Интересни факти за Ярославския симфоничен оркестър. Видове оркестри, изпълняващи инструментална и симфонична музика. XVII-XVIII век: оркестърът като дворцова украса

дървени духови инструменти

Флейта (ит. flauto, френска флейта, немска флейта, английска флейта)

Флейтата е един от най-старите инструменти в света, познат от древни времена – в Египет, Гърция и Рим. От древни времена хората са се научили да извличат музикални звуци от отрязана тръстика, затворена в единия край. Този примитивен музикален инструмент очевидно е бил далечен прародител на флейтата. В Европа през Средновековието се разпространяват два вида флейта: права и напречна. Правата флейта, или „флейта с връх“, се държаше право напред, като обой или кларинет; наклонено, или напречно - под ъгъл. Напречната флейта се оказа по-жизнеспособна, тъй като беше лесна за подобряване. В средата на 18 век той най-накрая заменя правата флейта от симфоничния оркестър. В същото време флейтата, наред с арфата и клавесина, се превърна в един от най-обичаните домашни музикални инструменти. На флейта например са свирили руският художник Федотов и пруският крал Фридрих II.

Флейтата е най-мобилният дървен духов инструмент: по виртуозност тя превъзхожда всички останали духови инструменти. Пример за това е балетната сюита "Дафнис и Хлоя" от Равел, където флейтата всъщност действа като соло инструмент.

Флейтата е цилиндрична тръба, дървена или метална, затворена от едната страна - в главата. Има и страничен отвор за впръскване на въздух. Свиренето на флейта изисква голям разход на въздух: при вдухване част от него се счупва на острия ръб на дупката и напуска. От това се получава характерен сибилантен обертон, особено в нисък регистър. По същата причина продължителните ноти и широките мелодии са трудни за свирене на флейта.

Римски-Корсаков описва звучността на флейтата по следния начин: „Тембърът е студен, най-подходящ за мелодии с грациозен и лекомислен характер в мажор и с нотка на повърхностна тъга в минор”.

Композиторите често използват ансамбъл от три флейти. Пример е танцът на овчарките от "Лешникотрошачката" на Чайковски..

Обой (на немски: Oboe)

В древността на своя произход, обойът се съревновава с флейтата: той проследява произхода си от примитивната флейта. От предците на обоя най-широко използван е гръцкият aulos, без който древните елини не могат да си представят нито празник, нито театрално представление. Предците на обой са дошли в Европа от Близкия изток.

През 17-ти век е създаден обой от бомбарда - инструмент тип тръба, който веднага става популярен в оркестъра. Скоро се превърна и в концертен инструмент. Почти век обойът е идол на музиканти и меломани. Най-добрите композитори от 17-ти и 18-ти век - Люли, Рамо, Бах, Хендел - отдават почит на това хоби: Хендел, например, пише концерти за обой, чиято трудност може да обърка дори съвременните обоисти. Въпреки това, в началото на 19 век „култът“ към обой в оркестъра донякъде избледнява и водещата роля в групата на дървените духове преминава към кларинета.

По своята структура обойът е конична тръба; в единия й край е малко фуниевидно звънче, в другия - бастун, който изпълнителят държи в устата си.

Благодарение на някои конструктивни характеристики, обойът никога не губи своята настройка. Затова се превърна в традиция целият оркестър да се настройва към него. Пред симфоничен оркестър, когато музикантите се събират на сцената, не е рядкост да чуете как обоистът свири първа октава в ля, а останалите изпълнители да настройват фино инструментите си.

Обойът има подвижна техника, въпреки че е по-нисък в това отношение на флейтата. Това е по-скоро пеене, отколкото виртуозен инструмент: по правило неговата сфера е тъга и елегичност. Така звучи в темата за лебедите от антракта към второто действие на „Лебедово езеро” и в простата меланхолична мелодия на втората част на 4-та симфония на Чайковски. Понякога на обой се възлагат „комични роли“: в „Спящата красавица“ на Чайковски, например, във вариацията на „Котката и котето“, обойът забавно имитира мяукането на котката.

Фагот (It.fagotto, немски Fagott, френски фагот, английски фагот)

За прародител на фагота се смята старата басова тръба – бомбарда. Фаготът, който го заменя, е построен от каноника Афраньо дельи Албонези през първата половина на 16 век. Голяма дървена тръба, огъната наполовина, наподобявала сноп дърва за огрев, което е отразено в името на инструмента (италианската дума fagotto означава „връзка“). Фаготът покорява съвременниците си с благозвучието на тембъра, които за разлика от дрезгавия глас на бомбардата започват да го наричат ​​„долчино” – сладко.

В бъдеще, като запази външните си очертания, фаготът претърпя сериозни подобрения. От 17-ти век той влиза в симфоничния оркестър, а от 18-ти век - в армията. Коничният дървен ствол на фагот е много голям, така че е "сгънат" наполовина. В горната част на инструмента е прикрепена извита метална тръба, върху която се поставя бастун. По време на играта фаготът се окачва на струна около врата на изпълнителя.

През 18 век инструментът се радва на голяма любов сред съвременниците: някои го наричат ​​„горд“, други – „нежен, меланхоличен, религиозен“. Римски-Корсаков определи цвета на фагота по много особен начин: „Тембърът е сенилно подигравателен в мажор и болезнено тъжен в минор”. Изпълнението на фагот изисква много дишане, а форте в нисък регистър може да причини изключителна умора за изпълнителя. Функциите на инструмента са много разнообразни. Вярно е, че през 18-ти век те често се ограничават до поддържане на струнни баси. Но през 19 век, с Бетовен и Вебер, фаготът става индивидуален глас на оркестъра и всеки от следващите майстори открива нови свойства в него. Майербер в "Роберт Дявола" принуди фаготите да изобразят "смъртен смях, от който скреж раздира кожата" (думите на Берлиоз). Римски-Корсаков в "Шехерезада" (разказ на княз Календер) открива поетичен разказвач във фагот. В тази последна роля фаготът се представя особено често – вероятно затова Томас Ман нарече фагот „присмехулник“. Примери могат да бъдат намерени в Хумористичното скерцо на Прокофиев за четири фагота и в „Петя и вълкът“ на Прокофиев, където фаготът получава „ролята“ на дядо, или в началото на финала на Деветата симфония на Шостакович.

контрафагот

Разновидностите на фагот в наше време са ограничени само до един представител - контрафагот. Това е най-ниският инструмент на оркестъра. По-ниско от ограничаващите звуци на контрафагот звучат само басите на педала на органа.

Идеята да продължи фаготната гама надолу се появи много отдавна - първият контрафагот е построен през 1620 г. Но той беше толкова несъвършен, че до края на 19 век, когато инструментът беше подобрен, много малко хора се обърнаха към него: от време на време Хайдн, Бетовен, Глинка.

Съвременният контрафагот е инструмент, огънат три пъти: дължината му в разширена форма е 5 m 93 cm (!); по техника прилича на фагот, но е по-малко пъргав и има плътен, почти органоподобен тембър. Композиторите от 19 век - Римски-Корсаков, Брамс - обикновено се обръщат към контрафагот, за да подобрят баса. Но понякога за него се пишат интересни сола.Равел например в „Разговорът на красавицата и звяра” (балетът „Моята майка гъската”) му поверява гласа на чудовището.

Кларинет (ит. кларинет, немски кларинет, френски кларинет,)

Ако обойът, флейтата и фаготът са били в оркестъра повече от четири века, то кларинетът здраво влиза в него едва през 18 век. Родоначалникът на кларинета е средновековен народен инструмент - флейта "чалумо". Смята се, че през 1690 г. немският майстор Денер успява да го подобри. Горният регистър на инструмента поразява съвременниците със своя остър и пронизващ тембър - веднага им напомня за звука на тромпет, който по това време се нарича "кларино". Новият инструмент получи името clarinetto, което означава „малка тромпет“.

На външен вид кларинетът прилича на обой. Представлява цилиндрична дървена тръба със звънче във формата на корона в единия край и връх на бастун в другия.

От всички дървени духови, само кларинетът има гъвкавостта да променя силата на звука. Това и много други качества на кларинета го превърнаха в един от най-изразителните гласове в оркестъра. Любопитно е, че двама руски композитори, занимаващи се с един и същи сюжет, действат по абсолютно един и същи начин: и в двете „Снежанката“ – Римски-Корсаков и Чайковски – овчарските мелодии на Лел са поверени на кларинета.

Тембърът на кларинета често се свързва с мрачни драматични ситуации. Тази област на изразителност е „открита“ от Вебер. В сцената „Wolf Valley” от „Magic Shooter” той за първи път се досеща какви трагични ефекти се крият в ниския регистър на инструмента. По-късно Чайковски използва зловещия звук на ниските кларинети в „Пиковата дама“ в момента, когато се появява призракът на графинята.

Малък кларинет.

Малкият кларинет дойде в симфоничния оркестър от военния духов. За първи път е използван от Берлиоз, който му поверява изкривената „любима тема“ в последната част от Фантастичната симфония. Малкият кларинет често е използван от Вагнер, Римски-Корсаков, Р. Щраус. Шостакович.

Басет рог.

В края на 18 век семейството на кларинетите се обогатява с още един член: в оркестъра се появява басет валдхорната - стара разновидност на алт кларинет. По размер той надминава основния инструмент, а тембърът му - спокоен, тържествен и матов - заема междинно положение между обичайния и бас кларинета. Той остава в оркестъра само няколко десетилетия и дължи разцвета си на Моцарт. Именно за два басета с фагот е написано началото на "Реквиема" (сега басет валдхорните се заменят с кларинети).

Опит за възраждане на този инструмент под името алт кларинет е направен от Р. Щраус, но оттогава изглежда не е имал повторения. В днешно време басет рогите са включени във военните оркестри.

Бас кларинет.

Бас кларинетът е най-„впечатляващият“ член на семейството. Построен в края на 18-ти век, той печели силни позиции в симфоничния оркестър. Формата на този инструмент е доста необичайна: звънецът му е огънат нагоре, като лула за пушене, а мундщукът е монтиран върху извита пръчка - всичко това, за да се намали прекомерната дължина на инструмента и да се улесни използването му. Майербер е първият, който „открива“ огромната драматична сила на този инструмент. Вагнер, започвайки с "Лоенгрин", го прави постоянен бас дървесен духовител.

Руските композитори често използват бас кларинет в работата си. И така, мрачните звуци на бас кларинета се чуват в 5-та картина на „Пиковата дама“ по времето, когато Херман чете писмото на Лиза. Сега бас-кларинетът е постоянен член на голям симфоничен оркестър и функциите му са много разнообразни.

