Декоративное панно «Философия» была создана Михаилом Александровичем Врубелем в 1899 году. Панно передает аллегорическую сцену, на которой изображена девушка. Ее обнаженное тело прикрыто материей бронзового цвета, демонстрируя обнаженную грудь. Рыжие волосы девушки […]
Была нарисована художником приблизительно в 1904 -1905 гг. Для ее создания использовался обычный лист бумаги, акварель, уголь и карандаш. Зритель может открыто наблюдать печальный взгляд пророка. Врубелю удалось передать в изображении всю […]
Михаил Врубель выполнил эту работу по заказу для оформления и декорации интерьера. Примечательная структура живописного и красочного панно, задача которого будет решить заполнение всего потолочного пространства. В этой картине особенно выделяются характерные […]
Потрясающая работа Михаила Александровича Врубеля «Сошествие Святого духа на апостолов» украшает цилиндрический свод Кирилловской церкви, расположенной в Киеве. Произведение относится к первым работам живописца. Согласно Евангелию, к апостолам пришел Святой дух в […]
Портрет с натуры был написан в 1898 году. При написании шедевра использовались масляные краски. Супруга одета в пышное платье, украшенное желтым широким поясом, голову украшает кисейная шляпка. В руках Надежда Ивановна держит […]
Керамическая скульптура «Египтянка» была создана художником М. А. Врубелем в 1891-1896 годах, когда он только начал увлекаться изготовлением изделий из этого материала. Творец изобразил прекрасное по своей пластике женское лицо – красивое […]
Михаил Александрович Врубель – художник со сложной судьбой. Жизнь его напоминает драму. Успешный молодой человек, во время обучения на юридическом факультете университета увлекшийся богемным образом жизни, к счастью, нашел в себе талант […]
Михаил Врубель один из тех русских художников, который стал отцом русского модерна. Именно элементы модерна, мастер использовал для создания уникального шедевра «Суд Париса». Врубель применял более точные линии, орнаменты, имеющие скрытый и […]
Если ничего не знать о Михаиле Врубеле, кроме его картин, можно вообразить его похожим на Демона. Но по свидетельству хорошо знавших его людей, ни в характере, ни в наружности знаменитого художника не было ничего демонического.
Внешне это был небольшого роста и хрупкого сложения блондин, немного суетливый, экспансивный, иногда общительный и приветливый, иногда раздражительный. По характеру он был вечным ребенком, беспечным и нерасчетливым.
Сестра его жены, впервые познакомившись с Врубелем, когда тому было сорок лет, записала в дневнике: «Он…показался мне слабым, такой маленький, — мне стало его жалко…я мало верю в его будущность, мало у него сил». А Врубель в то время был уже автором эскизов к росписям Владимирского собора, «Сидящего Демона», иллюстраций к Лермонтову, «Испании», «Гадалки». Правда, его работы видел лишь очень ограниченный круг людей: до конца 1890-х годов они нигде не выставлялись.
Сирень. 1900
К современному ему искусству Врубель относился пренебрежительно. Он не любил посещать выставки и галереи, а в Третьяковскую галерею в первый раз попал 24 мая 1898 года, т. е. когда ему было сорок два года.
Жемчужина. 1904
Врубель родился в Омске, где его отец (впоследствии генерал) служил по военно-юридическому ведомству. Семья часто переезжала, поэтому у будущего художника не было родного гнезда и связанных с ним воспоминаний. Омск, через три года Астрахань, потом год в Петербурге, затем Саратов, снова Петербург, пять лет в Одессе, и, наконец, с 1874 года Врубель надолго обосновался в Петербурге.
Несмотря на кочевую жизнь, детство Михаила проходило беззаботно. Рано лишившись матери, он рос на попечении мачехи, которая оказалась доброй, любящей и заменила мать ему и его старшей сестре Анне; потом у них появились еще братья и сестры. У Михаила было слабое здоровье (он и ходить начал только в три года), но нрав веселый и живой. Пятилетним ребенком он начал рисовать и не бросал карандаша и кисти на протяжении всех гимназических и университетских лет.
Царевна-Лебедь. 1900, окончательный вариант
Гамлет и Офелия. 1888
В 1880 году, в возрасте двадцати четырех лет, сделался студентом-первокурсником Академии художеств.
