty, których dotknął, zamieniły się w muzyczne złoto. Chęć krytyki jego twórczości jest z góry skazana na porażkę: w końcu nie przyszłoby ci do głowy powiedzieć, że Szekspir nie odniósł sukcesu jako dramaturg. Muzyka, która stoi ponad wszelką krytyką, napisana bez jednej fałszywej nuty! W komponowaniu Mozart miał do dyspozycji dowolne gatunki i formy: opery, symfonie, koncerty, muzykę kameralną, dzieła sakralne, sonaty (łącznie ponad 600). Kiedyś zapytano kompozytora, jak zawsze udaje mu się pisać tak doskonałą muzykę. „Nie wiem jak inaczej” – odpowiedział.

Był jednak także świetnym „złotym” wykonawcą. Jak nie pamiętać, że karierę koncertową rozpoczął na „stołku” – w wieku sześciu lat Wolfgang grał na maleńkich skrzypcach własne kompozycje. Na trasie zorganizowanej przez ojca w Europie zachwycał publiczność graniem na cztery ręce razem z siostrą Nannerl na klawesynie – wtedy była to nowość. Na podstawie proponowanych przez publiczność melodii skomponował na miejscu świetne sztuki. Ludzie nie mogli uwierzyć, że ten cud dzieje się bez żadnego przygotowania i układali dziecku różne sztuczki, na przykład zakrywanie klawiatury kawałkiem materiału, czekając, aż wpadnie w bałagan. Żaden problem – złote dziecko rozwiązywało wszelkie muzyczne zagadki.

Zachowując na śmierć pogodne usposobienie improwizatora, często zaskakiwał współczesnych swoimi muzycznymi żartami. Jako przykład podam tylko jedną słynną anegdotę. Kiedyś na przyjęciu Mozart założył się ze swoim przyjacielem Haydnem, że nie zagra od razu skomponowanej przez siebie etiudy. Jeśli nie wygra, da swojemu przyjacielowi pół tuzina szampanów. Znalezienie tematu jest łatwe, Haydn zgodził się. Ale nagle, już grając, Haydn wykrzyknął: „Jak mogę to zagrać? Obie moje ręce są zajęte graniem pasaży na różnych końcach fortepianu, a tymczasem muszę jednocześnie robić notatki na środkowej klawiaturze - to niemożliwe! „Pozwól mi”, powiedział Mozart, „zagram”. Dotarłszy do pozornie niemożliwego technicznie miejsca, pochylił się i nacisnął nosem niezbędne klawisze. Haydn miał zadarty nos, a Mozart długi nos. Obecni „płakali” śmiechem, a Mozart wygrał szampana.

W wieku 12 lat Mozart skomponował swoją pierwszą operę i do tego czasu stał się również znakomitym dyrygentem. Chłopak był niskiego wzrostu i chyba zabawnie było patrzeć, jak znalazł wspólny język z członkami orkiestry, których wiek trzy lub więcej razy przekraczał jego własny. Znowu stanął na „stołku”, ale profesjonaliści posłuchali go, zdając sobie sprawę, że mają przed sobą cud! W rzeczywistości zawsze będzie tak: ludzie muzyki nie kryli swojego entuzjazmu, rozpoznali boski dar. Czy życie Mozarta było od tego łatwiejsze? Urodzić się geniuszem to cudownie, ale jego życie byłoby prawdopodobnie znacznie łatwiejsze, gdyby urodził się jak wszyscy inni. Ale nasz nie jest! Ponieważ nie mielibyśmy jego boskiej muzyki.

Codzienne wzloty i upadki

Małe muzyczne „zjawisko” zostało pozbawione normalnego dzieciństwa, niekończące się podróże, kojarzące się wówczas ze straszliwymi niedogodnościami, wstrząsnęły jego zdrowiem. Cała dalsza praca muzyczna wymagała największego wysiłku: musiał przecież grać i pisać o każdej porze dnia i nocy. Częściej w nocy, chociaż muzyka zawsze brzmiała w jego głowie, co było widoczne po tym, jak był roztargniony w komunikacji i często nie reagował na rozmowy wokół niego. Ale pomimo sławy i uwielbienia publiczności Mozart nieustannie potrzebował pieniędzy i nagromadzonych długów. Jako kompozytor zarabiał niezłe pieniądze, nie umiał jednak oszczędzać. Częściowo dlatego, że wyróżniało go zamiłowanie do rozrywki. Organizował luksusowe wieczorki taneczne w domu (w Wiedniu), kupował konia, stół bilardowy (był bardzo dobrym graczem). Ubrana modnie i drogo. Życie rodzinne również wymagało dużych wydatków.

Ostatnie osiem lat życia stało się na ogół ciągłym „koszmarem pieniędzy”. Żona Constance była w ciąży sześć razy. Dzieci umierały. Przeżyło tylko dwóch chłopców. Ale zdrowie samej kobiety, która poślubiła Mozarta w wieku 18 lat, zostało poważnie wstrząśnięte. Musiał płacić za jej leczenie w drogich kurortach. Jednocześnie nie pozwalał sobie na żadne ustępstwa, choć były one konieczne. Pracował coraz ciężej, a ostatnie cztery lata to czas tworzenia dzieł najwspanialszych, najbardziej radosnych, błyskotliwych i filozoficznych: oper Don Giovanni, Czarodziejski flet, Miłosierdzie Tytusa. Ostatnia została napisana w 18 dni. W przypadku większości muzyków transkrypcja tych nut zajęłaby dwa razy więcej czasu! Wydawało się, że na wszystkie ciosy losu natychmiast odpowiedział muzyką przedziwnego piękna: Koncert nr 26 - Koronacja; 40. symfonia (niewątpliwie najsłynniejsza), 41. „Jowisz” – z triumfalnie brzmiącym finałem – hymnem do życia; „Nocna serenada” (ostatni nr 13) i dziesiątki innych prac.

A wszystko to na tle depresji i paranoi, które go opanowały: wydawało mu się, że jest truty wolno działającą trucizną. Stąd pojawiła się legenda o zatruciu - on sam wypuścił ją na światło dzienne.

A potem zamówili Requiem. Mozart widział w tym jakiś omen i pracowicie nad tym pracował aż do śmierci. Ukończyłem tylko 50% i nie uważałem tego za główny biznes mojego życia. Pracę dokończył jego uczeń, ale w pracy słychać tę nierówność pomysłu. Dlatego Requiem nie znajduje się na liście najlepszych dzieł Mozarta, choć słuchacze go namiętnie kochają.

Prawda i oszczerstwo

Jego śmierć była straszna! W wieku zaledwie 35 lat jego nerki przestały działać. Jego ciało spuchło i zaczęło okropnie pachnieć. Cierpiał szaleńczo, zdając sobie sprawę, że zostawia zadłużoną żonę i dwójkę maleńkich dzieci. Mówią, że w dniu śmierci Constanza położyła się do łóżka obok zmarłego, mając nadzieję, że zarazi się chorobą zakaźną i umrze razem z nim. Nie wypracował. Następnego dnia mężczyzna rzucił się na nieszczęsną kobietę z brzytwą i zranił jednego mężczyznę, którego żona rzekomo była w ciąży z Mozartem. To nie była prawda, ale po Wiedniu krążyły różne plotki i ten człowiek popełnił samobójstwo. Przypomnieli sobie Salieriego, który intrygował wokół powołania Mozarta na dobre stanowisko na dworze. Wiele lat później Salieri zmarł w zakładzie dla obłąkanych, nękanym zarzutami o zamordowanie Mozarta.

Oczywiste jest, że Constance nie mogła uczestniczyć w pogrzebie, a później stało się to głównym oskarżeniem za wszystkie jej grzechy i niechęć do Wolfganga. Rehabilitacja Constance Mozart miała miejsce całkiem niedawno. Oszczerstwo, że była niewiarygodnie rozrzutna, zostało usunięte. Wręcz przeciwnie, liczne dokumenty mówią o roztropności kobiety biznesu, gotowej bezinteresownie bronić pracy męża.

Oszczerstwo jest obojętne na nicości, a plotki, które się zestarzają, stają się legendami i mitami. Zwłaszcza, gdy biografie wielkich przyjmą nie mniej wielcy. Geniusz przeciwko geniuszowi - Puszkin przeciwko Mozartowi. Chwycił plotkę, romantycznie przemyślał ją i uczynił z niej najpiękniejszy artystyczny mit, rozdarty w cytaty: „Geniusz i nikczemność są nie do pogodzenia”, „Nie wydaje mi się to zabawne, kiedy malarz jest bezwartościowy / Brudna Madonna Rafaela”, „Ty, Mozart, jesteś Bogiem i sam tego nie znasz” itp. Mozart stał się rozpoznawalnym bohaterem literatury, teatru, a później kina, wiecznego i współczesnego, „człowiekiem znikąd”, nieokiełznanym przez społeczeństwo, niedorośniętym wybranym chłopcem…

Biografia

Mozart (Mozart) Wolfgang Amadeus (27 stycznia 1756, Salzburg - 5 grudnia 1791, Wiedeń), kompozytor austriacki. Wśród największych mistrzów muzyki M. wyróżnia wczesny rozkwit potężnego i wszechstronnego talentu, niezwykły los życiowy - od triumfów cudownego dziecka po trudną walkę o byt i uznanie w wieku dorosłym, niezrównaną odwagę artysty, który przed upokarzającą służbę despotycznego szlachcica przedkładał niezabezpieczone życie niezależnego mistrza i wreszcie wszechstronną wartość twórczości, obejmującą niemal wszystkie gatunki muzyczne.

M. uczył się gry na instrumentach muzycznych i komponowania u ojca, skrzypka i kompozytora L. Mozarta. Od 4 roku życia M. grał na klawesynie, od 5-6 lat zaczął komponować (w wieku 8-9 lat M. stworzył pierwsze symfonie, a w wieku 10-11 pierwsze utwory dla teatru muzycznego) . W 1762 r. M. wraz z siostrą, pianistką Marią Anną, rozpoczęli tournée po Austrii, a następnie w Anglii i Szwajcarii. M. występował jako pianista, skrzypek, organista, śpiewak. W latach 1769-77 był akompaniatorem, w latach 1779-81 organistą na dworze księcia-arcybiskupa salzburskiego. W latach 1769-1774 odbył trzy podróże do Włoch; w 1770 został wybrany na członka Akademii Filharmonicznej w Bolonii (pobierał lekcje kompozycji u kierownika akademii Padre Martiniego) i otrzymał order ostrogi od papieża w Rzymie. W Mediolanie M. dyrygował swoją operą Mitrydates, król Pontu. W wieku 19 lat kompozytor był autorem 10 muzycznych dzieł scenicznych: teatralnego oratorium Obowiązek pierwszego przykazania (I część, 1767, Salzburg), łacińskiej komedii Apollo i Hiacynt (1767, Salzburg University), niemieckiej komedii Singspiel Bastien i Bastienne (1768, Wiedeń), włoski buff opery Udawana prosta dziewczyna (1769, Salzburg) i The Imaginary Gardener (1775, Monachium), włoski serial operowy Mitrydates i Lucius Sulla (1772, Mediolan), serenady operowe ( duszpasterska) Ascanius in Alba (1771, Mediolan), Sen Scypiona (1772, Salzburg) i The Shepherd King (1775, Salzburg); 2 kantaty, wiele symfonii, koncertów, kwartetów, sonat itp. Próby zdobycia pracy w jakimkolwiek znaczącym ośrodku muzycznym czy Paryżu zakończyły się niepowodzeniem. W Paryżu M. napisał muzykę do pantomimy JJ Novera „Trinkets” (1778). Po wystawieniu opery „Idomeneo, król Krety” w Monachium (1781), M. zerwał z arcybiskupem i zamieszkał w Wiedniu, zarabiając na życie lekcjami i akademiami (koncertami). Kamieniem milowym w rozwoju narodowego teatru muzycznego był śpiew M. Porwanie z seraju (1782, Wiedeń). W 1786 odbyły się premiery małej komedii muzycznej M. Dyrektor teatralny oraz opery Wesele Figara, opartej na komedii Beaumarchais. Po Wiedniu „Wesele Figara” wystawiono w Pradze, gdzie spotkało się z entuzjastycznym przyjęciem, podobnie jak kolejna opera M. „Ukarany libertyn, czyli Don Giovanni” (1787). Od końca 1787 r. M. był kameralistą na dworze cesarza Józefa z obowiązkiem komponowania tańców na maskarady. Jako kompozytor operowy M. nie odniósł sukcesu w Wiedniu; tylko raz udało się M. napisać muzykę dla wiedeńskiego teatru cesarskiego - pogodną i elegancką operę "Oni wszyscy tacy, czyli Szkoła Zakochanych" (inaczej - "Wszystkie kobiety to robią", 1790). Chłodno przyjęto operę „Miłosierdzie Tytusa” na antycznej fabule, która zbiega się w czasie z uroczystościami koronacyjnymi w Pradze (1791). Ostatnia opera M. Czarodziejski flet (Wiedeński Teatr Podmiejski, 1791) znalazła uznanie wśród demokratycznej publiczności. Trudy życia, bieda, choroba przybliżyły tragiczny koniec życia kompozytora, zmarł przed 36 rokiem życia i został pochowany we wspólnym grobie.

M. - przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej, jego twórczość - muzyczny szczyt XVIII wieku, pomysł Oświecenia. Połączono w nim racjonalistyczne zasady klasycyzmu z wpływami estetyki sentymentalizmu, ruchu Sturm und Drang. Ekscytacja i pasja są tak samo charakterystyczne dla muzyki M., jak wytrzymałość, wola i wysoka organizacja. W muzyce M. zachowany jest wdzięk i delikatność stylu galant, ale przezwyciężone zostają maniery tego stylu, zwłaszcza w utworach dojrzałych. Myśl twórcza M. koncentruje się na dogłębnym wyrażaniu świata duchowego, na prawdziwym ukazaniu różnorodności rzeczywistości. Z równą siłą w muzyce M. przekazuje się poczucie pełni życia, radości bycia - i cierpienia osoby doświadczającej ucisku niesprawiedliwego systemu społecznego i namiętnie dążącego do szczęścia, do radości. Smutek często dochodzi do tragedii, ale dominuje wyraźna, harmonijna, afirmująca życie struktura.

Opery M. są syntezą i odnowieniem dotychczasowych gatunków i form. Wyższość w operze M. daje muzyka – początek wokalny, zespół głosów i symfonia. Jednocześnie swobodnie i elastycznie podporządkowuje kompozycję muzyczną logice akcji dramatycznej, indywidualnym i grupowym cechom postaci. Na swój sposób M. rozwinął niektóre techniki dramatu muzycznego KV Glucka (w szczególności w Idomeneo). Bazując na komicznej i częściowo „poważnej” operze włoskiej, M. stworzył komedię operową „Wesele Figara”, która łączy w sobie liryzm i zabawę, żywiołowość akcji i kompletność w przedstawieniu postaci; Ideą tej opery społecznej jest wyższość ludzi z ludu nad arystokracją. Dramat operowy („wesoły dramat”) „Don Giovanni” łączy komedię i tragedię, fantastyczną konwencjonalność i codzienność; bohater starej legendy, sewilski uwodziciel, uosabia w operze energię życiową, młodość, wolność uczuć, ale silne zasady moralne przeciwstawiają się samowoli jednostki. Narodowa opera bajkowa Czarodziejski flet kontynuuje tradycje austriacko-niemieckiego singspielu. Podobnie jak Uprowadzenie z seraju, łączy formy muzyczne z dialogiem mówionym i opiera się na tekście niemieckim (większość pozostałych oper M. napisana jest we włoskim libretto). Ale jej muzykę wzbogacają różne gatunki – od arii operowych w stylistyce opery buffa i opery seria po chorał i fugę, od prostej pieśni po masońskie symbole muzyczne (fabuła inspirowana literaturą masońską). W tej pracy M. gloryfikował braterstwo, miłość i wytrzymałość moralną.

Wychodząc od klasycznych norm muzyki symfonicznej i kameralnej wypracowanych przez I. Haydna, M. udoskonalił strukturę symfonii, kwintetu, kwartetu, sonaty, pogłębił i zindywidualizował ich treść ideową i figuratywną, wprowadził do nich dramatyczne napięcie, zaostrzył wewnętrzne kontrasty i wzmocnił jedność stylistyczną cyklu sonatowo-symfonicznego (później Haydn wiele zaczerpnął od M.). Istotną zasadą instrumentalizmu Mozarta jest wyrazista kantowalność (melodyjność). Wśród symfonii M. (ok. 50) najistotniejsze są trzy ostatnie (1788) - pogodna symfonia Es-dur, łącząca obrazy wzniosłe i codzienne, żałosna symfonia g-moll pełna żalu, czułości i odwagi oraz majestatyczną, wielowymiarową emocjonalnie symfonię C-dur, której później nadano nazwę „Jowisz”. Wśród kwintetów smyczkowych (7) wyróżniają się kwintety C-dur i g-moll (1787); wśród kwartetów smyczkowych (23) - sześć poświęconych „ojcu, mentorowi i przyjacielowi” I. Haydnowi (1782-1785) oraz trzy tzw. kwartety pruskie (1789-90). Muzyka kameralna M. obejmuje zespoły do ​​różnych kompozycji, w tym z udziałem fortepianu i instrumentów dętych.

M. - twórca klasycznej formy koncertu na instrument solowy z orkiestrą. Zachowując szeroką przystępność właściwą temu gatunkowi, koncerty M. zyskały symfoniczny wymiar i różnorodną indywidualną ekspresję. Koncerty na fortepian i orkiestrę (21) odzwierciedlały błyskotliwy kunszt i natchnioną, melodyjną manierę wykonawczą samego kompozytora, a także jego wysoki kunszt improwizacji. M. napisał jeden koncert na 2 i 3 fortepiany i orkiestrę, 5 (6?) Koncertów na skrzypce i orkiestrę oraz szereg koncertów na różne instrumenty dęte, w tym Koncert symfoniczny z 4 solowymi instrumentami dętymi (1788). Do swoich wykonań, a częściowo dla swoich uczniów i znajomych, M. komponował sonaty fortepianowe (19), ronda, fantazje, wariacje, utwory na fortepian na 4 ręce i 2 fortepiany, sonaty na fortepian i skrzypce.

Codzienna (rozrywkowa) muzyka orkiestrowa i zespołowa M. ma duże walory estetyczne - divertisses, serenady, kasacje, nokturny, a także marsze i tańce. Szczególną grupę stanowią jego kompozycje masońskie na orkiestrę („Masońska Muzyka Pogrzebowa”, 1785) oraz na chór i orkiestrę (m.in. „Mała kantata masońska”, 1791), pokrewne „Czarodziejskiemu fletowi”. Kościelne kompozycje chóralne i sonaty kościelne z organami M. pisał głównie w Salzburgu. Okres wiedeński obejmuje dwa główne niedokończone dzieła - Mszę c-moll (części spisane wykorzystano w kantacie Dawid pokutujący, 1785) oraz słynne Requiem, jedno z najgłębszych dzieł M. (zamówione anonimowo w 1791 r. przez hrabiego F.). Walsegg-Stuppach, ukończony przez ucznia M. - kompozytora F. K. Zyusmayra).

M. był jednym z pierwszych twórców klasycznych przykładów pieśni kameralnych w Austrii. Zachowało się wiele arii i zespołów wokalnych z orkiestrą (prawie wszystkie w języku włoskim), komiczne kanony wokalne, 30 pieśni na głos i fortepian, w tym „Fiolet” do słów J. V. Goethego (1785).

Prawdziwa sława przyszła do M. po jego śmierci. Imię M. stało się symbolem najwyższego talentu muzycznego, twórczego geniuszu, jedności piękna i prawdy życia. Trwałą wartość dzieł Mozarta i ich ogromną rolę w życiu duchowym ludzkości podkreślają wypowiedzi muzyków, pisarzy, filozofów, naukowców, począwszy od J. Haydna, L. Beethovena, JW Goethego, ETA Hoffmanna, a skończywszy na A. Einstein, GV Chicherin i współcześni mistrzowie kultury. „Jaka głębia! Jaka odwaga i jaka harmonia!” - ta celna i pojemna cecha należy do A. S. Puszkina ("Mozart i Salieri"). Podziw dla „świetlistego geniuszu” wyraził P. I. Czajkowski w wielu swoich kompozycjach muzycznych, m.in. w orkiestrze „Mozartiana”. Towarzystwa Mozarta istnieją w wielu krajach. W ojczyźnie Mozarta, Salzburgu, powstała sieć instytucji pamięci Mozarta, placówek oświatowych, badawczych i edukacyjnych, kierowanych przez Międzynarodowy Instytut Mozarteum (założony w 1880 roku).

Katalog prac M.: ochel L. v. (pod redakcją A. Einsteina), Chronologischthematisches Verzeichnis samtlicher Tonwerke. A. Mozarts, 6. Aufl., Lpz., 1969; w innym, pełniejszym i poprawionym wydaniu - 6. Aufl., hrsg. von. Giegling, A. Weinmann i G. Sievers, Wiesbaden, 1964 (7 sierpnia 1965).

Cyt.: Briefe und Aufzeichnungen. Gesamtausgabe. Gesammelt von. A. Bauer und. E. Deutsch, auf Grund deren Vorarbeiten erlautert von J. . Eibl, Bd 1-6, Kassel, 1962-71.

Lit.: Ulybyshev A. D., Nowa biografia Mozarta, przeł. z francuskiego, t. 1-3, M., 1890-92; Korganov V.D., Mozart. Studium biograficzne, Petersburg, 1900; Livanova T.N., Mozart i rosyjska kultura muzyczna, M., 1956; Chernaya E.S., Mozart. Życie i praca, wyd. 2, M., 1966; Chicherin G.V., Mozart, wyd. 3, L., 1973; Wyżewa. de et Saint-Foix G. de, . A. Mozarta, t. 1-2, 1912; ciąg dalszy: Saint-Foix G. de, . A. Mozarta, t. 3-5, 1937-46; Abert., . A. Mozart, 7 Aufl., TI 1-2, Lpz., 1955-56 (Rejestr, Lpz., 1966); niemiecki. E., Mozarta. Die Dokumente seines Lebens, Kassel, 1961; Einstein A, Mozart. Sein Charakter, sein Werk, ./M., 1968.

BS Steinpress.

Wolfgang Amadeus Mozart, imię i nazwisko John Chrysostom Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart (Joannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart), urodził się 27 stycznia 1756 roku w Salzburgu. Był siódmym dzieckiem w rodzinie Leopolda i Anny Marii Mozartów z domu Pertl.

Jego ojciec, Leopold Mozart (1719-1787), był kompozytorem i teoretykiem, od 1743 był skrzypkiem w orkiestrze dworskiej arcybiskupa salzburskiego. Z siedmiorga dzieci Mozarta przeżyło dwoje: Wolfgang i jego starsza siostra Maria Anna.

W latach 60. XVIII wieku ojciec porzucił własną karierę i poświęcił się edukacji swoich dzieci.

Dzięki swoim fenomenalnym zdolnościom muzycznym Wolfgang grał na klawesynie od czwartego roku życia, zaczął komponować od piątego lub szóstego roku życia, pierwsze symfonie stworzył w wieku ośmiu lub dziewięciu lat, a pierwsze utwory dla teatru muzycznego w wieku z 10-11.

Od 1762 roku Mozart wraz z siostrą, pianistką Marią Anną, w towarzystwie rodziców, koncertowali w Niemczech, Austrii, Francji, Anglii, Szwajcarii itd.

Z ich sztuką zapoznało się wiele dworów europejskich, w szczególności zostały one adoptowane na dworze francuskich i angielskich królów Ludwika XV i Jerzego III. Cztery sonaty skrzypcowe Wolfganga zostały po raz pierwszy opublikowane w Paryżu w 1764 roku.

W 1767 roku na Uniwersytecie w Salzburgu wystawiono operę szkolną Mozarta Apollo i Hiacynt. W 1768 r. podczas podróży do Wiednia Wolfgang Mozart otrzymał zamówienia na opery z gatunku włoskiej opery buff („Udawana prosta dziewczyna”) i niemieckiego Singspielu („Bastien et Bastienne”).

Szczególnie owocny był pobyt Mozarta we Włoszech, gdzie doskonalił się w kontrapunkcie (polifonia) z kompozytorem i muzykologiem Giovanni Battista Martini (Bolonia) i wystawił w Mediolanie operę Mitrydates, król Pontu (1770) i ​​Lucius Sulla (1771).

W 1770 roku, w wieku 14 lat, Mozart został odznaczony papieskim Orderem Złotej Ostrogi i wybrany na członka Akademii Filharmonicznej w Bolonii.

W grudniu 1771 powrócił do Salzburga, od 1772 pełnił funkcję akompaniatora na dworze księcia-arcybiskupiego. W 1777 przeszedł na emeryturę i wraz z matką udał się do Paryża w poszukiwaniu nowej pracy. Po śmierci matki w 1778 wrócił do Salzburga.

W 1779 roku kompozytor ponownie wszedł na posługę arcybiskupa jako organista na dworze. W tym okresie komponował głównie muzykę kościelną, ale na zamówienie elektora Karola Theodora napisał operę Idomeneo, król Krety, wystawioną w Monachium w 1781 roku. W tym samym roku Mozart napisał list rezygnacyjny.