Визуализация:

месинг

саксофон

Създател на саксофона е изключителният френско-белгийски инструментален майстор Адолф Сакс. Сакс изхожда от теоретично предположение: възможно ли е да се създаде музикален инструмент, който да заема междинна позиция между дървени духови и месингови? Такъв инструмент, способен да свърже тембъра от мед и дърво, имаше голяма нужда от несъвършените военни духови оркестри на Франция. За да осъществи плана си, А. Сакс използва нов принцип на конструкцията: той свързва конична тръба с тръстика за кларинет и клапанен механизъм на обой. Корпусът на инструмента беше изработен от метал, външните очертания наподобяваха бас-кларинет; разширена в края силно извита нагоре тръба, към която е прикрепен бастун върху метален връх, огънат във формата на "S". Идеята на Сакс беше брилянтно успешна: новият инструмент наистина се превърна в връзката между медните и дървените духови инструменти във военните оркестри. Освен това тембърът му се оказа толкова интересен, че привлече вниманието на много музиканти. Оцветяването на звука на саксофона напомня едновременно на английския валторна, кларинет и виолончело, но силата на звука на саксофона далеч надхвърля силата на звука на кларинета.

Започвайки своето съществуване във военните духови оркестри на Франция, саксофонът скоро е въведен в оперния и симфоничен оркестър. За много дълго време - няколко десетилетия - само френски композитори се обръщат към него: Томас ("Хамлет"), Масне ("Вертер"), Бизе ("Арлезиен"), Равел (инструментация на "Катринок" на Мусоргски на изложба). Тогава в него повярваха и композиторите от други страни: Рахманинов, например, повери на саксофона една от най-добрите си мелодии в първата част на Симфоничните танци.

Любопитно е, че по своя необичаен път саксофонът трябваше да се сблъска с мракобесието: в Германия през годините на фашизма той беше забранен като инструмент от неарийски произход.

През десетите години на 20-ти век музикантите от джаз ансамбли обръщат внимание на саксофона и скоро саксофонът става "краля на джаза".

Много композитори от 20-ти век оценяват този интересен инструмент. Дебюси пише Рапсодия за саксофон и оркестър, Глазунов - Концерт за саксофон и оркестър, Прокофиев, Шостакович и Хачатурян многократно се позовават на него в своите произведения.

Френски валдхорн (ит. corno, немски валдхорн, френски кор, английски валдхорн)

Родоначалникът на съвременния рог е рогът. От древни времена сигналът на рога известява началото на битката, през Средновековието и по-късно – до началото на 18 век – се чува на лов, състезания и тържествени съдебни церемонии. През 17 век ловният рог от време на време се въвежда в операта, но едва през следващия век става постоянен член на оркестъра. А самото име на инструмента - рог - напомня за неговата минала роля: тази дума идва от немското "Waldhorn" - "горски рог". На чешки този инструмент все още се нарича горски рог.

Металната тръба на стария рог беше много дълга: при разгъване някои от тях достигаха 5 м 90 см. Беше невъзможно да се държи такъв инструмент изправен в ръцете; така че роговата тръба беше огъната и оформена в изящна форма, подобна на черупка.

Звукът на стария рог беше много красив, но инструментът се оказа ограничен в звуковите си възможности: беше възможно да се извлече само така наречената естествена скала, тоест онези звуци, които възникват от разделянето на колоната от въздух, съдържаща се в тръбата на 2, 3, 4, 5, 6 и т.н. части. Според легендата през 1753 г. дрезденският валторнист Гампел случайно пъхнал ръката си в камбаната и открил, че настройката на клаксона е паднала. Оттогава тази техника е широко използвана. Получените по този начин звуци се наричали „затворени“. Но те бяха глухи и много различни от светлите отворени. Не всички композитори често рискуват да се обърнат към тях, като обикновено се задоволяват с кратки, добре звучащи фанфарни мотиви, изградени върху отворени звуци.

През 1830 г. е изобретен клапанният механизъм - постоянна система от допълнителни тръби, която ви позволява да получите пълна, добре звучаща хроматична скала на клаксона. Няколко десетилетия по-късно подобреният валдхорн най-накрая замени стария естествен, който за последно е използван от Римски-Корсаков в операта Майска нощ през 1878 г.

Хорнът се счита за най-поетичния инструмент в духовата група. В ниския регистър тембърът на клаксона е някак мрачен, в горния регистър е много напрегнат. Рогът може да пее или бавно да разказва. Квартетът на клаксона звучи много меко – можете да го чуете във „Валсът на цветята“ от балета „Лешникотрошачката“ на Чайковски.

Тромпет (ит. tromba, немски Trompete, френски trompette, английски тромпет)

От древни времена - в Египет, на Изток, в Гърция и Рим - не можеха без тръба нито във война, нито в тържествени култови или съдебни церемонии. Тръбата е част от оперния оркестър от самото му създаване; „Орфей“ на Монтеверди вече беше прозвучал пет тръби.

През 17-ти и първата половина на 18-ти век са написани много виртуозни и високи партии за тромпети, чийто прототип са сопрановите партии във вокалните и инструментални композиции от онова време. За да изпълнят тези най-трудни части, музикантите от времето на Пърсел, Бах и Хендел използваха естествени инструменти, обичайни за онази епоха, с дълга тръба и мундщук на специално устройство, което позволяваше лесно извличане на най-високите обертони. Тръба с такъв мундщук се наричаше "кларино", същото име е дадено в историята на музиката и стила на писане за нея.

През втората половина на 18 век, с промяна в оркестровото писане, стилът на клариното е забравен и тромпетът се превръща предимно в инструмент за фанфари. Той беше ограничен във възможностите си като валдхон и беше в още по-лошо положение, тъй като „затворените звуци“, които разширяваха гамата, не бяха използвани върху него поради лошия им тембър. Но през тридесетте години на 19 век, с изобретяването на клапанния механизъм, започва нова ера в историята на тръбата. Той се превърна в хроматичен инструмент и след няколко десетилетия замени естествената тромпет от оркестъра.

Тембърът на тромпета не се характеризира с лирика, а с героизма, който успява по най-добрия възможен начин. Сред виенската класика тромпетите са били чисто фанфарен инструмент. Те често изпълняват същите функции в музиката на 19 век, като обявяват началото на шествия, маршове, тържествени тържества и ловове. Вагнер използва тръбите повече от другите и по нов начин. Техният тембър почти винаги се свързва в оперите му с рицарска романтика и героизъм.

Тромпетът е известен не само със силата си на звука, но и със своята изключителна силавиртуозни качества.

туба (it.tuba)

За разлика от други представители на духовата група духови инструменти, тубата е доста млад инструмент. Построена е през втората четвърт на 19 век в Германия. Първите туби са били несъвършени и първоначално са били използвани само във военни и градински оркестри. Едва когато стигна до Франция, в ръцете на инструменталния майстор Адолф Сакс, тубата започна да отговаря на високите изисквания на симфоничния оркестър.

Тубата е бас инструмент, способен да достигне най-ниския край на диапазона в групата на духовете. В миналото функциите му се изпълняваха от змията, инструмент с причудлива форма, който дължи името си на нея (на всички романски езици змията означава „змия“) – след това басовите и контрабасовите тромбони и офиклеидът с неговия варварски тембър. Но качествата на звука на всички тези инструменти бяха такива, че не дадоха на духовия оркестър добър, стабилен бас. Докато се появи тубата, майсторите упорито търсят нов инструмент.

Размерите на тубата са много големи, тръбата й е два пъти по-дълга от тръбата на тромбона. По време на играта изпълнителят държи инструмента пред себе си с вдигната камбана.

Тубата е хроматичен инструмент. Консумацията на въздух в тръбата е огромна; понякога, особено при forte в нисък регистър, изпълнителят е принуден да сменя дъха си при всеки звук. Следователно солата на този инструмент обикновено са доста кратки. Технически тубата е подвижна, макар и тежка. В оркестър тя обикновено служи като бас в трио от тромбони. Но понякога тубата действа като соло инструмент - така да се каже, в характерни роли. Така, докато инструментира „Картини на изложба“ на Мусоргски в пиесата „Говеда“, Равел поверява на бас тубата хумористичен образ на гърмяща каруца, влачеща се по пътя. Партията на тубата е написана тук в много висок регистър.

Тромбон (ит., английски, френски тромбон)

Тромбонът получава името си от италианската дума за тромба, тромба, с увеличаващата наставка "едно": тромбон буквално означава "тромба". И наистина: тръбата на тромбона е два пъти по-дълга от тази на тромпета. Още през 16-ти век тромбонът получава съвременната си форма и от самото си създаване е хроматичен инструмент. Пълната хроматична гама се постига на него не чрез механизма на клапаните, а с помощта на т. нар. бекстейдж. Бекстейджът представлява дълга допълнителна тръба, оформена като латинската буква U. Тя се вкарва в основната тръба и я удължава при желание. В този случай системата на инструмента намалява съответно. Изпълнителят натиска крилата надолу с дясната си ръка, а поддържа инструмента с лявата.

Тромбоните отдавна са "семейство", състоящо се от инструменти с различни размери. Не толкова отдавна семейството на тромбони се състоеше от три инструмента; всеки от тях съответства на един от трите гласа на хора и получава името си: тромбон-алт, тромбон-тенор, тромбон-бас.

Свиренето на тромбон изисква огромно количество въздух, тъй като движението на крилата отнема повече време, отколкото натискането на клапите на рог или тромпет. Технически тромбонът е по-малко подвижен от съседите си в групата: скалата на него не е толкова бърза и ясна, форте е малко тежък, легато е трудно. Кантилена на тромбон изисква много напрежение от изпълнителя. Този инструмент обаче има качества, които го правят незаменим в оркестъра: звукът на тромбона е по-мощен и мъжествен. Монтеверди в операта "Орфей" може би за първи път усети трагичния характер, присъщ на звука на тромбонен ансамбъл. И като се започне от Глук, три тромбона станаха задължителни в оперния оркестър; те често се появяват в кулминацията на драма.

Тромбоновото трио е добро в ораторските фрази. От втората половина на 19 век групата за тромбон е допълнена от бас инструмент - тубата. Заедно три тромбона и туба образуват квартет "тежък месинг".

Върху тромбона е възможен много особен ефект – глисандо. Постига се чрез плъзгане на бекстейджа в една позиция на устните на изпълнителя. Тази техника е била позната дори на Хайдн, който в ораторията „Четирите годишни времена“ я е използвал, за да имитира лая на кучета. Глисандо се използва широко в съвременната музика. Любопитно е умишлено виещото и грубо глисандо на тромбона в танца на сабята от балета на Хачатурян „Гаяне“. Интересен е и ефектът на тромбон със заглушаване, което придава на инструмента зловещ, странен звук.

Флугелхорн (Немски Flugelhorn, от Flugel - „крило“ и Horn - „рог“, „рог“)

Меден музикален инструмент. Външно той е много подобен на тръба или корнет-бутало, но се различава от тях по по-широк мащаб и коничен отвор, започващ непосредствено от мундщука на тръбата. Има 3 или 4 клапана. Използва се в джаз ансамбли, понякога в симфоничен оркестър, по-рядко в духови оркестри. Флугелхорните често се свирят от тромпети, изпълнявайки необходимите пасажи на този инструмент.

Визуализация:

Цигулка (ит. виолино, френска цигулка, английска цигулка, немска цигулка, Geige)

Цигулката с право се нарича наследник на други, по-ранни струнни инструменти.