В Академии художеств Врубель пробыл четыре года, в течение которых его работы были отмечены несколькими медалями. В Академии он работал по классу П. П. Чистякова. В те годы молодой художник так изощрил и натренировал глаз, что различал «грани» не только в строении человеческого тела или головы, где конструкция достаточно ясна и постоянна, но и в таких поверхностях, где она почти неуловима, например в скомканной ткани, цветочном лепестке, пелене снега. Он учился чеканить, огранивать, как ювелир, эти зыбкие поверхности, прощупывал форму вплоть до малейших ее изгибов. Как он это делал, можно видеть на примере его картины «Натурщицы в обстановке Ренессанса».
Умный и проницательный Чистяков разглядел необыкновенную одаренность ученика и выделял его среди других. Поэтому, когда к Чистякову обратился его старый друг профессор А. В. Прахов с просьбой порекомендовать кого-либо из наиболее способных студентов для работы в древнем храме Кирилловского монастыря под Киевом, Чистяков без колебаний представил ему Врубеля со словами:
«Лучшего, более талантливого и более подходящего для выполнения твоего заказа я никого не могу рекомендовать».
Врубель прожил в Киеве с весны 1884 по осень 1889 года, оттуда он на несколько месяцев ездил сначала в Венецию, потом в Одессу и Харьков. Когда художник только приехал в Киев и ознакомился с храмом, то предложил просто расчистить фрески и оставить их в нетронутом виде, но на это не согласились: храм был действующий, и полустертые фигуры святых могли бы смущать прихожан. Требовалось их дописать, сохраняя по возможности стиль XII века.
Врубель написал на стенах несколько фигур ангелов, голову Христа, голову Моисея и, наконец, две самостоятельные композиции — огромное «Сошествие святого духа» на хорах и «Оплакивание» в притворе. В работе над ними художник уже не копировал старинные образцы. У него было внутреннее право не следовать букве древнего стиля, поскольку он уже проник в его дух.
Теперь Кирилловский храм вошел в историю еще и как памятник, запечатленный гением Врубеля.
Полет Фауста и Мефистофеля. 1896
Для написания заказанных иконостасных образов — Христа, Богоматери и святых Кирилла и Афанасия — Врубель отправился в Венецию, где пробыл полгода.
Полученные в Венеции впечатления сыграли огромную роль в творческом развитии Врубеля. И тем не менее художник с нетерпением ждал возвращения на родину. Сохранилось письмо Врубеля из Венеции к его товарищу по Академии, где он говорит:
«…в Италии можно учиться, а творить — только на родной почве; что творить — значит чувствовать, а чувствовать — значит «забыть, что ты художник, и обрадоваться тому, что ты прежде всего человек». И другое восклицание, которое у Врубеля вырывается впервые: «Сколько у нас красоты на Руси!»
Демон поверженный. Иллюстрация к поэме Лермонтова ‘Демон’ 1902
Вернувшись из Венеции, Врубель не находил себе места — то принимал решение уехать из Киева (и действительно на несколько месяцев уезжал в Одессу), то возвращался опять; он бурно увлекся какой-то заезжей танцовщицей, много пил, жил неустроенно, лихорадочно, к тому же еще и жестоко бедствовал, так как денег не было.
Их семья к тому времени жила в Харькове, и родители хотели, чтобы Михаил пожил дома, но он даже не отвечал на их письма. Осенью 1886 года отец сам приехал в Киев проведать сына, и его опасения подтвердились. Было видно, что Михаил переживал не только денежный кризис. Бедность он переносил беззаботно, отсутствие славы — тоже: он знал, что рано или поздно она придет. Хуже дело обстояло с личными проблемами. Художник мучился от неразделенной любви, и это казалось ему гораздо более серьезным.
Врубель как раз работал над «Демоном», когда неожиданно приехал отец. Картина отцу резко не понравилась. Никаких следов киевского «Демона» до нас не дошло — художник его уничтожил, и все ныне известные «Демоны» созданы значительно позже. Одновременно Врубель работал тогда и над другими вещами, по заказу киевского мецената И. Н. Терещенко.
Осенью 1889 года Врубель поехал в Казань навестить заболевшего отца — в то время семья жила уже там — и на обратном пути остановился в Москве — всего на несколько дней, как он предполагал. Но Москва его затянула, закружила и навсегда отрезала от Киева. За эти годы Врубель четыре раза побывал за границей, лето проводил в загородных имениях своих друзей.
