Сибиряков В. Н. Поп арт и парадоксите на модернизма. М., 1969г.
Воякина С. М. Чуждестранно изобразително изкуствоXXв М., 1978 г.
западно изкуствоXXв М.: "Наука", 1991.
Кантер. изкуствоXXв М., 1973 г.
Поле V. M. Двадесети век. Изобразително изкуство и архитектура на страни и народи по света. М.: "Съветски художник", 1989 г.
Маклакова Т. Г. Архитектурата на ХХ век. Бележки от лекциите. М., 1995г.
Двадесети век е белязан от интензивна урбанизация поради индустриализация, рязко увеличаване на градското население за сметка на хора с ниски доходи, което налага изграждането на жилищни сгради с евтини апартаменти под наем. Развива се комуникационната система и расте мобилността на населението. Има нужда от формиране на нови видове сгради (универсални магазини, банки, високи офиси, закрити спортни съоръжения и пазари, изложбени павилиони, промишлени съоръжения). През ХХ век се наблюдава известна девалвация на класическите традиции, което доведе до преразглеждане на критерия за "красота" в архитектурата. Съответно композициите на пространствата и обемите започват да се изграждат не от външни симетрични схеми на фасади, а от функционално целесъобразното изграждане на вътрешни пространства, които са отразени в конструкцията на външните обеми на сградата.
Приоритетът при преоценката на тектоничния фактор в съвременната архитектура принадлежи на френската школа и преди всичко на изключителния учен от средата на 19 век, архитект и реставратор на архитектурни паметници на средновековна Франция, Виола льо Дюк, неговата студент, историк на архитектурата Огюст Шуази и ученикът на последния, Огюст Перет, практикуващ архитект от 1910-те и 1950-те години 20-ти век
В архитектурата на XX век. се разграничават следните основни направления и стилове:
символика;
Деконструктивизъм.
функционализъм;
Експресионизъм;
Органична архитектура и регионализъм;
Структурализъм;
историзъм;
постмодернизъм;
Функционализъм.
Огюст Пере пише: „Ако една сграда наистина изпълнява предназначението си, тогава нейните външни форми трябва да говорят за присъщите й функции. Това е характерът на сградата. Ако можете да придадете характер на сградата с минимална цена, сградата ще има стил.” Г. Майер отбеляза: „Всички неща на земята са продукт на умножаване на функция по икономика. Следователно всички неща не са произведения на изкуството. Всяко произведение на изкуството е есе и следователно не е целесъобразно. Архитектурата е биологичен процес. Архитектурата не е процес на естетически ред. Новата жилищна сграда, която се създава, ще бъде не само „машина за живеене“, но и биологично устройство за задоволяване на духовни и физически нужди.
Функционализмът се появява в началото на 20-те години на миналия век. и обхвана не само архитектурата, но и широко и навсякъде се разпространява в целия обективен свят - мебели, дрехи, книжна графика, театрални декори и костюми и др., полагайки теоретична и практическа основа на дизайна.
Нови дизайни и материали.
O Perret активно използва стоманобетон. През 1903 г. той построява първата изцяло стоманобетонна къща в Париж.
Търси се изразителност на нови структури (мрежести метални конструкции на В. Г. Шухов в Русия). Немският архитект М. Берг през 1911-1913 г в Полша строи Столетната зала с отворени ребра на стоманобетонен свод.
След Втората световна война се появяват нови пространствени стоманобетонни конструкции, които използват извити линии (параболи, хиперболи, елипси). Качествата на предварително напрегнатия бетон позволяват увеличаване на разстоянията на подовете. Това се отразява на изграждането на мостове. Комбинацията от логическо и художествено мислене се проявява в проектите на възли, многоетажни гаражи.
Мостове от Робърт Майер (1872-1940).Стоманобетонните конструкции придобиват качествата на естетическа изразителност. През 1908 г. започват експерименти с гъбовидни безгредови тавани (гъбовидни капители на носещи колони). През 1933 г. е построен шосейният мост Швандбах (кантон Берн) със сърповиден сегмент. От самото начало на дейността си около 1910 г. до построяването на най-новите си мостове, Майер разработва принципите на арката с три панти, състояща се от кутийни секции. Той даде на тази структура гъвкавост, на която преди са се радвали само стоманените мостове. В павилиона на швейцарската компания Portland Cement Company на Швейцарското национално изложение през 1939 г. в Цюрих Майер демонстрира колко живописни и елегантни са стоманобетонните конструкции. Майсторът често прави първите скици на мостовете, които е замислил под формата на една извита линия, начертана върху лист хартия по време на пътуване от Цюрих до Берн, където се намира офисът му. Простите инженерни изчисления не са достатъчни, за да проправят пътя за нови решения. Това е област, в която изобретението, в пълния смисъл на думата, играе по-важна роля от изчисляването. Мостовете на Майер отговарят на естетическото чувство със своята поетична изразителност, тънко усещане за баланс.
Вътрешният двор, вътрешният двор, интимната част на къщата, е широко разпространен в Месопотамия от 200 г. пр. н. е. д. Римските селски къщи имат поредица от дворове, всеки от които е посветен на конкретна цел. През 1949 г. Хосе Луис Серт, при планирането на работническите лагери в Чембот (Южна Америка), въвежда отново вътрешния двор.
Петер Беренс (1868-1940).Започва дейността си в Германия като архитект в началото на 20 век. Работилницата на Беренс беше най-известната в Германия. В него са работили Мис ван дер Рое, Гропиус и дори Льо Корбюе (5 месеца). Той спечели известност с подхода си към индустриалното строителство като проблем на архитектурното творчество. През 1907 г. в Мюнхен е организиран Werkbund (индустриален съюз). Неговата мисия е „да направи занаята по-изтънчен и да подобри качеството на продуктите“. Художникът, работникът и индустриалецът трябваше да си сътрудничат в производството на неща с художествена стойност.
Уолтър Гропиус(1883-1969) започва кариерата си в Германия по време на разцвета на Werkbund. След дипломирането си работи в работилницата на Петер Беренс. Това продължава от 1907 до 1910 г., когато Беренс проектира турбинна инсталация за General Electric Company (AEG) в Берлин. В същото време Гропиус участва в дискусии в новоорганизирания Werkbund, което помага да се изкристализират идеите му за природата на архитектурата.
След като отваря собствен офис, Гропиус получава поръчка от фирма Фагуст за проекта на фабрика за производство на обувки (1911). Тази фабрика е проектирана, като се вземат предвид не индивидуалните нужди на човек, а безличните процеси, които протичат в сградата. След 1934 г. Гропиус работи в Англия.
Следвоенна Германия и Баухаус (1919-1928).Експресионизмът докосна творчеството на почти всеки художник в Германия, но не може да има здравословен ефект върху архитектурата. Гропиус е наясно с несъответствието на експресионизма с изискванията на епохата и необходимостта да се отдалечи от нея. Когато Гропиус обединява Училището за изящни изкуства и Академията за приложни изкуства във Ваймар, за да образува Баухаус, той се опитва да намери учители, които преди това не са работили в областта на приложните изкуства. Той поверява въвеждащия курс на младия художник Йохан Итен. От самото начало в Баухаус работят скулпторът Герхарт Маркс и експресионистът Лионел Файнингер, който се интересува от проблемите на космоса.
Вторият етап на развитие започва през 1921 г., когато художникът Паул Клее се присъединява към групата на Баухаус. След това все повече хора идват от абстракционистки групи: първо Оскар Шлемер през 1921 г., след това през 1922 г. Василий Кандински и през 1923 г. Моголи-Наги (унгарски). Моголи-Наги, издател на книги, произведени от Баухаус, помогна за преодоляването на остатъците от романтичния мистицизъм.
Третият етап на Баухаус се характеризира с по-близък контакт с индустрията. Възникна по времето, когато това училище се премества от Вермар в Десау (преди 1928 г.). Валтер Гропиус завършва сградата на Баухаус в Десау през 1926 г
Баухаус е най-високото архитектурно и художествено-индустриално училище. Теоретичната основа на Bauhaes беше функционализмът – „каквото изглежда добре, това, което работи добре“. Лидерите на Баухаус се стремят да създадат ненационална демократична архитектура.
През 1920-те години постигна голям успех холандскиАмстердам училищеначело с И.-П. Audi. Проектира няколко работнически селища и евтини къщи.
CIAM-Международни конгреси на съвременните архитекти – обсъждат проблемите на съвременната архитектура. Първият конгрес се провежда през 1928 г. в Ла Сару.
Особено ярко се прояви функционализмът в съветската архитектура 1920-30-те години Проблемът за формирането на нова архитектура за ново общество през 20-те години на миналия век. особено привлечени архитекти от младо и средно поколение, обединени в няколко творчески сдружения. Нагласите на тези асоциации се различават, но ориентацията към пълно отхвърляне на традиционния език на архитектурните форми е обща.
Създадената през 1923 г., оглавявана от Н. Ладовски и В. Крински, Асоциацията на новите архитекти (ASNOVA), които се наричат рационалисти, преследва главно естетическа цел - разработването на принципно нов синтаксис на архитектурната форма, основана на психофизиологичните закони на възприемане на основните съставни елементи на една архитектурна композиция - обем, равнина, ритъм и др. През 1925 г. в ASNOVA се присъединява К. Мелников, авторът на първите шест клуба в Москва.
През 1925 г. възниква Асоциацията на модерните архитекти (OSA) начело с А. и В. Веснин и М. Гинзбург. OSA си постави за цел и формирането на типове сгради, отговарящи на съвременните социални условия. Подходът на OCA към дизайна обаче беше по-прагматичен. В оформлението на сградата те разглеждат фундаменталната функционална и конструктивна организация на пространството като източник на неговата хармонизация. Този подход е формулиран от майсторите на OCA като „функция на конструираната материална обвивка и пространството, скрито зад нея“. Тази тенденция се нарича конструктивизъм в СССР.
През първата половина на 1920 г. в СССР се оформя концепцията за прилично масово жилищно строителство за работници. Неподобрените имения в работните покрайнини на големите индустриални градове трябваше да бъдат заменени от удобна 2-4-етажна комплексна сграда със секционни къщи, училища и магазини. Читалището на комплекса беше работещ клуб. Така от 1923 г. селището Сокол (архитект Н. Марковников), комплексът в завода АМО в Москва (архитект И. Жилтовски), жилищните комплекси на име. Разин, тях. Киров, тях. Артем, им. Шаумян в Баку (архитекти А. Самойлов, А. Иваницки), в Харков, Ленинград, Тбилиси и други градове.
Няколко години по-късно тези идеи са приложени в практиката на строителството в западните страни, предимно в Германия (архитекти В. Гропиус, Е. Май, Б. Таут, Г. Майер).
Обединяването на външния вид и геометричността на фабричните продукти се разглежда от майсторите на новата архитектура като естетическо средство за хармонизиране и осигуряване на художественото единство на хастройката, заменящо класическите архитектурни форми. Льо Корбюзие пише през 1923 г.: "Необходимо е да се създаде дух на серийност - желанието да се живее в серийни къщи, да се проектират къщи като серия." Колосално влияние върху формирането на композиционните техники в архитектурата на модерното движение е публикувано от Льо Корбюзие (вила в Гарш, вила Савой в Поаси) в книгата му „Сиятелен град“ пет принципа на строителния дизайн:
върху отворени стълбове, които отделят сградата от земната влага;
с комбиниран плосък стоманобетонен покрив-градина, осигуряващ на обитателите на къщата допълнителна територия за отдих;
със свободно разположение на вътрешните пространства, което се осигурява от подмяната на вътрешните носещи стени с рамка;
с лентови прозорци, които увеличават осветеността на помещенията;
със свободна композиция на фасадите, която се осигурява чрез замяна на носещата конструкция на външните стени с неносеща при преминаване към рамкова конструктивна система.
Възникна парадоксална ситуация: отричайки по принцип нормативността на класическите архитектурни форми, в реалната проектантска практика функционализмът е стигнал до доста монотонна предписна форма.Умишленото ограничаване на изразните средства може в крайна сметка да доведе до обезценяване на естетиката на тази школа. Но развитието му е прекъснато от тоталитарни режими, които поддържат традиционния патос на класическата архитектура. Функционализмът получава второ вятър след Втората световна война, когато се налага бързо и икономично възстановяване на разрушените градове. През 1940-1950 г. функционализмът става все по-широко разпространен, отколкото през 20-те години на миналия век.
