балеткак една музикална форма еволюира от просто допълнение към танца до специфична композиционна форма, която често има същото значение като придружаващия танц. Възникнала във Франция през 17-ти век, танцовата форма започва като театрален танц. Формално до 19 век балетът не получава статут на „класически“. В балета термините „класически“ и „романтичен“ са хронологично еволюирали от музикалната употреба. Така през 19 век класическият период на балета съвпада с ерата на романтизма в музиката. Композиторите на балетна музика от 17-ти и 19-ти век, включително Жан-Батист Люли и Пьотър Илич Чайковски, са били предимно във Франция и Русия. Въпреки това, с увеличаването на международната слава, Чайковски приживе видя разпространението на балетната музикална композиция и балета като цяло в целия западен свят.
Енциклопедичен YouTube
1 / 3
✪ Абсолютен слух за балета „Спящата красавица“
✪ Dona nobis pacem Дари ни мир I S Bach Mass h-moll Татарски оперен и балетен театър 2015 г.
✪ ♫ Класическа музика за деца.
Субтитри
История
- До около втората половина на 19 век ролята на музиката в балета е второстепенна, като основен акцент е върху танца, докато самата музика е просто заимствана от танцовите мелодии. Писането на "балетна музика" е било дело на музикални занаятчии, а не на майстори. Например, критиците на руския композитор Пьотър Илич Чайковски възприемат неговото писане на балетна музика като нещо подло.
От най-ранните балети до времето на Жан-Батист Люли (1632-1687) балетната музика е неразличима от музиката за бални танци. Lully създаде различен стил, в който музиката ще разкаже история. Първият "Балет на действието" е поставен през 1717 г. Това е история, разказана без думи. Пионерът е Джон Уивър (1673-1760). И Люли, и Жан-Филип Рамо написват "опера - балет", където действието е изпълнява се отчасти с танци, отчасти с пеене, но балетната музика постепенно става по-малко важна.
Следващата голяма стъпка се извършва в първите години на деветнадесети век, когато специални твърди балетни обувки - пуант - започват да се използват от солисти. Това позволи по-частичен стил на музика. През 1832 г. известната балерина Мари Талиони (1804-1884) демонстрира за първи път своя танц на пуант. Беше в Силф. Вече беше възможно музиката да стане по-изразителна. Постепенно танците станаха по-дръзки, като танцьорите се вдигнаха във въздуха от мъжете.
До времето на Чайковски композиторът на балета не се отделя от композитора на симфонии. Балетната музика беше съпровод на соловия и ансамблов танц. Балетът на Чайковски "Лебедово езеро" е първото музикално балетно произведение, създадено от симфоничен композитор. По инициатива на Чайковски балетните композитори вече не пишат прости и леки танцови партии. Сега основният фокус на балета беше не само върху танца; композицията след танците придоби еднакво значение. В края на 19-ти век Мариус Петипа е хореограф на руския балет и танци, като работи с композитори като Цезар Пуни, за да създаде балетни шедьоври, които се гордеят както със сложен танц, така и със сложна музика. Петипа работи с Чайковски, като си сътрудничи с композитора върху неговите „Спящата красавица“ и „Лешникотрошачката“ или индиректно чрез ново издание на „Лебедово езеро“ на Чайковски след смъртта на композитора.
В много случаи все още кратки балетни сцени са били използвани в оперите за смяна на декори или костюми. Може би най-известният пример за балетна музика като част от опера е „Танцът на часовете“ от операта „Джоконда“ (1876) от Амилкаре Понкиели.
Кардинална промяна в настроението настъпва, когато е създаден балетът на Игор Стравински „Пролетният ритуал” (1913).
Музиката беше експресионистична и несъвместима, а движенията бяха силно стилизирани. През 1924 г. Джордж Антейл пише „Механичен балет“. Това беше подходящо за филм с движещи се обекти, но не и за танцьори, въпреки че беше иновация в използването на джаз музика. От тази изходна точка балетната музика се разделя на две потоци – модернизъм и джаз денс. Джордж Гершуин се опита да запълни тази празнина с амбициозната си партитура за Let's Dance (1937), включваща повече от час музика, която обхваща интелектуален и технически ритнат джаз и румба. Една от сцените е написана специално за балерината Хариет Хотор.
