Renesans spowodował głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury - filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która coraz bardziej uniezależnia się od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć do pełnej niezależności jeszcze jej daleko. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odżywają nauki starożytnych myślicieli, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył we Florencji Akademię Platońską, tłumacząc dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W okresie renesansu, według Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządzi na europejskich uniwersytetach”.
Wraz ze starożytnymi naukami filozofia naturalna czyli filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich pracach rozwijają się myśli, że filozofia nie powinna studiować Boga nadprzyrodzonego, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą poznania jest doświadczenie i obserwacja, a nie objawienie Boże, że człowiek jest częścią natury.
Rozpowszechnianie naturalnych poglądów filozoficznych ułatwiło: naukowy odkrycia. Najważniejszym z nich był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w wyobrażeniach o świecie.
Należy jednak zauważyć, że poglądy naukowe i filozoficzne tamtych czasów wciąż pozostają pod wyraźnym wpływem religii i teologii. Takie poglądy często przybierają formę panteizm w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, ale rozpływa się On w naturze, utożsamia się z nią. Do tego trzeba jeszcze dodać wpływy tzw. nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.
Renesans przyniósł najistotniejsze zmiany w kultura artystyczna, sztuka. To na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i najbardziej radykalne.
W średniowieczu sztuka była w dużej mierze stosowana w przyrodzie, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W renesansie sztuka po raz pierwszy nabiera samoistnej wartości, staje się samodzielnym obszarem piękna. Jednocześnie po raz pierwszy w spostrzegającym widzu powstaje uczucie czysto artystyczne, estetyczne, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki dla niej samej, a nie dla celu, któremu służy.
Jeszcze nigdy sztuka nie cieszyła się tak wysokim zaszczytem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji twórczość artysty w swoim społecznym znaczeniu była zauważalnie gorsza od działalności polityka i obywatela. Jeszcze skromniejsze miejsce zajmował artysta w starożytnym Rzymie.
Ale już miejsce i rola artysty w społeczeństwie rosną niezmiernie. Po raz pierwszy jest uważany za niezależnego i szanowanego profesjonalistę, naukowca i myśliciela, wyjątkową indywidualność. W renesansie sztuka jest postrzegana jako jeden z najpotężniejszych środków poznania iw tym zakresie jest utożsamiana z nauką. Leonardo da Vinci uważa naukę i sztukę za dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo to nauka i prawowita córka natury”.
Jeszcze bardziej ceniona sztuka jako kreatywność. Pod względem zdolności twórczych renesansowy artysta utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. To wyjaśnia, dlaczego Raphael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów Komedia Dantego była również nazywana „Boską”.
Sama sztuka przechodzi głębokie zmiany. Dokonuje decydującego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do realistycznego obrazu i wiarygodnego obrazu. Środki artystycznego wyrazu stają się nowe. Opierają się teraz na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka we wszystkim dąży do bycia wiernym rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.
Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj są dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Są też wielkie nazwiska w innych krajach, ale Włochy są poza konkurencją.
We włoskim renesansie zwykle wyróżnia się kilka etapów:
- Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek.
- Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
- Wysoki renesans: koniec XV wieku - pierwsza tercja XVI wieku
- Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.
Głównymi postaciami protorenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).
Los poddał Dantemu wiele prób. Był prześladowany za udział w walce politycznej, tułał się, zginął na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Czasami nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą epoki nowożytnej. Te dwa początki - stary i nowy - są w jego twórczości bardzo ściśle splecione.
Pierwsze utwory Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne poematy miłosne o treści poświęconej jego ukochanej Beatrycze, którą poznał kiedyś we Florencji i zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował miłość na całe życie. Pod względem gatunkowym teksty Dantego są zgodne ze średniowieczną poezją dworską, gdzie przedmiotem śpiewów jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażane przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem, naznaczonymi wyjątkową indywidualnością.
Zwieńczeniem pracy Dantego było: "Boska Komedia”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. W swojej konstrukcji wiersz ten również wpisuje się w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafił w zaświaty. Wiersz składa się z trzech części - Piekło, Czyściec i Raj, z których każda zawiera 33 pieśni napisane w trzywierszowych zwrotkach.
Powtarzana liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej doktryny o Trójcy. W toku narracji Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie wpuszcza do raju swego towarzysza z dziewięciu kręgów piekielnych i czyśćcowych – rzymskiego poety Wergiliusza, bo poganina takiego prawa jest pozbawiona. Tutaj poecie towarzyszy jego zmarła ukochana Beatrice.
Jednak w jego myślach i osądach, w jego stosunku do portretowanych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco nie zgadza się z nauką chrześcijańską. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu, mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest włączona w samą naturę życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paolo ze zrozumieniem i sympatią. chociaż ich miłość jest związana ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje w Dantem także przy innych okazjach.
Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarka. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swojego sonety. Był jednocześnie myślicielem, filozofem i historykiem o szerokim zasięgu. Jest słusznie uważany za twórcę całej kultury renesansowej.
Dzieło Petrarki częściowo wpisuje się również w ramy średniowiecznych liryki dworskiej. Podobnie jak Dante, miał kochankę Laurę, której zadedykował swoją „Księgę Pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa więzy z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia - miłość, ból, rozpacz, tęsknota - wydają się znacznie ostrzejsze i bardziej nagie. Mają silniejszy osobisty charakter.
Innym wybitnym przedstawicielem literatury był: Giovanni Boccaccio(1313-1375). światowej sławy autor Dekameron". Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.
Głównymi bohaterami powieści są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie zawierają nudnego moralizatorstwa, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie mieni się miłością do życia i zabawy. Fabuły niektórych z nich mają charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, które jest uważane za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.
Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu w sztukach wizualnych. Jego głównym gatunkiem były freski. Wszystkie są napisane na tematy biblijne i mitologiczne, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów, świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje początek renesansu. W swojej pracy Giotto porzuca średniowieczne konwencje i zwraca się ku realizmowi i wiarygodności. To dla niego doceniana jest zasługa odrodzenia malarstwa jako wartości artystycznej samej w sobie.
W jego pracach krajobraz naturalny jest dość realistycznie przedstawiony, na którym wyraźnie widoczne są drzewa, skały i świątynie. Wszystkie postacie uczestniczące, w tym sami święci, jawią się jako ludzie żyjący, obdarzeni fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta charakteryzują się jasną kolorystyką i malowniczością, delikatną plastycznością.
Głównym dziełem Giotta jest obraz Chapel del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Najmocniejsze wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny „Ucieczka do Egiptu”, „Pocałunek Judasza”, „Lamentacja Chrystusa”.
Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i autentycznie. Pozycja ich ciał, gesty, stan emocjonalny, poglądy, twarze - wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego ściśle odpowiada przypisanej mu roli. Każda scena ma niepowtarzalny klimat.
Tak więc w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” wypełniony jest burzliwym dynamizmem, ostrymi i zdecydowanymi akcjami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – Judasz i Chrystus – zamarli bez ruchu i walczyli oczami.
Szczególnym dramatem odznacza się scena „Lamentacja Chrystusa”. Przepełnia go tragiczna rozpacz, nieznośny ból i cierpienie, niepocieszony żal i smutek.
Ostatecznie zatwierdzono wczesny renesans nowe estetyczne i artystyczne zasady sztuki. Jednocześnie opowieści biblijne są nadal bardzo popularne. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele zostało w niej ze średniowiecza.
Ojczyzna Wczesny renesans został Florencją, a „ojcami renesansu” są architekt Philippe Brunelleschi(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).
Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny pod architekturę renesansu, odkrył nowe formy, które istniały przez wieki. Zrobił wiele, aby rozwinąć prawa perspektywy.
Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną budowlą katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stało przed nim wyjątkowo trudne zadanie, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromnych rozmiarów – około 50 m średnicy. Przy pomocy oryginalnego projektu znakomicie wychodzi z trudnej sytuacji. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i niejako unosząca się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.
Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielki, prostokątny budynek, przykryty pośrodku kopułą. Wewnątrz wyłożony jest białym marmurem. Podobnie jak inne budowle Brunelleschiego, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.
Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza miejsca kultu i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest sierociniec zbudowany w kształcie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.
Rzeźbiarz florencki Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w różnych gatunkach, wszędzie wykazując autentyczną innowacyjność. W swojej pracy Donatello wykorzystuje starożytne dziedzictwo, opierając się na dogłębnym studium natury, odważnie aktualizując środki artystycznego wyrazu.
Uczestniczy w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia portret rzeźbiarski i wizerunek nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Swoją pracą Donatello wywarł wielki wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.
Dążenie Donatello do idealizowania przedstawionej osoby było wyraźnie widoczne w: posąg młodego Dawida. W tej pracy David pojawia się jako młodzi, piękni, pełni sił psychicznych i fizycznych młodzieńcy. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w renesansowej rzeźbie.
Bohaterska zasada jest silna i wyraźna w figura św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatella. Tutaj udało mu się w pełni urzeczywistnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, smukły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby antycznej.
Klasycznym dziełem Donatello jest brązowa statua komtura Gattamelatty – pierwszy zabytek konny w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom artystycznego i filozoficznego uogólnienia, co zbliża tę pracę do starożytności.
W tym samym czasie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy renesansowy bohater, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczne formy, wyraźna i precyzyjna plastyczność, naturalna postawa jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.
W ostatnim okresie twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judith ukazana jest w momencie, gdy unosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.
Masaccio słusznie uważany za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy płynące z Giotta. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele zdziałał. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego, współczesnego renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie był tak blisko współczesnych mistrzów jak Masaccio”.
Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie sceny biblijne – „Upadek” i „Wygnanie z Raj".
Chociaż freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego i mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń wydają się być ludźmi całkiem ziemskimi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkiem naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco autentycznie ukazany jest nagi młodzieniec, drżący z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję nie tylko z perspektywy linearnej, ale także powietrznej.
Z całego cyklu na szczególną uwagę zasługuje fresk „Wypędzenie z raju”. Jest prawdziwym arcydziełem malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widoczne są postaci Adama i Ewy, którzy opuścili bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupia się na Mamie i Ewie.
Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił namalować nagie ciało w tak przekonujący i autentyczny sposób, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i żywo wyraża się wewnętrzny stan bohaterów. Adam, który szedł szeroko, pochylił głowę ze wstydu i zakrył twarz dłońmi. Szlochając, Ewa odrzuciła w rozpaczy głowę z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.
To, co zrobił Masaccio, kontynuowali tacy artyści jak: Andrea Mantegna(1431-1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim malowidłami ściennymi, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba - procesja do egzekucji i sama egzekucja. Botticelli wolał malarstwo sztalugowe. Jego najsłynniejsze obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus.
Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy szczyt, Wysoki renesans. Dla Włoch ten okres był niezwykle trudny. Rozczłonkowany, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy z Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, przeżywa bezprecedensowy rozkwit. To właśnie w tym czasie tworzyli tacy tytani jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.
W architekturze początek wysokiego renesansu wiąże się z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zdeterminował rozwój architektury tego okresu.
Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci malował swój słynny fresk Ostatnia Wieczerza. Jego chwała zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), wybudowany w Rzymie i stał się rodzajem „manifestu” wysokiego renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia ją prostota środków architektonicznych, harmonia części i rzadka wyrazistość. To naprawdę małe arcydzieło.
Zwieńczeniem pracy Bramantego jest odbudowa Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Jest także właścicielem projektu Katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie wdrażać.
Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti
W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacznie od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach oparł się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm wieków późniejszych.
Szkoła wenecka działała jako ich pierwotna przeciwwaga i antypoda. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych włoskich szkół Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja do badań i eksperymentów mogła znaleźć właściwe zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze między „starymi i nowymi” artystami ci ostatni powoływali się na przykład Wenecji. Tu zaczęły się trendy, które doprowadziły do baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Veronese. W Wenecji El Greco otrzymał swoją twórczą opiekę, co pozwoliło mu zszokować hiszpańskie malarstwo. Velazquez przejechał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzkich artystach Rubensie i Van Dycku.
Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Doświadczyła wpływów północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Dürer był tu dwukrotnie - pod koniec XV wieku. i początek XVI wieku. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner słuchał tu śpiewu gondolierów (1857), pod inspiracją których napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.
Bliskość morza ewokowała płynne i ruchome formy, zamiast wyraźnych struktur geometrycznych. Wenecja pociągała nie tyle rozumowanie swoimi surowymi regułami, ile uczucia, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. W centrum tej poezji była natura – jej widzialna i odczuwalna materialność, kobieta – fascynujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z urzekających dźwięków uduchowionej natury.
Artyści szkoły weneckiej woleli nie formę i wzór, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się przekazać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w najbardziej żywym i czującym ciele.
Nie były wystarczająco realistyczne i wiarygodne. Starali się ukazać bogactwo tkwiące w samym malarstwie. To właśnie Wenecja zasługuje na odkrycie czystej zasady malowniczości, czyli malowniczości w jej najczystszej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi wykazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązania problemów malarstwa za pomocą jednego koloru, środków czysto malarskich, możliwość potraktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i ekspresji, pójdą tą drogą. Według niektórych ekspertów można przejść od Tycjana do Rubensa i Rembrandta, potem do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne'a itd.
Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachowywał się jak prawdziwy innowator. Ostatecznie wygrywa dla niego zasada świecka, a zamiast na tematy biblijne woli pisać na tematy mitologiczne i literackie. W jego twórczości dochodzi do ustanowienia obrazu sztalugowego, który nie przypomina już ikony czy obrazu ołtarzowego.
Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od natury. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy zwraca uwagę na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To właśnie Giorgione zaczął szukać sekretu malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, działając jako prekursor Caravaggia i Caravaggizmu.
Giorgione stworzył dzieła o różnych gatunkach i tematach – „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było: „Śpiąca Wenus””. Ten obraz jest pozbawiony jakiejkolwiek fabuły. Śpiewa o pięknie i uroku nagiego kobiecego ciała, reprezentując „nagość dla samej nagości”.
Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansowej. Większość jego długiego życia przypada na późny renesans.
W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowacyjność Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Mają niezwykłą zmysłowość, dzięki czemu wywierają silny wpływ na widza. Twórczość Tycjana jest zaskakująco muzyczna i melodyjna.
Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem malarstwo nabrało smaku, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartym pociągnięciem pędzla, który jest jednocześnie lekki, swobodny i przezroczysty. To w jego pracach kolor niejako rozpuszcza i wchłania formę, a zasada malarstwa po raz pierwszy nabiera autonomii, pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości przeradza się w czarujący i subtelny liryzm.
W dziełach pierwszego okresu Tycjan wychwala beztroską radość życia, cieszenie się dobrami ziemskimi. Śpiewa o zmysłowej zasadzie, o ludzkim ciele kipiącym zdrowiem, o wiecznym pięknie ciała, o fizycznej doskonałości człowieka. To temat jego płócien, takich jak „Miłość na ziemi i niebie”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.
Na zdjęciu dominuje zmysłowy początek „Magdalena pokutująca””, choć poświęcony jest dramatycznej sytuacji. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające, promienne ciało, pełne i zmysłowe usta, rumiane policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przesycone jest przenikliwym liryzmem.