Архитектурната тема на стъклената фасада е реализирана от Льо Корбюзие в началото на 30-те години на миналия век. в сградите на приюта за нощувка на Армията на спасението в Париж и в сградата на Центросоюз в Москва. Идеята за небостъргач със стъклени външни стени обаче принадлежи на друг голям майстор на модерното движение - Мис ван дер Рое. Той го развива от 1919 г. в различни проекти, но го реализира само няколко десетилетия по-късно в САЩ. Първо в комплекс от две стъклени високи едносекционни жилищни сгради на Lake Shock Drive в Чикаго, а след това в офиса на Seagram Building в Ню Йорк. За разлика от функционализма от 20-те години, който формално култивира нова конструктивна форма, но на практика я имитира, изпълнявайки я от традиционни материали, американският функционализъм от 1950-те. разчита на силно развита строителна индустрия. Високото качество на новите материали и продукти, използвани за тези предмети, отчасти компенсира елементарния характер на техните триизмерни форми. Темата за висока стъклена кула за офис или хотел е възприета от архитекти и клиенти по целия свят. Функционализмът през 50-те години на миналия век наречен "международен стил".
В периода на особено мащабно развитие на масовото строителство в СССР през 1950-1970-те години. възникна ситуация, която обективно допринесе за упадъка на естетическите свойства на жилищното строителство. Безпрецедентните обеми на строителството съвпаднаха с периода на формирането на домостроителната индустрия, която изискваше минимално разнообразие от промишлени продукти. Свободното развитие на жилищните зони разруши обичайните представи за градската среда, предизвиквайки носталгия на новите заселници по традиционното градско пространство.
Естетическата и етическата оценка на функционализма остава нестабилна през последните десетилетия. В период на особено остро разочарование от модернизма през 60-те години. построен през 1927 г. по проект на Льо Корбюзие, жилищният комплекс Pussac е напълно преобразен от жителите му по време на реконструкцията (плоските покриви са заменени с скатни, прозорците са затворени, стените са боядисани и покрити с декор). След 10-15 години в Германия жилищните комплекси на В. Гропиус и Б Таут - Зименсщат, Целендорф, Нойокелн в Берлин бяха възстановени с любов и грижливо.
Експресионизъм.
Експресионизмът в архитектурата е клон на общото експресионистично течение в изкуството, което обединява литературата (Ф. Кафка), музиката (А. Скрябин), киното (Р. Виене), живописта (В. Кандински, П. Клее). В архитектурата първите поразителни прояви на експресионизма датират от 1919-1922 г. Тогава експресионистичните произведения се появяват с различна честота през 1950-те и 1970-те години. (долни произведения на Льо Корбюзие, Е. Сааринен, Дж. Утсън, О. Нимайер, Г. Шарун).
Експресионизмът в архитектурата се характеризира с подчертана емоционална изразителност на композицията, често постигната чрез острота, гротескност, умишлена деформация или обобщаване на познати форми. Стандартът на експресионизма през 20-те години на миналия век. е сградата на астрофизичната лаборатория "Айнщайн Кула" в Потсдам (1921 г.), проектирана от Е. Менделсон като свободна скулптурна сграда в монолитен стоманобетон с пластмасови, обтекаеми формани, почти изключващи ортогонални спрежения.
През 1950-те години с представката "нео" експресионизмът отново излиза на сцената на световната архитектура. Най-известното произведение на неоекспресионизма е параклисът в Роншан (Франция), построен по проект на Льо Корбюзие през 1950-1955 г. Композицията му е вдъхновена от изображенията на първите молитвени домове на християнството.
Г. Шарун, извършвайки работата си в Германия (операта в Берлин), намира експресионистичен начин дори за решаване на такава нормативно определена архитектурна форма като жилищна сграда. В своя жилищен комплекс в Щутгарт "Ромео и Жулиета" (1956-1960) той създава нетривиална триизмерна форма на сгради. Сградата „Жулиета” е с подковообразен план и каскадна височина (5, 8 12 етажа), а едносекционната 20-етажна сграда „Ромео” е с план със сложна многоъгълна форма. Балконите и лоджиите с различни наклонени форми придават допълнителни неочаквани артикулации на обемите на сградите. Г. Шарун създаде интересни индивидуални интериорни пространства в апартаменти със скромни размери, стимулирайки жителите да бъдат креативни при подреждането на интериора.
Неоекспресионизмът, залагайки до известна степен на постиженията на функционализма, въвежда в него хуманизиращ емоционален и индивидуален принцип, използвайки умело възможностите на съвременните структури и материали.
Органична архитектура и регионализъм.
Франк Лойд Райт пише: „Органичната архитектура е... архитектура, в която целостта е идеалът... във философски смисъл, където цялото е свързано с частта, тъй като частта е с цялото и където природата на материалите, естеството на целта, естеството на всичко осъществено става ясно, казано като необходимост. От това естество следва какъв характер при дадени конкретни условия може да придаде един истински художник на една сграда.
Естетическият пуризъм и емоционалните ограничения на функционализма стимулират развитието на редица направления, които компенсират тези недостатъци. Един от тях органичен,вторият е регионален. Първият се свързва главно с името на изключителен американски архитект Ф. Л. Райт.Споделяйки рационалните принципи на функционализма, той смята, че естетиката на създадените пространства и обеми е също толкова важна. Неговата основа беше органичната връзка на сградата с околния пейзаж, а нейното оборудване, мебели, посуда - с композицията на вътрешната среда на сградата. За почти 70 години творчески живот Ф. Л. Райт изгражда много изключителни структури за различни цели: многоетажни офиси, лаборатории, музеи, частни къщи. Принципите на органичната архитектура диктуват на Райт използването на традиционни материали (камък, тухла, дърво) и съвпадението на текстурите на конструкциите на фасадата и в интериора (например неизмазана зидария). Музеят на Гугенхайм в Ню Йорк, построен по негов проект, беше много известен; 15-етажна лабораторна сграда на Джонсън в Расин; различни имения - „прерийни къщи“, „Къща над водопад“ и др. Очевидно е обаче, че пълното изпълнение на идеите на органичната архитектура е постижимо само при работа с богат клиент. Райт разделя пространството на имения, като правило, на зони - общи и интимни, и той проектира пространството на общата зона като "течащо" - без твърди прегради между залата, общата стая и трапезарията.
Развитието на регионализма пада в края на 30-те години на миналия век, а разцветът му - през 1950-1980-те години. На първо място, той се формира в страните от Северна Европа, а след това започва активно да се развива в Латинска Америка и Япония. На практика опитът от проектиране на национални павилиони за множество международни и световни изложби допринесе за идентифицирането (понякога преувеличено) на регионалните особености на архитектурата. Тази практика започва да се оформя през втората половина на 19 век. През XX век. скандинавските страни тръгват по пътя на последователния регионализъм. Те отказват функционализма, тъй като много от неговите принципи стават неприемливи в студен суров климат. Тук отново се появяват покриви със скатни покриви, подреждат се топли изби или подземия, изграждат се криволинейни къщи, които повтарят склоновете на планинските вериги, проектирани са затворени светлинни отвори, използват се традиционни материали (тухла, камък, дърво, включително лепено дърво).
Регионализмът в Япония се развива в три посоки – имитация, илюстративен традиционализъм и органично пречупване на традициите. Имитация на традиционна дървена рамка в стоманобетон се използва в проектите на религиозни сгради от различни концесии, но може да се намери и в архитектурата на светски сгради - Японския павилион на Експо-67 в Монреал (архитект Йошинобо Ашихара), сграда на Националния театър в Токио (архитект Хироики Ивамото). Илюстративният традиционализъм се характеризира с метода на въвеждане в сградата, подредени във формите на функционализъм, на отделни детайли - "напомняния" за традиционни архитектурни форми. Такава например е коронацията на сградата на международните конференции в град Киото (архитекти Отани и Очи), за чийто исторически прототип е избрана коронацията на храм от 3 век пр.н.е. н. д. в град Исе. Композицията на сградата на Фестивалната зала в Токио (архитект К. Маекава, 1960) може да се отдаде на една наистина органична посока във възприемането и използването на традициите. Тук се използва масивен покрив с голямо изместване. Сложните форми на покрития отразяват традиционната архитектура на Олимпийския спортен комплекс в YoYogi Park в Токио (архитект К. Танге).
Структурализъм.
В историята на архитектурата на XX век. структурализмът, основан на естетизирането на конструктивната форма, заема междинна позиция между конструктивизма от 20-те години на миналия век и високите технологии от 1980-те. Класическият функционализъм от 20-те години на миналия век не позволява подчиняването на обемната форма на чисто композиционните изисквания (функцията винаги е била определящият фактор). Структурализмът залагаше на изразните възможности на нови, но вече добре проучени конструкции. Той се основава на избора на дизайнерски варианти при проектирането не само на най-добрите по отношение на технически показатели, но и с изразителен потенциал за оформяне. Структурализмът се проявява най-ясно от края на 1940-те до 1960-те години. Най-интересните произведения на структурализма се намират в работата на П.-Л. Nervi (Италия), R. Sarger (Франция), l. Кан (САЩ). За първите двама майстори дизайнът е бил първоначален при формирането на архитектурния образ, за третия - функцията.
Нерви и Саргер (първият е инженер по основно образование, вторият е архитект) в своята творческа дейност създадоха най-интересните структури, подредени с помощта на пространствени покрития с голям размах от тънкостенни черупки. Въпреки че подобни конструкции в строителството започват да се използват от 20-те години на миналия век, те получават най-голяма изразителност не само като конструктивна, но и като архитектурна форма в работата на тези майстори. Тяхната дейност е свързана със създаването на образи на съвременни спортни, изложбени, търговски, транспортни съоръжения, подредени на базата на хармонизирана пространствена конструктивна форма на широкопролетно покритие. Най-съвършените в тази серия са сгради като Малкия олимпийски дворец на спорта (Palazzetto della Sport) в Рим, конферентните зали на ЮНЕСКО в Париж и изложбените павилиони в Торино в делото на Нерви и покритите пазари в Нантер и Роян в работата на Саргер. Дори и широко репликираното изображение на грандиозно и спортно съоръжение под формата на леща или „летяща чиния“ (циркови сгради в Сочи, Казан и други градове), в която долната обвивка е купа, която носи трибуните на зрителските места , а горният е наклонен купол на корицата, са отблъснати от творчеството на тези майстори.
Структурирането на формата на сградата, нейните обеми и пространства в творчеството на Л. Кан идва от функционалното предназначение на последните и необходимата им осветеност. Той групира основните и спомагателните помещения в независими триизмерни елементи, вярвайки, че „архитектурата е разумен начин за организиране на пространството... Структурата на обслужващите помещения трябва да допълва структурата на обслужваните. Онда е груб, брутален, другият е ажурен, пълен със светлина. Хармонизирайки формата и ритъма на редуване на обемите, Л. Кан намира първоначалната структурна основа за отделни композиции на такива сложни обекти за архитект като многоетажни сгради на научноизследователски институти и лаборатории. Следователно, особеността на творчеството на Л. Кан е хармоничното структуриране.
Историзъм.
Националната романтика в архитектурата.През 1910-те години в малките и северните страни на Европа привличането към националните корени и културните традиции придоби особено значение. То е отразено във всички видове сгради (кметството в Стокхолм, архитект Р. Остберг, 1911-1923). По този начин в храмовата архитектура работят А. Шчусев (Русия), Д. Скот (Англия), Е. Начиг (Сърбия), Л. Сонк (Финландия). Това са сгради с културно и социално предназначение Момчилов П. (България), М. Нилсен (Исландия); офис сгради от M. Paulson (Норвегия), V. A. Pokrovsky (Русия); Вили в калифорнийски стил в САЩ.
А. Щусев каза: „Класическата архитектура е език, който през всички времена на културните периоди на човечеството е бил разбираем за всички народи. Това е единствената архитектура, която е спечелила международна позиция."
