Барокови черти в живописта. Италианска живопис в бароков стил. Барок в Русия

характерни черти на бароковата живопис. Празничен блясък. Интензивност на емоциите. Неукротима енергия. Динамика. Разширяване на границите на реалното пространство (идеята за безкрайността на света). Питър Пол Рубенс. „Съюз на земята и водата“. 1618 г

Основните теми на живописта. Триумфът на Божествената справедливост и прославата на Христос и светиите. Древни алегорични сюжети.

Основните теми на живописта. Прославяне на военните победи. Приемане на нови закони. Идеята за неограничена власт на държавата и църквата.

Церемониален портрет. Художниците виждаха основната си задача в предаването на противоречиви чувства и преживявания, най-фините психологически нюанси на човешката душа. Хиацинт Риго. "Портрет на Луи 14". 1701 Лувър, Париж.

Рубенс е кралят на живописта. Питър Пауъл Рубенс (1577 - 1640) - щастлив и блестящ фламандски художник. През 1609 г. е назначен за придворен художник. Неспособен бързо да изпълни много поръчки, Рубенс създаде огромна работилница, където се стичаха най-добрите художници от Фландрия.

Петер Паул Рубенс е роден на 2 юни 1577 г., далеч от родината на своите предци, в малкото вестфалско градче Зиген в Германия, където баща му, адвокатът от Антверпен Ян Рубенс, избяга със семейството си, търсейки спасение от жестокия терор на херцога на Алба, който преследвал протестантите. Детството на бъдещия художник премина в Кьолн, където той, по собствените му думи, „е отгледан до десетгодишна възраст“. Едва след смъртта на съпруга си през 1587 г., Мария Пейпелинкс успява да се върне с децата си в Антверпен. Тук Питър Пол от четиринадесетгодишна възраст започва да учи рисуване с художници от Антверпен.

Автопортрет на Рубенс с първата му съпруга Изабела Бранд, 1609-1610. Платно, маслени бои, 178 х 136. Алто Пинакотека, Мюнхен

Алберт и Николас Рубенс, децата на художника, 1626-1627. Дърво, масло, 157 х 93. Музей на Лихтенщайн, Вадус

Още през 1611 г., според свидетелството на антверпенския търговец Ян льо Гранд, Рубенс е наречен „богът на художниците“. Сякаш се състезавайки помежду си, съвременниците композираха една след друга оди в чест на художника. Като придворен художник Рубенс може да има неограничен брой асистенти и ученици. Имаше обаче толкова много желаещи да влязат в работилницата му, че той беше принуден да отхвърли много молби.

През януари 1622 г. Рубенс заминава за Париж, където подписва споразумение с френската кралица Мария дьо Медичи, майка на Луи XIII, за изпълнение на картини за две галерии от новия Люксембургски дворец. Въпреки това, Рубенс понякога трябваше да защитава плановете си, противопоставяйки се на намеренията на кралицата. Като цяло ситуацията във френския двор не беше много благоприятна.

Ударите на съдбата един след друг падат върху Рубенс.През 1623 г. той преживява загубата на дъщеря си, а през 1626 г., вероятно от епидемията от чума, бушувала тогава в Антверпен, умира и съпругата му Изабела Брант. Едва изживявайки тази нова скръб, художникът, за да заглуши по някакъв начин болката, е дълбоко потопен в бездната на дипломатическата дейност. През 1627 г. той пътува с тайна мисия до Париж, а след това, под прикритието на художник, който пътува да учи изкуство, в Холандия, където води тайни преговори с адвоката на английския министър, херцога на Бъкингам. През 1628 г. Рубенс отива в Мадрид, за да се срещне с испанския крал, а през 1629 г. в Лондон, за да завърши преговорите. През 1630 г. дългосрочните усилия на художника най-накрая се увенчават с успех: е подписан мир между Испания и Англия. .

През декември 1630 г. художникът сключва втори брак, жени се за шестнадесетгодишната Хелън Фурмент, най-малката дъщеря на богат търговец на гоблени. „Взех млада съпруга“, пише той, „дъщеря на честни граждани, въпреки че се опитваха да ме убедят от всички страни да направя избор в двора, но се страхувах от порока на благородството - гордостта, особено характерна от този пол. Исках да имам жена, която да не се изчерви, когато ме видя да взимам четки. . . „Сега“, добавя художникът в същото писмо, „живея спокойно със съпругата и децата си. . . и не се стремя към нищо на света, освен към спокоен живот.

Портрет на Елена Фурман, втората съпруга на художника, 1630 г. Маслени бои върху платно, 262x206. Кралски музей на изящните изкуства, Брюксел

Той ставаше в четири часа сутринта и слушаше ранна литургия, уверявайки, че подобно начало на деня му помага да се концентрира и да почувства спокойствието, необходимо за работа. След това сядаше на статива, работейки винаги в присъствието на читател, който му четеше на глас Плутарх, Тит Ливий или Сенека. Както свидетелстват съвременници, в същото време Рубенс е можел да „разговаря спокойно с онези, които идват да го посетят“. Така той работеше „до пет часа вечерта, след което яхна коня си и отиде на разходка извън града или до градските укрепления, или по друг начин се опитваше да си почине“. Художникът прекара остатъка от деня със семейството и приятелите, които дойдоха да вечерят с него.

Свети Йероним 1635 г

Терминът идва от италианска дума, използвана през Средновековието, за да опише отхвърлянето на схематичната логика. Впоследствие думата започва да означава всяка изкривена идея или специален процес на мислене. Друг възможен източник е португалската дума "Barroco" (на испански "Barrueco"), използвана за описване на несъвършената форма на перла. Историята на произведенията в стила има около 200 години - развитието на епохата продължава от 1600-те до 1700-те години.

В историята на изкуството думата барок се използва за описание на всичко причудливо, асиметрично, необичайно, ярко, символизиращо отхвърлянето на установените правила и пропорции. Тази идея се появява благодарение на критиците от 17-ти век. До края на 19 век този термин винаги носеше конотацията на гротеска, преувеличение, излишък на декорация, помпозност. Едва през 1888 г. терминът започва да се използва като обозначение на стилистична посока, а не като концепция, която критикува излишеството, излишъка в живописта.

Бароковият стил на писане на емоционално богата картина оказва дълбоко влияние върху всички форми на изкуството, включително архитектурата и скулптурата. Именно в живописта тази посока на изкуството е най-силно изразена.