W utworach drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją rosnący psychologizm i dramat. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od fizycznego i zmysłowego do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne we wcielaniu wątków i wątków, do których wielki artysta odnosił się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego cierpiącego opuszczonego przez ludzi nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i fizycznym pięknem. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.
Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Ukoronowanie cierniem”, poświęcone epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywany jest w Luwrze. Chrystus pojawia się jako fizycznie przystojny i silny atleta, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W wersji monachijskiej, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam odcinek jest oddany znacznie głębiej, bardziej złożony i bardziej wymowny. Chrystus przedstawiony jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenia. Teraz najważniejsze nie jest koronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychologiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.
W późniejszych utworach Tycjana tragiczny dźwięk jest coraz bardziej nasilany. Świadczy o tym obraz „Lamentacja Chrystusa”.
Cechy charakterystyczne w sztuce renesansu
Perspektywiczny. Aby dodać trójwymiarowej głębi i przestrzeni do swojej pracy, artyści renesansu zapożyczyli i znacznie rozszerzyli koncepcje perspektywy liniowej, linii horyzontu i punktu zbiegu.
§ Perspektywa liniowa. Malowanie z perspektywą liniową jest jak patrzenie przez okno i malowanie dokładnie tego, co widzisz na szybie. Przedmioty na zdjęciu zaczęły mieć własne wymiary, w zależności od odległości. Zmniejszyły się te, które były dalej od widza i odwrotnie.
§ Sylwetka na tle nieba. Jest to linia na odległości, przy której obiekty kurczą się do punktu tak grubego jak ta linia.
§ Znikający punkt. Jest to punkt, w którym równoległe linie wydają się zbiegać w dużej odległości, często na linii horyzontu. Ten efekt można zaobserwować, jeśli staniesz na torach kolejowych i spojrzysz na tory, które przechodzą na tak. l.
Cienie i światło. Artyści z zainteresowaniem bawili się tym, jak światło pada na przedmioty i tworzy cienie. Cienie i światło mogą posłużyć do zwrócenia uwagi na konkretny punkt obrazu.
Emocje. Artyści renesansowi chcieli, aby widz, patrząc na dzieło, poczuł coś, przeżył emocjonalne przeżycie. Była to forma wizualnej retoryki, w której widz poczuł inspirację, by stać się w czymś lepszym.
Realizm i naturalizm. Oprócz perspektywy artyści starali się, aby przedmioty, zwłaszcza ludzie, wyglądały bardziej realistycznie. Badali anatomię człowieka, mierzyli proporcje i poszukiwali idealnej ludzkiej postaci. Ludzie wyglądali na prawdziwych i okazywali prawdziwe emocje, co pozwalało widzowi wyciągać wnioski na temat tego, co myśleli i odczuwali przedstawiani ludzie.
Era „renesansu” podzielona jest na 4 etapy:
Protorenesans (2. poł. XIII w. - XIV w.)
Wczesny renesans (pocz. XV - koniec XV w.)
Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)
Późny renesans (połowa XVI - 1590)
Protorenesans
Protorenesans jest ściśle związany ze średniowieczem, w rzeczywistości pojawił się w późnym średniowieczu, z tradycjami bizantyńskimi, romańskimi i gotyckimi, okres ten był prekursorem renesansu. Dzieli się na dwa podokresy: przed śmiercią Giotto di Bondone i po (1337). Włoski artysta i architekt, twórca epoki Protorenesansu. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy bizantyjską tradycję malarstwa ikon, stał się prawdziwym twórcą włoskiej szkoły malarskiej, wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła. Centralną postacią malarstwa był Giotto. Artyści renesansowi uważali go za reformatora malarstwa. Giotto nakreślił ścieżkę, którą podążał jego rozwój: wypełnianie form religijnych treściami świeckimi, stopniowe przejście od obrazów płaskich do obrazów trójwymiarowych i reliefowych, wzrost realizmu, wprowadzenie do malarstwa plastycznej objętości postaci, przedstawienie wnętrza w malarstwie .
Pod koniec XIII wieku we Florencji wzniesiono główny budynek świątyni, katedrę Santa Maria del Fiore, autorem był Arnolfo di Cambio, następnie Giotto kontynuował prace.
Najważniejsze odkrycia, najzdolniejsi mistrzowie żyją i pracują w pierwszym okresie. Drugi segment związany jest z epidemią dżumy, która nawiedziła Włochy.
Sztuka protorenesansu przejawiała się po raz pierwszy w rzeźbie (Niccolò i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Malarstwo reprezentują dwie szkoły artystyczne: Florencja i Siena.
Wczesny renesans
Okres tak zwanego „wczesnego renesansu” we Włoszech obejmuje okres od 1420 do 1500 roku. W ciągu tych osiemdziesięciu lat sztuka nie wyrzekła się jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości (średniowiecze), ale stara się wplatać w nie elementy zaczerpnięte z klasycznej starożytności. Dopiero później, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucili średniowieczne założenia i odważnie korzystali z przykładów sztuki antycznej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak i w ich detalach.
Podczas gdy sztuka we Włoszech podążała już zdecydowanie ścieżką naśladowania klasycznej starożytności, w innych krajach długo trzymała się tradycji stylu gotyckiego. Na północ od Alp, a także w Hiszpanii, renesans nastał dopiero pod koniec XV wieku, a jego wczesny okres trwa do około połowy następnego stulecia.
Artyści wczesnego renesansu
Za jednego z pierwszych i najwybitniejszych przedstawicieli tego okresu uważany jest Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), słynny włoski malarz, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.
Swoją pracą przyczynił się do przejścia od gotyku do nowej sztuki, wychwalając wielkość człowieka i jego świata. Wkład Masaccio w sztukę został odnowiony w 1988 roku, kiedy jego główne dzieło - Freski w kaplicy Brancaccich w Santa Maria del Carmine we Florencji- zostały przywrócone do ich pierwotnej postaci.
- Zmartwychwstanie syna Teofila, Masaccio i Filippino Lippi
- Adoracja Trzech Króli
- Cud ze staterem
Innymi ważnymi przedstawicielami tego okresu byli Sandro Botticelli. wielki włoski malarz renesansowy, przedstawiciel florenckiej szkoły malarskiej.
- Narodziny Wenus
- Wenus i Mars
- Wiosna
- Adoracja Trzech Króli
Wysoki renesans
Trzeci okres renesansu – czas najwspanialszego rozwoju jego stylu – potocznie nazywany jest „wysokim renesansem”. Rozciąga się na Włochy od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie ośrodek wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniósł się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron papieski Juliusza II - zajmował je człowiek ambitny, odważny, przedsiębiorczy, który ściągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch z licznymi i ważnymi dziełami i dał innym przykład miłości do sztuki. Pod rządami tego papieża i jego bezpośrednich następców Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: buduje się w nim wiele monumentalnych budowli, powstają wspaniałe dzieła rzeźbiarskie, malowane są freski i obrazy, które nadal uważane są za perły malarskie; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie oddziałując. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, odtwarzana z większą rygorem i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; całkowicie znikają reminiscencje średniowiecza, a na wszystkie dzieła sztuki przypada całkowicie klasyczny odcisk. Ale naśladownictwo starożytnych nie tłumi ich niezależności w artystach iz wielką zaradnością i żywością wyobraźni swobodnie przetwarzają i stosują w biznesie to, co uważają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.