в Европа през 1930-те и 1940-те години. (и в СССР до средата на 50-те години) историзъмстана основа за големи ансамбли. Отличителна черта на използването на древни класически архитектурни форми през този период е тяхното умишлено опростяване и загрубяване поради погрешната идея, че тези мерки допринасят за монументализирането на образа. Колоните губят интазиса си, пропорциите им стават по-тежки, а композициите като цяло придобиват артикулации с преувеличено голям мащаб. Крайните прояви на такъв загрубял неокласицизъм бяха композициите на редица правителствени съоръжения, издигнати в Италия и Германия при тоталитарни режими. Така са решени триумфалните конструкции (триумфалната арка в Genius и Паметникът на победата в Balzano) на архитект M. Piacentini и олимпийските спортни съоръжения в Рим (архитект L. Moretti и E. del Debio). Сградата на Двореца на цивилизациите (архитект архитект М. Пиачентини) в новия обществен център на Рим – комплексът EUR се превърна в своеобразен символ на тази тенденция в архитектурата. Композицията на двореца е опростена композиция на римския Колизеум.
В Германия на „Третия райх“ такъв загрубял фалшиво монументален неокласицизъм се въплъщава в строежа на Имперския националсоциалистически конгресен комплекс в Нюрнберг, Олимпийския комплекс и сградата на новата имперска канцелария (архитект А. Шпеер) в Берлин.
В СССР историзмът в архитектурата от първата половина на 20 век. остави редица безспорно естетически значими структури, базирани на комбинация от класически композиционни похвати със стилизирани елементи от националната архитектура. Най-добрият пример за такава композиция е Домът на правителството в Ереван (архитект А. Таманян). В неокласицизма такива примери са сградата на Министерския съвет в Киев (архитект И. Фомин и п. Абросимов), интериорът на московските метростанции Красные Ворота и Курская Радиальная (архитекти И. Фомин, Л. Поляков), интериори на метростанция Oktyabyskaya "(архитект Л. Поляков) и "Курская пръстен" (архитект Г. Захаров).
Ако в Европа след Втората световна война функционализмът става все по-широко разпространен, то в СССР архитектурният език на империята се възприема като единственото достойно средство за отразяване на триумфа на победата във Великата отечествена война от 1941-1945 г. Според законите на империята са възстановени центровете на градовете, разрушени по време на войната (ансамбълът на Московския държавен университет на Ленинските хълмове в Москва, архитекти Л. Руднев, Е. Чернишев, П. Амбросимов, А. Хряков, инж. В. Насонов). Последователното развитие на историзма в СССР е прекъснато в директива с резолюция на ЦК на ЦК на СССР и Министерския съвет на СССР от 4 ноември 1954 г. „За премахване на ексцесиите в проектирането и строителството.” Това обстоятелство върна родната проектантска практика към общоевропейския канал на функционализма.
Отклонение от функционализма в западните страни в края на 1950-те и началото на 1960-те. обусловена от редица социални и икономически причини. Но чисто емоционална оценка на това даде американският архитект F. VK. Джонсън. Като ученик и съавтор на Мис ван дер Рое в дизайна на сградата Seagram в Ню Йорк - този символ на "международен стил", Джонсън в края на 50-те години. скъсва с него и пише: „Мис основава изкуството си на три неща: икономика, наука, технология. Разбира се, че беше прав. Но това ме отегчава. Всички сме отегчени."
Допълнителни стимули за развитието на историзма са типични за 1960-1970-те години. социални явления, като развитието на туристическата индустрия и практиката на организиране на международни и световни изложения (EXPO). Архитектурната композиция на изложбените павилиони обикновено се основава на оригиналността на националните архитектурни форми. В резултат на това от 1970 г започва нов период в развитието на историзма в архитектурата. Тази посока е разнообразна, но получи общото име постмодернизъм.
Постмодернизъм.
C. Jenke каза: „Постмодернизмът е популистко-плюралистично изкуство на пряката комуникация”.
П. Вайл и А. Гайс отбелязват: „Постмодернизмът е изкуството на една епоха, която е оцеляла след краха на всички големи идеи на човечеството. Художникът вече не гради утопии, не престроява, а се установява в света, опитвайки се да се настани в него с максимален комфорт. За постмодернизма законът не е писан, той живее от еклектика, смело месейки изкуството си върху фрагменти от чужди думи и идеи. Културата на миналото за него е магазин за боклуци, откъдето взема всичко, което влиза в действие, обилно подправяйки получения продукт с думите на автора... Всяка сцена тук е цитат, това, между другото, изразява духа на постмодернизма, превърнал кавичките в свой основен инструмент и свой основен символ.
Постмодернизмът е широко обществено явление, което се е разпространило в много области на културата – философията. Литература, музика, изобразително изкуство, архитектура.
Идеологическата основа на постмодернизма е дълбоко разочарование от идеологията на историческия прогрес, формулирана от френските просветители от 18 век. и се основава на идеята за рационално преустройство на обществото и човека. Философите на постмодернизма (М. Фуко, Ж. Дерида) твърдят, че обещаното от просветителите от 18 век. реализацията на социална утопия се превърна в кошмари на революции и тоталитаризъм, защото насочва личността и обществото към непоклатима йерархия от ценности, към определен духовен център, морален абсолют. Философията на постмодернизма изхожда от предпоставката, че именно ориентацията към абсолюта непрекъснато възпроизвежда тоталните структури и тоталното съзнание. Единствената алтернатива може да бъде плурализмът. В тази връзка постмодернизмът обикновено се тълкува като плурализъм и ориентация към фрагмент вместо към цялото.
В архитектурата постмодернизмът се формира в края на 70-те години. и обединява днес различни майстори по творчески принципи и стил.
Постмодернистите подлагат на най-голяма критика такива основни положения на модернизма като функционалното зониране на градовете, аскетизма на архитектурните форми, отхвърлянето на цялото творческо наследство, регионализма и екологичния подход към дизайна.
В областта на архитектурните форми постмодернизмът се характеризира с възраждане (често екликтично) на исторически архитектурни системи и декор от всякакъв вид (декоративна зидария, облицовки, боядисване, ордерни композиции), призив към изразните черти на стенния масив с повреда на лентовите прозорци, които го разрушават, възраждането на активния силует на завършването на сградата (щипци, фронтони, тавани) в случай на отказ от плоски покриви. Възраждат се принципите на композиционното изграждане – симетрия, пропорционалност. Развитието на празни стени е много разнообразно, върху които се комбинират текстури, цвят, ниши и др.
Една от най-големите сгради в този стил, небостъргачът ATT в Ню Йорк (1978 г.), проектиран от бившия функционалист, а сега майстор на постмодернизма, Ф. К. Джонсън, се превърна в програма в развитието на постмодернизма.
Небостъргачът Plate Glass в Птсбърг (архитекти Ф. Джонсън и К. Бърджи) е проектиран като комплекс от 44-етажен централен обем, заобиколен от много по-призматични обеми (6-10 етажа). Всички обеми са облицовани с бронзово огледално стъкло и имат изразителни силуети на завършвания. Авторите се стремят да впишат сградата в заобикалящия я контекст.
В трудовете на теоретиците и практиките на постмодернизма (Р. Вентури, М. Кюло, Л. Криер, А. Роси, А. Грюмбако) са формулирани основните му принципи:
„имитация” на исторически паметници и „макети”;
работа в "стилове" (исторически и архитектурни);
„обратна археология” – привеждане на проектирания обект в съответствие със старата строителна традиция;
„ежедневието на реализма и античността”, осъществено чрез познатото „омаловажаване” или опростяване на приложените класически архитектурни форми.
Виждането на зрителя като съучастник и заинтересован потребител (а не обикновен градски жител) предопредели игривата, театрална природа на постмодернизма, а понякога дори и ярко изразени черти на кича и реквизита.
В Европа ансамбълът на жилищния комплекс Picasso Arena за 540 апартамента в парижкото предградие Marne-le-Vallee (1985 г.), проектиран от M. Nunez, може да бъде приписан към най-известните постмодерни градоустройствени композиции. М. Нунес,млад испански работник, запален по театъра, се присъединява към работилницата Tallier de Arquitecture и работи в нея от момента на нейното създаване. Не получава професионално образование, но през годините на работа в работилницата придобива необходимите умения на практика. От 1978 г. се откъсва от работилницата и работи самостоятелно. Състезавайки се с Tallière de Arcitecture, той проектира комплекса Arena Picasso в същото предградие на Париж, където добре познатата работилница проектира комплекса Abraxas Palace. И двата проекта бяха реализирани почти едновременно.
Композицията на комплекса Пикасо Арена е строго симетрична. В центъра има две 17-етажни къщи под формата на плоски кръгли дискове („будилници“ или „кошери“), поддържани на плоска основа от разширени 4-етажни къщи, както и разширени 7-10-етажни къщи, формиращи страничните крила на ансамбъла. Пространството на комплекса е обединено от високи (четири етажни) проходи, разположени по оста на комплекса и "будилници". Архитектурните форми на комплекса са изключително еклектични: съчетават готически летящи подпори с класически елементи, конструктивистки детайли и декоративна скулптура, вдъхновена от барокови образи. Цялата композиция е доминирана от духа на театралност, шокиращ кич и умишлена нефункционалност (особено в резидентните дискове).
В съответствие със съдържанието на поръчката използването на архитектурното наследство в постмодерните произведения се развива много различно: иронична карикатура, фрагментарно използване на детайли, документално точно цитиране. Пример за последното е сградата на музея на художествената колекция на мултимилионер П. Гети. Сградата е проектирана от Р. Лангдън и Е. Уилсън и е рекреация на древната „Вила на папирусите“ от 1 век сл. Хр. н. д. по време на изригването на Везувий Херкулан.
Постмодерният е ориентиран към клиента. Оттук и неговите предимства и недостатъци.
Висока технология.
Хай-тек е естетическа тенденция в архитектурата, която се развива през 70-те години на миналия век, е съвременна модификация на техниката, която изповядва радикално обновяване на езика на архитектурата под влияние на технологичния прогрес. До известна степен хай-тек е последният етап от развитието на естетическото развитие на техническите форми, започнат от конструктивизма през 20-те години на миналия век и продължен от структурализма през 1950-те и 1960-те години.
Високите технологии се отличават от предишните етапи само с присъщия му демонстративен супер-технизъм, при който функционалното използване на строителни конструкции и инженерни системи и оборудване се развива в декоративно и театрално с елементи на преувеличение и ирония, което е присъщо и на други съвременни течения в изкуството, предимно постмодернизъм. За разлика от конструктивизма и структурализма, които оперират основно със стоманобетон и стъкло, хай-тек е насочен към овладяване на естетическия потенциал на металните конструкции в комбинация със стъкло. В допълнение, хай-тек активно включва елементи от тяхното инженерно оборудване в състава на сгради и конструкции - въздуховоди, вентилационни шахти, тръбопроводи. Въз основа на чисто технологичната практика на промишлените предприятия за маркиране на тръбопроводи от различни инженерни системи с различни цветове, хай-тек използва тази техника в обществени сгради вече като композиционен инструмент.
Идеологически предшественик на високите технологии с право се счита за архитект Ю. Чернихов. Той остави в многобройните си архитектурни фантазии от 30-те години на миналия век. композиции от сгради и конструкции, във външния вид на които пръчковидни стоманени конструкции са хармонично съчетани с аскетични равнини на ограждане и елементи на инженерни системи. Приоритетът на Й. Ченихов е отразен и в най-обширната монография за високите технологии на американския архитектурен историк Д. Колин, преведена на повечето европейски езици.
В практически план предшествениците на високите технологии през XIX век. считан за "Кристалния дворец" от архитект Д. Пакстън, а през XX век. - дело на Мис ван дер Рое. Този изключителен архитект, който започва като функционалист, се превръща в принципен антифункционалист в късния си период на творчество (50-60-те). Изхождайки от предпоставката, че функцията е краткотрайна и стриктното й спазване води до остаряване на капиталните сгради, той се стреми да формира структури с универсално вътрешно пространство, лесно приспособими към променящите се функции. Мис ван дер Рое използва широки рамки (сграда на архитектурния отдел на Университета на Илинойс, 1955 г.), колони и ферми (проект на театъра в Манхайм, 1953 г.), колони и стоманена конструкция на покрива (сграда на Нова национална галерия в Берлин) като системи за отдалечена поддръжка., 1962-1968).
