Естрадата е вид сценично изкуство, в който кратки концертни изпълнения на един или повече артисти (разказвачи, певци, куплетисти, танцьори, акробати, фокусници и др.) представляват цялостна програма, предназначена по правило за масово възприемане. Сцената е многостранна и разнообразна. Възприятието на публиката за това изкуство също е разнообразно. За някои сцената е изпълнение на песенни и музикални групи и изпълнители, за трети - изпълнение на комици, за четвърти - клоунади или изпълнители на съвременни танци. Формите на съществуване на това изкуство също са различни: концерт в клуб, концертна зала, студентски скеч в актовата зала на института, театрална програма на стадион или в Спортната палата, представление на Театъра на Миниатюри, представление в Театър на вариетета, самостоятелен концерт и т. н. И във всеки случай съставът на публиката, нейният размер определят особеностите на естрадното действие на живо.

Корените на поп музиката се връщат в далечното минало, могат да се проследят в изкуството на античността – Египет, Гърция, Рим, елементите й са в изпълненията на странстващи комици – шута, фиби, жонгльори, денди и т.н. модерни форми, поп артът се развива в Западна Европа през 19 век. И така, посетителите на парижките кафенета се забавляваха от музиканти, певци, куплетисти, в чийто репертоар имаше остри и актуални неща. Успехът на такива кафенета доведе до появата на по-големи развлекателни предприятия - кафе-концерти (Ambassador, Eldorado и др.). В Англия в ханове (хотели) възникват музикални зали - музикални зали, където се изпълняват танци, комични песни, циркови номера; Първата е Star Music Hall, основана през 1832 г.

Подобно на лондонската музикална зала Алхамбра, през 1869 г. в Париж отваря врати Folies Bergère, а две десетилетия по-късно и Мулен Руж, наречен „Variety Hall“ (от френския variété – сорт). Постепенно думата "вариетет" започва да се прилага не само за конкретни театри, но и за цялото изкуство, състоящо се от различни жанрове, от които в крайна сметка се създава цялостен спектакъл.

През 1881 г. в Париж е открито художествено кабаре (от френски кабаре - тиквички) "Ша ноар" ("Черната котка"), където се събират млади художници, актьори и писатели. Често засягаше остри социални и политически проблеми. Кабаретата бяха много известни в Германия, Австрия и други страни. В наше време тази форма, след като се отдели от кафенето, започва да съществува като политически и сатиричен театър на малките форми (Германия) с леко променено име - кабаре.

Естрадите идват в Русия в началото на 19-ти и 20-ти век. След вариетето кабарето също привлече вниманието на публиката. Те имаха свои предшественици в Русия, които до голяма степен определяха оригиналността на руската сцена. Това са кабини, които забавляваха публиката с разнообразна социална композиция по празниците, и дивертисменти - малки концертни програми, които се изнасяха в кината преди и след края на основната пиеса. Дивертисментите включваха руски песни и арии от опери, класически и народни танци, куплети от водевил, стихотворения и разкази в изпълнение на драматични актьори. Като цяло театърът оказва значително влияние върху руската сцена, което определя неговата оригиналност.

След Октомврийската революция художниците оставят малките тесни зали на кабарета, вариетета, миниатюрни театри на улиците и площадите, на хората. Те сменяха оратори на многобройни концерти, митинги, пътуваха с концерти по фронтовете на гражданската война, говореха в наборни пунктове, в казарми и работнически клубове. Тогава концепцията за „сцена“ (от френското estrade - сцена) се разпространи в цялата област на изкуството.

Основата на поп арта е номер, кратък във времето, но завършен по форма, спектакъл (от един или няколко артисти) със собствена драматургия, в който, както в голям спектакъл, трябва да има експозиция, кулминация и развръзка. Късометражният филм предполага максимална концентрация на изразни средства. Затова на сцената широко се използват хипербола, гротеска, буфонада и ексцентричност; оттук и яркостта, преувеличаването на детайлите, мигновената актьорска трансформация. Номерът запазва значението си в вариететно представление (спектакъл, ревю и др.), създадено на базата на пиеса (ревю). В такъв спектакъл числата са обединени от фигурата на наблюдател или от обикновен сюжет.

Артистите, които се представят на сцената, широко използват така наречената маска, определен образ, който се отличава с постоянството не само на външния вид, но и на свойствата на характера и биографията. Този образ, породен от художествено въображение, може да няма нищо общо с личността на самия художник.

Често обаче маската на вариететния артист се превръща сякаш в концентриран израз на собствената му личност. Но зад каквато и маска да се крие художникът, той се обръща директно към публиката, стреми се да я включи в действието, да ги направи свои „събеседници”.

По пътя си руската сцена решаваше различни проблеми: вълнуваше, насърчаваше, вдъхновяваше, образоваше, просветляваше и, разбира се, забавляваше. Забавлението е присъщо на сцената, както никое друго изкуство. Но това не е същото като непоследователност. Сериозното съдържание често се крие зад външната лекота, веселие и колкото по-талантлив е художникът, колкото по-високо е неговото умение, толкова по-добре успява да заключи сериозна мисъл в лесна форма. Пример за гражданство, острота на социалното съдържание и съвършенство на художествената форма е сатиричното изкуство на А. И. Райкин.

