Изобразителното изкуство може да даде цяла гама от емоции. Някои снимки ви карат да ги гледате с часове, докато други буквално шокират, учудват и взривяват мирогледа ви. Има такива шедьоври, които те карат да се замислиш и да търсиш таен смисъл. Някои картини са обвити в мистични мистерии, докато в други основното е тяхната изключително висока цена.
В историята на световната живопис има много странни картини. В нашата класация умишлено няма да споменем Салвадор Дали, който беше майстор в този жанр и чието име идва на ум първо. И въпреки че самата концепция за странност е субективна, могат да се откроят онези добре познати произведения, които очевидно са извън обичайното.
Едвард Мунк "Викът"Творбата с размери 91х73,5 см е създадена през 1893г. Мунк я рисува с маслени бои, пастели и темпера, днес картината се съхранява в Националната галерия в Осло. Творението на художника се превърна в забележителност за импресионизма, като цяло е една от най-известните картини в света днес. Самият Мунк разказва историята на създаването му: „Вървях по пътеката с двама приятели. По това време слънцето залязваше. Изведнъж небето стана кървавочервено, спрях, чувствайки се изтощен, и се облегнах на оградата. Погледнах кръвта и пламъците над синкавия "черен фиорд и град. Приятелите ми продължиха, а аз стоях там, треперейки от вълнение, усещайки безкрайния вик, пронизващ природата." Има две версии на тълкуването на начертаното значение. Може да се смята, че изобразеният герой е обзет от ужас и тихо крещи, притискайки ръце към ушите си. Друга версия гласи, че мъжът си е запушил ушите от крясъците около него. Общо Мунк създава цели 4 версии на "Викът". Някои експерти смятат, че тази картина е класическа проява на маниакално-депресивната психоза, от която страда художникът. Когато Мунк беше лекуван в клиниката, той не се върна към това платно.
Пол Гоген "Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?".В Бостънския музей за изящни изкуства можете да намерите тази импресионистична творба с размери 139,1 x 374,6 см. Тя е рисувана с маслени бои върху платно през 1897-1898 г. Тази дълбока творба е написана от Гоген в Таити, където той се оттегля от суматохата на парижкия живот. Картината стана толкова важна за художника, че в края й той дори искаше да се самоубие. Гоген вярваше, че тя е главата и раменете на най-доброто, което е създал преди. Художникът вярваше, че вече не може да създаде нещо по-добро или подобно, просто нямаше към какво повече да се стреми. Гоген живя още 5 години, доказвайки истинността на своите преценки. Самият той каза, че основната му снимка трябва да се гледа от дясно на ляво. На нея има три основни групи фигури, които олицетворяват въпросите, с които е озаглавено платното. Три жени с дете показват началото на живота, в средата хората символизират зрелостта, докато старостта е представена от възрастна жена, която чака смъртта си. Изглежда, че се е примирила с това и мисли за нещо свое. В краката й има бяла птица, символизираща безсмислието на думите.
Пабло Пикасо "Герника"Творението на Пикасо се съхранява в музея на Рейна София в Мадрид. Голяма картина с размери 349 на 776 см е нарисувана с маслени бои върху платно. Това платно-фреска е създадено през 1937г. Картината разказва за нападението на фашистки пилоти-доброволци над град Герника. В резултат на тези събития градът с население от 6 хиляди души беше напълно изтрит от лицето на земята. Художникът създава тази картина само за месец. В ранните дни Пикасо работи по 10-12 часа, още в първите му скици вече се вижда основната идея. В резултат на това картината се превърна в една от най-добрите илюстрации на всички ужаси на фашизма, жестокостта и човешката скръб. В "Герника" може да се разгледа сцена на жестокост, насилие, смърт, страдание и безпомощност. Въпреки че причините за това не са изрично посочени, те са ясни от историята. Говори се, че през 1940 г. Пабло Пикасо дори е бил извикан в Гестапо в Париж. Веднага го попитаха: "Ти ли го направи?". На което художникът отговори: „Не, ти го направи“.
Ян ван Ейк "Портрет на Арнолфините".Тази картина е нарисувана през 1434 г. с масло върху дърво. Размерите на шедьовъра са 81,8х59,7 см и се съхранява в Лондонската национална галерия. Предполага се, че картината изобразява Джовани ди Николао Арнолфини със съпругата си. Творбата е една от най-трудните в западната живописна школа по време на Северния Ренесанс. Тази известна картина има огромен брой символи, алегории и различни улики. Какво е само подписът на художника "Ян ван Ейк беше тук". В резултат на това картината не е просто произведение на изкуството, а истински исторически документ. В крайна сметка той изобразява реално събитие, което ван Ейк е заснел. Тази снимка наскоро стана много популярна в Русия, тъй като приликата на Арнолфини с Владимир Путин се забелязва с просто око.
Михаил Врубел "Седнал демон".Третяковската галерия съхранява този шедьовър на Михаил Врубел, рисуван с маслени бои през 1890 г. Размерите на платното са 114х211 см. Демонът, изобразен тук, е изненадващ. Той изглежда като тъжен млад мъж с дълга коса. Обикновено хората не си представят злите духове по този начин. Самият Врубел каза за най-известното си платно, че според неговото разбиране демонът не е толкова зъл дух, колкото страдащ. В същото време човек не може да му отрече авторитет и величие. Демонът на Врубел е образ преди всичко на човешкия дух, царуващ в нас на постоянна борба със себе си и съмнения. Това създание, заобиколено от цветя, трагично сключи ръце, огромните му очи гледат тъжно в далечината. Цялата композиция изразява ограничеността на фигурата на демона. Сякаш той е притиснат в това изображение между горната и долната част на рамката на картината.
