Романтизмът в живописта е философско и културно направление в изкуството на Европа и Америка в края на 18 - първата половина на 19 век. Основата за развитието на стила е сантиментализмът в литературата на Германия - родното място на романтизма. Посоката се развива в Русия, Франция, Англия, Испания и други европейски страни.
История
Въпреки ранните опити на пионерите Ел Греко, Елсхаймер и Клод Лорен, стилът, който познаваме като романтизъм, не набира скорост до почти края на 18-ти век, когато героичният елемент на неокласицизма поема основна роля в изкуството на времето. . Картините започват да отразяват героично-романтичния идеал, базиран на романите от онова време. Този героичен елемент, съчетан с революционен идеализъм и емоционалност, възниква в резултат на Френската революция като реакция срещу сдържаното академично изкуство.
След Френската революция от 1789 г. в рамките на няколко години настъпват значителни социални промени. Европа беше разтърсена от политически кризи, революции и войни. Когато лидерите се срещнаха на Виенския конгрес, за да изработят план за реорганизация на европейските дела след Наполеоновите войни, стана ясно, че надеждите на народите за свобода и равенство не са се сбъднали. През тези 25 години обаче се формират нови идеи, които се вкореняват в съзнанието на хора във Франция, Испания, Русия, Германия.
Уважението към личността, което вече беше ключов елемент в неокласическата живопис, се развива и пуска корени. Картините на художниците се отличаваха с емоционалност, чувственост в предаването на образа на индивида. В началото на 19 век различни стилове започват да показват черти на романтизъм. 
Цели
Принципите и целите на романтизма включват:
- Завръщането към природата е илюстрирано от акцента върху спонтанността в живописта, който картините демонстрират;
- Вяра в доброто на човечеството и най-добрите качества на индивида;
- Справедливост за всички – идеята беше широко разпространена в Русия, Франция, Испания, Англия.
Твърда вяра в силата на чувствата и емоциите, които доминират над ума и интелекта.
Особености
Характерни черти на стила:
- Идеализацията на миналото, доминирането на митологични теми става водеща линия в творчеството на 19 век.
- Отхвърляне на рационализма и догмите от миналото.
- Повишена изразителност чрез играта на светлина и цвят.
- Картините предаваха лирична визия за света.
- Нарастващ интерес към етническите теми.
Романтичните художници и скулптори са склонни да изразяват емоционален отговор на личния живот, за разлика от сдържаността и универсалните ценности, насърчавани от неокласическото изкуство. 19-ти век е началото на развитието на романтизма в архитектурата, за което свидетелстват изящните викториански сгради.
Главни представители
Сред най-големите художници-романтици на 19 век са такива представители на И. Фюсли, Франсиско Гоя, Каспар Давид Фридрих, Джон Констабъл, Теодор Жерико, Юджин Делакроа. Романтичното изкуство не измести неокласическия стил, а функционираше като противовес на догматизма и твърдостта на последния. 
Романтизмът в руската живопис е представен от произведенията на В. Тропинин, И. Айвазовски, К. Брюлов, О. Кипренски. Художниците на Русия се стремяха да предадат природата възможно най-емоционално.
Пейзажът беше предпочитаният жанр сред романтиците. На природата се гледаше като на огледало на душата, в Германия на нея също се гледа като на символ на свободата и безкрайността. Художниците поставят изображения на хора на фона на провинцията или градския, морски пейзаж. В романтизма в Русия, Франция, Испания, Германия образът на човек не доминира, а допълва сюжета на картината. 
Популярни са мотивите на Vanitas, като мъртви дървета и обрасли руини, символизиращи преходността и крайната природа на живота. Подобни мотиви се срещат по-рано в бароковото изкуство: художниците са заимствали работа със светлина и перспектива в подобни картини от барокови художници.
Цели на романтизма: Художникът демонстрира субективен поглед върху обективния свят и показва картина, филтрирана през неговата чувственост.
В различни страни
Германският романтизъм от 19 век (1800 - 1850)
В Германия по-младото поколение художници реагира на променящите се времена с процес на интроспекция: те се оттеглят в света на емоциите, вдъхновяват се от сантиментални стремежи към идеалите на отминалите времена, преди всичко средновековната епоха, която днес се разглежда като време, в което хората са живели в хармония със себе си и със света. В този контекст картините на Шинкел, като готическата катедрала на водата, са представителни и характерни за периода. 
Романтичните художници бяха много близки до неокласиците в копнежа си по миналото, с изключение на това, че техният историзъм критикуваше рационалистичните догми на неокласицизма. Неокласическите художници си поставят такива задачи: гледат в миналото, за да оправдаят своята ирационалност и емоционалност, запазват академичните традиции на изкуството в предаването на реалността.
Испанският романтизъм от 19 век (1810 - 1830)
Франсиско де Гоя беше безспорният лидер на движението на романтичното изкуство в Испания, картините му показват характерни черти: склонност към ирационалност, фантазия, емоционалност. До 1789 г. той става официален художник на испанския кралски двор. 
През 1814 г., в чест на испанското въстание срещу френските войски в Пуерта дел Сол, Мадрид, и екзекуцията на невъоръжени испанци, заподозрени в съучастие, Гоя създава един от най-големите си шедьоври - Трети май. Забележителни произведения: "Бедствията на войната", "Капричос", "Гола Мая".
Френският романтизъм от 19 век (1815 - 1850)
След Наполеоновите войни Френската република отново става монархия. Това доведе до огромен тласък към романтизма, който досега беше въздържан от доминацията на неокласиците. Френските художници от епохата на романтиката не се ограничават до пейзажния жанр, те са работили в жанра на портретното изкуство. Най-ярките представители на стила са Е. Делакроа и Т. Жерико. 
Романтизмът в Англия (1820-1850)
И. Фусли е теоретикът и най-яркият представител на стила.
Джон Констабъл принадлежи към английската традиция на романтизма. Тази традиция беше в търсене на баланс между дълбоката чувствителност към природата и напредъка в науката за живописта и графиката. Констебъл изоставя догматичния образ на природата, картините са разпознаваеми поради използването на цветни петна за предаване на реалността, което доближава творчеството на Констебъл до изкуството на импресионизма. 