По традиция голямо място на нашата сцена принадлежи на жанровете, свързани със словото. Това е разказ, монолог, малка сцена, фейлетон, куплет, пародия, забавник. Задачата за запознаване на широките народни маси с културата през 20-30-те години. 20-ти век оживява форма на художествен прочит от сцената на произведения на съвременната и класическа литература. Художниците-читатели се стремят да разкрият света на автора, художествената самобитност на неговите произведения пред публиката възможно най-пълно.

Водещо място на сцената заеха музикални и вокални жанрове: романс, бардови и народни песни, поп и рок музика, джаз и др. Огромна публика събира солови концерти на известни поп изпълнители. В процеса на развитие възникват нови форми и стилови направления, обогатяват музикалната сцена със свежи художествени идеи, отразяват ритмите на времето. Хореографските номера, както ансамблови, така и солови, са широко представени на сцената: народни танци, пластични дуети, игрови миниатюри, танци в съвременни ритми.

Цирковите представления привличат със зрелище: жонгльори, илюзионисти, манипулатори, акробати, въжеходци, мимове. На пресечната точка на жанровете се раждат много вълнуващи неща: пантомима и акробатика, пантомима и жонглиране и т. н. Много художници използват ексцентричността, присъща на самата природа на вариететното изкуство.

Естрадното изкуство се развива широко в СССР. Всесъюзната олимпиада на театрите и изкуствата на народите на СССР през 1930 г., Всесъюзният фестивал на народните танци през 1936 г., десетилетията на националното изкуство на съюзните републики, отчетните концерти допринесоха за формирането на този тип творчество сред народи, които преди това не са го познавали, с изключение на фолклорните форми. Редовно се провеждаха всеруски и всесъюзни състезания на творческата младеж. Синтетична по природа, поп музиката винаги се е свързвала с театър, кино, литература и музика. Различни форми на взаимно влияние на естрадното изкуство с други изкуства са видими през цялата му история. Джаз, рок музика са включени в симфоничната музика; вариететни танци, акробатиката влияят на класическата хореография; постоянно се отнася до сцената на киното; критиците пишат за постановката на театъра. От своя страна сцената е уловена от процеса на театрализация, засяга всички нейни жанрове, общата тенденция към театрални програми, към създаване на спектакли, вариететни театри.

Всеки знае забележителното умение на К. И. Шулженко, който пронизително изпълняваше лирични песни.



Изпълнение на Тарапунка (Юрий Тимошенко) и Plug (Ефим Березин, вляво)./



Илюзионистът Арутюн Акопян на сцената.



Известната английска група The Beatles.

Ако пред мен на стола има някакъв неоправдано висок мъж, започва да ми се струва, че не чувам. Така или иначе такава музика за мен престава да бъде поп. Случва се обаче също така, че случващото се на сцената е перфектно видимо, но въпреки това не става факт на поп арта; в края на краищата другите художници и режисьори концентрират всичките си усилия, за да зарадват ушите ни, без да се грижат малко за очите ни. Особено често човек се сблъсква с подценяване на зрелищната страна на поп арта в музикалните жанрове, но симптомите на същото заболяване могат да се наблюдават в художественото четене и в забавлението.

- Е, казвате вие, отново говорим за отдавна познати неща, че на много поп изпълнители липсва сценична култура, че номерата им понякога са лишени от пластична изразителност и са визуално монотонни.

Всъщност всички тези сериозни недостатъци, които все още не са преодоляни от поп арта, често се появяват в рецензии, проблемни статии и творчески дискусии. До известна степен те ще бъдат засегнати в тази статия. Бих искал обаче да задам един по-широк въпрос. Въпросът тук, очевидно, не е само в липсата на умения като такива. Този недостатък засегна дори онези поп жанрове, които са насочени само към визията. Акробати, жонгльори, илюзионисти (дори най-добрите от тях, велики майстори на занаята) най-често грешат именно със същата визуална монотонност, липса на пластична култура. Всички разновидности на жанра по правило се свеждат до редуване в рамките на приблизително един кръг от изпълнени трикове и техники. Печати, които се развиват от година на година (например акробатична мъжка двойка, висока и малка, работеща на бавни темпове, изпълняваща силови движения, или меланхоличен жонгльор, облечен в смокинг с пура и шапка и т.н.), само подсилват , легитимират зрелищните поп жанрове на бедността. Традициите, веднъж живи, се превръщат в окови за развитието на изкуството.

