Renesans spowodował głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury - filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która coraz bardziej uniezależnia się od religii, przestaje być „sługą teologii”, choć do pełnej niezależności jest jeszcze daleka. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odżywają nauki starożytnych myślicieli, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył we Florencji Akademię Platońską, tłumacząc dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W okresie renesansu, według Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządzi na europejskich uniwersytetach”.
Wraz ze starożytnymi naukami filozofia naturalna czyli filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich pracach rozwijają się myśli, że filozofia nie powinna studiować Boga nadprzyrodzonego, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą poznania jest doświadczenie i obserwacja, a nie objawienie Boże, że człowiek jest częścią natury.
Rozpowszechnianie naturalnych poglądów filozoficznych ułatwiło: naukowy odkrycia. Najważniejszym z nich był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w wyobrażeniach o świecie.
Należy jednak zauważyć, że poglądy naukowe i filozoficzne tamtych czasów wciąż pozostają pod wyraźnym wpływem religii i teologii. Takie poglądy często przybierają formę panteizm, w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, ale rozpływa się w naturze, jest z nią utożsamiany. Do tego trzeba jeszcze dodać wpływy tzw. nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.
Renesans przyniósł najistotniejsze zmiany w kultura artystyczna, sztuka. To na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i najbardziej radykalne.
W średniowieczu sztuka była w dużej mierze stosowana w przyrodzie, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W renesansie sztuka po raz pierwszy nabiera samoistnej wartości, staje się samodzielnym obszarem piękna. Jednocześnie po raz pierwszy w spostrzegającym widzu powstaje uczucie czysto artystyczne, estetyczne, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki dla niej samej, a nie dla celu, któremu służy.
Jeszcze nigdy sztuka nie cieszyła się tak wysokim zaszczytem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji twórczość artysty w swoim społecznym znaczeniu była zauważalnie gorsza od działalności polityka i obywatela. Jeszcze skromniejsze miejsce zajmował artysta w starożytnym Rzymie.
Ale już miejsce i rola artysty w społeczeństwie rosną niezmiernie. Po raz pierwszy jest uważany za niezależnego i szanowanego profesjonalistę, naukowca i myśliciela, wyjątkową indywidualność. W renesansie sztuka jest postrzegana jako jeden z najpotężniejszych środków poznania iw tym zakresie jest utożsamiana z nauką. Leonardo da Vinci uważa naukę i sztukę za dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo to nauka i prawowita córka natury”.
Jeszcze bardziej ceniona sztuka jako kreatywność. Pod względem zdolności twórczych renesansowy artysta utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. To wyjaśnia, dlaczego Raphael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów Komedia Dantego była również nazywana „Boską”.
Sama sztuka przechodzi głębokie zmiany. Dokonuje decydującego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do realistycznego obrazu i wiarygodnego obrazu. Środki artystycznego wyrazu stają się nowe. Opierają się teraz na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka we wszystkim dąży do bycia wiernym rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.
Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj są dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Są też wielkie nazwiska w innych krajach, ale Włochy są poza konkurencją.
We włoskim renesansie zwykle wyróżnia się kilka etapów:
- Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek.
- Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
- Wysoki renesans: koniec XV wieku - pierwsza tercja XVI wieku
- Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.
Głównymi postaciami protorenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).
Los poddał Dantemu wiele prób. Był prześladowany za udział w walce politycznej, tułał się, zginął na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Czasami nazywany jest ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą epoki nowożytnej. Te dwa początki - stary i nowy - są w jego twórczości bardzo ściśle splecione.
Pierwsze utwory Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne poematy miłosne o treści poświęconej jego ukochanej Beatrycze, którą poznał kiedyś we Florencji i zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował miłość na całe życie. W swoim gatunku teksty Dantego są zgodne ze średniowieczną poezją dworską, w której przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażane przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnionymi szczerym ciepłem, naznaczonymi wyjątkową indywidualnością.
Zwieńczeniem pracy Dantego było: "Boska Komedia”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. W swojej konstrukcji wiersz ten również wpisuje się w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafił w zaświaty. Wiersz składa się z trzech części - Piekło, Czyściec i Raj, z których każda zawiera 33 pieśni napisane w trzywierszowych zwrotkach.
Powtarzana liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej doktryny o Trójcy. W toku narracji Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie wpuszcza do raju swego towarzysza z dziewięciu kręgów piekielnych i czyśćcowych – rzymskiego poety Wergiliusza, bo poganina takiego prawa jest pozbawiona. Tutaj poecie towarzyszy jego zmarła ukochana Beatrice.
Jednak w jego myślach i osądach, w jego stosunku do portretowanych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco nie zgadza się z nauką chrześcijańską. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu, mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest włączona w samą naturę życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paolo ze zrozumieniem i sympatią. chociaż ich miłość jest związana ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje w Dantem także przy innych okazjach.
Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarka. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swojego sonety. Był jednocześnie myślicielem, filozofem i historykiem o szerokim zasięgu. Jest słusznie uważany za twórcę całej kultury renesansowej.
Dzieło Petrarki częściowo wpisuje się również w ramy średniowiecznych liryki dworskiej. Podobnie jak Dante, miał kochankę Laurę, której zadedykował swoją „Księgę pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa więzy z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia - miłość, ból, rozpacz, tęsknota - wydają się znacznie ostrzejsze i bardziej nagie. Mają silniejszy osobisty charakter.
Innym wybitnym przedstawicielem literatury był: Giovanni Boccaccio(1313-1375). światowej sławy autor Dekameron". Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.
Głównymi bohaterami powieści są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie zawierają nudnego moralizatorstwa, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie mieni się miłością do życia i zabawy. Fabuły niektórych z nich mają charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, które jest uważane za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.
Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego protorenesansu w sztukach wizualnych. Jego głównym gatunkiem były freski. Wszystkie są napisane na tematy biblijne i mitologiczne, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów, świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje początek renesansu. W swojej pracy Giotto porzuca średniowieczne konwencje i zwraca się ku realizmowi i wiarygodności. To dla niego doceniana jest zasługa odrodzenia malarstwa jako wartości artystycznej samej w sobie.
W jego pracach krajobraz naturalny jest dość realistycznie przedstawiony, na którym wyraźnie widoczne są drzewa, skały i świątynie. Wszystkie postacie uczestniczące, w tym sami święci, jawią się jako ludzie żyjący, obdarzeni fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta charakteryzują się jasną kolorystyką i malowniczością, delikatną plastycznością.
Głównym dziełem Giotta jest obraz Chapel del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Najmocniejsze wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny „Ucieczka do Egiptu”, „Pocałunek Judasza”, „Lamentacja Chrystusa”.
Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i autentycznie. Pozycja ich ciał, gesty, stan emocjonalny, poglądy, twarze - wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego ściśle odpowiada przypisanej mu roli. Każda scena ma niepowtarzalny klimat.
Tak więc w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” wypełniony jest burzliwym dynamizmem, ostrymi i zdecydowanymi akcjami bohaterów, którzy dosłownie zmagali się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – Judasz i Chrystus – zamarli bez ruchu i walczyli oczami.