Първият лък инструмент - фидел - се появява в Европа през 10-11 век,другият - жига - станалюбимият музикален инструмент на френските менестрели, странстващи певци и музиканти от 12-ти и 13-ти век. След известно време фидели, ребеки и джиги отстъпиха място на старите виоли: виола да гамба, виола да бардоне, виола квинтон - мястото на което от своя страна беше заето от цигулки. Те се появяват във Франция и Италия още в началото на 16 век, а малко след това изкуството да се правят струни за лък се разпространява в цяла Европа. Започват да се правят в Тирол, Виена, Саксония, Холандия и Англия, но Италия се славеше с най-добрите цигулки. В Бреша и Кремона - два малки града в североизточната част на страната - преди повече от пет века са работили изключителни майстори: Гаспаро Бертолоти (по прякор де Сало) в Бреша и Андреа Амати в Кремона. Изкуството на правене на цигулки се предава от поколение на поколение и в продължение на двеста години семействата Амати, Гуарнери и Страдивари създават инструменти, които все още се смятат за сред най-добрите.

Формата на цигулката е определена още през 16 век и оттогава се променя само в детайли.

Всичко, което се казва за техниката на струните, се отнася конкретно за цигулката: тя е най-многоподвижен и гъвкав инструмент сред струнни. Техническите му възможности нарастват заедно с изкуството на такива виртуози като Витали, Торели и Корели през 17-ти век,и по-късно - Тартини,Виоти, Шпор, Виетан, Берио, Виенявски, Сарасате, Изайе и, разбира се, Н. Паганини. Той владее невероятното изкуство да свири на двойни ноти, акорди, пицикато, хармоници. Когато по време на концерт струните му се скъсаха, той продължи да свири на останалите.

Неустоим ефект придава солото на цигулката, изпълняващо основната тема – за пример може да се посочи „Шехерезада“ на Римски-Корсаков.

Въпреки всичките си качества, цигулката, заедно с пианото, отдавна играе водеща роля сред соло концертните инструменти.

Визуализация:

Барабани

тимпани (It.timpani, френски тимбали, немски Pauken)

Тимпаните са един от най-древните инструменти в света. От древни времена те са били широко разпространени в много страни: на Изток и Африка, в Гърция, в Рим и сред скитите. Свирейки на тимпани, хората придружавали важни събития в живота си: празници и войни.

В Европа отдавна съществуват малки, ръчни тимпани. Средновековните рицари са ги използвали, докато са на коне. Големите тимпани навлизат в Европа едва през 15 век – през Турция и Унгария. През 17 век тимпаните влизат в оркестъра.

Съвременните тимпани външно приличат на големи медни котли на стойка, покрити с кожа. Кожата се придърпва здраво над котела с няколко винта. Удряха кожата с две пръчки с меки кръгли връхчета от филц.

За разлика от други ударни инструменти с кожа, тимпаните произвеждат звук с определена височина. Всеки тимпан е настроен на определен тон, следователно, за да се получат два звука, чифт тимпани започва да се използва в оркестъра от 17-ти век. Тимпаните могат да бъдат възстановени: за това изпълнителят трябва да затегне или разхлаби кожата с винтове: колкото по-голямо е напрежението, толкова по-висок е тонът. Тази операция обаче отнема много време и е рискована по време на изпълнение. Ето защо през 19-ти век майсторите изобретяват механични тимпани, бързо настроени с помощта на лостове или педали.

Ролята на тимпаните в оркестъра е доста разнообразна. Техните удари подчертават ритъма на други инструменти, образувайки или прости, или сложни ритмични фигури. Бързо редуващите се удари на двете пръчки (тремоло) произвеждат ефективно натрупване или възпроизвеждане на гръм. Хайдн също така изобразява гръмотевични трясъци с помощта на тимпани в „Четирите годишни времена“. Шостакович в Девета симфония кара тимпаните да имитират канонадата. Понякога на тимпаните се приписват малки мелодични сола, като например в първата част от Единадесетата симфония на Шостакович.

Малък барабан (It.tamburo (военни), френски tambour (военни), немски Trommel, английски страничен барабан)

Малкият барабан е основно военен инструмент. Представлява плосък цилиндър, покрит с кожа от двете страни. Струните се опъват под кожата от долната страна; отговаряйки на ударите на пръчките, те придават на звука на барабана характерно пукане. Битът на барабана звучи много интересно - тремоло с две пръчки, които могат да бъдат докарани до максимална скорост. Силата на звука в такова тремоло варира от шумолене до гръмотевично пукане. Увертюрата към "Крадливата сврака" от Росини започва с изстрел на два барабана;

Понякога струните под долната кожа на барабана се спускат и те спират да реагират на ударите на пръчките. Този ефект е еквивалентен на въвеждането на заглушаване: малкият барабан губи своята звукова сила. Така звучи в танцовата секция "Принц и принцеса" в "Шехерезада" от Римски-Корсаков.

Малкият барабан се появява за първи път в малката опера през 19-ти век и отначало е въведен само във военни епизоди. Майербер е първият, който извади барабана от военните епизоди в оперите „Хугенотите“ и „Пророкът“.

В някои случаи малкият барабан става „протагонист“ не само в големи симфонични епизоди, но и в цялото произведение. Пример за това е „епизодът на инвазия“ от Седмата симфония на Шостакович и „Болеро“ на Равел, където един и след това два барабана задържат целия ритмичен пулс на музиката.

Бас барабан (ит. gran casso, френски grosse caisse, немски grobe Trommel, английски бас барабан).

В днешно време има два вида бас барабани. Един от тях е метален цилиндър с голям диаметър - до 72 см - покрит с кожа от двете страни. Този тип бас барабан се използва широко във военните групи, джаз групите и американските симфонични групи. Друг вид барабан е обръч с кожа от едната страна. Появява се във Франция и бързо се разпространява в симфоничните оркестри на Европа. За удар по кожата на бас барабана се използва дървена пръчка с мек чук, покрит с филц или корк.

Много често ударите на бас барабана са придружени от звука на чинели или се редуват с него, както е в забързания танц „В залата на планинския крал“ от „Пер Гюнт“ на Григ. На големия барабан е възможно и бързо редуване на удари – тремоло. За да направите това, използвайте пръчка с два чукчета в двата края или пръчки за тимпани. Римкси-Корсаков използва много успешно тремолото на бас барабана в инструментацията на симфоничната картина на Мусоргски „Нощ на плешива планина“.

Първоначално големият барабан се появява само в "турската музика", но от началото на 19 век те често започват да го използват за звуково-визуални цели: за имитиране на канонада, гръм. Бетовен включва три големи барабана в „Битката при Витория“ – за изобразяване на изстрели на оръдия. За същата цел Римски-Корсаков използва този инструмент в „Приказката за цар Салтан“, Шостакович в Единадесета симфония, Прокофиев в осмата сцена на операта „Война и мир“ (началото на Бородинската битка). В същото време големият барабан звучи и там, където няма звукоподражание, и особено често - в шумно,

Ксилофон (ит. xylofono, френски ксилофон)

Ксилофонът очевидно се е родил в момента, когато първобитният човек удари с пръчка сух дървен блок и чу звука на определен тон. Много от тези примитивни дървени ксилофони са открити в Южна Америка, Африка и Азия. В Европа от 15 век този инструмент попада в ръцете на пътуващи музиканти и едва в началото на 19 век се превръща в концертен инструмент. Усъвършенстването си дължи на могилевския музикант-самоук Михаил Йосифович Гузиков.

Звучащото тяло в ксилофона е дървени блокове с различни размери (ксилон - на гръцки "дърво", телефон - "звук"). Подредени са в четири реда върху матиращи снопчета. Изпълнителят може да ги навива и да ги подрежда на специална маса по време на играта; На ксилофон се свири с два дървени кози крака. Звукът на ксилофона е сух, бърз и остър. Той е много характерен по цвят, така че появата му в музикално произведение обикновено се свързва със специална сюжетна ситуация или особено настроение. Римски-Корсаков в „Приказката за цар Салтан” поверява на ксилофона песента „В градината, в градината” в момента, когато катерицата гризе златни ядки. Лядов рисува полета на Баба Яга в хаванче със звуците на ксилофон, опитвайки се да предаде пукането на чупливи клони. Доста често тембърът на ксилофона предизвиква мрачно настроение, създава причудливи, гротескни образи. Кратките фрази на ксилофона в „епизода на нашествието“ от Седмата симфония на Шостакович звучат меланхолично.

Ксилофонът е много виртуозен инструмент. На него е възможна голяма плавност при бързи пасажи, тремоло и специален ефект - глисандо: бързо движение на пръчка по щангите.

Чини (It.piatti, френски чинели, немски Becken, английски чинели)

Плочките са били познати още на античния свят и древния Изток, но турците са известни със своята особена любов и изключително изкуство да ги правят. В Европа плочите стават популярни през 18 век, след войната с османците.

Чинелите са големи метални чинии, изработени от медни сплави. Чинелите са леко изпъкнали в центъра – тук са прикрепени кожени каишки, за да може изпълнителят да държи инструмента в ръцете си. На чинелите се свирят изправени, така че нищо да не пречи на вибрацията им и звукът да се разпространява свободно във въздуха. Обичайният метод за свирене на този инструмент е наклонен, плъзгащ се удар на един чинел срещу друг - след това се чува звучен метален плисък, който виси във въздуха за дълго време. Ако изпълнителят иска да спре вибрацията на чинелите, той ги приближава до гърдите си и вибрациите намаляват. Композиторите често придружават удара на чинели с гръмотевицата на бас барабана; тези инструменти често звучат заедно, както например в първите тактове на финала на 4-та симфония на Чайковски. В допълнение към наклонения удар има няколко други начина за свирене на чинели: когато, например, свободно висящ чинел се удря или с пръчка за тимпани, или с дървени пръчки за малък барабан.

Симфоничният оркестър обикновено използва един чифт чинели. В редки случаи – като например в Погребалната и Триумфалната симфония на Берлиоз се използват три чифта чинии.

Триъгълник (ит. triahgalo, френски триъгълник, немски триангел, английски триъгълник)

Триъгълникът е един от най-малките инструменти в симфоничния оркестър. Представлява стоманен прът, огънат под формата на триъгълник. Окачва се на вена и се удря с малка метална пръчка - чува се звънлив, много ясен звук.

Начините за игра на триъгълника не са много разнообразни. Понякога върху него се извлича само един звук, понякога прости ритмични модели. Звучи добре на тремоло триъгълник.

Триъгълникът се споменава за първи път през 15 век. През 18 век е използван в опера от композитора Гретри. Тогава триъгълникът става неизменен член на "турския", т.е. екзотична музика, появяваща се заедно с бас барабан и чинели. Тази ударна група е използвана от Моцарт в "Отвличането от сераля", Бетовен в "Турския марш" от "Руините на Атина" и някои други композитори, които се стремят да възпроизведат музикалния образ на Изтока. Триъгълникът е интересен и с грациозни танцови пиеси: в танца на Анитра от „Пер Гюнт“ на Григ, „Валс-фантазия“ на Глинка.