Приоритетът на включването на ярко оцветени тръбопроводи в композицията принадлежи на архитекта E Saarinen (Технологичен център на General Motors в Детройт). В хай-тек се използват комбинирани рамки от твърди и кабелни елементи, има тенденция към преувеличаване на размерите на носещите конструкции.
Хай-тек естествено и целенасочено улавя в орбитата си не само външния вид и интериора на сградата, но и околната среда – озеленителни елементи и декоративни скулптури, изработени от същия материал като фасадите. Пред Congress-Halle (архитекти R. Schuller и W. Schuller-Witte, 1973-1979) на нисък пиедестал има скулптура – „куп алуминиеви колбаси”, иронично контрастираща с течните си форми с подчертана геометричност на сградата.
Най-известната високотехнологична сграда беше сградата на Центъра за изкуства. Ж. Помпиду на платото Бобур в Париж (архитекти М. Пиано и Р. Роджърс). Базирайки се на задачата да създадат свободно експозиционно пространство, авторите поеха по пътя на Мис ван дер Рое, но го доведоха до абсурд. В сграда с ширина 50 m всеки от шестте приземни етажа е покрит със стоманени ферми, подпряни на външни стоманени решетъчни опори. Обхват от 50 m за показване на книги и картини е очевидно излишен, а високата височина на фермите, съответстваща на такъв участък, води до факта, че почти половината от обема на сградата се заема от междуфермски междуетажни пространства. В тази връзка се наложи изграждане на допълнителни вътрешни стени за организиране на експозицията. Тук бяха поставени инженерни комуникации на фасадата, ескалатор, разположен в прозрачна пластмасова тръба, беше поставен диагонално по протежение на главната фасада.
По-широко, но в умерени форми, принципите на хай-тек се прилагат в състава на интериора на офис сгради, хотели, универсални магазини и многофункционални сгради от атриумен тип. Огромното (до цялата височина на сградата) пространство от атриуми е покрито на горното ниво от полупрозрачна метална конструкция. Тази конструктивна система се допълва от безшумни асансьори с прозрачни кабини, тръбопроводи и въздуховоди.
През 1980-те години Най-голямата и известна високотехнологична гражданска сграда беше високият офис на Hong Kong-Shanghai Banking Corporation, построен в Хонг Конг през 1986 г. по проект на Norman Foster Architectural Corporation. Конструктивната система на сградата е бъчва-мост (или бъчва-решетка). В краищата на сградата са разположени осем опори за бъчви. Всяка опора се състои от четири колони от тръбна секция, обединени от етаж по етаж твърди прегради в кух пространствен прът-ствол. Шахтите са обединени от едноетажни ферми (38,4 m). В посока, перпендикулярна на фермите, опорите на багажника са обединени от твърда решетка от диагонални скоби (която се намира на фасадата).
Високотехнологичното оцветяване се основава на комбинация от ахроматични нюанси с ярки цветове.
Хай-тек продължава да се развива, използвайки съвременни технологии и материали.
Символизъм.
Символ в изкуството е изображение с максимална степен на обобщение и изразност, изразяващо идея.
Развитието на различни посоки в еволюцията на архитектурата на 20 век непрекъснато се съпровожда, без да се смесва с тях, от създаването на сгради и конструкции, които носят символни функции - сгради-символи или съдържащи символни елементи. Обикновено те са призвани (изрично или завоалирано) да символизират някаква идеологическа, държавна, религиозна идея или друга програма, която не произтича пряко от функцията на сграда или структура.
Операта в Сидни трябва да се припише на символичните сгради, а предимството на нейната композиция е неяснотата на символиката: някои критици виждат в нея образа на ветроходен кораб, други - говорещи монахини в колосани шапки. И до днес най-изразителната от символичните сгради остава терминалът на летището. Дж. Кенеди в Ню Йорк. Сградата на терминала е проектирана от Е. Сааринен през 1958 г. Изработена е от монолитен стоманобетон с покритие, съставено от четири тънкостенни черупки с положителна гаусова кривина, създаващи символичен образ на излитаща птица. Е Сааринен успява да постигне необикновена хармония на структурата, намирайки правилната мярка за обобщаване на образа в границите между натурализма и схемата.
Наред с изобразителната символика, изхождаща с по-голяма или по-малка степен на обобщение от визуално възприеманите образи, се развива и спекулативната символика, която се нарича архитектура „за ангели и авиатори“. Характеризира се с подчинението на плановото решение на сградата на символичен образ, който при нормални условия не се възприема визуално. Пример за това е сградата на католическата катедрала Света Мария в Токио (архитект К. Танге, 1964 г.). Ромбичният обем на католическата катедрала по главните взаимно перпендикулярни оси е завършен с надлъжни светлинни фенери, което позволява да се наблюдават тези пресичащи се фенери от височина през нощта, като светещ латински кръст.
Деконструктивизъм.
Интересът към модернизма се възражда през 70-те и през 80-те години. той отново излиза на арената на световната архитектура под името неомодернизъм. Запазвайки предимствата на функционализма, неомодернизмът е освободен от редица недостатъци. Това вече не е бяла аскетична архитектура, а архитектура, която активно използва цвят. Произведенията на неомодернизма органично се вписват в контекста на развитието.
Решаващо значение за формирането на неомодернизма изигра началото на 70-те години. проникването на Запад на информация за архитектурата на съветския авангард от 1920-те, което доведе до 1980-те. до сериозно очарование от нейните образи и идеи.
Клонът на еномодернизма, основан не на прякото заимстване на идеите от миналото, а на тяхната сигурна трансформация, се нарича деконструктивизъм („декон”).
Като цяло (с цялото разнообразие от индивидуални творчески маниери и вероизповедания), базирани на композиционните принципи на конструктивизма, майсторите на "декон" прибягват до известна деформация на техниките на конструктивизма ("изкривяване на абстракцията"), които придават на композицията динамизъм и острота. Като източници различните автори на деконструктивизма избират различни периоди и различни автори на руския авангард. Например Р. Колхас и З. Хадид в работата си се фокусират върху късния авангард и особено върху „антигравитационната архитектура” на И. Леонидов (виж проекта му на Ленинския институт, 1927 г.). R. Koolhaas включи в композицията на своя танцов театър в Хага (1984-1987) обема на обърнат „златен” конус, в който постави ресторант, а Z. Hadid – окачен обем с клубни помещения в Peak Club конкурсен проект за Хонконг (1983 г.).
Светогледната платформа на деконструктивистите са положенията на съвременния френски философ Жак Дерида, който критикува метафизичната природа на всички форми на съвременното европейско съзнание, която според него се състои в принципа на „битието като присъствие”, който абсолютизира присъстват. Ж. Дерида вижда изход от тази метафизичност в намирането на нейния исторически произход чрез аналитичното разделяне („деконструкция”) на най-разнообразните текстове на хуманитарната култура, за да идентифицира в тях основни понятия и слоеве от метафори, които улавят следите от последващи епохи. Въпреки че основните положения на мирогледа на Ж. Дерида се основават на работата му с езика и писмеността, той прилага разпоредбите на своята теория към архитектурата на деконструктивизма.
В тази връзка е интересна оценката му за проекта на генералния план за Parc de la Villette в Париж от печелилия международния конкурс архитект Бернар Чуми. В проекта на Б. Чуми паркът е наситен с разсейване на светлина, предимно едноетажни павилиони - "фоли" (метални ярко оцветени конструкции, базирани на комбинация от изображения и техники на руския конструктивизъм). Дж. Дерида пише, че „фолиите внасят усещане за изместване или изместване в цялостната композиция, включвайки в този процес всичко, което досега сякаш придава смисъл на архитектурата... Фолиите деконструират преди всичко семантиката на архитектурата. Те дестабилизират смисъла, смисъла на смисъла. Няма ли това да доведе обратно до пустинята на „антиархитектурата“, до нулевия знак на архитектурния език, в който той губи себе си, своята естетическа аура, своята основа, своите йерархични принципи?... Несъмнено не. Фоли... одобряват, поддържат, актуализират и „пренаписват“ архитектурата. Може би те съживяват енергията, която беше замразена, зазидана, погребана в общ гроб на носталгията ”(Дженкс Ч. Деконструкция. Удоволствията от отсъствието. // Архитектурен деконструктивизъм. - М., 1991, стр. 14).
Така ярките произведения на деконструктивизма се основават на естетиката на изолиране на отделните детайли на сградата. Понякога авторите създават усещането за предварителен анализ на сградата на съставните й части и последващ опит за сглобяване на нова конструкция от съставните части. В този случай частите са „не на място“ или „не са напълно сглобени“. Създава се имитация на удар на снаряд в част от сградата и нейното частично разрушаване. Музеят на Гугенхайм в Билбао изглежда като огромна купчина разрушен метал, оставен в центъра на града.
Нови градски модели.
В края на XIX век. Ебенезер Хауърдбеше предложена идеята за град-градина. Патрик Джедсразглежда организма на града от гледна точка на биолог в книгата „Градове в еволюцията“ (1915 г., „Градове в еволюцията“). Той пише: „Плановете на гордите не са голи схеми, а система от йероглифи, чрез които човек е рисувал историята на цивилизацията... Нашата задача е да дешифрираме йероглифите и да ги изпълним с живот.”
"индустриален град" Тони Гарние(1901-1904) - модел на града, в който авторът се стреми да реши комплексно проблемите на града. Garnier нарича стоманобетон основният строителен материал. В "Индустриален град" можете да се движите без да използвате транспортните улици. Къщите Garnier с тераси и покривни градини са добра комбинация от строителство и стара класическа традиция. Това оформление беше частично реализирано в Лион.
Льо Корбюзиепрез 1922 г. в Париж представя проекта „Модерен град за 3 милиона жители”.
З. Гидионописва концепцията за "Пространство-време" в градоустройството. Градостроителят изучава състава на различните социални слоеве на населението, техните възрастови групи и структурата на семействата. Наблюдава се постепенно отклонение от концепциите за линейно оформление на улици и „оси“, преход към критериите за гъстота на населението. В Амстердам има от 110 до 550 жители на хектар. Градостроителят не трябва да създава твърда и цялостна система.
Паркуей (паркова алея) Хенри Гудсън, издигната през 1934-1937 г. в Ню Йорк. Паркове нямат кръстовища на едно ниво и са заобиколени от зеленина.
Около 1960 г. къщите от плочи стават често срещани по целия свят. Стените на сградата на RCA се издигат като твърда маса на височина от 259 m.
Напоследък започна преходът от планарно градско планиране към обемно планиране. Утзон вече подчерта съществуването на връзки между хоризонтални „слоеве“ под земята и над земята. Съвременното градско планиране се изгражда на слоеве или нива. „Индивидуалната сграда губи значението си в сравнение с общата обща форма“, каза японският архитект Фумихико Маки.
Ото Вагнер(1841-1918) осъзнават, че жилищният проблем на града не може да бъде решен чрез модела на град-градина. Той пръв посочи, че планирането на града трябва да отчита нуждите на различни социални слоеве от населението и да създава здравословни условия „за средния жител“. Тези нужди се променят с времето.
На конгреса на CIAM в Атина през 1933 г. бяха поставени искания: „всеки град трябва да създаде генерален план за развитие и заповеди, които да гарантират неговото прилагане“, както говори Вагнер 30 години по-рано. Както е посочено в " Харта на Атина» «Слънце, зеленина, пространство са трите основни елемента на градското развитие». Прилагането на принципите на "Атинската харта" доведе до регулиране на озеленяването на жилищни райони, отхвърляне на затворена блокова сграда с дворове-кладенци, преход към отворена свободно аерирана сграда с добра изолация на жилищата поради преобладаващо меридионално разположение на сгради. Това обстоятелство от своя страна обуславя използването на предимно линейна строителна система.
Система след лъч
Долменът Пулнаброн в Ирландия. 2005 година SteveFE/Flickr Най-простият архитектурен проект, известен от неолит. От древни времена до наши дни се използва във всички сгради, покрити с плосък или двускатен покрив. В миналото върху стълбове от същия материал са се полагали дървени или каменни греди - днес вместо естествен камък се използва метал и стоманобетон.