Картините на Уилям Търнър, един от най-големите английски художници на романтизма, отразяват желанието да се наблюдава природата като един от елементите на творчеството. Настроението на картините му се създава не само от това, което е изобразил, но и от начина, по който художникът е предал цвета и перспективата.
Значение в чл
Романтичният стил на рисуване на 19 век и неговите особености стимулират появата на множество школи, като: училището в Барбизон, пленерните пейзажи, училището на пейзажистите в Норич. Романтизмът в живописта повлия на развитието на естетизма и символизма. Най-влиятелните художници създават движението на прерафаелитите. В Русия и Западна Европа романтизмът повлия на развитието на авангарда и импресионизма.
романтизъм(Романтизъм) е идейно-художествено направление, възникнало в европейската и американската култура от края на 18 век - първата половина на 19 век, като реакция на естетиката на класицизма. Първоначално се формира (1790-те) във философията и поезията в Германия, а по-късно (1820-те) се разпространява в Англия, Франция и други страни. Той предопредели най-новото развитие на изкуството, дори онези от неговите направления, които му се противопоставят.
Новите критерии в изкуството са свобода на изразяване, повишено внимание към индивидуалността, уникални черти на личността, естественост, искреност и свобода, които заменят имитацията на класически образци от 18 век. Романтиците отхвърлят рационализма и практичността на Просвещението като механистични, безлични и изкуствени. Вместо това те дадоха приоритет на емоционалността на изразяване, вдъхновението.
Чувствайки се свободни от западащата система на аристократично управление, те се стремят да изразят своите нови възгледи, истините, които са открили. Мястото им в обществото се е променило. Те намериха своя читател сред нарастващата средна класа, готови да подкрепят емоционално и дори да се преклонят пред художника – гений и пророк. Сдържаността и смирението бяха отхвърлени. Те бяха заменени от силни емоции, често достигащи до крайности.
Младите хора бяха особено повлияни от романтизма, които получиха възможност да учат и четат много (което се улеснява от бързото развитие на печатарството). Тя е вдъхновена от идеите за индивидуално развитие и самоусъвършенстване, идеализирането на личната свобода в мирогледа, съчетано с отхвърлянето на рационализма. Личното развитие беше поставено над стандартите на едно суетно и вече избледняващо аристократично общество. Романтизмът на образованите младежи промени класовото общество на Европа, превръщайки се в началото на появата на образована „средна класа“ в Европа. И картината Скитник над морето от мъгла„с основание може да се нарече символ на периода на романтизма в Европа.
Някои романтици се обърнаха към мистериозните, загадъчни, дори ужасни, народни вярвания, приказки. Романтизмът отчасти се свързва с демократични, национални и революционни движения, въпреки че "класическата" култура на Френската революция всъщност забавя пристигането на романтизма във Франция. По това време възникват няколко литературни движения, най-важните от които са Sturm und Drang в Германия, примитивизмът във Франция, начело с Жан-Жак Русо, готическият роман, интересът към възвишеното, баладите и старите романси (от които всъщност са измислени терминът "романтизъм"). Източникът на вдъхновение за немските писатели, теоретици от йенската школа (братята Шлегел, Новалис и други), които се обявиха за романтици, е трансценденталната философия на Кант и Фихте, която поставя на преден план творческите възможности на ума. Тези нови идеи, благодарение на Колридж, проникват в Англия и Франция, а също така определят развитието на американския трансцендентализъм.
Така романтизмът се ражда като литературно движение, но оказва значително влияние върху музиката и по-малко върху живописта. Във визуалните изкуства романтизмът се проявява най-ясно в живописта и графиката и по-малко в архитектурата. През 18 век любимите мотиви на художниците са планински пейзажи и живописни руини. Основните му характеристики са динамиката на композицията, обемната пространственост, наситен цвят, светлинен цвят (например произведенията на Търнър, Жерико и Делакроа). Сред другите романтични художници може да се назове Фузели, Мартин. Творчеството на прерафаелитите и неоготическият стил в архитектурата също могат да се разглеждат като проява на романтизма.
Романтизмът като направление в живописта се формира в Западна Европа в края на 18 век. Романтизмът достига своя връх в изкуството на повечето западноевропейски страни през 1920-те и 1930-те години. 19 век.
Самият термин "романтизъм" произлиза от думата "роман" (през 17-ти век литературните произведения, написани не на латински, а на езици, получени от него - френски, английски и др.), се наричат романи. По-късно всичко неразбираемо и мистериозно започва да се нарича романтично.
Като културен феномен романтизмът се формира от особен светоглед, генериран от резултатите от Френската революция. Разочаровани от идеалите на Просвещението, романтиците, стремейки се към хармония и цялост, създават нови естетически идеали и художествени ценности. Основният обект на тяхното внимание бяха изключителните герои с целия им опит и желание за свобода. Героят на романтичните произведения е изключителен човек, който по волята на съдбата се оказа в трудни житейски обстоятелства.
Въпреки че романтизмът възниква като протест срещу изкуството на класицизма, той в много отношения е близък до последното. Романтиците бяха отчасти такива представители на класицизма като Н. Пусен, К. Лорен, Ж. О. Д. Енгр.
Романтиците внесоха в живописта оригинални национални черти, тоест нещо, което липсваше в изкуството на класицистите.
Най-големият представител на френския романтизъм е Т. Жерико.
Теодор Жерико
Теодор Жерико, великият френски художник, скулптор и график, е роден през 1791 г. в Руан в богато семейство. Талантът на художника се проявява в него доста рано. Често, вместо да посещава уроци в училище, Жерико седеше в конюшнята и теглеше коне. Още тогава той се стреми не само да пренесе външните черти на животните на хартия, но и да предаде техния нрав и характер.
След като завършва лицея през 1808 г., Жерико става ученик на известния тогава художник Карл Верне, който е известен със способността си да изобразява коне върху платно. Младият художник обаче не харесва стила на Верне. Скоро той напуска работилницата и отива да учи при друг, не по-малко талантлив художник от Верне, П. Н. Герен. Докато учи с двама известни художници, Gericault все пак не продължи традициите си в живописта. J. A. Gros и J. L. David вероятно трябва да се считат за негови истински учители.