Ще посоча като пример двама жонгльори - победители в неотдавнашния 3-ти Всеруски конкурс на вариететни артисти. И. Кожевников, удостоен с втора награда, е току-що описаният тип жонгльор: шапка, пура, бастун съставляват палитрата на представлението, изпълнени безупречно в майсторството. Е. Шатов, носител на първа награда, работи с цирков снаряд - костур, в края на който има тясна прозрачна тръба с диаметър на топка за тенис. Пазейки равновесие на главата си, Шатов хвърля топките в тръбата. Всеки път костурът расте, като постепенно достига почти десет метра височина. С всеки нов раздел от първия, изпълнението на номера става визуално по-рязко, по-изразително. Накрая дължината на костурата става такава, че да не се вписва във височината на сцената (дори толкова висока, колкото в Театъра на вариете). Жонгльорът излиза на преден план, балансирайки над главите на зрителите от първия ред. Топката лети нагоре, почти изчезва на фона на тавана и се озовава в тръба. Този номер, в допълнение към изключителната чистота, с която е изпълнен, е забележителен с това, че визуалните мащаби, които се променят от време на време, се възприемат от седящите в аудиторията в цялостно единство. От това грандиозният ефект става необикновен. Освен това това е специално поп забавление. Представете си номера на Шатов на телевизионен екран или във филм! Да не говорим за факта, че в предварително заснет телевизионен или филмов сюжет е изключен елементът на непредвидено (поради това сцената и циркът никога няма да станат органични за екрана!), Постоянството на мащаба, продиктувано от постоянството от размера на екрана и нашето зрително разстояние от него, ще лиши номера на Шатов от неговите прелести.

Изкуството на Шатов (в много по-голяма степен от, да речем, числото на Кожевников) губи, ако бъде пренесено в сферата на друго изкуство. Това е първото доказателство за истинското му разнообразие. Ако такова прехвърляне може да се извърши лесно без очевидни загуби, можем спокойно да кажем, че творбата и нейният автор грешат срещу законите на поп арта. Това е особено показателно за музикалните и речеви жанрове на поп радиото. Много от нашите поп изпълнители слушат най-добре по радиото, където се освобождават от нуждата да търсят пластмасов еквивалент на мелодията, която се изпълнява. Пред радиомикрофон певицата, за която сцената е истинско мъчение, се чувства страхотно. Поп певец по природа, напротив, изпитва известно неудобство в радиото: той е ограничен не само от липсата на контакт с публиката, но и от факта, че много от нюансите на изпълнението, които присъстват в визуалната страна на изображението ще отсъства в звуковата страна. Това, разбира се, води до изчерпване на ефекта. Спомням си първите записи на песните на Ив Монтан, донесени от Сергей Образцов от Париж. Колко по-дълбок, по-значителен беше самият художник, когато го видяхме да пее на сцената: чарът на музиката и думите беше добавен от чара на актьор, който създава най-изразителната пластика на човешкия образ. Станиславски обичаше да повтаря: зрителят отива на театър заради подтекста, той може да чете текста у дома. Нещо подобно може да се каже и за сцената: зрителят иска да види представлението от сцената, може да научи текста (и дори музиката), докато си е вкъщи. Поне да слушам радио. Струва ли си, например, да отидете на концерт, за да чуете Юрий Федорищев, който с всички сили се опитва да възстанови изпълнението на Пол Робсън на песента "Мисисипи"? Мисля, че в постигането на целта си Федорищев щеше да успее много повече в радиото. Слушайки "Мисисипи" по радиото, може да се удивим колко точно са уловени музикалните интонации на негърския певец, а в същото време не бихме могли да забележим пълната пластична инертност на Федорищев, която противоречи на оригинала.

Режисьорите на програмата, в която случайно чух Федорищев, се опитаха да разведрят визуалната монотонност на неговото пеене. По време на изпълнението на френската песен “At Night Alone”, преди куплета, в който започва гражданската тема - темата за борбата за мир, светлините внезапно угасват в залата, остава само червената подсветка на фона. В най-жалката част от песента, която изисква ярки актьорски средства, зрителят се оказва принуден да стане само слушател, тъй като вижда само черен неподвижен силует на тъмночервен фон. Така че режисурата, която се стреми да разнообрази представлението за публиката, прави на изпълнителя и творбата като цяло наистина лоша услуга. Изненадващият недостиг на осветителни техники, който в описания по-горе случай доведе до изместване на акцентите, е една от болестите на нашето естрадно изкуство. Системата от светлинни ефекти е изградена или на ясен и илюстративен принцип (темата за борбата за мир се свързва непременно с червеното, не иначе!), Или на принципа на красотата на салона (желанието да се „подаде“ на изпълнителя , независимо от художественото съдържание на представлението, неговия стил). В резултат на това най-интересните възможности за осветление все още не се използват. Същото може да се каже и за костюма: рядко служи за подобряване на визуалния образ. Ако има добри традиции в използването на костюм като средство за подчертаване на произхода на ролята (да речем, кадифено яке с лък от Н. Смирнов-Соколски или мимски костюм от Л. Енгибаров), тогава просто и в същото време помага за разкриването на образа на изображението е изключително рядко. Наскоро случайно бях свидетел как един неуспешно избран костюм отслаби значително впечатлението, което прави номерът. Говорим за Капиголин Лазаренко: яркочервена рокля с големи суета окова певицата и явно не отговаряше на нежната, лирична песен „Върни се“.

