Франция в началото на века се характеризира със значително развитие на антирелигиозни тенденции, които се превърнаха в един от най-важните аспекти на Просвещението.
Първото и най-радикално атеистично произведение, което се разпространява във Франция в началото на 30-те години на миналия век, е „Заветът“ на селския свещеник Ж. Мелие, според който „всичко, което вашите богослови и свещеници с такъв плам и красноречие ви проповядват за величие, превъзходство и светостта на тайнствата, на които те принуждават да се покланяш, всичко, което ти разказват с такава сериозност за своите въображаеми чудеса, всичко, което ти описват с такова усърдие и увереност за небесни награди и ужасни адски мъки - всичко това, по същество, нищо друго освен илюзии, заблуди, измами, измислици и измама...”
Въпреки това, като правило, такава твърда позиция не е характерна за Просвещението, което до средата на XVIII век. базирани на принципите на деизма. Тази теория признава сътворението на света от Бог, но изхожда от факта, че в бъдеще Господ престава да се намесва в делата на природата и обществото. Деистите, към които принадлежат Волтер, Монтескьо, както и по-късните фигури на Просвещението – Русо, Кондилак, критикуват всички общи религии и говорят за необходимостта от „естествена религия“, насочена към благото на разума и човека. „Мечът, който отсече главата на деизма” е „Критика на чистия разум” от И. Кант.
Ако през 17 век Математиката играе основна роля в науката, но през 18 век биологията, физиката и географията я „настигат“. Науката става системна. Рационализмът от 17 век постепенно се променя. Отстъпва място на убедеността във възможността и необходимостта от развитието на ума, просветлението на човешката личност. Втората половина на 40-те години. 18-ти век характеризиращ се с формирането на материалистични възгледи.
Произведенията на Ж. Ла Метри съдържат твърдения, че мислещият човек няма да намери нито теоретични основания, нито практически интереси за своята вяра в Бог. Той обаче вярвал, че атеизмът не е обект на разпространение сред обикновените хора и е разбиран само от избрани, които стоят над останалите в интелектуално отношение.
В края на 40-те години. материалистичните възгледи са обосновани в трудовете на Д. Дидро и П. Холбах, които смятат атеизма за необходим и достъпен за всеки.
Механистичната естествена наука, която доминира до втората половина на 18-ти век, изучава движението, предавано от едно тяло на друго, обяснявайки началото на движението с действията на Бог, както например Нютон с неговата теория за „първия тласък ".
Волтер също признава съществуването на някакво вечно същество, което е причина за всички останали. Деизмът на Волтер е в основата на формирането на възгледите на материалистите от 30-те и 40-те години, тъй като той признава Бог само като творение на света, а по-късно, според Волтер, Бог не се намесва в делата на света. Ла Метри, Дидро, Хелвеций, Холбах, чиято работа съвпада с развитието на химията, геологията и биологията, получиха основа за отстояване на развитието на природата от самата себе си.
До 60-те и 70-те години. Волтер също се отказва от твърдението за Божественото сътворение на света, но не и от съществуването на Бог като цяло. В същото време той не намира отговор на въпроси като произхода на света, местоположението на Бог.
Дидро инициира създаването на "Енциклопедия, или тълковен речник на науките, изкуствата и занаятите", чието издаване продължава от 1751 до 1780 г. Той се превърна в център, който обединява просветителите. Книгата съдържа информация по математика, астрономия, география, описва технологията на производство на промишлени продукти.
Мануфактурата постепенно отстъпва място на по-сложна организация на труда.
Развитието на мануфактурите се характеризира с разделение на труда до най-простата операция, което е тласък за развитието на изобретателската дейност. Изобретяването на "летящата" совалка в тъкането, замяната на човешката ръка с механизъм е началото на индустриалната революция.
Ускоряването на тъкането изисква създаването на предачна машина, изобретена от тъкача Джеймс Харгрийвс. През 1784 г. Едмънд Картрайт дава на човечеството механичен стан. През 1771 г. се появява предприятие, където машината се задвижва от водно колело. Това вече не беше манифактура, а първата фабрика, в която операциите се извършваха от машини.
През 1784 г. механикът Джеймс Уат създава парна машина, която може да се използва независимо от наличието на река наблизо, за разлика от водното колело. Това вече бележи прехода от фабрика към фабрика.
Първият работещ парен локомотив е създаден от самоукия инженер Джордж Стивънсън през 1814 г. Масовото строителство на железници започва през 20-те години на миналия век. 19 век Използват се нови материали и енергийни източници.
Така развитието на науката през Просвещението се развива в съответствие с методологията на рационализма.
Движението на просвещението намира израз преди всичко в науката и литературата. Творбите са изпълнени с Духа на Просвещението Лесаж, Волтер, Монтескьо("Духът на законите"), Русо("Изповед"), Дидро, д'Аламбери други писатели и общественици, които са били пропагандисти на новия мироглед.
Литературата на Просвещението, произведенията на Волтер, Дидро, Лок, Хелвеций, Русо, Ричардсън, вече са били "световна литература" в тесния смисъл на думата. От първата половина на 18 век започва "европейски диалог", в който участват всички цивилизовани нации, макар и по-голямата част от тях пасивно. Литературата на епохата е литературата на Европа като цяло, израз на европейска общност от идеи, която не е била виждана от Средновековието.
„Теорията и практиката на световната литература бяха творения на цивилизация, определена от целите и методите на световната търговия, -смята А. Хаузер. - Парадоксът е, че германците, които сред великите нации са тези, които са допринесли най-малко за световната литература, първи осъзнават нейния смисъл и развиват тази идея.
С право се смята главата на френските просветители Волтер(Франсоа Мари Аруе). Поетическото му наследство е разнообразно в жанрове: епически, философски и героично-комични поеми, оди, сатири, епиграми, лирически поеми („Кандид или оптимизъм“).
В образователната литература на Франция от 18 век комедиите заемат едно от основните места по силата на влияние върху масите. Пиер Огюстенбарон дьо Бомарше(1732-1799). Механик и изобретател, музикант и поет, в същото време бизнесмен и дипломат. Най-ярките му произведения са комедиите „Севилският бръснар“, „Сватбата на Фигаро“ (третата част от трилогията за Фигаро – драмата „Майката на престъплението“). Известно е, че Луи XVI,след като изслуша пиесата „Сватбата на Фигаро“, той възкликна: „Необходимо е да се разруши Бастилията, за да се позволи това на сцената“
Към 1685 г. творческият период приключва бароков класицизъм, Лебренгуби влиянието си и големите писатели на епохата казват своята решителна дума: Расин, Молиер, Боало,както и Буш.С дискусията за „старо и ново” започва борбата между традицията и прогреса, рационализма и „сентиментализма”, която ще завърши в предромантизъм Дидро.Аристокрацията и буржоазията са обединени в една културна класа. Членовете на висшето общество не само се срещат случайно в домовете на финансисти и чиновници, но са чести гости и „тълпа“ в „салоните“ на просветената буржоазия. Буржоазията постепенно овладява всички средства на културата. Тя не само пише книги, но и ги чете, не само рисува картини, но и ги придобива. Дори в предишния век имаше много малка публика, интересуваща се от изкуството, сега се появява културна класа, която се превръща в истински собственик на изкуството. Това е епоха на изключителна интелектуална активност.
Самата концепция за изкуството се променя. Става хуманен, по-достъпен и по-малко претенциозен, вече не е изкуство за полубогове и "свръхчовеци", а е предназначен за смъртни, чувствени и слаби същества, вече не изразява величието и силата, а красотата и благодатта на живота , то вече не се стреми да вдъхне уважение и унижение, а да очарова и да угоди. Създава се нова публика, съставена от прогресивната аристокрация и едрата буржоазия, която придава на изкуството непознат досега художествен авторитет. Отхвърлянето на старото тематично ограничение води до появата на нови художници, като напр Вато,продължаване на традицията Рубенси става първият художник на наистина "френска" живопис.
Възроден през 18 век пасторал,е съществувал в елинистическата епоха. 18-ти век е ерата на французите кратки историив творчеството Волтер, Прево, Лакло, Дидрои Русоотразява тази ера на психологически изследвания.
Еволюцията на придворното изкуство, почти непрекъсната от края на Ренесанса, е забавена през 18 век и окончателно спряна от буржоазния субективизъм. Някои черти на новата ориентация към скъсване с придворното изкуство се появяват вече в рококо.Цветът и нюансът стават за предпочитане пред рисунката с плътна линия. традиция барокатакуван от две посоки: „сентиментализъм“ и „натурализъм“. Русо, Ричардсън, Грез, Хогарт- една страна, Лесинг, Винкелман, Менгс, Дейвид- с друг. И двете посоки противопоставят на благородното изкуство идеала за простота и сериозност на пуританската концепция за живота. До края на века в Европа няма друго изкуство освен буржоазното. А. Хаузер отбелязва това "рядко в историята на изкуството е имало толкова драматична промяна на посоката от една класа в друга, буржоазията напълно измести аристокрацията."
Тази еволюция достига своята кулминация и цел по време на Френската революция и през романтизъм,с подкопаването на кралската власт като принцип на абсолютна власт, с дезорганизацията на двора като център на изкуството и културата, с упадъка на барока класицизъмкато художествен стил, в който намериха пряк израз стремежите към абсолютистката власт.
Във Франция през първата половина на 18 век (раз Луи XV)се появява стил рококо,или рокайл(на френски: черупка), което отговаряше на демократичната епоха Просвещение.
Във френското изобразително изкуство се отбелязват следните етапи на развитие: "Регентски стил" - ранен рококо,"Стил Луи XV" - зрял рококо,"Стил Луи XVI" - декоративен рокайл, империя("Наполеонов" класицизъм).
рококоизразява аристократичен бунт срещу суровата действителност: дрехите, прическите, външният вид стават предмет на изкуството. Хората се оценяваха по облеклото си. Жената представляваше скъпоценна кукла, изящно цвете.
рококовече не е кралско, но остава аристократично изкуство. Именно изкуството се противопоставяше на естетическите принципи на условността и нормативността. Всъщност от рококозапочва буржоазното изкуство, което е обусловено от демократична идеология и субективизъм, но запазва приемственост с традициите на Ренесанса, бароки рококо. рококоподготви тази нова алтернатива на разлагането класицизъмкъсен барокс неговия изобразителен стил, с неговото цветоусещане, с неговата импресионистична техника, която отговаряше на израза на чувствата на новата класа. Сензационализъми естетизъм рококохванат между церемониалния стил бароки лиризъм романтизъм. рококобеше еротично изкуство, предназначено за богатите като средство за повишаване на способността им да се наслаждават. рококоразвива външна форма (така да се каже - "изкуство заради изкуството"), чувствен култ към красотата, формален сложен художествен език, виртуозен, остроумен и мелодичен. Но рококо -това е последният универсален стил на Европа, който е разпространен във всички страни и е възприет от много художници.
От 19-ти век волята на всеки художник става лична, тъй като той вече трябва да се бори да изрази себе си със собствените си средства. Той не може да остане на по-рано заети позиции, всяка приета форма е пречка за него. През втората половина на 18 век настъпва революционна промяна: появява се буржоазията със своя индивидуализъм и стремеж към оригиналност. Той измести идеята за стил като съзнателна духовно освобождаваща общност и придаде съвременен смисъл на идеята за интелектуална собственост.
Антоан Вато(1684-1721) - представител на стила рококов живописта, типичен жанр на "галантни празници" ("Празник на любовта"). Франсоа Буше- съдебен вариант рокайл:сочни детайли, закачливи неясноти. Светлите нюанси на тона бяха фиксирани и изолирани като отделни детайли, като самостоятелни цветове: „цветът на изгубеното време“ („Трудното положение“, „Савояр с мармот“, „Жил“).
В същото време в живописта имаше „стил на третото съсловие“, който се характеризираше с лека игривост еротика("галантни сюжети"): Жан Батист Симон Шарден(1699-1779) - "От пазара", "Натюрморт с атрибути на изкуствата"; N. Lycre(1690-1743) - "Танцьорът Камарго"; Жан-Етиен Лиотар(1702-1789) "Шоколадово момиче"; Джей Би Оноре Фрагонар(1732-1806) - "Целувай се тайно"; Джей Б. Грец(1725-1805) - "Параличният или плодовете на доброто възпитание."
Изключителен композитор на това време Жан Филип Рамо(1683-1764), автор на тридесет и пет музикални и театрални композиции. Сред тях: балетът "Галантна Индия", лирическата трагедия "Прометей" по либрето Волтеркомедия-балет "Платеа, или Ревнива Юнона", героичен пасторален„Заис”, оперите „Кастор и Полукс”, „Иполит и Арисия”, „Дардан” и др. В неговото творчество програмно-изобразителната миниатюра за клавесин достига своя връх: „Чуруликащите птици”, „Нежни оплаквания”, „ Пиле“, „Тамбура“ и други, общо 52 бр. J.F. Rameauе изключителен музикален теоретик: "Трактат за хармонията" (1722).
Към средата на 18 век в сатиричните представления на панаирния театър назрява нов жанр - "опера-комикс". Първата й проба пасторален"селски магьосник" Русо(1752 г.). Пристигането на италианската оперна трупа в Париж през 1752 г. допринесе за утвърждаването на жанра с представлението любител на операта(италианска версия на комичната опера, която се развива през 30-те години на XVIIIb. по комедията "дел'арте").