Василий Верещагин "Апотеозът на войната".Картината е нарисувана през 1871 г., но в нея авторът сякаш е предвидил ужасите на бъдещите световни войни. Размер на платното 127x197 см се съхранява в Третяковската галерия. Верещагин се смята за един от най-добрите баталисти в руската живопис. Той обаче не пише войни и битки, защото ги обича. Художникът се опита да предаде на хората своето негативно отношение към войната с помощта на изобразителното изкуство. Веднъж Верешчагин дори обеща да не пише повече бойни картини. В крайна сметка художникът приемаше твърде близо до сърцето си скръбта на всеки ранен и убит войник. Резултатът от такова сърдечно отношение към тази тема беше "Апотеозът на войната". Ужасна и омайваща картина изобразява планина от човешки черепи на поле с гарвани наоколо. Верешчагин създаде емоционално платно, зад всеки череп в огромна купчина може да се проследи историята и съдбата на личности и хора, близки до тях. Самият художник саркастично нарича тази картина натюрморт, защото изобразява мъртва природа. Всички детайли на "Апотеозата на войната" крещят за смърт и празнота, това се вижда дори на жълтия фон на земята. А синьото на небето само подчертава смъртта. Идеята за ужасите на войната се подчертава от дупки от куршуми и следи от саби върху черепите.
Грант Ууд "Американска готика".Тази малка картина е с размери 74 на 62 см. Създадена е през 1930 г. и сега се съхранява в Института по изкуствата в Чикаго. Картината е един от най-известните образци на американското изкуство от миналия век. Вече в наше време името на "американската готика" често се споменава в медиите. Картината изобразява доста мрачен баща и дъщеря му. Много подробности говорят за строгостта, пуританството и твърдостта на тези хора. Те имат недоволни лица, в средата на картината се появяват агресивни вили, а облеклото на двойката е старомодно дори за тогавашните стандарти. Дори шевът на дрехите на фермера следва формата на вилата, удвоявайки заплахата за онези, които посегнат на начина му на живот. Детайлите на картината могат да се изучават безкрайно, физически да се чувствате дискомфорт. Интересното е, че по едно време на конкурс в Института по изкуствата в Чикаго картината беше приета от съдиите като хумористична. Но хората от Айова обидиха художника, защото ги постави в толкова неприятна перспектива. Моделът на жената беше сестрата на Ууд, но зъболекарят на художника стана прототип на ядосания мъж.
Любителите на Рене Магрит.Картината е нарисувана през 1928 г. с маслени бои върху платно. В този случай има два варианта. На една от тях мъж и жена се целуват, само главите им са увити в бяла кърпа. В друга версия на картината влюбените гледат към зрителя. Начертан и изненадва, и очарова. Фигури без лица символизират слепотата на любовта. Известно е, че влюбените не виждат никого наоколо, но ние не можем да видим истинските им чувства. Дори един за друг, тези хора, заслепени от чувства, всъщност са мистерия. И въпреки че основното послание на картината изглежда ясно, "Любовниците" все още ви карат да ги гледате и да мислите за любовта. В Магрит като цяло почти всички картини са пъзели, които са напълно невъзможни за решаване. В крайна сметка тези платна повдигат основните въпроси за смисъла на нашия живот. В тях художникът говори за илюзорността на това, което виждаме, че около нас има много мистериозни неща, които се опитваме да не забелязваме.
Марк Шагал "Разходка".Картината е нарисувана с маслени бои върху платно през 1917 г. и сега се съхранява в Държавната Третяковска галерия. В творбите си Марк Шагал обикновено е сериозен, но тук той си позволи да покаже чувства. Картината изразява личното щастие на художника, изпълнена е с любов и алегории. Неговата "Разходка" е автопортрет, където Шагал изобразява съпругата си Бела до него. Избраницата му се рее в небето, на път е да завлече и артиста, който вече е почти над земята, докосвайки я само с върховете на обувките си. В другата ръка на мъжа има синигер. Можем да кажем, че така е изобразил щастието си Шагал. Той има жерав в небето под формата на любима жена и синигер в ръцете си, с което разбира работата си.
Йероним Бош „Градината на земните удоволствия“.Това платно с размери 389x220 см се съхранява в испанския музей Право. Бош рисува маслената картина върху дърво между 1500 и 1510 г. Това е най-известният триптих на Бош, въпреки че картината има три части, тя е кръстена на централната, посветена на сладострастието. Значението на странната картина непрекъснато се обсъжда, няма такава интерпретация, която да бъде призната за единствената вярна. Интересът към триптиха се проявява поради множеството малки детайли, които изразяват основната идея. Има полупрозрачни фигури, необичайни структури, чудовища, кошмари и видения, които са се сбъднали, и адски вариации на реалността. Художникът успя да погледне на всичко това с остър и търсещ поглед, като успя да комбинира различни елементи в едно платно. Някои изследователи се опитаха да видят в картината отражение на човешкия живот, което авторът показа напразно. Други намериха образи на любовта, някой намери триумфа на сладострастието. Съмнително е обаче авторът да се е опитвал да прослави плътските удоволствия. В края на краищата фигурите на хората са изобразени със студена отстраненост и невинност. Да, и църковните власти реагираха доста благоприятно на тази картина на Бош.
Густав Климт "Три епохи на жената"Тази картина се съхранява в Националната галерия за модерно изкуство в Рим. Квадратното платно с ширина 180 см е нарисувано с маслени бои върху платно през 1905 г. Тази картина изразява едновременно радост и тъга. Художникът в три фигури успя да покаже целия живот на една жена. Първият, още дете, е изключително безгрижен. Зрялата жена изразява мир, а последната възраст символизира отчаянието. В същото време средната възраст е органично вплетена в орнамента на живота, а старата се откроява забележимо на нейния фон. Ясният контраст между младата жена и възрастните хора е символичен. Ако разцветът на живота е придружен от множество възможности и промени, то последната фаза е фаза на вкоренено постоянство и конфликт с реалността. Такава картина привлича вниманието и ви кара да мислите за намерението на художника, неговата дълбочина. Той съдържа целия живот с неговата неизбежност и метаморфози.