Dzieło trzech wielkich włoskich mistrzów wyznacza szczyt renesansu, to jest Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci wielki włoski malarz renesansowy, przedstawiciel florenckiej szkoły malarskiej. Włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, muzyk, jeden z największych przedstawicieli sztuki wysokiego renesansu, żywy przykład „człowieka uniwersalnego”
Ostatnia Wieczerza
Mona Lisa,
-człowiek witruwiański ,
- Madonna Litta
- Madonna w skałach
-Madonna z wrzecionem
Michał Anioł Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Włoski rzeźbiarz, malarz, architekt [⇨], poeta [⇨], myśliciel [⇨]. . Jeden z największych mistrzów renesansu [⇨] i wczesnego baroku. Jego prace uchodziły za najwyższe osiągnięcia sztuki renesansowej za życia samego mistrza. Michał Anioł żył prawie 89 lat, całą epokę, od renesansu do początków kontrreformacji. W tym okresie wymieniono trzynastu papieży – dla dziewięciu z nich wykonał rozkazy.
Stworzenie Adama
Sąd Ostateczny
i Raphael Santi (1483-1520). wybitny włoski malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.
- Szkoła Ateńska
-Madonna Sykstyńska
- Transformacja
- Cudowny ogrodnik
Późny renesans
Późny renesans we Włoszech obejmuje okres od 1530 do 1590-1620. Kontrreformacja zatriumfowała w Europie Południowej ( kontrreformacja(łac. Kontrareformacja; z przeciwnie- przeciw i reformacja- transformacja, reformacja) - katolicki ruch polityczno-kościelny w Europie połowy XVI-XVII w., skierowany przeciwko reformacji i mający na celu przywrócenie pozycji i prestiżu Kościołowi rzymskokatolickiemu), który z ostrożnością przyglądał się wszystkim wolnej myśli, w tym śpiewu ludzkiego ciała i zmartwychwstania ideałów starożytności jako fundamentów ideologii renesansu. Sprzeczności światopoglądowe i ogólne poczucie kryzysu zaowocowały we Florencji sztuką „nerwową” o daleko idących barwach i łamanych liniach – maniery. W Parmie, gdzie pracował Correggio, manieryzm osiągnął dopiero po śmierci artysty w 1534 roku. Tradycje artystyczne Wenecji miały własną logikę rozwoju; do końca lat 70. XVI wieku pracował tam Palladio (prawdziwe nazwisko Andrea di Pietro). wielki włoski architekt późnego renesansu i manieryzmu.( Manieryzm(z włoskiego maniera, sposób) - zachodnioeuropejski styl literacki i artystyczny XVI - pierwsza tercja XVII wieku. Charakteryzuje się utratą renesansowej harmonii między ciałem i duchem, naturą i człowiekiem. Założyciel palladianizmu ( Palladianizm lub Architektura palladiańska- wczesna forma klasycyzmu, wyrosła z pomysłów włoskiego architekta Andrei Palladio (1508-1580). Styl opiera się na ścisłym przestrzeganiu symetrii, uwzględnianiu perspektyw i zapożyczaniu zasad klasycznej architektury świątynnej starożytnej Grecji i Rzymu). I klasycyzm. Prawdopodobnie najbardziej wpływowy architekt w historii.
Pierwszym samodzielnym dziełem Andrei Palladio, jako utalentowanego projektanta i utalentowanego architekta, jest Bazylika w Vicenzy, w której zamanifestował się jego oryginalny, niepowtarzalny talent.
Wśród domów wiejskich najwybitniejszym dziełem mistrza jest Villa Rotunda. Andrea Palladio zbudował go w Vicenzy dla emerytowanego urzędnika Watykanu. Godny uwagi jest fakt, że jest to pierwsza świecka budowla renesansu, zbudowana w formie starożytnej świątyni.
Innym przykładem jest Palazzo Chiericati, który o tyle nietypowy, że pierwsze piętro budynku zostało niemal w całości oddane do użytku publicznego, co było zgodne z wymogami ówczesnych władz miejskich.
Wśród słynnych budowli urbanistycznych Palladio na uwagę zasługuje Teatr Olimpico, zaprojektowany w stylu amfiteatru.
Tycjan ( Tycjan Vecellio) Malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu. Imię Tycjana dorównuje takim renesansowym artystom jak Michał Anioł, Leonardo da Vinci i Rafael. Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął jako portrecista. Zlecali go królowie i papieże, kardynałowie, książęta i książęta. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, gdy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.
Z miejsca urodzenia (Pieve di Cadore w prowincji Belluno, Republika Wenecka) jest czasami określany jako da Cadore; znany również jako Tycjan Boski.
- Wniebowstąpienie Marii Panny
- Bachus i Ariadne
- Diana i Akteon
- Wenus Urbino
- Porwanie Europy
których twórczość miała niewiele wspólnego ze zjawiskami kryzysowymi w sztuce Florencji i Rzymu.
Włochy to kraj, który od zawsze słynął ze swoich artystów. Wielcy mistrzowie, którzy kiedyś mieszkali we Włoszech, wychwalali sztukę na całym świecie. Z całą pewnością można powiedzieć, że gdyby nie włoscy artyści, rzeźbiarze i architekci, świat wyglądałby dziś zupełnie inaczej. Pod uwagę brana jest oczywiście najważniejsza w sztuce włoskiej. Włochy w okresie renesansu lub renesansu osiągnęły bezprecedensowy wzrost i dobrobyt. Utalentowani artyści, rzeźbiarze, wynalazcy, prawdziwi geniusze, którzy pojawili się w tamtych czasach, są nadal znani każdemu uczniowi w wieku szkolnym. Ich sztuka, kreatywność, pomysły, osiągnięcia są dziś uważane za klasykę, rdzeń, na którym zbudowana jest światowa sztuka i kultura.
Jednym z najsłynniejszych geniuszy włoskiego renesansu jest oczywiście wielki Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci był tak uzdolniony, że odniósł wielki sukces w wielu dziedzinach działalności, w tym w sztukach wizualnych i nauce. Innym znanym artystą, który jest uznanym mistrzem, jest Sandro Botticellego(1445-1510). Obrazy Botticellego są prawdziwym darem dla ludzkości. Dziś jego gęste znajdują się w najsłynniejszych muzeach świata i są naprawdę bezcenne. Nie mniej znany niż Leonardo da Vinci i Botticelli Rafael Santi(1483-1520), który żył 38 lat iw tym czasie zdołał stworzyć całą warstwę oszałamiającego malarstwa, które stało się jednym z najjaśniejszych przykładów wczesnego renesansu. Kolejnym wielkim geniuszem włoskiego renesansu jest bez wątpienia Michał Anioł Buonarotti(1475-1564). Oprócz malarstwa Michał Anioł zajmował się rzeźbą, architekturą i poezją, osiągając wspaniałe wyniki w tych sztukach. Posąg Michała Anioła zwany „Dawidem” uważany jest za niezrównane arcydzieło, przykład najwyższego osiągnięcia sztuki rzeźbiarskiej.
Oprócz wyżej wymienionych artystów największymi artystami Włoch renesansu byli tacy mistrzowie jak Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i inne. Wszystkie były doskonałym przykładem zachwycającej weneckiej szkoły malarskiej. Do florenckiej szkoły malarstwa włoskiego należą tacy artyści jak: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.
Aby wymienić wszystkich artystów, którzy pracowali w okresie renesansu, a także w późnym renesansie i wieki później, którzy stali się znani całemu światu i gloryfikowali sztukę malarstwa, opracowali podstawowe zasady i prawa, które leżą u podstaw wszystkich rodzajów i gatunków sztuk pięknych, być może napisanie tego zajmie kilka tomów, ale ta lista wystarczy, aby zrozumieć, że Wielcy Włoscy Artyści są tą samą sztuką, którą znamy, którą kochamy i którą będziemy doceniać na zawsze!