Szczególnym dramatem odznacza się scena „Lamentacja Chrystusa”. Przepełnia go tragiczna rozpacz, nieznośny ból i cierpienie, niepocieszony żal i smutek.
Ostatecznie zatwierdzono wczesny renesans nowe estetyczne i artystyczne zasady sztuki. Jednocześnie opowieści biblijne są nadal bardzo popularne. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele zostało w niej ze średniowiecza.
ojczyzna Wczesny renesans został Florencją, a „ojcami renesansu” są architekt Philippe Brunelleschi(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).
Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny pod architekturę renesansu, odkrył nowe formy, które istniały przez wieki. Zrobił wiele, aby rozwinąć prawa perspektywy.
Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną budowlą katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stało przed nim wyjątkowo trudne zadanie, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromnych rozmiarów – około 50 m średnicy. Przy pomocy oryginalnego projektu znakomicie wychodzi z trudnej sytuacji. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i niejako unosząca się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.
Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielki, prostokątny budynek, przykryty pośrodku kopułą. Wewnątrz wyłożony jest białym marmurem. Podobnie jak inne budowle Brunelleschiego, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.
Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza miejsca kultu i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest sierociniec zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.
Rzeźbiarz florencki Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w różnych gatunkach, wszędzie wykazując autentyczną innowacyjność. W swojej pracy Donatello wykorzystuje starożytne dziedzictwo, opierając się na dogłębnym studium natury, odważnie aktualizując środki artystycznego wyrazu.
Uczestniczy w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia portret rzeźbiarski i wizerunek nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Swoją pracą Donatello wywarł wielki wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.
Dążenie Donatello do idealizowania przedstawionej osoby było wyraźnie widoczne w: posąg młodego Dawida. W tej pracy David pojawia się jako młodzi, piękni, pełni sił psychicznych i fizycznych młodzieńcy. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w renesansowej rzeźbie.
Bohaterska zasada jest silna i wyraźna w figura św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatella. Tutaj udało mu się w pełni urzeczywistnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, smukły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby antycznej.
Klasycznym dziełem Donatello jest brązowa statua komtura Gattamelatty – pierwszy zabytek konny w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom artystycznego i filozoficznego uogólnienia, co zbliża tę pracę do starożytności.
W tym samym czasie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy renesansowy bohater, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczne formy, wyraźna i precyzyjna plastyczność, naturalna postawa jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.
W ostatnim okresie twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judith ukazana jest w momencie, gdy unosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.
Masaccio słusznie uważany za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy płynące z Giotta. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele zdziałał. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Według Vasariego, współczesnego renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie był tak blisko współczesnych mistrzów jak Masaccio”.
Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji, które opowiadają o epizodach z legend o św.
Chociaż freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego i mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń wydają się być ludźmi całkiem ziemskimi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkiem naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco autentycznie ukazany jest nagi młodzieniec, drżący z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję nie tylko z perspektywy linearnej, ale także powietrznej.
Z całego cyklu na szczególną uwagę zasługuje fresk „Wypędzenie z raju”. Jest prawdziwym arcydziełem malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widoczne są postaci Adama i Ewy, którzy opuścili bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupia się na Mamie i Ewie.
Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i rzetelnie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonująco i żywo wyraża się wewnętrzny stan bohaterów. Adam, który szedł szeroko, pochylił głowę ze wstydu i zakrył twarz dłońmi. Szlochając, Ewa odrzuciła w rozpaczy głowę z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.
To, co zrobił Masaccio, kontynuowali tacy artyści jak: Andrea Mantegna(1431-1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim obrazami, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba - procesja do egzekucji i sama egzekucja. Botticelli wolał malarstwo sztalugowe. Jego najsłynniejsze obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus.
Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy szczyt, Wysoki renesans. Dla Włoch ten okres był niezwykle trudny. Rozczłonkowany, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy z Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, przeżywa bezprecedensowy rozkwit. To właśnie w tym czasie tworzyli tacy tytani jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.
W architekturze początek wysokiego renesansu wiąże się z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zdeterminował rozwój architektury tego okresu.
Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci malował swój słynny fresk Ostatnia Wieczerza. Jego chwała zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), wybudowany w Rzymie i stał się rodzajem „manifestu” wysokiego renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia ją prostota środków architektonicznych, harmonia części i rzadka wyrazistość. To naprawdę małe arcydzieło.
Zwieńczeniem pracy Bramantego jest odbudowa Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Jest także właścicielem projektu Katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie wdrażać.
Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti
W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacznie od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach oparł się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm wieków późniejszych.
Szkoła wenecka działała jako ich pierwotna przeciwwaga i antypoda. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych włoskich szkół Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja do badań i eksperymentów mogła znaleźć właściwe zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze między „starymi i nowymi” artystami ci ostatni powoływali się na przykład Wenecji. Tu zaczęły się trendy, które doprowadziły do baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Veronese. W Wenecji El Greco otrzymał swoją twórczą opiekę, co pozwoliło mu zszokować hiszpańskie malarstwo. Velazquez przejechał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzkich artystach Rubensie i Van Dycku.
Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Doświadczyła wpływów północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Dürer był tu dwukrotnie - pod koniec XV wieku. i początek XVI wieku. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner słuchał tu śpiewu gondolierów (1857), pod inspiracją których napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.
Bliskość morza ewokowała płynne i ruchome formy, zamiast wyraźnych struktur geometrycznych. Wenecja pociągała nie tyle rozumowanie swoimi surowymi regułami, ile uczucia, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. W centrum tej poezji była natura – jej widzialna i odczuwalna materialność, kobieta – fascynujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z urzekających dźwięków uduchowionej natury.
Artyści szkoły weneckiej woleli nie formę i wzór, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się przekazać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w najbardziej żywym i czującym ciele.
Nie były wystarczająco realistyczne i wiarygodne. Starali się ukazać bogactwo tkwiące w samym malarstwie. To właśnie Wenecja zasługuje na odkrycie czystej zasady malowniczości, czyli malowniczości w jej najczystszej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi wykazali możliwość oddzielenia malowniczości od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązania problemów malarstwa za pomocą jednego koloru, środków czysto malarskich, możliwość potraktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i ekspresji, pójdą tą drogą. Według niektórych ekspertów można przejść od Tycjana do Rubensa i Rembrandta, potem do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne'a itd.
Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachowywał się jak prawdziwy innowator. Ostatecznie wygrywa dla niego zasada świecka, a zamiast na tematy biblijne woli pisać na tematy mitologiczne i literackie. W jego twórczości dochodzi do ustanowienia obrazu sztalugowego, który nie przypomina już ikony czy obrazu ołtarzowego.
Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, jako pierwszy zaczął malować od natury. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy zwraca uwagę na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To właśnie Giorgione zaczął szukać sekretu malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, działając jako prekursor Caravaggia i Caravaggizmu.
Giorgione stworzył dzieła o różnych gatunkach i tematach – „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było: „Śpiąca Wenus””. Ten obraz jest pozbawiony jakiejkolwiek fabuły. Śpiewa o pięknie i uroku nagiego kobiecego ciała, reprezentując „nagość dla samej nagości”.
Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansowej. Większość jego długiego życia przypada na późny renesans.