Егон Шиле "Семейство".Това платно с размери 152,5x162,5 cm е рисувано с маслени бои през 1918 г. Сега се съхранява във виенския Белведере. Учителят на Шиле беше самият Климт, но ученикът не се опитваше усърдно да го копира, търсейки свои собствени методи на изразяване. Смело можем да кажем, че творчеството на Шиле е дори много по-трагично, страшно и странно от това на Климт. Някои елементи днес биха се нарекли порнографски, тук има много различни извращения, натурализмът присъства в цялата му красота. В същото време снимките са буквално пропити с някакво болезнено отчаяние. Върхът в творчеството на Шиле и най-новата му картина е Семейството. В това платно отчаянието е доведено до максимум, докато самата работа се оказа най-малко странна за автора. След като бременната съпруга на Шиле умира от испански грип и малко преди смъртта му, този шедьовър е създаден. Само 3 дни изминаха между двете смъртни случаи, те бяха достатъчни, за да може художникът да изобрази себе си със съпругата си и нероденото си дете. По това време Шиле е само на 28 години.
Фрида Кало "Двете Фриди"Картината е родена през 1939 г. Мексиканската художничка Фрида Кало стана известна след излизането на филм за нея със Салма Хайек в главната роля. Основата на творчеството на художника бяха нейните автопортрети. Самата тя обясни този факт по следния начин: „Пиша себе си, защото прекарвам много време сама и защото аз съм темата, която познавам най-добре“. Интересно е, че Фрида не се усмихва на нито едно от платната си. Лицето й е сериозно, дори някак тъжно. Слятите плътни вежди и едва забележим мустак над стиснатите устни изразяват максимална сериозност. Идеите на картините се крият във фигурите, фона и детайлите на това, което заобикаля Фрида. Символиката на картините се основава на националните традиции на Мексико, тясно преплетени със старата индианска митология. "Две Фриди" е една от най-добрите картини на мексиканеца. Той показва по оригинален начин мъжкото и женското начало, които имат една кръвоносна система. Така художникът показа единството и целостта на тези две противоположности.
Клод Моне "Мостът Ватерло. Ефект на мъгла".В Ермитажа в Санкт Петербург можете да намерите тази картина на Моне. Нарисувана е с маслени бои върху платно през 1899 г. При внимателно разглеждане на снимката тя изглежда като лилаво петно с дебели щрихи, нанесени върху него. Въпреки това, отдалечавайки се от платното, зрителят разбира цялата му магия. Отначало стават видими неясни полукръгове, минаващи през центъра на картината, появяват се очертанията на лодките. И от разстояние от няколко метра вече можете да видите всички елементи на картината, които са свързани в логическа верига.
Джаксън Полък "Номер 5, 1948".Полок е класика на жанра на абстрактния експресионизъм. Най-известната му картина е най-скъпата в света. И художникът го рисува през 1948 г., като просто излива маслена боя върху фибран с размери 240x120 см на пода. През 2006 г. тази картина беше продадена на Sotheby's за 140 милиона долара. Предишният собственик, колекционер и филмов продуцент Дейвид Гифен, го продаде на мексиканския финансист Дейвид Мартинез. Полок каза, че е решил да се отдалечи от познатите инструменти на художника като статив, бои и четки. Инструментите му бяха пръчки, ножове, лопати и боя за изливане. Той също така използва смес от него с пясък или дори счупено стъкло. Започва да твори. Полок се отдава на вдъхновението, без дори да осъзнава какво прави. Едва тогава идва осъзнаването на съвършеното. В същото време художникът не се страхува да унищожи изображението или да го промени по невнимание - картината започва да живее свой собствен живот. Задачата на Полък е да й помогне да се роди, да излезе. Но ако майсторът загуби контакт със своето творение, тогава резултатът ще бъде хаос и мръсотия. Ако успее, картината ще олицетворява чистата хармония, лекотата на получаване и въплъщаване на вдъхновение.
Жоан Миро "Мъж и жена пред купчина екскременти".Сега тази картина се съхранява във фонда на художника в Испания. Тя е нарисувана с маслени бои върху меден лист през 1935 г. само за седмица от 15 до 22 октомври. Размерът на творението е само 23x32 см. Въпреки такова провокативно име, картината говори за ужасите на гражданските войни. Самият автор по този начин описва събитията от онези години, които се случват в Испания. Миро се опита да покаже период на неспокойствие. На снимката можете да видите неподвижни мъж и жена, които въпреки това са привлечени един към друг. Платното е наситено със зловещи отровни цветя, заедно с уголемени гениталии, изглежда умишлено отвратително и отвратително секси.
Яцек Йерка "Ерозия".В творбите на този полски нео-сюрреалист картини от реалността, преплетени, пораждат нова реалност. В някои отношения дори докосващите се снимки са изключително детайлни. Те усещат ехото на сюрреалистите от миналото, от Бош до Дали. Йерка израства в атмосфера на средновековна архитектура, оцеляла по чудо след бомбардировките през Втората световна война. Започва да рисува още преди да влезе в университета. Там те се опитаха да променят стила му на по-модерен и по-малко детайлен, но самият Йерка запази своята индивидуалност. Днес неговите необичайни картини са изложени не само в Полша, но и в Германия, Франция, Монако и САЩ. Те са в редица колекции по света.
Бил Стоунхам "Hands Resist Him"Картината, нарисувана през 1972 г., трудно може да се нарече класика на живописта. Няма съмнение обаче, че е сред най-странните творения на художници. Картината изобразява момче, кукла стои до него, а множество длани са притиснати към стъклото отзад. Това платно е странно, мистериозно и донякъде мистично. Вече стана легендарен. Казват, че заради тази снимка някой е умрял, а децата на нея са живи. Тя изглежда наистина страховито. Не е изненадващо, че картината предизвиква страхове и ужасни фантазии за хора с болна психика. Самият Стоунхам увери, че се е нарисувал на 5-годишна възраст. Вратата зад момчето е преграда между реалността и света на мечтите. Куклата е водач, който може да преведе детето от един свят в друг. Ръцете са алтернативни животи или възможности на човек. Картината стана известна през февруари 2000 г. Беше пуснат за продажба в eBay, като се казваше, че е обитаван от духове. В крайна сметка Hands Resist Him беше купен за $1025 от Ким Смит. Скоро купувачът беше буквално затрупан с писма с ужасни истории, свързани с картината, и искаше да унищожи това платно.