Осветление, костюм и мизансцена са трите стълба, върху които се крепи ефектната страна на вариететния акт. Всяка една от тези теми е достойна за специално обсъждане, което, разбира се, моята статия не може да претендира. Тук ще се докосна само до онази страна на специфичната сценична мизансцена, която не може да се пресъздаде адекватно на телевизионните и кино екраните. Сцената има свои собствени закони на пространството и времето: близък план, ракурс, монтаж в киното (и телевизията), които нарушават единството на тези категории, или по-скоро тяхната цялост, създават ново пространство и ново време, не напълно подходящи за сценичната сцена. Сцената се занимава с постоянен план, тъй като разстоянието от изпълнителя до всеки от зрителите варира леко, само доколкото актьорът може да се движи в дълбините на сцената. Същото трябва да се каже и за монтажа: той се осъществява на сцената (ако само) в рамките на цялото, което постоянно присъства на сцената. Този монтаж може да бъде произведен или чрез осветление (техника, която успешно се използва в изпълненията на естрадното студио на Московския държавен университет), или се извършва в съзнанието на зрителя. Казано по-просто, той отделя някои части във възприятието си на визуалния образ, като продължава да държи цялото в полезрението си.

За да не изглеждам неоснователно, ще дам пример. Спектакълът "Нашият дом е вашият дом" от Студио за естрада на Московския държавен университет. В този екип се извършват много интересни търсения за изразителност на зрелището. В същото време често лирическата поезия или алегорията, основана на асоциативността на връзките, се оказва основният елемент на историята. Но е важно да се отбележи, че както поезията, така и алегорията в изпълненията на студиото се превръщат във форма на фигуративен, визуален разказ (например изрисуваните геометрични фигури в един от числата помагат да се разкрие сатиричното значение на много важни понятия). В сцена, която разказва за организацията на младежкото свободно време („Младежки клуб“), четирима демагоги-крещячи, качили се, сякаш на подиум, на четири масивни пиедестала, произнасят на свой ред фрагменти от фрази, които заедно образуват невероятна абракадабра на празни приказки и бюрокрация. Вниманието на зрителя моментално се прехвърля от един крещящ на друг: говорещият придружава думите си с жест (понякога в сложен контрапункт с думата), останалите в този момент остават неподвижни.Представям си тази сцена, заснета във филма. Нейният текст и мизансцена, изглежда, неизменно предусещат бъдещия монтаж. Всяка реплика е близък план. Картечна изстрел от близки планове, реплики, жестове. Но тук има две значителни загуби. Първо, липсата на акомпанимент към всяка реплика: замръзналите пози на другите герои. И второто е превръщането на всички редове в редуване на фрази, без да прехвърляме вниманието си от един герой към друг. Контрапунктът, който се превръща в най-силното оръжие на автора в тази сцена, неизбежно изчезва във филма.

Би било погрешно да се каже, че несъответствието, контрапунктът между думата и образа, е собственост само на поп арта. И театралната сцена, и екранът го познават. Но има различни начини за постигане на този ефект. А те са много важни на сцената. Тук контрапунктът е гол, показан е като умишлен сблъсък на противоположностите, с цел да хвърли искра от смях. Ще дам за пример изпълнители, които непрекъснато, от година на година, усъвършенстват владеенето си с това сценично оръжие. Имам предвид вокалния квартет „Юр” (Ю. Осинцев, Ю. Маковеенко, Ю. Бронщайн, Ю. Диктович; реж. Борис Сичкин). В песента „Пътуващи“ квартетът пее, докато ръцете на артистите междувременно се превръщат в удостоверения за пътуване (отворена длан) и печати на институции (стиснати юмруци), слагат се печати, дават се пари и т.н. Всичко това не се случва под формата на илюстрация -страции от текста, но успоредни на него, понякога само съвпадащи, но най-вече в контрапунктичния ред. В резултат на това от неочакван сблъсък на думи с жестове възниква ново, неочаквано значение. Например бизнес пътниците, пътуващи в различни посоки, нямат работа, освен да играят на домино във влака. Върху текста са „наложени“ ръце, раздвижващи кокалчетата, в които се казва, че парите на хората се харчат безразсъдно за взаимни командировки. От това жестът на ръцете, смесващи въображаеми кости във въздуха, става много красноречив.

Последната творба на квартета - "Телевизия" - със сигурност е най-големият му творчески успех в използването на средствата за визуална изразителност на сцената. Тук членовете на квартета действат еднакво като пародии, като читатели, мимове и като драматични актьори. Освен това те демонстрират изключително хореографско умение: с една дума, ние сме свидетели на синтетичен жанр, в който словото, музиката са тясно преплетени с пантомима, танц и т.н. друг е толкова велик, колкото може да бъде само в естрадното изкуство. По време на представлението пред нас пародират почти всички жанрове, които съществуват
телевизия. Тяхната смяна, както и смяната на средствата, използвани от художниците, създава много живописен спектакъл. Сцената несъмнено принадлежи към зрелищните форми на изкуството. Но има много сценични изкуства: театър, кино, цирк, а сега и телевизия, които разкриват значителни естетически потенциали. Какви са взаимоотношенията в тази група изкуства? Изглежда, че вариететният театър все още остава в рамките на театралното изкуство, въпреки че има много прилики с някои други форми. Естествено, театърът (разбиран в широкия смисъл на думата) непрекъснато сменя своите граници, които в известен смисъл вече стават тесни за сцената. Въпреки това, някои качества на поп арта, въпреки значителната еволюция, остават непроменени. На първо място, те трябва да включват принципа на визуална организация на формата на вариететно зрелище. И ако говорим за форма, тогава образът остава основното нещо на съвременната сцена (до някои музикални жанрове).

