Jeśli nie masz możliwości spędzenia przynajmniej kilku lat na dokładnym i żmudnym szkoleniu z rysunku, a następnie szczegółowego opanowania możliwości edytora, a nadal chcesz rysować... Być może te wskazówki dla początkujących pomogą Ci w najmniej unikaj oszałamiających zdjęć i oszczędzaj dużo czasu na wchodzeniu na prowizję.
Powiem od razu - jeszcze musisz nauczyć się podstaw! Ale jeśli nie masz czasu ani okazji, masz dwie możliwości: w ogóle nie rysuj lub ucz się na bieżąco. Jeśli wybrałeś to drugie, czytaj dalej.
Pamiętaj, że możesz oczywiście użyć wszystkiego, co będzie ci zabronione, ale musisz to zrobić tylko wtedy, gdy zrozumiesz, co z tym zrobić, w przeciwnym razie uderzenia z prowizji będą rosły i nie będzie rezultatu.
WSKAZÓWKA 1. Standardowe pędzle w postaci trawy, gwiazdek i innych bzdur są dla Ciebie złe na najbliższe miesiące obcowania z tabletem i Photoshopem.
To jest złe, przynajmniej dopóki nie zdasz sobie sprawy, że możesz sobie bez nich poradzić. Tymczasem ściśle pamiętamy, że w pierwszych miesiącach bliskiego kontaktu z tabletem jedynym pędzelkiem powinna być… standardowa okrągła twarda szczoteczka. Ok, może być kwadratowy, prostokątny i nie ma znaczenia jaki kształt. Solidny. Nie miękki.
Miękki pędzel oczywiście też się przydaje, ale na początek najlepiej o nim zapomnieć, lub jeśli nadal wkraczasz na niego trochę pomalować - zrób to w małych dawkach i zostaw na razie twardy pędzel jako priorytet . Przez kilka lat słyszałem tak wiele zwrotów typu „jeśli ktoś mi to powiedział”, że byłem jednoznacznie przekonany, że ta rada jest słuszna. Więc - zaufaj mi! Albo zabić.
Wielu artystów z czasem tworzy (lub pożycza od innych) własne podstawowe pędzle. Zwykle mają podarte krawędzie dla lepszego mieszania. Ale dla ciebie to wszystko jest teraz całkowicie niepotrzebne. Zapomnij o tych wszystkich pędzlach, które są pełne w Internecie. Naucz się opanować przynajmniej odrobinę sztywności okrągłej i dopiero wtedy ją komplikuj.
Jeśli chęć korzystania z innych pędzli jest zbyt duża - przejdź do Photoshopa i usuń wszystkie pędzle poza twardym, okrągłym... okej, ale nadal miękkim i zapomnij o wszystkich znanych sposobach tworzenia pędzli. Oczywiście na chwilę.
Pilnie potrzebujesz trawy, liści i motyli? Więc o co chodzi? Remis!
WSKAZÓWKA 2. Twój pierwszy rysunek lub następny, jeśli już narysowałeś, nie powinien być Twoim ulubionym kotem, psem, bratem, siostrą, mamą, tatą, ale… rozciąganiem tonów.
I… nie, nie po to, żeby ćwiczyć nacisk pióra i równość linii, ale po to, żeby nauczyć się wykonywać płynne przejścia. Większość początkujących artystów cierpi z powodu tego, że po prostu nie umie mieszać kolorów i gładkich płaszczyzn. I oczywiście najłatwiejszym i najszybszym rozwiązaniem jest użycie miękkiego pędzla, a to z kolei prowadzi do okropnych rezultatów, które następnie doprowadzają zwłaszcza artystów o słabym sercu do psychologicznej traumy. Dobra, ostatni to żart, ale fakt pozostaje. Dlatego zanim zaczniesz rysować, niezależnie od tego, czy jest to pożądane, czy nie, zdecydowanie musisz nauczyć się jednej prostej, ale szalenie przydatnej techniki.
Więc z tego:
Dostaniemy to:
Cóż, kolorem zajmiemy się później.
Tak więc najbardziej optymalnym i skutecznym sposobem mieszania kolorów i tworzenia płynnego przejścia jest użycie twardego pędzla, ponieważ pozwala on na tworzenie wielu przejść i zachowanie „klarowności” obrazu, co nadaje mu życia. Miękki pędzelek pozwala na pozornie płynniejsze przejścia:
Ale taka gładkość rzadko jest korzystna. Przydaje się do tworzenia ogólnej objętości tła, ale cokolwiek by powiedzieć, przyglądając się uważnie, można zauważyć, że pojawia się wrażenie rozmycia, a gdy tę metodę zastosuje się do rysunku, na przykład portretu twoja siostra, wtedy wszystko wygląda znacznie gorzej.