Подземната подводна база в Балаклава е една от най-известните реликви от Студената война от Съветския съюз. Веднъж този свръхсекретен комплекс е създаден в случай на последната война на човечеството - Третата световна война, с широкото използване на ядрени оръжия. За щастие през 20 век не се случи ново световно клане и страната на Съветите изобщо не съществуваше. Поради тези причини днес Балаклава остава мълчаливо напомняне за страховете и амбициите на суперсилите от миналия век.
Сянката на световната касапница
В Америка цялата история е разделена преди Гражданската война и след нея. Във вътрешните простори на историята гражданите са психологически разделени на времето преди и след Втората световна война. В Германия подобно отношение в 30-годишната война. И ако се замислите, създаването на ядрени оръжия, както и последвалите бомбардировки над Хирошима и Нагасаки, разделиха историята на целия свят на „преди“ и „след“.
Трудно и в същото време страшно е да си представим как би се развила световната история, ако такова мощно оръжие беше останало в ръцете на една държава. По някаква цинична ирония "Дългият мир" в Европа се дължи на може би най-нехуманното нещо. Противно на тезите на Маргарет Тачър за необходимостта от намаляване на ядрения потенциал, ядрените оръжия остават клубът, който спасява поне малко мира.
Ще прозвучи малко цинично, но съвременните конфликти между Русия и Съединените щати всъщност са много „леки“ в сравнение с тези, възникнали между СССР и САЩ след Втората световна война. Създаването на ядрени оръжия даде старт както на ядрена мания, така и на параноя. Така например в САЩ на 19 декември 1949 г. е разработен план за превантивен ядрен удар срещу Съветския съюз в случай на негова агресия в Западна Европа, Близкия изток или Япония. Тази инициатива беше наречена "Operation Dropshot".
Основната цел на "Operation Dropshot" беше да се унищожи съветският индустриален комплекс в рамките на един месец. За целта беше наредено да се извършат масирани бомбардировки на градовете на СССР, като се използват 29 хиляди тона конвенционални бомби и 300 единици 50-килограмови ядрени бомби. Около 100 най-големи града на Съветския съюз бяха избрани за цели. Балистичните ракети ще се появят едва след 10 години. „Ядреното изнудване“ на СССР от страна на Съединените щати напълно губи ефекта си едва през 1956 г., когато стратегическата авиация на страната успя да докаже, че при необходимост може да лети зад океана, за да нанесе ответен удар.
Съответно не трябва да се мисли, че СССР не е имал свой собствен "Dropshot". Въпреки че съветските инициативи имаха предимно характер на ответни мерки, те, както и американските, не се отличаваха с хуманност.
"Не се предавайте на врага..."
В първите десетилетия, по времето на създаването на ядрената бомба, човечеството активно се опитваше да разбере каква ще бъде формата на нова война. По това време и двете световни войни бяха все още живи в паметта ми и затова Третата не изглеждаше нещо невероятно. Съвсем очевидно е, че ядреното оръжие ще се използва предимно за унищожаване на индустрията, военни съоръжения и геноцид на населението, макар и по "съпътстващ" начин. Ето защо военните започнаха да предприемат мерки за защита на най-важните военни обекти.
През 1947 г. Ленинградският проектантски институт "Гранит" разработва проект за военноморска база за защита на Черноморския подводен флот в случай на ядрена война. Проектът на комплекса е одобрен лично от Йосиф Сталин. За изграждането на комплекс с площ от 15 хиляди квадратни метра е избрано място Балаклава. Строителните работи започват през 1953 г.
Интересен факт:Балаклавата беше избрана с причина. Това е идеален естествен подслон за флота. Пристанището, широко само 200-400 метра, е идеално защитено от бури и любопитни очи. Подземният комплекс се намираше под планината Таврос, която се превърна в истинска находка. Дебелината на мраморния варовик в него достига 126 метра. Благодарение на това подводната база в Балаклава успя да получи първа категория на противоядрена устойчивост - тя може да издържи експлозия до 100 Kt.
Строителните работи на секретния обект се извършваха денонощно. Строителите на метрото от Москва, Харков и Абакан бяха извикани за минни инженерни работи. Сондирането е извършено предимно по експлозивен метод. Веднага след отстраняването на почвата и скалата работниците монтираха метална рамка и едва след това изляха бетон от клас M400. В резултат на това изграждането на специална работилница за корабостроителница със сух док 825 GTS е завършено през 1961 г. Комплексът може да скрие от ядрен удар до девет подводници от малък клас или седем лодки от среден клас. Година по-късно комплексът беше допълнен с ядрен арсенал.
Интересен факт: подземната база е проектирана така, че в случай на ядрена война да побере не само персонала на ремонтния комплекс, но и военния персонал на най-близките части и цивилното население на самия град.
Строго секретно
С цел секретност съдилищата влизаха в комплекса само през нощта. Един от най-интересните елементи на комплекса е Южният батопорт - голяма морска порта, която помага за защитата на залива от разрушителните ефекти на ядрена експлозия. По своята същност той представлява куха метална конструкция с размери 18x14x11 метра и тегло 150 тона. Някога входът на канала също беше покрит със специална маскировъчна мрежа в цвета на скалите, която се опъваше с лебедка.
Всички служители на комплекса в Балаклава са подписали подписка за неразкриване на информация. Те също бяха ограничени в редица права по време на работа и още 5 години след уволнението. Например, на тези граждани беше забранено да пътуват извън СССР, включително в социалистическите страни. Самият обект се охраняваше от три военноохранителни поста. Цялата база беше разделена на множество нива на секретност. Интересното е, че за по-лесно разпознаване някои етажи и коридори имаха специален цвят.