Мнозина казват, че джаз танцът е най-добре представен от хореографа Джеръм Робинс, който е работил с Леонард Бърнщайн по West Side Story (1957). В някои отношения това е връщане към "опера-балет", тъй като историята се разказва предимно с думи. Модернизмът е представен най-добре от Сергей Прокофиев в балета "Ромео и Жулиета". Това е пример за чист балет и има без влияние от джаза или друг вид популярна музика. Друга тенденция в историята на балетната музика е тенденцията към творчески адаптации на стара музика. Отторино Респиги адаптира произведенията на Джоакино Росини (1792-1868) и тяхната съвместна поредица в балет, наречен "Magic Shop", чиято премиера е през 1919 г., предпочита романтичната музика, така че новите балети се комбинират със стари произведения чрез нова хореография. Известен пример е "Sleep" - музиката на Феликс Менделсон, адаптирана от Джон Ланчбъри.
Балетни композитори
В началото на 19 век хореографите поставят спектакли, базирани на събрана музика, най-често съставена от оперни фрагменти и песенни мелодии, които са популярни и добре познати на публиката. Първият, който се опита да промени съществуващата практика, беше композиторът Жан-Мадлен Шнайцхофер. За това той е подложен на значителна критика още от първата си творба - балет „Прозерпина“ (1818 г.):
Музиката е на млад мъж, който, съдейки по увертюрата и някои балетни мотиви, заслужава поощрение. Но аз твърдо вярвам (и опитът подкрепя моето мнение), че мотивите, умело съчетани със ситуации, винаги служат по-добре на намеренията на хореографа и разкриват намерението му по-ясно, отколкото почти изцяло нова музика, която вместо да обяснява пантомимата, сама по себе си чака обяснение.
Въпреки атаките на критиците, след Шнайцхофер, други композитори започнаха да се отклоняват от традицията да създават балетни партитури, събрани от музикални фрагменти по мотивите на други известни (най-често оперни) произведения - Фердинанд Херолд, Фроментал Халеви и на първо място - и след това ползотворно, който работи с Мариус Петипа, когато създава своите партитури, той стриктно спазва инструкциите на хореографа и неговия план - чак до броя на тактовете във всеки номер. В случая със Сен-Леон той дори трябваше да използва мелодии, зададени от хореографа: според мемоарите на Карл Валц Сен-Леон, самият той цигулар и музикант, неведнъж подсвирква мотиви на Минкус, които той „трескаво превежда в музикални знаци”.
Тази практика не отговаряше на принципите на същия Шнайцхофер, който цени репутацията си на независим автор и винаги работи отделно от хореографа при създаването на партитури (изключение е направено само при създаването на балета „Силфида“ заедно с
Александър Николаевич Скрябин Александър Николаевич Скрябин е руски композитор и пианист, една от най-ярките личности на руската и световната музикална култура. Оригиналното и дълбоко поетично произведение на Скрябин се откроява с новаторството си дори на фона на раждането на много нови тенденции в изкуството, свързани с промените в обществения живот в началото на 20-ти век.
Роден в Москва, майка му умира рано, баща му не може да обърне внимание на сина си, тъй като той служи като посланик в Персия. Скрябин е възпитан от леля си и дядо си, от детството той проявява музикални способности. Отначало учи в кадетския корпус, взема частни уроци по пиано, след като завършва корпуса, постъпва в Московската консерватория, негов съученик е С. В. Рахманинов. След като завършва консерваторията, Скрябин се отдава изцяло на музиката - като концертен пианист-композитор обикаля Европа и Русия, прекарвайки по-голямата част от времето си в чужбина.
Пикът на композиторското творчество на Скрябин е през 1903-1908 г., когато се появяват Третата симфония („Божествена поема“), симфоничната „Поема на екстаза“, „Трагически“ и „Сатанински“ клавирни поеми, 4-та и 5-та сонати и други произведения. освободен. „Поемата на екстаза“, състояща се от няколко теми-образи, концентрира творческите идеи на Срябин и е негов ярък шедьовър. Хармонично съчетава любовта на композитора към силата на голям оркестър и лиричното, въздушно звучене на солови инструменти. Колосалната жизнена енергия, пламенната страст, волевата сила, въплътени в „Стихотворението на екстаза“ прави неустоимо впечатление на слушателя и до ден днешен запазва силата на своето влияние.
Друг шедьовър на Скрябин е "Прометей" ("Огнена поема"), в който авторът напълно актуализира хармоничния си език, отклонявайки се от традиционната тонална система, и за първи път в историята тази творба трябваше да бъде придружена от цвят музика, но премиерата по технически причини не премина без светлинни ефекти.
Последната незавършена „Мистерия“ беше идеята на Скрябин, мечтател, романтик, философ, да се обърне към цялото човечество и да го вдъхнови да създаде нов фантастичен световен ред, съюза на Вселенския дух с Материята.