"Руски примитивизъм"според А. Хаузер, беше само един от вариантите на идеала и формата на "Аркада" на онези мечти за освобождение, които се срещаха по всяко време, но "недоволството от културата" на Русо("злото в културата") формулиран съзнателно за първи път и той е първият, който развива, въпреки това отвращение към културата, философия на историята. Дълбочината и широчината на влиянието на Русо е неизчерпаема. Това е един от онези духовни феномени, които, - казва А. Хаузер, - може да се сравни с Маркс и 3. Фройд, който промени мирогледа на милиони хора, които дори не знаеха имената им.
По този начин промяната в литературния стил на английски предромантизъм,- това също е въпрос Русо:замяна на нормативните форми със субективни и самостоятелни.
Това се отразява в музиката, която се превръща в исторически представително изкуство. До 18-ти век цялата музика е музика, написана при специални поводи, поръчана от княз, църква или градски съвет и е предназначена да задоволи придворното общество, да възхвалява благочестието на литургичните тържества или да прослави официалните празници. Към средата на 18 век това вече се възприема като недостатък и за преодоляването му се създават градски музикални дружества за организиране на чисто музикални концерти, което не се е случвало досега. Буржоазията се превръща в основна публика на тези концерти. Музиката се превръща в любимата форма на изкуство на буржоазията, в която нейният емоционален живот намира по-пряк израз. Но появата на буржоазна публика на концерти не само променя естеството на средствата за музикално изразяване и социалното положение на композиторите, но и дава нова посока на музикалното творчество и нов смисъл на всяко музикално произведение.
Буржоазната битова и семейна новела е пълно нововъведение след пасторалната и пикарска новела, която доминира в литературата до средата на 18 век, но не се противопоставя на старата литература. И буржоазната драма излезе в открито противопоставяне на класицистичната трагедия и се превърна в глашатай на революционната буржоазия. Буржоазната драма първоначално обяви обезценяването на аристократичните героични ценности и сама по себе си беше пропаганда на буржоазния морал и равенство.
вече Дидроформулира най-важните принципи на натуралистичната драматична теория. Той изисква не само естествена и психологически точна мотивация за духовни процеси, но и точно описание на околната среда и вярност към природата в декора. Дидроиска представлението да се играе така, сякаш няма публика пред сцената. От това започва наистина пълната илюзия за театъра, премахването на условностите и прикриването на фиктивната същност на представлението.
18-ти век е противоречив, не само неговата философия се колебае между рационализъм и идеализъм, но неговите художествени цели се определят от две противоположни течения на строги класицизъми необуздан живописност.В драмата, както и в другите форми на изкуството, класицизъмбеше синоним на триумф натурализъми рационализъм, от една страна, над фантазията и недисциплината, от друга, над афектацияи конвенциите на изкуството, случили се преди това.
Нов класицизъмне беше импровизация. Неговото развитие датира от Средновековието. Но изкуството от епохата на революцията е различно от предишното. класицизъм,че в него окончателно доминира строго формалната художествена концепция, чиято еволюция е завършена тук. класицизъм,която се разпространява от средата на 18-ти век до средата на 19-ти век, не е едно движение, а еволюира, като е представено от различни фази. Първата от тези фази пада между 1750 и 1780 г. и обикновено се нарича "Рококо класицизъм"поради смесването на стилове, окончателно оформени в "стила на Луи XVI". вече барокхарактеризиращ се с колебания между рационализъми сензацияформализъм и спонтанност, класика и модерност и се опитва да разреши тези противоположности в един стил.
класическиизкуството отново придобива актуалност през 18 век, защото след изкуството на твърде гъвкава и плавна техника, след прекомерното впечатление от играта на цветове и тонове, се появява стремеж към по-умерен, по-сериозен и по-обективен художествен стил. Смята се, че разкопките
Древногръцките Помпей (1748 г.) са решаващ фактор за възраждането на интереса към класиката. Събирането на антики се превръща в истинска страст, огромни суми се харчат за придобиване на произведения на класическото изкуство.
Изкуството на 17 век интерпретира света на древните гърци и римляни според феодалната концепция за морал, изповядвана от абсолютната монархия. класицизъм XVIII век изразено
републикански стоически идеал на прогресивната буржоазия. Третата четвърт на века също се характеризира с борба на стилове, в които класицизъм.До около 1780 г. тази борба се ограничава до теоретична дискусия със съдебното изкуство. Но едва след появата на Давид рококоможе да се счита за победен. От изкуството на революционната епоха, обхващащо периода от 1780 до 1800 г., започва нова фаза класицизъм.Революцията избра този стил като най-подходящ за своята идеология. Дейвид в писмото си до Конвенцията заявява: „Всеки от нас е отговорен пред нацията със своя талант, който е получил от природата". Дейвид беше член на Конвенцията и имаше решаващо влияние от името на правителството по въпросите на изкуствата.
Париж, който някога е бил център на литературния живот, сега се превръща и в художествена столица на Европа и поема ролята на Италия през Ренесанса. Тук от 1673 г. редовно се провеждат художествени изложби, тъй като художниците, загубили официална подкрепа, са принудени да обърнат лица към купувачите. Революцията означава края на ерата на диктатурата на Академията и монопола на пазара на изкуство от страна на двора, аристокрацията и големите финансисти. Академията е ликвидирана след 1791г
Законодателното събрание премахна привилегиите й и даде на всички художници правото да излагат творбите си в нейния салон. През 1793г Дейвидосновава Комуната на изкуствата, свободно и демократично сдружение на художниците. Но скоро, под натиска на монархистите, той е заменен от Народното и републиканското дружество на изкуствата. По същото време се появява Клубът на революционните изкуства, който между другото включва Дейвиди Прудони следователно, благодарение на изтъкнатите си членове, се радваше на голям престиж. Академията беше премахната като едноличен собственик на изложби, но продължи дълго време да поддържа монопола върху образованието и така запази влиянието си. Скоро обаче е заменен от „Техникум по живопис и скулптура“, появяват се и частни училища и вечерни класове. През 1792 г. Конвенцията разрешава създаването на музей в Лувъра.
романтичендвижението тук се превръща в борба за свобода, която е насочена не толкова срещу Академията, Църквата, Съда, покровителите и критиците, колкото срещу самия принцип на традицията, авторитета, срещу всяко правило. Тази борба се подхранваше от самата атмосфера на революцията, на която тя дължеше своя източник и влияние.
Дори Наполеонсе обърна към романтичното изкуство, когато не разглежда изкуството като средство за пропаганда и самовъзхвала. Империята намира своя художествен израз в еклектикакоито съчетават и обединяват съществуващите стилистични тенденции. Важен принос на империята към изкуството е установяването на творчески отношения между нейните производители и потребители. Буржоазната публика, консолидирана в края на 18 век, изиграва решаваща роля в оформянето на кръга на любителите на изкуството.
Художественият живот бързо се възстановява от сътресенията на революцията. Бяха възпитани художници, което предизвика появата на ново изкуство. Старите институции се ремонтираха, но ремонтаторите все още нямаха свои критерии за вкус. Това обяснява известен спад в следреволюционното изкуство, продължил около 20 години, когато романтизъм,Най-накрая успя да се реализира във Франция.
ХУДОЖЕСТВЕНА КУЛТУРА НА ЕВРОПА XVII-XVIII век.
При създаването на ръководството са използвани материали от руския общообразователен портал (колекция MHK, http://artclassic.edu.ru).
Започвате да изучавате една от най-ярките страници в историята на световната художествена култура. 17-18 век е времето, когато Ренесансът е заменен от художествените стилове барок, класицизъм, рококо.
Много се е променило в живота на човек, променили са се представите му за Вселената. Научните открития от началото на 17 век. най-накрая разтърси образа на Вселената, в центъра на която беше самият човек. Ако през Ренесанса светът изглеждаше един и цял, сега учените са убедени, че Земята изобщо не е центърът на Вселената, а една от небесните планети, които се въртят около Слънцето. Ако по-рано изкуството утвърждаваше хармонията на Вселената, сега човекът се страхуваше от заплахата от хаос, срива на космическия световен ред. Тези промени не можеха да не повлияят на развитието на изкуството. Новите стилове в изкуството са нова визия за света на един човек от Новото време.
1. Стилово разнообразие на изкуството от 17-18 век.
бароков стил започва да се развива главно в католическите страни на Европа в края на 16 век. Името му е свързано с обикновената думабароко ( дефектна неправилна перла), което означаваше всичко грубо, тромаво и фалшиво. Във връзка с изкуството терминът е използван за първи път в средата на 18 век. критици на бароковите архитектурни структури, на които този стил изглеждаше като проява на лош вкус. Впоследствие терминът губи отрицателното си значение и започва да се прилага към други видове изкуство.
Основната цел на барока е желанието да изненада, да предизвика удивление. Бароковото изкуство предаваше напрежението на конфликта, духа на противоречията. Основните теми на изкуството бяха мъките и страданията на човека, мистичните алегории, съотношението на доброто и злото, живота и смъртта, любовта и омразата, жаждата за удоволствие и възмездието за тях. Бароковите произведения се характеризират с емоционална наситеност на страстите, динамизъм на силуетите, изобразителен спектакъл, преувеличен блясък на формите, изобилие и натрупване на причудливи детайли, използване на неочаквани метафори. Барокът се характеризира с отдаденост към ансамбъла и синтеза на изкуствата. Въпреки сложността и неяснотата на изображенията, като цяло стилът се характеризира с жизнеутвърждаващ характер и оптимизъм.
Период от края на 17 век до началото на 19 век. влезе в историята катоПросвещение. Основното му съдържание беше разбирането за света като рационално подреден механизъм, където на човек е възложена значителна организационна роля. Хармонично развит, обществено значим, решително преодоляващ страстите и съмненията, готов да пожертва личното благополучие за общественото благо, човек живее по законите на природата. Свободата, Разумът, Дългът, Моралът стават приоритети на човешкия живот в епохата на Просвещението.
Идеите на Просвещението са въплътени в нов художествен стил -класицизъм ( лат. classicus - образцов). Основните модели за подражание са античното наследство и хуманистичните идеали на Ренесанса. Основните теми на изкуството на класицизма бяха триумфът на обществените принципи над личните, подчиняването на чувствата на дълга, идеализирането на героичните образи.
Изкуството на класицизма се характеризира с такива черти като яснота и простота при изразяване на съдържание, сдържаност, спазване на определени правила. Произведенията на класицистичната архитектура се отличаваха със строги линии, ясни обеми и добре балансирани пропорции. Живопис, скулптура, изкуства и занаяти се характеризираха с логично разгръщане на сюжети, ясна балансирана композиция, ясно моделиране на обема и подчинение на цвета на семантичните акценти.
В страните от Европа класицизмът съществува необичайно дълго време, от 17-ти до 30-те години. XIX век, а след това, променяйки се, се възражда в неокласическите тенденции.
В началото на XVIII век във Франция, в двора на краля, нов стил в изкуството стана широко разпространен -рококо ( фр. рокайл - черупка). То не продължи дълго, до средата на века, но оказа голямо влияние върху развитието на изкуството. Фокусът в ерата на рококо бяха любовните авантюри, мимолетните хобита, приключенията и фантазиите, галантните забавления и празниците. Изкуството трябваше да радва, докосва и забавлява. В архитектурата, живописта, скулптурата и особено в изкуствата и занаятите триумфират изящни сложни форми, причудливи линии, сложни орнаменти, в които многократно се заиграва силуетът на раковини и странни растения. Необичайни форми, изобилие от шарки, оптични илюзии, колеблив, понякога ускоряващ, понякога забавящ се ритъм въвличат зрителя в прекрасна игра, празник на безгрижието.
В същото време в европейското изкуство възникват и се развиват реалистичните традиции. Зареализъм характеризира се с обективност в предаването на видимото, точност, конкретност, безпристрастност във възприятието на живота, липса на идеализация, дълбоко, усетено възприемане на живота и природата, простота и естественост в предаването на човешките чувства. Реализмът се проявява най-ясно в живописта на Холандия през 17 век.
Има много и често спорове за оригиналността и границите на художествените стилове на изкуството от 17-18 век. Всъщност в творчеството на един художник два или повече художествени стила биха могли органично да се преплитат. Безсмислено беше например да се поставят ясни граници между барока и реализма в творчеството на великия фламандски художник Питер Паул Рубенс. Подобна картина е характерна за някои конкретни произведения на изкуството. Например, комбинация от стилове може да се наблюдава в известния дворец на Версай. Във външния му архитектурен облик са използвани строги класицистични техники, а в декорацията на буйни, тържествени интериори са използвани барок и рококо. По този начин художествените стилове на изкуството от 17-18 век, разнородни в своите прояви, имаха известна вътрешна общност.
Стилово разнообразие на изкуството от 17-18 век
MHK 9 клетки. 17-18 век. номер 1.версия 2010г
2. Барокови майстори.
Лоренцо Бернини (1598-1680)
Джовани Лоренцо Бернини е роден през 1598 г. в Неапол в семейството на скулптора и художник Пиетро Бернини. През 1605 г., по покана на папа Павел V, Пиетро и семейството му се преместват в Рим. Тук младият Лоренцо получава възможността да копира произведенията на велики майстори, съхранявани в залите на Ватикана. Още с първите си творби бъдещият майстор привлича вниманието на папата и кардиналите Боргезе и Барберини, които стават негови покровители и клиенти.
В произведенията на Бернини има много черти, непознати за Ренесанса. Скулпторът се стремеше да покаже не състоянието на героите, а действието, от което беше изтръгнат кратък момент. Силуетите на фигурите са станали по-сложни. Бернини полиран мрамор, което го кара да играе с много акценти. Благодарение на този майстор той успя да предаде най-фините нюанси: текстурата на тъканта, блясъка на очите, чувствения чар на човешкото тяло. Новаторските търсения на младия скулптор се проявяват ясно още в началото на 1620-те години. Темата на двубоя между Давид и Голиат ("Дейвид ”) Бернини решава по подчертано динамичен начин - героят е показан не преди или след, а в самия момент на битката с врага си.