В тази статия не беше възможно да се разгледат всички аспекти на темата. Задачата ми беше по-скромна: да насоча вниманието към определени теоретични проблеми на естрадното изкуство, които до голяма степен определят позицията му сред другите изкуства и обясняват същността на творческите търсения на нашите майстори на естрадно изкуство. Теоретичните правила, както знаете, остават правила, които са задължителни за всички само до деня, когато дойде един ярък новаторски художник и разчупи границите, които вчера изглеждаха непреодолими. Днес сме свидетели на синтетичните жанрове на поп арта: каноните от миналото не могат да издържат на натиска на новите открития. Важно е да се отбележи, че протичащите промени носят на знамето си постоянно променящия се, но принципно непоклатим принцип на сцената като спектакъл.

А. ВАРТАНОВ, кандидат изкуствовед

Списание съветски цирк. март 1964г

1.1 Историята на възникването на вариететното изкуство

Думата "сцена" (от латински strata) означава - настилка, платформа, хълм, платформа.

Най-точното определение на вариететното изкуство като изкуство, съчетаващо различни жанрове е дадено в речника на Д. Н. Ушаков: „Естрадата е изкуството на малките форми, полето на зрелищните и музикални изпълнения на открита сцена. Неговата специфика е в лесната адаптация. до различни условия на публична демонстрация и краткотрайни действия, в художествено-изразителни средства, изкуство, което допринася за яркото идентифициране на творческата индивидуалност на изпълнителя, в актуалност, остра социално-политическа релевантност на разглежданите теми, в преобладаване на елементи на хумора, сатирата, журналистиката.

Съветската енциклопедия определя поп музиката като произхождаща от френската естрада - форма на изкуство, която включва малки форми на драматично и вокално изкуство, музика, хореография, цирк, пантомима и др. В концертите има отделни завършени номера, обединени от артист, сюжет. Като самостоятелно изкуство се формира в края на 19 век.

Има и такова определение за етап:

Сценична зона, постоянна или временна, за концертни изяви на артист.

Естрадното изкуство има своите корени в далечното минало, проследено в изкуството на Древен Египет и Древна Гърция. Въпреки че сцената взаимодейства тясно с други изкуства, като музика, драматичен театър, хореография, литература, кино, цирк, пантомима, тя е самостоятелна и специфична форма на изкуство. Основата на поп арт е - "Негово Величество числото" - както каза Н. Смирнов-Соколски 1 .

Номер - малко представление, един или повече артисти, със своя сюжет, кулминация и развръзка. Спецификата на спектакъла е пряката комуникация на артиста с публиката, от негово име или от името на героя.

В средновековното изкуство на странстващите художници, фарсовите театри в Германия, шуталите в Русия, театърът на маските в Италия и т.н. вече имаше пряк призив на художника към публиката, което позволи на последвалия да стане пряк участник в действието. Кратката продължителност на представлението (не повече от 15-20 минути) изисква максимална концентрация на изразни средства, сбитост и динамика. Естрадните изпълнения се класифицират според характеристиките си в четири групи. Първата група видове трябва да включва разговорни (или речеви) числа. След това идват музикални, пластично-хореографски, смесени, „оригинални” номера.

Изкуството на комедията е изградено върху открит контакт с публиката. дел- arte (маска) XVI-PPXVII век.

Изпълненията обикновено бяха импровизирани въз основа на типични сюжетни сцени. Музикалният звук като интерлюдии (вставки): песни, танци, инструментални или вокални номера - беше пряк източник на поп номер.

През 18 век има комична операИ водевил. Водевил беше завладяващо представление с музика и шеги. Техните главни герои - обикновените хора - винаги са побеждавали глупави и злобни аристократи.

И до средата на 19-ти век се ражда жанрът оперета(буквално малка опера): вид театрално изкуство, което съчетава вокална и инструментална музика, танц, балет, елементи на поп арт, диалози. Като самостоятелен жанр оперетата се появява във Франция през 1850г. "Бащата" на френската оперета и на оперета като цяло е Жак Офенбах (1819-1880). По-късно жанрът се развива в италианската "комедия на маските".

Разнообразието е тясно свързано с ежедневието, с фолклора, с традициите. Нещо повече, те се преосмислят, модернизират, „естрадизират“. Различни форми на поп творчество се използват като забавно забавление.

Това не е случайно. В Англия кръчмите (обществени обществени институции) възникват през 18 век, стават прототипи на мюзик зали (мюзикхол). Кръчмите се превърнаха в място за забавление за широките демократични слоеве от населението. За разлика от аристократичните салони, където се пускаше предимно класическа музика, в кръчмите се изпълняваха песни, танци, изнасяха се комици, пантомими, акробати, в кръчмите се показваха сцени от популярни представления, състоящи се от имитации и пародии, под съпровод на пиано. Малко по-късно, през първата половина на 19 век, кафе-концертите придобиват широко разпространение, като първоначално представляват литературни и художествени кафенета, където поети, музиканти и актьори се изявяват със своите импровизации. В различни модификации те се разпространяват в цяла Европа и стават известни като кабаре (тиквички). Забавлението не изключва фактора духовност, гражданската позиция е особено важна за вариететния артист.