W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowacyjność Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Mają niezwykłą zmysłowość, dzięki czemu wywierają silny wpływ na widza. Twórczość Tycjana jest zaskakująco muzyczna i melodyjna.
Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem malarstwo nabrało smaku, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartym pociągnięciem pędzla, który jest jednocześnie lekki, swobodny i przezroczysty. To w jego pracach kolor niejako rozpuszcza i wchłania formę, a zasada malarska po raz pierwszy nabiera autonomii, pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości przeradza się w czarujący i subtelny liryzm.
W dziełach pierwszego okresu Tycjan wychwala beztroską radość życia, cieszenie się dobrami ziemskimi. Śpiewa o zmysłowej zasadzie, o ludzkim ciele kipiącym zdrowiem, o wiecznym pięknie ciała, o fizycznej doskonałości człowieka. To temat jego płócien, takich jak „Miłość na ziemi i niebie”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.
Na zdjęciu dominuje zmysłowy początek „Magdalena pokutująca””, choć poświęcony jest dramatycznej sytuacji. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające ciało promieniujące światłem, pełne i zmysłowe usta, zaróżowione policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przesycone jest przenikliwym liryzmem.
W utworach drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją rosnący psychologizm i dramat. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od fizycznego i zmysłowego do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne we wcielaniu wątków i wątków, do których wielki artysta odnosił się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego cierpiącego opuszczonego przez ludzi nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i fizycznym pięknem. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.
Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Ukoronowanie cierniem”, poświęcone epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywany jest w Luwrze. Chrystus pojawia się jako fizycznie przystojny i silny atleta, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W wersji monachijskiej, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam odcinek jest oddany znacznie głębiej, bardziej złożony i bardziej wymowny. Chrystus przedstawiony jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenia. Teraz najważniejsze nie jest koronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychologiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.
W późniejszych utworach Tycjana tragiczny dźwięk jest coraz bardziej nasilany. Świadczy o tym obraz „Lamentacja Chrystusa”.
Narody Europy starały się ożywić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały ludzi z powierzchni ziemi i wielkich rzeczy, które ludzie stworzyli. Idea wskrzeszenia wysokiej cywilizacji starożytnego świata zrodziła filozofię, literaturę, muzykę, powstanie nauk przyrodniczych, a przede wszystkim rozkwit sztuki. Era wymagała silnych, wykształconych ludzi, którzy nie bali się żadnej pracy. To pośród nich stało się możliwe pojawienie się tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Tych, których nazywamy tylko po imieniu.
Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj są dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów.
MUZYKA LEONARDO.
Co za szczęściarz! wielu powie o nim. Był obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki, niebieskooki. W młodości nosił blond loki, z dumną posturą przypominającą św. Jerzego Donatelli. Posiadał niespotykaną i odważną siłę, męską waleczność. Śpiewał wspaniale, na oczach publiczności komponował melodie i wiersze. Grał na każdym instrumencie muzycznym, ponadto sam je stworzył.
Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski”, „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego naukowych odkryć: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, spadochron, broń automatyczną, hełm nurkowy, windę, rozwiązał najtrudniejsze problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wymyślił sto lat wcześniej niż Galileusz wahadło zegara, narysował nurt nart wodnych, opracował teorię mechaniki.
Co za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, spektakli i świąt, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się nimi jak dziecko.
Czy jednak niestrudzony Leonardo o długiej wątrobie był szczęśliwy, który każdego dnia dawał ludziom i światu opatrzność i wgląd? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie „Ostatniej Wieczerzy”, rozstrzelanie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i podłe kradzieże jego pamiętników, zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś zachowało się tylko szesnaście obrazów. Kilka rzeźb. Ale dużo rysunków, zakodowanych rysunków: jak bohaterowie współczesnej science fiction, zmienił detal w swoim projekcie, tak jakby drugi nie mógł go użyć.
Leonardo da Vinci pracował w różnych rodzajach i gatunkach sztuki, ale największą sławę przyniosło mu malarstwo.
Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna z kwiatem lub Madonna Benois. Już tutaj artysta jawi się jako prawdziwy innowator. Pokonuje tradycyjną fabułę i nadaje obrazowi szersze, uniwersalne znaczenie, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tej pracy wyraźnie zamanifestowało się wiele cech sztuki artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętość form, pragnienie zwięzłości i uogólnienia, ekspresja psychologiczna.
Obraz „Madonna Litta” był kontynuacją rozpoczętego tematu, w którym wyraźnie zamanifestowała się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastami. Temat uzupełnił obraz „Madonna w grocie”, który stanowi idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów zlewają się z pejzażem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią.
Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk Ostatnia Wieczerza w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Praca ta imponuje nie tylko całością kompozycji, ale również dokładnością. Leonardo nie tylko przekazuje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, gdy dochodzi do punktu krytycznego, przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Ta eksplozja jest spowodowana słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. W tej pracy Leonardo w pełni wykorzystał metodę konkretnego zestawienia postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.
Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mona Lisy, czyli „La Gioconda”. Praca ta położyła podwaliny pod gatunek portretu psychologicznego w sztuce europejskiej. Tworząc go, wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków artystycznego wyrazu: ostre kontrasty i miękkie podteksty, zamrożony bezruch i ogólną płynność i zmienność, najsubtelniejsze psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niesamowicie żywym spojrzeniu Mona Lisy, jej tajemniczym i enigmatycznym uśmiechu, mistycznej mgiełce spowijającej krajobraz. Ta praca jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.
Każdy, kto widział Giocondę przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta minuty ich całkowitej głuchoty przy tym małym płótnie, napięcie wszystkiego najlepszego w sobie. Gioconda wydawała się być „Marsjaninem”, reprezentantem nieznanego – musi to być przyszłość, a nie przeszłość ludzkiego plemienia, ucieleśnienie harmonii, o której świat nie znudzi się i nigdy nie znudzi się marzeniami .
Można o nim powiedzieć znacznie więcej. Zaskoczony, że to nie jest fikcja ani fantazja. Tutaj na przykład możemy przypomnieć, jak zaproponował przeniesienie katedry San Giovanni – takie dzieło zadziwia nas, mieszkańców XX wieku.
Leonardo powiedział: „Dobry artysta musi umieć namalować dwie główne rzeczy: osobę i reprezentację jego duszy. A może mówi się o „Kolumbinie” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają to, a nie płótno Luwru, „La Gioconda”.
Chłopiec Nardo, bo tak nazywał się Vinci: nieślubny syn notariusza, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na Ziemi. Kochany przez wszystkich i samotny, zginający stalowe miecze i rysujący wisielców. Wymyślił most przez Bosfor i idealne miasto, piękniejsze niż te Corbusiera i Niemeyera. Śpiewanie miękkim barytonem i sprawianie, że Mona Lisa się uśmiecha. W jednym z ostatnich zeszytów ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczyłem się umierać”. Jednak potem podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.
Czy można nie zgodzić się z Leonardo?
SANDRO BOTTICELLI.
Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skór.