W lipcu 1782 roku w wiedeńskim Burgtheater wystawiono jego operę Uprowadzenie z seraju, która odniosła wielki sukces. Mozart stał się idolem Wiednia nie tylko w kręgach dworskich i arystokratycznych, ale także wśród koncertowiczów z III stanu. Bilety na koncerty (tzw. akademie) Mozarta, dystrybuowane w abonamencie, zostały całkowicie wyprzedane. W 1784 roku w ciągu sześciu tygodni kompozytor dał 22 koncerty.

W 1786 roku odbyły się premiery małej komedii muzycznej Mozarta Dyrektor teatralny oraz opery Wesele Figara na podstawie komedii Beaumarchais. Po Wiedniu Wesele Figara wystawiono w Pradze, gdzie spotkało się z entuzjastycznym przyjęciem, podobnie jak kolejna opera Mozarta, Ukarany rozpustnik, czyli Don Giovanni (1787).

Dla wiedeńskiego Teatru Cesarskiego Mozart napisał pogodną operę „Wszyscy tacy są, czyli Szkoła Zakochanych” („Tak robią wszystkie kobiety”, 1790).

Chłodno przyjęto operę „Miłosierdzie Tytusa” na antycznej fabule, która zbiega się w czasie z uroczystościami koronacyjnymi w Pradze (1791).

W latach 1782-1786 jednym z głównych gatunków twórczości Mozarta był koncert fortepianowy. W tym czasie napisał 15 koncertów (nr 11-25); wszystkie były przeznaczone do publicznych występów Mozarta jako kompozytora, solisty i dyrygenta.

Pod koniec lat 80. XVIII wieku Mozart pełnił funkcję nadwornego kompozytora i kapelmistrza cesarza austriackiego Józefa II.

W 1784 roku kompozytor został masonem, idee masońskie doszukiwały się w wielu jego późniejszych utworach, zwłaszcza w operze Czarodziejski flet (1791).

W marcu 1791 Mozart dał swój ostatni publiczny występ, prezentując Koncert fortepianowy (B-dur, KV 595).

We wrześniu 1791 ukończył swoją ostatnią kompozycję instrumentalną, Koncert klarnetowy A-dur, aw listopadzie Małą kantatę masońską.

Łącznie Mozart napisał ponad 600 utworów muzycznych, w tym 16 mszy, 14 oper i singspielów, 41 symfonii, 27 koncertów fortepianowych, pięć koncertów skrzypcowych, osiem koncertów na instrumenty dęte z orkiestrą, wiele dywersji i serenad na orkiestrę lub różne zespoły instrumentalne , 18 sonat fortepianowych, ponad 30 sonat na skrzypce i fortepian, 26 kwartetów smyczkowych, sześć kwintetów smyczkowych, szereg utworów na inne zespoły kameralne, niezliczona ilość utworów instrumentalnych, wariacji, pieśni, drobne świeckie i kościelne kompozycje wokalne.

Latem 1791 kompozytor otrzymał anonimowy rozkaz skomponowania „Requiem” (jak się później okazało, klientem był hrabia Walsegg-Stuppach, owdowiały w lutym tego roku). Mozart pracował nad partyturą, chorując, aż opuściły go siły. Udało mu się stworzyć pierwsze sześć części, a część siódmą (Lacrimosa) pozostawił niedokończoną.

W nocy 5 grudnia 1791 w Wiedniu zmarł Wolfgang Amadeusz Mozart. Ponieważ król Leopold II zakazał pochówków indywidualnych, Mozarta pochowano we wspólnym grobie na Cmentarzu św. Marka.

Requiem ukończył uczeń Mozarta Franz Xaver Süssmayr (1766-1803) na polecenie umierającego kompozytora.

Wolfgang Amadeusz Mozart był żonaty z Constance Weber (1762-1842), mieli sześcioro dzieci, z których czworo zmarło w dzieciństwie. Najstarszy syn Carl Thomas (1784-1858) studiował w Konserwatorium Mediolańskim, ale został urzędnikiem. Młodszy syn Franz Xaver (1791-1844) był pianistą i kompozytorem.

Wdowa po Wolfgangu Mozartu przekazała w 1799 r. rękopisy męża wydawcy Johannowi Antonowi André. Następnie Constanza poślubiła duńskiego dyplomatę Georga Nissena, który z jej pomocą napisał biografię Mozarta.

W 1842 roku w Salzburgu odsłonięto pierwszy pomnik kompozytora. W 1896 r. na Albertinaplatz w Wiedniu postawiono pomnik Mozarta, w 1953 r. przeniesiono go do Ogrodu Pałacowego.

Jednym ze słynnych pomników Mozarta znajdujących się na całym świecie jest brąz

Dumą narodową Austrii, największą tajemnicą Stwórcy, symbolem Geniuszu jest Wolfgang Amadeusz Mozart. Jego życie i śmierć pozostawiły więcej pytań niż odpowiedzi. Jego historia obrosła legendami i mitami. Napisano o nim setki książek. Ale jest mało prawdopodobne, abyśmy kiedykolwiek zbliżyli się do rozwikłania tego zjawiska. Genialny kompozytor ma naprawdę wiele tajemnic, a jedną z nich jest tak zwany „Efekt Mozarta”. Naukowcy łamią sobie głowę, próbując znaleźć odpowiedź na pytanie, dlaczego właściwie muzyka geniusza ma tak dobroczynny wpływ na ludzkie zdrowie? Dlaczego słuchając jego utworów uspokajamy się i zaczynamy lepiej myśleć? W jakim stopniu muzyka Mozarta ułatwia pacjentom cierpiącym na poważne choroby? Sto tysięcy dlaczego, na co nawet po setkach lat nikt nie może dać jednoznacznej odpowiedzi.

Krótka biografia Wolfgang Amadeusz Mozart oraz wiele ciekawostek o kompozytorze przeczytanych na naszej stronie.

krótki życiorys

Zwykle w biografii sławnych ludzi dzieciństwo opisuje się mimochodem, wspomina się o zabawnych lub tragicznych incydentach, które wpłynęły na kształtowanie się postaci. Ale w przypadku Mozarta opowieść o jego dzieciństwie to opowieść o koncercie i działalności kompozytorskiej pełnoprawnego muzyka i wirtuoza wykonawcy, autora kompozycji instrumentalnych.

Urodził się 27 stycznia 1756 w rodzinie skrzypka i pedagoga Leopolda Mozarta. Ojciec miał ogromny wpływ na ukształtowanie syna jako osoby i muzyka. Przez całe życie byli związani najczulszym uczuciem, znane jest nawet zdanie Wolfganga: „Po papieżu tylko Pan”. Wolfgang i jego starsza siostra Maria Anna, w domu nazywana Nannerl, nigdy nie uczęszczali do szkoły publicznej, całą edukację, w tym nie tylko muzyczną, ale także arytmetyczną, pisanie, czytanie, przekazał im ojciec. Był urodzonym nauczycielem, jego podręcznik metodyczny do nauki gry na skrzypce publikowane dziesiątki razy i przez długi czas uważane za najlepsze.

Od narodzin małego Wolfganga otaczała go atmosfera kreatywności, muzycznych dźwięków i stałego zatrudnienia. Ojciec pracował z Nannerl na klawesyn a na skrzypcach 3-letni Wolfi obserwował je z zazdrością i zachwytem: no, kiedy tatuś pozwoli mu ćwiczyć? Dla niego to wszystko była grą - wyłapywanie melodii, harmonii ze słuchu. Tak więc podczas gry rozpoczęły się jego lekcje muzyki, którym poświęcił się całkowicie.

Według biografii Mozarta już w wieku 4 lat rysuje gryzmoły na papierze nutowym, co doprowadza ojca do szału, ale gniew szybko ustępuje miejsca zdumieniu – nuty, które na papierze wyglądają chaotycznie, składają się na bezpretensjonalny, ale literacki utwór. widzenia harmonii. Leopold od razu rozumie najwyższy talent, jakim Bóg obdarzył jego syna.

W tamtych czasach muzyk mógł liczyć na całkiem dobre życie, gdyby znalazł mecenasa i dostał stałą pracę. Na przykład zajęcie stanowiska kapelmistrza na dworze lub w domu szlachcica. Wtedy muzyka była integralną częścią życia społecznego i świeckiego. A Leopold postanawia wyjechać z przedstawieniami do miast Europy, aby zyskać sławę dla swojego syna, aby później mógł zostać nagrodzony lepszym losem. Już teraz spodziewał się zwrócić uwagę na niezwykły talent dziecka.

Mozartowie (ojciec, syn i córka) wyruszyli w swoją pierwszą podróż na początku 1762 roku, kiedy Wolfgang miał 6 lat, a jego siostra 10. Cudowne dzieci wszędzie spotkały się z najbardziej entuzjastycznym przyjęciem, zadziwiły publiczność swoimi umiejętnościami wykonawczymi i umiejętności. Ojciec starał się nadać swoim występom jak największy efekt. Maria Anna wykonała najbardziej złożone technicznie utwory muzyczne, którym nie każdy doświadczony klawesynista poddał się. Wolfgang w ogóle nie grał tylko wirtuoza - zawiązali mu oczy, zakryli klawiaturę chusteczką, grał z prześcieradła, improwizował. Wszystkie siły zostały rzucone na coś, aby wywołać sensację i zapaść w pamięć publiczności. I naprawdę byli zapraszani bardzo często i często. Były to w zasadzie domy arystokratów, a nawet osób koronowanych.

Ale był w tym jeszcze jeden interesujący punkt. Podczas wszystkich tych podróży z Londynu do Neapolu Wolfgang nie tylko zademonstrował publiczności swój hojny talent, ale także pochłonął wszystkie kulturalne i muzyczne osiągnięcia, jakie mogło mu zapewnić to lub inne miasto. W tym czasie Europa była rozdrobniona, ośrodki kultury rozpalały się w różnych miastach - a każde miało swoje własne trendy, style muzyczne, gatunki, preferencje. Mały Wolfgang mógł tego wszystkiego wysłuchać, wchłonąć, przetworzyć swoim genialnym umysłem. I w końcu synteza wszystkich tych warstw muzycznych dała impuls temu potężnemu ruchowi, który był dziełem Mozarta.

Salzburg i Wiedeń

Niestety, plany Leopolda nie miały się spełnić. Dzieci dorosły i nie robiły już tak żywego wrażenia. Wolfgang zmienił się w niskiego młodego mężczyznę, „tak jak wszyscy inni”, a jego dawna popularność raczej przeszkadzała. Ani członkostwo w Akademii Bolońskiej, które otrzymał w wieku 12 lat, znakomicie poradził sobie z zadaniem, ani Order Złotej Ostrogi, nadany przez samego Papieża Katolickiego, ani ogólnoeuropejska sława nie przyczyniły się do rozwoju kariery młody kompozytor łatwy.

Przez pewien czas był kapelmistrzem u arcybiskupa w Salzburgu. Trudne relacje z tym aroganckim człowiekiem zmusiły Wolfganga do przyjmowania rozkazów z Wiednia, Pragi, Londynu. Dążył do niezależności, lekceważące traktowanie boleśnie go raniło. Częste wyjazdy prowadziły do ​​upragnionego celu – pewnego razu arcybiskup Colloredo zwolnił Mozarta, towarzysząc zwolnieniu upokarzającym gestem.

Ostatecznie przenosi się do Wiednia w 1781 roku. Tutaj spędzi ostatnie 10 lat swojego życia. W tym okresie rozkwitnie jego twórczość, jego małżeństwo z Constanze Weber, tutaj napisze swoje najważniejsze dzieła. Korony nie od razu go zaakceptowały i ogólnie po sukcesie ” Wesela Figara„W 1786 pozostałe premiery były spokojne.W Pradze był zawsze przyjmowany znacznie cieplej.

Wiedeń był wówczas muzyczną stolicą Europy, jego mieszkańców rozpieszczała obfitość muzycznych wydarzeń, ściągali tam muzycy z całego świata. Konkurencja wśród kompozytorów była bardzo duża. Ale konfrontacja Mozarta z Antonio Salieri, którą możemy zobaczyć w słynnym filmie „Amadeusz” Milosa Formana, a nawet wcześniej – w Puszkinie, nie odpowiada rzeczywistości. Wręcz przeciwnie, traktowali się nawzajem z wielkim szacunkiem.

Miał też bliską i wzruszającą przyjaźń z Józef Haydn, poświęcił mu piękne kwartety smyczkowe. Z kolei Haydn bez końca podziwiał talent i subtelny gust muzyczny Wolfganga, jego niezwykłą umiejętność odczuwania i przekazywania uczuć jak prawdziwy Artysta.

Pomimo tego, że Mozartowi nie udało się osiągnąć stanowiska na dworze, jego twórczość stopniowo zaczęła mu przynosić spore dochody. Był człowiekiem niezależnym, stawiającym honor i godność człowieka ponad wszystko. Nie sięgał do kieszeni po ostre słowo i generalnie wprost mówił wszystko, co myślał. Taka postawa nie mogła pozostawić nikogo obojętnym, pojawili się zawistni ludzie i nieżyczliwi.

