„Влиянието на идеите на Просвещението“ – Просветителско движение. Американската война за независимост. „Златен век“ на руското благородство. Държава Русия. Екатерина Велика. „За обществения договор, или принципите на политическото право“. въстанието на Пугачов. Жан-Жак Русо. Американското просветно движение. Политиката на "просветения абсолютизъм" в Русия.
"Просвещение" - Просвещение-. Германско просвещение. Шарл Монтескьо. Роден в Женева в семейството на часовникар. Музика. Джонатан Суифт (1667-1745). Идеите на енциклопедистите. Назовете френските просветители. Какво е значението на мотото на Просвещението? Стойността на дейността на просветителите. Англия е родното място на Просвещението. Енциклопедисти.
„Войната за независимост и образованието на Съединените щати“ – Джордж Вашингтон. Допълнителен материал към темата под формата на презентация в 7. клас, към курс "Нова история". Войната за независимост и образуването на Съединените щати. Резиденцията на президента на Съединените щати е Белият дом. Капитулация на британските войски в Йорктаун. Тържествено влизане на Вашингтон в Ню Йорк. Подписване на Декларацията за независимост на Съединените провинции.
„Култура на Просвещението” – патосът на дейността на Гьоте се противопоставя на филистерското примирение с действителността. 4. Енциклопедисти. Центрове на идеологията и философията на Просвещението са Франция, Англия и Германия. Просветителите виждат да се отърват от всички социални проблеми в разпространението на знания. Енциклопедистите вярвали, че „идеите“ влияят на реалния социален прогрес.
"Просвещение, класицизъм, сантиментализъм" - Хенри Филдинг. Усещане. Бетовен. Ограничение на ума. Образование. Дидро. Възходът на музикалното изкуство. Портрет на Лопухина. Т. Дж. Смолет. J.-J. Русо. Никола Боало. Джонатан Суифт. Франция. Как изглежда. Просвещение, класицизъм, сантиментализъм. Критик. същността на класицизма. Карло Гоци. класицизъм.
"Европа XVIII век" - Основната цел е господство в Балтийско море. вътрешна политическа структура. Д. Кантемир Арам Олег. Войните и революциите от 19-ти век не променят очертанията на европейските страни. обществото. Външна политика. ЕВРОПА през втората половина на 17 - 18 век.
В темата има общо 25 презентации
Бароковата музика е период в развитието на европейската академична музика, приблизително между 1600 и 1750 г. Бароковата музика се появява в края на Ренесанса и предшества музиката на класицизма. Барокови композитори са работили в различни музикални жанрове. Операта, която се появява през късния Ренесанс, се превръща в една от основните барокови музикални форми. Може да се припомнят произведенията на такива майстори на жанра като Алесандро Скарлати (1660-1725), Хендел, Клаудио Монтеверди и др. Ораториалният жанр достига своя връх в творчеството на Й. С. Бах и Хендел; оперите и ораториите често използват подобни музикални форми. Например, широко използваната ария да капо. Форми на свещена музика като меса и мотет стават по-малко популярни, но формата на кантата е обърната внимание от много протестантски композитори, включително Йохан Бах. Развиват се такива виртуозни форми на композиция като токатите и фуги.
Писани са инструментални сонати и сюити както за отделни инструменти, така и за камерни оркестри. Концертният жанр се появява и в двете си форми: за един инструмент с оркестър и като concerto grosso, в който малка група солови инструменти контрастира с пълен ансамбъл. Великолепието и великолепието на много кралски дворове бяха прибавени и от произведения под формата на френска увертюра, с контрастиращите им бързи и бавни части.
Пиеси за клавиатура доста често са писани от композитори за собствено забавление или като учебен материал. Такива произведения са зрелите композиции на Й. С. Бах, всеобщо признатите интелектуални шедьоври от епохата на барока: Добре темперираният клавир, Вариациите на Голдберг и Изкуството на фугата.
17. Музика на Просвещението (реализъм, романтизъм, импресионизъм).
През епохата на Просвещението настъпва безпрецедентен възход на музикалното изкуство. След реформата, извършена от К. В. Глук (1714–1787), операта се превръща в синтетично изкуство, съчетаващо музика, пеене и сложно драматично действие в едно представление. Ф. Дж. Хайдн (1732–1809) издига инструменталната музика до най-високото ниво на класическото изкуство. Върхът на музикалната култура на Просвещението е творчеството на Й. С. Бах (1685–1750) и В. А. Моцарт (1756–1791). Просветителният идеал се проявява особено ярко в операта на Моцарт „Вълшебната флейта“ (1791), която се отличава с култа към разума, светлината и идеята за човека като венец на Вселената. Оперно изкуство от 18 век Оперната реформа от втората половина на 18 век. беше до голяма степен литературно движение. Негов родоначалник е френският писател и философ Ж. Ж. Русо.
18. Жанрово разнообразие на Ренесанса (барок, класицизъм).
В развитието на класицизма се отбелязват два исторически етапа. Израствайки от изкуството на Ренесанса, класицизмът на 17 век се развива едновременно с барока, отчасти в борба, отчасти във взаимодействие с него и през този период получава най-голямото си развитие във Франция. Късният класицизъм, свързан с Просвещението, от около средата на 18-ти до началото на 19-ти век, се свързва предимно с виенската класическа школа.
Сложната връзка между класицизма и барока поражда дискусия в началото на 20-ти век: много музиколози, предимно в Германия, разглеждат барока като единен стил в европейската музика между Ренесанса и Просвещението - приблизително до средата на 18 век, преди Й. С. Бах и Г. Ф. Хендел да бъдат включени. Във Франция, родното място на класицизма, някои музиколози, напротив, са склонни към твърде широко тълкуване на тази концепция, считайки бароковия стил за едно от специфичните прояви на класицизма.
Периодизацията на епохите се усложнява от факта, че в различните национални култури музикалните стилове се разпространяват по различно време; безспорно е, че в средата на 18 век класицизмът триумфира почти навсякъде. Тази посока включва по-специално реформистките опери на К. В. Глук, ранните виенски и манхаймски школи. Най-високите постижения на класицизма в музиката са свързани с дейността на виенската класическа школа - с творчеството на Й. Хайдн, В. А. Моцарт и Л. ван Бетовен.
Класицизмът като художествено направление се развива във Франция през първата половина на 17-ти век: интересът към античната култура, възникнал още през Ренесанса, който поражда имитация на древни модели в различни видове изкуство, в абсолютистка Франция се превръща в нормативен естетика, основана на Поетиката на Аристотел и допълваща я с редица специални строги изисквания.
Естетиката на класицизма се основава на вярата в рационалността и хармонията на световния ред, което се проявява във вниманието към баланса на части от произведението, внимателното довършване на детайлите и развитието на основните канони на музикалната форма. През този период окончателно се оформя сонатната форма, въз основа на развитието и противопоставянето на две контрастни теми, се определя класическата композиция на частите на сонатата от симфонията.
Федерална агенция за образованиеПермски държавен университет
Катедра по нова и най-нова история
Резюме по темата
Музика на Просвещението Франция
Изпълнено от: студент 3-та година
1 група IPF
Ефимова Марина
Въведение
Просвещението - интелектуално и духовно движение от края на XVII - началото на XIX век. в Европа и Северна Америка. Това е естествено продължение на хуманизма на Ренесанса и рационализма от началото на Новата епоха, които поставят основите на просвещенския мироглед: отхвърлянето на религиозния мироглед и призивът към разума като единствен критерий за познаване на човекът и обществото.