Ранните творби на Жерико се отличават с това, че са максимално близки до живота. Такива картини са необичайно изразителни и патетични. Те показват ентусиазираното настроение на автора при оценката на света около себе си. Пример за това е картина, наречена „Офицер от императорските конни рейнджъри по време на атака”, създадена през 1812 г. Това платно е видяно за първи път от посетителите на Парижкия салон. Те приеха работата на младия художник с възхищение, оценявайки таланта на младия майстор.
Творбата е създадена през онзи период от френската история, когато Наполеон е в зенита на своята слава. Съвременниците го боготворяха, великия император, който успя да завладее по-голямата част от Европа. Именно с такова настроение, под впечатлението от победите на армията на Наполеон, беше нарисувана картината. Платното показва войник, който препуска на кон. Лицето му изразява решителност, смелост и безстрашие пред лицето на смъртта. Цяла композиция
необичайно динамичен и емоционален. Зрителят получава усещането, че самият той става реален участник в събитията, изобразени на платното.
Фигурата на смел войник ще се появява повече от веднъж в творчеството на Жерико. Сред такива изображения особен интерес представляват героите на картините „Офицер на карабинерите“, „Офицер на кирасира преди атаката“, „Портрет на карабинер“, „Ранен кирасир“, създадени през 1812-1814 г. Последната творба е забележителна с това, че е представена на следващата изложба в Салона през същата година. Това обаче не е основното предимство на състава. По-важното е, че показва промените, настъпили в творческия стил на художника. Ако искрените патриотични чувства бяха отразени в първите му платна, то в творбите от 1814 г. патосът в изобразяването на героите се заменя с драма.
Подобна промяна в настроението на художника отново беше свързана със събитията, случващи се по това време във Франция. През 1812 г. Наполеон е победен в Русия, във връзка с което той, който някога е бил блестящ герой, придобива от своите съвременници славата на неуспешен военачалник и арогантен горд човек. Жерико въплъщава разочарованието си от идеала в картината „Раненият кирасир“. Платното изобразява ранен воин, който се опитва да напусне бойното поле възможно най-скоро. Той се обляга на сабя - оръжие, което може би само преди няколко минути държеше, държейки го високо.
Именно недоволството на Жерико от политиката на Наполеон диктува влизането му в служба на Луи XVIII, който заема френския трон през 1814 г. Фактът, че след второто завземане на властта във Франция от Наполеон (периодът на Стоте дни) младият художник напуска своята родна страна заедно с Бурбоните. Но и тук го очакваше разочарование. Младият мъж не можеше спокойно да гледа как кралят унищожава всичко, постигнато по време на управлението на Наполеон. Освен това при Луи XVIII има засилване на феодално-католическата реакция, страната се оттегля по-бързо и по-бързо, връщайки се към старата държавна система. Това не би могло да се приеме от млад, прогресивно мислещ човек. Много скоро младежът, който загуби вяра в идеалите си, напуска армията, водена от Луи XVIII, и отново се заема с четки и бои. Тези години не могат да се нарекат ярки и нищо забележително в творчеството на художника.
През 1816 г. Жерико заминава на пътуване до Италия. След като посети Рим и Флоренция и изучи шедьоврите на известни майстори, художникът обича монументалната живопис. Особено вниманието му завладяват фреските на Микеланджело, които украсяват Сикстинската капела. По това време произведенията са създадени от Жерико, по своя мащаб и величие, в много отношения напомнящи платната на художниците от Висшия Ренесанс. Сред тях най-интересни са "Отвличането на нимфата от кентавъра" и "Човекът, хвърлящ бика".
Същите черти на маниера на старите майстори се виждат и в картината „Бягане на свободни коне в Рим”, написана около 1817 г. и представяща състезания на конници на един от карнавалите, провеждащи се в Рим. Характеристика на тази композиция е, че тя е съставена от художника от предварително направени естествени рисунки. Освен това естеството на скиците се различава значително от стила на цялата работа. Ако първите са сцени, описващи живота на римляните - съвременниците на художника, то в цялостната композиция има образи на смели древни герои, сякаш са излезли от древни разкази. В това Жерико следва пътя на Дж. Л. Дейвид, който, за да придаде образа на героичен патос, облича своите герои в древни форми.
Скоро след рисуването на тази картина, Жерико се завръща във Франция, където става член на опозиционния кръг, образуван около художника Хорас Верне. При пристигането си в Париж художникът се интересува особено от графиката. През 1818 г. той създава поредица от литографии на военна тема, сред които най-значима е „Завръщане от Русия”. Литографията представя победените войници от френската армия, скитащи през покрито със сняг поле. Фигурите на осакатени и изморени от войната хора са изобразени по реалистичен и правдив начин. В композицията няма патос и героичен патос, характерен за ранните творби на Жерико. Художникът се стреми да отрази реалното състояние на нещата, всички бедствия, които френските войници, изоставени от своя командир, трябваше да преживеят в чужда земя.
В произведението "Завръщане от Русия" за първи път се чува темата за борбата на човека със смъртта. Тук обаче този мотив все още не е изразен толкова ясно, както в по-късните произведения на Жерико. Пример за такива платна може да бъде картина, наречена "Салът на Медуза". Написана е през 1819 г. и същата година е изложена в Парижкия салон. Платното изобразява хора, борещи се с бушуващата водна стихия. Художникът показва не само тяхното страдание и мъка, но и желанието да излязат победители в борбата със смъртта на всяка цена.
Сюжетът на композицията е продиктуван от събитие, което се случило през лятото на 1816 г. и развълнувало цяла Франция. Известната тогава фрегата "Медуза" се блъсна в рифове и потъна край бреговете на Африка. От 149 души, които са били на кораба, само 15 са успели да избягат, сред които са хирургът Савини и инженерът Кореард. При пристигането си в родината си издават малка книжка, разказваща за приключенията им и щастливото им спасяване. Именно от тези спомени французите научиха, че нещастието се е случило по вина на неопитния капитан на кораба, който се качи на борда благодарение на покровителството на благороден приятел.
Образите, създадени от Gericault, са необичайно динамични, пластични и изразителни, което е постигнато от художника чрез дълга и старателна работа. За да изобрази истински ужасни събития на платното, за да предаде чувствата на хората, умиращи в морето, художникът се среща с очевидци на трагедията, дълго време изучава лицата на изтощени пациенти, които се лекуват в една от болниците в Париж, както и моряци, успели да избягат от корабокрушения. По това време художникът създава голям брой портретни произведения.