Камбани (ит. campanelli, фр. carillon, germ. Glockenspiel)

Камбаните са може би най-поетичният ударен инструмент. Името му идва от древната му разновидност, където звучащото тяло представлявало малки звънчета, настроени на определена височина. По-късно те бяха заменени с набор от метални пластини с различни размери. Подредени са в два реда, като клавиши на пиано, и са закрепени в дървена кутия. Камбаните се свирят с два метални чукчета. Има и друга разновидност на този инструмент: звънци на клавиатурата. Имат клавиатура за пиано и чукове, които предават вибрации от клавишите към металните пластини. Тази верига от механизми обаче не се отразява много добре в звука им: не е толкова ярък и звънтящ, както на обикновените камбани. Въпреки това, отстъпвайки на камбаните на чука в красотата на звука, клавиатурите ги превъзхождат в техническо отношение. Благодарение на клавиатурата на пианото, на тях са възможни доста бързи пасажи и полифонични акорди. Тембърът на камбаните е сребрист, нежен и звучен. Те звучат във Вълшебната флейта на Моцарт, когато Папагено излиза, в арията със звънци в Лакма на Делиб, в Снежанката на Римски-Корсаков, когато Мизгир, преследвайки Снежанката, вижда светлините на светулките, в Златния петел, когато Астрологът си тръгва .

Камбани (ит. campane, fr. cloches, germ. Glocken)

От древни времена звънът на камбаните е призовавал хората към религиозни церемонии и празници, а също така е обявявал нещастия. С развитието на операта, с появата на исторически и патриотични сюжети в нея, композиторите започват да въвеждат камбани в операта. Особено богато са представени звуците на камбаните в руската опера: тържественият звън в „Иван Сусанин“, „Приказката за цар Салтан“, „Псковското момиче“ и „Борис Годунов“ (в сцената на коронацията), обезпокоителният токсин в „Княз Игор”, погребалният звън в „Борис Годунов. Във всички тези опери прозвучаха истински църковни камбани, които се поставят зад сцената в големи оперни театри. Въпреки това, не всяка опера може да си позволи да има собствена камбанария, така че композиторите само от време на време въвеждат малки камбани в оркестъра - както прави Чайковски в увертюрата от 1812 г. Междувременно с развитието на програмната музика ставаше все по-необходимо да се имитира камбанен звън в симфоничен оркестър - така след известно време бяха създадени оркестрови камбани - набор от стоманени тръби, окачени от рамка. В Русия тези камбани се наричат ​​италиански. Всяка от тръбите е настроена на определен тон; удари ги с метален чук с гумено уплътнение.

Оркестровите камбани са използвани от Пучини в операта "Тоска", Рахманинов във вокално-симфоничната поема "Камбаните". Прокофиев в "Александър Невски" замени тръбите с дълги метални пръти.

Тамбура

Един от най-старите инструменти в света, тамбурината, се появява в симфоничния оркестър през 19 век. Устройството на този инструмент е много просто: като правило това е дървен обръч, от едната страна на който кожата е опъната. В процепа на обръча (отстрани) са прикрепени метални дрънкулки, а вътре са нанизани малки камбанки, на опъната връв във формата на звезда. Всичко това звъни при най-малкото разклащане на тамбурата.

Частта от тамбурината, както и други барабани, които нямат определена височина, обикновено се записват не на дръжката, а на отделна линийка, която се нарича "нишка".

Методите за свирене на тамбура са много разнообразни. На първо място, това са остри удари по кожата и удряне на сложни ритмични модели върху нея. В тези случаи и кожата, и камбанките издават звука. При силен удар тамбурата звъни рязко, при слабо докосване се чува леко звънене на камбани. Има много начини, когато изпълнителят издава само камбани. Това е бързо разклащане на тамбурата - дава пронизително тремоло; това е леко разклащане; и накрая се чува грандиозен трел, когато изпълнителят прокара мокър палец по кожата: тази техника предизвиква оживен звън на камбани.

Тамбурата е характерен инструмент, поради което далеч не се използва във всяка работа. Обикновено той се появява там, където Изтокът или Испания трябва да оживеят в музиката: в Шехерезада и в Испанското капричио на Римски-Корсаков, в танца на арабски момчета в балета „Раймонд“ от Глазунов, в темпераментните танци на половците в „Княз Игор“ на Бородин, в Кармен на Бизе.

Кастанети (испански castanetas)

Името "кастанети" на испански означава "малки кестени". Испания най-вероятно е била тяхната родина; там кастанетите се превръщат в истински национален инструмент. Кастанетите са изработени от твърда дървесина: абанос или чемшир, кастанетите са подобни по форма на черупки.

В Испания два чифта кастанети са били използвани за акомпанимент на танци и пеене; всяка двойка беше закопчана с шнур, който се дърпаше заедно около палеца. Останалите пръсти, останали свободни, почукваха сложни ритми по дървените черупки. Всяка ръка изискваше собствен размер на кастанети: в лявата ръка изпълнителят държеше черупки с голям обем, те излъчваха по-нисък тон и трябваше да изчукват основния ритъм. Кастанетите за дясната ръка бяха по-малки; техният тон беше по-висок. Испанските танцьори и танцьори овладяха до съвършенство това сложно изкуство, на което са ги учили от детството. Сухото, пламенно щракане на кастанети винаги е съпътствало темпераментните испански танци: болеро, сегидило, фанданго.

Когато композиторите искаха да въведат кастанети в симфоничната музика, беше проектирана опростена версия на този инструмент - оркестрови кастанети. Това са два чифта черупки, монтирани на краищата на дървена дръжка. При разклащане се чува щракане - слабо копие на истински испански кастанети.

В оркестъра кастанетите започват да се използват предимно в музика от испански характер: в испанските увертюри на Глинка "Ловът на Арагон" и "Нощ в Мадрид", в "Испанското капричио" на Римски-Корсаков, в испанските танци от балети на Чайковски, и в западната музика - в "Кармен" от Бизе, в симфоничните произведения "Иберия" на Дебюси, "Alborada del Gracioso" от Равел. Някои композитори извеждат кастанети извън обхвата на испанската музика: Сен-Санс ги използва в операта "Самсон и Далида", Прокофиев - в третия концерт за пиано.

Tam-tam (френски и италиански tam-tam, немски Tam-Tam)

Там-там е ударен инструмент от китайски произход, оформен като диск с удебелени ръбове. Изработен е от специална сплав, близка до бронза. По време на играта там-там се окачва на дървена рамка и се бие с чук с филцов връх. Звукът там-тама е нисък и плътен; след удара се разпространява дълго време, след това навлиза, след това се отдръпва. Тази особеност на инструмента и самата природа на неговия тембър му придават някаква зловеща изразителност. Казват, че понякога един единствен там-там хит през цялото произведение е достатъчен, за да направи най-силно впечатление на слушателите. Пример за това е финалът на Шестата симфония на Чайковски.

В Европа там-там се появява по време на Френската революция. След известно време този инструмент беше взет в оперния оркестър и оттогава по правило се използва в трагични, "фатални" ситуации. Ударът там-там бележи смърт, катастрофа, присъствие на магически сили, проклятие, поличба и други „необикновени събития“. В "Руслан и Людмила" има звуци в момента на отвличането на Людмила от Черномор, в "Роберт Дявола" от Майерберг - в сцената на "възкресението на монахините", в "Шехерезада" от Римски-Корсаков - в момента, когато корабът на Синдбад се разбива в скалите. Ударите на там-там се чуват и в трагичната кулминация на първата част от Седмата симфония на Шостакович.

Claves.

Клавесът е ударен инструмент от кубински произход: това са две кръгли пръчки, всяка с дължина 15-25 см, издълбани от много твърдо дърво. Изпълнителят държи един от тях по специален начин в лявата си ръка - така че стиснатата длан е резонатор - и го удря с друга пръчка.

Звукът на клавите е остър, висок, силно щракащ като ксилофон, но без определена височина. Височината на звука зависи от размера на пръчките; понякога в симфоничния оркестър се използват два или дори три чифта такива пръчки, различни по размер.

Frust.

Frusta се състои от две дървени дъски, едната от които е с дръжка, а втората е фиксирана с долния си край над дръжката на панта - с рязък замах или с помощта на стегната пружина, тя произвежда памук върху другия със свободния си край. По правило се извличат само отделни, не твърде често последователни клапси forte, fortissimo.

Frusta е ударен инструмент, който няма определена височина, поради което частта му, подобно на частта на тамбурина, се записва не на дръжка, а на "нишка".

Frusta contenta често се среща в съвременните партитури. С две пляскания на този инструмент започва третата част на „Лорелей“ от Четиринадесетата симфония на Шостакович.

Дървено блокче.

Дървен блок е ударен инструмент от китайски произход. Преди появата си в ударната група на симфоничния оркестър, дървеният блок е бил много популярен в джаза.

Дървен блок е малък, правоъгълен блок от твърда дървесина с дълбок, тесен разрез в предната част. Техниката на свирене на дървения блок е барабанене: звукът се извлича чрез удряне в горната равнина на инструмента с пръчки от барабан, дървени чукчета, пръчки с гумени глави. Полученият звук е остър, висок, характерно тракащ, неопределен по височина.

Като ударен инструмент, с неопределена височина, дървеният блок е отбелязан върху "конец" или върху комбинация от линийки.

Храмов блок, тартаруга.

Храмовият блок е инструмент от корейски или севернокитайски произход, атрибут на будисткия култ. Инструментът е с кръгла форма, кух отвътре, с дълбок разрез в средата (като усмихваща се уста) и е изработен от твърда дървесина.

Подобно на повечето други „екзотични“ ударни инструменти, храмовият блок първоначално е разпространен в джаза, откъдето прониква в състава на симфоничния оркестър.

Звукът на храмовия блок е по-мрачен и по-дълбок от този на дървения блок, който е близо до него, има доста определена височина, така че с помощта на набор от храмови блокове можете да получите мелодични фрази върху тях - например S Слонимски използва тези инструменти в "Concert Buff".

Те свирят на храмови блокове, удряйки горния капак с пръчки с гумени глави, дървени чукчета и пръчки за барабан.

Понякога в симфоничния оркестър се използват комплекти от черупки на костенурки, подобни по принцип на свирене на храмови блокове, но звучат по-сухо и по-слабо. Такъв набор от черупки на костенурки, наречен Тартаруга, е използван от С. Слонимски в "Концерт-буф".

Гуиро, реко-реко, сапо.

Тези инструменти са от латиноамерикански произход, сходни са както по своя конструктивен принцип, така и по начина на свирене.

Те са направени от бамбуков сегмент (reco-reco), от изсушена кратуна (guiro) или от друг кух предмет, който е резонатор. От едната страна на инструмента се прави поредица от прорези или прорези. В някои случаи се монтира плоча с гофрирана повърхност. Тези прорези се извършват със специална дървена пръчка, в резултат на което се извлича висок, остър, с характерен пукащ звук. Най-често срещаната разновидност на тези свързани инструменти е гуиро. И. Стравински е първият, който въвежда този инструмент в симфоничния оркестър – в „Пролетният ритуал”. Реко-реко се среща в „Концерт-буф” на Слонимски, а сапо – инструмент, подобен на реко-реко – е използван в партитурата на „Три стихотворения на Анри Мишо” от В. Лутославски.