Франция става център на просветителското движение през 18 век. На първия етап на френското Просвещение главните фигури са Монтескьо (1689 - 1755) и Волтер (1694 - 1778). В трудовете на Монтескьо доктрината на Лок за върховенството на закона е доразвита. Волтер имаше различни политически възгледи. Той е идеологът на просветения абсолютизъм и се стреми да насади идеите на Просвещението в монарсите на Европа. Отличава се с ясно изразена антиклерикална дейност, противопоставя се на религиозния фанатизъм и лицемерие, църковния догматизъм и първенството на църквата над държавата и обществото. Дидро (1713 - 1784) и енциклопедистите играят главната роля във втория етап на френското Просвещение. Енциклопедия, или тълковен речник на науките, изкуствата и занаятите, 1751-1780 г. е първата научна енциклопедия, която очертава основните понятия в областта на физическите и математическите науки, природните науки, икономиката, политиката, инженерството и изкуството. В повечето случаи статиите бяха изчерпателни и отразяваха най-новото състояние на познанието.
Третият период изложи фигурата на J.-J. Русо (1712 - 1778). Той става най-видният популяризатор на идеите на Просвещението. Русо предлага свой собствен начин на политическата структура на обществото. Идеите на Русо намират своето по-нататъшно развитие в теорията и практиката на идеолозите на Великата френска революция.
Просвещението оказва силно влияние върху изкуството и културата на цяла Европа, и по-специално музиката на Франция като център на Просвещението.
Целта на това резюме е общ преглед на музиката на Франция по това време.
17-ти и началото на 18-ти век са един от значимите и блестящи периоди в историята на френската музика. Цял период в развитието на музикалното изкуство, свързан със „стария режим”, избледнява в миналото; епохата на последния Луи, епохата на класицизма и рококо беше към своя край. Започва епохата на Просвещението. Стиловете, от една страна, разграничени; от друга страна, те се наслояваха, сливаха се един с друг, образувайки странни хибриди, които трудно се анализираха. Интонационният облик и образната структура на френската музика бяха променливи и разнообразни. Но водещата тенденция, която вървеше в посока на предстоящата революция, се появи с неумолима яснота.
В края на XVII - началото на XVIII век. съд и става основен клиент за писане на музикални изпълнения (появява се монопол), като в резултат на това основната функция на френската музика от Просвещението е да обслужва нуждите на френския двор - танци и различни изпълнения.
Френската опера в известен смисъл е рожба на класицизма. Нейното раждане е важно събитие в историята на националната култура на страната, която до втората половина на 17 век почти не е познавала друго оперно изкуство, освен вносното италианско. Почвата на френската художествена култура обаче съвсем не беше чужда и безплодна за нея. Операта се основава на национални жанрово-исторически предпоставки и доста органично усвоява техните придобивки 2 .
Жан Батист Люли (1632 - 1687), композитор, цигулар, танцьор, диригент и учител от италиански произход, с право може да се счита за баща на френската опера; съветник и секретар на краля, на кралския дом и на короната на Франция; надзорник на музиката на Негово Величество.
На 3 март 1671 г. в Париж се състоя премиерата на първата френска опера „Помона“, написана от Пиер Перен и Робер Камбер. Дори не беше опера, а по-скоро пасторал, но имаше фантастичен успех сред публиката, издържайки в Оперната академия, за която Перин имаше 15-годишна кралска привилегия, 146 представления. Въпреки това Перин фалира и е изпратен в затвора. Люли, близък до краля, много фино усеща настроението на публиката и, което е по-важно, на краля. Той изоставя Молиер, през 1672 г. изкупува привилегията от Перен и, след като получава редица специални патенти от краля, получава пълен контрол върху френската оперна сцена.
Първата "трагедия, пусната на музика" е трагедията "Кадъм и Хърмаяни", написана по стихове на Филип Кино. Парцелът е избран от краля. Премиерата на операта се състоя на 27 април 1673 г.] в Пале Роял, след смъртта на Молиер, тя беше дадена на Люли. Основната особеност на неговите опери е особената изразителност на мелодиите: когато ги композира, Люли отива да гледа играта на големите трагични актьори. Той записва драматичното им рецитиране в ноти и след това го възпроизвежда в своите композиции. Сам си избира музиканти и актьори, възпитава ги. Сам репетира оперите си и сам ги дирижира с цигулка в ръце. Общо той композира и поставя 13 „трагедии в музиката“ в театъра: Кадъм и Хермиона (1673), Алцест (1674), Тезей (1675), Атис (1676), Изида (1677), Психея (1678, оперна версия). на комедия-балет 1671), Белерофонт (1679), Прозерпина (1680), Персей (1682), Фаетон (1683), Амадис (1684) ), „Роланд“ (1685) и „Армида“ (1687). Операта Ахил и Поликсена (1687) е завършена от Паскал Колас 3 след смъртта на Лули.
Първа трета на 18 век беше много трудно за оперното изкуство. Те могат да се нарекат времена на безвремие, естетическо объркване, своеобразна децентрализация на операта – както по отношение на управлението на операта, така и в художествено отношение. Големи творчески личности практически не се появяват 4 . Сред многото композитори, които са се изявявали в операта, най-значимият е Андре Кампра (1660 - 1744). След Лули той беше единственият композитор, който можеше да го замени, поне донякъде. Само появата на Рамо донякъде изтласква творбите на Кампра на заден план. Пастичо Кампра се радва на голям успех (тоест опери, съставени от откъси от опери на различни композитори, които имат най-голям успех) - „Fragments de Lulli“, „Telemaque ou les fragments des modernes“. От оригиналните творби на Кампра се откроява „La sérénade vénétienne ou le jaloux trompé“. Кампра е написал 28 произведения за сцената; Композира и кантати и мотети. 5
По времето на Луи XV във френската опера действат напълно различни и дори противоположно насочени сили: инерцията на героичното, създадена от класицизма от 17 век; влияния на изящно елегантно, тънко като бижута и често идилично рококо; новият, граждански и полемико-дидактичен класицизъм на драматурга Волтер и неговата школа; накрая, естетическите идеи на енциклопедистите (Д'Аламбер, Дидро и др.). В столичния театър се утвърждава така нареченият „версайски стил”, който запазва сюжета и схемата на класицизма, но ги разтваря в брилянтен, наряден дивертисмент и се отличава с особено изискан лукс на постановка: декори, реквизит, костюми и архитектурна декорация на аудиторията. Важен фактор за формирането на „версайския стил” с присъщата му хегемония на балета е формирането и усъвършенстването през първата половина на 18 век на нова френска школа за хореографско изкуство – школа, която прераства в изключително влиятелна културна и художествена сила и оказва силно влияние върху операта 6.
Друг френски композитор, който значително повлия върху музиката на Просвещението във Франция, е Жан Филип Рамо. Операта на Рамо е френска, а не италианска: музикалното развитие не се прекъсва, преходът от готови вокални номера към речитативи е изгладен. В оперите на Рамо вокалната виртуозност не заема централно място; имат много оркестрови интермедии и като цяло се отделя много внимание на оркестровата част през цялото време; хорове и разширени балетни сцени също са от съществено значение. В сравнение с по-късния класически оперен модел, Рамо има по-малко вокали и приблизително същото количество оркестър и хор. Мелодията на Рамо винаги следва текста, предавайки смисъла му по-точно от италианската ария; въпреки че беше отличен мелодист, вокалната линия в неговите опери по принцип е по-близка до речитатив, отколкото до кантилена. Основното изразно средство не е мелодията, а богатото и изразително използване на хармонията - това е оригиналността на оперния стил на Рамо. Композиторът използва в своите партитури възможностите на съвременния оркестър на Парижката опера: струнни, дървени духови, валдхорни и перкусии, като отделя специално внимание на дървените духови, тембрите на които създават оригинален оркестров привкус в оперите на Рамо. Хоровото писане варира в зависимост от сценичните ситуации, хоровете винаги са драматични и често приличат на танци. За безкрайните му танци и балетни сцени е характерно съчетанието на пластична красота с емоционална изразителност; именно хореографските фрагменти от оперите на Рамо веднага завладяват слушателя. Образният свят на този композитор е много богат и всяко от емоционалните състояния, дадени в либретото, е отразено в музиката. Така страстната изтощение е уловена например в клавирните пиеси Timide (La timide) и Разговорът на музите (L "Entretien des Muses), както и в много пасторални сцени от неговите опери и оперни балети 7.