Лесната адаптивност на вариетета към публиката крие опасността от флирт с публиката, отстъпки на лошия вкус. За да не падне в бездната на вулгарността и вулгарността, художникът се нуждае от истински талант, вкус и усет. От отделни поп номера режисьорът формира програма, която също беше силно изразно средство. Безплатно свързване на малки форми, отделени от различни видове художествено творчество и излекувани самостоятелно, което доведе до раждането на цветното изкуство вариететно шоу. Изкуството на вариетета е тясно свързано с театъра, цирка, но за разлика от театъра не се нуждае от организирано драматично действие. Условността на сюжета, липсата на развитие на действието (основната драма) също са характерни за голямо представление. ревю(от фр. - преглед). Отделни части от рецензията са свързани с обща изпълнителска и социална идея. Като музикален драматичен жанр ревюто съчетава елементи от кабаре, балет и вариете. Ревюното представление е доминирано от музика, пеене и танци. Разнообразието има свои собствени модификации:

- вариете от индивидуални номера

- вариететно шоу

- танцово кабаре

- ревю

През 20-ти век ревюто се превърна в великолепно развлекателно представление. Имаше разновидности на ревюто в Съединените щати, наречени шоу.

Музикалната сцена включваше различни жанрове лека музика: песни, откъси от оперети, мюзикъли, вариететни представления в разнообразни аранжименти на инструментални произведения. През 20-ти век сцената се обогатява с джаз и популярна музика.

Така поп артът измина дълъг път и днес можем да наблюдаваме този жанр в различна форма и изпълнение, което предполага, че неговото развитие не стои на едно място.

Авторското музикално любителско творчество е създаването и изпълнението на музикални произведения от автора на любителска основа. Според традицията, която се е развила у нас, под AMST най-често се разбира композиране преди всичко на песни (т.

Акустични характеристики на укулеле

Фигура 1 Укулелето е миниатюрно четириструнно укулеле, което се появява в края на 19 век на островите на Хавайския архипелаг, разположен в северната част на Тихия океан. Създателите му са португалски имигранти...

Проблемът за художествената стойност на музиката

Музика... Какво е това? Каква е нейната сила? Хората мислят за това от много дълго време. „Всички музикални звуци идват от човешкото сърце; музиката е свързана с отношението на човека към човека. ... Следователно, трябва да разберете гласовете ...

Необичайно бързите промени в условията на съвременния живот изискват от хората да правят адекватни преценки и бързи решения, за да реализират по-успешно своя потенциал...

Процесът на формиране на музикални и творчески способности на членовете на самодейни естрадни групи

Младежката възраст от 17 до 20 години заема важна фаза в общия процес на превръщане на личността като личност, когато в процеса на изграждане на нов характер, структура и състав на дейността на тийнейджъра се полагат основите на съзнателното поведение. ..

Развитието на музикалния вкус при деца от начална училищна възраст в уроците по музика

Много сериозно върху развитието на музикалния вкус на учениците оказват влияние различни области на съвременната музика. Това е рок - музика, техно, поп, рап и други направления. Един от първите въпроси, които хората задават, когато се срещат...

Проблемът за националната опера е централен в цялото творчество на Вебер. 3 от най-добрите му опери - "Свободен стрелец", "Евриант", "Оберон" показаха пътищата и различните посоки...

Поп музиката като средство за възпитание на музикалния вкус на подрастващите

Естрада е вид театрално изкуство, което предполага както отделен жанр, така и синтез на жанрове. Включва пеене, танци, оригинално представление, циркови изкуства, илюзии...

Танц на сцената - кратък танцов номер , соло или група, представена в групови вариететни концерти, вариететни шоу програми, музикални зали, театри на миниатюри, акомпанира и допълва програмата на вокалистите, номера са оригинални дори в речевите жанрове . Разви се на базата на народни, ежедневни (бални) танци, класически балет, съвременни танци, гимнастика, акробатика , върху пресичането на всякакви чужди влияния и национални традиции. Естеството на танцовата пластика е продиктувано от съвременните ритми, формирани под влиянието на сродни изкуства: музика, театър, живопис, цирк, пантомима.

Историята на развитието на танцовото направление може условно да се раздели на два етапа: периодът преди 20 век и периодът от време от 20 век до наши дни.

Освен средновековните странстващи артисти и техните изпълнения, дивертисментите могат да се считат и за родоначалници на съвременния вариететен танц. Това са сцени, които през XVII-XVIII са показвани между музикални действия или части от драматични представления. Оперните арии се изпълняваха в дивертисменти, зрителят можеше да види откъси от балети, да слуша народни песни и накрая да се наслади на танци. В Русия произходът на танцовата сцена се намира в изпълненията на танцьори в руски и цигански хорове, от средата на 19 век - на фолклорни фестивали. Краят на 19 век е белязан от групови концерти на сцените на градини, „воксали“ и кафенета.