тресчотка.

В музикалните инструменти на различни народи има много дрънкалки с голямо разнообразие от форми и устройства. В симфоничния оркестър тресчотката е кутия, която изпълнителят върти на дръжка около зъбно колело. В същото време еластична дървена плоча, скачаща от един зъб на друг, излъчва характерна пукнатина.

Маракаси, чокало (тубо), камезо.

Всички тези инструменти са от латиноамерикански произход. Маракасът е кръгла или яйцевидна дървена дрънкалка на дръжка и пълнена с дроб, зърна, камъчета или други насипни материали. Тези народни инструменти по правило се правят от кокос или куха изсушена кратуна върху естествена дръжка. Маракасите са много популярни в оркестрите за танцова музика, в джаза. Като част от симфоничен оркестър С. Прокофиев е първият, който използва този инструмент („Танцът на антилските момичета“ от балета „Ромео и Жулиета“, кантата „Александър Невски“). Сега обикновено се използват няколко инструмента - изпълнителят ги държи в двете си ръце и, разклащайки, извлича звук. Подобно на други ударни инструменти без определена височина, маракасите се отбелязват върху „нишката“. По принципа на звуково производство маракасите са близки до чокало и камесо. Това са метални – карирани или дървени – камезо-цилиндри, пълни като маракаси с някаква рохкава субстанция. При някои модели страничната стена се затяга с кожена мембрана. И чекало, и камесо са по-силни и по-остри от маракасите. Те също се държат с две ръце, разклащат се вертикално или хоризонтално или се въртят.

Механа.

Първоначално този инструмент от афро-бразилски произход беше популярен в оркестрите на латиноамериканската музика, откъдето получи по-нататъшното си разпространение. Външно механата наподобява удвоени маракаси, покрити с мрежа с нанизани на нея големи мъниста. Изпълнителят държи инструмента в едната си ръка и или просто го бие с пръстите на другата ръка, или превърта решетката с мъниста с тангенциално движение на дланта. В последния случай се появява шумолене, по-дълъг звук, напомнящ звука на маракаси. Едно от първите кабацу е използвано от Слонимски в "Concert-buff".

Бонгове.

Този инструмент е от кубински произход. След модернизацията бонгите започват да се използват широко в оркестри за танцова музика, джаз и дори в произведения на сериозна музика. Бонговете имат следното устройство: върху дървено цилиндрично тяло (височина от 17 до 22 см) кожата се опъва и фиксира с метален обръч (натягането му се регулира отвътре с винтове). Металната джанта не се издига над нивото на кожата: това обуславя такава характерна игра на бонгове с дланите - con le mani или пръстите - con le dita. Два бонга с различни диаметри обикновено са свързани един с друг чрез общ държач. По-малък бонг звучи около една трета по-високо от по-широк. Звукът на бонга е висок, по-специално "празен" и варира в зависимост от мястото и начина на удряне. Поради това на всеки инструмент можете да получите два звука с различна височина: удар с протегнат показалец в ръба или голям в центъра - и по-нисък (някъде в рамките на основна секунда или трета) - от удар с цялата длан или върха на пръста по-близо до центъра.

Визуализация:

Пиано (It.piano-forte, френско пиано; немско фортепиано, Hammerklavier; английско пиано)

Източникът на звук в пианото са метални струни, които започват да звучат от удара на покрити с филц дървени чукове, а чуковете се задвижват от натискане с пръсти върху клавишите.

Първите клавишни инструменти, известни още в началото на 15 век, са клавесинът и клавикордът (на италиански - clavicembalo). На клавикорда струните се вибрираха от метални лостове – допирателни, на клавесина – от врани пера, а по-късно – от метални куки. Звукът на тези инструменти беше динамично монотонен и бързо избледняваше.

Първото пиано с чук, наречено така, защото свири както форте, така и звуци на пиано, най-вероятно е построено от Бартоломео Кристофори през 1709 г. Този нов инструмент бързо спечели признание и след много подобрения се превърна в съвременния концертен гранд. През 1826 г. е построено пиано за домашно музициране.

Пианото е широко известно като солов концертен инструмент. Но понякога действа и като обикновен инструмент на оркестъра. Руските композитори, като се започне от Глинка, започнаха да въвеждат пианото в оркестъра, понякога заедно с арфата, за да пресъздадат звучността на арфата. Така се използва в песните на Баян в „Руслан и Людмила” на Глинка, в „Садко” и в „Майска нощ” на Римски-Корсаков. Понякога пианото свири на звън на камбана, както в Борис Годунов на Мусоргски, оркестриран от Римски-Корсаков. Но не винаги имитира само други тембри. Някои композитори го използват в оркестъра като инструмент за декориране, който може да въведе звучност и нови цветове в оркестъра. И така, Дебюси написа в симфоничната сюита "Пролет" партия на пианото в четири ръце. И накрая, понякога се разглежда като вид ударен инструмент със силен, сух тон. Острото, гротескно скерцо в Симфония 1 на Шостакович е пример за това.

Визуализация:

Клавесин

Клавиатурен струнен музикален инструмент. Клавесинистът е музикант, който изпълнява музикални произведения както на клавесина, така и на неговите разновидности. Най-ранното споменаване на инструмент тип клавесин се появява в източник от 1397 г. от Падуа (Италия), най-ранното известно изображение е на олтар в Минден (1425 г.). Като соло инструмент клавесинът остава в употреба до края на 18 век. Малко по-дълго се използва за изпълнение на цифров бас, за акомпанимент на речитативи в опери. ДОБРЕ. 1810 г. практически излязъл от употреба. Възраждането на културата на свирене на клавесин започва в началото на 19-20 век. Клавесини от 15 век не са оцелели. Съдейки по изображенията, това бяха къси инструменти с тежък корпус. Повечето от оцелелите клавесини от 16-ти век са произведени в Италия, където Венеция е основният център на тяхното производство. Копие на фламандския клавесин Имаха 8` регистър (рядко два регистъра 8` и 4`), отличаваха се с изящество. Тялото им най-често е било направено от кипарис. Атаката върху тези клавесини беше по-отчетлива, а звукът по-рязък от този на по-късните фламадски инструменти. Антверпен е най-важният производствен център за клавесини в Северна Европа, където представители на семейство Рукърс работят от 1579 г. Техните клавесини имат по-дълги струни и по-тежки тела от италианските инструменти. От 1590-те години в Антверпен се произвеждат клавесини с две наръчници. Френски, английски, немски клавесини от 17-ти век съчетават характеристиките на фламандски и холандски модели. Френски клавесин Някои френски двуръчни клавесини с тяло от орех са оцелели. От 1690-те години във Франция се произвеждат клавесини от същия тип като инструментите на Rookers. Сред френските майстори на клавесина се откроява династията Бланше. През 1766 г. Таскин наследява работилницата на Бланш. Най-значимите английски производители на клавесини през 18-ти век са Шуди и семейство Къркман. Техните инструменти имаха дъбов корпус, облицован с шперплат, и се отличаваха със силен звук с богат тембър. В Германия от 18-ти век основният център за производство на клавесини е Хамбург; сред произведените в този град инструменти с 2` и 16` регистри, както и с 3 наръчника. Необичайно дългият модел на клавесина е проектиран от J. D. Dülcken, водещ холандски майстор от 18-ти век. През 2-ра половина на XVIII век. клавесинът започва да се измества от пианото. ДОБРЕ. 1809 Kirkman произвежда последния си клавесин. Инициаторът за възраждането на инструмента е А. Долмеч. Той построява първия си клавесин през 1896 г. в Лондон и скоро открива работилници в Бостън, Париж, Хайслемер. Модерен клавесин Производството на клавесини е създадено и от парижките фирми Pleyel и Erard. Pleyel започва да произвежда модел на клавесин с метална рамка, носеща дебели, опънати струни; Ванда Ландовска обучи цяло поколение клавесинисти на този тип инструменти. Занаятчиите от Бостън Франк Хъбард и Уилям Дайд са първите, които копират антични клавесини..

Визуализация:

Орган (ит. organo, френски orgue, немски Orgel, английски орган)

Клавиатурен духов инструмент - орган - е бил известен в древни времена. В древните органи въздухът се изпомпвал с мехове на ръка. В средновековна Европа органът става инструмент за църковно поклонение. Именно в духовната среда на 17 век се ражда органното полифонично изкуство, най-добрите представители на което са Фрескобалди, Бах и Хендел.

Органът е гигантски инструмент с много различни тембри.

„Това е цял оркестър, който в сръчни ръце може да предаде всичко, да изрази всичко“, пише за него Балзак. Всъщност обхватът на органа надвишава този на всички инструменти в оркестъра взети заедно. Органът включва мехове за подаване на въздух, система от тръби с различни дизайни и размери (в съвременните органи броят на тръбите достига 30 000), няколко ръчни клавиатури - наръчници и крачен педал. Най-големите тръби достигат височина от 10 метра или повече, височината на най-малките - 8 милиметра. Това или онова оцветяване на звука зависи от тяхното устройство.

Набор от тръби от един тембър се нарича регистър. Големите катедрални органи имат повече от сто регистри: в органа на Нотр Дам техният брой достига 110. Оцветяването на звуците на отделните регистри наподобява тембъра на флейта, обой, английски рог, кларинет, бас кларинет, тромпет, виолончело. Колкото по-богати и разнообразни са регистрите, толкова повече възможности получава изпълнителят, защото изкуството на свиренето на орган е изкуството на добрата регистрация, т.е. умело използване на всички технически ресурси на инструмента.

В най-новата оркестрова музика (особено театрална) органът се използва предимно за звуково-визуални цели – където е необходимо да се възпроизвежда църковната атмосфера. Лист, например, в своята симфонична поема „Битката на хуните“ с помощта на орган противопоставя християнския свят на варварите.

Визуализация:

арфа - скубен струнен музикален инструмент. Той има формата на триъгълник, който се състои: първо, от резонансна кутия-кутия с дължина приблизително 1 метър, разширяваща се надолу; предишната му форма е била четириъгълна, а сегашната е заоблена от едната страна; снабдена е с плоска палуба, обикновено от кленова дървесина, в средата на която по дължината на тялото е прикрепена тясна и тънка шина от твърдо дърво, в която са пробити отвори за нанизване на струните на червата; второ, от горната част (под формата на голяма шия), извита като змия, прикрепена към горната част на тялото, образувайки с нея остър ъгъл; към тази част са прикрепени колчета, за да укрепят струните и да ги настроят; трето, от предния прът, имащ формата на колона, чиято цел е да устои на силата, произведена от струните, опънати между грифа и резонансното тяло. Тъй като арфата вече в миналото е имала значителен звук (пет октави) и мястото за струните с пълна хроматична гама не е достатъчно, струните в арфата се разтягат само за да произведат звуци от диатоничната гама. Арфа без педал може да свири само на една гама. За хроматични издигания в старите времена струните трябваше да се скъсяват чрез притискане на пръстите към грифа; по-късно това пресоване започва да се извършва с помощта на ръчно задвижвани куки. Такива арфи се оказаха изключително неудобни за изпълнителите; тези недостатъци бяха до голяма степен елиминирани от механизма в педалите, изобретен от Якоб Хохбрукер през 1720 г. Този майстор прикрепи седем педала към арфата, действайки върху проводниците, които минаваха през празното пространство на гредата до гърлото и там довеждаха куките в такава позиция, че те, плътно прилепнали към струните, произвеждат хроматични подобрения в целия обем на инструмента.