Повечето от творбите на композитора са написани в древни, вече несъществуващи форми, но това не се отразява на високата оценка на неговото наследство. Рамо може да бъде поставен до Г. Пърсел, а що се отнася до съвременниците му, той е втори след Бах и Хендел. осем
Наследството на Рамо се състои от няколко десетки книги и редица статии по музика и акустична теория; четири тома клавирни пиеси (един от тях - Концертни пиеси - за клавир и флейта с виола да гамба); няколко мотета и солови кантати; 29 сценични композиции - опери, опера-балети и пасторали.
Рамо обяснява използването на съвременните за него акорди с помощта на хармонична система, произтичаща от физическата природа на звука, и в това отношение отива по-далеч от известния акустик Ж. Совьор. Вярно е, че теорията на Рамо, осветяваща същността на консонанса, оставя необясним дисонанса, който не се образува от елементите на обертоновата серия, както и възможността за намаляване на всички темперирани звуци в една октава.
Днес не теоретичните изследвания на Рамо, а неговата музика са от по-голямо значение. Композиторът работи едновременно с Й. С. Бах, Г. Ф. Хендел, Д. Скарлати и оцелява всички, но творчеството на Рамо се различава от музиката на великите му съвременници. Днес клавирните му пиеси са най-известни, но основната сфера на дейност на композитора е операта. Той получава възможността да работи в сценичните жанрове още на 50-годишна възраст и за 12 години създава основните си шедьоври - лирическите трагедии Иполит и Аризия (1733), Кастор и Полукс (1737) и Дардан (две издания - 1739 и 1744) ; опера-балети "Галантна Индия" (1735) и "Празници на Хебе" (1739); лирическа комедия "Платея" (1745). Рамо е композирал опери до 80-годишна възраст, като във всяка от тях има фрагменти, потвърждаващи славата му на голям музикален драматург 9 .
Идеите на енциклопедистите също изиграват значителна роля в подготовката на реформата на К. В. Глук, която води до създаването на нов оперен стил, който въплъщава естетическите идеали на третото съсловие в навечерието на Френската революция. Поставянето на оперите на Глук „Ифигения в Авлида” (1774), „Армида” (1777) и „Ифигения в Таврид” (1779) в Париж засилва борбата на посоките. Привържениците на старата френска опера, както и привържениците на италианската опера, които се противопоставят на Глук, му се противопоставят с традиционното творчество на Н. Пичини. Борбата между „глюкистите“ и „пичинистите“ (Глук излиза победител) отразява дълбоките идеологически промени, настъпили във Франция през втората половина на 18 век.
В оперите на Люли и Рамо се развива особен тип увертюра, наречена по-късно френска. Това е голяма и цветна оркестрова пиеса, състояща се от три части. Крайните части са бавни, тържествени, с изобилие от кратки пасажи и други изящни украшения на основната тема. За средата на парчето, като правило, се избираше бързо темпо (очевидно беше, че авторите брилянтно владееха всички техники на полифонията). Такава увертюра вече не беше мимолетен номер, под който шумно сядаха закъснели, а сериозна творба, която въведе слушателя в действие и разкри богатите възможности на звученето на оркестъра. От оперите френската увертюра скоро преминава в камерна музика и по-късно често се използва в произведенията на немските композитори Г. Ф. Хендел и Й. С. Бах. В областта на инструменталната музика във Франция основните постижения са свързани с клавира. Клавишната музика е представена от два жанра. Едно от тях са миниатюрни парчета, семпли, елегантни, изискани. В тях са важни малките детайли, опитите да се изобрази пейзаж или сцена със звуци. Френските клавесинисти създадоха специална мелодия, пълна с изящни декорации - мелизми (от гръцки "melos" - "песен", "мелодия"), които представляват "дантела" от кратки звуци, които могат да добавят дори една мъничка мелодия. Имаше много разновидности на мелизми; те бяха обозначени в нотния текст със специални знаци. Тъй като звукът на клавесина не се разтяга, често са необходими мелизми, за да се създаде непрекъснато звучаща мелодия или фраза. Друг жанр на френската клавирна музика е сюитата (от френска сюита - „ред“, „последователност“). Такова произведение се състоеше от няколко части - танцови пиеси, контрастни по характер; те се следваха един след друг. За всяка сюита бяха задължителни четири основни танца: алеманда, куранте, сарабанда и гиг. Сюитата може да се нарече международен жанр, тъй като включва танци от различни национални култури. Allemande (от френски allemande - "немски"), например, от немски произход, камбанки (от френски courante - "бягане") - италиански, родното място на sarabanda (испански zarabanda) - Испания, jig (на английски, jig) - Англия . Всеки от танците имаше свой характер, размер, ритъм, темп. Постепенно, освен тези танци, в сюитата започват да се включват и други номера - менует, гавот и др. Сюитният жанр намира зряло въплъщение в произведенията на Хендел и Бах 10 .
Френската революция също оказва голямо влияние върху музиката. През тези години комичната опера става широко разпространена (въпреки че първите комични опери се появяват още в края на 17 век 11) – предимно едноактни представления, базирани на народна музика. Този жанр беше много популярен сред хората - мотивите и думите на куплетите се запомняха лесно. Комичната опера също придобива популярност през 19 век. Но все пак най-популярният жанр несъмнено беше песента. Новата социална функция на музиката, породена от революционната ситуация, поражда масови жанрове, включително маршове и песни (Песента на Госек от 14 юли), композиции за няколко хора и оркестри (Lesueur, Megül). Създава патриотични песни. През годините на революцията (1789 - 1794) се появяват повече от 1500 нови песни. Музиката е частично заимствана от комични опери, народни песни от 16-17 век. 4 песни бяха особено обичани: „Saera” (1789), „The Camping Song” (1794), „Carmagnola” (1792) – името вероятно идва от името на италианския град Карманьола, където работещите бедни съставлявали мнозинството от населението, революционен химн „Марсилеза“; сега националният химн; композиран и пуснат на музика от Руже дьо Лил в Страсбург след обявяването на войната през април 1792 г. Под влияние на революционната идеология възникват нови жанрове - пропагандни изпълнения с помощта на големи хорови маси („Избраният от републиканците, или Празникът на разума“ Гретри, 1794 г.; „Триумфът на републиката, или Лагерът в Гранд Пре, Госек, 1793 г.), както и „спасителната опера”, изрисувана с романтиката на революционната борба срещу тиранията („Лодойска”, 1791 г. и „Водонос”, 1800 г., Керубини; „Пещерата” от Lesueur, 1793 г.) 12. Революционните трансформации засегнаха и системата на музикалното образование. Църковните училища (метризас) са премахнати, а през 1793 г. в Париж на базата на обединеното музикално училище на Националната гвардия и Кралското училище за пеене и рецитиране се създава Националният музикален институт (от 1795 г. - Консерваторията за музика и Рецитиране). Париж става най-важният център на музикалното образование.
Заключение
Френската музика от Просвещението се развива според самата епоха. Така френската комична опера от панаирна комедия с музика се превърна в утвърден музикален и театрален жанр със самостоятелно значение, представен от големи артистични фигури от различни личности, много жанрови разновидности и голям брой интересни, въздействащи произведения.
Музиката, както и преди, се развива едновременно в няколко направления - официална и народна. Абсолютизмът беше както катализатор, така и инхибитор на развитието на официалната - тоест операта, балета, въобще, театралната - музика, от една страна имаше държавна поръчка за писане и изпълнение на музика, от друга страна, държавни монополи , почти предотвратявайки развитието на нови композитори и тенденции.