История на развитието на стила

Част от усилията за реформиране на църквата беше да образоват нейните членове, като им помагат да разберат повече за вярата. Това не беше лесна задача, тъй като повечето хора бяха неграмотни по това време.

Беше решено изкуството да бъде по-разбираемо за обикновените хора - необходимо е да се използва създаването на живописта, за да се разяснят дълбоките принципи на вярата на всички, а не само на образованите. За да постигнат целта си, картините с религиозна тематика трябваше да бъдат недвусмислени, емоционално завладяващи, мощни, да вдъхновяват зрителя към по-голямо благочестие.

Новите деноминации, като калвинистите, вярваха, че църквите и църковните служби трябва да бъдат прости. Официалната църква и свещениците обаче решиха, че изкуството и неговата красота могат да предадат повече от думите им.

Той основава стила на Караваджо - най-влиятелният художник от ранния бароков период. Той притежава откритието на основната характеристика - яркото осветяване на сцената от мрака на бароковите произведения. В бъдеще тази особеност ще се превърне в обща черта на бароковата живопис.

Караваджо предизвика критики към творчеството му. Неговите картини с религиозна тематика предизвикаха спорове относно желанието му да изобразява хора без идеализация. Художникът се стреми да предаде тяхното несъвършенство. Благодарение на Караваджо има прекъсване от ренесансовата традиция на идеализма, особено религиозни теми.

Етапи на развитие

Средното

Основен представител е Караваджо. Период на развитие: 1600 - 1625 години.

Високо

Разработен през 1625 - 1675 г. В рамките на този етап има няколко области:

По късно

1675-1725 години. Стилът е създаден от наследниците на представителите на ранния и високия етапи.

Основните функции

Бароковото изкуство в живописта се характеризира с динамизъм (усещане за движение), което се допълва от екстравагантни ефекти (извити линии, богати покрития, ярко осветление).

Пълномащабният барок или пълен барок се развива в южната част на Западна Европа, докато Северна Западна Европа създава класическа или сдържана посока.
Барокът се характеризира с непрекъснато припокриване, пресичане на фигури и елементи.

Характеристики на стила:

Основните теми на платната са: трансформации, мъченичество и смърт, битки, напрегнати психологически моменти, всяка форма на проява на действие, техните последствия. Бароковата живопис може да се нарече върхът на реализма в европейското изкуство. По време на Ренесанса европейските художници осъзнават значението на формата и анатомията за реалистично представяне на човешки фигури. Бароковите творци успяват реалистично да предадат образи на хора - портретите им стават по-претенциозни, ярки, емоционални. Бароковите художници са били обсебени от светлината, картините точно изобразяват пейзажа или интериора на дадена сцена.

Бароковата живопис може да се раздели на динамичен и реалистичен барок. Първият може да се разглежда като продължение на италианския Ренесанс, вторият като изкуство на страни с различно ниво на развитие на живописта, в които основното внимание е насочено към физическия компонент.

Пейзажните картини са представени от творбите на Якоб Исак ван Рюйсдал от Холандия, натюрмортите са рисувани от Жан Батист Симеон Шарден от Франция, а портретният жанр – от Франс Халс. Техните творби са известни със специалното си представяне и възприемане на реалността.

Забележителни произведения

Разпятието на Свети Петър от Караваджо

За разлика от идеализираните, благородни, класически човешки форми, ренесансовите художници предпочитат да рисуват сцени и хора с техните естествени недостатъци.

Питър Пол Рубенс "Четири континента"

Художникът внесе енергия, чувственост и драматизъм в барока, не само в религиозните произведения. В изобразяването им се виждат барокови черти на ярък цвят, телесност и припокриващи се фигури.

"Слизане от кръста" Рембранд

Художникът се стремеше към естествено предаване на движението. В творчеството му се предават характеристиките на произведенията в бароков стил: емоционалността на сцената, повишената драматичност, активното използване на светлина и сянка.

смисъл

Яркият и разпознаваем стил на ранната модерна епоха оказва огромно влияние върху изкуствата на Европа. Той внесе реализъм, наситеност, емоционалност, динамика в живописта – именно благодарение на тези качества човек може без затруднение да разпознае платната на бароковите художници. Най-голямо влияние има върху рококо.

Барокът като стил

Бароковите художници съзнателно работят, за да се отделят от художниците от епохата на Ренесанса и маниеризма след него. Те използваха интензивни и топли цветове в палитрата си, и по-специално основните цветове червено, синьо и жълто, често поставяйки и трите в непосредствена близост. Бароковата живопис обхваща широка гама от стилове, като най-важната и масова живопис в периода, започващ около 1600 г. и продължаващ през 17-ти век и началото на 18-ти век, днес се идентифицира като барокова живопис. Най-характерните прояви на барока в изкуството са: голяма драматичност, наситени, наситени цветове и интензивни светли и тъмни сенки. Бароковото изкуство е предназначено да предизвика емоция и страст, а не спокойната рационалност, която е била ценена през Ренесанса. За разлика от спокойните лица на ренесансовите картини, лицата в бароковите картини ясно изразяваха своите емоции. Художниците често използваха асиметрия, където действието се развиваше далеч от центъра на изображението и създаваха оси, които не бяха нито вертикални, нито хоризонтални, а наклонени наляво или надясно, създавайки усещане за нестабилност и движение. Те засилиха това впечатление за движение, тъй като костюмите на героите бяха разнесени от вятъра или се движат по собствения им път. Общите впечатления бяха от движението. Алегорията е друг важен елемент от бароковата живопис. Всяка картина разказваше история и имаше послание, често кодирано в алегорични символи, което един образован зрител би трябвало да знае и прочете.

Теория на изкуството в епохата на барока

Разработена художествена теория на бароковия период не е създадена нито в Италия, нито в родината му, нито в други страни. Само някои характерни черти на барока са описани в писанията на неговите съвременници: Марко Боскини (Италиански)Руски, Пиетро да Кортона, Бернини, Роджър де Пил (фр.)Руски. В разказите на Боскини за достойнствата на венецианската живопис принципите на барока не са ясно формулирани, но самият характер на сравненията и формата на описание свидетелстват за предпочитанията на автора, изразени от него не към античната скулптура и Рафаел, а към Тициан, Веронезе, Веласкес и Рембранд. Боскини подчерта доминиращата роля на бароковия колорит, както и несъответствието между изобразителната форма и пластичната. В коментарите за изразителността на възможността за рисуване с петно и за оптическата илюзия на сливането на щрихи, Боскини показа тип мироглед, близък до барока.