Obrazy wielkich włoskich artystów
Andrea Mantegna - Fresk w Camera degli Sposi
Giorgione - Trzej Filozofowie
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Nicolas Poussin - Wielkoduszność Scypiona
Paolo Veronese - Bitwa pod Lepanto
Renesans - czas rozkwitu intelektualnego we Włoszech, który wpłynął na rozwój ludzkości. Ten wspaniały czas rozpoczął się w XIV wieku i zaczął podupadać w XVI wieku. Nie sposób znaleźć jednego obszaru działalności człowieka, który nie zostałby dotknięty renesansem. Rozkwit kultury ludzkiej, twórczości, sztuki, nauki. Polityka, filozofia, literatura, architektura, malarstwo – wszystko to nabrało nowego oddechu i zaczęło się rozwijać w niezwykle szybkim tempie. Większość największych artystów, którzy pozostawili w swoich pracach wieczną pamięć o sobie i rozwinęli większość zasad i praw malarstwa, żyła i tworzyła w tym czasie. Renesans stał się dla ludzi powiewem świeżego powietrza i początkiem nowego życia, prawdziwą rewolucją kulturalną. Zawaliły się zasady życia w średniowieczu i człowiek zaczął dążyć do wysokości, jakby realizując swoje prawdziwe przeznaczenie na Ziemi - tworzyć i rozwijać.
Odrodzenie to nic innego jak powrót do wartości z przeszłości. Na nowo przemyślano wartości z przeszłości, w tym takie jak wiara i szczera miłość do sztuki, tworzenia, tworzenia. Świadomość człowieka we wszechświecie: człowiek jako korona natury, korona boskiego stworzenia, który sam jest stwórcą.
Do najsłynniejszych artystów renesansu należą Alberti, Michał Anioł, Raphael, Albrecht Dürer i wielu innych. Swoją pracą wyrazili ogólną koncepcję wszechświata, koncepcję pochodzenia człowieka, która opierała się na religii i mitach. Można powiedzieć, że właśnie wtedy pojawiła się chęć artystów do nauki tworzenia realistycznego obrazu człowieka, natury, rzeczy, a także zjawisk niematerialnych – uczuć, emocji, nastrojów itp. Początkowo Florencja była uważana za centrum renesansu, ale w XVI wieku zdobyła Wenecję. To właśnie w Wenecji ulokowani byli najważniejsi dobroczyńcy czy mecenasi renesansu, tacy jak Medyceusze, papieże i inni.
Nie ulega wątpliwości, że renesans wpłynął na rozwój całej ludzkości w każdym tego słowa znaczeniu. Dzieła sztuki tamtych czasów wciąż należą do najdroższych, a ich autorzy na zawsze zapisali się w historii. Renesansowe obrazy i rzeźby uważane są za bezcenne arcydzieła i nadal są przewodnikiem i przykładem dla każdego artysty. Wyjątkowa sztuka zachwyca swoim pięknem i głębią intencji. Każdy człowiek musi wiedzieć o tym niezwykłym czasie, który był w historii naszej przeszłości, bez którego spuścizny nie sposób wyobrazić sobie naszej teraźniejszości i przyszłości.
Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)
Rafael Santi - Madonna
W trudnych dla Włoch czasach rozpoczyna się krótki „złoty wiek” włoskiego renesansu - tak zwany wysoki renesans, najwyższy punkt rozkwitu włoskiej sztuki. Wysoki renesans zbiegł się zatem z okresem zaciekłej walki miast włoskich o niepodległość. Sztuka tego czasu była przesiąknięta humanizmem, wiarą w twórcze moce człowieka, w nieskończoność jego możliwości, w racjonalny układ świata, w triumf postępu. W sztuce na pierwszy plan wysunęły się problemy obywatelskiego obowiązku, wysokich walorów moralnych, wyczynu, obrazu pięknego, harmonijnie rozwiniętego, silnego duchem i ciałem bohatera, któremu udało się wznieść ponad poziom codzienności. Poszukiwanie takiego ideału doprowadziło sztukę do syntezy, uogólnienia, do ujawnienia ogólnych wzorców zjawisk, do identyfikacji ich logicznego powiązania. Sztuka wysokiego renesansu wyrzeka się szczegółów, drobnych szczegółów w imię uogólnionego obrazu, w imię dążenia do harmonijnej syntezy pięknych aspektów życia. Jest to jedna z głównych różnic między renesansem wysokim a wczesnym.
Leonardo da Vinci (1452-1519) był pierwszym artystą, który wizualnie uosabiał tę różnicę. Pierwszym nauczycielem Leonarda był Andrea Verrocchio. Postać anioła na obrazie nauczyciela „Chrzest” już wyraźnie pokazuje różnicę w postrzeganiu świata przez artystę minionej epoki i nowej epoki: brak czołowej płaskości Verrocchio, najlepsze modelowanie światła i cienia wielkość i niezwykła duchowość obrazu. . Do czasu opuszczenia warsztatu Verrocchio badacze przypisują „Madonnę z kwiatem” („Madonna Benois”, jak ją wcześniej nazywano, imieniem właścicieli). W tym okresie Leonardo był niewątpliwie przez pewien czas pod wpływem Botticellego. Od lat 80-tych XV wieku. zachowały się dwie niedokończone kompozycje Leonarda: „Adoracja Trzech Króli” i „Św. Hieronim”. Prawdopodobnie w połowie lat 80. powstała również Madonna Litta w starej technice temperowej, w obrazie której znalazł wyraz typ kobiecej urody Leonarda: ciężkie na wpół opadające powieki i ledwo wyczuwalny uśmiech nadają twarzy Madonny szczególnej duchowości .
Łącząc zasady naukowe i twórcze, posiadając logiczne i artystyczne myślenie, Leonardo przez całe życie zajmował się badaniami naukowymi, a także sztukami pięknymi; rozkojarzony, wydawał się powolny i pozostawił kilka dzieł sztuki. Na dworze w Mediolanie Leonardo pracował jako artysta, technik naukowy, wynalazca, matematyk i anatom. Pierwszym ważnym dziełem, jakie wykonał w Mediolanie, była Madonna of the Rocks (lub Madonna in the Grotto). Jest to pierwszy monumentalny ołtarz renesansowy, który jest również interesujący, ponieważ w pełni oddawał cechy malarstwa Leonarda.
Największym dziełem Leonarda w Mediolanie, najwyższym osiągnięciem jego sztuki było namalowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie na fabule Ostatniej Wieczerzy (1495-1498). Chrystus spotyka się po raz ostatni na obiedzie ze swoimi uczniami, aby ogłosić im zdradę jednego z nich. Dla Leonarda sztuka i nauka istniały nierozłącznie. Zajmując się sztuką, prowadził badania naukowe, eksperymenty, obserwacje, przechodził przez perspektywę w dziedzinie optyki i fizyki, przez problematykę proporcji - w anatomię i matematykę itp. Ostatnia Wieczerza zamyka cały etap w twórczości artysty. badania naukowe. To także nowy etap w sztuce.
Od studiowania anatomii, geometrii, fortyfikacji, melioracji, językoznawstwa, wersyfikacji, muzyki, Leonardo oderwał się od pracy nad „Koniem” – pomnikiem konnym Francesco Sforzy, dla którego przede wszystkim przyjechał do Mediolanu i który wystąpił w pełnym wymiarze na początku lat 90. w glinie. Pomnik nie miał być wykonany z brązu: w 1499 roku Francuzi najechali Mediolan, a gaskońscy kusznicy zestrzelili pomnik konny. Od 1499 roku rozpoczynają się lata wędrówek Leonarda: Mantua, Wenecja i wreszcie rodzinne miasto artysty - Florencja, gdzie maluje tekturę „Św. Anna z Maryją na kolanach”, według której tworzy obraz olejny w Mediolanie (dokąd wrócił w 1506)
We Florencji Leonardo rozpoczął kolejne dzieło malarskie: portret żony kupca del Giocondo Mona Lisa, który stał się jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie.