Za pierwsze oryginalne dzieło Botticellego uważa się Adorację Trzech Króli (około 1740 r.), w której główna właściwość jego oryginalnego manier, senność i subtelna poezja, już w pełni wpłynęła. Był obdarzony wrodzonym wyczuciem poezji, ale wyraźny dotyk kontemplacyjnego smutku przeświecał przez niego dosłownie we wszystkim. Nawet św. Sebastian, dręczony strzałami swoich oprawców, patrzy na niego z namysłem iz dystansem.
Pod koniec lat 70. XIV wieku Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zebrało się społeczeństwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej oświeconych i utalentowanych we Florencji. Byli filozofowie, poeci, muzycy. Panowała atmosfera podziwu dla piękna, w którym ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Starożytność, postrzegana jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych, uważana była za pierwowzór idealnej sztuki i idealnego życia. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery powstał pierwszy duży obraz Botticellego „Primavera (Wiosna)”. To zjawiskowa, wykwintna, cudownie piękna alegoria odwiecznego cyklu, nieustannego odnawiania się natury. Przenika go najbardziej złożony i kapryśny rytm muzyczny. Figura Flory, ozdobiona kwiatami, tańczącymi wdziękami w Ogrodzie Eden, była obrazami piękna, które w tamtych czasach nie było jeszcze widziane i dlatego robiło szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął poczesne miejsce wśród mistrzów swoich czasów.
To dzięki wysokiej renomie młodego malarza otrzymał zamówienie na biblijne freski do watykańskiej Kaplicy Sykstyńskiej, które stworzył na początku lat 80. XVIII wieku w Rzymie. Malował „Sceny z życia Mojżesza”, „Karę Koracha, Datana i Awirona”, wykazując niesamowitą kunszt kompozytorski. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle których Botticelli rozgrywał akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ciał ludzkich jest złożony, zawiły, przesycony wybuchową siłą; ma się wrażenie rozchwiania harmonii, bezbronności widzialnego świata wobec gwałtownego naporu czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyrażały głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem nasilał się. Niesamowity talent Botticellego jako portrecisty znalazł odzwierciedlenie w tych freskach: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana ...
W latach 80. XIX wieku, po powrocie do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale pogodna klarowność „Przykładów” była już daleko w tyle. W połowie dekady napisał swoje słynne Narodziny Wenus. W późnych dziełach mistrza badacze zauważają moralizm, egzaltację religijną, która była dla niego wcześniej niezwykła.
Być może ważniejsze niż późne malarstwo, rysunki Botticellego z lat 90. są ilustracjami do Boskiej komedii Dantego. Malował z oczywistą i nieukrywaną rozkoszą; wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością przekazuje doskonałość proporcji licznych postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana zaradność w poszukiwaniu wizualnych ekwiwalentów słowa poetyckiego...
Mimo wszelkich mentalnych burz i kryzysów Botticelli do samego końca (zmarł w 1510 r.) pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki. Świadczy o tym dobitnie wymodelowanie twarzy w „Portrecie młodzieńca”, wyrazista charakterystyka modelki, nie pozostawiająca wątpliwości co do jej wysokiej godności ludzkiej, solidny rysunek mistrza i jego życzliwy wygląd.
Pierwsi prekursorzy sztuki renesansowej pojawili się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (głównie) Giotto
(1267-1337), tworząc płótna o tradycyjnych motywach religijnych, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystując pejzaż w tle, co pozwoliło im uczynić obrazy bardziej realistycznymi i żywymi. To ostro odróżniało ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, nasyconej konwencjami obrazu.
Termin ten jest używany w odniesieniu do ich pracy. Protorenesans (1300 – „Trecento”)
.
Giotto di Bondone
(ok. 1267-1337) - włoski malarz i architekt epoki protorenesansu. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy bizantyjską tradycję malarstwa ikon, stał się prawdziwym twórcą włoskiej szkoły malarskiej, wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.
Wczesny renesans (XIV w. - „Quattrocento”).
Na początku XV wieku Filippo Brunelleschi
(1377-1446), florencki uczony i architekt.
Brunelleschi chciał, aby percepcja rekonstruowanych przez niego terminów i teatrów była bardziej wizualna i starał się tworzyć z jego planów geometrycznie perspektywiczne obrazy z pewnego punktu widzenia. W tych poszukiwaniach bezpośrednia perspektywa.
Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie obrazu.
_________Kolejnym ważnym krokiem w kierunku renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i pejzaż stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - renesansowi artyści zaczęli uważać swoje postaci za bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.
Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - słynny włoski malarz, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.
 |
| Fresk. Cud ze staterem. |
 |
| Obraz. ukrzyżowanie. |
 |
| Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo |
Sandro Botticellego(1445-1510) - wybitny malarz włoski, przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa.
 |
| Wiosna. |
 |
| Narodziny Wenus. |
Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastał najwyższy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI wieku.
Pracuje Sansowino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) - włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.
 |
| autoportret |
 |
| Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków |
 |
| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Muzeum Ermitażu. |
 |
| Madonna Benois (Madonna z kwiatkiem). 1478-1480 |
 |
| Madonna z goździkiem. 1478 |
W swoim życiu Leonardo da Vinci wykonał tysiące notatek i rysunków dotyczących anatomii, ale nie opublikował swojej pracy. Dokonując autopsji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał strukturę szkieletu i narządów wewnętrznych, w tym drobne szczegóły. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa, praca naukowa da Vinci wyprzedziła swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższyła słynną anatomię Greya.
Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:
spadochronzamek olescovo,rower, tAnkh, jalekkie mosty przenośne dla wojska, pprojektor, doatapulta, robot, dteleskop Vohlenza.
Później te innowacje zostały opracowane Rafael Santi (1483-1520) - wybitny malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.
| Autoportret. 1483 |
Michał Anioł di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - włoski rzeźbiarz, malarz, architekt, poeta, myśliciel.
Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego pełne są heroicznego patosu i zarazem tragicznego odczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i potęgę człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.
Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej dalszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.
Jednak artysta potrafił realizować swoje najwspanialsze plany właśnie w malarstwie, gdzie działał jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Z polecenia papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 figur. W latach 1534-1541 w tej samej Kaplicy Sykstyńskiej dla papieża Pawła III wykonał wspaniały, dramatyczny fresk Sąd Ostateczny.
Kaplica Sykstyńska 3D.
Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia się zainteresowaniem krajobrazem, poetyzacją fabuły. Obaj artyści osiągnęli duże umiejętności w sztuce portretowania, za pomocą których przekazali charakter i bogaty wewnętrzny świat swoich postaci.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – włoski artysta, przedstawiciel weneckiej szkoły malarskiej.
 |
||||
| Śpiąca Wenus. 1510 |
 |
| Judyta. 1504 |
Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął jako portrecista. Zlecali go królowie i papieże, kardynałowie, książęta i książęta. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, gdy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.
 |
| Autoportret. 1567 |
 |
| Wenus Urbinskaja. 1538 |
 |
| Portret Tommaso Mostiego. 1520 |
Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez wojska cesarskie w 1527 r. renesans włoski wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości nieżyjącego Rafaela zarysowuje się nowa linia artystyczna, zwana manieryzm.