Choroba i śmierć

Niewielki upadek twórczy, który zarysował się w latach 1789-90, został szybko zastąpiony aktywną pracą na początku 1791 roku. Pod koniec zimy wprowadził zmiany w Symfonia nr 40. Wiosną powstała, a latem wystawiona na zamówienie czeski dwór w dniu koronacji Leopolda II, opera „Miłosierdzie Tytusa”. We wrześniu zrealizowano wspólny projekt z Emanuelem Schikanederem, koleżanką z loży masońskiej - singspiel " magiczny flet”. W lipcu tego roku otrzymał od tajemniczego posłańca zamówienie na mszę żałobną...

Wczesną jesienią Wolfgang zaczyna narzekać na dolegliwości. Stopniowo nasilają się. Ostatnie wykonanie Mozarta datowane jest na 18 listopada - dzień otwarcia kolejnej loży Tajnego Towarzystwa. Potem zachorował i nie wstał. Do tej pory naukowcy medyczni spierają się o przyczyny choroby, diagnozę. Najczęściej wersja zatruwająca jest odrzucana, ale nie całkowicie wykluczona. W ciągu minionych stuleci nie było więcej autentycznych dokumentów, przeciwnie, wiele zeznań Constanzy i innych świadków jest coraz mniej wiarygodnych.

Kompozytora leczył wówczas najlepszy lekarz w Wiedniu, wiele jego metod przedstawia się obecnie jako pogarszające stan chorego, ale wówczas znalazły szerokie zastosowanie w medycynie. W nocy z 4 na 5 grudnia umiera ...

Za życia był eleganckim fashionistą, prowadzącym nieco bardziej swobodny tryb życia, niż mógł sobie na to pozwolić. Zachowało się wiele notatek, w których zwrócił się do przyjaciół z prośbą o pożyczenie pieniędzy - na kolejny projekt muzyczny. Ale nigdy nie nauczył się mądrze zarządzać pieniędzmi. A gdy pojawiło się pytanie o pogrzeb, okazało się, że rodzina nie ma na to pieniędzy.

Baron van Swieten w pełni opłacił pogrzeb, przekazał kwotę wystarczającą na pochówek w III kategorii - w osobnej trumnie, ale we wspólnym grobie. To była wtedy powszechna praktyka, nie było w tym nic dziwnego. Poza jednym nie zachowało się nawet miejsce pochówku największego syna człowieczego. Następnie pomniki nagrobne ustawiono poza ogrodzeniem cmentarza.

Interesujące fakty na temat Mozarta

• Mozart napisał połowę całkowitej liczby symfonii w wieku od 8 do 19 lat.
• W 2002 roku, w rocznicę 11 września, śpiewały chóry z całej planety „Requiem” Mozarta w ciągu dnia, aby uczcić pamięć zmarłych.
• W największym w historii projekcie nagraniowym firma Philips Classic wydała w 1991 roku 180 płyt CD zawierających kompletny zestaw autentycznych dzieł Mozarta. Zawiera ponad 200 godzin muzyki.
• Mozart napisał więcej muzyki w swojej krótkiej karierze niż wielu innych kompozytorów, którzy żyli znacznie dłużej.
• Relacje z arcybiskupem Salzburga zakończyły się, gdy jego sekretarz kopnął Mozarta w plecy.
• Z biografii Mozarta dowiadujemy się, że genialny kompozytor spędził w podróżach łącznie 14 z 35 lat.
• Leopold Mozart opisał narodziny syna jako „cud od Boga”, ponieważ wydawał się zbyt mały i słaby, aby przeżyć.
• Termin „ucho Mozarta” opisuje wadę ucha. Naukowcy uważają, że Mozart i jego syn Franz mieli wrodzoną wadę ucha.
• Kompozytor miał fenomenalne ucho i pamięć, już jako dziecko potrafił zapamiętać złożone w formie i harmonii dzieło z jednego odsłuchu, a potem bezbłędnie je zapisać.
• W latach pięćdziesiątych francuski foniatra Alfred Tomatis przeprowadził eksperymenty naukowe, w których udowodnił, że słuchanie muzyki Mozarta może poprawić iloraz inteligencji człowieka, ukuł termin „Efekt Mozarta”; uznano również, że ma działanie terapeutyczne na porażenie mózgowe, epilepsję, autyzm i wiele chorób neurologicznych, co zostało naukowo udowodnione.
• Drugie imię Wolfganga Mozarta, Teofil, oznacza po grecku „umiłowany przez Boga”.
• Wpływ Mozarta na muzykę zachodnią jest głęboki. Joseph Haydon zauważył, że „potomność nie zobaczy takiego talentu nawet za 100 lat”.
• Mozart napisał swoją pierwszą symfonię, gdy miał zaledwie 8 lat, a operę w wieku 12 lat.
• Ojciec zabronił Wolfgangowi poślubienia Constanzy Weber, podejrzewając egoistyczne zainteresowanie jej rodziny Mozartem, który stawiał pierwsze pewne kroki w Wiedniu. Ale po raz pierwszy w życiu nie był posłuszny i wbrew woli ojca ożenił się w sierpniu 1782 roku. Niektórzy badacze przedstawiają ją jako kapryśną, inni patrzą na nią z większą sympatią. Osiemnaście lat po śmierci Wolfganga wyszła ponownie za mąż i pomogła swemu nowemu mężowi napisać książkę o Mozarcie.

• Słynna współpraca Mozarta z Lorenzo da Ponte zaowocowała powstaniem opery Wesele Figara, opartej na sztuce Beaumarchais. Ich współpraca jest jedną z najsłynniejszych w historii muzyki;
• W Wiedniu mały Wolfgang wystąpił w pałacu dla cesarzowej Marii Teresy. Po przedstawieniu bawił się z jej córkami, z których jedna traktowała go szczególnie czule. Wolfgang z całą powagą zaczął prosić ją o rękę. Była to Maria Antonina, przyszła królowa Francji.
• Mozart był członkiem loży masońskiej, było to tajne stowarzyszenie, które jednoczyło najbardziej postępowych ludzi swoich czasów. Z biegiem czasu Wolfgang zaczął odchodzić od pomysłów braci, głównie z powodu sprzeczności religijnych.

• Ostatnie słowo kompozytora Gustav Mahler (1860-1911) przed śmiercią był "Mozartem".
• W 1801 r. grabarz Joseph Rothmeier rzekomo wykopał czaszkę Mozarta z cmentarza w Wiedniu. Jednak nawet po różnych testach nie wiadomo, czy czaszka rzeczywiście należała do Mozarta. Obecnie jest zamknięty w Fundacji Mozarteum w Salzburgu w Austrii;
• Baron van Swieten przekazał na pogrzeb Mozarta 8 florenów 56 krajcarów - tyle Wolfgang wydał kiedyś na żartobliwy pogrzeb swojego szpaka.
• Mozarta pochowano w „masowym grobie” na cmentarzu św. Marksa. „Wspólny grób” to nie to samo co grób żebraka czy zbiorowy grób, ale grób osób niebędących arystokracją. Jedną z głównych różnic jest to, że po 10 latach odkopano masowe groby, podczas gdy groby arystokratów nie.
• Badacze postawili hipotezę co najmniej 118 przyczyn śmierci Mozarta, w tym gorączki reumatycznej, grypy, włośnicy, zatrucia rtęcią, niewydolności nerek i infekcji paciorkowcami.
• Według kilku biografów Mozart był małym mężczyzną o silnych oczach. Jako dziecko Wolfgang zaraził się ospą, która pozostawiła blizny na twarzy. Był chudy i blady, miał delikatne włosy i lubił eleganckie ubrania.
• Według żony Mozarta, Constanzy, pod koniec życia Mozart wierzył, że został otruty i że sam komponuje swoje „Requiem”.
• Uważa się, że w „Requiem” udało mu się napisać tylko 7 pierwszych części, a resztę dokończył jego uczeń Franz Xaver Süssmayr. Istnieje jednak wersja, według której Wolfgang mógł ukończyć Requiem kilka lat wcześniej. Uczeni wciąż zastanawiają się, które fragmenty napisał Mozart.
• Mozart i jego żona mieli sześcioro dzieci, z których tylko dwoje przeżyło niemowlęctwo. Obaj synowie nie mieli rodziny ani dzieci.
• Mozart stał się coraz bardziej popularny po jego śmierci. W rzeczywistości, jak wskazuje XX-wieczny biograf Maynard Solomon, jego muzykę doceniono pośmiertnie.
• Kompozytor urodził się i pozostał katolikiem przez całe życie.
• Mozart był tenorem. Podczas koncertów kameralnych w zespole grał najczęściej na altówce. Był również leworęczny.
• Słynny fizyk Albert Einstein bardzo lubił muzykę. Nauczył się grać na skrzypcach, ale naprawdę udało mu się go nasycić dopiero po „zakochaniu się w sonatach Mozarta”.
• Einstein wierzył, że muzyka Mozarta wymaga od niego technicznej perfekcji, a potem zaczął intensywnie się uczyć.
• Constanza, żona Mozarta, po śmierci kompozytora zniszczyła wiele jego szkiców i rysunków.
• Mozart miał kilka zwierząt, w tym psa, szpaka, kanarka i konia.

Mozarta. Listy

Czas zachował się wiele portretów Mozarta wykonanych przez różnych artystów, ale wszystkie różnią się znacznie od siebie, trudno określić, czy wśród nich były najbliższe oryginałowi. Z drugiej strony doskonale zachowały się listy kompozytora, które pisał przez całe życie będąc w ciągłych podróżach - listy do matki, siostry, "najdroższego taty", kuzyna, żony Constanzy.

Czytając je można stworzyć prawdziwy psychologiczny obraz geniusza, tak jakby jawił się nam żywy. Oto 9-latek szczerze zadowolony z wygodnej bryczki i tego, że taksówkarz szybko się spieszy. Tutaj przekazuje swoje ogniste pozdrowienia i niski ukłon wszystkim, których zna. To był waleczny wiek, ale Mozart wie, jak bez nadmiernej pompatyczności i ozdobności okazywać szacunek, nie tracąc godności. Listy adresowane do bliskich są pełne szczerości i zaufania, emocjonalności i swobodnego posługiwania się składnią, bo nie zostały napisane dla historii. To jest ich prawdziwa wartość.

W dojrzałych latach Wolfgang wypracował własny styl epistolarny. Oczywistym jest, że dar literacki tkwi w nim w nie mniejszym stopniu niż muzyczny. Mając powierzchowną znajomość kilku języków (niemieckiego, francuskiego, włoskiego, łaciny), z łatwością komponuje z nich nowe formy słowne, bawi się słowami z humorem, żartuje, rymuje. Jego myśl płynie swobodnie i naturalnie.

Należy zauważyć, że od czasu pisania listów język niemiecki przeszedł długą drogę od dialektów lokalnych do języka narodowego. Dlatego wiele w nich współczesnym wyda się nie do końca jasne. Na przykład wtedy było zwyczajowo dyskutować publicznie o problemach trawienia. Nie było w tym nic niezwykłego. To samo z gramatyką i ortografią – Mozart kierował się własnymi zasadami, a może nawet o tym nie myślał. W jednym akapicie mógł napisać imię osoby trzy razy - i wszystkie 3 razy na różne sposoby.

W Rosji w czasach sowieckich uczeni Mozarta tylko częściowo cytowali niektóre z jego listów - starannie zredagowane. W 2000 roku ukazało się pełne wydanie korespondencji rodziny Mozartów.

osobiste cytaty

• „Piszę jak świnia” (o tym ile piszę).
• „Nie zwracam uwagi na czyjeś pochwały ani obwinianie. Po prostu podążam za własnymi uczuciami”;
• „Ponieważ śmierć, kiedy zaczynamy ją rozważać, jest prawdziwym celem naszego istnienia, w ciągu ostatnich kilku lat nawiązałem tak bliską relację z tym najlepszym i najwierniejszym przyjacielem ludzkości, że jego wizerunek nie tylko mnie już nie przeraża, ale to naprawdę bardzo uspokaja i pociesza! I dziękuję mojemu Bogu za to, że łaskawie dał mi możliwość poznania, że ​​śmierć jest kluczem otwierającym drzwi do naszego prawdziwego szczęścia”.
• „Za każdym razem, gdy kładę się spać, przypominam sobie, że jest możliwe (niezależnie od tego, jak młody bym nie był), że jutro nie będzie mi pisane. A jednak żadna osoba ze wszystkich, którzy mnie znają, nie powie, że jestem ponury lub smutny w komunikacji ... ”(4 kwietnia 1787 r.).
• „Ludzie mylą się, myśląc, że moja sztuka przychodzi mi łatwo. Zapewniam, że nikt nie poświęcił komponowaniu tyle czasu i myśli, co ja."

dziedzictwo twórcze

Badaczy i biografów uderza potworne wykonanie Mozarta. Biorąc pod uwagę jego pracę w służbie, próby, koncerty, wycieczki, prywatne lekcje, udawało mu się jednocześnie pisać - na zamówienie i na własne życzenie duszy. Komponował muzykę we wszystkich ówczesnych gatunkach. Niektóre kompozycje, zwłaszcza wczesne, z lat dziecięcych, giną. W sumie w ciągu swoich niepełnych 36 lat napisał ponad 600 prac. Niemal wszystkie z nich to absolutne perełki muzyki symfonicznej, koncertowej, kameralnej, operowej i chóralnej. W ciągu ostatnich 2 stuleci zainteresowanie nimi tylko wzrosło. Znacząco rozwinął i przekształcił wiele gatunków, wyznaczając nowy standard i wytyczne w sztuce.