В одном из них художник В. Серов познакомил его с Саввой Мамонтовым, меценатом русского искусства. С тех пор художник уже не знал такой бедности, как в Киеве. Благодаря Мамонтову ему удавалось получать заказы. В 1891 году Врубелю предложили сделать иллюстрации к собранию сочинений М. Ю. Лермонтова. Таким образом, он мог вернуться к давно задуманному образу Демона. Впрочем, еще раньше им была написана картина «Демон сидящий».
Образ Демона уже давно привлекал Врубеля: он был для него не однозначной аллегорией, а целым миром сложных переживаний. На холсте, в глине, на обрывках бумаги художник ловил лихорадочное мелькание обликов, чередование гордости, ненависти, мятежности, грусти, отчаяния. Все снова и снова появляется незабываемое лицо: косматая грива, узкий овал, излом бровей, трагический рот, — но каждый раз с иным оттенком выражения. То он бросает исступленный вызов миру, то «похож на вечер ясный», то становится жалок.
Известность Врубеля растет. Он создает значительное панно «Микула Селянинович», которое вызвало неоднозначную реакцию, но принесло автору широкую известность.
Микула Селянинович. 1896
Восточный танец. 1887
В 1896 году Врубель женился на певице Надежде Забела. Свадьба их состоялась в Женеве, где Забела была на гастролях. Это было в самом деле гармоническое супружество в течение пяти лет, пока не разразилась беда. В это время художник много работает: создает «Пана», «Царевну-Лебедь», «Сирень», «К ночи» и другие картины…
В первые месяцы 1902 года жена художника, а вскоре и другие стали со страхом замечать у него симптомы психического расстройства. Несмотря на болезнь, способность к творчеству не покидала Врубеля, даже как будто росла, но жить с ним становилось уже невыносимо.
Молва связывает болезнь Врубеля с его картиной «Поверженный Демон», над этим огромным холстом он работал с особенным напряжением.
И в самом деле, эта картина стала скорбной вехой в биографии Врубеля. Картина еще висела на выставке, когда ее автора пришлось поместить в одну из московских психиатрических лечебниц. Через полгода здоровье художника поправилось, и ему разрешили поехать на отдых в Крым. Но Врубеля уже ничего не интересовало, Крым не нравился, работать он почти не мог. Его тянуло на Украину.
Художник с женой и маленьким сыном поехали в Киев, где мальчик заболел и неожиданно умер. Смерть сына вывела Врубеля из апатии, и он старался поддержать жену, для которой этот год был еще более мучительным. Она пережила смерть отца, тяжелую болезнь матери, сумасшествие мужа и, наконец, внезапную смерть единственного ребенка.
Демон поверженный. 1902. Эскиз акварелью
Ночь в Италии. 1891
Через некоторое время Врубель снова заболел, и его поместили в клинику Сербского в Москве. Вскоре кризис миновал, и все ждали возвращения художника к жизни. Летом 1904 года выздоровевший Врубель переселился в Петербург, так как его жена получила там ангажемент в Мариинском театре.
К художнику пришли слава и почет в самый горестный момент жизни. В 1905 году он показывает на выставке Союза русских художников свою пастель «Жемчужная раковина», которая представляет собой маленькое чудо искусства. Врубель создает еще «Пророка», «Автопортрет». Будучи почти ослепшим, пишет портрет поэта В. Брюсова — последний портрет художника.
И все-таки никакие усилия не могли изменить роковой судьбы. Прогрессирующая болезнь смирила мастера. Он ушел в себя, стал тихим, покорным, безропотным. Так медленно, без внешних событий, но с депрессивным переосмыслением прошлого протекли для ослепшего художника последние четыре года жизни. Под конец Врубель стал тяготиться собой. «Устал жить», — говорил он. И, как считала его сестра, умышленно простудился, стоя под форточкой.
Снегурочка. 1890-е
В феврале 1910 года у него началось воспаление легких, перешедшее в скоротечную чахотку, и 1 апреля художника не стало. Он был похоронен в Петербурге на кладбище Ново-Девичьего монастыря. На его отпевании священник сказал: «Художник Михаил Александрович Врубель, я верю, что бог простит тебе все грехи, так как ты был работником». Речь над могилой держал только один человек — поэт Александр Блок:
«Незаметно протекла среди нас жизнь и болезнь гениального художника. Для мира остались дивные краски и причудливые чертежи, похищенные у Вечности. Для немногих — странные рассказы о земных видениях Врубеля. Для тесного кружка людей — маленькое восковое лицо в гробу с натруженным лбом и плотно сжатыми губами. Как недлинен мост в будущее! Еще несколько десятков лет — и память ослабеет: останутся только творения, да легенда, еще при жизни художника сложившаяся.