Народната музика, от друга страна, получи широкото си разпространение благодарение на Великата френска революция в химни, маршове и песни, авторството на повечето от които сега е почти невъзможно да се установи, но които не са загубили своята културна стойност поради това.
Списък на използваната литература
К. К. Розеншилд Музиката във Франция от 17-ти - началото на 18-ти век, - М.: "Музика", 1979 г.
Енциклопедичен речник на Брокхаус и Ефрон (1890-1907).
Голяма съветска енциклопедия
Интернет ресурси:
В края на 17 век започва епохата на Просвещението, която обхваща целия следващ 18 век. Основните черти на това време са свободомислието и рационализмът. Имаше култура на Просвещението, която даде света
Философия
Цялата култура на Просвещението се основава на нови философски идеи, формулирани от мислителите от онова време. Основните майстори на мисълта са Джон Лок, Волтер, Монтескьо, Русо, Гьоте, Кант и някои други. Именно те определят духовната форма на 18-ти век (който също се нарича епохата на разума).
Адептите на Просвещението вярваха в няколко ключови идеи. Една от тях е, че всички хора са равни по природа, всеки човек има свои собствени интереси и нужди. За да се срещнете с тях, е необходимо да създадете хостел, който да е удобен за всички. Личността не възниква сама – тя се формира с времето поради факта, че хората притежават физическа и духовна сила, както и интелигентност. Равенството трябва преди всичко да се състои в равенство на всички пред закона.
Културата на Просвещението е култура на познанието, достъпно за всички. Водещите мислители вярваха, че само чрез разпространението на образованието може да се сложи край на социалните сътресения. Това е рационализмът – признаването на разума като основа на човешкото поведение и познание.
През епохата на Просвещението споровете за религията продължават. Отделянето на обществото от инертната и консервативна църква (предимно католическата) нараства. Сред образованите вярващи хора се е разпространила идеята за Бог, като за някакъв абсолютен механик, който въвежда ред в първоначално съществуващия свят. Благодарение на многобройните научни открития се разпространи гледната точка, че човечеството може да разкрие всички тайни на Вселената, а гатанките и чудесата са нещо от миналото.
Арт направления
Освен философия, съществува и художествена култура на Просвещението. По това време изкуството на Стария свят включва две основни области. Първият беше класицизмът. Въплъщава се в литературата, музиката, изобразителното изкуство. Това направление означавало следване на древните римски и гръцки принципи. Такова изкуство се отличава със симетрия, рационалност, целенасоченост и стриктно съответствие с формата.
В рамките на романтизма художествената култура на Просвещението отговаря на други искания: емоционалност, въображение и творческа импровизация на художника. Често се случваше в едно произведение да се съчетаят тези два противоположни подхода. Например, формата може да съответства на класицизма, а съдържанието - на романтизма.
Появиха се и експериментални стилове. Сантиментализмът се превърна във важно явление. Тя нямаше собствена стилистична форма, но именно с нея бяха отразени тогавашните представи за човешката доброта и чистота, която е дадена на хората от природата. Руската художествена култура през епохата на Просвещението, също като европейската, имаше свои ярки произведения, които принадлежаха към тенденцията на сантиментализма. Такава беше историята на Николай Карамзин "Бедната Лиза".
Култ към природата
Именно сантименталистите създават характерния за Просвещението култ към природата. Мислителите от 18-ти век търсят в него пример за онова красиво и добро нещо, към което човечеството е трябвало да се стреми. Въплъщение на един по-добър свят се оказаха активно появяващите се по това време в Европа паркове и градини. Те са създадени като перфектна среда за перфектни хора. Съставът им включваше художествени галерии, библиотеки, музеи, храмове, театри.
Просветителите вярвали, че новият "естествен човек" трябва да се върне в естественото си състояние - тоест природата. Според тази идея руската художествена култура по време на Просвещението (или по-скоро архитектурата) представя Петерхоф на съвременниците. По изграждането му са работили известните архитекти Леблон, Земцов, Усов, Кваренги. Благодарение на техните усилия на брега на Финския залив се появи уникален ансамбъл, който включваше уникален парк, великолепни дворци и фонтани.
Живопис
В живописта художествената култура на Европа на Просвещението се развива в посока на по-голям секуларизъм. Религиозното начало губеше почва дори в онези страни, където преди се чувстваше доста уверено: Австрия, Италия, Германия. Пейзажната живопис беше заменена от пейзаж на настроението, а интимен портрет замести церемониалния портрет.
През първата половина на 18 век френската култура на Просвещението поражда стила на рококо. Такова изкуство беше изградено върху асиметрия, беше подигравателно, игриво и претенциозно. Любимите герои на художниците от тази посока бяха вакханки, нимфи, Венера, Диана и други фигури от древната митология, а основните сюжети бяха любовни.
Ярък пример за френско рококо е творчеството на Франсоа Буше, наричан още „първият художник на краля“. Рисува театрални декори, илюстрации към книги, картини за богати къщи и дворци. Най-известните му платна са: “Тоалетната на Венера”, “Триумфът на Венера” и др.
Антоан Вато, напротив, се обърна повече към съвременния живот. Под негово влияние се развива стилът на най-великия английски портретист Томас Гейнсбъро. Неговите образи се отличаваха с духовност, духовна изтънченост и поезия.
Основният италиански художник от 18-ти век е Джовани Тиеполо. Този майстор на гравюри и стенописи се смята от историците на изкуството за последния голям представител на венецианската школа. В столицата на известната търговска република възниква и ведута - ежедневен градски пейзаж. Най-известните творци в този жанр са Франческо Гуарди и Антонио Каналето. Тези културни дейци от Просвещението оставиха след себе си огромен брой впечатляващи картини.
театър
18 век е златният век на театъра. През епохата на Просвещението тази форма на изкуство достига върха на своята популярност и разпространение. В Англия най-великият драматург е Ричард Шеридан. Най-известните му произведения „Пътуване до Скарбъроу“, „Училището за скандали“ и „Съперници“ осмива неморалността на буржоазията.
Театралната култура на Европа през епохата на Просвещението се развива най-динамично във Венеция, където работят 7 театъра наведнъж. Традиционният ежегоден градски карнавал привлече гости от целия Стар свят. Във Венеция е работил авторът на известната "Механа" Карло Голдони. Този драматург, който е написал общо 267 произведения, е уважаван и оценен от Волтер.
Най-известната комедия на 18 век е „Сватбата на Фигаро“, написана от великия французин Бомарше. В тази пиеса те намериха въплъщение на настроението на общество, което имаше негативно отношение към абсолютната монархия на Бурбоните. Няколко години след публикуването и първите постановки на комедията във Франция се случва революция, която сваля стария режим.
Европейската култура по време на Просвещението не е хомогенна. В някои страни техните собствени национални особености възникват в изкуството. Например немските драматурзи (Шилер, Гьоте, Лесинг) написаха най-забележителните си творби в жанра на трагедията. В същото време театърът на Просвещението се появява в Германия няколко десетилетия по-късно, отколкото във Франция или Англия.
Йохан Гьоте беше не само забележителен поет и драматург. Неслучайно го наричат "универсален гений" - познавач и теоретик на изкуството, учен, романист и специалист в много други области. Негови ключови произведения са трагедията „Фауст“ и пиесата „Егмонт“. Друга изключителна фигура на германското просвещение, не само написва "Измама и любов" и "Разбойници", но и оставя след себе си научни и исторически трудове.
Измислица
Основният литературен жанр на 18 век е романът. Благодарение на новите книги започва триумфът на буржоазната култура, заменяща предишната феодална стара идеология. Активно се публикуват творби не само на художествени писатели, но и на социолози, философи и икономисти.