Portret Mony Lisy Giocondy to decydujący krok w rozwoju sztuki renesansowej
Po raz pierwszy gatunek portretowy zrównał się z kompozycjami o tematyce religijnej i mitologicznej. Przy wszystkich niepodważalnych podobieństwach fizjonomicznych portrety Quattrocento wyróżniały, jeśli nie zewnętrzne, to wewnętrzne ograniczenia. Majestat Monet Lisy komunikuje już jedno porównanie jej mocno wysuniętej do krawędzi płótna, zaakcentowanej trójwymiarowej postaci z krajobrazem ze skałami i strumieniami widocznymi jakby z daleka, topniejącymi, ponętnymi, nieuchwytnymi, a przez to ze wszystkimi rzeczywistość motywu, fantastyczna.
Leonardo w 1515 roku na sugestię francuskiego króla Franciszka I wyjeżdża do Francji na zawsze.
Leonardo był największym artystą swoich czasów, geniuszem, który otwierał nowe horyzonty sztuki. Pozostawił po sobie kilka prac, ale każdy z nich był etapem w historii kultury. Leonardo jest również znany jako wszechstronny naukowiec. Jego odkrycia naukowe, na przykład badania w dziedzinie samolotów, są interesujące w naszej epoce astronautyki. Tysiące stron rękopisów Leonarda, obejmujących dosłownie wszystkie dziedziny wiedzy, świadczą o uniwersalności jego geniuszu.
Idee monumentalnej sztuki renesansu, w której łączyły się tradycje starożytności z duchem chrześcijaństwa, znalazły najżywszy wyraz w twórczości Rafaela (1483-1520). W jego sztuce dojrzałe rozwiązanie znalazły dwa główne zadania: plastyczna doskonałość ludzkiego ciała, wyrażająca wewnętrzną harmonię wszechstronnie rozwiniętej osobowości, w której Rafał podążał za antykiem, oraz złożona wielofigurowa kompozycja, która oddaje całą różnorodność świat. Rafael wzbogacił te możliwości, osiągając niesamowitą swobodę w obrazowaniu przestrzeni i poruszania się w niej postaci ludzkiej, nienaganną harmonię między środowiskiem a człowiekiem.
Żaden z mistrzów renesansu nie dostrzegł tak głęboko i naturalnie pogańskiej istoty starożytności jak Rafael; nie bez powodu uważany jest za artystę, który najpełniej połączył starożytne tradycje ze sztuką zachodnioeuropejską nowej epoki.
Rafael Santi urodził się w 1483 r. w mieście Urbino, jednym z ośrodków kultury artystycznej we Włoszech, na dworze księcia Urbino, w rodzinie nadwornego malarza i poety, który był pierwszym nauczycielem przyszłego mistrza
Wczesny okres twórczości Rafaela doskonale charakteryzuje się małym obrazem w formie tondo „Madonna Conestabile”, z jego prostotą i zwięzłością ściśle dobranych detali (przy całej nieśmiałości kompozycji) oraz szczególnym, nieodłącznym dla wszystkich Rafaela dzieła, subtelny liryzm i poczucie spokoju. W 1500 roku Rafael wyjechał z Urbino do Perugii, aby studiować w pracowni słynnego umbryjskiego artysty Perugino, pod którego wpływem powstało Zaręczyny Maryi (1504). Poczucie rytmu, proporcjonalność mas plastycznych, odstępy przestrzenne, stosunek figur i tła, koordynacja tonów głównych (w „Zaręczynach” są to złote, czerwone i zielone w połączeniu z jasnoniebieskim tłem nieba ) i stworzyć harmonię, która pojawia się już we wczesnych pracach Rafaela i odróżnia go od artystów poprzedniego czasu.
Przez całe życie Rafael szuka tego obrazu w Madonnie, jego liczne prace, interpretujące wizerunek Madonny, przyniosły mu światową sławę. Zasługą artysty jest przede wszystkim to, że udało mu się ucieleśnić wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć w idei macierzyństwa, połączyć liryzm i głęboką emocjonalność z monumentalną wielkością. Widać to we wszystkich jego Madonnach, poczynając od młodzieńczo nieśmiałej Madonny Conestabile: w Madonnie w Zieleni, Madonnie ze Szczygiełem, Madonnie na Krześle, a zwłaszcza u szczytu ducha i umiejętności Rafaela - w Madonna Sykstyńska.
„Madonna Sykstyńska” to jedno z najdoskonalszych językowo dzieł Rafaela: postać Maryi z Dzieciątkiem, stricte majacząca na tle nieba, łączy wspólny rytm ruchu z postaciami św. U dołu kompozycji znajdują się barbarzyńcy i papież Sykstus II, którego gesty zwracają się ku Madonnie, a także widoki dwóch aniołów (bardziej przypominających charakterystyczne dla renesansu putta). Postacie łączy wspólny złoty kolor, jakby uosabiał Boski blask. Ale najważniejszy jest typ twarzy Madonny, który ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego, tak charakterystycznego dla światopoglądu wysokiego renesansu.
Madonna Sykstyńska to późniejsze dzieło Rafaela.
Na początku XVI wieku. Rzym staje się głównym ośrodkiem kulturalnym Włoch. Sztuka wysokiego renesansu osiąga swój szczyt w tym mieście, gdzie z woli protekcjonalnych papieży Juliusza II i Leona X pracują jednocześnie tacy artyści jak Bramante, Michał Anioł i Rafael.
Rafael maluje dwie pierwsze zwrotki. W Stanza della Senyatura (sala podpisów, pieczęci) namalował cztery alegoryczne freski przedstawiające główne dziedziny duchowej działalności człowieka: filozofię, poezję, teologię i prawoznawstwo („Szkoła Ateńska”, „Parnas”, „Spór ”, „Miara, mądrość i siła”. W drugiej sali, zwanej „strofą Eliodora”, Rafael namalował freski o tematyce historycznej i legendarnej wychwalające papieży Rzymu: „Wypędzenie Eliodora”
W sztuce średniowiecza i wczesnego renesansu powszechne było przedstawianie nauk i sztuki w postaci pojedynczych alegorycznych postaci. Raphael rozwiązywał te wątki w postaci wielopostaciowych kompozycji, niekiedy reprezentujących prawdziwe portrety grupowe, interesujące zarówno ze względu na swoją indywidualizację, jak i typowość.
Uczniowie pomagali także Rafałowi w malowaniu loggii watykańskich przylegających do pokoi papieskich, malowanych według jego szkiców i pod jego nadzorem motywami antycznych ornamentów, czerpanych głównie z nowo odkrytych antycznych grot (stąd nazwa „groteski” ).
Rafael wykonywał utwory różnych gatunków. Jego dar dekoratora, a także reżysera, gawędziarza w pełni zamanifestował się w serii ośmiu tekturowych gobelinów do Kaplicy Sykstyńskiej ze scenami z życia apostołów Piotra i Pawła (np. „Cudowny połów ryb” ). Te obrazy w XVI-XVIII wieku. był swego rodzaju standardem dla klasyków.
Rafał był także największym portrecistą swojej epoki. („Papież Juliusz II”, „Leo X”, przyjaciel artysty, pisarz Castiglione, piękna „Donna Velata” itp.). A w jego portretach z reguły dominuje wewnętrzna równowaga i harmonia.