Популярен танц от 19 век. - може може(френски канкан, от canard - патица), френски танц от алжирски произход, 2 такта, бързо темпо. Характерно па - изхвърляне на крака, скачане. Широко разпространено е от средата на 19 век, използвано е широко в класическите оперети и вариетета. Можем да кажем, че с появата на канкана започва нова танцова ера. Консервната консерва произхожда от Париж около 1830 г. Това беше женски танц, изпълняван на сцената, придружен от високо хвърляне на краката. През 1860-те години в Санкт Петербург са открити много класове по танци, където танцуват предимно канкан.

Друг от популярните танци от 19-ти век е танцът на разходката на тортата.

Разходка с торта -(също cakewalk, cake walk; англ. cakewalk - ходене с торта) - популярен танц-марш с афро-американски произход от средата на 19 век. Характерни черти: бързо темпо, тактов размер - 2-такта, синкопиран ритъм, акорди, възпроизвеждащи звука на банджо, игрив комедиен (често иронично-гротескен) склад. Рязко акцентираните ритми, типични за cake walk, по-късно формират основата на рагтайм, а две десетилетия по-късно определят стила на поп джаза. Cake walk беше част от хумористичните представления на северноамериканския театър на менестрелите от деветнадесети век, в които се изпълняваше на бърза, синкопирана музика в духа на по-късния рагтайм. През последните години на 19-ти век тортената разходка, отделена от сцената на менестрелите, получава широко разпространение в Европа под формата на салонен танц. поп танц хореограф драматургия

На сцената на менестрела разходката с тортата имаше специално символично значение. Това беше крайбрежна сцена, на която облечени негри денди, ръка за ръка със своите също толкова модерно облечени дами, възпроизвеждаха в комична форма тържествените неделни шествия на бели дами и господа. Възпроизвеждайки външния маниер на плантаторите, черните денди осмиваха тяхната глупава важност, умствена тъпота, самодоволно чувство за въображаемо превъзходство. Мотивът за скритата подигравка, съдържащ се в тортената разходка, намери специфично отражение в звуковата сфера.

Танцовата музика, чиято изразителност се основаваше предимно на ударни звуци и много по-сложен метро-ритъм, изигра значителна новаторска роля, откри нови пътища за развитието на съвременното музикално изкуство. Нови музикални принципи бяха въведени в психологията на най-широката публика, отначало само в САЩ, а след това и в Европа, противопоставяйки се на всичко, което се утвърждаваше от векове наред от европейските композитори. Музикалната форма на cake walk се среща в пиеси за пиано в салона и в поп номера за традиционна инструментална композиция, и в маршове за духов оркестър, а понякога и в балните танци от европейски произход. „Дори във валсовете се появи синкоп, за който Валдтойфел и Щраус никога не са мечтали“ (Блеш Р., Янис Х. Всички свиреха рагтайм). Жанрът на тортата е използван от много академични композитори (например Дебюси, Стравински и др.).

Иновативната cake walk беше не само музикално, но и по отношение на хореографията. Това се проявяваше в специални движения на краката, които изглеждаха „независими“ от тялото на танцьорката. Както при другите танци на театъра на менестрелите, тялото на изпълнителя остава в строго контролирано, балансирано състояние, ръцете му висят като безпомощни, безформени „парцали“. Цялата енергия на танцьора, цялото му феноменално умение и главозамайващо темпо бяха въплътени в движенията на краката. Прецизни синхронни акценти, произведени от петата на единия крак и пръстите на другия; един вид "чукане" тъпчене с дървени подметки; бягане напред на пети; безплатно, като че ли хаотично "разбъркване". Необичайното за традиционния балет съотношение на „безразличното тяло“ и „клатещите се“ крака подчертава хумористичния ефект на външното спокойствие, неотделим от образа на замръзнала маска.

Cake walk има огромно влияние върху танцовото изкуство от края на XIX - началото на XX век. Той роди редица танци, които изместиха полката, каре, кънтри танца и други популярни танци от близкото минало от културната употреба. Тези най-нови танци - гризли бар, зайче хаг, тексас томи, тарки тръс и др. се отличаваха със специален 2-такт, неотделим от cake walk, и характерния си "люлеещ" ефект. Тяхната еволюция завърши с добре познатите двустеп и фокстрот, които добиха най-широка популярност в цял свят и останаха в репертоара на домакинските танци дълги години.

Първоначалният разцвет на всички тези танци съвпада с кулминацията на популярността на рагтаймът и началото на „епохата на джаза“.

сцена- вид сценично изкуство, което предполага както отделен жанр, така и синтез на жанрове: пеене, танци, оригинално представление, цирково изкуство, илюзии.

Поп музика- вид забавно музикално изкуство, адресирано до най-широката публика.

Този тип музика е най-развит през 20-ти век. Обикновено включва танцова музика, различни песни, произведения за поп и симфонични оркестри и вокални и инструментални ансамбли.

Често поп музиката се идентифицира с преобладаващата концепция за „лека музика“, тоест лесна за възприемане, публично достъпна. В исторически план леката музика може да се припише на класически произведения, които са прости по съдържание и са придобили универсална популярност, например пиеси на Ф. Шуберт и И. Брамс, Ф. Лехар и Й. Офенбах, валсове на И. Щраус и А. К. Глазунов, „Малка нощна серенада“ от В. А. Моцарт.