Романът като жанр израства от образователната журналистика. С него мислителите от 18 век намират нова форма за изразяване на своите социални и философски идеи. Джонатан Суифт, който написа „Пътешествията на Гъливер“, вложи в творчеството си много алюзии за пороците на съвременното общество. Написва и „Приказката за пеперудата“. В тази брошура Суифт осмива тогавашните църковни порядки и раздори.
Развитието на културата през Просвещението може да се проследи до появата на нови литературни жанрове. По това време възниква епистоларният роман (роман в писма). Такава беше например сантименталната творба на Йохан Гьоте „Страданията на младия Вертер“, в която главният герой се самоубива, както и „Персийски писма“ на Монтескьо. Документалните романи се появяват в жанра на пътеписи или описания на пътувания (Пътуване във Франция и Италия от Тобиас Смолет).
В литературата културата на Просвещението в Русия следва заветите на класицизма. През 18 век работят поетите Александър Сумароков, Василий Тредиаковски, Антиохия Кантемир. Появиха се първите кълнове на сантиментализъм (споменатият вече Карамзин с „Бедната Лиза” и „Наталя, дъщерята на боляра”). Културата на Просвещението в Русия създава всички предпоставки руската литература, водена от Пушкин, Лермонтов и Гогол, да оцелее в своя златен век в началото на новия 19 век.
Музика
Именно през епохата на Просвещението се развива съвременният музикален език. Йохан Бах се смята за негов основател. Този велик композитор пише произведения във всички жанрове (изключението беше операта). Бах и днес се смята за ненадминат майстор на полифонията. Друг немски композитор Георг Хендел е написал повече от 40 опери, както и множество сонати и сюити. Той, подобно на Бах, черпи вдъхновение от библейски сюжети (типични са заглавията на произведенията: „Израел в Египет”, „Саул”, „Месия”).
Друг важен музикален феномен от онова време е виенската школа. Произведенията на нейните представители продължават да се изпълняват от академични оркестри и днес, благодарение на които съвременните хора могат да се докоснат до наследството, оставено от културата на Просвещението. 18-ти век се свързва с имената на такива гении като Волфганг Моцарт, Йозеф Хайдн, Лудвиг ван Бетовен. Именно тези виенски композитори преосмислиха старите музикални форми и жанрове.
Хайдн се смята за бащата на класическата симфония (той е написал повече от сто от тях). Много от тези произведения са базирани на народни танци и песни. Върхът в творчеството на Хайдн е цикълът от Лондонски симфонии, написани от него по време на пътуванията му в Англия. Културата на Просвещението и всеки друг период от човешката история рядко е давала толкова плодовити творци. Освен симфонии, на Хайдн се приписват 83 квартета, 13 меси, 20 опери и 52 клавирни сонати.
Моцарт не само пише музика. Той свири ненадминато на клавесин и цигулка, усвоил тези инструменти от ранна възраст. Неговите опери и концерти се отличават с голямо разнообразие от настроения (от поетични текстове до забавни). Основните произведения на Моцарт се считат за трите му симфонии, написани през същата 1788 г. (номера 39, 40, 41).
Друг велик класик, Бетовен, обичаше героичните сюжети, което беше отразено в увертюрите Егмонт, Кориолан и операта Фиделио. Като изпълнител той изумява съвременниците си, като свири на пиано. Бетовен е написал 32 сонати за този инструмент. Повечето от произведенията си композиторът създава във Виена. Притежава и 10 сонати за цигулка и пиано (най-известната е сонатата "Кройцер").
Бетовен претърпя сериозна загуба на слуха, причинена от него. Композиторът се самоубие и в отчаяние написва легендарната си Лунна соната. Въпреки това, дори ужасна болест не пречупи волята на художника. Преодолявайки собствената си апатия, Бетовен написва още много симфонични произведения.
Английско просвещение
Англия е родното място на европейското Просвещение. В тази страна по-рано от други, още през 17 век, се извършва буржоазна революция, която дава тласък на културното развитие. Англия се превърна в ярък пример за социален прогрес. Философът Джон Лок е един от първите и главни теоретици на либералната идея. Под влиянието на неговите съчинения е написан най-важният политически документ на Просвещението – Американската декларация за независимост. Лок вярва, че човешкото познание се определя от сетивното възприятие и опит, което опровергава популярната преди това философия на Декарт.
Друг важен британски мислител от 18-ти век е Дейвид Хюм. Този философ, икономист, историк, дипломат и публицист актуализира науката за морала. Неговият съвременник Адам Смит става основоположник на съвременната икономическа теория. Накратко, културата на Просвещението предшества много съвременни концепции и идеи. Работата на Смит беше точно това. Той е първият, който отъждествява значението на пазара със значението на държавата.
Мислители на Франция
Френските философи от 18 век са работили в опозиция на съществуващата тогава социална и политическа система. Русо, Дидро, Монтескьо – всички те протестираха срещу вътрешните заповеди. Критиката може да има различни форми: атеизъм, идеализиране на миналото (възхваляват се републиканските традиции на древността) и т.н.
35-томната „Енциклопедия” се превръща в уникален феномен на културата на Просвещението. Тя е съставена от основните мислители на епохата на разума. Жулиен Ла Метри, Клод Хелвеций и други видни интелектуалци от 18-ти век допринасят за отделните томове.
Монтескьо остро критикува произвола и деспотизма на властите. Днес той с право се смята за основоположник на буржоазния либерализъм. Волтер стана пример за изключителен ум и талант. Той е автор на сатирични стихотворения, философски романи, политически трактати. Два пъти мислителят влизаше в затвора, повече пъти трябваше да се крие в бягство. Именно Волтер създава модата за свободомислие и скептицизъм.
Германско просвещение
Германската култура от 18-ти век съществува в условията на политическа фрагментация на страната. Напредналите умове се застъпваха за отхвърлянето на феодалните останки и националното единство. За разлика от френските философи, немските мислители са били предпазливи по въпроси, свързани с църквата.
Подобно на руската култура на Просвещението, пруската култура се формира с прякото участие на автократичния монарх (в Русия това е Екатерина II, в Прусия - Фридрих Велики). Държавният глава твърдо подкрепяше напредналите идеали на своето време, въпреки че не се отказа от неограничената си власт. Тази система беше наречена „просветен абсолютизъм“.
Главният просветител на Германия през 18 век е Имануел Кант. През 1781 г. той публикува фундаменталния труд Критика на чистия разум. Философът разработва нова теория на познанието, изучава възможностите на човешкия интелект. Именно той обосновава методите на борба и правните форми за промяна на обществената и държавна система, изключвайки грубото насилие. Кант има значителен принос за създаването на теорията на правовата държава.
Тази статия може да служи като допълнителен материал за уроци по музика в 7-8 клас. Предлага материал за задълбочено изследване на музикалната култура на 17-18 век. В музиката от онази епоха се формира език, който впоследствие „ще говори“ цяла Европа.
Изтегли:
Визуализация:
"Музиката на Просвещението"
Движението на Просвещението оказва значително влияние върху музикалния живот. В музиката на 17-18 век. формира се онзи музикален език, на който впоследствие ще „говори“ цяла Европа. Първите са Йохан Себастиан Бах (1685-1750) и Георг Фридрих Хендел (1685-1759). Бах е велик композитор и органист, работил е във всички музикални жанрове с изключение на операта. Той довежда до съвършенство полифоничното изкуство, възникнало в Европа през Средновековието. Дълбочината на мисълта на Бах, чувствата му са напълно разкрити в органното творчество, звучи изповедта на душата. Сред шестте поколения Бахс почти всички са органисти, тромпетисти, флейтисти, цигуларисти, капелмайстори и кантори. Житейският път на един блестящ композитор е постоянна борба за правото да твори. Хендел, подобно на Бах, използва библейски сюжети за своите произведения.