Висшето католическо духовенство използва пълноценно таланта на Бернини. Скулпторът изпълнява множество поръчки, създава религиозни композиции, церемониални портрети, статуи за украса на римски площади. Бернини създава много надгробни плочи за известни личности на своето време. Жалките им въздействия напълно отговаряха на изискванията на църквата за издигане на католическото благочестие. В грандиозните мемориални ансамбли Бернини прилага смело нови изразни средства, обогатявайки ги с реалистично изпълнение, което е особено характерно за надгробната плоча на папа Урбан VIII (1628-47).
Вече зрял майстор, Бернини създава една от най-добрите си композиции - “Екстазът на Св. Тереза » за олтара на параклиса на семейство Корнаро в римския храм Санта Мария дела Витория. Композицията илюстрира един от епизодите от живота на Тереза, испанска монахиня от 16-ти век, която по-късно е канонизирана за католическа светица. В записките си тя разказва, че един ден ангел й се явил насън и пронизал сърцето й със златна стрела. Бернини се изправи пред трудната задача да изобрази свръхестествено явление, видение в съня. Авторът успя майсторски да предаде в мрамор най-високото напрежение на чувствата на героинята. Точката на опора на фигурите е скрита от зрителя и възниква илюзията, че монахинята и ангелът се носят в облаците. Нереалността на случващото се е подчертана от лъчи на заден план и въртящи се облаци, върху които е полегнала Тереза. Клепачите й са полузатворени, сякаш не вижда нежния и усмихнат ангел, който се появи пред нея. Страданието и удоволствието се преплитат в болезнено екстатичния й вид. Композицията е поставена в дълбока ниша, обрамчена с цветен мрамор. Ефектът на мистичното виждане се подсилва от светлината, падаща върху скулптурата през деня през жълтото стъкло на прозореца на катедралата.
Бернини съчетава израза на целостта на физическите и духовните принципи в скулптурата с брилянтна архитектурна и пространствена визия, което му позволява идеално да впише пластичните композиции в готови структури и да създава мащабни архитектурни ансамбли, така характерни за бароковото изкуство. Римските фонтани "Тритон" и "Четири реки" са брилянтна комбинация от изразителна барокова пластика с бълбукаща пенлива вода.
Повече от половин век Бернини извършва работа за катедралата Свети Петър. Създава монументални статуи на светци и папски надгробни плочи, издига амвон в главния олтар и цибориум (надстройка) над гроба на Св. Петра е удивителен пример за единството на скулптурата и архитектурата. Основното архитектурно творение на Бернини е проектирането на площада пред катедралата Свети Петър в Рим. Архитектът успя да реши няколко проблема наведнъж: да създаде тържествен подход към главната църква на католическия свят, да постигне впечатлението за единството на площада и катедралата и да изрази основната идея на католическата църква : да прегърнеш града и целия свят. Пространството пред храма е превърнато в единен ансамбъл от два квадрата: първият е под формата на трапец, украсен с галерии, излизащи директно от стените на катедралата. Вторият е направен в любимата форма на барока - овал. Той е обърнат към града и е обграден от величествена колонада. Монументалните колони от тосканския орден са подредени в четири реда. В горната част те са обединени от извита балюстрада, върху която са монтирани 96 статуи на светци. В центъра на огромен площад е издигнат обелиск, от двете страни на който има два фонтана.
Сред другите архитектурни произведения на Бернини трябва да се отбележиПалацо Барберини (в съавторство с Карло Мадерна иФранческо Боромини) и малка Църквата Сант Андреа ал Куиринале , което самият Бернини смята за най-успешната си работа.
Работата на Бернини до голяма степен определя развитието на цялата европейска култура от 17 век.
Микеланджело Караваджо (1573-1610))
Микеланджело да Караваджо (всъщност Мериси да Караваджо) е роден през 1573 г. близо до Милано в село Караваджо, от което идва и името му. През 1584-88г. учил в Милано. Около 1590 г. Караваджо пристига в Рим, където остава до 1606 г. Тук бъдещият художник отначало е в бедност, работи под наем, води безпорядък живот, което му позволява да опознае живота и обичаите на по-ниските класи в града. (по-късно той многократно се обръща към тези теми). Известно време по-късно модният художник Чезари д'Арпино го взема за помощник в работилницата си, където Караваджо рисува натюрморти върху монументалните картини на собственика.
Необузданият темперамент вкарва Караваджо в трудни и понякога дори опасни ситуации. Много пъти се е биел на дуели, за които многократно попада в затвора. Художникът се отличаваше с бурен темперамент и истински приключенски темперамент. Сред богатите римски покровители обаче имаше ценители на този дързък и независим гений. Художникът имаше мощен покровител - кардинал Франческо Мария дел Монте. Изкуството на майстора постепенно беше признато от други сили.
Още в ранните творби на Караваджо (между 1592 и 1598 г.), с техния звучен цвят и прозрачен светлинен цвят, се появяват редица по същество нови черти. Караваджо противопоставя принципа на идеализиране на образа с индивидуалната изразителност на конкретен модел (“Малкият болен Бакхус ”), алегорична интерпретация на сюжета - безпристрастно изследване на природата в прост ежедневен мотив (“Момче с кошница с плодове "). Караваджо създава нови видове живопис - натюрморт ("Кошница за плодове "") и ежедневен жанр ("Закръглена“, „Гадалка "). Религиозната картина получава от него нова, интимна психологическа интерпретация (“Почивка по време на полета до Египет »).
До края на 1590 г. развива се оригиналната живописна система на Караваджо. Предният план на картината, ярко осветен от лъч светлина, се откроява на фона, потопен в плътна сянка, което постига подчертана оптична яснота на изображението и създава впечатление за непосредствената му близост до зрителя (“свир на лютня").
Зрелите творби на Караваджо (1599-1606) са монументални композиционни платна с изключителна драматична сила. Те се характеризират с мощни контрасти на светлина и сянка, изразителна простота на жестовете, енергично моделиране на обеми и звучен, богат цвят.
Въпреки противоречията, а понякога и скандалите около името на Караваджо, той постоянно получава поръчки за картини за храмове. През 1602-04г. пише художникътПозиция в ковчега » за църквата Санта Мария дела Валичела в Рим. През 1603-06г. създава композицияМадона ди Лорето » за църквата Sant'Agostino на същото място. Страхотна композиция"Смъртта на Мери „(1606), написана за олтара на римската църква Санта Мария дела Скала и отхвърлена от клиента. Тук Караваджо дава своята интерпретация на традиционния сюжет за Успение на Богородица, който според църковната традиция трябва да носи радост в себе си, тъй като, след като завърши земния си живот, Дева Мария се съединява на небето с Исус Христос. Караваджо, напротив, представи това събитие като трагедия: апостолите около леглото на Мария са потънали в скръб, а гледката на самата Божия Майка предизвиква мисли не за благословено възнесение на небето, а за живот, пълен с страдание и тежка, болезнена смърт.
Спокойният живот не може да задоволи непокорния Караваджо, през 1606 г. неговият нахален характер отново се проявява. Караваджо убива известен Ранучо Томасони в дуел и избяга от преследване в Неапол. Тук той създава няколко от своите шедьоври, а след това, бягайки от преследване, се премества в Малта. Но дори и там, нарисувайки няколко красиви картини, той се замесва в друга скандална история и се озовава в затвора. Скоро успява да избяга и през следващите няколко години Караваджо се скита из различни градове в Южна Италия. В по-късните творби на художника, създадени през годините на скитане (1606-10), по-нататъшното развитие на реалистичните тенденции, разширяването на обхвата на жизнените явления ("Седемте акта на милосърдие ”) са придружени от задълбочаване на трагедията на светогледа. Наред с нотки на скръбна неприязън, те проявяват духа на възвишения стоицизъм (“Екзекуцията на Йоан Кръстител », « Бичеване на Христос »).
През 1609 г. Караваджо отново се завръща в Неапол, където чака помилване и разрешение да се върне в Рим. Накрая, през 1610 г., след като получи прошка от кардинал Гонзага, Караваджо се качил на кораб, но така и не стигнал до местоназначението си. Големият художник почина от треска в Порт Еркол.
Караваджо допринася за създаването на нови жанрове в живописта - натюрморт и ежедневен жанр, създава оригинална живописна система, която по-късно става известна като "каравагизъм". Творчеството му оказва значително влияние върху почти всички изтъкнати европейски художници.
Питър Пауъл Рубенс (1577-1640)
Питър Пауъл Рубенс е роден през 1577 г. в Германия, син на адвокат, имигрант от Фландрия. След смъртта на баща му през 1587 г., семейство Рубенс се завръща в Антверпен. Петър, заедно с брат си Филип, е изпратен в латинско училище, което дава на младите мъже основите на либералното образование. На 13-годишна възраст Петър започва да учи рисуване. След като преминава през школата на няколко фламандски художници, през 1598 г. става майстор.
През пролетта на 1600 г. Рубенс заминава за Италия. В края на 1601 г. на художника е предложено място в двора на херцога на Мантуа. Задълженията на Рубенс включват копиране на картините на великите майстори. Славата на талантлив художник идва при него неочаквано. По молба на херцога Рубенс носи ценни подаръци на испанския крал Филип III. На пътя се случват неприятности: дъждът безнадеждно разваля няколко картини и Рубенс трябва да нарисува своята собствена. Картините правят впечатление и Рубенс веднага получава първата си поръчка. Композицията, в която първият министър на краля е изобразен седнал на кон, има огромен успех и славата на Рубенс се разнася из европейските кралски дворове.
Рубенс често е наричан най-великият майстор на триумфалния барок. Усещането за безкрайността на света, неукротимото вселенско движение, сблъсъка на стихийните сили и интензивността на човешките страсти – това е характерно за много от платната на художника. Многофигурните композиции, представени в сложни диагонални ъгли, са изпълнени с най-малките детайли и детайли. Картините на Рубенс се отличават със свободна пластичност на формите, силни цветови ефекти и най-фината игра на цветни нюанси.
През 1608 г., след като получи новини за тежкото заболяване на майка си, Рубенс бързо се върна в Антверпен. През 1609 г. той се съгласява да заеме длъжността придворен художник при владетелката на Фландрия Изабела Австрийска. През есента на същата година Петър се жени за Изабела, дъщеря на Джон Бранд, секретар на градския съд. Неговият чудесен "Автопортрет с Изабела Бранд" дава ярка представа за таланта на художника. Красивото лице на Рубенс е спокойно и изпълнено със самочувствие. Модерен, елегантен и скъп костюм подчертава неговия аристократизъм и фин артистичен вкус. Той седи с младата си съпруга в беседка, оплетена в зеленина, изразителните им очи са обърнати право към зрителя, безкрайно милите им очи са пълни с тихо и спокойно щастие.
През 1612-20г. развива зрял стил на художника. През този период той създава много от най-добрите си произведения: митологични картини ("Персей и Андромеда », « Отвличането на дъщерите на Левкип », « Венера пред огледалото », « Битката на гърците с амазонките »); ловни сцени ("Лов на хипопотами и крокодили »); пейзажи ("Носителите на камъни"), религиозни композиции ("Страшният съд"). През същия период Рубенс действа като архитект, изграждайки собствена къща в Антверпен, белязана от бароков блясък.
Рубенс никога не се затваряше в рамките на нито един жанр на живописта. Многобройните му алегорични картини са посветени на проблемите на съвременния живот, призивът към древните митове е изпълнен с дълбок символичен смисъл. В алегорична картинаСъюз на Земята и Водата » Рубенс изобразява обединението на два природни елемента, представени като майката на всички богове, Кибела (тя олицетворява Земята) и богът на моретата Нептун. Картината съдържаше дълбок смисъл, свързан с надеждите на Рубенс за бърз просперитет на родината. След разделянето на Холандия на Северна (Холандия) и Южна Фландрия тя губи достъп до морето и губи печелившите си търговски пътища. Съединението на две природни стихии е надеждата за мир, мечтата на художника за съюза на Фландрия с морето.
До края на 1610 г. Рубенс получи широко признание и слава. Неспособен бързо да изпълни много поръчки, Рубенс създаде огромна работилница, където се стичаха най-добрите млади художници на Фландрия, сред които бяха такива бъдещи големи художници като Антъни ван Дайк, Якоб Йорданс, Франс Снайдерс. Рубенс имаше невероятна работоспособност. Той създава около 1500 самостоятелни творби и още толкова в сътрудничество със студенти - невероятна фигура за човек, живял само 63 години.
Брилянтно образован, говорещ няколко езика, Рубенс често е привличан от испанските владетели да изпълнява дипломатически мисии. След смъртта на съпругата си, през 1627-30 г., художникът посещава Холандия, Франция, след което пътува до Мадрид и Лондон на дипломатически мисии. Среща се с Чарлз I, херцог на Бъкингам, Филип IV, кардинал Ришельо, допринася за сключването на мирен договор между Испания и Англия, за което испанският крал му предоставя титлата държавен съветник, а английският – благородството. По време на пътуванията си Рубенс рисува портрети на кралски и просто високопоставени личности: Мария Медичи, лорд Бъкингам, крал Филип IV и съпругата му Елизабет от Франция.