Epokę tę charakteryzują przerysowane i łamane linie, wydłużone, a nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowanie kaustycznej skali chromatycznej, przeładowana kompozycja itp. maniery pierwszych mistrzów Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
mieszkał i pracował na dworze książąt rodu Medici we Florencji. Później moda manierystyczna rozprzestrzeniła się we Włoszech i poza nią.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540,) włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.
 |
| Autoportret. 1540 |
 |
| Portret kobiety. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.
Manieryzm został zastąpiony sztuką w latach 90. XX wieku barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).
Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.
 |
| Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore, Wenecja. |
El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych zwolenników, a jego geniusz został ponownie odkryty prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w warsztacie Tycjana, jednak jego technika malarska różni się znacznie od jego nauczyciela. Prace El Greco cechuje szybkość i ekspresja wykonania, co zbliża je do współczesnego malarstwa.
 |
| Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Kolekcja prywatna. |
 |
| Trójca. 1579 Prado. |
Nazwiska artystów renesansu od dawna były otoczone powszechnym uznaniem. Wiele osądów i ocen na ich temat stało się aksjomatami. A jednak ich krytyczne traktowanie jest nie tylko prawem, ale i obowiązkiem historii sztuki. Dopiero wtedy ich sztuka zachowuje swoje prawdziwe znaczenie dla potomności.
Spośród renesansowych mistrzów połowy i drugiej połowy XV wieku należy zwrócić uwagę na czterech: Piero della Francesca, Mantegna, Botticellego, Leonarda da Vinci. Byli rówieśnikami powszechnego establishmentu seniorów, zajmowali się dworami książęcymi, ale to nie znaczy, że ich sztuka jest całkowicie książęca. Brali od panów to, co mogli im dać, zapłacili talentem i gorliwością, ale pozostali spadkobiercami „ojców renesansu”, pamiętali o ich nakazach, powiększali swoje osiągnięcia, starali się ich prześcignąć, a nawet przewyższać ich czasem. W ciągu lat reakcji, stopniowo postępującej we Włoszech, stworzyli niezwykłą sztukę.
Piero della Francesca
Piero della Francesca był do niedawna najmniej znanym i rozpoznawanym. Słusznie zauważono wpływ na Piero della Froncesca florenckich mistrzów z początku XV wieku, a także jego wzajemny wpływ na jego współczesnych i następców, zwłaszcza na szkołę wenecką. Jednak wyjątkowa, wybitna pozycja Piero della Francesca w malarstwie włoskim wciąż nie jest dostatecznie poznana. Przypuszczalnie z biegiem czasu jego rozpoznawalność będzie tylko rosła.
Piero della Francesca (ok. 1420-1492) Włoski artysta i teoretyk, przedstawiciel wczesnego renesansu
Piero della Francesca był właścicielem wszystkich osiągnięć „nowej sztuki” stworzonej przez Florentczyków, ale nie pozostał we Florencji, lecz wrócił do ojczyzny, na prowincję. To uchroniło go od gustów patrycjuszy. Swoim talentem zdobył sobie sławę, otrzymywał rozkazy od książąt, a nawet kurii papieskiej. Ale nie został nadwornym malarzem. Zawsze pozostawał wierny sobie, swojemu powołaniu, swojej czarującej muzie. Ze wszystkich jemu współczesnych jest jedynym artystą, który nie znał niezgody, dwoistości, niebezpieczeństwa ześlizgnięcia się na złą drogę. Nigdy nie starał się konkurować z rzeźbą, uciekać się do rzeźbiarskich czy graficznych środków wyrazu. Wszystko jest powiedziane w jego języku malarstwa.
Jego największym i najpiękniejszym dziełem jest cykl fresków na temat „Historia Krzyża” w Arezzo (1452-1466). Prace prowadzono zgodnie z wolą miejscowego kupca Bacci. Niewykluczone, że w opracowaniu programu brał udział duchowny, wykonawca testamentu zmarłego. Piero della Francesca oparł się na tak zwanej „Złotej Legendzie” J. da Voragine. Miał też poprzedników wśród artystów. Ale główny pomysł oczywiście należał do niego. Wyraźnie pokazuje mądrość, dojrzałość i poetycką wrażliwość artysty.
Chyba jedyny cykl malarski we Włoszech w tamtych czasach, Historia Krzyża, ma podwójne znaczenie. Z jednej strony tutaj przedstawione jest wszystko to, co jest powiedziane w legendzie o tym, jak wyrosło drzewo, z którego strzaskano krzyż kalwaryjski, jak później objawiła się jego cudowna moc. Ale ponieważ poszczególne obrazy nie są ułożone chronologicznie, to dosłowne znaczenie schodzi na dalszy plan. Artysta zaaranżował obrazy w taki sposób, aby dawały wyobrażenie o różnych formach ludzkiego życia: o patriarchalnym – w scenie śmierci Adama i w przeniesieniu krzyża przez Herakliusza, o świeckim, dworskim , miasto - w scenach Królowej Saby i Znalezienia Krzyża, wreszcie o bitwie wojskowej - w "Zwycięstwie Konstantyna" i "Zwycięstwie Herakliusza". W istocie Piero della Francesca obejmował prawie wszystkie aspekty życia. Jego cykl obejmował: historię, legendę, sposób życia, pracę, obrazy przyrody i portrety współczesnych. W mieście Arezzo, w kościele San Francesco, podległym politycznie Florencji, okazał się najwybitniejszym cyklem fresków włoskiego renesansu.
Sztuka Piero della Francesca jest bardziej realna niż idealna. Króluje w nim rozsądny początek, ale nie racjonalność, zdolna zagłuszyć głos serca. I pod tym względem Piero della Francesca uosabia najjaśniejsze, najbardziej owocne siły renesansu.
Andrea Mantegna
Nazwa Mantegna kojarzy się z ideą artysty humanisty zakochanego w starożytności rzymskiej, uzbrojonego w rozległą wiedzę z zakresu archeologii antycznej. Całe życie służył książętom Mantua d "Este, był ich nadwornym malarzem, wypełniał ich polecenia, służył im wiernie (choć nie zawsze odpłacali mu to, na co zasłużył). Ale w głębi serca i w sztuce był niezależny, oddany do jego wysokości ideał starożytnego męstwa, fanatycznie wierny swojemu jedzeniu, aby nadać dziełom biżuterii połysk. Wymagało to ogromnego wysiłku sił duchowych. Sztuka Mantegny jest surowa, czasem okrutna do punktu bezlitosnego, a w tym różni się od sztuki Piero della Francesca i zbliża się do Donatello.
Andrea Mantegna. Autoportret w kaplicy Ovetari
Wczesne freski Mantegny w kościele Eremitani w Padwie na temat życia św. Jakub i jego męczeństwo to wspaniałe przykłady włoskiego malarstwa ściennego. Mantegna w ogóle nie myślał o stworzeniu czegoś podobnego do sztuki rzymskiej (jak malarstwo, które stało się znane na Zachodzie po wykopaliskach w Herkulanum). Jego starożytność nie jest złotym wiekiem ludzkości, ale żelaznym wiekiem cesarzy.