Oczywiście od Ciebie zależy, która opcja najbardziej Ci się podoba i najlepiej, aby móc używać obu, ale musisz wiedzieć, kiedy możesz użyć miękkiej szczoteczki, a kiedy nie. W międzyczasie wciąż tego dobrze nie znamy – najlepiej posłuchać mądrych ciotek i wujków, którymi potrząsam jak dojrzałym drzewem i robić tak, jak mówią.
Zacznijmy więc rozciąganie.
Aby wykonać tak proste naciągnięcie, musisz uzbroić się w twardą, okrągłą szczoteczkę. Osobiście wolę wyłączyć reakcję nacisku pisaka dla pędzla bazowego, co określiłoby grubość linii, ale reakcja na przezroczystość jest właśnie taka. Ale to już amator. Uważam, że dzięki ustawieniom Photoshopa każdy może się zaprzyjaźnić, jeśli nie jest zbyt leniwy. I porozmawiam o czymś innym.
1. Tak więc bierzemy czerń i malujemy nią ponad połowę naszego rysunku. Cóż, lub w przybliżeniu część, która Twoim zdaniem będzie ... cieniem.
2. Teraz bierzemy i zmniejszamy Opacity (Opacity) i Flow (Press) pędzla (znajdują się na górze menu) do około 40-50%. Im niższa wartość Opacity, tym bardziej przezroczysty będzie nasz kolor, a jeśli narysujesz linię, to przez nią widoczna będzie również dolna warstwa koloru. Zasadniczo krycie można porównać do gęstości farby. Im wyższa wartość, tym większe pokrycie. Wartość przepływu określa gęstość „przepływu”. Z grubsza mówiąc, łącząc te dwa parametry, można uzyskać różne efekty z pędzla bez wchodzenia w inne jego ustawienia. Wróćmy jednak do naszych owiec.
Tak więc wybranym czarnym kolorem malujemy ponad połowę koloru białego. Co więcej, należy to zrobić jednym ruchem, bez odrywania pióra. Jeśli go oderwiesz, to poprzednie pociągnięcie pokryje ten już narysowany, a blendowanie nastąpi tam, gdzie go nie potrzebujemy. Teraz bierzemy nowy wynikowy kolor za pomocą pipety i malujemy nim pół czerni. W efekcie otrzymamy coś takiego:
3. Następnie zmniejszamy średnicę pędzla, myślę, że rozumiesz dlaczego? I bierzemy wynikowy kolor po lewej (na białym) i malujemy go na pół na biało, a następnie robimy to samo z czernią. I otrzymujemy coś takiego:
4. Myślę, że to jasne, co robimy dalej? Zaczynamy chodzić od lewej do prawej lub od prawej do lewej (w zależności od tego, co jest wygodniejsze dla każdego) i biorąc kolor, malujemy ponad połowę sąsiedniego. Następnie bierzemy pozostały kawałek niepomalowanego koloru i malujemy kolejny kawałek o połowę i tak dalej. Ogólnie rzecz biorąc, robiliśmy coś takiego jak rozciąganie.
Miejscami jest krzywe, ale zrobiłem to wyłącznie jako przykład techniki.
5. Teraz zmniejszamy krycie do 15-30% - to już zależy od osobistych priorytetów, na przykład używam zwykle w granicach 20% lub więcej, jeśli działa tryb nacisku pisaka dla pędzla, i nadal robimy to samo. Znowu i znowu. Ogólnie rzecz biorąc, ta lekcja jest przeznaczona wyłącznie do szkolenia. W rezultacie sam dowiesz się, jak najlepiej tworzyć przejścia. Jaki nacisk wybrać, jak nakładać kolory. A wszystko to tylko pomoże zrozumieć. Jest mało prawdopodobne, abyś był zboczony tak po prostu, ale czasami będzie to potrzebne.
W efekcie otrzymamy coś takiego:
Kiedy już wymyślisz to proste zadanie, radzę spróbować w przyszłości przetłumaczyć Krycie i Przepływ na nacisk pióra. I naucz się pracować w ten sposób. Po pierwsze skróci to przynajmniej czas na ciągłe rozpraszanie się zmieniające parametry, a po drugie nauczysz się bardziej subtelnie manipulować naciskiem podczas rysowania, co już samo w sobie jest fajne!