През 1630-те години започва нов период от творчеството на художника. След четири години овдовяване, през 1630 г., Рубенс се жени за шестнадесетгодишната Хелена Фоурмент, дъщеря на приятел и далечен роднина на Даниел Формент. Рубенс се отдалечава от политическите дела и се посвещава изцяло на творчеството. Той придобива имение със замък в Елевит (Брабант) и се установява там с младата си съпруга. От време на време художникът създава декоративни и монументални композиции, например скици на триумфални арки по повод влизането в Антверпен на новия владетел на Фландрия инфант Фердинанд, но по-често рисува малки картини, изпълнявайки ги със своите собствена ръка, без помощта на работилница. Темите на този период са разнообразни. Наред с поетични пейзажи Рубенс рисува сцени от селски тържества. Основният му модел е млада съпруга. Рубенс я улавя в библейски и митологични образи („Вирсавия“), създава повече от 20 портрета на Елена. Последните произведения на Рубенс - "Съдът на Парис“, „Три грации“, „Бакх“.
През пролетта на 1640 г. здравето на Рубенс рязко се влошава (той страда от подагра); На 30 май 1640 г. художникът умира.
Творчеството на Рубенс има забележимо влияние върху развитието на европейското изкуство от 17-19 век.
БАРОКОВИ МАЙСТОРИ
MHK 9 клетки. 17-18 век. номер 2.2011 г
3. Майстори на реалистичната живопис.
„Малък холандец“.
В палатката на Новия Ермитаж се помещава основната изложба на холандското изкуство от 17-ти век. Тук са изложени картините на така наречените „малки (или малки) холандци”, сред които, противно на този термин, имаше и много големи майстори. Не степента на талант, а само малкият размер на платната беше причината за това име. По-голямата част от тези картини са светски по съдържание. Всеки художник, като правило, се специализира във всеки един жанр.
Малкият, кабинетен формат на картините не е случаен. Мястото на бившите консуматори на изкуството: църквата с храма и феодалът със своя замък, беше заето от нов клиент: представител на третото съсловие, който не се нуждаеше от големи картини за скромния си дом. И поръчката, в предишния смисъл на думата, сега беше поставена главно върхупортрет . Произведения от други жанрове са създадени от художника "за пазара". Това, разбира се, не означаваше, че художникът е абсолютно свободен в работата си. Пазарът, т. е. вкусът на новия консуматор на произведения на изкуството - буржоазията, представи своите искания пред художника. Тези изисквания на младата изгряваща класа бяха, особено в началото, от много трезвен, демократичен характер: едно произведение на изкуството трябва да показва живота правдиво, без разкрасяване.
Буржоазията - представител на вчерашната потисната класа, сега собственик на материалните и духовни ценности на държавата, преди всичко искаше да види собствения си образ. Не се смути, че от платното изглежда лице, което не е съвсем красиво и не много духовно, че фигурата не се отличава с грация, а костюмът не е елегантен. Ще дойде време, когато злобните бюргери ще искат да изглеждат като аристократи, но досега се изискваше човекът, изобразен на портрета, да има характер, че в чертите на лицето може да се види решителност, упорит бизнес нюх. усеща се в ръцете и сила във фигурата.
Работата на Франс Халс , изключителен портретист от 17 век, е върхът на периода на решителната офанзива на реализма в живописта. Смело нарушавайки обичайната идея за портрета като точен, безучастен отлив от природата, Халс създава остър, ярък образ - персонаж, уловен в един от моментите на непрекъснатата променливост на човешкото лице. Художникът се отказва от задължителните традиционни норми: лицево или профилно изображение, конвенционална, стандартна поза. Весел, енергичен, дружелюбен, общителен и в същото време събран и солиден по свой начин, знаейки собствената си стойност, способен да отстоява себе си, героят се появява пред зрителя в "Портрет на млад мъж". Композицията е проста: типичен полуфигурен портрет. Но тялото е изобразено почти в профил, а главата - в три четвърти. Този енергичен обрат предава силните волеви качества на изобразявания човек. Жив блясък в очите, весела полуусмивка, която е на път да разтегне устата, и подвижни ръце допълват динамиката на изображението. В друга творба на Ермитажа - "Мъжки портрет» пред публиката – съвсем различна личност. Предизвикателно независимата поза (дясната ръка небрежно лежи настрани), косата, разпусната през раменете и ефектно хвърленото наметало, както и изражението на присвити очи и скептична усмивка, рисуват човек, който е самоуверен и донякъде арогантен, нарцистичен и изпълнен със съзнание за достойнството на собствената си личност. Творчеството на Халс, отличаващо се с изключителната си пълнота на разкриване на специфичен характер и смела иновация в областта на цвета и техниката, е най-високото постижение на ранния етап в развитието на холандската живопис.
Един от най-популярните в Холандия ставабитов жанр. Картини на Ян Стин привличат не само с умение за изобразяване на хора, интериор, предмети от бита, но и със забавно съдържание, понякога с анекдотични сцени (“ Revelers "," Пациентът и лекарят ").
Художниците, които са работили в град Делфт, предпочитат поетизацията на всекидневния живот пред разказа и забавлението. Те успяха да направят „всекидневното – поетично, тривиално – възвишено, да придадат рядка одухотвореност на най-незначителните детайли” (В. Н. Лазарев). Счита се за най-забележителния представител на Делфтската школаЯн Вермер , който приживе си спечелва прозвището „най-великият магьосник и магьосник на рисуването“. Оцелели са около 40 негови творби (всички се съхраняват в чужди музеи) – пейзажи, жанрови сцени, портрети.
Сцената на една от най-добрите картини на художника от ДелфтПитър де Хуч Господарка и прислужница»се превръща в чист уютен вътрешен двор, залят с ярка слънчева светлина. Прислужницата показва на домакинята, оставила за известно време ръкоделие, донесената от пазара риба в месингова кофа, излъскана до огледален блясък. Сега домакинята ще даде необходимите заповеди и животът отново ще тече по обичайния начин. на снимкатаот Питър Янсенс стая в холандска къща” фино предава атмосферата на тишина и комфорт, спокойствие и редовност на ежедневието.
Създаване Джерард Терборхсе отличава с ярката изразителност на заснетите ситуации, способността да се предава връзката на героите с помощта на фини жестове (“Чаша лимонада", " Получаване на писмо»).
Жанрът нанатюрморт . Този термин, появил се през 19 век, означава "мъртва природа", което често не отговаря на съдържанието на картините. Самите холандци наричат жанра " stillleven » - спокоен живот. „Тихият живот на нещата“ е образ на обекти от реалния свят, свързани в ансамбъл, който има скрит назидателен смисъл. Любими теми бяха „закуски“, „десерти“, цветни букети и алегорични композиции. В тези картини винаги се усеща невидимото присъствие на човек. Преместиха приборите за хранене на масата, счупиха ядката, обелиха лимона, допиха виното в чашата. Композицията става още по-естествена и автентична. Майсторите илюзорно предават точно формата и триизмерността на обектите, техния материал, светлинните отражения и цветовете върху повърхността на нещата. Това са натюрмортитеВилем Клас Хедаи Петър Клас.
Най-популярният жанр на холандската живопис от 17 век. ставапейзаж. Оригиналността на този жанр и неговите теми се определят от особеността на природата на тази северна страна. Художниците отказаха да изобразяват идеални универсални пейзажи. Те се интересуваха от обикновената природа в естествена ситуация.
Маринистите са привлечени от морските простори, скъпи за сърцето на холандците, по които се движат платноходки и лодки, задвижвани от свеж вятър (Ян Порселис" Море в облачен ден» ). Известен анималистПаулус Потър известен с изобразяването на животни в пейзажи. Той чудесно рисува пейзажи, обвити в прозрачен хладен въздух, и зелени ливади с пасящи стада на ярката светлина на деня. Дълбоко философско разбиране на природата, ясна обмисленост и изразителност на композицията са характерни за картинитеЯкоб ван Руисдал. Неговата природа е изпълнена с вътрешен живот, пронизан с вечно движение, борба на стихийните сили, контрасти на светлина и сянка. Неговите герои са бързи потоци и застояла вода на блата (“блато ”), дървета, отсечени от буря, падащи есенни листа и млад растеж. Всеки негов пейзаж е пропит с лични преживявания за устройството на Вселената и мястото на човека в нея.
Внимателно следвайки природата, холандските майстори успяха да открият красотата на видимия свят в най-разнообразните му проявления. Техните творби все още запазват живата тръпка от реалния живот, предават цветното богатство на заобикалящия свят. Постиженията на "малките холандци" стават основа за развитието на реалистичната тенденция в европейското изкуство от 18-ти и 19-ти век.
Рембранд Харменс ван Рейн (1606-1669)
Рембранд - холандски художник, чертожник и гравьор (офорт - вид гравиране), ненадминат майстор на живописта и графиката, създал произведения в почти всички жанрове: портрети, натюрморти, пейзажи, жанрови сцени, картини на библейски, митологични и исторически сюжети. Рембранд е автор на около 600 картини, 300 офорта и 2 хиляди рисунки. Творческият успех, който дойде при Рембранд в началото на 1630-те, скоро беше заменен от откровено отхвърляне на работата му от холандското общество, което доведе художника до бедност и унижение. Изкуството на Рембранд е твърдо забравено от съвременниците му, интересът към него се възобновява едва в края на 19 век.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn е роден на 15 юли 1606 г. в Лайден в семейството на мелничар. След кратко обучение в университета в Лайден, той се отдава изцяло на изкуството. Известно време младежът учи в Амстердам при известния исторически художник Питър Ластман. Шест месеца по-късно той напуска работилницата на Ластман и, завръщайки се в родния си Лайден в началото на 1625 г., става независим художник.
През 1632 г. Рембранд се премества в Амстердам, където скоро се жени за богата патриция Саския ван Уйленбюрх. 1630-те - началото на 1640-те години са годините на семейно щастие и големия творчески успех на Рембранд. рисуване"Урок по анатомия на д-р Тулп “, в който художникът решава проблема с груповия портрет по нов начин, му донесе широка слава. Получава много поръчки, в работилницата му работят много ученици. През тези години Рембранд работи много в портретния жанр: рисува портрети на богати бюргери, автопортрети, портрети на любими хора. Произведенията от това време понякога се характеризират с театрални външни ефекти, външен патос и бароков динамизъм (“Автопортрет със Саския », «
Жертвата на Авраам“, „Флора "). Специално място в творчеството на Рембранд от този период заемат картини на митологични сюжети, които се интерпретират от художника по начин, далеч от класическите канони и традиции („Даная "). През 1630-те години Рембранд работи много в техниката на офорт. През този период той създава първите си пейзажи, първите си щампи, както и много от най-добрите си рисунки с молив.
Назряващият конфликт между изкуството на Рембранд и естетическите изисквания на съвременното общество се проявява през 1642 г., когато картината "Реч на ротата на пушките на капитан Франс Банинг Кок (Нощна стража) „ предизвика протести на клиенти, които не приеха основната идея на майстора – вместо традиционния групов портрет, той създаде по същество историческа картина. През 40-те години на миналия век притокът на поръчки намалява, в работилницата на Рембранд остават само най-преданите ученици. Обстоятелствата в живота се усложняват от смъртта на Саския. Творчеството на художника губи предишната си външна ефектност и мажорни нотки. Той пише спокойни, топли и интимни библейски и жанрови сцени (“Давид и Джонатан "). Най-фината игра на светлина и сянка става все по-важна както в живописта, така и в графиката на Рембранд (офорт"Христос изцелява болните "(" Лист от 100 гулдена»).
През 1649 г. Рембранд се жени за втори път - със своя слуга Хендрике Стофелс, който по-късно често му служи като модел (“Портрет на Хендрике Щофелс »).
1650-те години, години на трудни житейски изпитания, отварят периода на творческа зрялост на Рембранд. През това време Рембранд създава много от най-значимите си портрети ("Кметът Ян Шести ”), включително портрети на стари хора, продължава да работи в графиката. В "Портрет на старец в червено “, съхраняван в Ермитажа, художникът, сякаш избутва времевата рамка на изображението, предава многостранния и сложен вътрешен свят на човек, разкрива неговата духовна същност като резултат от целия му живот. Статичната композиция, липсата на детайли от ситуацията, използването на светлина за фокусиране на вниманието върху основното и засилването на емоционалното въздействие на изображението, виртуозната техника на рисуване - всичко това служи за психологическа характеристика. Критиците нарекоха подобни изображения на хора „портрети-биографии“.
През 1656 г. Рембранд е обявен за неплатежоспособен и цялото му имущество е продадено на търг. Той се премества в еврейския квартал на Амстердам, където прекарва остатъка от живота си в изключително тесни условия. През 1661 г. на художника е поръчана голяма историческа картина за кметството в Амстердам на тема от далечното минало на Холандия (“Конспирацията на Юлий Цивилис "). Тази работа не беше приета от клиентите поради суровия си реализъм. Към късния период на творчеството на художника принадлежат и редица религиозни композиции („Давид и Урия ”), групови и единични портрети (“Портрет на Йеремия де Декер"). Творбите на покойния Рембранд се отличават с изключителна дълбочина на психологически характеристики.
В напреднала възраст Рембранд е преследван от загуби: през 1663 г. умира Хендрике, през 1668 г. единственият му син Тит умира от наследствена туберкулоза, а на 4 октомври 1669 г. умира самият художник, който почина в бедност, забрава и самота.
рисуване" Завръщане на блудния син е създадена малко преди смъртта на художника. В евангелската притча, която разказва за син, който, забравил родителските си наставления, води разпуснат живот и просяк, болен, духовно опустошен, се завръща при стария си баща и е простен от него, Рембранд не е привлечен от темата за приключенията и дивия живот на млад мъж (който други художници често изобразяват), а финалът е срещата на баща и син. Композицията е обърната към зрителя, той се озовава в един кръг с хората, изобразени на снимката, които в дълбока и тежка медитация съчувствено гледат към слепия старец, прегръщайки внимателно сина си, който падна на колене отпред негов. Хуманистичната същност на изкуството на Рембранд придобива особен, обобщаващ смисъл в това произведение. Самотният художник, който по това време е загубил почти всички свои близки и скъпи хора, работил в общество, което често отхвърля таланта му, утвърждава идеята за добро отношение към хората, за необходимостта да се помогне на тези, които се озовават в трагична ситуация. Тази работа може да се разглежда като своеобразен резултат от творческия живот на брилянтен майстор.