Śpiewa z rzymską walecznością, prawie lepiej niż sami Rzymianie. Jego bohaterowie są uzbrojeni i rzeźbiarze. Jego kamienne góry są dokładnie wyrzeźbione dłutem rzeźbiarza. Nawet chmury unoszące się po niebie wydają się być odlane z metalu. Wśród tych skamieniałości i odlewów znajdują się zaprawieni w bojach bohaterowie, odważni, surowi, niezłomni, oddani poczuciu obowiązku, sprawiedliwości, gotowi do poświęceń. Ludzie poruszają się swobodnie w przestrzeni, ale ustawiając się w rzędzie, tworzą rodzaj kamiennych płaskorzeźb. Ten świat Mantegny nie czaruje oczu, sprawia, że oziębia się serce. Ale nie można nie przyznać, że powstało pod wpływem duchowego impulsu artysty. I dlatego humanistyczna erudycja artysty, nie rady jego uczonych przyjaciół, ale jego potężna wyobraźnia, pasja połączona wolą i pewnym mistrzostwem miały tu decydujące znaczenie.
Przed nami jedno ze znaczących zjawisk w historii sztuki: wielcy mistrzowie siłą intuicji stają w zgodzie ze swymi odległymi przodkami i dokonują tego, czego artyści później nie zdołali zbadać przeszłości, ale nie byli w stanie nadrobić zaległości z tym.
Sandro Botticellego
Botticelli został odkryty przez angielskich prerafaelitów. Jednak nawet na początku XX wieku, przy całym podziwie dla swojego talentu, nie „wybaczono” mu odchyleń od ogólnie przyjętych zasad – perspektywy, światłocienia, anatomii. Następnie zdecydowano, że Botticelli powrócił do gotyku. Wulgarna socjologia podsumowała swoje własne wyjaśnienie tego: „reakcja feudalna” we Florencji. Interpretacje ikonologiczne ustaliły powiązania Botticellego z kręgiem florenckich neoplatonistów, szczególnie widoczne w jego słynnych obrazach „Wiosna” i „Narodziny Wenus”.
Autoportret Sandro Botticellego, fragment kompozycji ołtarzowej „Adoracja Trzech Króli” (ok. 1475)
Jeden z najbardziej autorytatywnych interpretatorów „Wiosny” Botticellego przyznał, że ten obraz pozostaje szaradą, labiryntem. W każdym razie można uznać za ustalone, że przy jej tworzeniu autor znał wiersz „Turniej” Poliziano, w którym śpiewana jest ukochana Giuliano Medici Simonetta Vespucci, a także starożytni poeci, w szczególności otwierające wersy o królestwie Wenus w wierszu Lukrecjusza „O naturze rzeczy”. Podobno znał też twórczość M. Vicino, którą lubił w tamtych latach we Florencji. Motywy zapożyczone ze wszystkich tych dzieł są wyraźnie widoczne w obrazie, nabytym w 1477 r. przez L. Medici, kuzyna Wawrzyńca Wspaniałego. Pozostaje jednak pytanie: jak te owoce erudycji znalazły się na obrazie? Nie ma na ten temat wiarygodnych informacji.
Czytając współczesne naukowe komentarze na temat tego obrazu, trudno uwierzyć, że sam artysta mógł tak głęboko zagłębić się w mitologiczny wątek, aby wymyślić wszelkiego rodzaju subtelności w interpretacji postaci, których nawet dziś nie można zrozumieć na chwilę obecną. spojrzenie, a w dawnych czasach najwyraźniej rozumiano je tylko w kubku Medyceuszy. Bardziej prawdopodobne jest, że skłonił ich do artysty jakiś erudyta i udało mu się sprawić, by artysta linijka po linijce przekładał serię słowną na wizualną. Najbardziej zachwycającą rzeczą w malarstwie Botticellego są pojedyncze postacie i grupy, zwłaszcza grupa trzech łask. Pomimo tego, że była reprodukowana nieskończenie wiele razy, do dziś nie straciła swojego uroku. Za każdym razem, gdy ją widzisz, doświadczasz nowego ataku podziwu. Naprawdę Botticelli zdołał poinformować swoje dzieła o wiecznej młodości. Jeden z naukowych komentarzy do obrazu sugerował, że taniec Łask wyrażał ideę harmonii i niezgody, o której często mówili florenccy neoplatonicy.
Botticelli jest właścicielem niezrównanych ilustracji do Boskiej Komedii. Ci, którzy widzieli jego kartki, nieodmiennie zapamiętają je czytając Dantego. On, jak nikt inny, był przepojony duchem wiersza Dantego. Niektóre rysunki dla Dantego mają charakter dokładnej linii graficznej wiersza. Ale najpiękniejsze są te, w których artysta wyobraża sobie i komponuje w duchu Dantego. Większość z nich jest wśród ilustracji do raju. Wydawałoby się, że malowanie raju było najtrudniejszą rzeczą dla renesansowych artystów, którzy tak kochali pachnącą ziemię, wszystko co ludzkie. Botticelli nie rezygnuje z perspektywy renesansu, od wrażeń przestrzennych, które zależą od kąta patrzenia widza. Ale w raju wznosi się do przeniesienia nieperspektywicznej istoty samych obiektów. Jego postacie są nieważkie, cienie znikają. Światło je przenika, przestrzeń istnieje poza ziemskimi współrzędnymi. Ciała wpisują się w okrąg jako symbol sfery niebieskiej.
Leonardo da Vinci
Leonardo jest jednym z powszechnie uznanych geniuszy renesansu. Wielu uważa go za pierwszego artystę tamtych czasów, w każdym razie jego imię przychodzi na myśl przede wszystkim, jeśli chodzi o wspaniałych ludzi renesansu. I dlatego tak trudno odejść od utartych opinii i bezstronnie rozważyć jego artystyczne dziedzictwo.
Autoportret, w którym Leonardo przedstawił się jako stary mędrzec. Rysunek jest przechowywany w Bibliotece Królewskiej w Turynie. 1512
Nawet współcześni byli entuzjastycznie nastawieni do uniwersalności jego osobowości. Jednak już Vasari wyraził żal, że Leonardo poświęcił więcej uwagi swoim wynalazkom naukowym i technicznym niż twórczości artystycznej. Sława Leonarda osiągnęła swój szczyt w XIX wieku. Jego osobowość stała się swego rodzaju mitem, widzieli w nim ucieleśnienie „faustowskiej zasady” całej kultury europejskiej.
Leonardo był wielkim naukowcem, wnikliwym myślicielem, pisarzem, autorem traktatu i pomysłowym inżynierem. Jego wszechstronność wzniosła go ponad poziom większości ówczesnych artystów, a jednocześnie postawił przed nim trudne zadanie – połączyć naukowe podejście analityczne ze zdolnością artysty do widzenia świata i bezpośredniego poddania się uczuciu. Zadanie to zajęło później wielu artystów i pisarzy. U Leonarda nabrała charakteru nierozwiązywalnego problemu.