Пиетро да Кортона съпоставя картините от епохата на барока не с трагедията, характерна за класическите картини, а с епична поема и присъщата й широта на разказ, много разнообразни сюжети, колоритност и свободна композиция. В академични спорове с Андреа Саки, последователите на Пиетро да Кортона защитаваха предимствата на бароковия образ, който не изискваше от зрителя внимателно да анализира всяка фигура и внимателно да „чете“ сюжета, за да разкрие всички нюанси на значение, но разкрито пред зрителя "сияен, хармоничен и жив цялостен ефект, способен да предизвика възхищение и удивление" .

в Италия

В италианската барокова живопис се развиват различни жанрове, но най-вече това са алегории, митологичен жанр. Пиетро да Кортона, Андреа дел Поцо, Джовани Батиста Тиеполо, братя Карачи (Агостино и Лодовико) успяват в тази посока. Венецианската школа стана известна, където жанрът ведута, или градски пейзаж, придоби голяма популярност. Най-известният автор на такива произведения е D. A. Canaletto. Не по-малко известни са Франческо Гуарди и Бернардо Белото. Каналето и Гуарди рисуваха гледки към Венеция, докато Белото (ученик на Каналето) работи в Германия. Той притежава много гледки към Дрезден и други места. Салватор Роза (неаполитанско училище) и Алесандро Маняско рисуваха фантастични пейзажи. Последното принадлежи към архитектурните възгледи, а френският художник Юбер Робер, който е работил във време, когато се е разпалил интересът към античността, към римските руини, е много близък до него. В техните произведения са представени руини, арки, колонади, древни храмове, но в малко фантастична форма, с преувеличения. Героичните платна са рисувани от Доменикино, а живописните притчи - от Доменико Фети.

Във Франция

Във Франция барокови черти са присъщи на церемониалните портрети на Iasen Rigaud. Най-известната му творба е портретът на Луи XIV. Творчеството на Симон Вуе и Шарл Лебрен, придворни художници, работили в жанра на церемониалния портрет, се характеризира като "бароков класицизъм". Истинската трансформация на барока в класицизъм се наблюдава в платната на Никола Пусен.

В Испания

По-твърдо, строго въплъщение беше дадено на бароковия стил в Испания, въплътен в произведенията на такива майстори като Веласкес, Рибера и Сурбаран. Те се придържаха към принципите на реализма. По това време Испания изживява своя „златен век“ в изкуството, докато е в икономически и политически упадък.

Изкуството на Испания се характеризира с декоративност, капризност, изтънченост на формите, дуализъм на идеалното и реалното, телесното и аскетичното, натрупване и скъперничество, възвишено и смешно. Представителите включват:

Франсиско Сурбаран (1598-1664) - "Момчеството на Дева Мария", "Детето Христос". Основното в картините му е усещането за святост, чистота; просто композиционно решение, плавни линии, плътна цветова схема, материалност, материалност, богатство на цветовете, величие, сдържаност, реалност на живота, съчетана с мистицизма на вярата, висока духовност, емоционална наситеност.
Юсепе Рибера (1591-1652). Основните сюжети на картините му са мъченическата смърт на светци, портрети на хора, изживели дълъг живот. Но работата му не е сантиментална. Той най-вече не искаше моделите му да предизвикват съжаление. Те са истинска национална гордост на Испания. Например "Куц", "Света Агнес", "Апостол Яков-старши".

Изглеждаше, че испанската живопис никога няма да излезе от „стените“ на храмовете. Но това е направено от Диего Веласкес (1599-1660) - великолепен майстор на психологически портрет, художник на персонажи. Неговите картини се отличават с многофигурната сложност на композициите, многокадровата, изключителна детайлност и отличното владеене на цвета. Веласкес е страхотен полифонист на живописта. „Закуска“, „Портрет на Оливарес“, „Шут“, „Предаване на Бреда“ („Копията“), „Спинъри“.

Художникът, завършил „златния век“ на испанската живопис е

С прякор Караваджо, смятан за най-значимия майстор сред италианските художници, творили в края на 16 век. нов стил в рисуването. Неговите картини, рисувани на религиозна тематика, наподобяват реалистични сцени от съвременния живот на автора, създавайки контраст между късната античност и новото време. Героите са изобразени в здрач, от който лъчите на светлината изтръгват изразителните жестове на персонажите, контрастно изписвайки тяхната специфика. Последователите и подражателите на Караваджо, които отначало се наричат караваджисти, а самото течение караваджизъм, възприемат бунта на чувствата и характерния маниер на Караваджо, както и неговия натурализъм в изобразяването на хора и събития. Болонският академизъм, противопоставен на каравагизма, е представен от Анибале Карачи и Гуидо Рени.

В италианската барокова живопис се развиват различни жанрове, но най-вече това са алегории, митологичен жанр. Пиетро да Кортона, Андреа дел Поцо, Джовани Батиста Тиеполо и братята Карачи успяват в тази посока. Венецианската школа стана известна, където жанрът ведута, или градски пейзаж, придоби голяма популярност. Най-известният автор на такива произведения е D. A. Canaletto. Не по-малко известни са Франческо Гуарди и Бернардо Белото. Каналето и Гуарди рисуваха гледки към Венеция, докато Белото (ученик на Каналето) работи в Германия. Той притежава много гледки към Дрезден и други места. Салватор Роза (неаполитанско училище) и Алесандро Маняско рисуваха фантастични пейзажи. Последното принадлежи към архитектурните възгледи, а френският художник Юбер Робер, който е работил във време, когато се е разпалил интересът към античността, към римските руини, е много близък до него. В техните произведения са представени руини, арки, колонади, древни храмове, но в малко фантастична форма, с преувеличения. Героичните платна са рисувани от Доменикино, а живописните притчи - от Доменико Фети.

Във Франция

В Испания

Фондация Уикимедия. 2010 г.