Творчеството на Рембранд бележи върха на развитието на холандското изкуство през 17 век. Той оказва силно влияние върху развитието на цялото европейско реалистично изкуство.
Реалистична живопис на Холандия. 17-ти век
MHK 9 KL. 17-18 ВЕК. НОМЕР 3. 2011г
4. Майстори на "галантния жанр": Рококо живопис.
Основната тема на живописта в рококо е изящният живот на придворната аристокрация, "галантните празненства", идиличните картини от "пастирския" живот на фона на девствената природа (т.нар. пасторал), света на любовните интриги и гениалните алегории. Човешкият живот е мигновен и мимолетен и затова е необходимо да хванете "щастливия момент", да побързате да живеете и да почувствате. „Духът на очарователните и ефирни малки неща“ (М. Кулмин) става лайтмотив на творчеството на много художници от стил рококо.
Антоан Вато (1684-1721).
Известният френски художник Жан Антоан Вато е роден през 1684 г. в малкото провинциално градче Валансиен в семейството на беден покриващ. През 1702 г. Вато заминава за Париж без никаква финансова подкрепа от семейството си. В продължение на две години, срещу мизерна заплата, той работи като преписвач на евтини картини за търговец от моста Нотр Дам. Художникът посвещава свободното си време на рисуване от природата. По това време Вато се запознава с театралния декоратор К. Жило, от когото започва да взема уроци по рисуване. След като се сближава през 1708 г. с уредника на Люксембургския дворец, Вато получава възможността да изучава творенията на великите майстори, които изобилстват в дворцовата колекция от картини.
Вато започва самостоятелната си творческа дейност със скици на сцени от живота на войника. Тези композиции бяха успешни сред парижката публика и поръчките потекоха към художника. Следвайки характерните мотиви на жанровата живопис на 17 век, Вато се обръща към образа на съвременния живот.("Савояр с мармот"), което донесе особена интимност и лирично вълнение. В зряла възраст художникът предпочита театрални сцени и така наречения "галантен жанр", изобразявайки в картините си всякакви празници, маскаради и забавления, романтични срещи, изящна игра на любов на невнимателни дами и господа ("Празник на любовта "," Обществото в парка "). Художникът рисува и театрални сцени, портрети, пейзажи, митологични и религиозни композиции, актове, оставя рисунки, в които улавя най-разнообразните представители на френското общество.
Watteau е първият, който пресъздава в изкуството света на най-фините психични състояния (“капризен", " срамно предложение”), често оцветен с ирония и горчивина. Героите в картините на Вато са постоянно повтарящи се типове, но зад галантната им игра се крие безкрайно разнообразие от нюанси на поетическо чувство.
Watteau успява да постигне признание в художествената среда като тънък и оригинален майстор. През 1712 г. е приет в Кралската академия по живопис и скулптура, а през 1717 г. за голяма картина "Поклонение до остров Китера » получава званието академик. Очарователни дами и господа се събраха на обсипания с цветя бряг на остров Китера – островът на Венера, богинята на любовта и красотата. Празникът на любовта започва от статуята на богинята, в подножието на която са подредени оръжия, лири и книги - символи на войната, изкуствата и науките: наистина любовта може да победи всичко! Топли, меки цветове, приглушени цветове, леки щрихи на четката на художника - всичко създава специална атмосфера на чар и любов.
През 1719 г. Вато заминава за Англия. Той живее в Лондон една година: работи усилено и получи признание. Влажният климат на английската столица обаче подкопава крехкото здраве на художника. Връщайки се в Париж, Вато боледува безкрайно. През 1721 г., на 36-годишна възраст, Watteau умира от консумация.
Творчеството на Вато бележи началото на нов етап в историята на европейската живопис, графика и декоративно изкуство на 18 век. Декоративната изтънченост на неговите произведения послужи като основа за художествения стил на рококо.
Франсоа Буше (1703-1770).
Френският художник, чертожник, гравьор и декоратор Франсоа Буше е роден през 1703 г. в семейството на търговец на щампи. Около 1720 г. Франсоа започва да работи в работилницата на Ф. Лемуан. Първата специалност на младия художник е занаятът на илюстратор. Бауше рисува винетки и участва в създаването на илюстрации за „История на Франция” от П. Даниел по поръчка на парижкия колекционер Жулиен Буше, гравира пейзажи и скици от А. Вато. Баучер ще се занимава с илюстриране на печатни публикации през целия си живот; той ще създава илюстрации към произведенията на Молиер, Бокачо, Овидий и други автори.
През 1726-27 г. Франсоа скоро постига голям успех в изкуството на гравиране, получава Голямата награда на Академията и заминава за Италия за четири години. Връщайки се в Париж, Баучер се жени и получава първите си големи поръчки за кралската фабрика за гоблени в Бове. През 1734 г. за картината "Риналдо и Армида » Баучер е избран в Кралската академия по живопис и скулптура. През 1737 г. става професор в Кралската академия по живопис и скулптура 1736-60. - периодът на зряло творчество на художника. През тези години работи интензивно в различни форми на изкуството (живопис, декоративно-приложно изкуство).
Баучер е най-великият художник-декоратор на своето време. След като работи в Бове, той е директор на кралската манифактура за гоблени в Париж, работи като декоратор в Парижката опера и работи за манифактурата в Севър. Безспорният шедьовър на декоративното изкуство бешегоблен „Китайски дивертисменти“, дарен през 1764 г. от Луи XV на китайския император. Художникът участва активно в декорирането на резиденциите на крал Луи XV и неговата любовница мадам дьо Помпадур, например, той рисува тавана в апартаментите на кралицата във Версайския дворец.
Творчеството на художника Баучер е изключително многостранно. Художникът се обърна към алегорияташах и митологични сюжети, любимата героиня на които беше Венера (“Триумф на Венера Юпитер и Калисто"," Къпане Даяна "," Отвличането на Европа » ). Баучер изобразява селските панаири и модния парижки живот. Пише жанрови сцени. Създадени пасторали ("лятна пасторална ”) и идилични пейзажи (“мелница "). Той рисува елегантно кокетни портрети ("Портрет на маркиза дьо Помпадур ”) и голи сцени. Има няколко картини на Баучер, посветени на религиозни теми.
Франсоа Буше е най-яркият представител на художествения стил на рококо. Неговите творби се отличават с декоративна изтънченост и изтънченост; героите на неговите произведения са пълни с емоционална спонтанност, игриво преструване и откровено чувствено наслада от живота, те се отличават с цъфтяща красота и пикантно очарование.
От 1760 г. Буш губи предишната си популярност. Въпреки това в последните години от живота си той е директор на Кралската академия по живопис и скулптура и „първият художник на краля“ (от 1765 г.), а няколко месеца преди смъртта си е избран за почетен член на Петербургската художествена академия.
Изключително популярен в годините на своя творчески разцвет, Франсоа Буше остава един от най-известните френски художници от 18 век, великолепен майстор на цвета и изящната рисунка, чиито картини ви канят в света на щастието, любовта и красивите мечти.
РОКОКО
MHK 9 KL. 17-18 ВЕК НОМЕР 4
5. Живопис от епохата на класицизма във Франция.
Развитието на класицизма в изкуството е тясно свързано с формирането на абсолютна монархия във Франция. През 1648 г. е създадена Кралската академия на изкуствата, която е под надзора на първия министър на краля. Академията беше призована да разработи официални правила за различни изкуства, включително живопис. Постепенно в живописта на класицизма се развива набор от норми, които художниците трябваше стриктно да спазват. Изисква се сюжетът на картината да съдържа сериозна духовна и морална идея, която може да има благоприятен ефект върху зрителя. Според теорията на класицизма такъв сюжет може да се намери само в историята, митологията или библейските текстове. Рисунката и композицията бяха признати за основни художествени ценности, не се допускаха резки цветови контрасти. Композицията на картината беше разделена на ясни планове. Във всичко, особено при избора на обема и пропорциите на фигурите, художникът трябваше да се съсредоточи върху древните майстори, преди всичко върху древногръцките скулптори. Образованието на художника трябваше да се проведе в стените на академията. След това той непременно направи пътуване до Италия, където изучава античността и произведенията на Рафаел.
Така творческите методи се превърнаха в строга система от правила, а процесът на работа върху картината в имитация. Не е изненадващо, че умението на художниците класицисти започва да намалява и през втората половина на 17 век във Франция вече няма нито един значим художник. Въпреки това, работата на основателя на класицизма в живописта - Никола Пусен, както и на изключителен художник от 18-ти век. Жак-Луи Давид са върховете на световното изобразително изкуство.
Никола Пусен (1594-1665)
Никола Пусен е роден през 1594 г. в Les Andelys, в Нормандия, в селско семейство. Започва да учи живопис при местен художник и продължава обучението си в Париж, където пристига през 1612 г. Младият Пусен беше увлечен от изучаването на античността, чрез гравюри той се запозна с картината на Рафаел.
В края на 1623 г. Пусен заминава за Венеция, а през 1624 г. се установява в Рим. В Италия художникът самостоятелно изучава геометрия, оптика, анатомия, чете древни автори, изучава произведения по теория на изкуствотоАлберти и Дюрер , илюстрира с рисунки на ръкописаЛеонардо да Винчи . Пусен става всеобхватно образован човек, брилянтен познавач на древната култура. В работата си той отдава предпочитание на антични теми. Художникът често оприличавал библейските и евангелските герои с древни герои. Древният свят от гледната точка на Пусен е идеално красив, обитаван от мъдри и съвършени хора. Дори в драматичните епизоди на древната история той се опитва да види триумфа на разума и висшата справедливост. Дълбокото разбиране на съдържанието на духовната култура на древността се отразява не толкова в естеството на сюжетите на картините на Пусен, а във формата, чрез която художникът изразява своите морални идеали. Пусен разработи специална система за живопис, наречена "класицизъм". Класицистичните принципи на Пусен са ясно проявени още в платната от 1630-те години. ("Изнасилването на сабинските жени », « Танцувайте под музиката на времето »).
Пусен видя целта на изкуството в това да даде на ума храна за размисъл, да внуши добродетел в човек, да го научи на мъдрост. Поради това Пусен практически не рисува портрети, смятайки този жанр за недостоен за внимание, не вдъхновявайки зрителя с възвишени и важни идеи. Изключение бяха два автопортрета, нарисувани по молба на приятели. Пусен създава много произведения на митологични, исторически, литературни теми, в които се проявяват силни характери и величествени дела (“Смъртта на Германик ”), докато напускат произведения, пропити с поетично чувство (“Кралство на флората "," Танкред и Ерминия »).
Славата на Пусен достига Париж. Художникът упорито е поканен да се върне в родината си. Получавайки лична покана от Луи XIII, Пусен заминава за Париж през 1640 г. С указ на краля той е назначен за ръководител на всички художествени произведения, което възстановява срещу него група придворни художници. Парижкият живот тежи на Пусен. Без да завърши работата, художникът се завръща в Рим през 1642 г.
В произведенията от втория римски период се засилват етичните и философските нюанси (“аркадски овчари », « Почивка по време на полета до Египет "). Пусен обичаше учението на древните философи стоици, които призоваваха за смелост и достойнство пред лицето на смъртта. Размишленията за смъртта заемат важно място в творчеството му, с тях се свързва сюжетът на картината „Аркадските овчари“. Жителите на Аркадия, където цари радост и мир, откриват надгробна плоча с надпис: „И аз съм в Аркадия“. Самата Смърт се обръща към героите и разрушава тяхното спокойно настроение, принуждавайки ги да мислят за неизбежното бъдещо страдание. Една от жените слага ръка на рамото на съседа си, сякаш се опитва да му помогне да се примири с мисълта за неизбежен край. Въпреки трагичното съдържание обаче художникът разказва за сблъсъка на живота и смъртта спокойно. Композицията на картината е проста и логична: героите са групирани в близост до надгробната плоча и свързани чрез движения на ръката. Фигурите са нарисувани с мека и експресивна светла, донякъде напомнят на антични скулптури.
Важно място в творчеството на Пусен заема пейзажът. Винаги е обитаван от митологични герои. Това е отразено дори в заглавията на творбите: "Пейзаж с Полифем", "Пейзаж с Херкулес". Но фигурите им са малки и почти невидими сред огромните планини, облаци и дървета. Героите от древната митология действат тук като символ на духовността на света. Същата идея изразява и композицията на пейзажа – проста, логична, подредена. Пространствените планове са ясно разделени в картините: първият план е равнина, вторият е гигантски дървета, третият е планините, небето или морската повърхност. Цветно беше подчертано и разделянето на планове. Така се появява система, наречена по-късно „пейзажно трицветно“: в живописта на първия план преобладават жълти и кафяви цветове, във втория - топъл и зелен, в третия - студен и преди всичко синьо. Но художникът беше убеден, че цветът е само средство за създаване на обем и дълбоко пространство, той не трябва да отвлича погледа на зрителя от точния за бижута рисунка и хармонично организираната композиция. В резултат на това се ражда образ на идеален свят, подреден според висшите закони на разума.
Пусен имаше малко ученици, но той всъщност създаде съвременна школа по живопис. Работата на този майстор се превърна в върхът на френския класицизъм и повлия на много художници от следващите векове.