Zapomnijmy na chwilę o wszystkim, co szepcze nam piękny mit o artyście-naukowcy, a my będziemy oceniać jego malarstwo tak samo, jak oceniamy malarstwo innych mistrzów jego czasów. Co wyróżnia jego prace na tle ich pracy? Przede wszystkim czujność wizji i wysoki kunszt wykonania. Noszą piętno wykwintnego rzemiosła i najlepszego smaku. Na obrazie swojego nauczyciela Verrocchio „Chrzest” młody Leonardo napisał jednego anioła tak wysublimowanego i wyrafinowanego, że obok niego piękny anioł Verrocchio wydaje się rustykalny, podstawowy. Z biegiem lat „estetyczna arystokracja” nasiliła się jeszcze bardziej w sztuce Leonarda. Nie znaczy to, że na dworach władców jego sztuka stała się dworska, dworska. W każdym razie nigdy nie można nazywać jego Madonn wieśniaczką.
Należał do tego samego pokolenia co Botticelli, ale mówił o nim z dezaprobatą, a nawet kpiąco, uważając go za zacofany. Sam Leonardo starał się kontynuować poszukiwania swoich poprzedników w sztuce. Nieograniczony przestrzenią i objętością, stawia sobie za zadanie opanowanie środowiska światła i powietrza, które otacza przedmioty. Oznaczało to kolejny krok w artystycznym pojmowaniu realnego świata, w pewnym stopniu otwierając drogę dla koloryzmu Wenecjan.
Błędem byłoby powiedzieć, że pasja do nauki ingerowała w twórczość artystyczną Leonarda. Geniusz tego człowieka był tak wielki, jego umiejętności były tak wysokie, że nawet próba „stania na gardle jego pieśni” nie mogła w nim zabić kreatywności. Jego dar jako artysta nieustannie przełamywał wszelkie ograniczenia. W jego kreacjach uwidacznia się niewątpliwa wierność oka, jasność świadomości, posłuszeństwo pędzla, wirtuozowska technika. Podbijają nas swoimi urokami jak obsesja. Każdy, kto widział „La Gioconda”, pamięta, jak trudno się od niej oderwać. W jednej z sal Luwru, gdzie znalazła się obok najlepszych arcydzieł szkoły włoskiej, triumfuje i dumnie króluje nad wszystkim, co ją otacza.
Obrazy Leonarda nie tworzą łańcucha, jak w przypadku wielu innych artystów renesansu. W jego wczesnych pracach, takich jak Madonna Benois, jest więcej ciepła i spontaniczności, ale nawet w nich eksperyment daje o sobie znać. „Adoracja” w Uffizi - i to jest doskonałe podmalowanie, pełen temperamentu, żywy obraz ludzi z czcią skierowany do eleganckiej kobiety z dzieckiem na kolanach. W Madonnie w skałach anioł, młody mężczyzna o kręconych włosach, wyglądający z obrazu, jest czarujący, ale odpycha dziwny pomysł przeniesienia sielanki w ciemność jaskini. Słynna „Ostatnia Wieczerza” zawsze zachwycała trafną charakterystyką postaci: łagodnego Jana, surowego Piotra, złoczyńcy Judasza. Jednak fakt, że tak żywe i podekscytowane postacie ustawione są po trzy w rzędzie, po jednej stronie stołu, wygląda jak nieuzasadniona konwencja, przemoc wobec żywej natury. Niemniej jednak jest to wielki Leonardo da Vinci, a skoro tak namalował obraz, to znaczy, że tak go począł i ten sakrament pozostanie na wieki.
Obserwacja i czujność, do której Leonardo wzywał artystów w swoim Traktacie, nie ograniczają się do jego możliwości twórczych. Celowo starał się pobudzić wyobraźnię, badając popękane ze starości mury, w których widz może sobie wyobrazić dowolną fabułę. Na słynnym rysunku Windsor przedstawiającym optymistyczną „Burza” Leonardo przekazuje to, co ukazało się jego oczom z jakiegoś górskiego szczytu. Seria rysunków Windsor na temat globalnej powodzi jest dowodem na naprawdę genialną intuicję artysty-myśliciela. Artysta tworzy znaki, które nie mają pojęcia, ale wywołują zdumienie pomieszane z przerażeniem. Rysunki zostały stworzone przez wielkiego mistrza w jakimś proroczym delirium. Wszystko jest w nich powiedziane ciemnym językiem wizji Jana.
Wewnętrzna niezgoda Leonarda w jego schyłkowych dniach jest widoczna w dwóch jego pracach: Luwrze „Jan Chrzciciel”, autoportrecie z Turynu. W późnym autoportrecie turyńskim artysta, który osiągnął starość, ze zmarszczonymi brwiami patrzy otwarcie na siebie w lustrze - widzi w twarzy rysy ułomności, ale widzi też mądrość, znak „jesień życia".
Malarstwo renesansowe to złoty fundusz nie tylko sztuki europejskiej, ale i światowej. Okres renesansu zastąpił ciemne średniowiecze, podporządkowane szpiku kości kanonom kościelnym i poprzedzał późniejsze Oświecenie i New Age.
Oblicz długość okresu w zależności od kraju. Era rozkwitu kulturalnego, jak to się powszechnie nazywa, rozpoczęła się we Włoszech w XIV wieku, a następnie rozprzestrzeniła się w całej Europie i osiągnęła swój punkt kulminacyjny pod koniec XV wieku. Historycy dzielą ten okres w sztuce na cztery etapy: protorenesans, wczesny, wysoki i późny renesans. Szczególną wartość i zainteresowanie ma oczywiście włoskie malarstwo renesansowe, ale nie można pominąć mistrzów francuskich, niemieckich i holenderskich. To o nich w kontekście epok renesansu artykuł będzie dalej omawiał.
Protorenesans
Okres protorenesansu trwał od drugiej połowy XIII wieku. do XIV wieku Jest ściśle związany ze średniowieczem, w późnym okresie jego powstania. Protorenesans jest prekursorem renesansu i łączy tradycje bizantyjskie, romańskie i gotyckie. Trendy nowej epoki pojawiły się przede wszystkim w rzeźbie, a dopiero później w malarstwie. Tę ostatnią reprezentowały dwie szkoły ze Sieny i Florencji.
Główną postacią tego okresu był malarz i architekt Giotto di Bondone. Reformatorem został przedstawiciel florenckiej szkoły malarskiej. Nakreślił ścieżkę, wzdłuż której dalej się rozwijał. Właśnie z tego okresu wywodzą się cechy malarstwa renesansowego. Powszechnie przyjmuje się, że Giotto zdołał przezwyciężyć w swoich pracach styl malowania ikon, wspólny dla Bizancjum i Włoch. Stworzył przestrzeń nie dwuwymiarową, ale trójwymiarową, używając światłocienia do stworzenia iluzji głębi. Na zdjęciu obraz „Pocałunek Judasza”.
Przedstawiciele szkoły florenckiej stanęli u początków renesansu i zrobili wszystko, aby wydobyć malarstwo z długiej średniowiecznej stagnacji.
Okres protorenesansu podzielony został na dwie części: przed i po jego śmierci. Do 1337 roku pracują najzdolniejsi mistrzowie i mają miejsce najważniejsze odkrycia. Po Włochy obejmuje epidemię dżumy.