Вижте какво е "Барок в живописта" в други речници:

- (италиански barocco „порочен“, „разхлабен“, „прекомерен“, порт. perola barroca „неправилна перла“ (буквално „перла с порок“); има и други предположения за произхода на тази дума) ... ... Уикипедия

- (италиански бароко, букв. странен, странен), един от доминиращите стилове в европейската архитектура и изкуство от края на 16-ти - средата на 18-ти век. Барокът се установява в епоха на интензивно формиране на нации и национални държави (основните ... ... Енциклопедия на изкуствата

- (от италиански бароко, френски барок, странен, погрешен) литературен стил на Европа в края на 16, 17 и част от 18 век. Терминът "Б." преминава към науката за литературата от историята на изкуството; основата за такова прехвърляне на термина е общото сходство ... ... Литературна енциклопедия

- (италиански бароко букв. странен, причудлив), един от основните стилове в изкуството на Европа и Америка кон. 16 сер. 18-ти век Барокът, който гравитира към тържествен грандиозен стил, в същото време отразява прогресивни идеи за ... ... Голям енциклопедичен речник

- (италиански бароко странен, причудлив), една от основните стилистични тенденции в изкуството на Европа и Америка кон. XVI сер. 18-ти век Б. се характеризира с контраст, напрежение, динамичност на образите, афектност, стремеж към величие и пищност, към ... ... Енциклопедия на културологията

- (вероятно: от португалското perola barroca перла с причудлива форма или от латинското baroco мнемонично обозначение на един от видовете силогизъм в схоластическата логика) доминиращият стил в европейското изкуство от края на 16-ти средата на 18-ти век. .. Голяма съветска енциклопедия

Сребърен реликварий на Св. Войчех, Снижне, Полша. Барокът в Британската общност е етап от развитието на културата, който обхваща периода от края на ... Wikipedia

барок- (Италианско бароко причудливо, вероятно от португалска перла perola barroca с неправилна форма) Европейски феномен. култура 16 рано. 18-ти век Епохата на Б. се свързва с Вел. географски и научни открития. Удивление, наслада и ужас от новата картина на света ... ... Руски хуманитарен енциклопедичен речник

Ренесансът е към своя край. Настъпва 17-ти век, който се превръща в нов етап в историята на западноевропейското изкуство. Националните държави на Европа бяха укрепени, умиращата феодална система беше заменена от капитализъм. Недоволството на масите от позицията им нараства. Нарастващата буржоазия жадуваше за политическа власт. В страни с развита промишленост и търговия (Англия и Холандия) буржоазните революции завършват с победа на нова социална система. Борбата срещу феодализма е насочена и срещу католическата църква, която застава начело на реакционните сили.

В тази трудна епоха се оформя нова култура, която дава на света велики учени – Галилей, Лайбниц, Нютон, философи – Бейкън, Спиноза, Декарт, писатели – Шекспир, Сервантес, Молиер.

Развива се и изобразителното изкуство, чиито най-високи постижения се свързват главно с такива страни като Италия, Испания, Холандия, Фландрия и Франция.

Основното стилистично направление в изкуството на тази епоха е барокът, роден в Италия в края на 16 век. Името "барок" буквално означава "странно", "странно". Именно тези епитети изненадващо отговарят на особеностите на новия стил, който запазва популярността си в изкуството на Западна Европа до средата на 18 век. Барокът се характеризира с такива черти като страст и яркост на чувствата, вълнение, достигане до преувеличение, церемониална тържественост и помпозност.

Управниците и католическата църква се стремят да го използват в своя полза, като насърчават своята сила и мощ с помощта на изкуството и укрепват вярата сред хората. Ето защо бароковото изкуство е най-развито в страни с католическа религия.

В същото време в този стил се изразяват прогресивни идеи за разнообразието и променливостта на света и човек се появява като сложна личност със собствен свят на дълбоки чувства и преживявания.

Особено място заема живописта в бароковото изкуство. В нейната епоха се появяват нови жанрове и теми. Сега художниците използват за своите творби не само религиозни и митологични мотиви, но и теми, свързани с реалностите на заобикалящия живот.

Някои изследователи разделят бароковата живопис на три части в зависимост от това кой е бил нейният клиент: църковна, придворна, буржоазна. Църковната живопис е характерна за Испания, придворната е характерна за Фландрия, а буржоазната живопис е характерна за Холандия, която по това време има най-прогресивната социална система.

Бароковите майстори са използвали в своите произведения предимно топли нюанси и плавни цветови преходи, умело прилагат светлинни и сенчести ефекти и контрасти на светли и тъмни тонове. Техните картини се отличават с интензивна драматизъм; позите на героите са нестабилни, жестовете и движенията са остри и преувеличено изразителни.Очите на светци и мъченици, издигнати към небето, невероятно извитите тела на персонажи в митологични композиции трябваше да засилят впечатлението от изобразеното върху платното и да направят зрителят съпреживява героите.

Живопис на Италия

В Италия, родното място на барока, през 17 век. процъфтяваща стенописна живопис. Семейството на художниците Карачи се радва на голяма слава, създавайки много стенописи по антични мотиви в Рим и Болоня. Лодовико Карачи и неговите братовчеди Анибале и Агостино Карачи основават академична работилница в Болоня през 1585 г., където обучават млади художници по собствена програма, която е насочена към създаване на монументално и тържествено изкуство. Сред учениците на академията особено се открояват Гуидо Рени и Доменикино, които работят в Рим в началото на 17 век.

Микеланджело да Караваджо

Значително място в италианската живопис в началото на XVI-XVII век. заема творчеството на Микеланджело да Караваджо. Роден през 1573 г. в Ломбардия. Художественото си образование получава в Милано. Установен в Рим в началото на 1590-те години. Художникът се радвал на покровителството на кардинал дел Монте. През 1606 г. по време на игра с топка Караваджо се скарва с един от участниците в забавлението и го убива на дуел. Скривайки се от правителството, художникът е принуден да избяга в Неапол, а след това на остров Малта. След кавга с един от представителите на местното благородство той трябва да замине за Сицилия. През 1608-1609г. Караваджо се криел от убийци в Сицилия и Южна Италия. В Неапол художникът не успява да избяга от атаката, при която е ранен. През 1610 г. Караваджо отива по море за Рим, надявайки се на прошката на папата, но, не достигайки крайната цел, ограбен от носители, умира от малария.

Бунтарският дух на Караваджо се проявява в творчеството му. Стремейки се към истината, художникът изобразява хора от обикновените хора в религиозни и митологични композиции. Такива са героите на ранните му творби („Малкият болен Бакхус”, около 1591 г.; „Бакх”, 1592-1593 г.), в които сладкишно-красивите герои на академичното изкуство отстъпват място на образите на обикновени италианци с характерни черти на лицето ( бадемовидни нарязани очи, пълни устни, тъмни копринени къдрици). Реалността на героите се подчертава от детайлите на натюрморта: цветя, плодове, музикални инструменти. Интересът към натюрморта се забелязва в много произведения на Караваджо. През 1596 г. художникът изпълнява една от първите композиции в този жанр в историята на европейската живопис - "Кошница с плодове".