Бушуващото море също е изпълнено с дълбок смисъл, сякаш се опитва да погълне крехък дървен сал с хора. Това изображение е необичайно изразително и динамично. Тя, подобно на фигурите на хора, е нарисувана от природата: художникът прави няколко скици, изобразяващи морето по време на буря. Работейки върху монументална композиция, Жерико многократно се обръща към предварително подготвени скици, за да отрази напълно природата на елементите. Ето защо картината прави огромно впечатление на зрителя, убеждава го в реализма и истинността на случващото се.
„Салът на Медуза“ представя Жерико като забележителен майстор на композицията. Дълго време художникът мисли как да подреди фигурите в картината, за да изрази най-пълно намерението на автора. В хода на работата бяха направени няколко промени. Скиците, предхождащи картината, показват, че първоначално Жерико е искал да изобрази борбата на хората на сала един с друг, но по-късно се е отказал от подобна интерпретация на събитието. В окончателния вариант платното представя момента, в който вече отчаяни хора виждат кораба Аргус на хоризонта и протягат ръце към него. Последното допълнение към картината беше човешката фигура, поставена отдолу, от дясната страна на платното. Именно тя беше последният щрих на композицията, която след това придоби дълбоко трагичен характер. Прави впечатление, че тази промяна е направена, когато картината вече е била изложена в Салона.
Със своята монументалност и повишена емоционалност картината на Жерико в много отношения напомня творчеството на майсторите от Висшия ренесанс (най-вече Страшният съд на Микеланджело), с които художникът се запознава, докато пътува из Италия.
Картината "Салът на Медуза", която се превърна в шедьовър на френската живопис, имаше огромен успех в опозиционните кръгове, които я видяха като отражение на революционните идеали. По същите причини творбата не е приета сред висшите благородници и официални представители на изобразителното изкуство на Франция. Ето защо по това време платното не е закупено от държавата от автора.
Разочарован от приема, даден на творението му у дома, Жерико заминава за Англия, където представя любимата си творба на двора на британците. В Лондон ценителите на изкуството приеха прочутото платно с голям ентусиазъм.
Gericault се доближава до английските художници, които го печелят със способността си искрено и правдиво да изобразяват реалността. Жерико посвещава цикъл от литографии на живота и живота на столицата на Англия, сред които произведенията, озаглавени „Великата английска сюита“ (1821) и „Старият просяк, умиращ пред вратите на пекарната“ (1821), са от най-голям интерес. В последния художникът изобразява лондонски скитник, който отразява впечатленията, получени от художника в процеса на изучаване на живота на хората в работническите квартали на града.
Същият цикъл включва литографии като „Фландрският Смит“ и „Пред портите на корабостроителницата Аделфин“, представяйки на зрителя картина от живота на обикновените хора в Лондон. Интерес в тези произведения представляват изображения на коне, тежки и с наднормено тегло. Те са забележимо различни от онези грациозни и грациозни животни, които са рисувани от други художници - съвременници на Жерико.
Намирайки се в столицата на Англия, Gericault се занимава със създаването не само на литографии, но и на картини. Едно от най-ярките произведения от този период е платното „Състезание в Epsom“, създадено през 1821 г. На картината художникът изобразява коне, които се втурват с пълна скорост, а краката им изобщо не докосват земята. Тази хитра техника (снимката доказа, че конете не могат да имат такава позиция на краката по време на бягане, това е фантазията на художника) се използва от майстора, за да придаде динамика на композицията, да създаде на зрителя впечатление за светкавична движение на коне. Това усещане се засилва от точното предаване на пластичността (пози, жестове) на човешките фигури, както и от използването на ярки и богати цветови комбинации (червени, залив, бели коне; наситено синьо, тъмно червено, бяло-синьо и златисто- жълти якета на жокеите).
Темата за конните надбягвания, която отдавна привлича вниманието на художника със своята специална изява, се повтаря повече от веднъж в творбите, създадени от Жерико след завършването на работата по Конни надбягвания в Epsom.
През 1822 г. художникът напуска Англия и се завръща в родната си Франция. Тук той се занимава със създаването на големи платна, подобни на произведенията на ренесансовите майстори. Сред тях са "Търговия с негри", "Отваряне на вратите на затвора на инквизицията в Испания". Тези картини останаха недовършени - смъртта попречи на Жерико да завърши работата.
Особен интерес представляват портретите, чието създаване изкуствоведите приписват на периода от 1822 до 1823 г. Историята на тяхното писане заслужава специално внимание. Факт е, че тези портрети са поръчани от приятел на художника, който е работил като психиатър в клиника в Париж. Те трябваше да се превърнат в своеобразни илюстрации, показващи различни психични заболявания на човек. Така бяха нарисувани портретите "Луда старица", "Луд", "Луд, представящ си се за командир". За майстора на рисуването беше важно не толкова да покаже външните признаци и симптоми на болестта, а да предаде вътрешното, психическо състояние на болен човек. На платната пред зрителя се появяват трагични образи на хора, чиито очи са пълни с болка и скръб.
Сред портретите на Жерико специално място заема портретът на негър, който в момента се намира в колекцията на музея в Руан. Един решителен и волеви човек гледа на зрителя от платното, готов да се бори докрай с враждебни за него сили. Изображението е необичайно ярко, емоционално и изразително. Човекът на тази картина е много подобен на онези волеви герои, които Жерико преди това е показал в големи композиции (например на платното „Салът на Медуза“).
Жерико беше не само майстор на живописта, но и отличен скулптор. Неговите творби в тази форма на изкуството в началото на 19 век са първите образци на романтични скулптури. Сред такива произведения особен интерес представлява необичайно изразителната композиция "Нимфа и сатир". Изображенията, замръзнали в движение, точно предават пластичността на човешкото тяло.
Теодор Жерико загива трагично през 1824 г. в Париж, катастрофирайки при падане от кон. Ранната му смърт беше изненада за всички съвременници на известния художник.
Творчеството на Жерико бележи нов етап в развитието на живописта не само във Франция, но и в световното изкуство - периода на романтизма. В своите произведения майсторът преодолява влиянието на класическите традиции. Неговите творби са необичайно колоритни и отразяват многообразието на природния свят. Чрез въвеждането на човешки фигури в композицията художникът се стреми да разкрие вътрешните чувства и емоции на човек възможно най-пълно и ярко.