Около 2500 г. пр.н.е. д.
Началото на дизайна на колоните
Гробницата на фараона от 5-та династия Сакхура. Реконструкция от Лудвиг Борхард. 1910 г Wikimedia Commons древни египетски архитектиостана верен на пост-гредовата система, но даде смисъл на архитектурните форми. Колоните в храмовете им започват да изобразяват палма, лотос или сноп папирус. Тези каменни „гъсталаци“ разказват за задгробната гора, през която душите на мъртвите трябва да си проправят път към нов живот. Така архитектурата се превърна в изящно изкуство. По-късно те започнаха да правят огромна скулптура от архитектура и в Месопотамия. Те обаче предпочитаха да извайват бикове, грифони и други същества от животинския свят.
Около 700 г. пр.н.е. д.
Сгъване на антична поръчка
Храм Т в Селинунте. Рисунка от Жак Игнас Гиторф. 1859 г Wikimedia Commons гърцинаправи темата за архитектурата като самата художествена архитектура, или по-скоро, историята на работата на нейните структури. От този момент нататък подпорите на гредовата система не само украсяват сградата, но и показват, че поддържат нещо и че им е трудно. Те искат съчувствието на публиката и за убедителност имитират структурата и пропорциите на човешката фигура – мъжка, женска или момичешка. Строго логическа система от поддържащи и поддържани елементи се нарича поръчка. Поръчка- (от лат. Ordo) военна система, орден.. Обикновено има три основни ордена - дорийски, йонийски и коринтски - и два допълнителни - тоскански и композитен. Това е моментът на раждането на европейската архитектура.
Около 70 г. сл. Хр. д.
Началото на широкото използване на сводести конструкции
Колизеум в Рим. Гравюра на Джовани Батиста Пиранези. 1757 г Wikimedia Commons римлянизапочват да се използват широко арки и сводести конструкции (сводове и куполи). Хоризонталната греда може да се напука, ако е твърде дълга; клиновидните части в дъговидната дъга не се чупят под натоварване, а се компресират и не е лесно да се разруши камъкът с натиск. Следователно сводестите конструкции могат да покриват много по-големи пространства и да ги натоварват много по-смело. В същото време, след като овладеха арката, архитектите на Рим не започнаха да съставят нов архитектурен език, който да замени древногръцкия. Системата след греда (тоест колоните и поддържаните от тях елементи) остана на фасадите, но сега често не работеше, а само украсяваше сградата. Така римляните превърнали поръчката в украса.
318 година
Връщането на раннохристиянските архитекти към дървените покривни ферми
Базиликата Свети Петър в Рим. Реконструкция от Хенри Уилям Брюър. 1891 г Wikimedia Commons Падането на Западната Римска империя срина икономиката на това, което днес наричаме Западна Европа. Нямаше достатъчно средства за изграждането на каменни тавани, въпреки че имаше нужда от големи сгради, предимно в храмове. Така византийски строителиТрябваше да се върна при дървото, а с него - и към системата за стълб и греда. Гредите бяха изработени от дърво - конструкции за покрива, където част от елементите (подпорите) според законите на геометрията работят не за счупване, а за разкъсване или компресия.
532 година
Началото на използването от византийските архитекти на купола върху платна
Купол на Света София в Константинопол. 2012 година Hochgeladen von Myrabella / Wikimedia Commons технологичен пробив Византийска архитектура- поставяне на купола, изобретен още в древен Рим, не върху кръгли стени, които затварят вътрешното пространство, а върху четири арки - съответно само с четири опорни точки. Между сводовете и куполния пръстен са оформени двойновдлъбнати триъгълници – платна. (В църквите най-често те изобразяват евангелистите Матей, Лука, Марк и Йоан – четирите стълба на църквата.) По-специално, благодарение на този дизайн, православните църкви имат познат вид за нас.
Около 1030г
Връщане към изграждането на сводести сводове в романската архитектура
Катедралата Шпайер в Германия. Рисунка от Август Есенвайн. 1858 г Wikimedia Commons В началото на второто хилядолетие от нашата ера в Европа започват да се оформят мощни империи и всяка се смята за наследник на Рим. Възраждат се и традициите на римската архитектура. величествено романскикатедралите отново са покрити със сводести конструкции, подобни на антични – каменни и тухлени сводове.
1135 г
Готическите архитекти придават на сводестите структури ланцетни очертания
Катедралата на Светия кръст в ОрлеанРено Камю/Flickr Арката и сводестите конструкции имат един сериозен недостатък. Те се опитват да се измъкнат. Преди готическиархитектите противодействат на този ефект, като изграждат дебели стени. Тогава е намерена друга техника: арки и сводове започват да се правят ланцетни. Дизайнът на тази форма притиска повече опорите, отколкото страните. Освен това отстрани тази система беше поддържана от специални "мостове" - летящи подпори, които бяха хвърлени от отделни колони - подпори. Така стените бяха освободени от всякакво натоварване, осветени или дори изчезнали, отстъпвайки място на стъклени картини - витражи.
1419 г
В епохата на Ренесанса, барока и класицизма стиловете се формират независимо от новостта на използваните структури.
Изглед към площад "Свето Благовещение". Картина от Джузепе Зоки. 16 векНа площада се намира портикът на Ospedale degli Innocenti ("Подслон на невинните") от архитекта Филип Брунелески (1419-1445). christies.com
Ренесансдаде на света най-големите куполи, но от този момент нататък великите стилове възникват не толкова благодарение на строителните иновации, а в резултат на промяна в самата картина на света. Ренесанс, маниеризъм, барок, рококо, класицизъм и ампирродени по-скоро благодарение на философи, теолози, математици и историци (и до известна степен на онези, които въведоха галантни маниери в модата), отколкото на изобретателите на нови дизайни на тавани. До ерата на индустриалната революцияиновациите в строителните технологии вече не са определящият фактор за промяната на стиловете.
1830 г
Началото на "железопътната треска" доведе до масовото използване в строителството на метални конструкции
Пускане на жп линията Ливърпул-Манчестър. Рисунка от A. B. Clayton. 1830 г Wikimedia Commons Релсите, първоначално предназначени само за железопътни линии, се оказаха идеален строителен материал, от който лесно се създават здрави метални конструкции. Бързото развитие на наземния парен транспорт допринесе за нарастването на капацитета на валцовите мелници, готови да предоставят на инженерите произволен брой канали и I-образни греди. От такива детайли и днес се изработват рамки на високи сгради.
1850 г
Стъклото се превръща в пълноценен строителен материал
Кристъл Палас в Хайд Парк. Рисунка от Филип Бранан. 1850-1851 гМузей на Виктория и Албърт Фабричното производство на голямо прозоречно стъкло даде възможност за разработване на строителни технологии първо на големи оранжерии, а след това на грандиозни сгради за други цели, в които или всички стени, или покриви бяха направени от стъкло. Приказните "кристални дворци" започнаха да се сбъдват.
1861 г
Началото на промишленото използване на стоманобетон
Рисунка на къщата на Франсоа Куане от ноемврийския брой на списание L „Ingénieur за 1855 г. histoire-vesinet.org Опитите за укрепване на бетона са правени в древен Рим; метални пръти за подсилване на подове започват да се използват активно от началото на 19 век. През 1860-те години градинарят Джоузеф Моние, търсейки начин да направи градинските вани по-здрави, случайно открива, че ако металната армировка се постави в бетон, здравината на получената част се увеличава многократно. През 1867 г. откритието е патентовано и след това продадено на професионални инженери, които разработват методи за прилагане на тази нова технология. Предприемчивият градинар обаче беше само един от няколкото бащи на новата строителна технология. Например през 1853 г. във Франция инженерът Франсоа Куане построява къща изцяло от стоманобетон и през 1861 г. публикува книга за нейното приложение.
1919 г
Комбиниране на всички технологични възможности в едно ново
"модерен" стил
Павилион Esprit Nouveau от Льо Корбюзие в Париж. Пощенска картичка от 1925 г delcampe.net В своя манифест в списание Esprit Nouveau, Льо Корбюзие, един от лидерите на модернистичните архитекти, формулира пет принципа на модерната архитектура, които я връщат към древните идеали - не външно, а в главното: образът на сградата отново започва истински отразяват работата на конструкциите и функционалното предназначение на томовете. До началото на 20-ти век декорът на фасадите започва да се възприема като измама. Имаше нужда да се обърнем към произхода, да вземем пример от древногръцките храмове, които вярно разказваха за работата на структурите. Сега обаче подовете бяха от стоманобетон, чийто смисъл е, че там, където частта работи за счупване, армировката, заложена в нея, устоява на скъсване. Следователно съвременните конструкции могат да покриват участъци с почти всякаква ширина. Сега сградите можеха напълно да загубят своите колони, декорации, можеха да имат масивно остъкляване, тоест да придобият познатия ни „модерен вид“.
Изкуството на арабските страни е сложно по произход. В Южна Арабия те датират от културите на сабейските, минейските и химяритските държави (1 хилядолетие пр. н. е. – 6 век сл. Хр.), свързани със Средиземноморието и Изтока. Африка. Древните традиции могат да бъдат проследени в архитектурата на къщите с форма на кула на Hadhramawt и многоетажните сгради в Йемен, фасадите на които са украсени с цветен релефен модел. В Сирия, Месопотамия, Египет и Магреб стиловете на средновековното арабско изкуство също се формират на местна основа, като изпитват известно влияние от иранската, византийската и други култури.
Архитектура. Основната религиозна сграда на исляма е джамията, където последователите на пророка се събират за молитва. Джамии, състоящи се от ограден двор и колонада (която поставя началото на джамия тип „двор” или „колона”), през 1-ва половина на 7 век. са създадени в Басра (635 г.), Куфа (638 г.) и Фустат (40-те години на 7 век). Типът колона дълго време остава основен в монументалната религиозна архитектура на арабските страни (джамии: Ибн Тулун в Кайро, 9 век; Мутаваккил в Самара, 9 век; Хасан в Рабат и Кутубия в Маракеш, и двете 12 век; Голямата джамия в Алжир, 11 век и др.) и повлия на мюсюлманската архитектура на Иран, Кавказ, ср. Азия, Индия. В архитектурата се развиват и куполни структури, ранен пример за които е осмоъгълната джамия Куббат Ас-Сахра в Йерусалим (687-691). В бъдеще различни религиозни и мемориални сгради бяха завършени с куполи, най-често те бяха увенчани с мавзолеи над гробовете на известни хора.
От 13 век до началото на 16 век. Архитектурата на Египет и Сирия беше тясно свързана. Извършено е голямо укрепление: цитадели в Кайро, Алепо (Алепо) и др. В монументалната архитектура от това време пространственият принцип, който доминира в предишния етап (джамия в двора), отстъпва място на грандиозни архитектурни обеми: над гладката повърхност от мощни стени и големи портали с дълбоки ниши се издигат високи барабани, носещи куполи. Строят се величествените сгради на четири айвана (вж. Иван) от типа (известен преди в Иран): маристан (болница) на Калауна (13 век) и джамията на Хасан (14 век) в Кайро, джамии и медресета (духовни училища) в Дамаск и други градове на Сирия. Изграждат се множество куполни мавзолеи, понякога образуващи живописен ансамбъл (гробището на мамелюците в Кайро, 15-16 век). За украса на стените отвън и в интериора, заедно с дърворезба, широко се използва инкрустация с многоцветен камък. В Ирак през 15-16 век. декорът използва цветна глазура и позлата (джамии: Муса ал-Кадима в Багдад, Хюсеин в Кербала, Имам Али в Наджаф).
Процъфтява през 10-15 век. Арабска архитектура на Магреб и Испания. В големите градове (Рабат, Маракеш, Фес и др.) са построени касби - цитадели, укрепени с мощни стени с порти и кули, и медини - търговски и занаятчийски квартали. Големите колонни джамии на Магреб с многостепенни, квадратни минарета се отличават с изобилие от пресичащи се кораби, богатство на резбовани орнаменти (джамии в Тлемсен, Таза и др.) и са великолепно украсени с резбовани дърво, мрамор и мозайки от многоцветни камъни, като многобройни медресета 13-14 век в Мароко. В Испания, наред с джамията в Кордоба, са запазени и други изключителни паметници на арабската архитектура: минарето Ла Хиралда, издигнато в Севиля от архитекта Джебер през 1184-96 г., портата на Толедо, дворецът Алхамбрав Гранада - шедьовър на арабската архитектура и декоративно изкуство от 13-15 век. Арабската архитектура оказва влияние върху романската и готическата архитектура на Испания („стил Мудехар“), Сицилия и други средиземноморски страни.