Думата "оркестър" вече е позната на всеки ученик. Това е името на голяма група музиканти, които съвместно изпълняват музикално произведение. Междувременно в древна Гърция терминът „оркестър“ (от който впоследствие се е образувала съвременната дума „оркестър“) обозначава мястото пред сцената, където се намира хорът, незаменим участник в древногръцката трагедия. По-късно на същото място започва да се намира група музиканти, която се нарича „оркестър”.

Минаха векове. И сега самата дума "оркестър" няма определено значение. В днешно време има различни оркестри: духови, народни, баянови, камерни, поп-джаз и т. н. Но никой от тях не може да издържи конкуренцията със „чудото на звука“; толкова често и, разбира се, съвсем правилно се нарича симфоничен оркестър.

Възможностите на симфоничния оркестър са наистина безкрайни. На негово разположение са всички нюанси на звучност от едва доловими вибрации и шумолене до мощни гръмотевици. И смисълът не е дори в самата широта на динамичните нюанси (те са достъпни за всеки оркестър като цяло), а в онази завладяваща изразителност, която винаги съпътства звука на истински симфонични шедьоври. Тук на помощ идват тембровите комбинации, както и мощните вълнообразни издигания и спадове, и експресивните солови реплики, и слети „органни“ слоеве от звуци.

Чуйте някои примери за симфонична музика. Спомнете си невероятната картина на известния руски композитор А. Лядов, удивителна с пронизващата си тишина, „Вълшебно езеро”. Предмет на изображението тук е природата в нейното недокоснато, статично състояние. Това подчертава и композиторът в изказването си за „Вълшебното езеро”: „Колко живописно, чисто, със звезди и мистерия в дълбините! И най-важното – без хора, без техните молби и оплаквания – една мъртва природа – студена, зла, но фантастична, като в приказка. Резултатът на Лядов обаче не може да се нарече мъртъв или студен. Напротив, стопля се от топло лирично чувство – треперещо, но сдържано.

Известният съветски музиколог Б. Асафиев пише, че в тази „поетична съзерцателна музикална картина... творчеството на Лядов овладява сферата на лирическия симфоничен пейзаж“. Пъстрата палитра на "Вълшебното езеро" се състои от завоалирани, приглушени звуци, шумолене, шумолене, едва забележими пръски и колебания. Тук преобладават фини ажурни щрихи. Динамичното натрупване е сведено до минимум. Всички оркестрови гласове носят независимо визуално натоварване. Няма мелодично развитие в истинския смисъл на думата; отделни кратки фрази-мотиви светят като трептящи отблясъци... Лядов, който умееше чувствително да „чува тишината“, рисува с удивително умение картина на омагьосано езеро – опушена, но вдъхновена картина, пълна с приказен аромат и чиста, целомъдрена красота. Такъв пейзаж може да бъде „нарисуван“ само с помощта на симфоничен оркестър, тъй като нито един инструмент, нито друг „оркестров организъм“ не е в състояние да изобрази толкова ясна картина и да намери толкова фини темброви цветове и нюанси за нея.

А ето и пример от противоположния тип – финалът на прочутата „Поема на екстаза” от А. Скрябин. Композиторът показва в това произведение многообразието на човешките състояния и действия в устойчиво и логически обмислено развитие; музиката последователно предава инерцията, пробуждането на волята, срещата със заплашителни сили, борбата с тях. Кулминацията следва кулминацията. До края на стихотворението напрежението нараства, подготвяйки нов, още по-грандиозен подем. Епилогът на „Поема на екстаза” се превръща в ослепителна картина с колосален размах. На искрящ фон, блещукащ с всички цветове (орган също е свързан с огромен оркестър), осем рога и тромпет радостно провъзгласяват основната музикална тема, чиято звучност достига до края свръхчовешка сила. Никой друг ансамбъл не може да постигне такава сила и величие на звука. Само един симфоничен оркестър е способен да изрази толкова богато и в същото време колоритно възторг, екстаз, неистов подем на чувства.

Лядовското „Вълшебно езеро“ и епилогът на „Поемата на екстаза“ са, така да се каже, екстремните звукови и динамични полюси в най-богатата звукова палитра на един симфоничен оркестър.

Сега нека разгледаме друг вид пример. Втората част на Единадесета симфония от Д. Шостакович има подзаглавие - "9 януари". В него композиторът разказва за ужасните събития от „Кървава неделя”. И в този момент, когато виковете и стенанията на тълпата, залпите на пушки, железният ритъм на стъпките на войника се сливат в звукова картина с удивителна сила и мощ, оглушителният шквал внезапно се прекъсва... И в последвалия тишина, в „свирещия“ шепот на струнни инструменти ясно се чува тихото и скръбно пеене на хора. Според удачната дефиниция на музиколога Г. Орлов се създава впечатлението, че „сякаш въздухът на Дворцовия площад застена от скръб при вида на извършеното зверство”. Притежавайки изключително усет за тембър и блестящо владеене на инструментално писане, Д. Шостакович успява да създаде илюзията за хорово звучене с чисто оркестрови средства. Имаше дори случаи, когато при първите изпълнения на Единадесета симфония слушателите все ставаха от местата си, мислейки, че на сцената зад оркестъра има хор...

Симфоничният оркестър също е способен да предава голямо разнообразие от натуралистични ефекти. Така изключителният немски композитор Рихард Щраус в симфоничната поема Дон Кихот, илюстрираща добре познат епизод от романа на Сервантес, изненадващо „визуално“ изобразява блеенето на стадо овце в оркестъра. В сюитата на френския композитор „Карнавалът на животните“ от френския композитор К. Сен-Санс остроумно са предадени виковете на магарета, непохватната походка на слон и неспокойният зов на кокошки с петли. Французинът Пол Дюкас в симфоничното скерцо „Чракът на магьосника“ (написано е по едноименната балада на В. Гьоте) брилянтно рисува картина на дива водна стихия (в отсъствието на стария магьосник, ученикът решава да превърне метлата в слуга: той го кара да носи вода, която постепенно наводнява цялата къща). Излишно е да казвам колко звукоподражателни ефекти са разпръснати в оперната и балетната музика; тук те се предават и чрез симфоничен оркестър, но подтиквани от непосредствената сценична ситуация, а не от литературна програма, както е в симфоничните произведения. Достатъчно е да си припомним оперите като „Приказката за цар Салтан“ и „Снежанката“ от Н. Римски-Корсаков, балета на И. Стравински „Петрушка“ и др. Откъси или сюити от тези произведения често се изпълняват в симфонични концерти.

И колко великолепни, почти визуални картини на морската стихия могат да бъдат намерени в симфоничната музика! Сюитата на Н. Римски-Корсаков "Шехерезада", "Морето" от К. Дебюси, увертюрата "Морска тишина и весело плуване" от Ф. Менделсон, симфонични фантазии "Бурята" от П. Чайковски и "Морето" от А. Глазунов - списъкът с такива произведения е много голям. За симфоничния оркестър са написани много произведения, изобразяващи картини на природата или съдържащи добре насочени пейзажни скици. Нека назовем поне Шеста („Пасторална“) симфония от Л. Бетовен с картина на внезапна гръмотевична буря, която поразява със своята сила на образа, симфоничната картина на А. Бородин „В Централна Азия“, симфоничната фантазия на А. Глазунов „ Гора“, „сцена в нивите“ от Фантастичните симфонии на Г. Берлиоз. Във всички тези произведения обаче образът на природата винаги се свързва с емоционалния свят на самия композитор, както и с идеята, която определя естеството на композицията като цяло. Като цяло описателните, натуралистичните, звукоподражателните моменти заемат много малък дял в симфоничните платна. Освен това самата програмна музика, тоест музиката, която последователно предава някакъв литературен сюжет, също не заема водещо място сред симфоничните жанрове. Основното, с което може да се гордее един симфоничен оркестър, е богата палитра от различни изразни средства, това са колосални, все още неизчерпани възможности на различни комбинации и комбинации от инструменти, това са най-богатите темброви ресурси от всички групи, които съставляват оркестъра.

Симфоничният оркестър рязко се различава от другите инструментални групи по това, че съставът му винаги е строго определен. Вземете например многобройни поп-джаз ансамбли, които сега съществуват в изобилие в почти всички краища на земното кълбо. Те изобщо не са подобни един на друг: броят на инструментите (от 3-4 до две дузини или повече) и броят на участниците също могат да бъдат различни. Но най-важното е, че тези оркестри не си приличат по звучене. Някои са доминирани от струнни, други от саксофони и духови инструменти; в някои ансамбли водеща роля играе пианото (подкрепено от барабани и контрабас); естрадните оркестри на различни страни включват национални инструменти и т. н. Така почти във всеки естраден оркестър или джаз те не се придържат към строго определен инструментален състав, а свободно използват комбинации от различни инструменти. Следователно едно и също произведение звучи различно в различните поп-джаз групи: всяка от тях предлага своя специфична обработка. И това е разбираемо: все пак джазът е изкуство, основно импровизационно.

Духовите оркестри също са различни. Някои се състоят изключително от духови инструменти (със задължителното включване на ударни). И повечето от тях не могат без дървени духови - флейти, обой, кларинет, фагот. Оркестрите на народни инструменти също се различават помежду си: руският народен оркестър не е подобен на киргизкия, а италианският не е като народните оркестри на скандинавските страни. И само един симфоничен оркестър - най-големият музикален организъм - има отдавна установен, строго определен състав. Следователно симфонична творба, написана в една страна, може да бъде изпълнена от всяка симфонична група в друга страна. Следователно езикът на симфоничната музика е наистина международен език. Използват се повече от два века. И той не остарява. Освен това никъде няма толкова интересни „вътрешни“ промени, колкото има в съвременния симфоничен оркестър. От една страна, често попълван с нови темброви цветове, оркестърът става все по-богат всяка година, от друга страна, основната му рамка, формирана още през 18 век, става все по-отчетлива. И понякога композиторите на нашето време, обръщайки се към такава „старомодна“ композиция, отново доказват колко големи са нейните изразни възможности ...

Може би толкова прекрасна музика не е създадена за нито една от музикалните групи! В брилянтната плеяда от симфонични композитори имената на Хайдн и Моцарт, Бетовен и Шуберт, Менделсон и Шуман, Берлиоз и Брамс, Лист и Вагнер, Григ и Дворжак, Глинка и Бородин, Римски-Корсаков и Чайбинковски, Глазу Ра. и Танеев, блясък, Малер и Брукнер, Дебюси и Равел, Сибелиус и Р. Щраус, Стравински и Барток, Прокофиев и Шостакович. Освен това, както знаете, симфоничният оркестър е незаменим участник в оперни и балетни представления. И затова към стотици симфонични произведения трябва да се добавят онези фрагменти от опери и балети, в които основната роля играе оркестърът (а не солисти, хор или просто сценично действие). Но това не е всичко. Гледаме стотици филми и повечето от тях са „озвучени” от симфоничен оркестър.