В тази обширна, както и изключително разнородна по характер и естетическо ниво област на музикалното творчество, от една страна, се използват същите изразни средства като в сериозната музика, от друга страна, техните собствени, специфични .

Терминът "естраден оркестър" е предложен от Л. О. Утьосов в края на 40-те години, което прави възможно разделянето на две понятия:
поп и джаз музика.

Съвременната поп музика и джаз имат редица общи черти: наличието на постоянна ритмична пулсация, осъществявана от ритъм секцията; предимно танцов характер на произведения, изпълнявани от поп и джаз групи. Но ако джаз музиката се характеризира с импровизация, специално ритмично свойство е суингът, а формите на съвременния джаз понякога са доста трудни за възприемане, тогава поп музиката се отличава с наличието на музикален език, мелодия и изключителна ритмична простота.

Един от най-разпространените видове поп инструментални композиции е поп симфоничният оркестър (ESO) или симфоджаз. У нас формирането и развитието на ЕСО се свързва с имената на В. Н. Кнушевицки, Н. Г. Минх, Ю. В. Силантиев. Репертоарът на вариететните симфонични оркестри е изключително обширен: от оригинални оркестрови пиеси и фантазии на добре познати теми до акомпанимент на песни и оперети.

В допълнение към незаменимата ритъм секция и пълния духов състав на бигбенда (саксофонна група и брас група), ESO включва традиционни групи от инструменти на симфоничния оркестър - дървени духови, валдхорни и струнни (цигулки, виоли, виолончела). Съотношението на групите в ESO се доближава до това на симфоничния оркестър: доминира струнната група, което се дължи на преобладаващо мелодичния характер на музиката за ESO; дървените духове играят важна роля; самият принцип на оркестрация е много близък до този, възприет в симфоничния оркестър, въпреки че наличието на постоянно пулсираща ритъм секция и по-активната роля на духовата група (а понякога и на саксофони) понякога наподобяват звука на джаз оркестър. Важна колористична роля в ESO играят арфата, вибрафонът, тимпаните.

ESO са много популярни у нас. Изпълненията им се излъчват по радиото и телевизията, най-често изпълняват филмова музика, участват в големи вариететни концерти и фестивали. Много съветски композитори пишат музика специално за ESO. Това са А. Я. Ешпай, И. В. Якушенко, В. Н. Лудвиковски, О. Н. Хромушин, Р. М. Леденев, Ю. С. Саулски, М. М. Кажлаев, В. Е. Тер-лецки, А. С. Мажуков, В. Г. Рубашевски, А. В. Калварски и др.

Жанрът на поп музиката включва различни видове поп песни: традиционна романтика, модерна лирична песен, песен в танцови ритми с развит инструментален съпровод. Основното, което обединява много видове поп песни, е желанието на техните автори за максимална достъпност, запомняемост на мелодията. Корените на такава демокрация са в старата романтика и в съвременния градски фолклор.

Поп песента не е просто чисто забавление. Така че в съветските естрадни песни звучат темите за гражданството, патриотизма, борбата за мир и пр. Ф. Тухманов и други съветски композитори са обичани не само у нас, но и далеч извън нейните граници. Песента на Соловьов-Седой "Московски вечери" получи наистина световно признание. През XX век. различни видове танцова музика се сменяха един друг. И така, тангото, румбата, фокстротът бяха заменени от рокендрол, twist and shake ги замениха, самба и боса нова ритми бяха много популярни. В продължение на няколко години стилът на диско е широко разпространен в поп и денс музиката. Възникна от сплав от негърска инструментална музика с елементи на пеене и пластичност, характерни за поп певци от Латинска Америка, по-специално от остров Ямайка. Тясно свързана в Западна Европа и Съединените щати със звукозаписната индустрия и практиката на дискотеките, диско музиката се оказва една от бързо развиващите се тенденции в поп и денс музиката от 2-ра половина на 20-ти век.

Сред съветските композитори, заложили домашни традиции в жанра на танцовата музика, са А. Н. Цфасман, А. В. Варламов, А. М. Полонски и др.

Съвременната рок музика може да бъде отнесена към областта на поп музиката. В музикалната култура на Западна Европа и САЩ това е тенденция, която е много колоритна като идейно-художествено ниво и естетически принципи. Представен е както от произведения, изразяващи протест срещу социалната несправедливост, милитаризма, войната, така и от произведения, проповядващи анархизъм, неморалност и насилие. Музикалният стил на ансамблите, представящи тази тенденция, е също толкова разнообразен. Те обаче имат обща основа, някои отличителни черти.

Една от тези особености е използването на пеене, соло и ансамблово, и следователно текста, който носи самостоятелно съдържание, и човешкия глас като специална темброва окраска. Членовете на ансамбли или групи често съчетават функциите на инструменталисти и вокалисти. Водещи инструменти са китарите, както и различни клавишни, по-рядко духови инструменти. Звукът на инструментите се усилва от различни звукови преобразуватели, електронни усилватели. Рок музиката се различава от джаз музиката в по-фракционната метро-ритмична структура.

У нас елементите на рок музиката намират отражение в творчеството на вокални и инструментални състави (ВИА).

Съветската поп музика, поради своя масов характер и широка популярност, изигра значителна роля в естетическото възпитание на по-младото поколение.