Всичко това беше необходимо, за да може в случай на нова война Съветският съюз да запази част от своите подводници в Черно море, които по-късно да бъдат използвани за по-нататъшен контрол над региона. Комплексът престава да съществува след разпадането на СССР. През 1995 г. последната охрана е свалена от базата на подводниците. Комплексът "Арсенал" с оръжия, включително ядрени, беше пазен в тайна почти още десет години. Днес някогашният таен комплекс не е нищо повече от реликва, напомняща за времето на Студената война.
Изобразителното изкуство може да даде цяла гама от емоции. Някои снимки ви карат да ги гледате с часове, докато други буквално шокират, учудват и „взривяват мозъка“, а с него и светоусещането ви.
Има такива шедьоври, които те карат да се замислиш и да търсиш таен смисъл. Някои картини са обвити в мистични мистерии, докато в други основното е тяхната прекомерна цена. Можем да кажем, че живописта, ако не се вземат предвид реалистите, винаги е била, е и ще бъде странна. Но някои снимки са по-странни от други. И въпреки че самата концепция за странност е субективна, могат да се откроят онези добре познати произведения, които очевидно са извън обичайното.
Едвард Мунк "Викът"
Творбата с размери 91х73,5 см е създадена през 1893г. Мунк я рисува с маслени бои, пастели и темпера, днес картината се съхранява в Националната галерия в Осло. Творението на художника се превърна в забележителност за импресионизма, като цяло е една от най-известните картини в света днес. Самият Мунк разказва историята на създаването му: „Вървях по пътеката с двама приятели. По това време слънцето залязваше. Изведнъж небето стана кървавочервено, спрях, чувствайки се изтощен, и се облегнах на оградата. Гледах кръвта и пламъците над синкаво-черния фиорд и града. Приятелите ми продължиха, а аз стоях там, треперейки от вълнение, усещайки безкрайния писък, пронизващ природата.
Има две версии на тълкуването на начертаното значение. Може да се смята, че изобразеният герой е обзет от ужас и тихо крещи, притискайки ръце към ушите си. Друга версия гласи, че мъжът си е запушил ушите от крясъците около него. Общо Мунк създава цели 4 версии на „Викът“. Някои експерти смятат, че тази картина е класическа проява на маниакално-депресивната психоза, от която страда художникът. Когато Мунк беше лекуван в клиниката, той не се върна към това платно.
Пол Гоген „Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?".
В Бостънския музей за изящни изкуства можете да намерите тази импресионистична творба с размери 139,1 x 374,6 см. Тя е рисувана с маслени бои върху платно през 1897-1898 г. Тази дълбока творба е написана от Гоген в Таити, където той се оттегля от суматохата на парижкия живот. Картината стана толкова важна за художника, че в края й той дори искаше да се самоубие. Гоген вярваше, че тя е главата и раменете на най-доброто, което е създал преди. Художникът вярваше, че вече не може да създаде нещо по-добро или подобно, просто нямаше към какво повече да се стреми.
Гоген живя още 5 години, доказвайки истинността на своите преценки. Самият той каза, че основната му снимка трябва да се гледа от дясно на ляво. На нея има три основни групи фигури, които олицетворяват въпросите, с които е озаглавено платното. Три жени с дете показват началото на живота, в средата хората символизират зрелостта, докато старостта е представена от възрастна жена, която чака смъртта си. Изглежда, че се е примирила с това и мисли за нещо свое. В краката й има бяла птица, символизираща безсмислието на думите.
Пабло Пикасо Герника.
Творението на Пикасо се съхранява в музея на Рейна София в Мадрид. Голяма картина с размери 349 на 776 см е нарисувана с маслени бои върху платно. Това платно-фреска е създадено през 1937г. Картината разказва за нападението на фашистки пилоти-доброволци над град Герника. В резултат на тези събития градът с население от 6 хиляди души беше напълно изтрит от лицето на земята.
Художникът създава тази картина само за месец. В ранните дни Пикасо работи по 10-12 часа, още в първите му скици вече се вижда основната идея. В резултат на това картината се превърна в една от най-добрите илюстрации на всички ужаси на фашизма, жестокостта и човешката скръб. В „Герника” може да се види сцена на жестокост, насилие, смърт, страдание и безпомощност. Въпреки че причините за това не са изрично посочени, те са ясни от историята. Говори се, че през 1940 г. Пабло Пикасо дори е бил извикан в Гестапо в Париж. Веднага го попитаха: "Ти ли го направи?". На което художникът отговори: „Не, ти го направи“.
Ян ван Ейк "Портрет на Арнолфините".
Тази картина е нарисувана през 1434 г. с масло върху дърво. Размерите на шедьовъра са 81,8х59,7 см и се съхранява в Лондонската национална галерия. Предполага се, че картината изобразява Джовани ди Николао Арнолфини със съпругата си. Творбата е една от най-трудните в западната живописна школа по време на Северния Ренесанс.
Тази известна картина има огромен брой символи, алегории и различни улики. Какво струва само подписът на художника "Ян ван Ейк беше тук". В резултат на това картината не е просто произведение на изкуството, а истински исторически документ. В крайна сметка той изобразява реално събитие, което ван Ейк е заснел.
Михаил Врубел "Седнал демон".
Третяковската галерия съхранява този шедьовър на Михаил Врубел, рисуван с маслени бои през 1890 г. Размерите на платното са 114х211 см. Демонът, изобразен тук, е изненадващ. Той изглежда като тъжен млад мъж с дълга коса. Обикновено хората не си представят злите духове по този начин. Самият Врубел каза за най-известното си платно, че според неговото разбиране демонът не е толкова зъл дух, колкото страдащ. В същото време човек не може да му отрече авторитет и величие.
Демонът на Врубел е образ преди всичко на човешкия дух, царуващ в нас на постоянна борба със себе си и съмнения. Това създание, заобиколено от цветя, трагично сключи ръце, огромните му очи гледат тъжно в далечината. Цялата композиция изразява ограничеността на фигурата на демона. Сякаш той е притиснат в това изображение между горната и долната част на рамката на картината.
Василий Верещагин "Апотеозът на войната".