През 18 век в редица страни (Италия, Германия, Австрия, Франция и др.) протичат процеси на формиране на нови жанрове и форми на инструменталната музика, които окончателно се оформят и достигат своя връх в т.нар. виенска класическа школа“.Виенската класическа школа, която органично поема напредналите постижения на националните музикални култури, сама по себе си е дълбоко национален феномен, вкоренен в демократичната култура на австрийския народ. Представители на това художествено направление бяха J. Haydn, V.A. Моцарт, Л. ван Бетовен. Всеки от тях беше ярка личност. И така, стилът на Хайдн се отличава с ярък мироглед, водеща роля на жанра и ежедневните елементи. За стила на Моцарт по-характерно е лирико-драматичното начало. Стилът на Бетовен е олицетворение на героичния патос на борбата. Въпреки това, наред с различията, които определят уникалността на индивидуалността на всеки от тези композитори, те са обединени от реализъм, животоутвърждаващ принцип и демократичност. Мисленето, ориентирано през епохата на Просвещението към рационализъм и абстрактно обобщение, води до появата на нови жанрове: СИМФОНИЯ, СОНАТА, КОНЦЕРТ. Тези жанрове приемат формата на сонатно-симфоничен цикъл, чието ядро е сонатното алегро. SONATA ALLEGRO е пропорционална и симетрична конструкция, състояща се от три основни раздела – експозиция, развитие и реприза.
Виенската класическа школа се характеризира с художествения стил на класицизма, който възниква във Франция през 17 век.Въз основа на идеите за редовността, рационалността на световния ред, майсторите на този стил се стремят към ясни и строги форми, хармонични модели и въплъщение на високи морални идеали. Те смятаха произведенията на древното изкуство за най-високите, ненадминати образци на художествено творчество, поради което развиваха древни сюжети и образи. Класицизмът в много отношения се противопоставя на барока с неговата страст, променливост, непоследователност, утвърждавайки своите принципи в различни видове изкуство, включително музика.Дейността на композиторите на виенската класическа школа е подготвена от художествения опит на техните предшественици и съвременници, включително италианската и френската оперна и инструментална култура, постиженията на немската музика. Огромна роля за формирането на виенската класическа школа изиграва музикалният живот на Виена - най-големият музикален център, музикалният фолклор на многонационална Австрия. Изкуството на виенските класици е тясно свързано с общия подем на австро-германската култура, с просвещението, което отразява хуманистичните идеали на третото съсловие в навечерието на Френската революция. Творческите идеи на виенските класици са тясно свързани с възгледите на Г.Е. Лесинг, И.Г. Хердер, И.В. Гьоте, Ф. Шилер, И. Кант, Г. Хегел, с някои положения на френските енциклопедисти.
Изкуството на представителите на виенската класическа школа се характеризира с универсалност на художественото мислене, последователност, яснота на художествената форма. В творбите им органично се съчетават чувства и интелект, трагично и комично, прецизна пресметливост и естественост, лекота на изразяване.Музиката на композиторите на виенската класическа школа е нов етап в развитието на музикалното мислене. Техният музикален език се характеризира със строг ред, съчетан с вътрешно разнообразие и богатство. Всеки от майсторите на виенската класическа школа имаше уникална личност. Хайдн и Бетовен бяха най-близо до сферата на инструменталната музика, Моцарт еднакво се доказа както в оперния, така и в инструменталния жанр. Хайдн гравитира повече към обективни фолклорни жанрови образи, хумор, шеги, Бетовен - към героизъм, Моцарт, като универсален художник - към различни нюанси на лирическия опит. Творчеството на композиторите на виенската класическа школа, която принадлежи към върховете на световната художествена култура, оказа огромно влияние върху по-нататъшното развитие на музиката.
Най-сложната форма на инструментална музика е СИМФОНИЯ (на гръцки „съзвучие“). Предназначена е за изпълнение от симфоничен оркестър. Възможностите на този жанр са големи: той ви позволява да изразявате философски и морални идеи с музикални средства, да говорите за чувства и преживявания. Жанрът се формира в средата на 18 век в творчеството на представители на виенската класическа школа. Композиторите разработиха сонатно-симфоничен цикъл в четири части, които се различават по характера на музиката, темпото и методите на развитие на темата. Първата част, изградена в сонатна форма и обикновено изпълнявана с бързи темпове, е изпълнена с драматично съдържание. Понякога се предшества от бавно въведение. Второто движение е бавно, съзерцателно; той е лирическият център на композицията. Третият е в контраст с втория: движеща се, жива музика е или танцуваща, или игрива. До началото на XIX век. композиторите са използвали формата на менуета (фр. menuet, от menu - „малък, малък“), общ салонен танц от 18 век. По-късно менуетът е заменен от скерцо (от италиански scherzo - „шега“) - това е името на малки вокални или инструментални произведения, бързи в темпо и игриви по съдържание. Четвъртото, обикновено бързо, движение е финалът на симфонията; тук са обобщени резултатите от развитието на темите и образите на произведението.Една от най-сложните и богати по съдържание музикални форми - сонатата, започва да се оформя през първата половина на 18 век. и придобива окончателния си вид през втората половина на века в творчеството на композитори от виенската класическа школа. СОНАТА ФОРМА е принципът на представяне на музикалния материал. Тя включва не механично редуване на части и участъци, а взаимодействие на теми и художествени образи. Темите – основни и второстепенни – или се противопоставят една на друга, или се допълват. Развитието на темите преминава през три етапа – изложение, развитие и рекапитулация. В изложението възникват теми (от лат. expositio - "представяне, показване"). Основният звучи в основния клавиш, който определя името на клавиша на цялата композиция. Вторичната тема обикновено се представя в различен тон – възниква контраст между темите. В развитието се извършва по-нататъшно развитие на темите. Те могат да влязат в остро взаимно противоречие. Понякога едното потиска другото или, обратно, отива в сянка, оставяйки на "съперника" пълна свобода на действие. И двете теми могат да се появят в различна светлина, например, те ще бъдат изпълнени от различен състав на инструменти или ще променят драматично характера. В реприза (френски reprise, от reprendre - „подновявам, повтарям“) темите на пръв поглед се връщат в първоначалното си състояние. Вторичната тема обаче звучи вече в основния тон, като по този начин се сближава с основната. Рекапитулацията е резултат от сложен път, към който темите се обогатяват от опита на изложението и развитието. Резултатите от разработката понякога са фиксирани в допълнителен раздел - код (от италиански coda - „опашка“), но е по избор. Сонатната форма обикновено се използва в първата част на сонатата и симфонията, а също (с незначителни промени) във втората част и във финала.
Един от основните жанрове на инструменталната музика е СОНАТА (италианска соната, от sonare - „да звучи“). Това е работа от няколко части (обикновено три или четири части). В творчеството на майсторите на виенската класическа школа сонатата, както и симфонията, достига своя връх. За разлика от симфонията, сонатата е предназначена или за един инструмент (обикновено пиано), или за два (единият от които е пиано). Първата част от произведенията от този жанр е написана в сонатна форма. Ето основните музикални теми на творбата. Второто движение, обикновено спокойно и бавно, рязко контрастира с първото. Третият е финалът, изпълняван с бързи темпове. Той обобщава и накрая определя общия характер на творбата.
Йозеф Хайдн се смята за основател на виенската класическа школа. Разцветът на такива жанрове като симфонията (той има сто и четири от тях, без да броим изгубените), струнния квартет (осемдесет и три) и клавирната соната (петдесет и две) се свързва с творчеството на Хайдн. . Композиторът обръща голямо внимание на концертите за различни инструменти, камерни ансамбли и духовна музика.