Жак Луи Давид (1746-1825)
Жак Луи Давид е роден в Париж в семейството на богат бизнесмен. През 1766 г. е приет в Кралската академия. От младостта си Давид е привлечен от древното наследство, той се стреми да следва принципите на класицизма. Получавайки наградата на Академията, наградата на Рим, през октомври 1775 г., Дейвид заминава за Рим. В Рим художникът посвещава по-голямата част от времето си на рисуване от антични статуи и релефи и копиране на картините на великите майстори.
През 1780 г. Давид се завръща в родината си. В годините, предшестващи Френската революция, художникът става най-големият представител на така наречения „революционен“ класицизъм. Творчеството на Давид има ясно изразена публицистична насоченост, художникът се стреми да изрази героичните идеали чрез образите на античността. рисуване"Велизарий моли за милостиня “, Изложен в Салона от 1781 г., заедно с някои други платна, донесе слава и признание на художника. За нея Дейвид е назначен в Академията, което е първото академично звание.
На 34-годишна възраст Дейвид се жени за известна Маргьорит Шарлот Пекул, дъщеря на богат и влиятелен работен мениджър в Лувъра. Художникът живее с Шарлот дълги години; имаха двама сина и две дъщери.
През 1776 г. във Франция е разработена правителствена програма, която насърчава създаването на големи картини, „предназначени да възродят добродетелите и патриотичните чувства“. На Давид беше предложен героичен сюжет от ранната римска история - подвигът на трима братя от знатния патрициански род Хораций. По време на войната на римляните с град Алба Лонга (7 век пр. н. е.), те побеждават в битка трима от най-добрите воини на врага (също братя - Куриати), което донася на римляните почти безкръвна победа. Двама Хораций загиват в битка. Дейвид нарисува картинаКлетвата на Хорациите ” в Рим, където заминава през 1784 г. със семейството и учениците си. В тази драматична история художникът намира момент на възвишена доблест – сцена, в която братята се кълнат на баща си да не отстъпват в битка. Действието на картината се развива в двора на древна римска къща: поток от светлина се излива върху героите на картината отгоре, маслинено-сив здрач около тях. На заден план - аркада с три участъка; във всяка от арките са вписани една или повече фигури. В средата стои бащата на семейството, вляво от него са готови за бой синове, вдясно са жени с деца, вцепенени от мъка и страх. Плавните очертания на женската група са контрастирани с очертаните линии на фигурите на воини. В основата на цялата композиция е числото три: три арки, три групи герои, три меча, три ръце, лесно протегнати към оръжия. Тези тройни повторения изпълват цялата сцена с настроение на весело хладнокръвие: всяко движение веднага придобива утроена сила.
Когато платното беше завършено и художникът го изложи пред публика, започна истинско поклонение на римляни и чужденци в неговата работилница. Картината имаше огромен успех. През следващите години Дейвид пише много. Той създава исторически платна ("Ликторите донасят телата на синовете му на Брут. ”), митологични композиции (“Парис и Елена"), портрети (" Портрет на Лавоазие "). Художникът придобива славата на "най-напредналия и смел художник", "разрушителя на основите". Той става богат, известен и популярен.
Следващият период от живота на Давид е тясно свързан с политическия живот на Франция. Художникът става активен участник в събитията на Френската революция. През 1790 г. той става член на Якобинския клуб, през 1792 г. Давид е избран за депутат в Конвента, най-висшият законодателен и изпълнителен орган на Първата република, а след преврата на 31 май - 2 юни 1793 г., когато якобинците дойде на власт, той всъщност се превърна в диригент на държавната политика в областта на изкуствата. Дейвид също така контролираше организирането на национални фестивали; неговите задачи включват и прославяне на загиналите революционери, официално обявени за „мъченици на свободата“. През януари 1793 г., наред с други депутати от Конвента, Дейвид гласува за смъртта на крал Луи XVI, който по-късно е екзекутиран. Вдъхновен от героизма на революцията, Дейвид рисува историческа картина на модерна тема - “Клетва в балната зала " (недовършен). Платно "Смъртта на Марат ”се превърна в паметник на героите от революционната епоха.
След нов преврат през юли 1794 г. Дейвид, като виден якобинец, е арестуван и изправен пред следствието. Той обаче успява да докаже своята непричастност към масовите екзекуции от 1793-94 г. и е освободен през август 1795 г. Излизайки от затвора, Дейвид ентусиазирано се хваща за четката. Той рисува портрети, започва работа върху многофигурно платно "Сабините спират битката между римляните и сабините “, който пише около пет години. На Дейвид бяха предложени позиции като член на държавния съвет и сенатор. Дейвид обаче отказва всички оферти, предпочитайки живота на свободен артист пред тях.
През 1799 г. Наполеон Бонапарт идва на власт в резултат на поредния държавен преврат. Дейвид, подобно на много бивши революционери, радостно приветства това събитие. В картината „Преминаването на Бонапарт през прохода Сен Бернар“ художникът изобразява своя нов герой, завръщащ се от победоносен поход в Италия. Неподвижна, като паметник, фигурата на командира на издигнат кон се издига на фона на безжизнените линии на планински вериги: изглежда, че целият свят е застанал, подчинен на властния жест на победителя. Камъните под краката на коня са своеобразен пиедестал: върху тях са гравирани имената на тримата велики завоеватели, преминали по този път – Ханибал, Карл Велики и самия Наполеон. Наполеон харесва работата толкова много, че впоследствие поръчва три повторения на картината. Звездата на Давид отново засия. Без никакви официални позиции, той всъщност остава първият художник на Франция. Да позира пред Дейвид се счита за голяма чест, която малцина са удостоени ("Мадам Рекамие").
През 1804 г. провъзгласеният за император Наполеон връчва на Давид титлата „първият художник на императора“ и кавалерския орден на Почетния легион. През същата година Дейвид започва да рисува картина, изобразяваща коронацията на Наполеон I ("Коронацията на Наполеон I и императрица Жозефина в катедралата Нотр Дам на 2 декември 1804 г. "). Работейки по тази поръчка, художникът създаде около сто и половина портрета на държавни сановници, чиито изображения трябваше да бъдат включени в композицията. Художникът рисува това уникално платно около три години. Картината беше приета благосклонно и почести отново заваляха художника. През 1812 г. Дейвид рисува последния портрет на Наполеон (“Портрет на Наполеон »).
През 1814 г. Дейвид завършва работа върху платното „Леонид в битката при Термопилите “, който изложи в работилницата си. Това беше последното голямо платно на художника. Не привлече общественото внимание. С окончателното падане на Бонапарт в живота на Давид започват тъмни дни. Художникът е осъден на доживотно изгнание от Франция, защото е гласувал за екзекуцията на краля. Без да са получили разрешение да заминат за Рим, Дейвид и съпругата му заминават за Брюксел през 1816 г. В Брюксел той продължава да рисува, създавайки портрети, както и картини на антични теми ("Купидон и Психея). 29 декември 1825 г. Давид умира. Френските власти не са дали разрешение за погребението му във Франция, Дейвид е погребан в Брюксел.
В творчеството на Давид най-ясно са изразени принципите и идеалите на така наречения „революционен“ класицизъм. В стремежа си да изрази героичните идеали чрез образите на античността, той създава исторически картини, които завинаги улавят идеологическите стремежи на неговото поколение. Историческите картини на съвременни теми, създадени от него по време на Френската революция, продължават славната традиция на френския „велик стил“. Дейвидът е от голямо значение за всички майстори на неокласическите и академичните школи от 19 век.
КЛАСИЦИЗЪМ
MHK 9 KL. 17-18 ВЕК НОМЕР 5-2010
Изпратете вашата добра работа в базата от знания е лесно. Използвайте формуляра по-долу
Студенти, специализанти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще Ви бъдат много благодарни.
Хоствано на http://www.allbest.ru
18-ти век е последният исторически етап от дълъг период на преход от феодализъм към капитализъм. Съдържанието на историческия процес беше утвърждаването на господството на класическите форми на развитото буржоазно-капиталистическо общество и неговата култура. Този процес протича по различни начини в различните страни.
В Англия индустриалната революция, преходът към машинно-капиталистическата индустрия. Във Франция - подготовка за класическата буржоазна революция, освободена от религиозната обвивка в изразяването на своите политически и социални идеали. Но въпреки националната специфика на политическата и културната революция на отделните страни, основните черти на тяхната общност се състоят в кризата на феодализма и неговата идеология и във формирането на прогресивната идеология на просветителите. 18-ти век - епохата на разума, ерата на просвещението, ерата на философите, социолозите, икономистите. Идва нова ера, формира се нова култура. Разумът и Просвещението се превърнаха в основни лозунги на епохата. Дори абсолютизмът, поддавайки се на нуждите на времето, става просветен. В Австрия и Прусия монарсите използват идеите на Просвещението за укрепване на централизираната система на управление. Практикува се създаването на единна образователна система, насърчава се развитието на науките и изкуствата – в определени граници.
ФИЛОСОФИЯ
Във всички европейски страни развитието на културата през XVIII век. по един или друг начин протича под знака на идеите на Просвещението. В Германия се оформя школа на класическата немска идеалистическа философия (Кант, Фихте). В Италия Джамбатиста Вико извършва диалектизацията на философията на новото време. В Англия философията на Бъркли осигурява теоретична основа за религиозния мироглед, а скептицизмът на Хюм играе ролята на теоретична основа за утилитарния и рационален мироглед на буржоазията. Но най-многобройният отряд на просветителите, сияещи с ярки таланти, се формира във Франция: именно оттук, носещ печата на френския гений, идеите на Просвещението се разпространяват в цяла Европа.
Шарл Луи Монтескьо (1689-1755) в произведенията си "Персийски писма" (1721), "За духа на законите" (1748) се противопоставя на феодализма и неограничената монархия.
Монтескьо разграничава три форми на държавна власт: деспотизъм, който се основава на страх; монархия, основана на "принципа на честта" република, където населението се вдъхновява от най-висшата гражданска добродетел - патриотизма. Политическите възгледи на Монтескьо, по-специално неговата доктрина за разделението на законодателната, изпълнителната и съдебната власт между независими, но контролиращи една друга инстанции, бяха не само прогресивни през 18 век, но и изключително подходящи за съвременната политическа ситуация в Русия.
Волтер (1694-1778) е най-видният водач на умереното крило на френското Просвещение.Неговият огромен талант намира израз в различни литературни, философски и исторически произведения с брилянтна форма, наситени с омраза към феодалната държава и религиозен фанатизъм. От неговите философски трудове най-значими са „Философски писма“, „Основи на философията на Нютон“ и „Философски речник“. Влиянието на идеите на Волтер извън Франция, включително в Русия, е изключително голямо. Антиклерикалните произведения на Волтер изиграха значителна роля в развитието на руското свободомислие през 18 век.
Нов етап в развитието на френското Просвещение от XVIII век. е дейността на Жан-Жак Русо (1712-1778), идеологът на революционната дребна буржоазия. Неговите идеи, изразени в трудовете „За причините за неравенството“, „За обществения договор, или принципите на политическото право“ и др., впоследствие, по време на Великата френска революция от 1789-1794 г. значително влияние върху якобинците, които провъзгласяват Русо за свой идеологически предшественик. Творбите му са пропити с омраза към потисниците, страстна критика на съвременната обществена и политическа система, социално неравенство и грозно образование. Той изобличава лицемерния морал, враждебен на интересите на народа, фалшивото изкуство и официалната наука.
Най-важното направление във философията на просвещението е представено от материалистичната школа. Негов инициатор е лекарят Жулиен Офре Ламетри (1709-1751), автор на медицински и философски трудове. Смелият атеизъм на Ла Метри предизвиква яростта на църковните и светските реакционери. Философът е принуден да избяга от Франция и умира в изгнание.
По-нататъшното развитие на френския материализъм се свързва с дейността на Дени Дидро (1713-1784), Етиен Бон Кондилак (1710-1780) и Пол Холбах (1723-1789). Разцветът на дейността на френските материалисти датира от 50-60-те години. 18-ти век и е тясно свързана с издаването на „Енциклопедия на науките, изкуствата и занаятите” в 33 тома, която се превръща в идейно средище на целия лагер на просветителите.
18-ти век характеризиращ се с едновременното развитие на науката и технологиите. Политическата икономия се превръща в научна дисциплина благодарение на Адам Смит и френските физиократи. Науката все повече се свързва с производството, технологиите и се развива бързо. Лавоазие, точно както Ломоносов в Русия, положи основите на химията като съвременна наука. Създават се нови машини, подготвящи прехода към индустриалната ера.
През XVIII век. Интензивно се развиват нови клонове на физиката - учението за топлината, електричеството, магнетизма. Химическите изследвания се развиват широко. Напредват биологичните науки – анатомия, физиология, ембриология. Успехите на К. Линей - (1707-1778) в класификацията на нов фактически материал, натрупан от ботаниката и зоологията, развитието на палеонтологията неизбежно повдига въпроса за еволюцията на органичния свят. Най-големият представител на еволюционизма през 18 век, френският учен Ж. Л. Буфон (1707 - 1788), създава грандиозна "Естествена история". Напредъкът в геологията предостави изобилие от материал за развитието на земната кора. Това е от голямо значение за развитието на космогоничните хипотези, изтъкнати в средата на века от Буфон и Кант (1724 - 1804), а в края на века - от П. С. Лаплас (1749 - 1827).