Omówmy teraz rozciąganie kolorów. Tutaj wszystko jest zasadniczo takie samo. Są tylko dwa sposoby na rozciąganie. A dokładniej, nie tak. Metoda nadal ta sama, ale działania są nieco inne, a wynik jest… inny.
Opcja 1. Przejście od jednego koloru do drugiego z pominięciem kolorów pośrednich. Ta metoda jest podobna do rozciągania czarno-białego jeden do jednego.
Jednak nie jest to zbyt dobre w przypadkach, gdy kolory na kole kolorów są daleko od siebie. I, jak widać, kolor w punkcie mieszania „zawodzi” na szary, co czasami nie jest zbyt dobre dla obrazu i może w przyszłości prowadzić do „brudu”, ale może być wygodne dla tła, gdzie kolory powinny być mniej nasycone niż plan frontowy.
Opcja 2. Przejście od jednego koloru do drugiego poprzez kolory pośrednie w kole kolorów. Tutaj esencja jest taka sama, ale dodajemy kolory znajdujące się pomiędzy naszymi dwoma głównymi. Nie będę wyjaśniał, czym jest koło kolorów i co oznacza kolor pośredni. Przeczytaj teorię kolorów, a znajdziesz wiele przydatnych informacji. Z czasem nauczysz się dodawać kilka kolorów pośrednich na raz podczas procesu mieszania. W rzeczywistości tak dzieje się rysowanie - przez dodawanie i mieszanie różnych kolorów. Odkrył Amerykę, prawda? Ale teraz postaramy się zrobić to w prosty sposób, abyś zrozumiał, jak to wszystko działa.
Więc najpierw podzielimy nasz rysunek na pół na żółty i fioletowy. Następnie otwórz paletę i weź kolor gdzieś pośrodku tych kolorów, a z Kryciem 50% pomaluj w połowie żółty i w połowie fioletowy. Voila i otrzymujemy dwa kolory pośrednie.
A teraz najciekawsze! Otwórz paletę i przeprowadź cały odcinek zakraplaczem. Najpierw na pierwszym, a potem na drugim. Naprawdę interesujące? Przechodzimy przez ten sam zakres, ALE w drugim przypadku kolory są bardziej nasycone i jaśniejsze. I to świetnie, prawda? Dodając kolor pośredni, ożywiliśmy nasz odcinek i nie było to wcale trudne.
Pamiętaj o tym, a Twoje rysunki natychmiast staną się bardziej żywe. To oczywiście jest trudne do wdrożenia od razu, ale z biegiem czasu wszystko się ułoży i wszystko się ułoży. Najważniejszą rzeczą do zapamiętania podczas rysowania.
Pewien aspirujący artysta poprosił mnie o nagranie filmu przedstawiającego odcinek, ponieważ proste kroki mu nie wystarczały. Po raz pierwszy trzymał w dłoni długopis i nigdy nie pracował z Photoshopem. Nagrałem krótki film, który pokazuje, jak wykonałem te ćwiczenia. To bardzo proste, ale ten rodzaj treningu pisaka jest bardzo przydatny, zwłaszcza podczas pracy z kolorem. Byłoby wspaniale, gdyby ustawić krycie i przepływ na nacisk pisaka po uruchomieniu. Nawiasem mówiąc, w tym przypadku nie musisz obniżać tych parametrów bardzo nisko. Widać to na filmie. Prawie cały czas używam krycia 50%.
Komputer (CG) artysta tworzący swoje prace wyłącznie na komputerze jest osobą wszechstronnie rozwiniętą, ponieważ do tworzenia obrazów cyfrowych potrzebna jest duża wiedza techniczna. To odróżnia go od zwykłych malarzy, którzy nie potrzebują zbędnych narzędzi innych niż płótno, pędzle i farby.
1. Uważa się, że każdy artysta musi mieć talent. Jednak wszyscy znani graficy i malarze twierdzą, że na sukces składa się tylko jeden procent talentu, pozostałe 99% to pracowitość i praca. Tak więc, biorąc jeden procent jako pierwotną wartość, możesz zrozumieć, że artysta wymaga dużo wysiłku, aby móc tworzyć, pokonując wszystkie pojawiające się trudności, lenistwo i wiele innych rozrywek.