Врубель жил просто, как все мы живем; при всей страсти к событиям, в мире ему не хватало событий; и события перенеслись во внутренний мир… Нить жизни Врубеля мы потеряли вовсе не тогда, когда он «сошел с ума», но гораздо раньше: когда он создавал мечту своей жизни — Демона.
Врубель пришел с лицом безумным, но блаженным. Он — вестник; весть его о том, что в сине-лиловую мировую ночь вкраплено золото древнего вечера. Демон его и Демон Лермонтова — символы наших времен:
Ни день, ни ночь, ни мрак, ни свет.
Мы, как падшие ангелы ясного вечера, должны заклинать ночь. Художник обезумел, его затопила ночь искусства, потом — ночь смерти. Он шел, потому что «звуки небес» не забываются. Это он написал однажды голову неслыханной красоты; может быть, ту, которая не удалась в «Тайной Вечере» Леонардо…» (Впервые опубликовано: «Искусство и печатное дело» (Киев), 1910, № 8 — 9. Переработка речи, прочитанной на похоронах М.А. Врубеля 3 апреля 1910 г. )
Игры наяд и тритонов, 1900
Пантомима. 1896
Сошествие Святого Духа на апостолов. 1885
Надгробный плач. 1887
Валькирия. 1899
Италия. Неаполитанская ночь. 1891
Восточная сказка. 1886
Примавера. 1897
Портрет сына художника. 1902
Шиповник, 1884
Девочка на фоне персидского ковра. 1886
Гадалка. 1895
Последний портрет художника. Незавершенный. Портрет поэта Валерия Яковлевича Брюсова. 1906
Нашли ошибку? Выделите ее и нажмите левый Ctrl+Enter .
«…Врубель идеально выражал свою мысль; он был идеален по своей природе. Есть какая-то безошибочность во всём, что он сделал»
(А.Я.Головин)
М.Врубель. Панно «Суд Париса»
Михаил Александрович Врубель (1856-1910)- одна из самых сложных и неоднозначных фигур в русской культуре рубежа XIX-XX века.
Он проявлял своё мастерство в различных видах изобразительного искусства: живописи, графике, скульптуре и в архитектуре, стремясь приблизиться к мастерам Ренессанса
Врубель — у истоков русского символизма и модерна
Художественный язык Врубеля формировался в изобразительной системе стиля модерн , а также основывался на предметности и осязательной ценности формы, заимствованной художником у традиции русского академического искусства, а в частности у его учителя П.П.Чистякова.
В его творчестве соединяются две тенденции и , на основе данного соединения возникает семантическая двузначность образов. Символ у мастера – это знак с бесконечным множеством трактовок. Созданные им образы многогранны, это символы, вызывающие у зрителя многочисленные ассоциации.
Живописец через символический образ создаёт изображение мирового бытия. Все персонажи художника – это многозначные образы-символы, что заключают в себе авторское понимание мира, отражение авторского «я».
Основные темы картин художника Врубеля
Религиозная тема
Произведения на религиозную тему у Врубеля наиболее полно воплотились в ранний период его деятельности. Тогда он занимается реставрацией росписей в Кирилловской церкви в Киеве («Оплакивание»), а впоследствии создаёт эскизы к росписям Владимирского собора в Киеве («Надгробный плач», «Богоматерь с младенцем»), которые так и остались на бумаге.
Центральная тема творчества мастера — это образ Демона
Эта тематика стала для художника целым миром сложных переживаний. Впервые этот образ привлёк внимание художника при создании эскизов для Владимирского собора в Киеве, он написал его, но впоследствии эту работу уничтожил.
М.Врубель иллюстрации к «Демону» Лермонтова
В 1890 году художник рисует задумчивый образ «Демона сидящего» — первое произведение, созданное из демонического цикла, включающего в себя живописные произведения, рисунки и скульптуру. Позже мастер сделал скульптурную голову «Демона», где этот же образ показан более жестоким.
В 1891 году художник принимается за иллюстрации к поэме «Демон», которую в то время больше никто не пытался иллюстрировать.