Достатъчно е да се каже, че във Франция е имало много научни и образователни институции – Академията на науките, Кралският колеж, Школата на военните инженери, Парижката обсерватория и пр. В много провинции възникват академии и университети. Публикуват се научни статии, списания, научни бележки и се осъществява активен обмен на резултати от научни изследвания. Но тук не всичко беше добре. Отхвърляйки като абсурд „откритата от Бога” картина на природата, много природоучени се включиха в създаването на неортодоксална „теория на природата”. По това време широко популярни са книги като Теология на водата на Фабриций, „Създателят на природата“ на Боиси, Астрономическа теология на Дергел и др., в които се правят опити за укрепване на теизма за сметка на естествените научни открития на фона на кризата на ортодоксалните религията продължи.
Западноевропейската социална мисъл продължава да се развива под знака на просвещенските идеи. Силата на разума се утвърждава и критиката на класовите предразсъдъци и църковното мракобесие е широко разпространена. От голямо значение е обменът на философски, научни и естетически идеи между страните. Френският се превръща в език на международната комуникация между просветените слоеве на обществото. В повечето страни се появява интелигенция, която представлява интересите на непривилегированите класи, което допринася за формирането на по-широка идея за единството на културата на човешкото общество.
ЛИТЕРАТУРА И МУЗИКА
През XVIII век. започва процес на решителна промяна в съотношението на видовете и жанровете на изкуството, който е завършен през следващия век. Делът на литературата и музиката нараства, достигайки етапа на художествена зрялост, който живописта придобива още през 16-17 век. Литературата и музиката постепенно започват да се превръщат във водещи форми на изкуството. Допълвайки се, те удовлетворяват потребностите на времето в естетическото осъзнаване на живота, неговото движение и формиране.
Прозата се развива като жанр, който се стреми да покаже съдбата на индивида в нейното сложно развитие във времето, в сложни взаимоотношения със социалната среда или да начертае широка картина на живота и обичаите на епохата, решавайки фундаментални въпроси за мястото и ролята на човека в обществото. Такива, въпреки разликата в почерка и стила, „Куц демон“ на Лесаж, „Манон Леско“ на Прево, „Кандид“ на Волтер, пикаресковите романи на Филдинг, „Сантименталното пътуване“ на Стърн, „Скръбта на младия Вертер“ на Гьоте и „Вилхелм Майстер“ на Гьоте. Особено плодотворно се развива жанрът на романа, който дава универсална картина на света.
Необходимостта от поетичен, емоционално цялостен израз на духовния свят на човека, разкриването на неговия непосредствен мироглед и мироглед в развитието, противоречията и целостта предопределят разцвета на музиката като самостоятелна форма на изкуството. Създаване през XVIII век. Бах, Моцарт, Глук, Хайдн на такива музикални форми като фуга, симфония, соната разкриват способността на музиката да предава най-фините нюанси и процеса на превръщане в човешки преживявания.
значителен през 18 век. успехи в театралното изкуство, драматургията, тясно свързани с литературата. Характеризира се с отклонение от традициите на класицизма към реалистични и предромантични творчески направления. Характерна особеност на културата на това време е внимателното изучаване на основните въпроси на естетиката на театъра, естеството на актьорската игра и отразяването на социалната и образователната роля на театралното изкуство.
ИЗКУСТВО И АРХИТЕКТУРА
18-ти век - възрастта на портрета, но вече на нов етап в развитието на културата. Майстори от 18 век създаде изкуство, изтънчено, диференцирано, анализирайки най-фините нюанси на чувствата и настроенията. Изящна интимност, сдържан лиризъм, учтиво безмилостно аналитично наблюдение - това са художествените особености на портретите на Латур, Гейнсбъро, Худън. Способността да се предават най-фините нюанси на настроението, да се забелязва характерното отличава галантните празненства и жанровите сцени на Вато, Фрагонар, скромните ежедневни мотиви на Шарден, градските пейзажи на Гуарди. Тези качества на художественото възприятие на живота за първи път се утвърждават в изкуството с такава последователност, но с цената на частична загуба на художествените завоевания от миналото.
Живописът губи универсалната пълнота на духовния живот на човека, какъвто е случаят с Рубенс, Пусен, Рембранд, Веласкес.
Обхватът на естетическите нужди от XVIII век. най-пълно разкрити във визуалните изкуства, архитектурата, литературата и музиката. Проблемът за специфичната тежест на изобразителното изкуство и архитектурата в художествената култура на човечеството ще бъде поставен с цялата си острота едва в епохата на разцвета на капитализма.
Формирането на нова култура е много неравномерно в различните страни. Например в Италия, лишена от национално единство, продължава развитието на традициите от 17 век. През 18 век Франция започва с тъжното и мечтателно изобразително изкуство на Вато и завършва с революционния патос на картините на Давид, придобивайки съзнателна гражданска ориентация.
В Испания творчеството на младия Гоя се противопоставя на класицизма със страстен интерес към ярките, характерно изразителни страни на живота и предусеща прехода на изобразителното изкуство към реалистичния романтизъм на 19 век.
През XVIII век. църковната архитектура намалява и обемът на гражданското строителство се увеличава. Архитектурата се характеризира с късния бароков стил - още по-динамично усложнен, декоративно претоварен, по-малко величествен и монументален. Класическата посока също търпи по-нататъшно развитие. Във Франция са създадени редица брилянтни ансамблови решения (Place de la Concorde в Париж), представляващи преосмисляне в духа на класицизма на принципите за планиране на градски ансамбъл. Има интерес към по-интимна интерпретация на архитектурния образ на отделно имение, по-удобно, елегантно. Това води до добавяне на принципите на рококо изкуството, по-интимно от бароковото. Рококо в архитектурата се проявява главно в областта на декора, плосък, лек, причудлив, причудлив, изискан.
Живопис и скулптура в стил рококо са били чисто декоративни и са служили, заедно с изкуствата и занаятите, за интериорен дизайн. Изкуството рококо, по-интимно, предназначено да украсява свободното време на частно лице, чувствително към "елегантното", имащ изискан вкус, определи създаването на стил на рисуване, диференциран в нюанси на настроението, във тънкостите на сюжета, композицията, цвета и ритъм. Изкуството на рококо избягваше да се обърне към драматични сюжети, към познаване на реалността и беше откровено хедонистично по природа, много скоро се изроди в безмислено повърхностно изкуство на представители на тази част от обществото, която изповядва мотото на Луи XV: „След нас - дори наводнение "
Изкуство от 18 век завършва с грандиозна епопея – дело на великия испанец Франсис Гоя. Той е слят с испанската живописна традиция, с живота на нацията, но в същото време в творчеството на Гоя всичко е обърнато към човечеството и историята, всичко живее в атмосфера на всеобща трагедия и всеобща радост. Гоя става голям художник още през 18 век, когато рисува и двете фолклорни сцени, искрящи от радостта от живота, и горди темпераментни портрети. В началото на XIX век. Гоя създава поредица от офорти "Капричос", където с неустрашима ръка отваря пред света онези бездни, в които те не смеят да погледнат, което звучеше като импликация на културата на 18-ти век, за която говориха в шепнеш. Но този цикъл беше и сбогуване с 18 век. Творчеството на Гоя, както и картината на Давид, отварят историята на изкуството на 19-ти и 20-ти век.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Западноевропейска култура, изкуство просвета
Нека обобщим. Изкуството на осемнадесети век. В сравнение с други епохи е характерна голяма стилистична цялост: в различни национални школи и художествени стилове могат да се открият обединяващи черти. Това изкуство прави прехода от рационализъм към сензация, от възвишеното към пряко даденото, човешко.
Най-важният резултат от самото човешко творчество е светът на културата. В него особено важно място принадлежи на държавата и системите на законите, индустрията, науката, морала и системата на образованието, изкуството. И въпреки че понякога резултатите от човешкото творчество се оценяват отрицателно (Русо), като цяло културата на XVIII век. оптимистично. В него доминира убеждението, че възникването на обществото и културата е благоприятен фактор за човечеството. Освен това културата е своеобразен критерий за определяне на етапите на прогресивното развитие на човешкото общество (Хердер).
Хоствано на Allbest.ru
Подобни документи
Образът на човека в общественото съзнание на европейците през 18 век. Развитие на идеите за "естествен човек". Теорията на естественото възпитание Ж.Ж. Русо. Значението на самотата през XVIII век, понятията за любов и приятелство. Развитието на образованието, изкуството, естествените науки.
резюме, добавен на 10.09.2009
Разглеждане на развитието на западноевропейската литература и изкуство от XIX век. Запознаване с основните направления на художественото творчество. Изучаване на основите на класицизма, романтизма, реализма. Нови тенденции в западноевропейската култура в края на 19 век.
курсова работа, добавена на 09.08.2014
Основните черти на западноевропейската култура на новото време. Характеристики на европейската култура и наука през XVII век. Съществени доминанти на културата на европейското Просвещение от 18 век. Най-важните културни тенденции на XIX век. Етапи на художествената култура на XIX век.
резюме, добавен на 24.12.2010
Предпоставки за развитието и основните характеристики на руската култура от 18 век. Насоки на формирането на сферата на образованието и образованието, литературата, архитектурата и живописта. Изключителни представители на тези тенденции и оценка на основните им постижения през 18 век.
презентация, добавена на 20.05.2012
Проблеми на културата в произведенията на просветителите от XVIII век. Западноевропейска култура от XVIII век. (Образование). Развитието на науката в епохата на Просвещението. Митове, легенди и култура на Древния изток. „Повест за миналите години“ е изключителен паметник на древната руска култура.
тест, добавен на 18.07.2008
Култура от периода на реформите на Петър. Характеристики на руската епоха на Просвещение от 18-ти век, включително развитието на социалната мисъл, философията, литературата и художествената култура и нейното влияние върху съвременната култура. Исторически портрет на Новиков Н.И.
резюме, добавено на 18.12.2010 г
Определяне на факторите за формиране на националната култура на Русия през втората половина на 18 век. Развитието на литературния руски език, националната литература, науката, живописта и скулптурата в Русия. Архитектурната архитектура на Русия през втората половина на 18 век.
презентация, добавена на 19.09.2014
Франция като хегемон на духовния живот на Европа през 18 век. Хронологична и териториална рамка на Просвещението. Еволюцията на философските идеи на просветителите и тяхното въплъщение в изобразителното изкуство. Влиянието на Просвещението върху развитието на театралното изкуство.
курсова работа, добавена на 31.03.2013
Обща характеристика и най-важните характеристики на културата на Русия през XVIII век. Основните характеристики на руската култура от XIX - началото на XX век: "златен" и "сребърен" век. Значителни постижения и проблеми в развитието на беларуската култура от XVIII век - нач. XX век.
резюме, добавен на 24.12.2010
Фактори, повлияли на развитието на културата по време на управлението на Петър I. Нови явления в културата (театър, музика, литература) от петровската епоха. Просвещението и училището през първата четвърт на 18 век. Развитие на науката. Обществено-политически и икономически живот.
17-ти век е една от най-ярките и блестящи страници в историята на световната художествена култура. Това е времето, когато идеологията на хуманизма и вярата в неограничените възможности на човека е заменена от усещането за драматичните противоречия на живота. От една страна настъпва революционен катаклизъм в естествената наука, формира се нова картина на света, възникват нови стилове в изкуството, от друга страна преобладават политическият консерватизъм, песимистичните възгледи за обществото и човека.
Епохата на 17-ти век в културата и изкуството обикновено се нарича епоха на барока. Формирането на нова европейска култура е свързано с бързо променящата се "картина на света" и кризата на идеалите на италианския Ренесанс. За духовния живот на обществото през 17 век големите географски открития и природонаучните открития са от голямо значение. Човекът започва остро да усеща крехкостта и нестабилността на своята позиция, противоречието между илюзията и реалността. Новият мироглед се пречупи по особен начин в художествената култура: всичко необичайно, неясно, призрачно започна да изглежда красиво, привлекателно, ясно и просто - скучно и безинтересно. Тази нова естетика забележимо измести предишните ренесансови принципи на имитация на природата, яснота, баланс.
Така възниква нов стил - барок. Барок (италиански barocco - "странно", "странно", "прекомерно", порт. perola barroca - "перла с неправилна форма" (буквално "перла с порок") - жаргонната дума на португалските моряци за означаване на дефектни перли с неправилна форма форма се използва в значението на „омекотява, разтваря контура, прави формата по-мека, по-живописна“.
Бароковата архитектура се характеризираше с буйни декоративни покрития с много детайли, многоцветно леене, изобилие от позлата, дърворезби, скулптури и живописни плафони, които създават илюзията за издигащи се сводове. Това е времето на господството на извивките, сложно извити линии, преливащи една в друга, тържествени фасади на сгради и величествени архитектурни ансамбли. Церемониалният портрет доминира в живописта, характерни са контрастът, напрежението, динамичността на образите, стремежът към величие и пищност, към съчетаването на реалност и илюзия.
Началото на италианския барок се свързва с построяването на римската църква Il Gesu (1575), чиято фасада е проектирана от Джакомо дела Порта. Тя буквално „създала епоха“, превръщайки се в израз на стилистичните тенденции на времето: традиционното разделение на 2 етажа, полуколони, ниши, статуи и неизбежните воли (къдри) в ъглите. Първата и най-голяма дворцова сграда от онази епоха е Палацо Квиринале, лятната резиденция на папите, издигната на върха на хълма Квиринал.
Това движение намира най-яркия си израз в скулптурата в творчеството на Лоренцо Бернини. Неговата скулптура „Давид” изобразява момент на бързо движение, бързане към гиганта Голиат, преход на едно движение в друго. Бернини не спира да изкривява лицето, предавайки болезнено или блажено изражение. В скулптурата „Аполон и Дафне” Лоренцо Бернини е уловил в летящото движение момента на превръщането на младата беззащитна Дафне, настигната от леконогия Аполон, в лавър. Блестящото умение на Бернини се проявява в изграждането на прочутите римски фонтани – фонтана Тритон и фонтана на четирите реки.