Tylko nieustanne szkolenie umożliwia realizację Twojego talentu.
2. Artysta komputerowy, jak każdy inny malarz, musi posiadać podstawy rysunku i malarstwa akademickiego. Musi mieć jędrną, pełną rękę, dobrze rozwinięty zmysł kompozycji i oka, a także prawidłową percepcję barw. Tylko dzięki starannemu szkoleniu możliwe jest osiągnięcie mistrzostwa zawodowego w rysunku.
3. Do kompetentnego wykonywania obrazów cyfrowych, oprócz klasycznych podstaw rysunku i malarstwa, wymagana jest również dodatkowa wiedza, taka jak język obcy i opanowanie specjalnych programów graficznych. Bez tych umiejętności rysowanie nie sprawi przyjemności, a jedynie stanie się "duże obciążenie".
4. Oczywiście do tworzenia grafiki komputerowej, zwłaszcza do obrazów trójwymiarowych i animowanych, potrzebny jest dość wydajny komputer.
5. Idealnie skalibrowany monitor z doskonałą reprodukcją kolorów i wysoką rozdzielczością to warunek konieczny.
6. Aby zrealizować swój potencjał twórczy jako artysta CG, będziesz potrzebować dodatkowych urządzeń, takich jak mysz komputerowa, tablety graficzne, skaner i aparat cyfrowy.
Pracując w programach wektorowych wystarczy mysz optyczna.
Aby uzyskać dokładniejsze i bardziej złożone rysunki, będziesz potrzebować tablet lub jest również nazywany . Tablety graficzne mają te same formaty co papier - od A6 do A3. W przypadku profesjonalnej grafiki komputerowej używany jest największy format.
Do pracy z digitizerem potrzebny jest specjalny długopis w kształcie zwykłego długopisu. Ten kursor jest również nazywany rysikiem. Tablet graficzny umożliwia wykonanie rysunku jak najbardziej zbliżonego do narysowanego obrazu na zwykłym papierze, mistrzowsko wykonana praca może być nie do odróżnienia od własnoręcznej kreacji.
Zasada działania z wykorzystaniem digitizera jest taka sama jak na zwykłej kartce papieru, jednak „” w tym przypadku pełni rolę urządzenia graficznego, a utworzony obraz pojawia się w pliku i jest wyświetlany na monitorze.
Sam digitizer jest często bardziej wartościowy dla artysty niż sam komputer.
Pomocnicze urządzenia wejściowe są skaner I kamera. Często łatwiej i lepiej jest narysować szkic na papierze, a następnie przenieść go do formatu elektronicznego. Aby stworzyć niezbędne zdjęcia z natury (referencje), na ratunek przychodzi niezbędny pomocnik - aparat fotograficzny.
Istnieją już bardziej zaawansowane i droższe urządzenia, np. na których obraz tworzony jest na ekranie, a pióro ma atrament. W przypadku profesjonalnego malowania cyfrowego takie urządzenie jest znacznie wygodniejsze niż zwykły tablet.
7. Również artysta komputerowy w swojej pracy czasami potrzebuje drukarka. Do drukowania dużych formatów będziesz potrzebować spiskowiec. Urządzenia te mają dość wysoki koszt i duże wymiary. Niewielu artystów może sobie pozwolić na pracę w domu.
8. Ważnym warunkiem jest doskonała znajomość programów graficznych, które są niezbędne w malarstwie cyfrowym. Istnieje wiele edytorów graficznych, z których każdy ma swoje własne cechy i zalety.
Każdy program ma swój cel.
Adobe Photoshop jest najpopularniejszym edytorem, pozwala tworzyć zarówno obrazy rastrowe, jak i wektorowe. Ten program pozwala pracować w technice sztuki fotograficznej, tworzyć animowane obrazy.
Photoshop zapewnia szeroką gamę różnych efektów. Ponadto ten edytor graficzny posiada wiele wygodnych sposobów zapisywania i edytowania plików. Możliwości programu są tak duże, że niewiele osób przestudiowało je wszystkie.
Corel Malarz odnosi się również do nie mniej popularnych programów wśród artystów CG. Ten edytor graficzny ma ponad czterysta odmian pędzli. Corel jest przeznaczony głównie do tworzenia obrazów wektorowych, więc nie jest w nim wymagana ogromna różnorodność efektów i funkcji.
Adobe Illustrator- podobny w celu i funkcji do Corel Draw program wektorowy.