След смъртта на Жерико традициите на неговото романтично изкуство са подхванати от по-младия съвременник на художника Е. Делакроа.
Йожен Делакроа
Фердинанд Виктор Юджин Делакроа, известният френски художник и график, наследник на традициите на романтизма, развили се в творчеството на Жерико, е роден през 1798 г. Без да завършва Имперския лицей, през 1815 г. Делакроа отива да учи при известния майстор Герин. Художествените методи на младия художник обаче не отговарят на изискванията на учителя, така че след седем години младежът го напуска.
Учейки с Герен, Делакроа посвещава много време на изучаването на творчеството на Давид и майсторите на живописта от Ренесанса. Той смята културата на древността, чиито традиции и Давид следва, за основна за развитието на световното изкуство. Следователно естетическите идеали за Делакроа са произведенията на поети и мислители от Древна Гърция, сред които художникът особено оценява произведенията на Омир, Хорас и Марк Аврелий.
Първите творби на Делакроа са недовършени платна, където младият художник се стреми да отрази борбата на гърците с турците. На художника обаче му липсваха уменията и опитът да създаде изразителна картина.
През 1822 г. Делакроа излага работата си в Парижкия салон под заглавието Данте и Вергилий. Това платно, необичайно емоционално и ярко на цвят, в много отношения наподобява творбата на Жерико "Салът на Медуза".
Две години по-късно пред публиката на Салона е представена друга картина на Делакроа, „Клането в Хиос“. Именно в него е въплътен дългогодишният план на художника да покаже борбата на гърците с турците. Цялостната композиция на картината се състои от няколко части, които образуват групи от хора, разположени поотделно, всяка от които има свой драматичен конфликт. Като цяло творбата създава впечатление за дълбока трагедия. Усещането за напрежение и динамизъм се засилва от комбинацията от плавни и остри линии, които формират фигурите на персонажите, което води до промяна в пропорцията на изобразеното от художника лице. Но именно поради това картината придобива реалистичен характер и житейска достоверност.
Творческият метод на Делакроа, напълно изразен в „Масакра на Хиос“, е далеч от класическия стил, приет тогава в официалните кръгове на Франция и сред представителите на изобразителното изкуство. Ето защо картината на младия художник беше посрещната с остра критика в салона.
Въпреки неуспеха, художникът остава верен на идеала си. През 1827 г. се появява още едно произведение, посветено на темата за борбата на гръцкия народ за независимост - "Гърция върху руините на Мисолонги". Фигурата на решителна и горда гъркиня, изобразена на платното, олицетворява непокорена Гърция тук.
През 1827 г. Делакроа изпълнява две произведения, които отразяват творческите търсения на майстора в областта на средствата и методите на художествено изразяване. Това са платната "Смъртта на Сарданапал" и "Марино Фалиеро". На първия от тях трагедията на ситуацията е предадена в движението на човешки фигури. Тук само образът на самия Сарданапал е статичен и спокоен. В композицията на "Марино Фалиеро" динамична е само фигурата на главния герой. Останалите герои сякаш замръзнаха от ужас при мисълта за това, което щеше да се случи.
През 20-те години. 19 век Делакроа изпълнява редица произведения, чиито сюжети са взети от известни литературни произведения. През 1825 г. художникът посещава Англия, родното място на Уилям Шекспир. През същата година под впечатлението от това пътуване и трагедията на известния драматург Делакроа е направена литографията „Макбет”. В периода от 1827 до 1828 г. той създава литография „Фауст”, посветена на едноименната творба на Гьоте.
Във връзка със събитията, случили се във Франция през 1830 г., Делакроа изпълнява картината „Свободата, водеща хората“. Революционната Франция е представена в образа на млада, силна жена, властна, решителна и независима, смело предвождаща тълпата, в която се открояват фигурите на работник, студент, ранен войник, парижки гамен (образ, който предусещаше Гаврош, който се появява по-късно в Les Misérables от В. Юго).
Тази работа беше забележимо различна от подобни произведения на други художници, които се интересуваха само от истинското предаване на събитие. Платната, създадени от Делакроа, се отличават с висок героичен патос. Изображенията тук са обобщени символи на свободата и независимостта на френския народ.
С идването на власт на Луи Филип - кралско-буржоазният героизъм и възвишени чувства, проповядвани от Делакроа, нямаше място в съвременния живот. През 1831 г. художникът прави пътуване до африканските страни. Той пътува до Танжер, Мекнес, Оран и Алжир. В същото време Делакроа посещава Испания. Животът на Изтока буквално очарова художника с бързото си течение. Създава скици, рисунки и редица акварелни творби.
След като посети Мароко, Делакроа рисува платна, посветени на Изтока. Картините, в които художникът показва конните надбягвания или битката на маврите, са необичайно динамични и изразителни. В сравнение с тях композицията „Алжирските жени в техните покои”, създадена през 1834 г., изглежда спокойна и статична. В него няма онзи буен динамизъм и напрежение, присъщи на по-ранните творби на художника. Делакроа се появява тук като майстор на цвета. Цветовата схема, използвана от художника, в своята цялост отразява яркото разнообразие на палитрата, която зрителят асоциира с цветовете на Изтока.
Със същата бавност и премереност се отличава и платното „Еврейска сватба в Мароко”, написано приблизително през 1841 г. Тук се създава мистериозна ориенталска атмосфера благодарение на точното предаване от художника на оригиналността на националния интериор. Композицията изглежда изненадващо динамична: художникът показва как хората се движат нагоре по стълбите и влизат в стаята. Светлината, влизаща в стаята, прави изображението реалистично и убедително.
Източните мотиви все още присъстват в творбите на Делакроа за дълго време. И така, на изложбата, организирана в Салона през 1847 г., от шестте произведения, представени от него, пет са посветени на живота и живота на Изтока.
През 30-40-те години. През 19 век се появяват нови теми в творчеството на Делакроа. По това време майсторът създава произведения на исторически теми. Сред тях специално внимание заслужават платната "Протест на Мирабо срещу разпадането на Генералните щати" и "Boissy d'Angles". Скицата на последния, показана през 1831 г. в Салона, е ярък пример за композиции на тема народно въстание.