Na przykład w jego operach Wesele Figara, Don Juan”, dramaturgia „Czarodziejskiego fletu” wykroczyła daleko poza tradycyjne przedstawienia muzyczne tamtych czasów. Fabuła nabiera mocniejszego ładunku semantycznego, często kompozytor bierze najgorętszy udział w rozwoju libretta, udziela wskazówek, jak budować fabułę. Każdy obraz postaci otrzymuje bardziej szczegółowy psychologiczny portret, ożywia się nie tylko tekstami, ale także ekspresyjnymi środkami muzycznymi.

Również symfonia otrzymuje od niego silny rozwój dramatyczny. W wielu z nich można dostrzec podobieństwa do zasady budowy opery – opieranie się na konflikcie, konfrontacja, rozwój. Z drugiej strony uwertura do „ Ślub Figara” jest tak doskonała w formie, że wykonywana jest osobno na koncertach jako utwór orkiestrowy.

Symfonizm, jako najwyższy typ myślenia muzycznego w twórczości Mozarta, ustanawia kanony stylu klasycznego. Generalnie jednak cała jego droga twórcza ewoluowała od rokoka (głównie w kompozycjach dziecięcych), przez wiedeński klasycyzm do przesłanek wczesnego romantyzmu. Pozostaje tylko domyślić się, jaka byłaby muzyka tego geniusza, tak emocjonalnego, entuzjastycznego, szczerego, gdyby miał szansę dożyć epoki romantycznego rozkwitu.

Kompozycje muzyczne Mozarta obejmują 41 symfonii, 27 koncertów fortepianowych, 5 koncertów skrzypcowych, 27 arii koncertowych, 23 kwartety smyczkowe i 22 opery.

Wizerunek Mozarta w teatrze, kinie, telewizji i innych projektach medialnych

Wszędzie słychać muzykę genialnego kompozytora. Według biografii Mozarta nakręcono setki filmów fabularnych i dokumentalnych, projektów telewizyjnych, wystawiono sztukę teatralną. Najważniejsze prace o nim to:

• „Małe tragedie” A.S. Puszkin (cykl krótkich sztuk);
• „Amadeus” (1979) sztuka Petera Shaffera, na podstawie której powstał scenariusz do słynnego filmu Milosa Formana
• „Amadeus” – 8 Oscarów oraz wiele nagród i nominacji w dziedzinie operatorskiej, z udziałem Toma Hulse (Mozart) i F. Murray Abrahama (Salieri).

Oto tylko częściowa lista projektów telewizyjnych dotyczących Mozarta:

• t/s „Mozart w dżungli” – USA (tytuł oryginalny);
• t/s „Avventura Romantica” (2016), w wykonaniu Lorenzo Zingone (jako młody Mozart);
• t / s „Teraz zaśpiewam” (2016), w wykonaniu Lorenzo Zingone;
• t/s „La Fiamma” (2016), w wykonaniu Lorenzo Zingone;
• odcinek telewizyjny „Stern Dad (2015)” w wykonaniu Chrisa Marquette'a (jako Mozart);
• „Pan Peabody i Sherman Show”;
• „Mozart” (2016), w wykonaniu Avnera Peresa (dorosły W. Mozart);
• „Fantazja” (2015);
• „Mozart vs Skrillex (2013) odcinek telewizyjny w wykonaniu Nice Peter (Mozart);
• Mozart l "opéra Rock 3D (2011) (TV) w wykonaniu Michelangelo Loconte;
• „Siostra Mozarta” (2010), w wykonaniu Davida Moreau;
• "Etida" (2010), Luka Hrgovic jako Mozart;
• serial telewizyjny "Mozart" (2008);
• "W poszukiwaniu Mozarta" (2006);
• „Geniusz Mozarta” w wykonaniu Jacka Tarletona;
• t / s „Simpsonowie”;
• serial telewizyjny Wolfgang Amadeusz Mozart (2002);
• „Wolfgang A. Mozart” (1991);
• odcinek telewizyjny "Mozart i Salieri" (1986);
• „Mozart – jego życie z muzyką” d/f.

Po zapoznaniu się z tym Wielkim Przeznaczeniem nie można już o nim zapomnieć. To właśnie pomaga duszy wstać, wycofać się ze zwyczajności i dostroić się do kontemplacji wieczności… Mozart jest największym darem Stwórcy dla ludzkości.

Wideo: obejrzyj film o Mozarcie

Symfonie uosabiają dojrzałe myślenie muzyczne kompozytora, jednocześnie kontynuują tradycje Bacha i Haendla i antycypują duchowy liryzm romantyków.

Symfonia nr 40 to jedna z najbardziej niezrozumiałych kreacji, a jednocześnie zrozumiała dla każdego na pewnym poziomie osobistym. Zawiera głęboką, rozwiniętą dramaturgię operową i subtelną psychologię tkwiącą w języku Mozarta, motyw czeskiego tańca ludowego i wyrafinowany styl naukowy.

Józef Haydn najlepszy przyjaciel Mozarta, jego starszy towarzysz, który we wszystkim go wspiera, mówił o emocjonalności muzyki Wolfganga w ten sposób: „Jest tak oświecony w sferze ludzkich uczuć, że wydaje się, że jest ich twórcą, a ludzie wtedy tylko opanowane uczucie."

Historia stworzenia Symfonie nr 40 Mozarta i treść tej pracy, przeczytaj na naszej stronie.

Historia stworzenia

Historia nie zachowała dokumentów, z których można by ocenić pomysł stworzenia wszystkich 3 symfonii, które wyszły z pióra tego lata. Nie zostały napisane na zamówienie. Prawdopodobnie autor planował ich wykonanie jesienią i zimą w czasie tzw. „Akademii”. W tym okresie życia kompozytor był już w rozpaczliwej potrzebie i oczekiwał, że będzie zarabiał na koncertach „w abonamencie”. Marzenia jednak nie miały się spełnić, koncerty nigdy nie odbyły się, a symfonie były wykonywane za życia autora.

Wszystkie zostały napisane w możliwie najkrótszym czasie, na uwagę zasługuje czas pracy nad nimi - lato. Uczniowie się rozstali, Konstanz w Baden. Nieskrępowany zakresem zamówienia, Wolfgang może tworzyć do woli, ucieleśniając każdy pomysł artystyczny.

A Mozart jako prawdziwy innowator traktował tę wolność wyboru z należytym szacunkiem. Gatunek samej symfonii przeszedł z małego muzycznego intro, zaprojektowanego, by skłonić słuchaczy, że opera zaraz się rozpocznie i że czas przestać mówić, do osobnego utworu orkiestrowego.

Pracując nad symfonią g-moll, Mozart znacznie poszerza dramatyczne granice gatunku. Ojciec, Leopold Mozart, od dzieciństwa inspirował się, że każda praca powinna opierać się na wzniosłym pomyśle, pomysł, technika jest drugorzędna, ale bez tego cała koncepcja nie jest warta ani grosza. W tej symfonii Wolfgang po raz pierwszy pozwala sobie na komunikację ze słuchaczem, szczerze opowiada „bez zbędnych słów”, a nawet gdzieś intymnie wyznaje. Sposób ten zasadniczo różnił się od chłodnego koncertowo-akademickiego, akceptowanego wówczas i zrozumiałego dla ówczesnej publiczności.

Dzieło to doceniono dopiero w XIX wieku, kiedy symfonie były już w całości wykonywane. Beethoven I Schumana kiedy subtelny romantyzm Chopin stał się nawykiem.

Wybór tonacji molowej, odrzucenie powolnej części wstępnej od razu odrywa od gatunku rozrywkowego w nieznane. Nie ma w tym powagi, poczucia świętowania (w orkiestrze nie ma Rury I kotły ), „masowe”, pomimo brzmienia orkiestrowego. Pełna niepokojących zmian nastrojów i tematów, kontrastów i połączeń symfonia opowiada o głębokich osobistych przeżyciach człowieka, dlatego niezmiennie znajduje odpowiedź w duszy każdego słuchacza. Jednocześnie pozostaje ogólny delikatny i szarmancki styl, nawiązujący do tamtego stulecia.

Tuż przed śmiercią, 3 lata po stworzeniu, Mozart dokonał zmian w partyturze, wprowadzając do orkiestry klarnety i lekko edytując partię oboju.

Nowoczesne zabiegi

Najbliżej oryginalnej interpretacji jest wykonanie symfonii g-moll przez takich dyrygentów jak Trevor Pinnock, Christopher Hogwood, Mark Minkowski, John Eliot Gardiner, Roger Norrington, Nikolaus Harnoncourt.

Istnieje jednak wiele współczesnych adaptacji tej pracy:

The Swingle Singers to niezwykłe wykonanie utworu symfonicznego przez słynny zespół wokalistów. (słuchać)

Wersja niemieckiego muzyka, aranżera i producenta muzycznego Anthony'ego Ventury. (słuchać)

Francuski gitarzysta Nicolas de Angelis (posłuchaj)

Waldo De Los Rios to argentyński kompozytor, dyrygent i aranżer. Jego opracowanie zostało nagrane w 1971 roku przez Manuel de Falla Orchestra i znalazło się na pierwszym miejscu holenderskich list przebojów, a także w pierwszej dziesiątce w wielu innych krajach europejskich. (słuchać)

Dokładnej liczby symfonii napisanych przez Mozarta nie można ustalić, wiele z nich, napisanych w młodości, ginie bezpowrotnie (przybliżona liczba to około 50). Ale tylko czterdziesty brzmi w tonacji molowej (i drugi, nr 25, w tej samej tonacji).

Symfonia ma tradycyjną jak na tamte czasy Formularz 4-częściowy, jednak nie ma wstępu, zaczyna się od razu od główna impreza, co jest zupełnie nietypowe dla ówczesnego kanonu. Melodia części głównej jest najpopularniejszym motywem na całym świecie, swoistą wizytówką kompozytora. Część boczna, wbrew tradycji, nie stanowi ostrego kontrastu, ale brzmi bardziej ospale, tajemniczo i lekko (dzięki tonacji durowej). Allegro sonatowe pierwszej części rozwija się niemal przez: skrzypce solo partii głównej, rytm introligatora, lekkie oświecenie w wykonaniu instrumentów dętych drewnianych (oboje, klarnety) partii bocznej, wszystko to zyskuje żywy rozwój a w końcowej części rysuje się konflikt, który w rozwoju jest tylko potęgowany przez wzrost napięcia. Repryza nie rozwiązuje tego konfliktu, nawet drugorzędna część nabiera drugorzędnego charakteru głównej. Ogólny dźwięk staje się nawet ponury, przypominając o załamaniu się nadziei, niespełnieniu impulsów, nieukojeniu cierpienia.

Druga część, niczym cisza po burzy, wykonywana jest w tempie spokojnym (andante), o charakterze spokojnie kontemplacyjnym. Następuje uspokojenie, melodia staje się melodyjna, nie ma już kontrastów. Dźwięk symbolizuje światło i inteligencję. Ogólną formą ruchu jest znowu sonata, ale ze względu na brak opozycji tematów przewodnich sprawia wrażenie przetworzenia. Tkanina muzyczna, zawierająca kilka zwrotów semantycznych, nieustannie ewoluuje, osiągając słodko-marzenie kulminację w rozwoju i afirmację w repryzie. Niektóre krótkie frazy oddechowe są jak duszpasterski rysunek natury.

Pomimo nazwy III część – Menuetto (« Menuet ”), to wcale nie jest taniec. Metr potrójny podkreśla raczej marsz i szorstkość dźwięku. Sztywne, uporczywe powtarzanie rytmicznej figury budzi niepokój i strach. Jakby nieodparte supermocarstwo, zimne i bezduszne, grozi karą.

Temat tria odbiega od złowieszczych zagrożeń menueta, a nawet zbliża się w pewnym stopniu do charakteru lekkiego, tanecznego menueta. Melodia, brzmiąca w G-dur, jest lekka, słoneczna, ciepła. Wyróżniają go ekstremalnie ostre partie, które dodają temu kontrastowi jeszcze większej wyrazistości.