Франц Йозеф Хайдн е роден в село Рорау (Австрия) в семейството на файторис. От осемгодишна възраст започва да пее в параклиса „Свети Стефан“ във Виена. Бъдещият композитор трябваше да си изкарва прехраната с копиране на ноти, свирене на орган, клавир и цигулка. На седемнадесет години Хайдн губи гласа си и е изгонен от параклиса. Само четири години по-късно намира постоянна работа – получава работа като корепетитор на известния италиански оперен композитор Никола Порпора (1686-1768). Той оценява музикалния талант на Хайдн и започва да го учи на композиция. През 1761г Хайдн постъпва на служба на богатите унгарски принцове Естерхази и прекарва почти тридесет години в техния двор като композитор и ръководител на параклиса. През 1790г параклисът е разпуснат, но Хайдн запазва заплатата и длъжността капелмайстор. Това даде възможност на майстора да се установи във Виена, да пътува и да изнася концерти. През 90-те години. Дълго време Хайдн живее и работи плодотворно в Лондон. Той придоби европейска слава, творчеството му беше оценено от съвременниците - композиторът стана собственик на много почетни степени и титли. Йозеф Хайдн често е наричан "бащата" на симфонията. Именно в творчеството му симфонията се превръща във водещ жанр на инструменталната музика. В симфониите на Хайдн е интересно развитието на основните теми. Провеждайки една мелодия в различни тонове и регистри, придавайки й това или онова настроение, композиторът по този начин открива нейните скрити възможности, разкрива вътрешни противоречия: мелодията или се трансформира, или се връща в първоначалното си състояние. Хайдн имаше тънко чувство за хумор и тази черта на личността беше отразена в неговата музика. В много симфонии ритъмът на третата част (менует) е умишлено тежък, сякаш авторът се опитва да изобрази непохватните опити на обикновен човек да повтори елегантните движения на галантен танц. Остроумна симфония № 94 (1791). В средата на втората част, когато музиката звучи спокойно и тихо, внезапно се чуват удари на тимпани - така че слушателите „да не се отегчават“. Неслучайно творбата беше наречена „С битката на тимпаните, или Изненада“. Хайдн често използва звукоподражания (птици пеят, мечка броди из гората и т.н.). В симфониите композиторът често се обръща към народни теми.
На представителите на виенската класическа школа и преди всичко на Хайдн се приписва формирането на устойчив състав на симфоничния оркестър. Преди това композиторите се задоволяваха само с наличните в момента инструменти. Появата на стабилен състав на оркестъра е ясен знак за класицизма. По този начин звукът на музикалните инструменти беше въведен в строга система, която се подчинява на правилата за инструментиране. Тези правила се основават на познаване на възможностите на инструментите и предполагат, че звукът на всеки не е самоцел, а средство за изразяване на определена идея. Една стабилна композиция даде интегрално, хомогенно звучене на оркестъра.
Освен инструменталната музика, Хайдн обръща внимание на оперните и духовни композиции (създава редица меси под влиянието на Хендел), обръща се към жанра на ораторията (Сътворението на света, 1798 г.; Сезоните, 1801 г.).
От момента на появата си операта не познава прекъсвания в развитието си. Оперната реформа през втората половина на 18 век. беше до голяма степен литературно движение. Негов родоначалник е френският писател и философ Ж.Ж. Русо. Русо също изучава музика и ако във философията той призовава за връщане към природата, то в оперния жанр той се застъпва за връщане към простотата.Идеята за реформа витаеше във въздуха. Разцветът на различни видове комична опера беше един от симптомите; други са „Писмата за танци и балети“ на френския хореограф Ж. Новер (1727–1810), които развиват идеята за балета като драма, а не просто спектакъл. Човекът, който оживи реформата, беше К.В. Глук (1714–1787). Подобно на много революционери, Глук започва като традиционалист. В продължение на няколко години той поставя една след друга трагедии в стар стил и се насочва към комичната опера по-скоро под натиска на обстоятелствата. Операта във Виена е разделена на три основни направления. Водещо място заема сериозната италианска опера (Italian opera seria), където класическите герои и богове живеят и умират в атмосфера на висока трагедия. По-малко официална беше комичната опера (opera buffa), базирана на сюжета на Арлекин и Колумбина от италианската комедия (commedia dell "arte), заобиколена от безсрамни лакеи, техните овехтели господари и всякакви мошеници и мошеници. Заедно с тези италиански форми, се развива немската комична опера (singspiel), чийто успех вероятно се дължи на използването на неговия роден немски език, достъпен за широката публика. опера, чиито сюжети не бяха заглушени от дълги солови арии, които забавяха развитието на действието и служиха за певците само като повод да демонстрират силата на гласа си.
Със силата на своя талант Моцарт съчетава тези три посоки. Като тийнейджър той пише по една опера от всеки тип. Като зрял композитор, той продължава да работи и в трите посоки, въпреки че традицията в оперните сериали избледнява.Творчеството на Моцарт заема специално място във виенската класическа школа. В неговите произведения класическата строгост и яснота на формите се съчетават с дълбока емоционалност. Музиката на композитора е близка до онези тенденции в културата от втората половина на 18 век, които са адресирани към човешките чувства („Буря и дрънг“, отчасти сантиментализъм). Именно Моцарт пръв показа непоследователността на вътрешния свят на индивида.
Волфганг Амадеус Моцарт е роден в Залцбург (Австрия). Притежавайки феноменално музикално ухо и памет, той се научава да свири на клавесин от ранна възраст, а на петгодишна възраст пише първите си композиции. Първият учител на бъдещия композитор е баща му Леополд Моцарт, музикант в параклиса на Залцбургския архиепископ. Моцарт майсторски притежаваше не само клавесина, но и органа и цигулката; Той беше известен като брилянтен импровизатор. От шестгодишен обикаля Европа. На единадесет той създава първата опера Аполон и Зюмбюл, а на четиринадесет вече дирижира в Миланския театър на премиерата на собствената си опера Митридат, кралят на Понт. Приблизително по същото време е избран за член на Филхармоничната академия в Болоня. Подобно на много музиканти от онази епоха, Моцарт е на съдебната служба (1769-1781) - той е корепетитор и органист на архиепископа на град Залцбург. Въпреки това, независимият характер на майстора предизвика рязко недоволство на архиепископа и Моцарт избра да напусне службата. От изключителните композитори от миналото той стана първият, който избра живота на свободен артист. През 1781г Моцарт се мести във Виена, има семейство. Той печели пари от редки издания на свои собствени композиции, уроци по пиано и изпълнения (последните послужиха като стимул за създаване на клавирни концерти). Моцарт обърна специално внимание на операта. Творбите му са цяла епоха в развитието на този вид музикално изкуство. Операта привлече композитора с възможността да покаже взаимоотношенията на хората, техните чувства и стремежи. Моцарт не се стреми да създаде нова оперна форма - самата му музика е новаторска. В зрели произведения композиторът изоставя стриктното разграничение между сериозна и комична опера - появява се музикално-драматично представление, в което тези елементи се преплитат. В резултат на това в оперите на Моцарт няма уникално положителни и отрицателни герои, героите са живи и многостранни, не са свързани. Моцарт често се обръща към литературни източници. Така че операта „Сватбата на Фигаро“ (1786) е написана по пиесата на френския драматург П.О. Лудият ден на Бомарше, или Бракът на Фигаро, който беше забранен от цензурата. Основната тема на операта е любовта, което обаче може да се каже за всички произведения на Моцарт. В творбата обаче има и социален подтекст: Фигаро и любимата му Сузана са умни и енергични, но са от скромен произход, но само слуги в къщата на граф Алмавива. Тяхното противопоставяне на господаря (глупав и заблуден аристократ) предизвиква симпатиите на автора – съвсем очевидно е, че той е на страната на влюбените. В операта "Дон Джовани" (1787) средновековна история за покорител на женски сърца получава музикално въплъщение. Енергичен, темпераментен, своеволен и свободен от всякакви морални стандарти, героят се противопоставя в лицето на командира от висша сила, олицетворяваща разумен ред. Философското обобщение съжителства тук с любовни интриги и жанрови елементи. Трагичното и комичното образуват неразривно единство. Тази особеност на операта е подчертана от самия автор, давайки на творбата си подзаглавието „Весела драма“. Изглежда, че справедливостта триумфира на финала - порокът (Дон Жуан) е наказан. Но музиката на операта е по-фина и по-сложна от такова опростено разбиране на творбата: тя предизвиква у слушателя съчувствие към героя, който остава верен на себе си дори пред лицето на смъртта. Философската притча-притча "Вълшебната флейта" (1791) е написана в жанра зингшпил. Основната идея на творбата е неизбежността на победата на доброто над злото, призив за сила на духа, за любов, за разбиране на неговия висш смисъл. Героите на операта са подложени на сериозни изпитания (тишина, огън, вода), но ги преодоляват с достойнство и достигат до царството на красотата и хармонията.