Картините „Битката при Поатие“ (1830) и „Битката при Тайбур“ (1837) са посветени на образа на народа. С целия реализъм тук е показана динамиката на битката, движението на хората, тяхната ярост, гняв и страдание. Художникът се стреми да предаде емоциите и страстите на човек, обзет от желанието да спечели на всяка цена. Именно фигурите на хората са основните в предаването на драматичността на събитието.
Много често в творбите на Делакроа победителят и победеният са рязко противопоставени един на друг. Това се вижда особено ясно на платното „Превземането на Константинопол от кръстоносците”, написано през 1840 г. На преден план е показана група хора, превзети от скръб. Зад тях се крие възхитителен, омайващ със своята красота пейзаж. Тук са поставени и фигурите на ездачи победители, чиито страхотни силуети контрастират със скръбните фигури на преден план.
„Превземането на Константинопол от кръстоносците“ представя Делакроа като забележителен колорист. Ярките и наситени цветове обаче не подсилват трагичното начало, което се изразява от тъжни фигури, разположени близо до зрителя. Напротив, богатата палитра създава усещане за празник, подреден в чест на победителите.
Не по-малко колоритна е композицията "Справедливостта на Траян", създадена през същата 1840 г. Съвременниците на художника признават тази картина за една от най-добрите сред всички платна на художника. Особен интерес представлява фактът, че в хода на работата майсторът експериментира в областта на цвета. Дори сенките приемат най-различни нюанси от него. Всички цветове на композицията отговарят точно на природата. Изпълнението на творбата е предшествано от дълги наблюдения на художника за промени в нюансите в природата. Художникът ги вписва в дневника си. Тогава, според бележките, учените потвърдиха, че откритията, направени от Делакроа в областта на тоналността, са напълно в съответствие с доктрината за цвета, която се роди по това време, чийто основател е Е. Шевреул. Освен това художникът сравнява своите открития с палитрата, използвана от венецианската школа, която е пример за рисуване за него.
Особено място сред картините на Делакроа заемат портретите. Майсторът рядко се обръщаше към този жанр. Рисувал е само онези хора, с които се е познавал от дълго време, чието духовно развитие се е случвало пред очите на художника. Затова образите в портретите са много изразителни и дълбоки. Това са портретите на Шопен и Жорж Санд. На платното, посветено на известния писател (1834 г.), е изобразена благородна и волева жена, която радва своите съвременници. Портретът на Шопен, нарисуван четири години по-късно, през 1838 г., представлява поетичен и духовен образ на великия композитор.
Интересен и необичайно изразителен портрет на известния цигулар и композитор Паганини, нарисуван от Делакроа около 1831 г. Музикалният стил на Паганини в много отношения е подобен на метода на рисуване на художника. Творчеството на Паганини се характеризира със същата експресия и интензивна емоционалност, които са характерни за творбите на художника.
Пейзажите заемат малко място в творчеството на Делакроа. Те обаче се оказват много значими за развитието на френската живопис през втората половина на 19 век. Пейзажите на Делакроа са белязани от желанието за точно предаване на светлината и неуловим живот на природата. Ярки примери за това са картините "Небе", където се създава усещане за динамика благодарение на снежнобели облаци, плаващи по небето, и "Морето, видимо от бреговете на Диеп" (1854), в което художникът майсторски предава плъзгането на леки платноходки по повърхността на морето.
През 1833 г. художникът получава поръчка от френския крал да изрисува зала в двореца Бурбон. Работата по създаването на монументално произведение продължи четири години. При изпълнение на поръчката художникът се ръководи преди всичко от факта, че изображенията са изключително прости и кратки, разбираеми за зрителя.
Последната работа на Делакроа е изографисването на параклиса на Светите ангели в църквата Сен Сюлпис в Париж. Изработен е в периода от 1849 до 1861 г. Използвайки ярки, наситени цветове (розово, ярко синьо, люляк, поставени върху пепеляво-син и жълто-кафяв фон), художникът създава радостно настроение в композициите, предизвиквайки у зрителя да изпитваш възторжена радост. Пейзажът, включен в картината "Изгонването на Илиодор от храма" като своеобразен фон, визуално увеличава пространството на композицията и помещенията на параклиса. От друга страна, сякаш се опитва да подчертае изолацията на пространството, Делакроа въвежда в композицията стълбище и балюстрада. Фигурите на хора, поставени зад него, изглеждат като почти плоски силуети.
Йожен Делакроа умира през 1863 г. в Париж.
Делакроа е най-образованият сред художниците от първата половина на 19 век. Много сюжети от неговите картини са взети от литературните произведения на известни майстори на перото. Интересен факт е, че най-често художникът рисува своите герои без да използва модел. На това той искаше да научи своите последователи. Според Делакроа рисуването е нещо по-сложно от примитивното копиране на линии. Художникът вярваше, че изкуството се крие преди всичко в способността да се изразява настроението и творческото намерение на майстора.
Делакроа е автор на няколко теоретични разработки по въпросите на цвета, метода и стила на художника. Тези произведения послужиха като фар за художници от следващите поколения в търсенето на собствени художествени средства, използвани за създаване на композиции.
Реферат от изпита
Предмет:„Романтизмът като направление в изкуството”.
Изпълнено ученик 11 "В" клас СОУ No3
Бойправ Анна
Световен учител по изкуство
култура Butsu T.N.
Брест, 2002г
1. Въведение
2. Причини за романтизма
3. Основните черти на романтизма
4. романтичен герой
5. Романтизъм в Русия
а) Литература
б) Живопис
в) Музика
6. Западноевропейски романтизъм
картина
б) Музика
7. Заключение
8. Литература
1. ВЪВЕДЕНИЕ
Ако погледнете в тълковния речник на руския език, можете да намерите няколко значения на думата "романтизъм": 1. Направление в литературата и изкуството от първата четвърт на 19 век, характеризиращо се с идеализиране на миналото, изолация от реалността, култа към личността и човека. 2. Направление в литературата и изкуството, пропити с оптимизъм и желание да се покаже в ярки образи високото предназначение на човека. 3. Състояние на духа, пропито с идеализиране на реалността, мечтателно съзерцание.