Powrót do g-moll zdaje się powracać do teraźniejszości, odrywając od marzeń sennych, wyrywając z upojnego snu i przygotowując dramatyczny finał symfonii.

Końcowa 4 część(„Allegro assai”) jest napisane w formie sonatowej. Absolutna przewaga tematu głównego, wykonywanego w szybkim tempie, zdaje się zmieść pojawiające się tu i ówdzie melodie i frazy łączącego, wtórnego tematu. Rozwój szybko się rozwija. Energetyczny charakter muzyki skłania do dramatycznej kulminacji całego utworu. Jasny kontrast między tematami, polifoniczny i harmoniczny rozwój, echa między instrumentami – wszystko pędzi nieskrępowanym strumieniem do nieuchronnego finału.

Ten dramatyczny rozwój obrazów w całym dziele jest charakterystyczną cechą Mozarta, która wyróżnia jego symfonizm.

Geniusz w tej symfonii został wcielony i jednocześnie stał się nieśmiertelny. Naprawdę nie ma drugiej symfonii, która mogłaby się równać popularnością z tą. Podobnie jak uśmiech Mona Lisy, jego prostota kryje zbyt wiele tajemnic, które ludzkość może rozwikłać przez wieki. Wchodząc w kontakt z takimi dziełami, myślisz, że sam Bóg rozmawia z człowiekiem poprzez talent wybranego przez siebie.

Wolfgang Amadeus Mozart Symfonia nr 40

Mozart wraz z Haydnem stworzył klasyczny cykl sonatowo-symfoniczny związany z takimi gatunkami jak symfonia, sonata, koncert, kwartet, kwintet itp. Jednocześnie jego cykl sonatowo-symfoniczny stanowi nowy etap w rozwoju tej struktury , co najdobitniej manifestuje się w symfonii.

Większość symfonii została napisana przez Mozarta przed okresem wiedeńskim. W pierwszych symfoniach istnieje związek z wczesnym symfonizmem Haydna, kompozytorów szkoły mannheimskiej. Jednak indywidualność stylu Mozarta jest już widoczna w tych symfoniach. Do najciekawszych dzieł tego gatunku należy siedem ostatnich symfonii powstałych w Wiedniu. Ogólnie symfonie Mozarta reprezentują późniejszy typ symfonii w porównaniu do symfonii Haydna. Ich ton jest bardziej napięty, podekscytowany, dramatyczny, co znajduje odzwierciedlenie w formie prac. Mozart potęguje kontrast między tematami, zwłaszcza między częścią główną a boczną. Strony boczne z reguły budowane są na nowym materiale tematycznym. Ale tematy, mimo kontrastu, wzajemnie się uzupełniają. Kompozytor często wprowadza kontrast wewnątrztematyczny, tj. kontrast między różnymi elementami tego samego tematu.

Symfonie Mozarta są bogate tematycznie, w jednej części może być kilka tematów. Zmiany są krótkie i zwięzłe. Techniki rozwoju są bardzo różne: fragmentacja, wariacja, techniki polifoniczne itp. Istnieje wiele innowacji w powtórkach w porównaniu z ekspozycją.

W symfoniach Mozarta wyłapuje się związek z twórczością operową: 1) niektóre tematy są bliskie bufonom; 2) wiele tematów zbudowanych jest na zasadzie dialogu operacyjnego.

Orkiestra, podobnie jak Haydna, gra podwójna. Najlepsze symfonie kompozytora powstały w 1788 roku, są to symfonie nr 39 (Es-dur), nr 40 (g-moll) i nr 41 „Jowisz” (C-dur).

SYMFONIA nr 40.

Symfonia składa się z 4 części, jej tonacja to g-moll.

Nie ma wpisu.

Pierwsza część– Sonata Allegro g-moll . Strona główna- jednocześnie melodyjny i podekscytowany, zawiera drugi motyw, ruch w górę o m.6, po którym następuje opadające stopniowe wypełnienie. Ton jest kluczowy. Impreza poboczna- bardziej elegancki, co kojarzy się z intonacjami chromatycznymi. Kluczem jest B-dur. Przetworzenie opiera się wyłącznie na temacie części głównej, która dzięki technikom izolacji i polifonii oraz niestabilności tonalnej nabiera bardziej intensywnego i dramatycznego charakteru. W repryzie zasadnicze różnice w stosunku do ekspozycji to po pierwsze szersze rozwinięcie części łączącej, a po drugie trzymanie części bocznej w tonacji głównej, co nadaje jej bardziej melancholijny ton.

Druga część– Andante Es-dur. Forma to sonata. Postać jest lekka, spokojna, główne i boczne części są mało kontrastowe. W główna impreza– charakterystyczne dla Mozarta repetycje dźwiękowe i wznoszące się retencje, w bok- opadające motywy ćwiartkowe.

Trzecia część Menuet g-moll. Forma - 3-częściowa z trio. Skrajne partie to nie tyle taniec, ile wewnętrzny stan psychiczny z nutką dramatu. Na końcu pierwszego tematu rozlega się chromatyczne opadające uderzenie, obecne w bocznej części pierwszej części. Środkowa część jest bardziej tradycyjna, ma charakter taneczny.

Czwarta część- finał, g-moll. Forma to sonata. Strona główna składa się z dwóch kontrastujących ze sobą elementów: pierwszy wykonywany jest przez jedną strunę na fortepianie i zbudowany jest zgodnie z dźwiękami triady tonicznej, drugi wykonywany jest przez całą orkiestrę na forte i obejmuje śpiew . Impreza poboczna blisko bocznej części pierwszej części jest również elegancka, dzięki posunięciom chromatycznym, również pisanym równolegle dur, aw repryzie - w tonacji głównej, co nadaje jej ten sam melancholijny ton.

CLAVIRUS KREATYWNOŚĆ MOZARTA.

Twórczość clavier Mozarta jest reprezentowana przez różne gatunki: sonaty, wariacje, fantazje, ronda itp. W tych utworach kompozytor z jednej strony kontynuował tradycje Johanna Sebastiana Bacha, jego syna Philippa Emmanuela, a także Haydna, z drugiej strony wykazywał wobec nich nowatorskie podejście.

SONATA W DURACH.

Sonata A-dur składa się z 3 części. Jego wyjątkowość polega na tym, że ani jedna część nie została napisana w formie sonatowej.

Pierwsza część- Temat i Wariacje A-dur. Temat jest przedstawiony w gatunku sycylijskim. Charakter - jasny, liryczny, melodyjny. Faktura jest przezroczysta, forma to 2-częściowy repryz. Wariacje są klasyczne, bo zachowują główne cechy tematu: tryb, tonację, tempo, wielkość, formę, plan harmoniczny. Jednocześnie w każdej wariacji pojawiają się nowe elementy: w wariacji pierwszej - synkopowany bas, opóźnienia chromatyczne, w drugiej - triole z akompaniamentem i wdzięczne melizmaty w głosie górnym, w trzeciej - dur zastępuje drobne, równe szesnastki pojawiają się czasy trwania, w czwartej – skrzyżowanie rąk, w piątej – tempo zwalnia (Adagio zamiast Andante), a czasy trwania są mniejsze (trzydzieści sekund), w ostatniej szóstej wariacji tempo przyspiesza (Allegro), zmiany metrum (4/4 zamiast 6/8).

Druga część- Menuet, A-dur, forma - 3-częściowa z trio, kontynuuje taneczny charakter części pierwszej.

Trzecia część- Rondo w stylu tureckim a-moll. Forma jest trzyczęściowa, z dodatkowym refrenem, utrzymanym w A-dur i naśladującym niektóre cechy marszów janczarów. Środkowa część brzmi w tonacji fis-moll. Część końcowa kończy się kodą A-dur.

SONATA C-MOLL.

Sonata jest wyjątkowa, ponieważ rozpoczyna się dużym wstępem – Fantasia. Fantazja składa się z 6 sekcji, zbudowanych na zasadzie naprzemiennego kontrastu. Odcinki niestabilne przeplatają się ze stabilnymi, wolne z szybkimi, duże z mniejszymi.

odcinek 1 c-moll – niestabilny, napięty, dramatyczny z kontrastującym tematem; Sekcja 2, D-dur - lekka liryczna; Sekcja 3 - szybka, dramatyczna, z kontrastową zmianą tonacji i tematów; sekcja 4 B-dur przypomina sekcję 2; Sekcja 5 zawiera sekwencję czwartego kwinta, szybką, napiętą; w szóstej części powtarza się materiał z pierwszej sekcji, co nadaje całości jedność i kompletność.

Pierwsza część, Sonata Allegro c-moll . Strona główna- dramatyczny, kontrastowy, jego kontrast wynika z pierwszego tematu Fantazji . Strona łącząca zawiera nowy motyw przejściowy, który przewiduje motyw poboczny . Impreza poboczna zawiera nowy, lżejszy i bardziej liryczny obraz w stosunku do części głównej, jego tonacja to Es-dur . Rozwój- krótki, zawiera 25 taktów, rozwija tematykę główną i pośrednią . potrącenie od dochodu znacząco zmieniony, w nim pośredni temat ekspozycji zostaje zastąpiony nowym, wtórny temat prezentowany jest w tonacji głównej. Pierwsza część się kończy kod, który jest zbudowany na pierwszym elemencie głównej partii.

Druga część, Adagio, Es-dur, forma - 3-częściowa. Postać jest spokojna, narracyjna, motyw ubarwiony wdzięcznymi wzorami.

Trzecia część, Assai allegro c-moll, forma - sonata rondo. Główna i boczna część kontrastują ze sobą: niespokojny, wzburzony charakter głównej części przeciwstawia się jasnej głównej części bocznej.

W. A. ​​MOZART. MSZA ŻAŁOBNA.

„Requiem” to największe dzieło Mozarta, które obok „Pasji” Bacha jest jedną z oszałamiających tragedii w sztuce muzycznej XVIII wieku.

„Requiem” nazywane jest „łabędzim śpiewem” kompozytora. To jego ostatnia praca, której nie zdążył dokończyć. Süssmeier, przyjaciel i uczeń Mozarta, ukończył pracę nad tym dziełem na podstawie szkiców i szkiców kompozytora, a także na podstawie faktu, że Mozart grał go sam. „Requiem” powstało równocześnie z operą „Czarodziejski flet”. Trudno wyobrazić sobie jeszcze dwie różne prace. „Czarodziejski flet” to pogodna, wesoła baśń, „Requiem” to tragiczna msza żałobna.

Mozart już wcześniej zwracał się ku gatunkowi kantat i oratoriów. Pisał motety, kantaty, msze. Pomimo tekstów duchowych utwory te są nieskończenie dalekie od muzyki kościelnej i niewiele różnią się od dzieł świeckich. Przykładem jest finał solowego motetu „Alleluja” – typowej wirtuozowskiej arii typu operowego.

W utworach opartych na tekstach duchowych Mozart głosił idee Oświecenia, wzywające do powszechnego braterstwa i miłości.

Te same idee znalazły odzwierciedlenie w „Requiem”. Tutaj kompozytor odsłania najbogatszy świat ludzkich przeżyć, ucieleśnia miłość do życia, do ludzi.

Sam gatunek Mszy zakłada obecność polifonii. Mozart studiował sztukę J.S. Bacha, szeroko wykorzystywał w swojej twórczości techniki polifoniczne.

Świadczą o tym takie dzieła, jak Koncerty fortepianowe d-moll i c-moll, Fantazja c-moll czy Wielki Finał Symfonii Jowiszowej.

Requiem jest szczytem polifonicznego mistrzostwa Mozarta. Dzieło to odzwierciedla niemal wszystkie techniki pisania polifonicznego: imitację, kontrapunkt, podwójną fugę itp.

"Requiem" składa się z 12 numerów, z czego 9 numerów na chór i orkiestrę, 3 - na kwartet solistów. Dzieło zawiera tradycyjne liczby charakterystyczne dla każdej mszy („Panie zmiłuj się”, „Święty”, „Baranek Boży”), a także części obowiązkowe należące tylko do mszy żałobnej („Wieczny odpoczynek”, „Dzień gniewu” , „Cudowna trąbka”, „Płaz”.

1 część składa się z 2 odcinków: odcinek 1 - wolny - "Requiem aeternam" ("Wieczny odpoczynek"), odcinek 2 - szybko - fuga podwójna "Kyrie eleison" ("Panie zmiłuj się");

część 2- "Dies irae" - "Dzień gniewu". To jest obraz Sądu Ostatecznego;

część 3- „Tuba mirum” - „Cudowna fajka”. Rozpoczyna się fanfarą na trąbce, potem kolejno wchodzą soliści (bas, tenor, alt, sopran) i cały kwartet brzmi wspólnie;

część 4- "Rex tremendaе" - "Straszny pan";

część 5- "Recordare" - "Pamiętaj";

część 6– „Confutatis maledictis” – „Odrzucając potępionych”, to przykład niesamowitej odwagi i innowacyjności w dziedzinie harmonii;

część 7- „Lacrymoza” - „Tearful”, to liryczno-dramatyczne zwieńczenie całego dzieła;

część 8- "Domine Yesu" - "Pan";

część 9- "Hostias" - "Ofiary";

część 10- "Sanctus" - "Święty";

część 11- „Benedictus” – „Błogosławiony”;

część 12- „Agnus Dei” – „Baranek Boży”.