Pod koniec życia Raphael był przeciążony rozmaitymi pracami i zamówieniami. Trudno sobie nawet wyobrazić, żeby to wszystko mogła zrobić jedna osoba. Był centralną postacią w życiu artystycznym Rzymu, po śmierci Bramantego (1514) został głównym architektem katedry św. Piotr był odpowiedzialny za wykopaliska archeologiczne w Rzymie i okolicach oraz ochronę starożytnych zabytków.
Rafał zmarł w 1520 r.; jego przedwczesna śmierć była nieoczekiwana dla współczesnych. Jego prochy są pochowane w Panteonie.
Trzeci co do wielkości mistrz wysokiego renesansu - Michał Anioł - znacznie przeżył Leonarda i Rafaela. Pierwsza połowa jego kariery przypada na okres rozkwitu sztuki wysokiego renesansu, a druga na czas kontrreformacji i początek kształtowania się sztuki barokowej. Z genialnej konstelacji artystów doby renesansu Michał Anioł przewyższał ich wszystkich bogactwem obrazów, obywatelskim patosem i wrażliwością na zmiany nastrojów publicznych. Stąd twórcze ucieleśnienie upadku idei renesansowych.
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) W 1488 roku we Florencji zaczął uważnie studiować starożytny plastik. Jego płaskorzeźba „Bitwa centaurów” jest już wytworem wysokiego renesansu pod względem wewnętrznej harmonii. W 1496 roku młody artysta wyjeżdża do Rzymu, gdzie tworzy swoje pierwsze dzieła, które przyniosły mu sławę: „Bachus” i „Pieta”. Dosłownie uchwycone przez obrazy starożytności. "Pieta" - otwiera szereg prac mistrza na ten temat i stawia go wśród pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech.
Wracając do Florencji w 1501 r. Michał Anioł w imieniu Signorii podjął się wyrzeźbienia postaci Dawida z marmurowego bloku zepsutego przed nim przez pechowego rzeźbiarza. W 1504 r. Michał Anioł ukończył słynny posąg, zwany przez Florentczyków „olbrzymem” i umieszczony przez nich przed Palazzo Vecchia, ratuszem. Otwarcie pomnika przekształciło się w uroczystość narodową. Wizerunek Dawida zainspirował wielu artystów Quattrocento. Ale nie jako chłopca, jak w Donatello i Verrocchio, Michał Anioł przedstawia go, ale jako młodzieńca w kwiecie wieku, a nie po bitwie, z głową olbrzyma u jego stóp, ale przed bitwą, na moment największego wysiłku. W pięknym wizerunku Dawida, w jego surowej twarzy, rzeźbiarz oddał tytaniczną moc namiętności, nieugiętą wolę, odwagę obywatelską i bezgraniczną moc wolnego człowieka.
W 1504 r. Michał Anioł (jak już wspomniano w związku z Leonardem) rozpoczyna prace nad obrazem „Sali Pięciuset” w Palazzo Signoria
W 1505 roku papież Juliusz II zaprosił Michała Anioła do Rzymu, aby zbudował dla siebie grobowiec, ale potem odmówił zamówienia i zamówił mniej okazałe malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim.
Michał Anioł pracował sam nad malowaniem sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w latach 1508-1512, malując powierzchnię około 600 metrów kwadratowych. m (48x13 m) na wysokości 18 m.
Michał Anioł poświęcił środkową część sufitu scenom z historii świętej, począwszy od stworzenia świata. Kompozycje te otoczone są malowanym w ten sam sposób gzymsem, ale tworzącym iluzję architektury, i przedzielone, także malowniczymi, prętami. Malownicze prostokąty podkreślają i wzbogacają prawdziwą architekturę sufitu. Pod malowniczym gzymsem Michał Anioł namalował proroków i sybille (każda postać ma około trzech metrów), w lunetach (łuki nad oknami) przedstawił epizody z Biblii i przodków Chrystusa jako zwykłych ludzi zajętych codziennymi sprawami.
Dziewięć centralnych kompozycji przedstawia wydarzenia z pierwszych dni stworzenia, historię Adama i Ewy, globalny potop, a wszystkie te sceny są w istocie hymnem do człowieka, osadzonym w nim. Juliusz II zmarł wkrótce po zakończeniu prac w Sykstynie, a jego spadkobiercy powrócili do idei nagrobka. W latach 1513-1516. Michał Anioł wykonuje na tym nagrobku figurę Mojżesza i niewolników (więźniów). Wizerunek Mojżesza jest jednym z najsilniejszych w dziele dojrzałego mistrza. Zainwestował w niego marzenie mądrego, odważnego przywódcy, pełnego tytanicznej siły, ekspresji, cech woli, tak niezbędnych wówczas dla zjednoczenia ojczyzny. Postaci niewolników nie zostały uwzględnione w ostatecznej wersji grobowca.
Od 1520 do 1534 Michał Anioł pracuje nad jednym z najważniejszych i najtragiczniejszych dzieł rzeźbiarskich - nad grobem Medyceuszy (florencki kościół San Lorenzo), wyrażającym wszystkie doświadczenia, jakie w tym okresie przypadły na los mistrza siebie, jego rodzinne miasto i cały kraj jako całość. Od końca lat dwudziestych Włochy są dosłownie rozdzierane przez wrogów zarówno zewnętrznych, jak i wewnętrznych. W 1527 wynajęci żołnierze złupili Rzym, protestanci splądrowali katolickie kapliczki Wiecznego Miasta. Burżuazja florencka obala Medyceuszy, którzy rządzili ponownie od 1510 roku.
W nastroju poważnego pesymizmu, w stanie narastającej głębokiej religijności, Michał Anioł pracuje nad grobem Medyceuszy. On sam buduje dobudówkę florenckiego kościoła San Lorenzo - małe, ale bardzo wysokie pomieszczenie, nakryte kopułą, i zdobi dwie ściany zakrystii (jej wnętrze) rzeźbiarskimi nagrobkami. Jedna ściana ozdobiona jest postacią Lorenza, przeciwną - Giuliano, a u dołu u ich stóp umieszczone są sarkofagi, ozdobione alegorią rzeźbiarską - symbolami ulotnego czasu: „Poranek” i „Wieczór” - w nagrobku św. Lorenzo, „Noce i dzień” - na nagrobku Giuliano.
Oba obrazy - Lorenzo i Giuliano - nie mają podobieństwa do portretu, tym samym różnią się od tradycyjnych decyzji z XV wieku.
Zaraz po wyborze Paweł III zaczął natarczywie domagać się od Michała Anioła realizacji tego planu, a w 1534, przerywając prace nad grobem, które ukończył dopiero w 1545, Michał Anioł wyjechał do Rzymu, gdzie rozpoczął swoje drugie dzieło w Sykstynie. Kaplica - do obrazu „Sąd Ostateczny” (1535-1541) - wspaniałe dzieło, które wyrażało tragedię rodzaju ludzkiego. Cechy nowego systemu artystycznego ujawniły się jeszcze wyraźniej w tym dziele Michała Anioła. W centrum kompozycji umieszczony jest sąd twórczy, karzący Chrystus, a wokół niego, w ruchu obrotowym okrężnym, ukazani są grzesznicy upadający do piekła, sprawiedliwi wstępujący do raju, umarli powstający z grobów na sąd Boży. Wszystko jest pełne grozy, rozpaczy, złości, zamieszania.
Malarz, rzeźbiarz, poeta Michał Anioł był także genialnym architektem. Wykonał schody florenckiej biblioteki Laurenziana, obramował plac Capitol w Rzymie, wzniósł bramy Piusa (Porta Pia), od 1546 roku pracuje nad katedrą św. Peter, rozpoczęty przez Bramante. Michał Anioł jest właścicielem rysunku i rysunku kopuły, który został wykonany po śmierci mistrza i nadal jest jedną z głównych dominant w panoramie miasta.