Радио, телевизия, компактдискове, а чрез тях и симфоничната музика са влезли здраво в живота ни. В много кина преди прожекциите свирят малки симфонични оркестри. Такива оркестри се създават и в самодейни изпълнения. С други думи, от необятния, почти безграничен океан от музика, който ни заобикаля, една добра половина е свързана по някакъв начин със симфоничен звук. Симфонии и оратории, опери и балети, инструментални концерти и сюити, музика за театър и кино - всички тези (и много други) жанрове просто не могат без симфоничен оркестър.

Би било погрешно обаче да се мисли, че всяко музикално произведение може да бъде изпълнено в оркестър. В крайна сметка изглежда, че знаейки принципите и законите на инструментирането, всеки компетентен музикант може да оркестрира пиано или друго произведение, тоест да го облече в ярко симфонично облекло. На практика обаче това е сравнително рядко. Неслучайно Н. Римски-Корсаков каза, че инструментацията е „една от страните на душата на самата композиция“. Следователно, вече обмисляйки идеята, композиторът разчита на определена инструментална композиция. Следователно, както леки, непретенциозни парчета, така и грандиозни, мащабни платна могат да бъдат написани за симфоничен оркестър.

Вярно е, че има случаи, когато произведение получава втори живот в нова, симфонична версия. Това се случи с брилянтния клавирен цикъл на М. Мусоргски „Картини на изложба”: той е майсторски оркестриран от М. Равел. (Имаше и други, по-малко успешни опити за оркестриране на картини на изложба.) Партитурите на оперите на М. Мусоргски „Борис Годунов“ и „Хованщина“ оживяват наново под ръката на Д. Шостакович, който изпълнява новата им оркестрова версия. Понякога в творческото наследство на композитора мирно съжителстват две версии на едно и също произведение – соло-инструментална и симфонична. Малко са такива примери, но са доста интересни. „Pavane“ на Равел съществува както в пиано, така и в оркестрова версия, и двете живеят равностойно концертен живот. Прокофиев дирижира бавната част на своята Четвърта соната за пиано, превръщайки я в самостоятелно, чисто симфонично произведение. Ленинградският композитор С. Слонимски написва вокалния цикъл „Песни на свободните хора“ по народни текстове; това произведение също има два варианта с еднакво художествено значение: едната е акомпанирана от пиано, другата е придружена от оркестров акомпанимент. Най-често обаче композиторът, когато започва да работи, има добра представа не само за идеята на композицията, но и за нейното темброво въплъщение. А такива жанрове като симфония, инструментален концерт, симфонична поема, сюита, ​​рапсодия и др., винаги са тясно свързани със звука на симфоничния оркестър, може дори да се каже, че са неразделни от него.

Интересно, но вярно...

Физикът Алберт Айнщайн, озадачаващ най-трудните въпроси, свиреше на цигулка, докато се намери решение. Тогава той стана и обяви: „Е, най-накрая разбрах какво става!”

Структура на симфоничен оркестър

оркестър в Древна Гърция Наречен място, предназначено за хор(на гръцки orheomai - танцувам). Понастоящем оркестър се нарича определен състав от музикални инструменти, които образуват органично цяло, основано на дълбока вътрешна връзка на тембрите един с друг. Музикалната практика е развила различни видове оркестри. Всеки има определен състав от инструменти и различен брой от тях. Основни видове: опера и симфония, духов оркестър, оркестър за народни инструменти, джаз оркестър.

Симфоничният оркестър от своя страна има разновидности. Камерен оркестър (10 - 12 души) е създаден за изпълнение на ранна музика по композицията, за която е написана (Бранденбургските концерти на Бах, Concerto grosso от Вивалди, Корели, Хендел). Ядрото на камерния оркестър е струнна група с добавка на клавесин, флейта, обой, фагот и валторни. Призивът към камерния оркестър в съвременната музика се свързва или с търсенето на нови изразни възможности (Шостакович. Опера "Носът", 14-та симфония, А. Шнитке. Concerto grosso за две цигулки и камерен оркестър, 1977), или се обяснява с практически съображения. Такива обстоятелства се оказват решаващи, когато И. Стравински създава „Историята на един войник“ през 1918 г.: „... нашите сценични съоръжения бяха много оскъдни... Не виждах друг начин, освен да се спра на такава композиция, която да включва най-много характерни инструменти от високи и ниски регистри. От струнни - цигулка и контрабас, от дърво - кларинет и фагот, от мед - тромпет и тромбон, и накрая, перкусии, които се управляват от един музикант.

струнен оркестър се състои от лъковата група на оркестъра (Чайковски. Серенада за струнен оркестър, Онегер. Втора симфония).

До края на 18 век, когато творческият път на Хайдн и Моцарт приключи и се появиха първите симфонии на Бетовен, има малък (класически) оркестър. Неговият състав:

струнна група дървени духови месингови барабани

цигулки I флейти 2 клаксона 2 – 4 тимпана 2 – 3

цигулки II обой 2 тромпети 2

алт кларинети 2

фаготи за виолончело 2

контрабаси

Й. Хайдн. Симфония "Часове", част II

През втората половина на 19 век, голям симфоничен оркестър. Основната отличителна черта на голям оркестър от малък е наличието на три тромбона и туба ( тежък меден квартет ). За да се създаде динамичен баланс, броят на изпълнителите в струнната група се увеличава.

малък оркестър голям оркестър

цигулки I 4 конзоли 8 – 10 конзоли

цигулки II 3 конзоли 7 – 9 конзоли

виоли 2 дистанционни 6 дистанционни

виолончели 2 дистанционни 5 дистанционни

контрабаси 1 конзола 4 – 5 конзоли

В зависимост от броя на дървените духови инструменти има няколко композиции на голям симфоничен оркестър.

Двойна или двоен състав , в който има по 2 инструмента от всяко семейство

Шуберт. Симфония h-moll.

Глинка. Валс фентъзи.

Чайковски. Симфония №1.

троен състав,в който има 3 инструмента от всяко семейство:

Лядов. Баба е яга.

Римски-Корсаков. Опери Златният петел, Приказката за цар Салтан.

Четворна композиция : 4 флейти, 4 обая, 4 кларинета, 4 фагота.

Как се среща изключението единична композиция:

Прокофиев. Симфонична приказка "Петър и вълкът".

Римски-Корсаков. Опера Моцарт и Салиери.

На разположение междинен състав:

Римски-Корсаков. "Шехерезада".

Шостакович. Симфонии 7, 8, 10.

Чайковски. Симфония № 5. Увертюри "Франческа да Римини", Ромео и Жулиета.

Организацията на симфоничния оркестър е да комбинира свързани инструменти в групи. Има пет от тях:

струнни инструменти - archi

дървени духови - фиати (легно)

Духови инструменти - отони

Ударни инструменти - перкуси

Клавиатурни инструменти.

3. Намерете информация за състава на оркестъра в операта на Монтеверди „Орфей“

Музиката е преди всичко звуци. Те могат да бъдат силни и тихи, бързи и бавни, ритмични и не толкова...

Но всеки от тях, всяка звучаща нота по определен начин влияе на съзнанието на човек, който слуша музика, на неговото душевно състояние. И ако това е оркестрова музика, то със сигурност не може да остави никого безразличен!

оркестър. Видове оркестри

Оркестърът е колективна група от музиканти, които свирят на музикални инструменти, произведения, които са предназначени специално за тези инструменти.

И от това какво представлява тази композиция, оркестърът има различни музикални възможности: по тембър, динамика, изразителност.

Какви видове оркестри има? Основните са:

• симфоничен;
• инструментален;
• оркестър от народни инструменти;
• вятър;
• джаз;
• поп.

Има и военен оркестър (изпълнява военни песни), училищен оркестър (в който влизат ученици) и т.н.

симфоничен оркестър

Този тип оркестър съдържа струнни, духови и ударни инструменти.

Има малък симфоничен оркестър и голям.

Мали е този, който свири музиката на композитори от края на 18 - началото на 19 век. Репертоарът му може да включва съвременни вариации. Големият симфоничен оркестър се различава от малкия, като добавя повече инструменти към състава си.

Съставът на малкия задължително съдържа:

• цигулки;
• алт;
• виолончело;
• контрабаси;
• фагот;
• рога;
• тръби;
• тимпани;
• флейти;
• кларинет;
• обой.

Големият включва следните инструменти:

• флейти;
• обой;
• кларинети;
• контрафаготи.

Между другото, може да включва до 5 инструмента от всяко семейство. А също и в големия оркестър има:

• рога;
• тромпети (бас, малки, алт);
• тромбони (тенор, тенобас);
• тръба.

И, разбира се, ударни инструменти:

• тимпани;
• камбани;
• малък и голям барабан;
• триъгълник;
• чиния;
• индийски том-том;
• арфа;
• пиано;
• клавесин.

Особеност на малкия оркестър е, че в него има около 20 струнни инструмента, докато в голям има около 60.

Диригентът ръководи симфоничния оркестър. Художествено интерпретира произведението, изпълнено от оркестъра с помощта на партитурата – цялостна музикална нотация на всички части на всеки инструмент на оркестъра.

Инструментален оркестър

Този тип оркестър се различава по своята форма по това, че няма ясен брой музикални инструменти на определени групи. И също така той може да изпълнява всякаква музика (за разлика от симфоничния оркестър, който изпълнява изключително класическа).

Няма специфични видове инструментални оркестри, но конвенционално те включват вариететен оркестър, както и оркестър, изпълняващ класика в съвременна обработка.

Според историческа информация инструменталната музика започва активно да се развива в Русия едва при Петър Велики. Тя, разбира се, имаше западно влияние върху себе си, но вече не беше под такава забрана, както в по-ранни времена. И преди да се стигне до такава точка, че беше забранено не само да се свири, но и да се горят музикални инструменти. Църквата вярвала, че те нямат нито душа, нито сърце и затова не могат да прославят Бога. И следователно инструменталната музика се развива главно сред обикновените хора.

Те свирят в инструментален оркестър на флейта, лира, цитара, флейта, тромпет, обой, тамбурина, тромбон, тръба, накрайник и други музикални инструменти.

Най-популярният инструментален оркестър на 20-ти век е оркестърът на Пол Мориат.

Той беше негов диригент, ръководител, аранжор. Неговият оркестър свири много популярни музикални произведения на 20-ти век, както и негова собствена композиция.

Народен оркестър

В такъв оркестър основните инструменти са народни.

Например, за руския народен оркестър най-характерни са: домри, балалайки, псалтир, акордеони, хармоници, жалейка, флейти, Владимирски валдори, тамбурини. Също така допълнителни музикални инструменти за такъв оркестър са флейта и обой.