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 - 1827).

Muzyka Rewolucji Francuskiej. Francuska rewolucja burżuazyjna z 1789 r. była początkiem bardzo ważnego etapu w rozwoju historii. Miała ogromny wpływ na różne aspekty życia, w tym muzykę. W dobie Rewolucji Francuskiej muzyka nabrała masowego, demokratycznego charakteru. W tym czasie powstało Konserwatorium Paryskie. Na ulicach i placach odbywały się przedstawienia teatralne, odbywały się masowe święta.

Nowy czas wymagał aktualizacji stylu. Plakat, sztuka skrajnie uogólniona wysuwa się na pierwszy plan. W utworach muzycznych dominuje rytm kampanii, marsze, proste formy akompaniamentu.

Ulice i place wymagały dużych orkiestr o potężnym brzmieniu, więc grupa instrumentów dętych znacznie się poszerzyła.

Pojawiły się nowe gatunki muzyczne, w szczególności pieśń masowa. Przykładami są Marsylianka Rougeta de Lisle, Carmagnola. Kantaty, oratoria i opery wypełniły się nową treścią. Na polu opery pojawił się nowy gatunek – opera „ratunek i horror”, w której ukazana została walka o zbawienie bohatera, zawsze zakończona zwycięstwem dobra nad złem. Jednocześnie w fabule tych oper znalazły się sceny grozy, sytuacje dramatyczne. Pierwszym takim dziełem była opera „Horrors of the Monastery” Henri Burtona. Opera „Zbawienie i horror” wprowadziła do gatunku operowego wiele nowych rzeczy: 1) bohaterami stali się zwykli ludzie, a nie wyjątkowe osobowości; 2) rozszerzyła się sfera intonacyjna, bliska muzyce codziennej; 3) wzrosła rola symfonii i przez rozwój.

charakterystyka twórczości Beethovena. Rewolucja Francuska, mimo znaczenia całej kultury jako całości, nie wyłoniła ani jednego wybitnego kompozytora francuskiego, który odzwierciedlałby jej idee. Takim kompozytorem był genialny przedstawiciel muzyki niemieckiej Ludwig van Beethoven, którego sztuka wykracza daleko poza granice swoich czasów. Z twórczością Beethovena wiąże się twórczość wszystkich romantyków, rosyjskich muzyków i kompozytorów XX wieku.

Beethoven był rówieśnikiem potężnych ruchów rewolucyjnych przełomu XVIII i XIX wieku, a jego twórczość kojarzyła się zarówno z ideami rewolucji francuskiej, jak iz ruchem rewolucyjnym w Niemczech i innych krajach europejskich.

Początki twórczości Beethovena: 1) Kultura francuska. Poznał ją w położonym niedaleko Francji Bonn, gdzie często rozbrzmiewała muzyka kompozytorów francuskich, zwłaszcza Gretry i Monsigny. Ponadto Beethoven był bliski sloganom rewolucji francuskiej – „Wolność, równość i braterstwo”;

2) niemiecka filozofia związany z ruchem „burzy i stresu” oraz z kultem silnej osobowości;

3) najbogatsi Niemiecka kultura muzyczna, dzieło jej wybitnych przedstawicieli - Bacha, Haendla, Glucka, Haydna, Mozarta.

Beethoven jest ostatnim przedstawicielem wiedeńskiego klasycyzmu. Ma to wiele wspólnego z poprzednikami, ale wiele go od nich różni. Główna różnica polega na wykorzystaniu podmiotów cywilnych . Główny temat twórczości Beethovena - temat "bohater i ludzie ». Bohater zawsze wygrywa, ale jego walka jest trudna, musi pokonać wiele przeszkód.

Nowy temat dał także początek nowym środkom wyrazu, w tym nowej interpretacji cyklu sonatowo-symfonicznego:

1) wiodącą rolę odgrywają obrazy patosowe, heroiczne, dramatyczne;

2) prace są wypełnione ciągłym rozwojem. Rozwój przeważa nad ekspozycją;

3) między tematami występuje nie tylko kontrast, ale konflikt, zwłaszcza między tematami partii głównych i drugorzędnych;

4) stosowana jest zasada kontrastu pochodnego, tj. kontrast związany jest z jednością przez to, co przejawia się wspólnością intonacji między częścią główną i wtórną (tematy są niezależne, intonacje wspólne);

5) motywy heroiczne są często budowane na dźwiękach triad i zawierają rytmy marszowe.

Innym ważnym tematem w twórczości Beethovena jest: tekst piosenki . Kompozytor oddaje wszystkie subtelności ludzkich uczuć i nastrojów. Ale szczerość wypowiedzi lirycznej jest zawsze krępowana wolą rozumu. To nie przypadek, że R. Rolland nazwał Beethovena „ognistym strumieniem w granitowym kanale”. Ta jakość tekstów kompozytora przejawia się w surowości formy, w zamyśleniu i kompletności partii.

Trzecim głównym tematem muzyki Beethovena jest motyw natury którym poświęconych jest wiele jego utworów, m.in. VI Symfonia „Pastoralna”, XV Sonata „Pastoralna”, XXI Sonata „Aurora”, powolne partie sonat, symfonii, koncertów itp.

Beethoven pracował w prawie wszystkich gatunkach muzycznych. Napisał 9 symfonii, 32 sonaty fortepianowe, 10 sonat skrzypcowych, 5 koncertów fortepianowych, uwertury, m.in. Egmont, Coriolanus, Leonorę nr 3, operę Fidelio, cykl wokalny Do dalekiego kochanka, msze i in. jego twórczość ma charakter symfoniczny i kameralno-instrumentalny.

Beethoven podsumował najważniejszą epokę w historii muzyki - klasycyzm, a jednocześnie otworzył drogę do nowej epoki - romantyzmu. Świadczą o tym następujące cechy jego twórczości: 1) śmiałość języka harmonicznego, stosowanie odległych relacji tonalnych dur-moll, gwałtowna zmiana tonacji; 2) formy swobodniejsze, odstępstwo od kanonów klasycznych, zwłaszcza w późniejszych sonatach; 3) synteza sztuk, przede wszystkim muzyki i literatury (finał IX Symfonii); 4) apel do tak romantycznego gatunku, jak cykl wokalny („Do odległej ukochanej”) itp.

Utwór fortepianowy Beethovena. „Muzyka powinna palić ludzkie serca” – te słowa Beethovena dają wyobrażenie o wielkości zadań, które postawił sobie i sztuce w ogóle. Myśli o historii, o losach narodów, inspirowane duchem rewolucji, są podstawą tematyki wszystkich utworów Beethovena, w tym sonat fortepianowych. Według B. Asafiewa „sonaty Beethovena to całe życie człowieka”.

Beethoven przez całe życie pracował nad sonatami fortepianowymi. Będąc największym wirtuozem, pokazywał niewyczerpane możliwości ekspresyjne instrumentu, który jeszcze wówczas nie był doskonały. Jeśli symfonia była dla Beethovena sferą idei monumentalnych, to w sonatach przekazywał wewnętrzne życie człowieka, świat jego przeżyć i uczuć. Beethoven napisał 32 sonaty fortepianowe, a już w pierwszej sonacie f-moll odnajdujemy jasne cechy indywidualne, różniące się od Haydna i Mozarta. Beethoven śmiało przełamuje tradycyjne formy i w nowy sposób rozwiązuje problem gatunku sonatowego, podobnie jak Bach zburzył podstawy ścisłej polifonii i stworzył swobodny styl polifoniczny.

Sonaty Beethovena pokazują ewolucję tego gatunku w twórczości kompozytora. We wczesnych sonatach cykl waha się od 3 do 4 części, w okresie środkowym przeważają 3 części, występuje tendencja do kompresji cyklu, pojawiają się sonaty 2 częściowe (19, 20). W późniejszych sonatach każda kompozycja jest indywidualna.

SONATA NA FORTEPIAN BEETHOVENA.

SONATA nr 8 „PATETYCZNA».

Pierwsza część zaczyna się powoli wejście (Wprowadzenie, Grób ) , który zawiera główny obraz dzieła - dramatyczny, napięty. Jest to semantyczne centrum treści sonaty, świadczące o innowacyjności Beethovena i wyznaczające drogę do powstania muzyki z motywem przewodnim. Początkowa intonacja to stopniowy ruch w górę, kończący się na opadającej sekundzie. Dramatyzm tematu wiąże się z harmonią zredukowanego akordu septymowego, rytmem punktowanym i ostro zdefiniowanymi intonacjami. We wstępie kontrast i opozycja dwóch obrazów - dramatycznego i lirycznego. Istotą Wstępu jest zderzenie i przemiana sprzecznych zasad. W dalszym rozwoju intonacja początkowa przechodzi w tryb durowy (Es-dur) i dźwięki fortepian, i kolejne potężne akordy - forte. W ten sposób powstaje nie tylko figuratywny, ale również dynamiczny kontrast.

Strona główna w tonacji głównej (c-moll). Niezwykłe jest to, że jest zbudowane na punkcie organów tonicznych i zawiera odchylenie w S, które jest bardziej typowe dla końcowych odcinków. . Impreza poboczna składa się z dwóch tematów. Temat pierwszy - porywczy, podekscytowany - nie brzmi w tradycyjnej tonacji (Es-dur), ale w es-moll. W basie jest punkt organów D, co również nie jest typowe dla sekcji ekspozycyjnych. Punkt organowy D jest charakterystyczny dla rozwijających się konstrukcji. Drugi temat części bocznej przywraca bardziej znaną tonację paralelnego duru i jest recytowany w Es-dur. Jest bardziej spokojna, ponieważ. obejmuje długi czas trwania i jest bardziej oświecony. Opracowanie rozpoczyna się od tematu intro, który jest mocno skrócony i rozwija głównie temat partii głównej. Repryza powtarza materiał ekspozycji, ale w innych stosunkach tonalnych: pierwszy temat partii bocznej grany jest w tonacji f-moll zamiast c-moll. Główny ton powraca w drugim temacie części bocznej. Pierwsza część kończy się kodą, w której ponownie wybrzmiewa temat wstępu.

Druga część jest centrum lirycznym sonaty. Ukazany jest w tonacji As-dur, ma budowę trójdzielną. To przykład typowej liryki Beethovena: temat jest melodyjny, ale ma charakter surowy i powściągliwy. W części środkowej muzyka nabiera bowiem bardziej napiętego brzmienia, bo. zaczyna się w as-moll, jest niestabilna, zawiera trojaczki. Zdynamizowana jest repryza, w której oryginalny temat rozgrywa się na tle triolowej części zapożyczonej z części środkowej.

Trzecia część zapisana w tonacji głównej, forma jest rondo-sonatą. Główna różnica w stosunku do formy sonatowej polega na tym, że pod koniec ekspozycji, po ostatniej części, ponownie odtwarzany jest temat części głównej. Główna część brzmi ponownie pod koniec repryzy. Zamiast rozwijać - odcinek As-dur. Temat części głównej nawiązuje intonowo do pierwszego tematu części bocznej z części pierwszej. Część boczna recytowana jest równolegle w dur.

SONATA nr 14 „KSIĘŻYC”.

Sonata ta została skomponowana w 1801 roku i opublikowana w 1802. Poświęcony jest hrabinie Juliette Guicciardi. Nazwę „księżycową” nadał sonacie współczesny Beethovena, poeta Ludwig Relshtab, porównując muzykę pierwszej części sonaty z krajobrazem jeziora Firwaldstet w księżycową noc.

Beethoven napisał tę sonatę w trudnym okresie swojego życia. Z jednej strony zyskał już sławę jako kompozytor i wirtuoz, był zapraszany do domów najwybitniejszej szlachty, miał wielu mecenasów. Z drugiej strony bał się nadejścia głuchoty, która postępowała coraz bardziej. Tragedię muzyka tracącego słuch pogłębiła tragedia człowieka, który doznał uczucia nieodwzajemnionej miłości. Uczucie do Juliet Guicciardi było najwyraźniej pierwszą głęboką miłością Beethovena i pierwszym równie głębokim rozczarowaniem. W październiku 1802 r. kompozytor napisał słynny „Heiligenstadt Testament” – tragiczny dokument swojego życia, w którym rozpaczliwe myśli o ubytku słuchu łączą się z goryczą oszukanej miłości.