Michał Anioł zmarł w Rzymie w wieku 89 lat. Jego ciało wywieziono w nocy do Florencji i pochowano w najstarszym kościele w jego rodzinnym mieście Santa Croce. Trudno przecenić historyczne znaczenie sztuki Michała Anioła, jej wpływ na współczesność i kolejne epoki. Niektórzy zagraniczni badacze interpretują go jako pierwszego artystę i architekta baroku. Ale przede wszystkim jest interesujący jako nosiciel wielkich realistycznych tradycji renesansu.
George Barbarelli da Castelfranco, nazywany Giorgione (1477-1510), jest bezpośrednim naśladowcą swojego nauczyciela i typowym artystą renesansu. Jako pierwszy na ziemi weneckiej zwrócił się ku wątkom literackim, tematom mitologicznym. Krajobraz, przyroda i piękne nagie ludzkie ciało stały się dla niego przedmiotem sztuki i przedmiotem kultu.
Już w pierwszym znanym dziele „Madonna z Castelfranco” (ok. 1505) Giorgione pojawia się jako artysta o ugruntowanej pozycji; obraz Madonny jest pełen poezji, zamyślonego marzenia sennego, przesiąknięty tym nastrojem smutku, charakterystycznym dla wszystkich kobiecych wizerunków Giorgione. W ciągu ostatnich pięciu lat życia artysta stworzył swoje najlepsze prace, wykonane w technice olejnej, głównej wówczas w szkole weneckiej. . Na obrazie z 1506 roku „Burza” Giorgione przedstawia człowieka jako część natury. Kobiety karmiącej dziecko, młodzieńca z laską (który można pomylić z wojownikiem z halabardą) nie łączy żadne działanie, ale łączy w tym majestatycznym krajobrazie wspólny nastrój, wspólny stan umysłu. Duchowość i poezja przenikają obraz „Śpiącej Wenus” (ok. 1508-1510). Jej ciało pisze się łatwo, swobodnie, z wdziękiem i nie bez powodu badacze mówią o „muzykalności” rytmów Giorgione; nie jest pozbawiona zmysłowego uroku. "Koncert wiejski" (1508-1510)
Tycjan Vecellio (1477?-1576) - największy artysta weneckiego renesansu. Tworzył prace zarówno o tematyce mitologicznej, jak i chrześcijańskiej, pracował w gatunku portretowym, jego talent kolorystyczny jest wyjątkowy, inwencja kompozytorska niewyczerpana, a szczęśliwa długowieczność pozwoliła mu pozostawić po sobie bogate dziedzictwo twórcze, które wywarło ogromny wpływ na potomność.
Już w 1516 został pierwszym malarzem republiki, od lat 20. - najsłynniejszym artystą Wenecji
Około 1520 roku książę Ferrary zamówił u niego cykl obrazów, w których Tycjan pojawia się jako śpiewak starożytności, któremu udało się wyczuć, a co najważniejsze, ucieleśnić ducha pogaństwa (Bachanał, Święto Wenus, Bachus i Ariadna).
Zamożni weneccy patrycjusze zamawiają ołtarze Tycjan, a on tworzy ogromne ikony: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Madonna Pesaro”
„Wprowadzenie Marii do świątyni” (ok. 1538), „Wenus” (ok. 1538)
(portret grupowy papieża Pawła III z bratankami Ottavio i Aleksandrem Farnesem, 1545-1546)
Nadal dużo pisze na tematy antyczne („Wenus i Adonis”, „Pasterz i nimfa”, „Diana i Akteon”, „Jowisz i Antyopa”), ale coraz częściej sięga po tematy chrześcijańskie, do scen męczeństwo, w którym pogańska radość, antyczna harmonia zostaje zastąpiona tragicznym światopoglądem („Biczowanie Chrystusa”, „Pokutująca Maria Magdalena”, „Św. Sebastian”, „Lamentacja”),
Ale pod koniec stulecia rysy zbliżającej się nowej ery w sztuce, nowego kierunku artystycznego, są już tutaj oczywiste. Widać to w twórczości dwóch głównych artystów drugiej połowy tego wieku – Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto.
Paolo Cagliari, nazywany Veronese (pochodził z Werony, 1528-1588), miał zostać ostatnim śpiewakiem świątecznej, radosnej Wenecji XVI wieku.
: „Uczta w Domu Lewiego” „Małżeństwo w Kanie Galilejskiej” dla refektarza klasztoru San George Maggiore
Jacopo Robusti, znany w sztuce jako Tintoretto (1518-1594) („barwiarz „tintoretto”: ojciec artysty był farbiarzem jedwabiu). „Cud św. Marka” (1548)
(„Salvation of Arsinoe”, 1555), „Wejście do świątyni” (1555),
Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro w Piombino, Villa Rotonda w Vicenzy, ukończona po jego śmierci przez studentów według jego projektu, wiele budynków w Vicenzy). Efektem jego badań nad starożytnością była książka „Starożytności rzymskie” (1554), „Cztery księgi o architekturze” (1570-1581), ale starożytność była dla niego „żywym organizmem”, według rzetelnej obserwacji badacza.
Holenderski renesans w malarstwie zaczyna się od „Ołtarza Gandawskiego” braci Huberta (zm. 1426) i Jana (ok. 1390-1441) van Eycka, ukończonego przez Jana van Eycka w 1432 r. Van Eyckowie udoskonalili swoją technikę olejną: olej ją wykonał możliwe do oddania blasku, głębi, bogactwa obiektywnego świata, przykuwającego uwagę holenderskich artystów, jego barwnym brzmieniem.
Spośród licznych Madonn Jana van Eycka najsłynniejsza jest Madonna kanclerza Rollina (ok. 1435 r.)
(„Człowiek z goździkiem”; „Człowiek w turbanie”, 1433; portret żony artysty Marguerite van Eyck, 1439
W rozwiązywaniu takich problemów sztuka holenderska wiele zawdzięcza Rogierowi van der Weydenowi (1400?-1464). Zdjęcie z krzyża jest typowym dziełem Weydena.
W drugiej połowie XV wieku. stanowi dzieło mistrza o wyjątkowym talencie Hugo van der Goesa (ok. 1435-1482) „Śmierć Maryi”).
Hieronim Bosch (1450-1516), twórca ponurych wizji mistycznych, w których również nawiązuje do średniowiecznej alegorii „Ogród rozkoszy”
Szczytem holenderskiego renesansu było niewątpliwie dzieło Pietera Bruegla Starszego, zwanego Muzhitsky (1525/30-1569) („Kuchnia Chudego”, „Kuchnia Tłuszczu”) „Pejzaż zimowy” z cyklu „ Pory roku” (inny tytuł – „Łowcy w śniegu”, 1565), „Bitwa karnawałowa i wielkopostna” (1559).
Albrechta Dürera (1471-1528).
"Święto Różańcowe" (inna nazwa to "Madonna z Różańcem", 1506), "Jeździec, Śmierć i Diabeł", 1513; „Św. Hieronim” i „Melancholia”,
Hans Holbein Młodszy (1497-1543), "Triumf śmierci" ("Taniec śmierci") portret Jane Seymour, 1536
Albrecht Altdorfer (1480-1538)
Renesansowy Lucas Cranach (1472-1553),
Jean Fouquet (ok. 1420-1481), Portret Karola VII
Jean Clouet (ok. 1485/88-1541), syn Francois Clouet (ok. 1516-1572) jest najważniejszym malarzem francuskim XVI wieku. portret Elżbiety Austriackiej, ok. 1571 (portret Henryka II, Marii Stuart itp.)