Както се вижда от определението, романтизмът е явление, което се проявява не само в изкуството, но и в поведението, облеклото, начина на живот, психологията на хората и се появява в критични моменти от живота, така че темата за романтизма е актуална и днес. . Живеем в началото на века, в преходен етап сме. В тази връзка в обществото има невяра в бъдещето, невяра в идеалите, има желание да се избяга от заобикалящата реалност в света на собствените преживявания и в същото време да се осмисли. Именно тези характеристики са характерни за романтичното изкуство. Затова избрах за изследване темата „Романтизмът като направление в изкуството”.
Романтизмът е много голям пласт от различни видове изкуство. Целта на моята работа е да проследя условията за възникване и причините за възникването на романтизма в различните страни, да изследвам развитието на романтизма в художествени форми като литература, живопис и музика и да ги съпоставя. Основната задача за мен беше да изтъкна основните черти на романтизма, характерни за всички видове изкуство, да определя какво влияние е оказал романтизмът върху развитието на други течения в изкуството.
При разработването на темата използвах учебници по изкуство, такива автори като Филимонова, Воротников и други, енциклопедични публикации, монографии, посветени на различни автори от епохата на романтизма, биографични материали на такива автори като Аминская, Ацаркина, Некрасова и др.
2. ПРИЧИНИ ЗА ПРОИЗХОДА НА РОМАНТИЗМА
Колкото по-близо сме до модерността, толкова по-кратки стават периодите на доминиране на един или друг стил. Периодът от края на 18-1-та трета на 19-ти век. счита се за ерата на романтизма (от френския Romantique; нещо мистериозно, странно, нереално)
Какво повлия на появата на нов стил?
Това са три основни събития: Великата френска революция, Наполеоновите войни, възходът на националноосвободителното движение в Европа.
Гръмовете на Париж отекнаха в цяла Европа. Лозунгът „Свобода, равенство, братство!” притежаваше огромна привлекателност за всички европейски народи. С образуването на буржоазните общества работническата класа започва да действа като независима сила срещу феодалната система. Противоположната борба на трите класи - благородството, буржоазията и пролетариата - е в основата на историческото развитие на 19 век.
Съдбата на Наполеон и неговата роля в европейската история в продължение на 2 десетилетия, 1796-1815 г., занимаваха умовете на съвременниците. "Владетелят на мислите" - говори за него A.S. Пушкин.
За Франция това бяха години на величие и слава, макар и с цената на живота на хиляди французи. Италия видя Наполеон като свой освободител. Поляците възлагаха големи надежди на него.
Наполеон действа като завоевател, действащ в интерес на френската буржоазия. За европейските монарси той беше не само военен противник, но и представител на чуждия свят на буржоазията. Мразеха го. В началото на Наполеоновите войни в неговата "Велика армия" има много преки участници в революцията.
Личността на самия Наполеон също беше феноменална. Младият мъж Лермонтов отговори на 10-годишнината от смъртта на Наполеон:
Той е чужд на света. Всичко около него беше мистерия.
Денят на възвишението - и падението на часа!
Тази мистерия особено привлече вниманието на романтиците.
Във връзка с Наполеоновите войни и съзряването на националното самосъзнание този период се характеризира с подем на националноосвободителното движение. Германия, Австрия, Испания воюват срещу наполеоновата окупация, Италия - срещу австрийското иго, Гърция - срещу Турция, в Полша се борят срещу руския царизъм, Ирландия - срещу британския.
Удивителни промени се случиха пред очите на едно поколение.
Франция кипеше най-много: бурната пета годишнина от Френската революция, възходът и падението на Робеспиер, наполеоновите кампании, първата абдикация на Наполеон, завръщането му от остров Елба („сто дни“) и последният
поражение при Ватерло, мрачната 15-та годишнина от режима на Реставрацията, Юлската революция от 1860 г., Февруарската революция от 1848 г. в Париж, която предизвика революционна вълна в други страни.
В Англия в резултат на индустриалната революция през втората половина на XIX век. се установяват машинно производство и капиталистически отношения. Парламентарната реформа от 1832 г. разчиства пътя на буржоазията към държавната власт.
В земите на Германия и Австрия феодалните владетели запазват властта. След падането на Наполеон те се разправиха сурово с опозицията. Но дори и на германска земя парният локомотив, донесен от Англия през 1831 г., става фактор за буржоазния прогрес.
Индустриалните революции, политическите революции промениха лицето на Европа. „Буржоазията за по-малко от сто години на своето класово господство създаде по-многобройни и грандиозни производителни сили, отколкото всички предишни поколения взети заедно“, пишат немските учени Маркс и Енгелс през 1848 г.
И така, Великата френска революция (1789-1794) бележи специален крайъгълен камък, разделящ новата ера от епохата на Просвещението. Промениха се не само формите на държавата, социалната структура на обществото, подреждането на класите. Цялата система от идеи, осветена от векове, беше разклатена. Просветителите идеологически подготвят революцията. Но те не можеха да предвидят всичките му последици. „Царството на разума“ не се състоя. Революцията, която прокламира свободата на личността, поражда буржоазния ред, духа на придобивничеството и егоизма. Такава беше историческата основа за развитието на художествената култура, която предложи нова посока - романтизъм.
3. ОСНОВНИ ХАРАКТЕРИСТИКИ НА РОМАНТИЗМА
Романтизмът като метод и направление в художествената култура беше сложно и противоречиво явление. Във всяка страна той имаше ярък национален израз. Не е лесно да се открият черти в литературата, музиката, живописта и театъра, които обединяват Шатобриан и Делакроа, Мицкевич и Шопен, Лермонтов и Кипренски.
Романтиците заемат различни социални и политически позиции в обществото. Всички те се разбунтуваха срещу резултатите от буржоазната революция, но се разбунтуваха по различни начини, тъй като всеки имаше свой собствен идеал. Но с всичките много лица и разнообразие, романтизмът има стабилни черти.
Разочарованието в съвремието породи особено интерес към миналото: към предбуржоазните обществени формации, към патриархалната древност. Много романтици се характеризираха с идеята, че живописната екзотика на страните от юг и изток - Италия, Испания, Гърция, Турция - е поетичен контраст със скучното буржоазно ежедневие. В тези страни, тогава все още малко засегнати от цивилизацията, романтиците търсеха ярки, силни характери, оригинален, колоритен начин на живот. Интересът към националното минало поражда множество исторически произведения.