Декоративно-приложно и изобразително изкуство. В арабското изкуство е ярко въплътен принципът на декоративността, характерен за художественото мислене на Средновековието, което доведе до най-богатия орнамент, специален във всеки от регионите на арабския свят, но свързан с общи закони на развитие. Арабеската, която се връща към древните мотиви, е нов тип модел, създаден от арабите, в който математическата строгост на конструкцията е съчетана със свободно художествено въображение. Разработен е и епиграфският орнамент - калиграфски изпълнени надписи, включени в декоративния модел.
Орнаментът и калиграфията, които са били широко използвани в архитектурната украса (резба върху камък, дърво, почукване), са характерни и за приложното изкуство, което е достигнало висок разцвет и особено пълно изразило декоративната специфика на арабското изкуство. Керамиката е била украсена с пъстра шарка: остъклени домакински съдове в Месопотамия (центрове – Рака, Самара); съдове, боядисани със златни полилеи в различни нюанси, произведени във Фатимидски Египет; Испано-мавританска лъскава керамика от 14-15 век, която оказва голямо влияние върху европейското приложно изкуство. Копринените тъкани с арабски шарки – сирийски, египетски, мавритански – също се радваха на световна слава; Арабите също са правили килими. За украса на художествени бронзови предмети (купи, кани, кадилници и други прибори) се използват най-фините черене, гравюри и инкрустация от сребро и злато; продуктите от 12-14 век се отличават със специална изработка. Мосул в Ирак и някои занаятчийски центрове в Сирия. Прочути бяха сирийското стъкло, покрито с най-добрата емайлирана живопис и египетските изделия от скален кристал, слонова кост и скъпи дървета, украсени с изящни резбовани шарки.
Изкуството в страните на исляма се развива, взаимодействайки с религията по сложен начин. Джамиите, както и свещената книга на Корана, бяха украсени с геометрични, флорални и епиграфски мотиви. Въпреки това, ислямът, за разлика от християнството и будизма, отказва да използва широко изобразително изкуство за популяризиране на религиозни идеи. Още повече, че в т.нар. автентичните хадиси, легализирани през 9 век, съдържат забрана да се изобразяват живи същества и особено хора. Теолозите от 11-13 век (Газали и други) тези изображения са обявени за най-тежкия грях. Въпреки това художниците през Средновековието изобразяват хора и животни, реални и митологични сцени. През първите векове на исляма, докато теологията все още не е развила своите естетически канони, изобилието от реалистични картини и скулптури в интерпретацията на картини и скулптури в дворците на Омаядите свидетелства за силата на предислямските художествени традиции. В бъдеще изобразяването в арабското изкуство се обяснява с наличието на по същество антиклерикални естетически възгледи. Например в „Посланията на братята на чистотата” (10 век) изкуството на художниците се определя „като имитация на изображенията на съществуващи предмети, както изкуствени, така и естествени, както хора, така и животни”.
Джамия в Дамаск. 8 в. Интериор. Сирийска Арабска Република.
Мавзолеи в гробището на мамелюците близо до Кайро. 15 - нач. 16-ти век Обединена арабска република.
Живопис. Изобразителното изкуство процъфтява в Египет през 10-12 век: изображения на хора и жанрови сцени украсяват стените на сградите в град Фустат, керамични съдове и вази (майстор Саад и други), вплетени в модела от кост и дърво дърворезба (пано 11 век от двореца Фатимид в Кайро и др.), както и ленени и копринени тъкани; Бронзови съдове бяха изработени под формата на фигури на животни и птици. Подобни явления се случват и в изкуството на Сирия и Месопотамия през 10-14 век: съдебни и други сцени са включени в изящния очертан орнамент на бронзови предмети с инкрустация, в модела на картини върху стъкло и керамика.
Хубавото начало е по-слабо развито в изкуството на арабския Запад. Тук обаче са създадени и декоративна скулптура под формата на животни, модели с мотиви на живи същества, както и миниатюри (ръкопис „Историята на Баяд и Рияд“, 13 век, Ватиканска библиотека). Арабското изкуство като цяло беше ярко, оригинално явление в историята на световната художествена култура на Средновековието. Неговото влияние се разпростира върху целия мюсюлмански свят и надхвърля неговите граници.
4. Архитектурата като форма на изкуство
Архитектурата е един от най-старите видове изкуство, изразяващ в религиозни и обществени сгради светогледа на хората в определена историческа епоха, определен художествен стил. АРХИТЕКТУРА (лат. , художествено организирана среда на човешкия живот. Също така изкуството на формиране на тази пространствена среда, създаване на нова реалност, която има функционално значение, носи ползи на човек и доставя естетическо удоволствие. Терминът обхваща дизайна на външния вид на структура; организация на вътрешното пространство; избор на материали за външна и вътрешна употреба, проектиране на системи за естествено и изкуствено осветление, както и инженерни поддържащи системи; електричество и водоснабдяване; декоративен дизайн.Всяка от сградите има определено предназначение: за живот или работа, отдих или обучение, търговия или транспорт. Всички те са издръжливи, удобни и необходими за хората - това са техните задължителни свойства.
Видове архитектура
Има три основни типа архитектура:
Архитектурата на триизмерни структури включва религиозни и укрепени сгради, жилищни сгради, обществени сгради (училища, театри, стадиони, магазини и др.), промишлени сгради (фабрики, фабрики и др.);
Ландшафтна архитектура, свързана с организацията на ландшафтно градинарско пространство (площади, булеварди и паркове с "малка" архитектура - беседки, фонтани, мостове, стълби)
Градоустройство, обхващащо изграждането на нови градове и реконструкцията на стари градски зони.
Архитектурни стилове
Архитектурата е тясно свързана с живота на обществото, неговите възгледи и идеология.Древногръцката архитектура се основава на идеята за съвършен, физически и духовно развит човек. Древните архитекти са изграждали всичките си сгради според пропорциите на човешкото тяло, въплъщаващи хармония, противопоставяне на елементите на природата, величествена яснота и човечност.“Стилът на епохата” (романски, готически и др.) възниква главно в онези исторически периоди, когато възприятието на произведения на изкуството е с различна сравнителна негъвкавост, когато все още лесно се адаптира към промяна в стила.
Големите стилове - романска, готика, ренесанс, барок, класицизъм, ампир /разновидност на късния класицизъм/ - обикновено се признават за равни и еквивалентни.Развитието на стиловете е асиметрично, което външно се изразява във факта, че всеки стил постепенно се променя. от просто към сложно; обаче, от сложно към просто, той се връща само в резултат на скок. Следователно стиловите промени се случват по различни начини: бавно - от прост към сложен и рязко - от сложен към прост. Романският стил се заменя с готическия повече от сто години - от средата на 12 век. до средата на тринадесети век. простите форми на романската архитектура постепенно се превръщат в сложен готически стил. В рамките на готиката, след това съзрява Ренесансът. С настъпването на Ренесанса отново започва период на идеологически търсения, възникване на цялостна система от мироглед. И в същото време отново започва процесът на постепенно усложняване и разпадане на простото: Ренесансът се усложнява, а след него идва Барокът. Барокът от своя страна, ставайки по-сложен, се превръща в рококо в някои видове изкуство (архитектура, живопис, приложно изкуство). След това отново има връщане към простото и в резултат на скока барокът се заменя с класицизъм, чието развитие в някои страни е заменено от империята.
Причините за смяната на двойки стилове са следните: реалността не избира стил измежду съществуващите, а създава нов стил и трансформира стария. Създаденият стил е основен стил, а трансформираният стил е вторичен стил.
Архитектура на родния край
Архитектура на Гродненска област
Борисоглебска (Коложская) църква, паметник на древноруската архитектура от втората половина на 12 век.
Замъкът Мир, включен в списъка на ЮНЕСКО, замъкът Лида (XIV-XV век)
Архитектура на Минска област
Архикатедралната църква на Пресвета Дева Мария (втора половина на 17-ти - началото на 18-ти век)
Църквата на Свети Симеон и Елена (Червената църква) - паметник на неоготическата архитектура с елементи в стил Арт Нуво (1908 - 1910 г.)
Дворцово-парков комплекс Несвиж (XVII-XVIII век)
Църквата на бернардините в с. Будслав, област Мядел, паметник на бароковата архитектура (XVIII век)
Архитектура на Витебска област
Софийската катедрала, архитектурен паметник от XI-XVIII век.
Църквата на Спасителя Ефросиния, паметник на древноруската архитектура (1152 - 1161). По стените и колоните му са запазени уникални стенописи.
литература:
1. Герчук Ю.Л. Основи на художествената грамотност. – М., 1998 г
2. Данилов В.Н. Методика на обучението по изобразително изкуство и художествено творчество. Мн., 2004 г
3. Кастерин Н.П. образователна рисунка. – М.: Просвещение, 1996
4. Lazuka B. Sloўnіk terminaў pa arhіtektury, vyyaўlenchamu dekaratyўna-prykladnomu mastatstvu. - Мн., 2001
5. Неменски Б.М. Педагогика на изкуството. – М.: Просвещение, 2007
Архитектурата, дизайнът, изкуствата и занаятите принадлежат към утилитарните форми на изкуството на творчеството. Тоест решават утилитарни проблеми – движение, организация на ежедневието, градове, жилища, различни видове човешки живот и общество. За разлика от художественото творчество (изобразително изкуство, литература, театър, кино, поезия, скулптура), което създава само духовни, културни и естетически ценности, които нямат утилитарна стойност.
Дизайнът се различава от изкуствата и занаятите в технологичното масово производство за разлика от занаятите през дек. приложно изкуство. Архитектурата и дизайнът, тъй като са свързани понятия, се различават само в пространствения мащаб; град, микрорайон, комплекс, сграда в архитектурата и средата на уличния интериор, промишлен дизайн, чл. дизайн в "дизайн", но например интериорът и озеленяването е предмет както на архитектурата, така и на дизайна.
Дизайнът и архитектурата са утилитарни и художествени дейности, насочени към създаване на предметно-пространствена среда. Архитектурата е по-стара концепция, дизайнът е по-модерен, но разликата между тях е минимална, често неразличима.
Дизайнерските форми - пейзаж, площад, елемент от градската среда - павилион, фонтан, спирка, часовник, вестибюл/, стая, мебели, офис, интериор.
Интериорните пространства се оформят от архитекта, а насищането на дизайнера често се извършва от единия или другия, това на практика проявява близостта, а често и неразличимостта на професията архитект. и дизайнер.
Архитектурата и дизайнът принадлежат към експресивни изкуства,които не отразяват пряко реалността, а я създават. За разлика от изящни изкуства(живопис, графика, литература, театър, скулптура) отразяващи материалната и духовната реалност по художествен начин.
Лекция 1. Методология на проектиране
1. Връзката между социалното и идеологическото състояние на обществото и дизайна.
Съвременната практика на "нова еклектика"
2. Творчески метод – професионален метод – „индивидуален маниер“.
Взаимодействие на методи на различни етапи от творчеството.
Взаимодействие на метода и етапите на професионалната дейност
Примерите са различни
3. Субективно и обективно в творческия процес.