М.Врубель «Демон поверженный»
В 1898 году он возвращается к «демонической» теме, после долгих колебаний он берётся за создание «Демона летящего», но, к сожалению, так и не заканчивает его. Берется за образ «Демона поверженного». Демон на этой картине выглядит сломленным безумием. После долгого перерыва художник в 1904 году возвращается к этому циклу и создает картину «Азраил» (демон смерти).
Сказочная тема
М.Врубель «Царевна-Лебедь»
Немаловажное место в творчестве Врубеля играла тема сказочного эпоса и русской оперного искусства. Он создаёт многочисленные живописные полотна, среди которых известны ««Царевна лебедь», панно «Богатырь», театральные декорации к операм Римского-Корсакова.
Самой последней темой художника стал образ «пророка», начавшийся с иллюстраций к известному стихотворению стал лебединой песней мастера, он работал над ним до конца жизни, эта была тема посвящена трагической миссии творца. Последнюю вариацию этой темы художник назвал «Видение Иезекииля»
Врубель как универсальный мастер
Художник, как было сказано выше, стремился оставить след во всех областях изобразительного искусства, походя на художников эпохи Возрождения. Мастер пробовал себя в различных жанрах: портрет («Женская голова. Э.Л. Прахова»), фантастика («Демон сидящий»), пейзаж («Куст сирени») и т.д., работая в различных техниках.
Он создавал:
- монументально-декоративные панно («Фауст»),
- произведения театральной живописи (декорации к «Садко») и декоративно-прикладного искусства (возрождение майолики),
- декоративную скульптуру («Маска льва») и т.д.
Художественные средства Врубеля
М.Врубель «Богоматерь с младенцем»
Основу колорита живописца составляют три цвета:
- золотистый;
- пурпурный (цвет зари)
- сине-лиловый (цвет ночи и неба).
Это цветовое сочетание – характерно для его творчества.
Цветовая гамма художника меняется с определённым этапом его творчества. Зрелый мастер использует более тёмные, насыщенные, мрачные оттенки его цветовой гаммы.
Например,
- у самого сильного эскиза к росписи Владимирского собора «Надгробный плач», созданного в ранний период, цветовое решение состоит из светло-жёлтого, розового, небесного тонов;
- в созданных в поздний период «Демонах», он использует блестяще-золотистые, сиреневые и жемчужный оттенки.
М.Врубель «Голова пророка»
У Врубеля колористическое решение всегда совпадает с образно-символическими и стилистически поставленными задачами. Метафоричность цветового содержания картины характерна для живописи этого художника. Очень узкий выбор красок и невероятное количество их сочетаний направлены у художника на создание персональной символической системы.
Антидинамичные композиции мастера – это крупные изображения на общем фоне, в них нет взаимодействия объектов произведения. Мозаичность, гранённость форм, стирающие границы фигур и предметов, также характерны для врубелевских полотен. Глубина и пространство картин – плоскостны.
В последних работах мастера намечается тяготение к экспрессионизму, его живопись становится более пессимистичной, а колорит становится более тёмным и мрачным, усиливая напряжённость полотен. Хотя экспрессия была свойственна его картинам изначально, в ранних работах более следовал романтическим тенденциям.
Всю свою творческую жизнь художник посвятил служению красоте. Его девизом было — «Истина в красоте».
Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь«Откуда приходят к нам художники?» - задумывался А. Блок. Не из древних ли трагедий? Какую печать они несут? Биография Михаила Врубеля отвечает: печать рока и безумия. Художник был феноменально одарен. Ему была подвластна монументальная роспись, графика, театральные декорации, скульптура. Как выглядел Михаил Врубель? Фото 1897 года нам это демонстрирует.
Происхождение
Удивительна наследственность Врубеля. Она поражает разнообразием этнического состава. В ней смешались русские, татары, финны, выходцы из прусской Польши и варшавские поляки. Эти сложные смешения, несомненно, повлияют на жизнь художника. Биография Михаила Врубеля и благодаря этому сложится очень непросто. Душевная мягкость, отрешенная задумчивость - это пришло к нему от матери, в 23 года умершей от туберкулеза. Вспыльчивость, горячность, неожиданные решительные поступки и стойкость, когда приходилось преодолевать жизненные трудности, - это от отца. На него он был и внешне похож: густые светлые волосы, прямой нос. А глаза были материнские - карие.