Стремейки се към автентичност, Караваджо винаги изобразява реалния живот в своите творби, колкото и груб и безмилостен да е той („Жертвата на Авраам“, 1594-1596; „Юдит и Олоферн“, 1595-1596). Според съвременници художникът, поканен на изложбата на антични статуи, остана безразличен към тяхната студена красота и, сочейки тълпите от хора наоколо, каза, че те, прости съвременници, го вдъхновяват. За да докаже думите си, художникът спря минаваща циганка и я нарисува, предсказвайки съдбата на млад мъж. Така се появява прочутата „Гадалка“ (1595).

Караваджо търси своите герои по улиците, в малки таверни, в една бохемска среда. Пише играчи, музиканти ("Играчи", 1594-1595; "Лютнист", 1595).

В зрелите си години Караваджо се обръща към монументалното изкуство. Той изобразява събитията от Свещената история за църквите Сан Луиджи деи Франческо и Санта Мария дел Пополо толкова реалистично и правдиво, колкото и жанровите сцени. Клиентите бяха недоволни от това: църквата не прие картината „Апостол Матей с ангел“, защото външният вид на светеца й се стори груб и неприличен. Художникът трябваше да нарисува друга картина.

Две монументални композиции на Караваджо станаха истински шедьоври: „Погребението“ (1602) и „Успение на Мария“ (1605-1606). Последната творба, поради реалистичното изобразяване на смъртта на Богородица, е отхвърлена от клиента - римската църква Санта Мария дела Скала. Художникът интерпретира темата за възнесението на Мария като проста житейска драма: смъртта на обикновена жена се оплаква от нейните роднини и приятели.

Картината „Погребението” е белязана с дълбока трагедия, но в същото време се отличава със сдържаност и правдивост, в нея няма преувеличен израз и екзалтация, характерни за живописта на много художници от епохата на барока. Изобразявайки мъртвия Христос и хора, скръбно замръзнали около него, художникът се стреми да предаде идеята за героичната смърт и го прави убедително и реалистично.

Тежките на живота и постоянните сблъсъци с църквата водят до засилване на трагичното звучене в творбите на Караваджо в последните години от живота му (Бичеването на Христос, 1607 г.; Седемте акта на милосърдието, 1607 г.).

Италианският майстор обръща голямо внимание на предаването на осветлението: действието в неговите творби обикновено се развива в полумрак, сноп светлина, идващ от дълбините, пресича пространството на платното (т.нар. осветление на мазето). Много художници от 17 век използвали в работата си тази техника, която придава драматизъм на изображението.

Творчеството на Караваджо оказва голямо влияние не само върху италианските, но и върху чуждестранните художници, които са работили в Рим. Последователите на художника разпространяват стила му, наречен "каравагизъм", в други европейски страни.

Повечето италиански караваджисти не достигат върха на славата на великия майстор. Сред тях има и тези, които са работили през първата половина на 17 век. Бартоломео Манфреди, Орацио Джентилески, Джовани Серодине, Джовани Батиста Карачоло, по прякор Батистело. В началото на кариерата си Рубенс, Рембранд, Вермеер, Веласкес, Рибера са любители на каравагизма.

Голяма популярност през 17 век. в Неапол е използван Salvator Rosa, чието име се свързва с появата на романтичен пейзаж в живописта.

Салватор Роза

През 1615 г. в къщата на геодезиста и архитект Витантонио Роза в малкото градче Аренела близо до Неапол се ражда момче. Кръстиха го Салваторе. От прозорците на полуразрушеното имение Казачо се откри прекрасна гледка към Неапол и връх Везувий. Около селото имаше много места, които омагьосваха с красотата си: високата скала Сан Елмо, крепостта Борго ди Аренела, построена по време на управлението на Карл V, хълмовете Вомеро и Посилипо, остров Капри, крайбрежието на Неаполския залив с прозрачни сини води. Всички тези изображения по-късно ще бъдат напълно отразени в картините на Салватор Роза. От ранна възраст бъдещият художник се опитва да заснеме вълнуващите го картини на природата върху малки листчета хартия.

Забелязали в сина си желание за знания, наука и изкуство, родителите решили да го насочат към йезуитския колеж на конгрегацията Сомаска, намиращ се в Неапол. Там Салватор Роза получава многостранно образование: изучава класическа литература, изучава граматика, реторика и логика. Освен всичко друго, той получи музикално образование, научи се да свири на арфа, флейта, китара и дори се опита да композира малки музикални произведения (известни са серенадите на Doncella, които той пише). Някои серенади бяха толкова популярни сред неаполитанците, че ги пееха ден и нощ под прозорците на любимия си.

След известно време Салватор Роза напуска колежа и се връща в родния си град Аренела, където среща местния художник Франческо Фраканцано, бивш ученик на испанския майстор на живописта Жусепе Рибера, който е изключително популярен в онези дни. Виждайки картините на Франческо, Салватор прави няколко копия от тях, за което заслужава похвала от Фраканцано, който успя да разпознае таланта на истински художник в младия мъж и го посъветва сериозно да се заеме с рисуването.

От този момент нататък Роза рисува много. В търсене на нови образи той тръгва да пътува из планините Абруци. По това време се появяват пейзажи с изображения на долините на Монте Саркио с угаснал вулкан, пещерите на Палиняно, пещерите на Отранто, както и руините на древните градове Канусия и Брундизия, руините на арката и амфитеатър на Беневенто.

Там, в планините Абруци и Калабрия, младият художник се срещна с скитници-разбойници, сред които бяха изгонени от обществото от "почтени" хора заради свободолюбиви, смели мисли. Появата на тези бандити шокира Салватор толкова много, че той реши да ги заснеме в албума си. Техните изображения след това са използвани в по-късните композиции на вече зрял майстор (тук е уместно да си припомним гравюрата от сюитата Капричи, която показва пленението на млад мъж от разбойници, водени от атаман), и също са отразени в картини изобразяващи бойни сцени.