Картината е нарисувана през 1871 г., но в нея авторът сякаш е предвидил ужасите на бъдещите световни войни. Размер на платното 127x197 см се съхранява в Третяковската галерия. Верещагин се смята за един от най-добрите баталисти в руската живопис. Той обаче не пише войни и битки, защото ги обича. Художникът се опита да предаде на хората своето негативно отношение към войната с помощта на изобразителното изкуство. Веднъж Верешчагин дори обеща да не пише повече бойни картини. В крайна сметка художникът приемаше твърде близо до сърцето си скръбта на всеки ранен и убит войник. Резултатът от такова сърдечно отношение към тази тема беше "Апотеозът на войната".
Ужасна и омайваща картина изобразява планина от човешки черепи на поле с гарвани наоколо. Верешчагин създаде емоционално платно, зад всеки череп в огромна купчина може да се проследи историята и съдбата на личности и хора, близки до тях. Самият художник саркастично нарича тази картина натюрморт, защото изобразява мъртва природа. Всички детайли на "Апотеозата на войната" крещят за смърт и празнота, това се вижда дори на жълтия фон на земята. А синьото на небето само подчертава смъртта. Идеята за ужасите на войната се подчертава от дупки от куршуми и следи от саби върху черепите.
Грант Ууд "Американска готика".
Тази малка картина е с размери 74 на 62 см. Създадена е през 1930 г. и сега се съхранява в Института по изкуствата в Чикаго. Картината е един от най-известните образци на американското изкуство от миналия век. Вече в наше време името на "американската готика" често се споменава в медиите. Картината изобразява доста мрачен баща и дъщеря му.
Много подробности говорят за строгостта, пуританството и твърдостта на тези хора. Те имат недоволни лица, в средата на картината се появяват агресивни вили, а облеклото на двойката е старомодно дори за тогавашните стандарти. Дори шевът на дрехите на фермера следва формата на вилата, удвоявайки заплахата за онези, които посегнат на начина му на живот. Детайлите на картината могат да се изучават безкрайно, физически да се чувствате дискомфорт.
Интересното е, че по едно време на конкурс в Института по изкуствата в Чикаго картината беше приета от съдиите като хумористична. Но хората от Айова обидиха художника, защото ги постави в толкова неприятна перспектива. Моделът на жената беше сестрата на Ууд, но зъболекарят на художника стана прототип на ядосания мъж.
Любителите на Рене Магрит.
Картината е нарисувана през 1928 г. с маслени бои върху платно. В този случай има два варианта. На една от тях мъж и жена се целуват, само главите им са увити в бяла кърпа. В друга версия на картината влюбените гледат към зрителя. Начертан и изненадва, и очарова. Фигури без лица символизират слепотата на любовта. Известно е, че влюбените не виждат никого наоколо, но ние не можем да видим истинските им чувства. Дори един за друг, тези хора, заслепени от чувства, всъщност са мистерия.
И въпреки че основното послание на картината изглежда ясно, „Любовниците“ все още ви карат да ги гледате и да мислите за любовта. В Магрит като цяло почти всички картини са пъзели, които са напълно невъзможни за решаване. В крайна сметка тези платна повдигат основните въпроси за смисъла на нашия живот. В тях художникът говори за илюзорността на това, което виждаме, че около нас има много мистериозни неща, които се опитваме да не забелязваме.
Марк Шагал "Разходка".
Картината е нарисувана с маслени бои върху платно през 1917 г. и сега се съхранява в Държавната Третяковска галерия. В творбите си Марк Шагал обикновено е сериозен, но тук той си позволи да покаже чувства. Картината изразява личното щастие на художника, изпълнена е с любов и алегории.
Неговата "Разходка" е автопортрет, където Шагал изобразява съпругата си Бела до него. Избраницата му се рее в небето, на път е да завлече и артиста, който вече е почти над земята, докосвайки я само с върховете на обувките си. В другата ръка на мъжа има синигер. Можем да кажем, че така е изобразил щастието си Шагал. Той има жерав в небето под формата на любима жена и синигер в ръцете си, с което разбира работата си.
Йеронимус Бош Градината на земните удоволствия.
Това платно с размери 389x220 см се съхранява в испанския музей Право. Бош рисува маслената картина върху дърво между 1500 и 1510 г. Това е най-известният триптих на Бош, въпреки че картината има три части, тя е кръстена на централната, посветена на сладострастието. Значението на странната картина непрекъснато се обсъжда, няма такава интерпретация, която да бъде призната за единствената вярна.
Интересът към триптиха се проявява поради множеството малки детайли, които изразяват основната идея. Има полупрозрачни фигури, необичайни структури, чудовища, кошмари и видения, които са се сбъднали, и адски вариации на реалността. Художникът успя да погледне на всичко това с остър и търсещ поглед, като успя да комбинира различни елементи в едно платно.
Някои изследователи се опитаха да видят в картината отражение на човешкия живот, което авторът показа напразно. Други намериха образи на любовта, някой намери триумфа на сладострастието. Съмнително е обаче авторът да се е опитвал да прослави плътските удоволствия. В края на краищата фигурите на хората са изобразени със студена отстраненост и невинност. Да, и църковните власти реагираха доста благоприятно на тази картина на Бош.
Густав Климт "Три епохи на жената"
Тази картина се съхранява в Националната галерия за модерно изкуство в Рим. Квадратното платно с ширина 180 см е нарисувано с маслени бои върху платно през 1905 г. Тази картина изразява едновременно радост и тъга. Художникът в три фигури успя да покаже целия живот на една жена. Първият, още дете, е изключително безгрижен. Зрялата жена изразява мир, а последната възраст символизира отчаянието. В същото време средната възраст е органично вплетена в орнамента на живота, а старата се откроява забележимо на нейния фон.
Ясният контраст между младата жена и възрастните хора е символичен. Ако разцветът на живота е придружен от много възможности и промени, тогава последната фаза е фаза на вкоренено постоянство и конфликт с реалността. Такава картина привлича вниманието и ви кара да мислите за намерението на художника, неговата дълбочина. Той съдържа целия живот с неговата неизбежност и метаморфози.