Детство
Это был красивый, веселый, изобретательный ребенок. Он придумывал игры по мотивам приключений Майн Рида и Фенимора Купера и увлекал и объединял всех вокруг себя. Но одновременно он мог часами сидеть, читая и рассматривая иллюстрации и репродукции картин. Миша родился в Омске в 1856 году. Но служба отца проходила в переездах. Они жили и в Астрахани, и в Харькове. Там он вторично женился, и его жена много времени уделяла детям от первого брака. Своих у нее еще не было.
В Саратов, очередной город, где жили Врубели, привезли копию «Страшного суда» Микеланджело. И вот тут впервые проявилась поразительная визуальная память Михаила. Он по воспоминаниям нарисовал фреску со всеми подробностями. К этому времени он уже брал уроки рисования. Семья была большой и бедной. Отец Михаила не сделал карьеры, вероятно, потому, что происходил из неимущих дворян и был католиком. Но для детей родители старались сделать все возможное, чтобы они могли следовать своим способностям и увлечениям.
Так безмятежно складывалась в детстве биография Михаила Врубеля. Тревоги и сложности, переезды и неустроенный быт, нищета - это все придет позже, начиная с юной самостоятельной жизни.
В Академии
Окончив одесскую гимназию, где он серьезно изучил и литературу, и историю, и немецкий, французский и латинский языки, а затем и Петербургский университет, в 1880 году Врубель поступает в Академию художеств. Теперь жизнь, которую будет вести Михаил Врубель, биография его навсегда будут связаны с искусством. Его начинают интересовать трагические темы, общечеловеческие, философские.
Не случайна его работа «Гамлет и Офелия» (1884 г., ГРМ). Его привлекают сильные и мятежные личности. Позируют ему Валентин Серов и его двоюродная сестра. Темен колорит, но кобальт играет всеми оттенками. Картина осталась незаконченной, потому что так уж сложилось. Художника, не закончившего Академию, приглашают на работу в Киев. Живописец Михаил Врубель, биография которого внезапно меняется, проявит там свою еще неизвестную грань таланта как мастера монументальных росписей.
Киев, Италия и снова Киев
По предложению искусствоведа А. Прахова он с увлечением работает, расписывая Кирилловский собор фресками. Им созданы четыре оригинальные композиции взамен утраченных и отреставрировано 150 фрагментов фресок, которые относятся к 12-му веку. Пять лет, проведенных в исканиях и трудах, оплачивались крайне скудно. Но искусствовед, чтобы положить конец увлечению молодого художника его женой, отправляет Врубеля в Равенну.
Наиболее всего его привлек не расцвет Ренессанса, а более раннее искусство и готические мозаики и витражи. Он жадно впитывает пластические и колористические решения итальянцев, что при его поразительной визуальной памяти, которая проявилась еще в детстве, для него несложно.
Результатом станут при возвращении в Киев шедевры - акварельные эскизы росписей Владимирского собора (1887). Они не были приняты, так как расходились с концепцией и традицией изображений в православной церкви. В «Надгробном плаче», который представлен выше, прослеживается вся глубина материнского горя. В ней максимально выражена и скорбь Марии, и ее страдание, и безмерная любовь. Она окаменела, глядя глазами, полными слез, на сына. Простота цветовых соотношений и лаконизм композиции выражают глубину и величие скорби. В этих работах соединились гармония древности и экспрессия чувств современного человека.
Москва (1890-1902)
В Киеве ему поручались далеко не самые важные работы. Постоянных заработков у него не было, и случайно Врубель уезжает в Москву, на короткое время, просто встретиться со знакомыми. Он останется здесь надолго. И это будет самый плодотворный и яркий период в творчестве, чего еще не познал Михаил Врубель. Биография его спишет знакомство с и Саввой Мамонтовым.
Демон и Тамара
В это время издается к юбилею Лермонтова собрание сочинений в двух томах. Малоизвестному, но интересному Врубелю поручено иллюстрировать «Демона». Для себя художник уже обращался к этой теме, но не был удовлетворен результатом. Тут же он выполнил 30 черно-белых рисунков акварелью. Они поразительно выразительны. Тамара у него связывает небесное и земное.
и другие работы
В 1894 году Врубель получает заказы на создание декоративных панно. «Венеция» представляет живущий полнокровной жизнью, а «Испания» навеяна оперой «Кармен». В некоторой близости к ней стоит полотно «Гадалка» (1895).