- Всяка дейност, по-креативна като дизайна, е свързана и отразява социалната организация на обществото, културното развитие, естетическите идеали със свои собствени средства……. Египет отразява пълното обожествяване на обективния свят и архитектурата, Средновековието, Възражението, Класицизма, Конструктивизма. През 20-ти век преживяхме краха на историзма, раждането на модернизма и конструктивизма в изкуството на архитектурата и дизайна. Отхвърлянето на традиционните форми на композиция на детайлите, принципът на свободното планиране се възприемаше като революция и сякаш отразява социална революция, но на Запад нямаше революция и се роди свързано движение, наречено модерно движение между тях там беше истинска връзка (Group Style Holland и лидерът на конструктивизма в Русия). Тази революция обаче е подготвена както от новите технологии и материали (ж.б) на гредоредната ферма, така и от нови художествени течения - кубизъм, футуризъм, експресионизъм, но и от социални катаклизми (революции, Първа световна война), нови философски течения ( социализъм, комунизъм, националсоциализъм – фашизъм)…………., кризата на буржоазния морал. Много се говореше за истинността в противовес на буржоазното декориране и декоративизъм. Промените в предметната и пространствената среда бяха подготвени както от развитието на философската и научната мисъл и новите художествени абстрактни течения и развитието на технологиите, но и от социалните катаклизми, които придадоха определен идеологически патос и формираха и развиха животостроителен принцип - който казваше, че реалността може да се променя въз основа на художествени и пространствени идеи и концепции. Вече формирани идеи на модерното движение и конструктивизма
Арт Нуво като модна тенденция на новата буржоазия и търговци (имението на Морозов).
Срещу Дома на комуната, идеята за соц. градове, социализацията на ежедневието като проявление в обективния свят на идеите на социализма. Утопичната идея, че чрез промяна на средата можете да промените самия човек.
Разбира се, обективният свят на околната среда и архитектурата отразява чрез своите средства икономическата система и нивото на развитие на обществото и преобладаващата в обществото идеология и ценностна система, но тази зависимост не е пряка, а сложна, често идеите на изкуството за изкуството саке се адаптират и преосмислят към обективните реалности.
Архитектурата и строителството, интериорната декорация и ландшафтната организация заемат видно място в културата на Ренесанса. Методите на строителство, оформлението и декорацията на жилищата се променят.
В прости къщи, поради вътрешни прегради, броят на стаите се увеличава. В градовете и в семейните имения се строят цели дворци в ренесансов стил. Развитието на абсолютисткия режим е неразривно свързано с изграждането на замъци-резиденции на краля и същевременно с укрепления. Разпространението на ренесансовите идеи в архитектурата води до разработването на проекти за „идеални“ сгради и цели селища. Има вносни, преведени, местни трактати по архитектура и строителство. От чужбина, главно от Холандия, се изписват изключителни майстори на различни специалности: Адриан де Фрис, Ханс ван Стеенвинкел Стари (ок. 1550-1601) и неговите синове - Лорънс, Ханс, Мортенс, както и Ханс ван Оберберк и други скандинавци заимствани примери за архитектурен стил от Германия, Холандия, Италия, Франция. Датската ренесансова архитектура, със своето оцветяване от червени тухли, масивни правоъгълни сгради и ненатрапчив декор, обикновено е ориентирана към северногерманската архитектура.
Строителството в Дания достига най-високия си разцвет по време на 60-годишното управление на Кристиан IV, особено до 1617 г. То върви едновременно в различни посоки. Изградени са цели градове с ново оформление и правилна сграда – геометрична или радиална форма. Общо по инициатива на краля се появяват 14 нови града - в Скане, Зеландия, Южна Ютландия, Норвегия.
347
Издигнати са могъщи крепости: Фредериксборг в Хилеред (1602-1625), Кронборг в Хелзингор и други, включващи замък, офис сгради, складове и казарми, са заобиколени от валове, ровове и бастиони. Самият крал бил добре запознат с архитектурата и ръководил изграждането на конструкции. Планирана сграда през XVII век. напълно промени лицето на Копенхаген и значително разшири неговия размер. При Християн IV са построени или положени дворец, военно пристанище, ренесансова фондова борса (1619-1625). Архитектите L. и X. van Steenwinkel получават задачата да го построят като „храм на новата икономическа политика“. В резултат на строителния ентусиазъм Копенхаген се превръща в град от 17-ти век. в една от най-красивите столици на Европа. Тук съжителстват различни стилистични линии: готика, маниеризъм, зараждащият се барок.
В Швеция този период е белязан и от промяната на стари сгради и издигането на нови. В ренесансов стил се строят замъците Грипсхолм, Вадстена и Упсала, дворци, кметства и частни къщи в градовете. Църковното строителство, от друга страна, е в упадък.
Сградите от онова време отговаряха на богата вътрешна украса, по-великолепна в Швеция, по-сдържана в Дания: сандъци, пейки, секретари, кабинети. Дървените мебели и пана бяха покрити с най-сложната сюжетна живопис или дърворезба на библейски и светски сюжети, облицовани с изделия от скъпи камъни и метали, фаянс и дърво. Стените бяха окачени с оригинални светски гоблени, маса портрети и картини. В залите, дворовете и градините се появяват скулптури, често цели групи, обикновено в антично-митологичния дух. Имаше специална мода за рисувани и фигурни плочки за печки, както и печки от желязо и чугун, с ляти резби.
Инженерните и строителни иновации от онова време включват водопровод: тръби с кранове и сложни фонтани се появяват в замъци и дворци. Дворците и замъците са били декорирани както от отделни майстори, така и от цели работилници. Комбинацията от западноевропейско влияние, особено от Холандия и Германия, и местните традиции са формирали примери, които са уникални по стил.
През този период изкуството се прилага предимно в природата. Като важна част от интериора, той служи за изразяване и утвърждаване на престижа. Оттук, например, необичайното разпространение по това време на великолепни епитафии, церемониални портрети (скулптурни и живописни), алегорични изображения.
Най-впечатляващата и престижна форма на изкуството е скулптурата, която процъфтява по-късно, с установяването на барока. Повечето от скулпторите са чужденци, които изпълняват предимно заповедите на краля. "Кралският строител" Ханс Стеенвинкел ръководи създаването на редица скулптурни стаи
348
позиции за фонтани. По поръчка на Кристиан IV в Амстердам, Хендрик де Кейзер прави скулптури. Известният фонтан на Нептун във Фредериксборг е направен от холандеца Адриан де Фрис (1546-1626).
Широко използвани са барелефи, предимно надгробни, но и декоративни.
Интересът към изобразяването на човек, по-специално в семейни портрети, се превърна в една от характеристиките на живописта от този период. Често портретите все още са правени по стари модели: статични, условни, без психологически характеристики. Влезли на мода церемониални изображения на суверени и членове на техните семейства - тържествени, със символи на властта - от 17 век. са издържани най-често в стила на класицизма. Периодът се характеризира и с изобилието от портрети на градски патриции и учени; всички те показват черни одежди и знаци за техните професии. Може би най-ранният портрет на бюргерски учен е този на хуманиста Ведел (1578 г.). Изразителен е портретът на семейството на Родман от Фленсборг (1591), където той самият, двете му съпруги и 14 деца стоят около разпятието. Самият Родман, една от неговите жени и четири деца, като вече починали, са белязани с кръст над главите си. По същия начин са направени и други семейни портрети-епитафии на бюргери. Съчетанието на мъртвите и живите несъмнено отразява идеите на онова време за единството на живота и смъртта, за неразривната връзка между двата свята. Авторите на тези портрети са неизвестни, като цяло повечето портрети на бюргери и провинциално благородство са правени анонимно, напротив, кралското семейство и благородниците прибягват до услугите на известни майстори. Приблизително 200 портрета на кралски и благородни личности са нарисувани от холандеца Якоб ван Доорд, много от холандеца Йост Верхайден.
Постепенно в Дания се очертава нов тип творци – образован и културен човек, доста богат и близък до учени-хуманисти, често потомствен художник и колекционер. Такъв е по-специално плодовитият портретист холандецът Карел ван Мандер, чийто автопортрет със съпругата и свекърва му е рядък образ на интелектуалец за онова време. Приблизително същото е художественото семейство на Исаакз, което има значителен принос в културата на датския Ренесанс; основателят му е потомък на емигрант от Амстердам, търговец на изкуство, а един от внуците е хуманистът и историк Йохан Понтанус. Сред художниците имаше специални специалисти по исторически платна, по църковна живопис и др., но мнозинството имаха широка специализация.
Важен вид декоративно изкуство тогава са гоблените, както вносни, така и местни, скици за които са правени от видни
349
художници, а продукцията е извършена в чуждестранни или датски дворцови работилници.
В тогавашния декор, както вече беше отбелязано, видно място заема дърворезбата, традиционна и развита в Скандинавия. В църквите олтарите са били украсени с резби, изобразяващи сцени от Библията, както и сцени от класически автори, характерни за датския Ренесанс. За украса на мебелите в жилищата са използвани дърворезби с готически и ренесансови орнаменти със светски сюжети. В Норвегия и Финландия народните дърворезби, които украсяват провинциални сгради и предмети от бита, постигат голям успех.
Разнообразието от форми на изкуство ни позволява естетически да изследваме света в цялата му сложност и богатство. Няма големи или второстепенни изкуства, но всяко изкуство има своите силни и слаби страни в сравнение с други изкуства.
Архитектура. Когато човек се научи да прави инструменти, неговото жилище вече не беше дупка или гнездо, а целесъобразна сграда, която постепенно придобива естетически вид. Строителството се превърна в архитектура.
Архитектурата е формирането на реалността според законите на красотата при създаване на сгради и конструкции, предназначени да обслужват човешките нужди в жилища и обществени пространства. Архитектурата създава затворен утилитарно-художествен развит свят, отграничен от природата, съпротивляващ се на природната среда и позволяващ на хората да използват хуманизираното пространство в съответствие с материалните и духовните си нужди. Архитектурният образ изразява предназначението на сградата и художествената концепция за света и личността, представата на човека за себе си и същността на неговата епоха.
Архитектурата е изкуство и сградите имат определен стил. Ломоносов, определяйки характеристиките на архитектурата, пише, че архитектурното изкуство „ще издигне сгради, които са удобни за обитаване, красиви за гледка, здрави за дълголетие“. Благодарение на архитектурата възниква неразделна част от „втората природа” – материалната среда, която се създава от труда на човека и в която протичат неговият живот и дейност.
Формите на архитектурата се определят: 1) естествено (зависят от географските и климатичните условия, от естеството на ландшафта, интензивността на слънчевата светлина, сеизмичната безопасност); 2) социално (в зависимост от естеството на социалната система, естетическите идеали, утилитарните и художествени нужди на обществото; архитектурата е по-тясно свързана с развитието на производителните сили, с развитието на технологиите, отколкото други изкуства).
Приложно изкуство. Един от най-старите и все още развиващи се видове художествено творчество е приложното изкуство. Извършва се в предмети от бита, създадени според законите на красотата. Приложното изкуство са неща, които ни заобикалят и ни служат, създават нашия живот и комфорт, неща, направени не само толкова полезни, но и толкова красиви, притежаващи стил и художествен образ, който изразява тяхното предназначение и носи обобщена информация за вида на живота, за епоха за мирогледа на хората. Естетическото въздействие на приложното изкуство е ежедневно, ежечасно, всяка минута. Произведенията на приложното изкуство могат да се издигнат до висините на изкуството.
Приложното изкуство е национално по своята същност, то се ражда от обичаите, навиците, вярванията на хората и е пряко близко до производствената им дейност и ежедневието. Върхът на приложното изкуство са бижутата, които запазват самостоятелното си значение и се развиват днес.
Декоративно изкуство. Декоративно изкуство - естетическо развитие на заобикалящата човека среда, художествен дизайн на „втора природа“, създаден от човек: сгради, конструкции, помещения, площади, улици, пътища. Това изкуство нахлува в ежедневието, създавайки красота и комфорт в и около жилищни и обществени пространства. Произведенията на декоративното изкуство могат да бъдат дръжка на вратата и ограда, витраж и лампа, които влизат в синтез с архитектурата.
Декоративното изкуство включва постиженията на други изкуства, особено на живописта и скулптурата. Първоначално живописта съществува под формата на скално и стенно изкуство и едва след това се оформя като статива. Монументална живопис на стена - фреска (името идва от техниката й: "al fresco" - рисуване с бои върху мокра мазилка) - жанр на декоративното изкуство.
Общинска образователна институция Средно училище Буранная
Архитектура. Видове архитектура
Изпълнено
ученик от 9 клас
Волошин В
Проверено
Оскина Е.А.