А. Н. Скрябин "Прометей"
Сергей Василиевич Рахманинов Сергей Василиевич Рахманинов е най-великият световен композитор от началото на 20-ти век, талантлив пианист и диригент. Творческият образ на Рахманинов като композитор често се определя с епитета „най-руският композитор“, като в тази кратка формулировка се подчертават заслугите му за обединяването на музикалните традиции на московската и петербургската композиторска школа и в създаването на собствен уникален стил, който се откроява изолирано в световната музикална култура.
Роден в Новгородска губерния, от четиригодишна възраст започва да учи музика под ръководството на майка си. Учи в Петербургската консерватория, след 3 години обучение се прехвърля в Московската консерватория и завършва с голям златен медал. Бързо става известен като диригент и пианист, композирайки музика. Пагубната премиера на революционната Първа симфония (1897) в Санкт Петербург предизвика творческа композиторска криза, от която Рахманинов излиза в началото на 1900-те със стил, който съчетава руска църковна песен, избледняващ европейски романтизъм, модерен импресионизъм и неокласицизъм, всички наситени с сложна символика. През този творчески период се раждат най-добрите му творби, с
Харесва ли ви или не, не може да се пренебрегне известният шедьовър на руския композитор в четири действия, благодарение на който немската легенда за красивото момиче лебед е увековечена в очите на ценителите на изкуството. Според сюжета принцът, влюбен в кралицата лебед, я предава, но дори осъзнаването на грешката не спасява нито него, нито любимата му от бушуващите стихии.
Образът на главния герой - Одет - сякаш допълва галерията от женски символи, създадена от композитора през живота му. Прави впечатление, че авторът на сюжета на балета все още е неизвестен, а имената на либретистите никога не са фигурирали на нито един плакат. За първи път балетът е представен през 1877 г. на сцената на Болшой театър, но първата версия се счита за неуспешна. Най-известната постановка е Петипа-Иванов, която става еталон за всички следващи изпълнения.
Най-добрите балети в света: Лешникотрошачката на Чайковски
Популярен в навечерието на Нова година, балетът за деца „Лешникотрошачката“ е представен за първи път на публиката през 1892 г. на сцената на известния Мариински театър. Сюжетът му е базиран на приказката на Хофман "Лешникотрошачката и мишият крал". Борбата на поколенията, конфронтацията между доброто и злото, мъдростта зад маската - дълбокият философски смисъл на приказката е облечен в ярки музикални образи, разбираеми за най-малките зрители.
Действието се развива през зимата, на Бъдни вечер, когато всички желания могат да се сбъднат – и това придава допълнителен чар на вълшебната история. Всичко е възможно в тази приказка: заветните желания ще се сбъднат, маските на лицемерието ще паднат и несправедливостта определено ще бъде победена.
************************************************************************
Най-добрите балети в света: Жизел от Адам
„Любов, която е по-силна от смъртта“ е може би най-точното описание на известния балет в четири действия на Жизел. Историята на момиче, умиращо от пламенна любов, което даде сърцето си на благороден млад мъж, сгоден за друга булка, е толкова живо предадена в грациозните па на стройни вили - булки, починали преди сватбата.
Балетът има огромен успех от първата постановка през 1841 г. и в продължение на 18 години на сцената на Парижката опера са поставени 150 театрални представления по произведението на известния френски композитор. Тази история толкова много спечели сърцата на ценителите на изкуството, че астероид, открит в края на 19 век, дори е кръстен на главния герой на историята. И днес нашите съвременници вече са се погрижили за запазването на една от най-големите перли на класическото произведение във филмовите версии на класическата продукция.
************************************************************************
Най-добрите балети в света: Дон Кихот от Минкус
Ерата на великите рицари отдавна отмина, но това не пречи на съвременните млади дами да мечтаят да срещнат Дон Кихот от 21-ви век. Балетът предава точно всички подробности от фолклора на жителите на Испания; и много майстори се опитаха да инсценират историята на благородното рицарство в съвременна интерпретация, но класическата продукция украсява руската сцена от сто и тридесет години.
Хореографът Мариус Петипа успя умело да въплъти целия вкус на испанската култура в танца благодарение на използването на елементи от национални танци, а някои жестове и пози директно показват мястото, където се развива сюжетът. Историята не е загубила значението си и днес: дори през 21-ви век Дон Кихот умело вдъхновява млади хора с топли сърца, които са способни на отчаяни дела в името на доброто и справедливостта.