Пътуването е плодотворно и значимо за развитието на пейзажното изкуство на младия художник. По време на пътуванията си той прави много скици с гледки към италианската природа. Пренесени след това в картини, тези пейзажи са необичайно реалистични, живи, естествени. Изглежда, сякаш природата е заспала само за миг. Изглежда, че след секунда всичко ще оживее, ще духа лек бриз, ще се люлеят дървета, ще чуруликат птици. Пейзажите на Роза съдържат голяма сила, особен израз. Фигурите на хора и сгради, като част от едно цяло, са в хармония с картините на природата.

Първата изложба на Salvator Rosa се проведе в Неапол. Един от тези, които забелязаха и оцениха работата на младия художник, беше известният майстор на монументалната живопис Джовани Ланфранко, който купи няколко пейзажа за себе си на изложбата.

В средата на 30-те години. 17-ти век Салватор Роза се премества в Рим – столицата на световното изобразително изкуство, където царят барок и класицизъм. Именно в Рим Роза се запозна с творчеството на такива големи майстори на живописта като Микеланджело, Рафаело, Тициан, Клод Лорен. Техният начин на писане до голяма степен повлия на формирането на творческия метод и художествено-визуалната техника на Роза. Това е най-забележимо в картини с морски пейзажи. И така, "Морско пристанище" е написано в най-добрите традиции на К. Лорейн. Младият художник обаче отива по-далеч от учителя. Пейзажът му е естествен и конкретен: идеалните, по-скоро дори абстрактни образи на Лорен са заменени тук от фигурите на обикновени рибари от Неапол.

Няколко месеца по-късно Роза, тежко болна, напуска великолепната и красива столица на Италия. Завръща се едва през 1639 г. Това лято се провежда карнавал в Рим, на който Роза се изявява като странстващ актьор под прикритието на Ковиело (плебей, който не приема съдбата си). И ако други Ковиело се опитаха да бъдат възможно най-много като истински селяни, тогава Роза перфектно победи маската му, композирайки цяло изпълнение и показвайки пеене и свирене на китара, весел млад мъж, който не губи дух при никакви обстоятелства и житейски несгоди. Карнавалното действие се проведе на площад Навона. Салватор Роза, с малка група актьори, излязъл в каруца, богато украсена с цветя и зелени клони. Успехът на Роза беше огромен.

След края на карнавала всички свалиха маските си. Каква беше изненадата на околните, когато се разбра, че не друг, а Салватор Роза се крие под прикритието на селянин.

След това Роза реши да се заеме с актьорско майсторство. Недалеч от Порта дел Пополо, в една от празните вили, той открива своя театър. Съдържанието на пиесите, поставени под режисурата на Роза, не е известно на изкуствоведите и историците. Има обаче факти, които говорят сами за себе си: след премиерата на пиесата, в която актьорите осмиваха придворния театър под режисурата на известния тогава архитект и скулптор Лоренцо Бернини, някой наема убийци за Роза. Те го чакаха близо до къщата.

За щастие опитът не се състоя - младежът оцеля. Поради тези обстоятелства обаче той е принуден отново да напусне Рим.

В отговор на поканата на кардинал Джовани Карло Медичи, Роза отива във Флоренция. Тук художникът твори
известен автопортрет.

Платното се отличава с оригиналност на изпълнение. Младият мъж, показан на портрета, изглежда донякъде ъглов. В него обаче се усеща кипяща енергия, изключителна сила на волята и решителност. На снимката млад мъж се обляга на дъска с надпис на латински: „Avt tace, Avt Loqver meliora silentio“ („Или мълчи, или кажи какво е по-добро от мълчание“). Този надпис звучи като напречна мисъл на цялото произведение на изкуството и в същото време като кредото на младия мъж, изобразен на платното (и следователно на самия художник).

Художникът майсторски владее играта на светлината и сянката. Изразителността на изображението се постига именно чрез ефекта на сянката, която рязко и понякога дори неочаквано се превръща в светли петна.

Неслучайно фигурата на млад мъж е разположена на фона на вечерното небе: образът на горд, независим млад мъж в тъмни дрехи се откроява на светъл фон и следователно става по-близо и по-разбираемо за зрителя .

В същия дух са създадени и добре познатите сатири на Роза, сред които специално място заемат „Поезия“, „Музика“, „Завист“, „Война“, „Живопис“, превърнала се в своеобразен химн на младият писател и художник. Тук авторът казва, че художниците, бидейки слуги на една от сестрите на изкуството – изобразителното изкуство, трябва да владеят добре историята, етнографията и точните науки. Стилът на Роза в поезията, както и в живописта, се проявява в своята цялост. Стихотворенията му са енергични, поривни, емоционални и на места прекалено груби и груби. Те са своеобразна опозиция на симпатичния и изкуствено театрален маниер на изграждане и звучене на поетични форми, които се развиват по това време в литературата.

Салватор Роза остава във Флоренция до 1654 г. Къщата му, според спомените на съвременници, е мястото, където постоянно се събират най-известните хора: поетът Р. Джамбатисти, художникът и писател Ф. Балдинучи, ученият Е. Торичели, професор от университета в Пиза Дж. Б. Рикиарди.

Една от централните идеи в бароковото изкуство на всекидневния живот е „да учиш зрителя или читателя ненатрапчиво, да учиш чрез красота”. Следвайки това негласно правило, художниците създават платна, при гледане на които зрителят има доста категорични асоциации, предизвикващи образите на литературни герои. И обратното, според писателите от бароковия период, едно поетическо произведение трябва да бъде такова, че след прочитането му пред очите на читателя да се появяват живописни, ярки и цветни картини.

Почти цялото художествено и визуално творчество на Роза се основава на създадените от него литературни образи. Ето колко картини са написани върху приказки и платна с батални сцени, възникнали след създаването на сатирите "Вещицата" и "Войната".

Платното, наречено „Лъжа“, е добра илюстрация към стихотворението „Махам ружа и боята от лицето си“. Тук се забелязва приликата на главния герой на картината със самия автор. Салватор Роза демонстрира отлично владеене на техниката на рисуване при предаването на мимики и жестове. Сюжетът е базиран на епизод, в който двама актьори водят разговор зад кулисите на театъра след представлението. Тонът на цялата работа се задава от необичайни преходи на светлината в сенки и използването на бои с определен цвят (тъмнокафяв фон, жълтеникави дрехи на актьора символизират лъжата и измамата). От особено значение е погледът на един от актьорите, насочен не към събеседника, а някъде встрани. Човекът сякаш се опитва да скрие мислите си от приятел.