Егон Шиле "Семейство".
Това платно с размери 152,5x162,5 cm е рисувано с маслени бои през 1918 г. Сега се съхранява във виенския Белведере. Учителят на Шиле беше самият Климт, но ученикът не се опитваше усърдно да го копира, търсейки свои собствени методи на изразяване. Смело можем да кажем, че творчеството на Шиле е дори много по-трагично, страшно и странно от това на Климт.
Някои елементи днес биха се нарекли порнографски, тук има много различни извращения, натурализмът присъства в цялата му красота. В същото време снимките са буквално пропити с някакво болезнено отчаяние. Върхът в творчеството на Шиле и най-новата му картина е Семейството.
В това платно отчаянието е доведено до максимум, докато самата работа се оказа най-малко странна за автора. След като бременната съпруга на Шиле умира от испански грип и малко преди смъртта му, този шедьовър е създаден. Само 3 дни изминаха между двете смъртни случаи, те бяха достатъчни, за да може художникът да изобрази себе си със съпругата си и нероденото си дете. По това време Шиле е само на 28 години.
Фрида Кало "Двете Фриди"
Картината е родена през 1939 г. Мексиканската художничка Фрида Кало стана известна след излизането на филм за нея със Салма Хайек в главната роля. Основата на творчеството на художника бяха нейните автопортрети. Самата тя обясни този факт по следния начин: „Пиша себе си, защото прекарвам много време сама и защото аз съм темата, която познавам най-добре.“
Интересно е, че Фрида не се усмихва на нито едно от платната си. Лицето й е сериозно, дори някак тъжно. Слятите плътни вежди и едва забележим мустак над стиснатите устни изразяват максимална сериозност. Идеите на картините се крият във фигурите, фона и детайлите на това, което заобикаля Фрида.
Символиката на картините се основава на националните традиции на Мексико, тясно преплетени със старата индианска митология. "Две Фриди" е една от най-добрите картини на мексиканеца. Той показва по оригинален начин мъжкото и женското начало, които имат една кръвоносна система. Така художникът показа единството и целостта на тези две противоположности.
Мостът Клод Моне Ватерло. Ефект на мъгла.
В Ермитажа в Санкт Петербург можете да намерите тази картина на Моне. Нарисувана е с маслени бои върху платно през 1899 г. При внимателно разглеждане на снимката тя изглежда като лилаво петно с дебели щрихи, нанесени върху него. Въпреки това, отдалечавайки се от платното, зрителят разбира цялата му магия.
Отначало стават видими неясни полукръгове, минаващи през центъра на картината, появяват се очертанията на лодките. И от разстояние няколко метра вече можете да видите всички елементи на картината, които са свързани в логическа верига, отбелязва adme.ru.
Джаксън Полък "Номер 5, 1948".
Полок е класика на жанра на абстрактния експресионизъм. Най-известната му картина е най-скъпата в света. И художникът го рисува през 1948 г., като просто излива маслена боя върху фибран с размери 240x120 см на пода. През 2006 г. тази картина беше продадена на Sotheby's за 140 милиона долара.
Предишният собственик, колекционер и филмов продуцент Дейвид Гифен, го продаде на мексиканския финансист Дейвид Мартинез. Полок каза, че е решил да се отдалечи от познатите инструменти на художника като статив, бои и четки. Инструментите му бяха пръчки, ножове, лопати и боя за изливане. Той също така използва смес от него с пясък или дори счупено стъкло.
Започвайки да твори, Полок се отдава на вдъхновението, без дори да осъзнава какво прави. Едва тогава идва осъзнаването на съвършеното. В същото време художникът не се страхува да унищожи изображението или да го промени по невнимание - картината започва да живее свой собствен живот. Задачата на Полък е да й помогне да се роди, да излезе. Но ако майсторът загуби контакт със своето творение, тогава резултатът ще бъде хаос и мръсотия. Ако успее, картината ще олицетворява чистата хармония, лекотата на получаване и въплъщаване на вдъхновение.
Жоан Миро "Мъж и жена пред купчина екскременти."
Сега тази картина се съхранява във фонда на художника в Испания. Тя е нарисувана с маслени бои върху меден лист през 1935 г. само за седмица от 15 до 22 октомври. Размерът на творението е само 23x32 см. Въпреки такова провокативно име, картината говори за ужасите на гражданските войни. Самият автор по този начин описва събитията от онези години, които се случват в Испания. Миро се опита да покаже период на неспокойствие.
На снимката можете да видите неподвижни мъж и жена, които въпреки това са привлечени един към друг. Платното е наситено със зловещи отровни цветя, заедно с уголемени гениталии, изглежда умишлено отвратително и отвратително секси.
Яцек Йерка "Ерозия".
В творбите на този полски нео-сюрреалист картини от реалността, преплетени, пораждат нова реалност. В някои отношения дори докосващите се снимки са изключително детайлни. Те усещат ехото на сюрреалистите от миналото, от Бош до Дали.
Йерка израства в атмосфера на средновековна архитектура, оцеляла по чудо след бомбардировките през Втората световна война. Започва да рисува още преди да влезе в университета. Там те се опитаха да променят стила му на по-модерен и по-малко детайлен, но самият Йерка запази своята индивидуалност. Днес неговите необичайни картини са изложени не само в Полша, но и в Германия, Франция, Монако и САЩ. Те са в редица колекции по света.
Ръцете на Бил Стоунхам му се съпротивляват.
Картината, нарисувана през 1972 г., трудно може да се нарече класика на живописта. Няма съмнение обаче, че е сред най-странните творения на художници. Картината изобразява момче, кукла стои до него, а множество длани са притиснати към стъклото отзад. Това платно е странно, мистериозно и донякъде мистично. Вече стана легендарен. Казват, че заради тази снимка някой е умрял, а децата на нея са живи. Тя изглежда наистина страховито. Не е изненадващо, че картината предизвиква страхове и ужасни фантазии за хора с болна психика.