3d Max, Majowie, ZBrush- edytory do modelowania 3D, które wymagają do pracy wydajnego, co najmniej 4-rdzeniowego komputera. Edytorów graficznych jest znacznie więcej, z których każdy ma swój własny cel.
Licencjonowane programy kosztują dużo, ale dla artystów komputerowych do pracy zawodowej nadal zaleca się zakup tej wersji, aby uniknąć problemów z urzędami weryfikacyjnymi. Firmy produkujące te programy graficzne coraz częściej zwracają uwagę na zgodność z prawami autorskimi.
Istnieją alternatywne bezpłatne programy, z których najczęstszym jest KORDONEK. Artysta CG najczęściej preferuje jednego ze swoich ulubionych edytorów, ale często konieczne jest użycie innych programów.
9. Dla artysty specjalizującego się w malarstwie cyfrowym posiadanie niezbędnych umiejętności, sprzętu, narzędzi oraz wiedzy edytorów graficznych pozwoli mu na owocne tworzenie. Ale on, jak każda kreatywna osoba, potrzebuje aprobaty kontemplatorów. Co więcej, im większe uznanie, tym lepiej dla rozwoju jego potencjału twórczego.
10. Efektem dużej pracy i staranności jest popyt na rynku usług.
Spełnienie wszystkich tych warunków jest konieczne, aby artysta komputerowy odniósł pełny sukces! Każdy artysta CG zgodzi się z tym. Nie należy jednak zapominać o istnieniu najważniejszy warunek: aby w pełni ujawnić swój potencjał twórczy, musisz w jak największym stopniu poświęcić się tej czynności!
Film dokumentalny o nieopłacalności grafiki komputerowej w kinie jako biznesie. Firma, która wylosowała Life of PI, zbankrutowała na dwa tygodnie przed zdobyciem OSCAR. W ciągu ostatnich 10 lat zamknięto 21 znanych studiów efektów w Hollywood. Pomimo tego, że CG to tradycyjnie branża, w której ludzie pracują dzień i noc bez dni wolnych (także przy produkcji wideo) i bez gwarancji – prawie każdy jest zatrudniany indywidualnie na czas trwania projektu i ciągle zmienia pracę, często pozostawiając rodziny na miesiące i lata. Niemal cała amerykańska branża CG umiera przez to, że Kanada zrobiła ulgi podatkowe (podobnie jak gracze – dlatego Ubisoft robi tam prawie wszystko). W rezultacie artyści nieustannie przemieszczają się z kraju do kraju, gdzie są korzyści, a branża rośnie.
Ogólnie rzecz biorąc, film to czas na zmianę modelu biznesowego – artyści CG to ci sami filmowcy co wszyscy i powinni otrzymywać procent od dochodu z filmu lub wynagrodzenie godzinowe (jak operatorzy itp.), bo jak każdy aktywność twórcza, trudno z góry obliczyć. Większość studiów zmusza wykonawców do pracy za stałą cenę – mówią, płacimy Ci 10 milionów i spełniajmy wszystkie nasze zachcianki. No i wtedy się zaczęło – reżyser zmienił zdanie, postanowili powtórzyć scenę, przerobić ją, wyrzucić i zastąpić inną – ludzie z CG wykonują tę pracę za darmo. Stratę ponosi studio i nic na to nie można poradzić.
W 2013 roku bohaterowie filmu pracowali w dwóch nominowanych do Oscara filmach, które wygrały Life of Pi. Byli pracownicy zebrali się na demonstracji w pobliżu uroczystości. Kiedy ze sceny pracownicy zamkniętego już studia próbowali powiedzieć, że firma, która wykonała tę pracę, ma problem, zagłuszyła ich muzyka ze Szczęk. Ponadto Ang Lee, dziękując wszystkim ze sceny za udział w filmie, wymienił wszystkich poza artystami CG, którzy w tym przypadku wykonali 70% filmu.
W rezultacie cała społeczność CG była po prostu poza sobą. W proteście artyści zaczęli umieszczać zielone ekrany na swoich facebookowych awatarach i publikować prawdziwe fotosy z filmów bez grafiki komputerowej. Teraz cała branża VFX próbuje opracować wspólną politykę współpracy z Hollywood. 
W zasadzie wszystkie te problemy są nam bardzo, bardzo znane w FXA, chociaż nie mówimy o CG. Opis problemów z klientami i zmian w planach - 100%.