Моцарт смяташе музиката за основна, въпреки че беше много взискателен към текста на либретото. В неговите опери ролята на оркестъра се увеличава значително. Именно в оркестровата част често се разкрива отношението на автора към героите: или проблясва подигравателен мотив, или се появява красива поетична мелодия. За внимателния слушател тези подробности говорят повече от текста. Ариите остават основните портретни характеристики, а взаимоотношенията на героите са описани във вокални ансамбли. Композиторът успя да предаде в ансамблите особеностите на характера на всеки герой.Моцарт става и един от основателите на класическия жанр КОНЦЕРТ. Концертът се основава на съревнованието между солист и оркестър, като този процес винаги е подчинен на строга логика. Композиторът притежава двадесет и седем концерта за пиано и оркестър, седем за цигулка и оркестър. В някои произведения слушателят е поразен от виртуозност, празничност, в други от драматизъм и емоционални контрасти. Интересите на майстора не се ограничаваха само до операта и инструменталната музика. Създава и духовни произведения: меси, кантати, оратории, реквиеми. Музиката на реквиема (1791), предназначена за солисти, хор и оркестър, е дълбоко трагична (Моцарт работи върху композицията, когато вече е бил болен, всъщност преди смъртта си). Части от композицията, напомнящи оперни арии и ансамбли, правят музиката много емоционална, а полифоничните (предимно „Господи, помилуй!”) олицетворяват духовното начало, висшата справедливост. Основният образ на реквиема е страдащ човек в лицето на тежката Божествена справедливост. Майсторът нямаше време да завърши реквиема, той беше финализиран според скиците на композитора от неговия ученик Ф.К. Сусмайр.
Исторически, творчеството на Лудвиг ван Бетовен (1770-1827) принадлежи към виенската школа, чиито естетически идеали се формират в епохата на Френската буржоазна революция. В това отношение героичната тема навлезе в творчеството му. „Музиката трябва да удари огън от човешките гърди“ – това са думите на немския композитор Лудвиг ван Бетовен, чиито произведения принадлежат към най-високите постижения на музикалната култура.В музикално отношение творчеството му, от една страна, продължава традициите на виенския класицизъм, от друга страна, улавя чертите на новото романтично изкуство. От класицизма в произведенията на Бетовен - възвишеност на съдържанието, отлично владеене на музикални форми, обръщение към жанровете симфония и соната. От романтизма - смел експеримент в областта на тези жанрове, интерес към вокални и пиано миниатюри. Лудвиг ван Бетовен е роден в Бон (Германия) в семейството на придворен музикант. Започва да учи музика от ранно детство под ръководството на баща си. Истинският наставник на Бетовен обаче е композиторът, диригентът и органистът К.Г. Наос. Той научи младия музикант на основите на композицията, научи го да свири на клавир и орган. От единадесетгодишна възраст Бетовен служи като помощник органист в църквата, след това придворен органист, концертмайстор в Операта в Бон. На осемнадесет години той постъпва във Философския факултет на университета в Бон, но не го завършва и впоследствие се занимава много с самообразование. През 1792г Бетовен се премества във Виена. Взима уроци по музика от Й. Хайдн, И.Г. Албрехтсбергер, А. Салиери (най-големите музиканти от онази епоха). Албрехтсбергер запозна Бетовен с произведенията на Хендел и Бах. Оттук и брилянтните познания на композитора за музикалните форми, хармонията и полифонията. Скоро Бетовен започва да изнася концерти; стана популярен. Той беше разпознат по улиците, поканен на тържествени приеми в къщите на високопоставени лица. Композира много: пише сонати, концерти за пиано и оркестър, симфонии.
Дълго време никой не предполагаше, че Бетовен е поразен от тежка болест - той започва да губи слуха си. Убеден в неизлечимостта на болестта, композиторът решава да умре и през 1802г. изготвил завещание, където обяснил мотивите за решението си. Въпреки това Бетовен успя да преодолее отчаянието и намери сили да пише музика по-нататък. Изходът от кризата е Третата („Героична“) симфония. През 1803-1808г. композиторът работи и върху създаването на сонати; по-специално, Девета за цигулка и пиано (1803 г.; посветена на парижкия цигулар Рудолф Кройцер, поради което се нарича "Кройцер"), Двадесет и трета ("Appassionata") за пиано, Пета и Шеста симфонии (и двете 1808 г.) . Шестата ("Пасторална") симфония има подзаглавие "Спомени от селския живот". Тази творба изобразява различни състояния на човешката душа, която временно е отстранена от вътрешните преживявания и борба. Симфонията предава чувства, породени от съприкосновението със света на природата и селския живот. Структурата му е необичайна - пет части вместо четири. В симфонията има елементи на фигуративност, звукоподражаемост (птици пеят, гърми гърми и др.). Находките на Бетовен впоследствие са използвани от много романтични композитори. Върхът на симфоничното творчество на Бетовен е Деветата симфония. Тя е замислена през далечната 1812 г., но композиторът работи върху нея от 1822 до 1823 г. Симфонията е грандиозна по мащаб; особено необичаен е финалът, който е нещо като голяма кантата за хор, солисти и оркестър, написана по текста на одата „На радост“ от Дж. Ф. Шилер. Премиерата на симфонията се състоя през 1825 г. във Виенската опера. За изпълнението на замисъла на автора театралният оркестър не беше достатъчен, те трябваше да поканят аматьори: двадесет и четири цигулки, десет виоли, дванадесет виолончела и контрабаси. За един виенски класически оркестър подобна композиция беше необичайно мощна. Освен това всяка хорова партия (бас, тенор, алт и сопран) включваше двадесет и четири певци, което също надвишава обичайните норми. По време на живота на Бетовен, Деветата симфония остава неразбираема за мнозина; възхищаваха го само онези, които познават отблизо композитора, неговите ученици и слушатели, просветени в музиката. С течение на времето най-добрите оркестри в света започнаха да включват симфонията в репертоара си и тя намери нов живот.
И така, върхът в развитието на музикалния класицизъм е делото на Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт и Лудвиг ван Бетовен. Те работят основно във Виена и формират направление в музикалната култура от втората половина на 18 – началото на 19 век – виенската класическа школа. Имайте предвид, че класицизмът в музиката в много отношения не е подобен на класицизма в литературата, театъра или живописта. В музиката е невъзможно да се разчита на древни традиции, тъй като те са почти непознати. Освен това съдържанието на музикалните композиции често се свързва със света на човешките чувства, които не подлежат на строг контрол на ума. Композиторите от виенската класическа школа обаче създават много хармонична и логична система от правила за изграждане на произведение. Благодарение на такава система най-сложните чувства бяха облечени в ясна и съвършена форма. Страданието и радостта станаха за композитора предмет на размисъл, а не на преживяване. И ако в други видове изкуство законите на класицизма в началото на XIX век. изглеждаше остаряло за мнозина, тогава в музиката системата от жанрове, форми и правила на хармония, разработена от виенската школа, запазва своето значение и до днес.