Основната идея на платното може да се определи от думите на У. Шекспир, които се превърнаха в своеобразен девиз за бароковото изкуство, който каза, че хората са актьори на театралната сцена на живота. Основният метод за художествено представяне на реалността и личността в театрална постановка е измамата. Оттук в картината на Роза идва връзката между понятието лъжа и образа на драматичен актьор, който слага маска по време на представлението.

Идеята за възможността за съществуване на свръхчовек, надарен с много способности, най-ясно се проявява в портретите на Салватор Роза. Такъв е „Портретът на мъж“ („Портрет на бандит“), в който пред нас се появява мъж с остър, пронизителен, проницателен поглед и смъдяща усмивка, застинала на устните му. Това изображение не може да се нарече определено недвусмислено. Има нещо тревожно в очите на скитника и предупреждаващо нас, публиката, за силния, решителен и горд характер на този човек, чиито емоции могат да пробият и да излязат всеки момент. Портретът на бандит се оказва по-сложен от отворения и донякъде романтичен млад мъж от платното „Автопортрет“. Неяснота в интерпретацията на изображението възниква поради специалната комбинация и подреждане на светлината и сянката върху платното. Необичайно ярката изразителност на портрета се постига чрез владеене на техниката на рисуване и използването на контрастни цветове (тъмна шапка и светъл фон, бяла риза и черно кожено палто).

Изкуствоведите казват, че "Портретът на мъж" е същият автопортрет. Тук авторът, като професионален актьор, се опитва в ролята на бандит, готов да се бие с враговете си всяка секунда. Съвременниците пишат, че тук (точно както в „Автопортрет”) до голяма степен се проявява характерът на самия художник – бунтовник с решителен и силен характер. Героят на картината вече не е абстрактен персонаж, а реален човек, в чиято душа кипят бурни страсти.

Творчеството на Салватор Роза е началният етап във формирането и развитието на нова изобразителна форма - пейзаж-картина. Така конструираните произведения съчетават елементи, които реално съществуват в ежедневието и измислени.

Особено интересно и показателно е произведението на Роза, озаглавено "Пейзаж с мост", в момента се съхранява в галерия "Пити" във Флоренция. Платното представя малък пейзаж с мост и висока скала, която веднага се издига зад него под формата на арка. Двама пътници са на пътя. Изглежда са се изгубили на непознато място. Те питат пътя на някакъв рагъмфин. Две фигури се крият зад скала в далечината. Слънцето се скри зад облак. Край моста е тъмно, заради всеки храст или камък разбойници, които се крият от правосъдието и сами търсят истината, могат да нападнат минувач.

Може би това може да е интерпретацията на сюжета на картината. В него се създава впечатлението за безпокойство, известна неяснота благодарение на овладяването на художника в техниката на комбиниране на светли петна и сенки. Слънчевата светлина, ясно видима в далечината, на фона на композицията, постепенно се заменя върху платното от сянка, тъмнина, предизвиквайки у зрителя болезнени чувства и предчувствие за опасност.

Мостът, изобразен на снимката, както и издигащата се арка-скала, смяната на светлината и сянката - всичко придава на пейзажа необикновена динамика, вдъхва му живот.

Съвременниците на художника неведнъж са говорили за присъствието и преобладаването на романтични елементи в творчеството на Роза. Те са и в „Пейзаж с мост”: светла долина, удавена в лъчите на слънцето и тъмни, мрачни скали близо до моста, изпълнени с тревожно очакване.

Често природата е доминираща в цялостната композиция. Освен това този елемент е важен за оживяване на картината и създаване на определено настроение и асоциации у зрителя. В картината "Страх" се постига специална изразителност чрез сливане на човешки фигури и природа в едно цяло. Хората действат тук като неразделна част от света на дивата природа.

Специално настроение в пейзажа създава контрастът на светлината и сянката, в резултат на което в картината се появяват места, сякаш изтръгнали от мрака от светлинен лъч. Усещането за безпокойство се предизвиква и от определено положение на фигурите. Обратът на телата, израженията на лицето и жестовете на хората, използвани от художника, изразителните, плътни цветове предизвикват у зрителя чувство на тревожност и предстояща опасност.

Тази картина в момента се съхранява в галерия Pitti във Флоренция.

Салватор Роза също е създател на такъв вид пейзаж като философския. Ярък пример е известният Горски пейзаж с трима философи. Природата тук не само задава тон на цялостната композиция, но и изразява чувствата, емоциите, душевното състояние на трима мъже, които спорят може би за смисъла на земния живот и ежедневната човешка суматоха. Необикновената експресия се изразява в могъщи дървета, огъващи се под вятъра, облаци, които се движат бързо напред, почти изцяло покривайки прозрачното небе, жестикулиращи хора, опитващи се да си докажат нещо един на друг. Динамика и специална емоционалност се задават в картината от рязка смяна на светли и тъмни петна.

Смелият, понякога дори донякъде суров, вълнуващ начин на писане на Роза (контрастът на светлината и сянката, детайлите на пейзажа, яркият израз на цялостната композиция) по-късно е продължен в изкуството от художници-романти.

Почти всички натюрморти, създадени от Роза, се отличават със същия тревожен и непокорен характер. В Италия по това време натюрмортите на Паоло Порпора и Джузепе Реко са много популярни. Платната им привличаха зрителите с почти осезаемата реалност на нарисуваните от тях образи. Изглеждаше сякаш цветята, рибите, плодовете не бяха боядисани, а просто пренесени на стената, залепени за нея, изглеждаха толкова живи.

Следвайки принципа на бароковото изкуство (литературизация на произведения на изобразителното изкуство), Салватор Роза създава натюрморти, пълни с философско съдържание. Постоянни обекти на неговото внимание са старинни книги в порутени подвързии, различни музикални инструменти, музикални колекции, инструменти за наблюдение на звездите и почти винаги череп, символизиращ суетната суета на земния живот - Vanitas (от латински "суета на суетите").

Салватор Роза се смята за майстор в изобразяването на бойни сцени. Научава се да пише битки в работилницата на Аниело Фалконе (1607-1656). На платната на Фалконе е невъзможно да се намерят главните и второстепенните герои. Всички изображения образуват едно цяло и са подчинени на една задача: да се създаде реална картина, която предава без никакво преувеличение естеството на конкретна битка.

Същият маниер е характерен за Роза. Призивът му към темата за баталните сцени е свързан с воденето на войната от страните от Западна Европа, наречена по-късно Тридесетгодишна война.