Селище Буранни 2012г
Въведение
Архитектура
Видове архитектура
Стилове в архитектурата
Заключение
литература
Въведение
Строителството е един от най-древните видове човешка дейност, което означава, че още преди много хилядолетия са положени основите на цялото по-нататъшно развитие на архитектурата. Пристигайки във всеки град, виждаме дворци, кметства, частни вили, построени в различни архитектурни стилове. И именно по тези стилове определяме ерата на тяхното изграждане, социално-икономическото ниво на страната, нравите, традициите и обичаите на определен народ, неговата култура, история, национално и духовно наследство, дори темпераментите и характерите на хората на тази страна.
Архитектурата е изкуство, което е неотделимо от ежедневието. Обслужва нашите битови нужди, различни социални нужди. И в същото време ни доставя радост, създава настроение, въздейства на чувствата на хората.
Избор на тема „Архитектура. Видове архитектура” се дължеше на личния ми интерес към нея, както и на факта, че архитектурата е изкуство, което върви в крак с времето и винаги е актуално. Архитектурата заобикаля човек навсякъде и през целия живот: тя е и дом, и място за работа и почивка. Това е среда, в която човек съществува, но изкуствено създадена среда, която се противопоставя на природата, но в същото време винаги е свързана с околното пространство. Архитектурата трябва да удовлетворява практическите нужди на човека, но е в състояние да предизвика и „естетическо вълнение“, да очарова и изненада. Това прави архитектурата интересна. Целта на моята работа е да разкрия особеностите на архитектурата като форма на изкуство чрез художествени стилове.
архитектура готически космически барок
Архитектура
Архитектурата или архитектурата формира пространствена среда за живота и дейността на хората. Архитектурното изкуство е наистина публично изкуство. Дори днес е трудно да се взаимодейства с историята и е пряко включено в културата на своето време. Отделни сгради и техните ансамбли, площади и алеи, паркове и стадиони, села и цели градове - тяхната красота е в състояние да предизвика определени чувства и настроения у публиката. Това прави архитектурата изкуство - изкуството да създавате сгради и конструкции според законите на красотата. И като всеки вид изкуство, архитектурата е тясно свързана с живота на обществото, неговата история, възгледи и идеология. Сгради и ансамбли с най-добра архитектура се запомнят като символи на държави и градове. Архитектурното изкуство е наистина публично изкуство. Дори днес е трудно да се взаимодейства с историята и е пряко включено в културата на своето време.
В общество на масово потребление, частна поръчка, търговска ориентация на строителните дейности, архитектът често е много ограничен в действията си, но винаги има право да избира езика на архитектурата и по всяко време е било трудно търсене на път към архитектурата като велико изкуство и точна наука. Неслучайно великите цивилизации се помнят не само с войни или търговия, но преди всичко с оставените от тях архитектурни паметници.
Видове архитектура
Архитектура на обемни конструкции.
Архитектурата на триизмерните структури включва жилищни сгради, обществени сгради (училища, театри, стадиони, магазини и други), промишлени сгради (фабрики, фабрики, електроцентрали и др.)
2. Ландшафтна и паркова архитектура.
Този тип архитектура е свързана с организацията на ландшафтно градинарско пространство. Това са площади, булеварди и паркове с "малка" архитектура - беседки, мостчета, фонтани, стълби.
Градоустройство /
Градоустройствени дейности - дейности в градоустройството за организация и развитие на територии и населени места, определяне на видовете градоустройствено използване на териториите, интегрирано проектиране на градски и селски селища, включително творческия процес на формиране на градско пространство, създаване
Стилове в архитектурата
Архитектурата винаги е била тясно свързана с историята на развитието на обществото, неговия мироглед и идеи, с нивото на развитие на строителните технологии, с представата на човека за полезност и красота. Всичко това повлия на архитектурния стил, тоест исторически установения набор от художествени средства и техники. Архитектурният стил се проявява в начините за организиране на пространството, избора на характерни за тази епоха архитектурни форми, техните пропорции и декоративни орнаменти. Познаването на различни архитектурни стилове може да разкрие много за миналото на човек. За разлика от гърците, които познават само колона, покрита с греда, и стаи с плоски тавани, римляните разработват сводест таван и система от сводове. Римските сводове изумяват със своята фигуративност, мащаб и изобилие от разнообразие. Може би най-високото постижение на римската дизайнерска мисъл е затворен омайващ свод, обикновено наричан купол. Един от най-съвършените примери за римска архитектура е Пантеонът, храмът на всички богове, построен в Рим през 125 г. сл. Хр. Сградите, които са кръгли в план, са покрити от грандиозен купол с диаметър над 43 метра.
Едва през 19-ти век, с изобретяването на стоманобетонни конструкции, хората се научиха как да изграждат куполи с такъв размер, а римляните построиха купола на Пантеона, използвайки бетон и тухлена рамка. Сградата е изключително добре обмислена. Височината му е равна на диаметъра, куполът е полукълбо. В центъра на купола има дупка, през която прониква поток от светлина, осветявайки целия интериор на огромната зала. Пантеонът порази с великолепието на своята украса. Квадратните вдлъбнатини, необходими за облекчаване на масата на купола, така наречените кесони, бяха изпълнени с позлатени бронзови розетки, стените отвътре бяха облицовани с многоцветен мрамор, а колоните на външния портик бяха издълбани от масивни гранитни монолити.
Древен Египет.
Древният египетски стил възниква в долината на Нил около 5000 г. пр. н. е. и продължава до 300 г. сл. Хр. Древноегипетската архитектура е конвенционална и монотонна. Това се дължи на факта, че добивът на камък и неговата обработка е в ръцете на държавата, методите на работа са установени толкова здраво, че не се променят в продължение на 3500 години. Изолацията на египетската цивилизация доведе до факта, че в древната държава не е имало конкуренция в архитектурата, която би имала благоприятен ефект върху нейното развитие, както например в Европа.
класически.
Този стил възниква в Европа през 17 век в резултат на влиянието на италианския Ренесанс. По това време изкуството на Ренесанса вече се е разпространило широко на континента.
романски.
Романски стил - художествен стил, който доминира в Западна Европа<#"justify">5. Староруски.
Староруското изкуство се нарича в историческата епоха, условно ограничено, от една страна, от датата на покръстването на Русия от киевския княз Владимир Святославич (988 г.), а от друга страна, от края на 17-18 векове, началото на интензивната европеизация на руската култура при Петър Велики. Идеологическото съдържание на тази епоха е укрепването и разпространението на християнството в неговите източни, гръцки, православни и православни варианти.
6. Барок.
Бароковият стил се появява през 16-17 век в италианските градове: Рим<#"justify">7. Класицизъм.
Класицизмът възниква в европейското изкуство XVII<#"justify">Заключение
Сред многото „златни мисли“, изтрити от продължителна употреба, има и тази: „Животът е кратък – изкуството е вечно“. Почти всеки някъде е срещал тези думи, но не всеки успява да разбере цялата същност на тази фраза. Наред с най-великите книги и картини, скулптури и симфонии се изправиха и архитектурните постройки – толкова отдавна и толкова здраво, че на никого не му хрумва да се съмнява. Архитектурата заема тази силна позиция в света на изкуствата благодарение на специално качество, което се нарича хармония, музикална съгласуваност на части. Съгласуваност на цялото и пропорционалност на детайлите. А също и на онова особено свойство, което до известна степен другите изкуства споделят с архитектурата, но в нея се проявява най-отчетливо в особен за човека мащаб. Благодарение на моя проект разбрах, че архитектурата, като красива и елегантна форма на изкуство, се е превърнала в неразделна част от живота ни. Различава се от другите изкуства по това, че е изкуство, в което хората живеят.
литература
1. Гнедич П. П. Световна история на изкуствата. - М., 1996.
Емохонова Л. Г. Световна художествена култура. - М., 2000 г.
Етикети: Архитектура. Видове архитектураАбстрактно строителство
Архитектура
Архитектурата е изкуството на строителството, способността да се проектират и създават градове, жилищни сгради, обществени и промишлени сгради, площади и улици, градини и паркове. В много градове на страната ни ще намерите древни кремли и църкви, дворци и имения, модерни сгради на театри, библиотеки, младежки дворци, пред които ще искате да спрете и да ги разгледате по-отблизо.
Вие също ще стоите в музей пред интересна картина или скулптура. Това е така, защото сградите и улиците, площадите и парковете, стаите и залите със своята красота също могат да развълнуват въображението и чувствата на човек, подобно на други произведения на изкуството. Шедьоврите на архитектурата се помнят като символи на народи и държави. Целият свят познава Кремъл и Червения площад в Москва, Айфеловата кула в Париж, древния Акропол в Атина. Въпреки това, за разлика от други изкуства, хората не само съзерцават произведения на архитектурата, но и постоянно ги използват. Архитектурата ни заобикаля и формира пространствена среда за живота и дейността на хората. Ето къщите, в които живеете; училища, техникуми, институти, в които учите; в театри, циркове и кино - забавлявайте се; в градини, паркове и дворове - отпуснете се. Родителите ви работят във фабрики и институции; магазини, столове, гари, метро са постоянно пълни с посетители. Трудно е дори да си представите как можете без тези и много други структури.
Разнообразието на архитектурата зависи не само от творческото въображение на архитекта (т.нар. архитект в Русия), но и от условията на строителство: топъл или студен климат, равен или планински терен, възможностите на строителната техника, дървени, каменни или метални конструкции, естетическите вкусове на обитателите и много други. В строителството се използва труда на хора от много професии - зидари, дизайнери, учени и художници. Всички те работят под ръководството на архитект. (Архитект на гръцки означава „майстор строител“.) Човек от тази професия трябва да има големи технически и художествени познания. Възхищавайки се на готическата катедрала, Московския Кремъл или велосипедната писта в Крилатское, ние се възхищаваме не само на особената красота на тези структури, но и на работата и умението на строителите.
Още в древни времена задачите на архитектурата са се определяли от три качества - полезност, сила, красота. Всяка сграда трябва да бъде полезна, да отговаря на предназначението си. Това се проявява както във външния му вид, така и в характера на вътрешността му. Жилищна сграда, театър и образователна институция са три различни типа структури. Всеки от тях има свое предназначение и всяка сграда трябва да бъде удобна: в единия случай - за жилище, в другия - за показване на представления, в третия - за обучение. Също така е важно всеки от тях да бъде издръжлив, здрав. В крайна сметка сградите се създават не за една година, а за дълго време. Но архитектурата нямаше да се превърне в изкуство, ако третото важно изискване, красотата, беше пренебрегнато.
Известното човешко желание за красота вдъхновява творческото въображение на архитекта да търси все нови необичайни архитектурни форми, уникалността на външния вид и яркостта на художествения образ на конструкцията. Така виждаме разнообразие от сгради, както сред древните, така и сред съвременните. Вземете например многоетажни жилищни сгради: едната е висока, като кула, другата е под формата на дълга права плоча, третата е огъната в кръг. Те имат еднакво предназначение и сходни дизайни, предназначени са за един и същ климат, стоят в един и същи град, но въображението на архитекта за всеки от тях е намерило своя форма, своя цветова гама. Така възникват структурите със свои индивидуални особености, по които ги разпознаваме. И всяка сграда прави свое собствено впечатление: едната има тържествен, празничен вид, другата е строга, третата е лирична. Архитектурните паметници, принадлежащи към различни епохи и страни, се различават един от друг по външен вид или стил, точно както се различават условията на живот и художествените вкусове на хората от онези времена. Разгледайте снимките и ще се убедите сами.
Ярък период в историята на руската архитектура е средата на 18 век. Това е времето на бързото строителство на дворци, големи храмове, разцветът на бароковия стил. В. В. Растрели (1700-1771) е най-големият архитект, който до голяма степен определя стила на сградите от онова време. Фасадите на сградите му, боядисани в бяло, синьо и позлата, са необичайно елегантни. Великолепни са анфиладите на залите, богато украсени с корнизи, и дървените мозаечни подове с рядка красота. Най-добрите сгради на В. В. Растрели са Екатерининският дворец в Царско село (днес град Пушкин), Зимният дворец и Смолният манастир в Санкт Петербург, Големият дворец в Петерхоф. На остров Кижи в Онежското езеро са запазени дървената църква Преображение Господне (1714), камбанарията (1874) и църквата Покров (1764), построени без нито един пирон. Айфеловата кула в Париж. Проектиран е в средата на 19 век. инженер Густав Айфел. Оригиналност, смел дизайн и архитектурна форма направиха кулата известна.