************************************************************************
Най-добрите балети в света: Ромео и Жулиета от Прокофиев
Безсмъртната история на две влюбени сърца, обединени само след смъртта завинаги, е въплътена на сцената благодарение на музиката на Прокофиев. Постановката се състоя малко преди Втората световна война и трябва да отдадем почит на всеотдайните майстори, които се противопоставиха на обичайните по онова време заповеди, които преобладаваха и в творческата сфера на сталинската страна: композиторът запази традиционния трагичен край на парцела.
След първия грандиозен успех, който удостои спектакъла със Сталинската награда, имаше много версии, но буквално през 2008 г. се състоя традиционната продукция от 1935 г. в Ню Йорк с щастлив край на известната история, непозната до този момент на публиката .
************************************************************************
Приятно гледане!
Възникнала като имитация на западни образци, руската опера има ценен принос в съкровищницата на цялата световна култура.
Появявайки се в епохата на класическия разцвет на френските, немските и италианските опери, руската опера през 19 век не само настига класическите национални оперни школи, но и ги изпреварва. Интересно е, че руските композитори традиционно избират сюжети от чисто народен характер за своите произведения.
„Живот за царя“ Глинка
Операта „Живот за царя“ или „Иван Сусанин“ разказва за събитията от 1612 г. – полския поход на шляхтата срещу Москва. Барон Егор Розен става автор на либретото, но в съветско време, по идеологически причини, редактирането на либретото е поверено на Сергей Городецки. Премиерата на операта се състоя в Болшой театър в Санкт Петербург през 1836 година. Дълго време ролята на Сусанин се изпълняваше от Фьодор Шаляпин. След революцията Животът за царя напуска съветската сцена. Имаше опити да се адаптира сюжетът към изискванията на новото време: така Сусанин беше приет в комсомола, а финалните реплики звучаха като „Слава, слава, съветска система“. Благодарение на Городецки, когато операта е поставена в Болшой театър през 1939 г., „съветската система“ е заменена от „руския народ“. От 1945 г. Болшой театър традиционно открива сезона с различни постановки на Иван Сусанин от Глинка. Най-мащабната постановка на операта в чужбина е реализирана може би в миланската Ла Скала.
"Борис Годунов" от Мусоргски
Операта, в която царят и народът са избрани като два персонажа, е започната от Мусоргски през октомври 1868 г. За написването на либретото композиторът използва текста на едноименната трагедия на Пушкин и материали от „История на руската държава“ на Карамзин. Темата на операта е царуването на Борис Годунов точно преди Смутното време. Мусоргски завършва първото издание на операта „Борис Годунов“ през 1869 г., която е представена на театралния комитет на Дирекцията на императорските театри. Рецензентите обаче отхвърлиха операта, като отказаха да я поставят поради липсата на ярка женска роля. Мусоргски въвежда в операта „полския“ акт на любовната линия на Марина Мнишек и Лъже Дмитрий. Той добави и монументална сцена на народно въстание, което направи финала по-зрелищен. Въпреки всички корекции, операта отново беше отхвърлена. Поставена е само 2 години по-късно, през 1874 г., на сцената на Мариинския театър. В чужбина премиерата на операта се състоя в Болшой театър в Парижката Гранд Опера на 19 май 1908 г.
Пиковата дама от Чайковски
Операта е завършена от Чайковски в ранната пролет на 1890 г. във Флоренция, а първата постановка е през декември същата година в Мариинския театър в Санкт Петербург. Операта е написана от композитора по поръчка на Императорския театър и за първи път Чайковски отказва да приеме поръчката, аргументирайки отказа си с липсата на „правилно сценично присъствие“ в сюжета. Интересно е, че в историята на Пушкин главният герой има фамилното име Херман (с две "n" в края), а в операта главният герой е човек на име Херман - това не е грешка, а умишлена промяна от автора . През 1892 г. операта е поставена за първи път извън Русия в Прага. След това – първата продукция в Ню Йорк през 1910 г. и премиерата в Лондон през 1915 г.
"Княз Игор" Бородин
Основата за либретото е паметникът на древноруската литература "Слово за похода на Игор". Идеята за сюжета е предложена на Бородин от критика Владимир Стасов на една от музикалните вечери при Шостакович. Операта е създадена в продължение на 18 години, но никога не е завършена от композитора. След смъртта на Бородин работата по работата е завършена от Глазунов и Римски-Корсаков. Има мнение, че Глазунов е успял да възстанови по памет авторското изпълнение на оперната увертюра, която някога е чул, но самият Глазунов опроверга това мнение. Въпреки факта, че Глазунов и Римски-Корсаков свършиха по-голямата част от работата, те настояха, че княз Игор е изцяло опера от Александър Порфириевич Бородин. Премиерата на операта се състоя в Мариинския театър в Санкт Петербург през 1890 г., след 9 години тя беше видяна от чуждестранна публика в Прага.