„Moonlight Sonata” – jedna z pierwszych kompozycji Beethovena po przejściu duchowego i twórczego kryzysu.

Sonata napisana jest w tonacji cis-moll i składa się z 3 części.

Pierwsza część niezwykły. Zamiast ogólnie przyjętego allegra sonatowego brzmi tutaj Adagio. Sam kompozytor określa to jako fantazję. I rzeczywiście, pierwsza część przedstawiona jest w sposób preludium-improwizatorski, charakterystyczny dla fantazji. Pierwsza część rozpoczyna się krótkim wstępem, w którym na tle wybrzmiewających basów rozbrzmiewają rozłożone trójdźwiękowe akordy w rytmie triolowym. Potem pojawia się główna melodia postaci mocno skoncentrowanej. Charakteryzuje się powtarzalnością dźwięków, przerywanym rytmem, spokojną dynamiką. Forma zbliża się do trójstronności. W części środkowej temat staje się bardziej napięty i dramatyczny, wprowadzone zostają zredukowane harmonie, przejścia do innych tonacji. Repryza jest skompresowana i zbudowana na stopniowym zanikaniu tematu.

Druga część - Allegretto Des-dur. Uważana jest za portret Julii Guicciardi. Druga część ma zabawny, pełen wdzięku charakter z elementami tańca. R. Rolland nazwał ją „kwiatem między dwiema otchłaniami”, ponieważ. ostro kontrastuje z skrajnymi częściami. Forma drugiej części to rozbudowana trójdzielność z trio. Temat główny prezentowany jest w magazynie akordowym, w rytmie 3-taktowym.

Trzecia część– Presto agitato, cis-moll. To jest środek ciężkości całej sonaty. Część III została napisana w rozbudowanej formie sonatowej. Ostatnia część wyróżnia się nieodpartą energią, napięciem, dramaturgią. R. Rolland określa to jako strumień gradu, „który bije i wstrząsa duszą”. Równie obrazowa jest jego charakterystyka partii głównej, którą porównuje z falami toczącymi się i rozbijającymi się o granitowe płyty. I rzeczywiście, główna część zbudowana jest na ruchu wznoszącym wzdłuż dźwięków rozłożonej triady, której towarzyszy toniczna kwinta, zakończona uderzeniami akordów. Drugie zdanie gry głównej rozwija się w grę łączącą, która przechodzi bezpośrednio w grę poboczną. Część boczna ma wyraźną linię melodyczną i jest buntownicza, porywcza. Partia boczna została napisana nie w tradycyjnym paraleli durowej, ale w tonacji dominanty molowej, tj. G-moll. Część końcowa jest dość rozbudowana, zapisana jest w akordach. Rozwój to intensywne rozwinięcie tematów części głównej i bocznej. W repryzie wszystkie tematy wybrzmiewają w tonacji głównej. Finał wyróżnia rozbudowany kod, który jest jakby drugim opracowaniem. Technika ta jest typowa dla symfonii Beethovena i świadczy o przenikaniu zasady symfonicznej do gatunku sonatowego.

SONATA nr 23 „APPASIONATA».

Sonata „Appassionata” dedykowana jest gorącemu wielbicielowi Beethovena, hrabiemu Franciszkowi Brunszwikowi. Beethoven zaczął ją komponować w 1804 roku i prawdopodobnie ukończył w 1806 roku. Został opublikowany w 1807 roku.

Nazwa „appasionata” nie należy do samego kompozytora, ale do hamburskiego wydawcy Kranza. Mimo to nazwa ta dobrze oddaje istotę dzieła i dlatego mocno się do niego przylgnęła. Beethoven zaczął tworzyć sonatę w trudnym dla siebie roku. Doświadczał tych samych uczuć, co przy tworzeniu Sonaty Księżycowej. Postępująca i nieznośna dla muzyka głuchota, bolesne trudy miłości i przyjaźni, ciągła samotność duchowa – wszystko to stworzyło warunki do ponurej, tragicznej pracy. Ale potężny duch Beethovena pomógł mu wyjść z tych prób. Sonata jest więc nie tylko dramatyczna, ale przepełniona wielką wolą i energią.

Sonata napisana jest w tonacji f-moll i składa się z 3 części. Pierwsza część - Allegro assai, forma sonatowa. Tutaj kompozytor po raz pierwszy odmówił powtórzenia ekspozycji, więc cała pierwsza część brzmi jednym tchem. Strona główna składa się z 3 kontrastujących elementów. Pierwszy element reprezentuje ruch unisono wzdłuż dźwięków triady tonicznej, najpierw w ruchu w dół, potem w górę. Prawa i lewa ręka wykonują element początkowy w odległości dwóch oktaw. Drugim elementem jest tryl. Trzecia to czterodźwiękowy motyw, nawiązujący do tematu losu z V Symfonii. Główna partia nie tylko wykłada materiał, ale natychmiast go rozwija. Impreza poboczna prezentowany jest w tonacji As-dur, intonacyjnie związany z pierwszym elementem części głównej, ale zawiera obraz samodzielny - majestatycznie surowy i odważny. To jest zasada kontrastu pochodnego. Rozwój rozwija tematy w tej samej kolejności, co w ekspozycji, ale różni się niestabilnością tonalną, inną fakturą, przez co jest odbierany bardziej dramatycznie. Przed powtórką rozlegają się potężne ciosy „motywu losu”. Ten sam motyw przenika potrącenie od dochodu- na nim zbudowana jest główna partia. Część boczna w repryzie jest w F-dur. Efektem opracowania całej pierwszej części jest kod. Część pierwsza wyróżnia się rozmachem i intensywnością przetworzenia, co odróżnia Appassionatę od innych sonat kompozytora.

Druga część – Andante con moto, Des-dur. Kontrastuje charakterem z częścią pierwszą, brzmi spokojnie, kontemplacyjnie, surowo lirycznie na sposób Beethovena. Forma jest wariacyjna. Temat prezentowany jest małymi literami w chóralnej, akordowej fakturze. Wariacje zbudowane są na stopniowym rytmicznym przyspieszaniu, tj. z każdą zmianą czasu trwania stają się krótsze: ósme, szesnaste, trzydzieści sekund. Pod koniec drugiej części skrycie i nieufnie brzmi zredukowany akord septymowy, po czym bez przerwy zaczyna się trzecia część.

Trzecia część– Allegro ma non troppo w f-moll. Finał ma wiele wspólnego z częścią pierwszą, zarówno pod względem charakteru, jak i techniki rozwojowej. Współcześni Beethovena widzieli w tej sonacie podobieństwo do „Burzy” Szekspira i dlatego nazwali ją „Szekspirowską”. To właśnie trzecia część dała do tego największe podstawy. Finał jest jeszcze jaśniejszy niż część pierwsza, przypomina jeden trąba powietrzna. Forma to sonata, ale wszystkie sekcje wydają się zlewać w jedną całość. Tempo przyspiesza w finale kodzie, pojawia się tonacja As-dur, co skłania do uznania jej za koniec nie tylko części końcowej, ale całej sonaty. To efekt ludzkiego dramatu, pełnego wewnętrznych sprzeczności i zakończonego śmiercią bohatera. Ale mimo tragicznego zakończenia w sonacie nie ma pesymizmu, bo bohater pod koniec swojej podróży odnalazł sens życia, dlatego „Appassionata” uważana jest za „optymistyczną tragedię”.

SYMFONIA nr 5.

Twórczość symfoniczna. Symfonizm Beethovena wyrósł na gruncie przygotowanym przez Haydna i Mozarta, w których twórczości ostatecznie ukształtowały się zasady budowy i rozwoju cyklu sonatowo-symfonicznego i formy sonatowej. Ale symfonie Beethovena reprezentują nowy, wyższy poziom symfonii. Świadczy o tym skala symfonii, które znacznie przewyższają skalę symfonii jego poprzedników, oraz wewnętrzna treść z reguły heroiczna i dramatyczna oraz dźwięczność orkiestrowa ze względu na wzrost składu orkiestry i, przede wszystkim zespół dęty. Na rozwój symfonizmu Beethovena wpłynęła muzyka Rewolucji Francuskiej z jej bohaterskimi obrazami, rytmami marszów i marszów, intonacjami fanfar i potężnym brzmieniem orkiestry. Ponadto wewnętrzny kontrast symfonii wiąże się z zasadami dramaturgii operowej.

Beethoven napisał dziewięć symfonii. W porównaniu z Haydnem i Mozartem to niewiele, ale są ku temu powody. Po pierwsze, Beethoven zaczął pisać symfonie dopiero w wieku trzydziestu lat, wcześniej nie odważył się zwrócić do tego gatunku, zdając sobie sprawę z pełnej odpowiedzialności pisania symfonii. Po drugie, z tego samego powodu pisał symfonie przez dość długi czas: III symfonię tworzył przez półtora roku, V symfonię przez cztery lata, IX symfonię przez dziesięć lat. Wszystkie symfonie reprezentują konsekwentną ewolucję tego gatunku w twórczości kompozytora. Jeśli w pierwszej symfonii zarysowano jedynie cechy symfonizmu Beethovena, to symfonia dziewiąta jest zwieńczeniem rozwoju tego gatunku. W finale tej symfonii Beethoven umieścił poetycki tekst – „Odę do radości” Schillera, antycypując tym samym epokę romantyzmu z jej syntezą sztuk.

Symfonia nr 5- jeden ze szczytów symfonizmu Beethovena. Jej główną ideą jest idea heroicznej walki, pełnej dramatycznych napięć i niepokojów, ale zakończonej przekonującym zwycięstwem. Dlatego dramaturgia symfonii budowana jest „od ciemności do światła poprzez walkę i cierpienie”.

V Symfonia napisana jest w tonacji c-moll i składa się z 4 części. Ogromną rolę w symfonii odgrywa czterotaktowy wprowadzenie , w którym brzmi „motyw losu”. Według samego kompozytora „tak los puka do drzwi”. Ten wstęp pełni w symfonii taką samą rolę, jak motyw przewodni w operze. Motyw losu przenika wszystkie części tej pracy.

Pierwsza część– Allegro con brio w c-moll. Forma to sonata. Strona główna- dramatyczny, buntowniczy, rozwija temat wstępu. Strona łącząca reprezentuje nowy etap w rozwoju głównej partii, kończy się fanfarami, które wyprzedzają grę poboczną. Impreza poboczna(Es-dur) - bardziej liryczny, miękki, kontrastujący z częścią główną. Stopniowo staje się dramatyczny. Finał gry jest zbudowany na materiale głównej części, ale brzmi bardziej odważnie i heroicznie. Rozwój- ciągły rozwój intonacji partii głównej. Na szczycie szczytu rozwoju zaczyna się potrącenie od dochodu. Nowością w repryzie w porównaniu z ekspozycją jest, po pierwsze, solo oboju w partii głównej, po drugie, trzymanie partii bocznej w C-dur i nowej orkiestracji. coda aprobuje temat głównej partii, nie daje jeszcze konkluzji, przewaga jest po stronie złych, wrogich sił.

Druga część– Andante con moto, As-dur. Forma jest podwójnymi wariacjami, jak w drugiej części Symfonii Es-dur Haydna (symfonia nr 103, z tremolo kotłów). Pierwszy temat jest gładki, śpiewny, falujący. Temat drugi w pierwszym wykonaniu ma charakter bliski pierwszemu, w drugim wykonaniu nabiera fanfarowego, heroicznego charakteru za sprawą głośnej dźwięczności (ff), brzmienia miedzianej grupy. Tematy są następnie kolejno zmieniane.

Trzecia część– Allegro w c-moll. To scherzo napisane w złożonej, trzyczęściowej formie z triem. Charakter muzyki w partiach skrajnych nie pasuje do definicji scherza jako żartu. To scherzo brzmi dramatycznie. W pierwszej części porównuje się dwa tematy. Pierwszy temat składa się z dwóch elementów: pierwszy reprezentuje unisono wznoszący się ruch wzdłuż dźwięków triady tonicznej, drugi jest gładszy, akordowy. Drugi temat to żłobienie, obsesyjne, oparte na „motywie losu”. Trio - C-dur - najbardziej zgodne z tradycyjnym charakterem scherza. Temat jest ciężki, szorstki, taneczny z odrobiną zdrowego ludowego humoru. Prezentowana jest w unisonowym brzmieniu wiolonczel i kontrabasów. Repryza jest zdynamizowana, mięknie pod wpływem tria, jej orkiestracja jest bardziej przejrzysta.

Czwarta część, finał - Allegro, C-dur. Finał ma charakter radosny, świąteczny. Forma sonatowa, w której część główna i boczna nie kolidują ze sobą, lecz wzajemnie się uzupełniają. Koda finału jest dorobkiem całej symfonii. Siły zła zostają ostatecznie pokonane, a wyzwolona ludzkość raduje się z długo oczekiwanego zwycięstwa.