Народен оркестър се появява за първи път в края на 19 век, организиран от В.В. Андреев. Този оркестър гастролира много и придоби широка популярност в Русия и чужбина. И в началото на 20-ти век народните оркестри започват да се появяват навсякъде: в клубове, в дворци на културата и т.н.

Духов оркестър

Този тип оркестър предполага, че включва различни духови и ударни инструменти. Предлага се в малки, средни и големи.

джаз оркестър

Друг оркестър от този вид се наричаше джаз бенд.

Състои се от такива музикални инструменти: саксофон, пиано, банджо, китара, перкусии, тромпети, тромбони, контрабас, кларинети.

Като цяло джазът е направление в музиката, което се е развило под влиянието на африканските ритми и фолклор, както и на европейската хармония.

Джазът се появява за първи път в южната част на Съединените щати в началото на 20-ти век. И скоро се разпространи във всички страни по света. У дома това музикално направление се развива и се допълва от нови характерни черти, които се появяват в един или друг регион.

Едно време в Америка термините "джаз" и "популярна музика" имаха едно и също семантично значение.

Джаз оркестрите започват активно да се формират през 20-те години на миналия век. И останаха такива до 40-те години.

По правило участниците влизат в тези музикални групи още в юношеството, изпълнявайки своята специфична част - наизуст или по ноти.

30-те години на миналия век се считат за върха на славата на джаз оркестрите. Ръководителите на най-известните джаз оркестри по това време са: Арти Шоу, Глен Милър и др. Техните музикални произведения звучаха навсякъде по това време: по радиото, в танцови клубове и така нататък.

В днешно време джаз оркестрите и мелодиите, написани в джаз стил също са много популярни.

И въпреки че има повече видове музикални оркестри, статията разглежда основните.

оркестър(от гръцки оркестър) - голям екип от инструментални музиканти. За разлика от камерните състави, в оркестъра някои от музикантите му образуват групи, които свирят в унисон, тоест изпълняват едни и същи партии.
Самата идея за едновременно възпроизвеждане на музика от група инструментални изпълнители датира от древни времена: дори в древен Египет малки групи музиканти свирят заедно на различни празници и погребения.
Думата "оркестър" ("оркестър") идва от името на кръглата площадка пред сцената в древногръцкия театър, където се е помещавал древногръцкият хор, участник във всяка трагедия или комедия. През Ренесанса и след това XVII век оркестърът е превърнат в оркестрова яма и съответно дава името на групата от музиканти, намиращи се в него.
Има много различни видове оркестри: военни духови и духови оркестри, оркестри за народни инструменти, струнни оркестри. Най-големият по състав и най-богат по своите възможности е симфоничният оркестър.

Симфониченнаречен оркестър, съставен от няколко разнородни групи инструменти – семейство струнни, духови и ударни. Принципът на такава асоциация се е развил в Европа през XVIII век. Първоначално симфоничният оркестър включваше групи от лъкови инструменти, дървени духови и медни инструменти, към които се присъединиха няколко ударни музикални инструмента. Впоследствие съставът на всяка от тези групи се разширява и разнообразява. В момента сред редица разновидности на симфонични оркестри е обичайно да се прави разлика между малък и голям симфоничен оркестър. Малкият симфоничен оркестър е оркестър с предимно класическа композиция (свиреща музика от края на 18 - началото на 19 век или съвременен стил). Състои се от 2 флейти (рядко малка флейта), 2 обая, 2 кларинета, 2 фагота, 2 (рядко 4) рога, понякога 2 тромпети и тимпани, струнна група от не повече от 20 инструмента (5 първи и 4 втори цигулки , 4 виоли, 3 виолончела, 2 контрабаса). Големият симфоничен оркестър (BSO) включва задължителни тромбони в медната група и може да има всякакъв състав. Често дървените инструменти (флейти, обои, кларинети и фаготи) достигат до 5 инструмента от всяко семейство (понякога повече кларинети) и включват разновидности (пик и алт флейти, купидон обой и английски обой, малък, алт и бас кларинети, контрафагот). Медната група може да включва до 8 клаксона (включително специални туби на Вагнер), 5 тромпети (включително малки, алт, бас), 3-5 тромбона (тенор и тенобас) и туба. Често се използват саксофони (в джаз оркестър, всичките 4 вида). Струнната група достига 60 или повече инструмента. Ударните инструменти са многобройни (въпреки че тимпани, камбани, малки и големи барабани, триъгълник, чинели и индийски там-том съставляват техния гръбнак), често се използват арфа, пиано, клавесин.
За да илюстрирам звученето на оркестъра, ще използвам записа от финалния концерт на Симфоничния оркестър на YouTube. Концертът се състоя през 2011 г. в австралийския град Сидни. Беше гледан на живо по телевизията от милиони хора по целия свят. Симфонията на YouTube е посветена на насърчаването на любовта към музиката и показването на огромното творческо разнообразие на човечеството.

Концертната програма включваше добре познати и малко познати произведения на известни и малко известни композитори.

Ето неговата програма:

Хектор Берлиоз – Римски карнавал – Увертюра, оп. 9 (с участието на Android Джоунс - дигитален художник)
Запознайте се с Мария Киоси
Пърси Грейнджър - Пристигане на платформа Humlet от накратко - Suite
Йохан Себастиан Бах
Запознайте се с Пауло Калигопулос - електрическа китара и цигулка
Алберто Гинастера - Danza del trigo (Житни танци) и Danza final (Маламбо) от балет Estancia (диригент Илич Ривас)
Волфганг Амадеус Моцарт - "Caro" bell "idol mio" - Canon на три гласа, K562 (с участието на Детския хор от Сидни и сопраното Рене Флеминг чрез видео)
Запознайте се с Xiomara Mass - Oboe
Бенджамин Бритън – Ръководството на младия човек към оркестъра, оп. 34
Уилям Бартън - Калкадунга (с участието на Уилям Бартън - Диджериду)
Тимъти Констабъл
Запознайте се с Роман Ридел - тромбон
Рихард Щраус - Фанфари за Виенската филхармония (с участието на Сара Уилис, хорн, Берлинската филхармония и диригент Едуин Аутуотър)
*ПРЕМИЕРА* Мейсън Бейтс - Mothership (специално композиран за Симфоничния оркестър на YouTube 2011)
Запознайте се със Су Чанг
Феликс Менделсон - Концерт за цигулка в ми минор, оп. 64 (Финал) (с участието на Стефан Джакиу и диригент Илиич Ривас)
Запознайте се с Озгур Баскин - цигулка
Колин Якобсен и Сиамак Агей - Възходяща птица - Сюита за струнен оркестър (с участието на Колин Якобсен, цигулка и Ричард Тогнети, цигулка, и Ксения Симонова - пясъчна артистка)
Запознайте се със Степан Грицай - цигулка
Игор Стравински - Жар-птица (Адски танц - Berceuse - Финал)
*ENCORE* Франц Шуберт - Розамунд (с участието на Юджийн Изотов - обой и Андрю Маринер - кларинет)

История на симфоничния оркестър

Симфоничният оркестър се е формирал през вековете. Развитието му дълго време се осъществява в дълбините на оперните и църковните ансамбли. Такива отбори в XV - XVII векове бяха малки и разнообразни. Те включват лютни, виоли, флейти с обой, тромбони, арфи и барабани. Постепенно струнните лъкови инструменти завоюват доминиращата позиция. Виолите бяха заменени от цигулки с по-богато и мелодично звучене. Върнете се в началото XVIII в те вече царуваха в оркестъра. Обединиха се отделна група и духови инструменти (флейти, обой, фагот). От църковния оркестър преминаха към симфоничните тръби и тимпаните. Клавесинът беше незаменим член на инструменталните ансамбли.
Такава композиция е типична за Й. С. Бах, Г. Хендел, А. Вивалди.
От средата XVIII в започват да се развиват жанровете симфония и инструментален концерт. Отдалечаването от полифоничния стил накара композиторите да се стремят към темброво разнообразие, като релефът се откроява от оркестровите гласове.
Функциите на новите инструменти се променят. Клавесинът със слабото си звучене постепенно губи водещата си роля. Скоро композиторите напълно го изоставят, залагайки главно на струнната и духовата група. До края XVIII в се формира т. нар. класически състав на оркестъра: около 30 струни, 2 флейти, 2 обая, 2 фагота, 2 тръби, 2-3 валторни и тимпани. Кларнетът скоро се присъедини към духовите. За такава композиция пише Й. Хайдн, В. Моцарт. Такъв е оркестърът в ранните композиции на Л. Бетовен. AT XIX в
Развитието на оркестъра вървеше основно в две посоки. От една страна, увеличавайки се по състав, той беше обогатен с инструменти от много видове (заслугата на композиторите-романти, преди всичко Берлиоз, Лист, Вагнер, е голяма в това), от друга страна, вътрешните възможности на оркестъра се развиват: звуковите цветове станаха по-чисти, текстурата по-чиста, изразителните ресурси са по-икономични (какъвто е оркестърът на Глинка, Чайковски, Римски-Корсаков). Значително обогатяват оркестровата палитра и много композитори от късните XIX - 1-ва половина на XX в (Р. Щраус, Малер, Дебюси, Равел, Стравински, Барток, Шостакович и др.).

Състав на симфоничния оркестър

Съвременният симфоничен оркестър се състои от 4 основни групи. Основата на оркестъра е струнна група (цигулки, виоли, виолончела, контрабаси). В повечето случаи струните са основни носители на мелодичното начало в оркестъра. Броят на музикантите, свирещи на струни, е приблизително 2/3 от цялата група. Групата на дървените духови инструменти включва флейти, обой, кларинет, фагот. Всеки от тях обикновено има самостоятелна партия. Отстъпвайки на лъковите по тембърна наситеност, динамични свойства и разнообразие от техники на свирене, духовите инструменти имат голяма мощност, компактен звук, ярки цветни нюанси. Третата група оркестрови инструменти са духови (валдхон, тромпет, тромбон, тромпет). Те внасят нови ярки цветове в оркестъра, обогатявайки неговите динамични възможности, придавайки сила и блясък на звука, а също така служат като бас и ритмична подкрепа.
Ударните инструменти стават все по-важни в симфоничния оркестър. Основната им функция е ритмична. Освен това те създават специален звуков и шумов фон, допълват и украсяват оркестровата палитра с цветни ефекти. Според естеството на звука барабаните се делят на 2 вида: някои имат определена височина (типани, камбани, ксилофон, камбани и др.), други нямат точна височина (триъгълник, тамбура, малък и голям барабан, чинели) . От инструментите, които не са включени в основните групи, най-значима е ролята на арфата. Понякога композиторите включват челеста, пиано, саксофон, орган и други инструменти в оркестъра.
Повече информация за инструментите на симфоничен оркестър - струнна група, дървени духови, медни и перкусии можете да намерите на сайт.
Не мога да пренебрегна още един полезен сайт "Деца за музиката", който открих при подготовката на публикацията. Няма нужда да се плашите от факта, че това е сайт за деца. В него има доста сериозни неща, само разказани на по-прост и разбираем език. Тук връзкавърху него. Между другото, съдържа и разказ за симфоничен оркестър.