Театърът на военните действия в Салватор Роза е изключително изразителен и като правило се намира до самия хоризонт на фона на разрушени, застинали в тишината архитектурни сгради (кули, дворци, храмове) и прозрачно синьо небе, на места покрити с едва видими бели облаци. Контрастът на ясното небе и полето, върху което се развиват драматични събития с участието на хора, прегърнати от омраза един към друг с изкривени от болка или гняв лица, допълнително откроява и изостря темата за безсмислието и трагедията на войната, вечната. за човечеството.

И тук художникът се изявява като прекрасен майстор, който владее изкуството да комбинира светлина и сянка. Светлинни лъчи, отделни човешки фигури и лица, изтръгнати от мрака, правят цялостната композиция изразителна, невероятно емоционална и динамична.

Една от най-интересните картини е „Битката”, изобразяваща битката между бунтовническите отряди и редовната испанска армия по време на въстанието, водено от Т. Масаниело. Има мнение, че Салватор Роза е участвал в това въстание. Предположението възникна поради факта, че самият художник е изобразен на платното, в левия ъгъл. Предположението, освен визуално сравнение, се потвърждава и от надписа върху доспехите на този воин: „Саро“ (Салватор Роза).

Въпреки това изкуствоведите все още не могат категорично да твърдят участието на Роза във въстанието. Според биографите Салватор Роза отсъства по това време в Неапол. Той беше във Флоренция и оттам проследи ужасните събития, които се случват в големия град. Трябва също да се отбележи, че художникът напълно и напълно споделя възгледите на бунтовниците. И за да изрази по някакъв начин отношението си към събитията и бунтовниците, той реши да се изобрази в битка.

През 1649 г. Салватор Роза напуска Флоренция и заминава за Рим, където се установява на Монте Пинчо, намиращ се на Пиаца дела Тринита дел Монте. От прозорците на къщата се откриваше прекрасна гледка към катедралата Свети Петър и Квириналския хълм. В квартала на Роза в онези дни са живели известните художници Никола Пусен и Клод Лорен, а недалеч от дома на художника е била вилата Медичи.

От появата на Салватор Роза във Флоренция, жителите на Монте Пинчо са разделени на два лагера. Една група беше водена от аскетично изглеждащ млад мъж Никола Пусен. Друг, който включваше известни музиканти, певци и поети, беше воден от Роза.

Салватор Роза превърна една от стаите на къщата си в работилница. Стените му бяха украсени с авторски творби на художника. Майсторът непрекъснато работи, създавайки платна с различно съдържание: на религиозни, митологични и исторически теми. Неговото кредо беше – постоянна работа, усъвършенстване на технологиите. Той каза на всички, че „звездната болест” (както биха казали сега нашите съвременници) може да погуби и най-силния и ярък талант. И следователно, дори след като слава и всеобщо признание са дошли до майстора, е необходимо да продължите да работите върху себе си и своите произведения.

В по-късния период от своето творчество Салватор Роза често се обръща към библейски и древни теми. За художника тук се оказва най-важното да предаде самия дух на онова време и неговите особености. Майсторът се опитва сякаш да съживи, да върне към живот всичко, което е съществувало много преди онези, чийто живот е служил като източник на приказно красиви и поучителни истории.

Това са добре познатите платна „Справедливостта, спускаща се към пастирите“ (1651), „Одисей и Навсикая“, „Демокрит и Протагор“ (1664), „Блудният син“.

Картината „Справедливостта, която се спуска при овчарите“ е базирана на добре познатия сюжет на „Метаморфозите“ на Овидий. На платното зрителят вижда богинята на справедливостта, която дава на овчарите меч и везни на правосъдието. Основната идея на платното може да се определи по следния начин: истинската справедливост е възможна само сред обикновените хора.

„Одисей и Навсикая“, „Демокрит и Протагор“ са написани от Салватор Роза след пристигането му от Венеция, където той се запознава с платната на венецианските художници (включително Паоло Веронезе, в чиито най-добри традиции са създадени гореспоменатите творби).

Във филма „Блудният син“ сюжетът, в сравнение с евангелската притча, се оказва донякъде опростен и обикновен. И така, героят е представен като обикновен неаполитански селянин. Тук също няма великолепна среда: блудният син се обръща към Бога, заобиколен от овни и крава. Огромният размер на платното, изобразяващ донякъде модифицирана сцена, предизвиква чувство на подигравка и сарказъм относно това, което се счита за добър вкус в обществото. Роза действа тук като наследник на идеите на реализма, чието формиране започва с творчеството на Микеланджело да Караваджо.

От 1656 г. Салватор Роза започва да работи върху цикъл от 72 гравюри, наречени "Капричи". Изображенията, изобразени на тези листове, са селяни, разбойници, скитници, войници. Някои детайли от гравюрите са характерни за ранното творчество на Роза. Това ни позволява да кажем, че съвсем вероятно цикълът включва скици, направени в детството, както и по време на пътуване през планините Абруцо и Калабрия.

Великият майстор на живописта, поет, прекрасен актьор и режисьор на драматични спектакли почина през 1673 г.

Виден представител на романтичното направление в италианската живопис от 17 век. беше Алесандро Манаско, който работи в Милано и Флоренция. Рисува портрети, композиции на митологични и религиозни сюжети, но любимите му жанрове са пейзажите и домашните сцени.

Художникът е привлечен от образите на странстващи музиканти, войници, цигани, комици. Голям интерес представлява поредица от картини на тема монашеския живот („Обядът на монахините“, „Погребението на монах“). Обикновеният, незабележим живот на манастира се превръща в мрачна комедия за Маняско. Гротескните фигури на монаси и монахини са преувеличено издължени, деформирани, а жестовете и позите им са пресилено изразителни. Празнотата на сивата монашеска действителност се подчертава от колоритът, издържан в тъмнокафяви и зеленикави нюанси.

Голямо място в картината на майстора заема пейзажът. Художникът изобразява мрачни руини, тъмни горски купи и морски бури. Гротескните човешки фигури сякаш се разтварят в природните елементи, придавайки на пейзажите фантастичен вид („Пейзаж с перални“; „Планински пейзаж“, 1720-те; „Проповед на св. Антоний Бреша“; „Морски пейзаж“, 1730-те). Въпреки иронията, присъстваща в образите на хора, гледайки картините, зрителят изпитва чувство на съжаление към монасите, музикантите, скитниците, които обитават причудливия свят на живописта на Маняско.