В стремежа си някак да се издигнат над прозата на битието, да освободят многообразните способности на индивида, в крайна сметка да се самореализират в творчеството, романтиците се противопоставят на формализирането на изкуството и на откровения разумен подход към него, характерен за класицизма. Всички те идваха от отричане на Просвещението и рационалистичните канони на класицизма,което сковава творческата инициатива на художника.И ако класицизмът дели всичко по права линия, на лошо и добро, на черно и бяло, то романтизмът не разделя нищо по права линия. Класицизмът е система, но романтизмът не е. Романтизмът напредва напредването на модерното време от класицизма към сантиментализма, който показва вътрешния живот на човек в хармония с огромния свят. А романтизмът противопоставя хармонията на вътрешния свят. Именно с романтизма започва да се появява истинският психологизъм.
Основната задача на романтизма беше образ на вътрешния свят, духовен живот, а това би могло да стане на материала от разкази, мистика и т.н. Трябваше да се покаже парадоксът на този вътрешен живот, неговата ирационалност.
Във въображението си романтиците трансформираха непривлекателната реалност или отидоха в света на своите преживявания. Пропастта между мечта и реалност, противопоставянето на красивата измислица с обективната реалност, лежеше в основата на цялото романтично движение.
Романтизмът за първи път поставя проблема за езика на изкуството. „Изкуството е език от много различен вид от природата; но също така съдържа същата чудодейна сила, която също толкова тайно и неразбираемо въздейства на човешката душа” (Wackenroder и Tieck). Художникът е тълкувател на езика на природата, посредник между света на духа и хората. „Благодарение на художниците човечеството се очертава като цялостна индивидуалност. Художниците чрез модерността обединяват света на миналото със света на бъдещето. Те са най-висшият духовен орган, в който се срещат жизнените сили на тяхната външна човещина и където преди всичко се проявява вътрешната човещина” (Ф. Шлегел).
В края на 18-ти и началото на 19-ти век идеите на класицизма и Просвещението губят своята привлекателност и актуалност. Новото, което в отговор на каноничните методи на класицизма и моралните социални теории на Просвещението се обърна към човека, неговия вътрешен свят, набра сила и завладя умовете. Романтизмът е много разпространен във всички области на културния живот и философията. Музиканти, художници и писатели в своите произведения се стремяха да покажат високата съдба на човека, неговия богат духовен свят, дълбочината на чувствата и преживяванията. Оттук нататък човек със своята вътрешна борба, духовни търсения и преживявания, а не „замъглени“ идеи за общо благосъстояние и просперитет, се превърнаха в доминираща тема в произведенията на изкуството.
Романтизъм в живописта
Художниците предават дълбочината на идеите и личните си преживявания чрез създаденото с помощта на композиция, колорит, акценти. Различните страни в Европа имаха свои особености в интерпретацията на романтичните образи. Това се дължи на философските течения, както и на обществено-политическата ситуация, на която изкуството беше жив отговор. Рисуването не беше изключение. Разпокъсана на малки княжества и херцогства, Германия не преживя сериозни социални катаклизми, художниците не създават монументални платна, изобразяващи герои-титани, тук дълбокият духовен свят на човека, неговата красота и величие и морални търсения предизвикват интерес. Следователно романтизмът в немската живопис е най-пълно представен в портрети и пейзажи. Произведенията на Ото Рунге са класически примери за този жанр. В портретите, направени от художника, чрез фино изследване на черти на лицето, очите, чрез контраста на светлината и сянката е предадено желанието на художника да покаже непоследователността на личността, нейната сила и дълбочина на чувствата. Чрез пейзажа, леко фантастичен, преувеличен образ на дървета, цветя и птици, художникът се опита да открие и многообразието на човешката личност, нейната прилика с природата, разнообразна и непозната. Виден представител на романтизма в живописта е пейзажистът К. Д. Фридрих, който подчертава силата и силата на природата, планинските и морски пейзажи, съзвучни с човека.
Романтизмът във френската живопис се развива по други принципи. Революционни сътресения, бурен социален живот се проявяват в живописта чрез гравитацията на художниците към изобразяване на исторически и фантастични сюжети, с патос и "нервна" възбуда, което се постига чрез ярък контраст на цветовете, изразителност на движенията, известна случайност, спонтанност на композицията. Най-пълните и ярки романтични идеи са представени в произведенията на Т. Жерико, Е. Делакроа. Художниците майсторски използваха цвят и светлина, създавайки пулсираща дълбочина на чувствата, възвишен импулс за борба и свобода.
Романтизъм в руската живопис
Руската обществена мисъл реагира много ярко на новите посоки и течения, които се появяват в Европа. и след това войната с Наполеон - онези значими исторически събития, които най-сериозно повлияха на философските и културни търсения на руската интелигенция. Романтизмът в руската живопис беше представен в три основни пейзажа, монументалното изкуство, където влиянието на класицизма беше много силно, а романтичните идеи бяха тясно преплетени с академичните канони.
В началото на деветнадесети век все повече внимание се обръща на образа на творческата интелигенция, поети и художници на Русия, както и на обикновените хора и селяните. Кипренски, Тропинин, Брюлов с голяма любов се опитаха да покажат дълбочината и красотата на личността на човек, чрез погледа, завъртането на главата, детайлите на костюма, за да предадат духовното търсене, свободолюбивата природа на своите „модели“ . Големият интерес към личността на човек, неговото централно място в изкуството допринесе за разцвета на жанра на автопортрета. Освен това художниците не рисуваха автопортрети по поръчка, това беше творчески импулс, един вид самоотчет пред съвременниците.
Пейзажите в произведенията на романтиците също се отличават със своята оригиналност. Романтизмът в живописта отразяваше и предаваше настроението на човек, пейзажът трябваше да бъде в тон с него. Ето защо художниците се опитаха да покажат бунтарския характер на природата, нейната сила и спонтанност. Орловски, Шчедрин, изобразявайки морето, могъщите дървета, планинските вериги, от една страна, предадоха красотата и многоцветността на истинските пейзажи, от друга страна, създадоха определено емоционално настроение.