Името на Бернини се свързва със следващия етап от преобразуването на катедралата Свети Петър в Рим: той украсява площада пред катедралата, покрити галерии-коридори се простират далеч напред точно от ръбовете на фасадата. Архитектът създава 2 квадрата - голям елипсовиден, обрамчен от колони, и квадрат с форма на трапец, непосредствено до него, ограничен от противоположната страна от главната фасада на катедралата. В същото време пространството пред катедралата е било и градски площад, украсен с обелиск в центъра на овала и два фонтана.
Холандия излиза на преден план във визуалните изкуства и преди всичко в живописта. Петер Паул Рубенс (1577-1640), подобно на великите фигури на Ренесанса, се проявява в различни области на дейност: той е дипломат, придворен, удостоен е с благородническа титла, е приятели и си сътрудничи с видни хора от епохата. Подобно на много други художници, в младостта си Рубенс пътува до Италия, където изучава паметниците на античността и творчеството на ренесансовите майстори. Завръщайки се в родината си, той създава класическия образ на монументалния бароков олтарен образ – „Въздвижение на Кръста“ и „Слизане от кръста“ (1610-1614). Група палачи и войници издигнаха голям кръст с прикован на него Христос. Различните пози на фигурите, техните сложни ракурси и подути мускули изразяват изключителното напрежение на физическите сили, на тази груба сила се противопоставя идеализираният образ на Христос. Рубенс се характеризира с мощни и великолепни човешки тела, изпълнени с жизненост, голям декоративен мащаб. Темата на картините му са митологични и библейски сюжети, исторически сцени.
Рубенс "Въздвижение на кръста" "Слизане от кръста"
В картината „Ловът на лъвове“, скица за която е едно от най-добрите произведения на Рубенс в колекцията на Ермитажа, действието е надарено с изключителна бързина и страст. Отглеждащи коне, лъв, измъчващ падащ ездач, и ловци, които го удрят, се сляха в неразделна група, където необузданата сила и жизненост се превръщат в ярост.
Той охотно се позовава на темите на древния свят. Картината на Ермитажа "Персей и Андромеда" (1620-1621), която принадлежи към шедьоврите на майстора, дава пример за това колко свободно и реалистично той използва образи от класическата древност. Моментът е изобразен, когато митичният герой Персей, пристигнал на своя крилат кон Пегас, освобождава Андромеда, прикована към скала. Той победи дракона, който я държеше в плен, и ужасното чудовище безсилно отваря уста в краката му. Очарован от красотата на пленницата, Персей се приближава до нея, слава увенчава победителя, купидоните се втурват да му служат.
Основната тема на Рубенс беше човек, жива и земна любов, може да се каже дори страст. Той беше отдаден на пълнотата на живота, силата, размаха, бурята на движението. Той често изобразяваше голи фигури, често тежко, топло, пълнокръвно тяло, изпълнено с пищния цвят на живота и обикновено подчертано от светло петно на тъмен фон. И така, той пише „Елена Фурман в кожено палто“. В портретите на Рубенс аксесоарите, фоновете - буйни завеси и др. не пречеха, а по-скоро допринесоха за разкриването на характера на героя, проникването във вътрешния му свят („Портрет на камериерка“).
Реалистичните тенденции в живописта могат да се видят в творчеството на великия холандски художник Рембранд Харменс ван Рейн (1606-1669). Темите на творчеството му са разнообразни: религиозни сюжети, митология, история, портрети, жанрови сцени. Изкуството на Рембранд се отличава преди всичко с любовта към човека, хуманизма, във всяко произведение на Рембранд - опит да се предаде духовната еволюция на човека, трагичния път на познаване на живота. Неговите герои са хора с противоречиви характери и трудни съдби. Художникът винаги изучава природата, своя модел, не се ограничава до изобразяване на общи черти. Рембранд влезе в историята на световната живопис като майстор на автопортрет. От година на година той се представяше или весел или тъжен, след това ядосан или безразличен. Стоте автопортрета, които създава, съдържат историята на живота му, биографията на душата му, изповедта на художника.
Картината „Завръщането на блудния син“ изобразява последния епизод от притчата, когато блудният син се завръща у дома, „и докато беше още далеч, баща му го видя и се смили; и като тичаше, падна на врата му и го целуна “, а по-големият му праведен брат, който остана при баща си, се разгневи и не искаше да влезе.
„Даная“ е написана въз основа на древногръцкия мит за Даная, майката на Персей. Когато царят на древногръцкия град Аргос научил за пророчеството, според което му било предопределено да умре от ръцете на сина на Даная, дъщеря му, той я затворил в тъмница и й назначил прислужница. Бог Зевс обаче проникнал в Даная под формата на златен дъжд, след което тя родила син Персей.
Класицизмът доминира във Франция през 17 век. Класицизмът (френски classicisme, от латински classicus - примерен) е художествен стил и естетическа тенденция в европейското изкуство от 17-19 век. Класицизмът се основава на идеите на рационализма. Произведение на изкуството, от гледна точка на класицизма, трябва да бъде изградено въз основа на строги канони, като по този начин разкрива хармонията и логиката на самата вселена. Майсторите на класицизма не са предали в своите произведения непосредствения, заобикалящ живот. Те изобразяваха облагородена реалност, стремяха се да създадат идеални образи, които да отговарят на техните представи за разумното, героичното и красивото. Темите на класическото изкуство се ограничават главно до древната история, митологията и Библията, докато образният език и художествените техники са заимствани от класическото антично изкуство, което според класиците майстори най-вече отговаря на хармоничния идеал за разумното и красивото.
Основателят на класицизма във френската живопис е Никола Пусен (1594-1665). Творбите му се отличават с дълбоки идеи, мисли и чувства. Той вярвал, че изкуството трябва да напомня на човек „за съзерцанието и мъдростта, с помощта на които той ще може да остане твърд и непоклатим пред ударите на съдбата“. В рамките на сюжети от античната митология и Библията Пусен разкрива темите на съвременната епоха. В своите произведения той се стреми към величествено спокойствие, благородна сдържаност, баланс. Неговият идеал е герой, който поддържа непоколебимо спокойствие в житейските изпитания, способен да извърши подвиг. Идеята за преходността на живота и неизбежността на смъртта често привлича вниманието на Пусен и служи като тема на много от неговите произведения. Най-добрият сред тях е Аркадските овчари (Лувъра), очевидно направен в началото на 1650-те години. На нея са изобразени четирима жители на легендарната щастлива страна – Аркадия, които намериха гробница сред храстите и разбраха издълбаните върху нея думи: „И аз бях в Аркадия“. Тази случайна находка кара аркадските овчари да се замислят, напомняйки им за неизбежността на смъртта. Дълбоката философска идея, залегнала в основата на тази картина, е изразена в кристално ясна и класически строга форма. Характерът на фигурите, тяхната статуя и близостта до древните форми и пропорции са показателни за зрялото изкуство на майстора. Картината се отличава с изключителна цялост на дизайна и изпълнението, а скритата тъга, с която е пропита, й придава напълно своеобразен чар. Една от характерните черти на таланта му е способността да разкрива вътрешния свят на човек в движение, в жест, в ритми.
В историята на френската култура периодът от началото на управлението на Луи XV до началото на революцията (1789 г.) се нарича период на Просвещението. Една от най-важните характеристики на културата на Просвещението е процесът на изместване на религиозните принципи на изкуството от светски. Светската архитектура през 18 век за първи път взема предимство пред църковната в почти цяла Европа.
Социалният живот на Просвещението е силно противоречив. Просветителите се борят със "стария ред", който тогава все още има реална сила. Не само стилът на художественото творчество, но и начинът на живот на кралските дворове, олицетворяващи "Стария ред" на Европа, става рококо (от френското "rocaille" - черупка). Името предава основната черта на този стил - изборът на сложна, изискана форма и причудливи линии, напомнящи силуета на раковина.
Терминът "рококо" (или "рокайл") влиза в употреба в средата на 19 век. Първоначално "рокайл" е начин за декориране на интериори на пещери, купи за фонтани и др. с различни вкаменелости, които имитират естествени (естествени) образувания. Характерни черти на рококо са изисканост, голямо декоративно натоварване на интериори и композиции, изящен орнаментален ритъм, голямо внимание към митологията, личен комфорт.
Архитектура на рококо
За разлика от барока, който е бил изключително придворен стил, рококо е изкуството на аристокрацията и висшите слоеве на буржоазията. Сега основната цел на майстора не беше прославянето на някого или нещо, а удобството и удоволствието на конкретен човек. Архитектите от рококо започнаха да се грижат за човешкия комфорт. Те изоставиха помпозността на величествените барокови сгради и се опитаха да заобиколят човек с атмосфера на удобство и изящество. Рисуването също изостави „великите идеи“ и стана просто красиво. Освободени от бурните емоции на барока, картините бяха изпълнени със студена светлина и фини полутонове. Рококо е може би първият почти изцяло светски стил в историята на европейското изкуство. Подобно на философията на Просвещението, така и рококо изкуството се отдели от църквата, изтласквайки религиозните теми далеч на заден план. Оттук нататък и живописта, и архитектурата трябваше да бъдат леки и приятни. Галантното общество от 18-ти век беше уморено от морализаторство и проповядване, хората искаха да се наслаждават на живота, извличайки максимума от него.
Рококо се проявява не във външния дизайн на сградите, а само в интериора, както и в дизайна на книги, дрехи, мебели и картини. Стилът рококо също се изразява блестящо във всички отрасли на художественото и индустриалното производство; с особен успех се използва при производството на порцелан, придавайки особена елегантност както на формата, така и на орнаментацията на своите продукти; благодарение на него тази измислица направи огромна крачка напред за времето си и влезе в голяма почит сред любителите на изкуството. В допълнение към порцелана, среброто е на мода. Изработват се шоколадови купички, супници, тенджери за кафе, чинии, чинии и др. През този век се ражда кулинарното изкуство в неговата съвременна форма, включително изкуството на сервиране на маса. Мебелите от рококо се отличават с характерни черти. Една от най-ярките черти са извити линии, извити крака. Мебелите стават по-леки и елегантни от преди. Появяват се нови мебели: конзолни маси, секретари, бюра, скринове, гардероби. Двата най-разпространени вида столове са "Bergere" и "Marquise". Позлатените свещници, часовници, порцеланови фигурки, гоблени, паравани са незаменими елементи от стил рококо. Огледала и картини с асиметрично тегло се използват в изобилие. На дивани и фотьойли използвайте копринени възглавници и пуфове със сюжетна бродерия. Интересен факт е, че именно стилът на дизайна на рококо въведе такава иновация в интериора като аквариум в интериора.
Интериор в стил рококо
Основните теми на живописта в рококо са изисканият живот на придворната аристокрация, "галантни празненства", идилични картини от "пастирския" живот на фона на девствената природа. Един от най-големите майстори на френското изкуство на 18 век е Антоан Вато (1684-1721), художник с тънко поетично чувство и голям живописен талант. Мечтателен и меланхоличен майстор на „галантните тържества“, той внесе истинска поезия и дълбочина на чувства в изобразяването на живота на светското общество и оттенък на някаква меланхолия и недоволство в интерпретацията на любовни сцени и небрежно забавление. Много често срещаме в картините му образа на самотен мечтател, меланхоличен и тъжен, потънал в мисли и отстранен от шумните забавления, от суетната суета на тълпата. Това е истинският герой на Watteau. Творбите му винаги са покрити с лирическа тъга. В тях няма да открием бурни забавни, остри и звучни цветове. Особено обича да изобразява дами и господа, които се разхождат или се забавляват на фона на пейзажа, в обрасли сенчести паркове, по бреговете на езера и езера. Такива са двете очарователни картини на Дрезденската галерия, например „Общество в парка”, където всичко е пропито с изтънчено лирично настроение и дори мраморните статуи на древните богове сякаш гледат благосклонно на влюбените.
„Пристигане на остров Китера“
Най-известният художник в рококо е Франсоа Буше, който освен живопис се занимава и с всички видове декоративно-приложни изкуства: създава картон за гоблени, рисунки за севърски порцелан, рисува ветрила, изпълнява миниатюри и декоративни картини. Франсоа Буше е художник, идеологически свързан с аристократичното общество по време на неговия упадък; той улавя в своите платна желанието да се наслади на всички блага на живота, царуващи сред висшите класи в средата на 18 век. В творчеството на Буш широко се използват митологични сюжети, които пораждат изобразяването на голо женско и детско тяло. Особено често той пише митологични героини - в различни моменти от техните любовни афери или натоварена тоалетна. Не по-малко характерни за Баучер са така наречените пасторали, или овчарски сцени. Страстта към пасторалните теми, характерна за цялата епоха, е отражение на тогавашните модни теории, според които само наивните хора, живеещи далеч от цивилизацията, в лоното на природата, са щастливи. Неговите овчари и овчарки са елегантни и хубави млади мъже и жени, леко костюмирани и изобразени на фона на пейзажи. В допълнение към пасторали и митологични картини, той рисува жанрови сцени от живота на аристократичното общество, портрети (особено често портрети на маркиза Помпадур), религиозни изображения, обикновено решени в същия декоративен план („Почивка при бягството в Египет“ ), цветя, орнаментални мотиви. Баучер имаше неоспорим талант като декоратор, знаеше как да свърже своите композиции с решението на интериора.
Рококо мода
Въпроси и задачи:
1. Разкажете ни за естетическите особености на бароковия стил
2. Разкажете ни за особеностите на бароковата живопис, като използвате примера на Рубенс
3. Разкажете ни за стила на рисуване на Рембранд
4. Защо стилът рококо се счита за стил на аристокрацията?
5. Направете кореспонденция на Версай