Malarstwo renesansowe: krótko o wczesnym okresie
Wczesny renesans obejmuje okres 80 lat: od 1420 do 1500 roku. W tym czasie nadal nie odbiega całkowicie od dawnych tradycji i nadal kojarzy się ze sztuką średniowiecza. Jednak powiew nowych trendów jest już wyczuwalny, mistrzowie coraz częściej sięgają po elementy klasycznej starożytności. Ostatecznie artyści całkowicie porzucają średniowieczny styl i zaczynają śmiało korzystać z najlepszych przykładów kultury antycznej. Zauważ, że proces był raczej powolny, krok po kroku.
Wybitni przedstawiciele wczesnego renesansu
Twórczość włoskiego artysty Piero dela Francesca należy w całości do okresu wczesnego renesansu. Jego prace wyróżnia szlachetność, majestatyczne piękno i harmonia, dokładność perspektywy, stonowane, wypełnione światłem kolory. W ostatnich latach życia, oprócz malarstwa, studiował dogłębnie matematykę, a nawet napisał dwa własne traktaty. Inny znany malarz, Luca Signorelli, był jego uczniem, a styl ten znalazł odzwierciedlenie w twórczości wielu mistrzów umbryjskich. Na zdjęciu powyżej fragment fresku w kościele San Francesco w Arezzo „Historia królowej Saby”.
Domenico Ghirlandaio to kolejny wybitny przedstawiciel florenckiej szkoły malarstwa wczesnego renesansu. Był założycielem słynnej dynastii artystycznej i kierownikiem warsztatu, w którym zaczynał młody Michał Anioł. Ghirlandaio był znanym i odnoszącym sukcesy mistrzem, który zajmował się nie tylko malowaniem fresków (Kaplica Tornabuoni, Sykstyna), ale także malarstwem sztalugowym („Adoracja Trzech Króli”, „Narodziny”, „Stary człowiek z wnukiem”, „Portret Giovanny Tornabuoni” - na zdjęciu poniżej).
Wysoki renesans
Ten okres, w którym nastąpił wspaniały rozwój stylu, przypada na lata 1500-1527. W tym czasie centrum sztuki włoskiej przeniosło się do Rzymu z Florencji. Wynika to z objęcia tronu papieskiego ambitnego, przedsiębiorczego Juliusza II, który ściągnął na swój dwór najlepszych artystów Włoch. Rzym stał się czymś w rodzaju Aten w czasach Peryklesa i doświadczył niesamowitego rozkwitu i boomu budowlanego. Jednocześnie panuje harmonia między gałęziami sztuki: rzeźbą, architekturą i malarstwem. Połączył ich renesans. Wydają się iść w parze, uzupełniając się i oddziałując.
Starożytność została dokładniej zbadana w okresie wysokiego renesansu i odtworzona z maksymalną dokładnością, rygorem i konsekwencją. Godność i spokój zastępują kokieteryjne piękno, a średniowieczne tradycje zostały całkowicie zapomniane. Szczyt renesansu wyznaczają prace trzech największych włoskich mistrzów: Rafaela Santiego (obraz „Donna Velata” na powyższym obrazku), Michała Anioła i Leonarda da Vinci („Mona Lisa” - na pierwszym zdjęciu).
Późny renesans
Późny renesans obejmuje okres we Włoszech od 1530 do 1590-1620. Krytycy i historycy sztuki sprowadzają ówczesne dzieła do wspólnego mianownika o dużym stopniu umowności. Europa południowa znajdowała się pod wpływem triumfującej w niej kontrreformacji, która z wielkim niepokojem dostrzegała wszelką wolnomyślność, w tym wskrzeszenie ideałów starożytności.
Florencja widziała dominację manieryzmu, charakteryzującego się wymyślnymi kolorami i przerywanymi liniami. Jednak w Parmie, gdzie Correggio pracował, dostał się dopiero po śmierci mistrza. Renesansowe malarstwo weneckie okresu późnego miało własną drogę rozwoju. Palladio i Tycjan, którzy pracowali tam do lat 70. XVI wieku, są jego najjaśniejszymi przedstawicielami. Ich praca nie miała nic wspólnego z nowymi trendami w Rzymie i Florencji.
Renesans północny
Termin ten jest używany do scharakteryzowania Renesansu w całej Europie, która była poza Włochami w ogóle, aw szczególności w krajach niemieckojęzycznych. Posiada szereg funkcji. Renesans północny nie był jednorodny iw każdym kraju charakteryzował się specyficznymi cechami. Historycy sztuki dzielą ją na kilka obszarów: francuski, niemiecki, holenderski, hiszpański, polski, angielski itd.
Przebudzenie Europy przebiegało dwojako: rozwój i upowszechnienie humanistycznego świeckiego światopoglądu oraz rozwój idei odnowy tradycji religijnych. Obaj się dotykali, czasem połączyli, ale jednocześnie byli antagonistami. Włochy wybrały pierwszą drogę, a Europa Północna drugą.
Na sztukę północy, w tym malarstwo, renesans praktycznie nie miał aż do 1450 roku. Od 1500 roku rozprzestrzenił się na cały kontynent, ale w niektórych miejscach wpływy późnego gotyku zachowały się aż do nastania baroku.
Renesans północny charakteryzuje się znaczącymi wpływami stylu gotyckiego, mniejszą dbałością o badanie starożytności i anatomii człowieka oraz szczegółową i drobiazgową techniką pisania. Reformacja wywarła na niego istotny wpływ ideologiczny.
Francuski renesans północny
Najbliższe włoskiemu malarstwu jest malarstwo francuskie. Ważnym etapem był renesans kultury francuskiej. W tym czasie aktywnie umacniały się stosunki monarchiczne i burżuazyjne, idee religijne średniowiecza schodziły na dalszy plan, ustępując tendencjom humanistycznym. Przedstawiciele: Francois Quesnel, Jean Fouquet (na zdjęciu fragment dyptyku Melun mistrza), Jean Cluz, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.
Niemiecki i holenderski renesans północny
Wybitne dzieła renesansu północnego stworzyli mistrzowie niemieccy i flamandzko-holenderscy. Religia nadal odgrywała w tych krajach znaczącą rolę i wywierała silny wpływ na malarstwo. Inaczej przebiegał renesans w Holandii i Niemczech. W przeciwieństwie do dzieł włoskich mistrzów, artyści tych krajów nie stawiali człowieka w centrum wszechświata. Przez prawie cały XV wiek. przedstawili go w stylu gotyckim: lekkim i eterycznym. Najwybitniejszymi przedstawicielami holenderskiego renesansu są Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, Niemcy - Albert Dürer, Lucas Cranach Starszy, Hans Holbein, Matthias Grunewald.
Na zdjęciu autoportret A. Dürera, 1498
Pomimo tego, że dzieła mistrzów północnych znacznie różnią się od dzieł malarzy włoskich, są i tak uznawane za bezcenne eksponaty sztuki plastycznej.
Malarstwo renesansowe, jak cała kultura w ogóle, charakteryzuje się świeckim charakterem, humanizmem i tzw. antropocentryzmem, czyli nadrzędnym zainteresowaniem człowiekiem i jego działalnością. W tym okresie nastąpił prawdziwy rozkwit zainteresowania sztuką antyczną i nastąpiło jej odrodzenie. Epoka dała światu całą plejadę genialnych rzeźbiarzy, architektów, pisarzy, poetów i artystów. Nigdy wcześniej ani później kulturalny rozkwit nie był tak powszechny.