3 marca Hollywood będzie gospodarzem ogromnej prezentacji artystów VFX przeciwko największym studiom. Jednocześnie powstaje lobby do zmiany przepisów. Generalnie duże firmy oskarżane są o rozgrywanie rządów, zmuszając je do walki między sobą o coraz więcej zachęt do kina kosztem podatników, podczas gdy same zyskują na biciu rekordów czynszów.
Nie zastępuj organizatoraCzas trwania szkolenia: 2,5 tygodnia (5 wykładów // 4 zadania praktyczne // 4 przeglądy online pracy studentów przez prowadzącego kurs)
Autor kursu Ivan Smirnov - dyrektor artystyczny, ilustrator, artysta koncepcyjny, założyciel szkoły malarstwa cyfrowego SMIRNOV SCHOOL, założyciel społeczności edukacyjnej dla artystów KURSY MALARSTWA CYFROWEGO
Galeria Iwana:
Kliknij, aby odsłonić...
Samouczki wideo od Ivana:
Kanał na Youtube SMIRNOV SCHOOL:Ukryty tekst. Dostępne tylko dla zarejestrowanych użytkowników.
Kliknij, aby odsłonić...
Kanał Youtube Ivana Smirnova:Ukryty tekst. Dostępne tylko dla zarejestrowanych użytkowników.
Kliknij, aby odsłonić...
Kurs podstaw rysowania CG pozwoli ci opanować podstawowe techniki i zasady rysowania w Photoshopie i da ci więcej pewności we własnych umiejętnościach. Nauczysz się, jak pracować z objętością, sylwetkami, kolorem i teksturami oraz rozwiniesz percepcję artystyczną, aby skutecznie rozwiązywać prawdziwe problemy zawodowe. Znajdziesz u nas szczegółowe wykłady, ciekawe zadania domowe, indywidualną analizę pracy z lektorem oraz dużo ćwiczeń.
Ponadto stworzyliśmy również kurs Podstaw dla tych artystów, którzy chcą efektywnie uczyć się na naszych długoterminowych programach, takich jak kurs „Sztuka koncepcyjna postaci”, „Sztuka koncepcyjna środowiska”, które w zauważalny sposób wpłyną na wynik: jakość pracy i poziom strawnego materiału.
Program kursu „Podstawy rysunku komputerowego”:
Wykład 1: Podstawy podstaw
Naucz się pracować w Photoshopie i rysuj trójwymiarowe kształty.
Poznanie podstawowych kroków pracy w Photoshopie:
Nauka rysowania trójwymiarowej postaci.
Przetwarzanie końcowe: nauka tworzenia idealnego obrazu końcowego.Wykład 2: Uczymy się wymyślać projekt obiektów i wcielamy ten projekt w rysunek.
Nauka rysowania ciekawego tematu:
Dowiedz się, jak wymyślić fajny projekt
Nauka pracy z perspektywą i formą
Nauka tworzenia czystej grafiki liniowejWykład 3: Studiujemy zasady pracy ze światłem, cieniem i światłem rozproszonym oraz rysujemy obiekt 2D z efektem 3D.
Nauka rysowania okluzji (cienia z rozproszonego światła), światła i cienia:
Szczegółowo studiujemy zasady budowania światła.
Nauka budowania własnych i padających cieni.
Rysujemy obiekt z efektem 3D.Wykład 4: Czas renderowania!
Nauka prawidłowego komponowania kompozycji kolorystycznej
Nauka renderowania materiałów - nauka rysowania różnych materiałów:
Przeanalizujemy podejścia, w których każdy artysta może samodzielnie nauczyć się rysować dowolny materiał: metal, szkło, drewno, kamień, plastik i inne.Wykład 5: Premia za przetrwanie!
Zmieńmy zdanie! Jak zrobić to samo, ale znacznie szybciej?
Renderuj wokół głowy:
Alternatywne techniki renderowania.
Skuteczne oszukiwanie i uproszczenieCzas trwania szkolenia: 2,5 tygodnia
Co zawiera kurs:
5 szczegółowych wykładów wideo
4 praktyczne zadania
4 webinaria online (analiza pracy uczniów przez nauczyciela)Do zajęć potrzebujesz:
komputer, tablet graficzny, internet, edytor graficzny Photoshop.Schemat nauki:
Kurs trwa 2,5 tygodnia. Łącznie 5 wykładów, 4 zadania domowe i 4 analizy przez nauczyciela prac domowych uczniów.