Самият Стоунхам увери, че се е нарисувал на 5-годишна възраст. Вратата зад момчето е преграда между реалността и света на мечтите. Куклата е водач, който може да преведе детето от един свят в друг. Ръцете са алтернативни животи или възможности на човек.
Картината стана известна през февруари 2000 г. Беше пуснат за продажба в eBay, като се казваше, че е обитаван от духове. В крайна сметка Hands Resist Him беше купен за $1025 от Ким Смит. Скоро купувачът беше буквално затрупан с писма с ужасни истории, свързани с картината, и искаше да унищожи това платно.
1. Деонардо да Винчи. Мона Лиза. Най-разпознаваемата снимка в света има на какво да научи фотографите, но основното от това е каква трябва да бъде връзката с обекта. Както неведнъж е казано, нейната усмивка говори за специалната връзка между художник и модел. Към това трябва да се стреми всеки фотограф, когато създава портрети.
2. Рафаел. Атинско училище. Много фотографи предпочитат да снимат отделни обекти. Един човек, едно нещо и един момент. Тази работа е от онези времена, когато разглеждането на едно платно отнемаше половин час. На него има дузина различни ситуации и нито една от тях не пречи на другата. Много е важно да можете да композирате многостранна сцена в кадър.
3. Ян Вермеер. Момиче с перлена обеца. Вермеер обичаше светлината на прозорците. Това е най-добрата светлина за портрети. Когато използваме студийно осветление или светкавица, ние се опитваме да постигнем възможно най-добра светлина. Точно както в портрета на Мона Лиза, има връзка с художника, която се предава на зрителя.
4. Едуард Хопър. Нощни ястреби. Всички фотографи са в търсене на онези кратки моменти, които впоследствие да "закачат" зрителя. Тази картина привлича вниманието със своето спокойствие. Фотографите трябва да се опитат да видят и уловят моменти като този.
5. М. Ешер. Ръчна и огледална топка. Едно от нещата, които всеки фотограф трябва да може да прави, е да показва перспектива във фотографията.
6. Норман Рокуел Слухове. Разказ чрез мимики. Не е нужно да знаем самите слухове, за да разберем какво се случва в тази снимка. Способността да улавяте „говорещо“ изражение на лицето е важно умение за фотографа.
7. Норман Рокуел Бягството. Норман Рокуел имаше умението да извиква спомените на зрителите, когато гледат картините му. Историята, която тази творба разказва, е много повече, отколкото понякога може да разкаже цяла книга. Създайте такава снимка и тя ще ви донесе успех.
8. Анди Уорхол. Някои фотографи правят всичко възможно, за да намерят обект за снимане. Те търсят нещо вълнуващо. Много по-важно е да можеш да превърнеш едно просто нещо в нещо необикновено и точно това направи Уорхол с кутиите за супа.
9. Густав Климт. Целувка. Много фотографи следват най-новите тенденции във фотографията. В интернет има милиони изображения, използващи HDR (висок динамичен обхват), когато три кадъра от една и съща сцена се заснемат при различни експозиции и се комбинират с помощта на редактор. Грешка е да се предполага, че има достатъчно новост, че можете да снимате всичко с тази техника и да получите добра снимка. Климт е много известен със своите стилизирани картини, но именно в тази той показва момент на дълбока връзка между обектите. Това трябва да служи като урок за всички фотографи.
11. Микеланджело. Таван на Сикстинската капела. Добро умение за един фотограф е да гледа нещата от различни ъгли, за да получи най-добрия кадър. Не позволявайте на неудобната поза да попречи на вдъхновението. Стреляйте, дори ако трябва да гледате право нагоре.
12. Салвадор Дали. Трите сфинкса на остров Бикини. Важно е да видите повтарящите се форми и текстури на снимката и да създадете добри снимки въз основа на тях.
13. Графити на Банкси. Банкси е майстор в съчетаването на несъчетаемото. Очаквате да видите едно, но той ви изненадва с нещо съвсем различно.
14. Уилям Блейк. Страхотен архитект. Блейк може да научи фотографите как да комбинират вдъхновение и техника.
15. Винсент ван Гог. Нощно кафене. Трябва да снимаме неща, които означават нещо за нас. Когато погледнете тази снимка, разбирате, че това кафене е имало определено значение за Ван Гог, било е важно за него.
16. Кацушика Хокусай. Голяма вълна край Канагава. Решаващите моменти не се случват просто в живота на хората. Фотографите трябва да търсят подобни моменти в света около тях.
17. Хирошиге. Жена върви по пътя през нивите. Фотографът трябва да гарантира, че всичко в кадъра съответства на действията на главния обект. Например тук линиите на дърветата, пътеката и хората са успоредни.
18. Произведения на Едгар Мюлер. Мюлер е майстор на перспективата. В зависимост от дистанцията, от която гледате работата му, илюзията за дълбочина се променя коренно. Това може да научи фотографите никога да не спират да търсят правилния ъгъл.
19. Джорджия О'Кийф. Мак Съществува цяла "субкултура" на фотографията на флората. Джорджия О'Кийф е страхотна за получаване на вдъхновение за снимане на цветя.
20. Емили Кар Китванкул. Емили Кар беше известна със своите картини на тотеми. Тя е прекарала целия си живот в търсене на тотеми за работата си. Фотографите винаги трябва да са нащрек за проекти. Определен предмет, който може да бъде изучаван и показан чрез поредица от снимки.
21. Пиер Огюст Реноар. Бал в Мулен дьо ла Галет. Това е чудесен пример за изобразяване на много обекти, които не се конкурират с основния обект.
22. Грант Ууд. Американска готика. Картината "Американска готика" на Грант Ууд е чудесен пример за това как обектът проектира, отразява околната среда. Грант Ууд се опита да си представи какви хора могат да живеят в къщата на заден план. Тази къща и двойката имат почти физическа прилика.
23. Едуард Моне. Chez le pere Lathuille. Тази сцена може да е била заснета от улична фотография.