На картине знаменательно изображен туз пик на первом плане. То, как он нарисован, означает добрые дела и взаимные чувства. Ожидания, владевшие автором, его не обманули. К нему пришла любовь и Надежда. Через несколько месяцев он обвенчается с Надеждой Ивановной Забелой. Так обновится биография Михаила Врубеля. Это произойдет в 1896 году. А вместе с певицей в его жизнь входит музыка. Художник полон сил. Он творит.
Михаил Врубель: картины с названиями
В эти годы (с 1896-го по 1902-й) создан новый мир - мир Врубеля. Он напишет ряд великолепных портретов - «С. И. Мамонтова», «К. Д. Арцыбушева», панно «Принцесса Грёза» и полотна «Микула Селянинович», «Сирень», «Утро», «Пан», «Царевна-Лебедь», «Богатырь», «Демон летящий», «Демон поверженный», «Портрет сына», сюиту портретов жены. Он работает истово, не жалея себя, по 14 часов в сутки. И приходит болезнь.
Неотвратимость (1903-1910)
Душевные недуги из-за того, что окружающие их просто не понимают, смотрят со страхом или насмешкой, всегда тяжелы и для больного, и для его близких. А ведь это самые обыкновенные заболевания, как болезнь желудка или сердца, но там окружающим все понятно, и они полны сочувствия. Не так с депрессиями и помутнением сознания. И как горько читать о болезни Врубеля сейчас, когда есть целый спектр лекарств, которые могли бы вывести его из прогрессирующей болезни.
По крайней мере, на более долгий срок оставить его в обществе здоровых людей. А тогда он уходил и терял с ними контакт. Тем не менее он пытался понемногу писать. Вот роза в стакане, вот портрет Брюсова, на которого сам поэт хотел быть похожим.
Самое тяжелое
Это последний период, когда художник ослеп. Четыре года он проведет в полной темноте, когда в голове роятся замыслы и их нельзя перенести на полотно. Остается одно: слушать музыку, чарующий голос жены, слушать, как ему читают книги. Но он пребывал в другом мире, мире галлюцинаций, из которого изредка выходил. Перед самой смертью он вернулся в наш мир, вымыл, как это он любил, себя с одеколоном. И к утру его не стало. Шел 1910 год.
Так тихо и безропотно ушел не понятый современниками гений - Михаил Врубель. Биография и творчество были протестом против зла, наполненным всей страстью его пылкой натуры. В своих трагических образах он воплощал свет и благородство. Борьба двух противоположных начал - света и тьмы - тема его произведений. Блок говорил над его могилой, что своих оставил всем «как заклинателей против лилового зла».
Как художник Врубель сформировался стремительно. В искусство он пришел уже взрослым, образованным человеком. Михаил Врубель не имел ни учеников, ни последователей, составивших школу. еще при жизни снискал себе успех, но к этому времени художник был уже безнадежно болен, и почести не были ему нужны. За ним на долгое время укрепилось представление как о человеке странном и неуравновешенном. Врубелю важно было жить творчеством, а не творить искусство. Он удивлял своих друзей нелепыми — с их точки зрения — выходками: мог в состоянии неуравновешенности записать прекрасную картину, над которой долго и упорно работал до этого, ничего не значащим изображением цирковой наездницы; в порыве гнева он разрывал прекрасные акварельные листы, выбрасывал великолепные наброски. Он ценил не столько результат, сколько сам творческий труд, процесс, момент художественного озарения. Широко образованный, знавший несколько европейских языков, всегда аккуратно и даже щегольски одетый, вежливый и тактичный, хотя иногда и способный взглянуть на собеседника свысока, Врубель при этом почти всю жизнь бедствовал, иногда оставаясь с пятью копейками в кармане или с трудом перебиваясь малым вознаграждением, получаемым за уроки рисования. Он болезненно ощущал несправедливость, но специально не искал успеха, его не интересовали художнические дела, он даже не ходил на выставки. Но при этом уязвленное самолюбие заставляло его подчас бросать обидные слова в лицо своим друзьям-художникам, которые прощали своего друга, истолковывая его слова как причуды больного гения. Из жизни своей Врубель сам творил легенду. Это черта, исконно присущая романтической личности. Он жаждал свершений, сильных впечатлений, больших событий. Внутренняя жизнь, полная конфликтов, потрясений, словно сотрясала его внешнюю жизнь. Круги, расходившиеся от его внутреннего напряжения, достигали не только всех обыденных обстоятельств бытия, но проникали в плоть каждого произведения. Рукой художника как бы водила его внутренняя боль, его душевная борьба. Движение руки становилось прямым выражением душевного движения.