"Златният петел" от Римски-Корсаков
Операта „Златният кокер“ е написана през 1908 г. по едноименната приказка на Пушкин. Тази опера е последната творба на Римски-Корсаков. Императорските театри отказват да поставят операта. Но веднага щом публиката я видя за първи път през 1909 г. в Московската опера на Сергей Зимин, операта беше поставена в Болшой театър месец по-късно и след това започна триумфалното си шествие по света: Лондон, Париж, Ню Йорк, Берлин, Вроцлав.
„Лейди Макбет от окръг Мценск“ от Шостакович
Идеята за операта идва от Александър Даргомижски през 1863 г. Композиторът обаче се съмнява в успеха му и смята творбата за творческо „разузнаване“, „забавление над Дон Жуан на Пушкин“. Той написа музика към текста на Пушкин от „Каменния гост“, без да променя нито една дума в него. Сърдечните проблеми обаче не позволиха на композитора да завърши творбата. Той умира, като помоли в завещанието си приятелите си Куи и Римски-Корсаков да довършат работата. За първи път операта е представена на публиката през 1872 г. на сцената на Мариинския театър в Санкт Петербург. Чуждестранната премиера се състоя едва през 1928 г. в Залцбург. Тази опера се превърна в един от „основополагащите камъни“, без да го знаем, е невъзможно да се разбере не само руската класическа музика, но и общата култура на нашата страна.
Когато говорим за балет, винаги имаме предвид творчеството, тъй като именно той доведе този сценичен жанр в категорията на сериозните и мащабни музикално-сценични изяви. Той има само три балета и трите - "Лебедово езеро", "Лешникотрошачката", "Спящата красавица", са известни с отличната си драматургия и прекрасна музика.
Най-популярната балетна творба на Пьотър Чайковски, която се чува от почти всички, е "", написана през 1877 г. Много фрагменти от този танцов спектакъл - "Танцът на малките лебеди", "Валс" и други, отдавна живеят свой, отделен живот, като популярни музикални композиции. Целият спектакъл, който разказва за една любовна история обаче е достоен за вниманието на меломаните. Чайковски, който приживе беше известен с невероятния си композиторски талант, щедро награди балета с безброй очарователни и запомнящи се мелодии.
Друг от най-добрите балети в историята на музиката е този на Чайковски. Това беше вторият призив на композитора към танцовия жанр и ако публиката в началото не оцени Лебедово езеро, тогава красотата веднага беше призната за шедьовър и продължи в почти всички театри на Руската империя и Европа.
Балетът е базиран на сюжета, познат ни от детството, приказната история на Шарл Перо за Спящата красавица, злата фея и всепобеждаващата любов. Чайковски допълни тази история с прекрасни танци на приказни герои, а Мариус Петипа с невероятна хореография, която през цялото време се превърна в енциклопедия на балетното изкуство.
"" - третият и последен балет на Пьотър Чайковски, един от признатите върхове в творчеството му, който със сигурност ще отиде във всички театри в Европа в навечерието на Коледа и Нова година. Приказката на Хофман „Лешникотрошачката и кралят на мишките“ продължава темата за борбата между злото и доброто, започната от Чайковски в Лебедово езеро, допълвайки я с елементи на фантазия и, разбира се, любов и саможертва. Философската приказка, множеството красиви мелодии на танцови номера и хореография правят този балет едно от най-добрите и търсени класически музикални произведения на световната музика.
Едно време беше един от най-скандалните балети. Сега "Ромео и Жулиета" е едно от класическите танцови представления в много театри по света. Новата, в много отношения революционна музика на композитора, изисква от трупата нова сценография и маниер на движенията. Преди премиерата композиторът буквално трябваше да убеди режисьори и танцьори да участват в постановката. Това обаче не помогна, основните театри на страната - Болшой и Киров театри отказаха да поставят това представление. Едва след неочаквания и зашеметяващ успех на Ромео и Жулиета в Чехословакия, балетът е поставен в Санкт Петербург и Москва, а самият Прокофиев е удостоен със Сталинската награда.
Класическото изпълнение на всички танцови трупи в света е Жизел. Балетът е базиран на легендата за джиповете - духовете на булки, които умрели от нещастна любов и затова преследвали всички млади мъже по пътя им в неистов танц. От премиерата си през 1841 г. Жизел не губи популярността си сред любителите на танца и има много продукции.