В самом характере искусства Врубеля, в системе его художественного мышления можно найти многочисленные проявления романтической концепции художественного творчества. Врубель был едва ли не первым среди деятелей русской художественной культуры, кто начал движение к символизму. В конце XIX в. художественная культура России переживала период формирования нового стиля (в России он получил название «модерн»). Язык живописи в этом стиле приобрел ярко выраженные черты декоративности‚ твердую линейно-структурную основу и кроме этого подчинил свои открытия не только изображению, но и преображению натуры. В России Врубеля можно считать родоначальником этого стиля.
Вместе с Врубелем в русском искусстве утверждался новый тип художника — художника-универсала. Врубель писал картины и большие панно, расписывал стены храма и делал витражи, создавал иллюстрации и книжные знаки, занимался театральной декорацией и прикладным искусством, скульптурой и архитектурой, даже делал в Талашкине (имении княгини Тенишевой) эскизы гребешков и росписи на балалайках.
Голова демона (раскрашенный гипс) (1890)
Голва ливийского льва (горельеф маска) (1892)
Садко (эскиз блюда, майолика) (1899)
Михаил Александрович Врубель (1856-1910 гг.) родился в семье военного и провел свое детство в разных городах — в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове, Одессе. Окончив сначала классическую гимназию, 5 лет он проучился на юридическом факультете Петербургского университета и лишь потом — в 1880 г. — поступил в Академию художеств. В доакадемические годы в нем уже пробудился интерес к искусству, выявившись в некоторых рисунках, свидетельствующих о необычности его таланта. В Академии счастье улыбнулось Врубелю — он попал в поле зрения П.П.Чистякова, воспитавшего чуть ли не всех лучших живописцев последней трети XIX в. Между тем Врубелю не удалось окончить Академию. Он был призван А.В.Праховым, историком искусств и археологом, руководившим в то время росписью Владимирского собора‚ к деятельности в Киеве в качестве художника-монументалиста.
Пять лет (1884-1889 гг.) Врубель провел в Киеве, изредка выезжая оттуда, в частности в Италию. В Киеве Врубель ярко проявляет себя в монументальной и станковой живописи и в графике. Уже тогда складывается его образная и живописная система, уже тогда он открывает в себе тягу к символическим категориям, а в искусстве своем заковывает принцип нового стиля.
В академические годы творчество художника естественно разделилось на две линии — одна вела к академическим традиционным образам (например, «Пирующие римляне»), а другая стимулировала самостоятельное творчество: он рисовал акварелью портреты знакомых, писал акварельную композицию в собственной мастерской (он делил ее со своими друзьями Серовым и Дервизом). Затем начал писать картину, которую не закончил («Гамлет и Офелия») и к сюжету которой вернулся через пять лет.
Автопортрет (1882)
Пирующие римляне (1883)
Гамлет и Офелия (1884)
Больших успехов эти опыты не принесли. Зато в те годы вырабатывалась художническая позиция Врубеля. Вместе с друзьями он испытал сначала влияние Репина, пользовался его советами. Но его творческий темперамент не позволил ему остаться в рамках творческих установок, характерных для старших передвижников. В серьезной, вдумчивой работе акварелью над портретами и композициями Врубель искал то, что называл «любовной беседой с натурой». Эта позиция раскрыла перед художником новый путь.
Реальные плоды этот новый путь начал давать во время работы в Кирилловской церкви в Киеве, где Врубелю надлежало подновить старые фреоновые росписи XII в. и местами создать новые композиции; художник один на один встретился с огромными поверхностями стен и потолков. Он воспроизвел главную сцену своей росписи «Сошествие Святого Духа» на своде хор без картонов, по маленькому эскизу, действуя как старый мастер, неведомо откуда обретая уверенность и силу ренессансного художника. Врубеля волновал в то время византийский стиль; он видел его главную черту в соблюдении плоскости, на которой нанесено изображение, поэтому придавал особое значение рисунку, ритму складок, общей орнаментации поверхности. Он стремился проникнуть в существо старого стиля, но вместе с тем осовременивал своих героев. Лучше всего художник сумел интерпретировать средневековое наследие в сцене «Надгробный плач», где главным образным средством стали мягкие ритмы и плавные линии.
Богоматерь с младенцем. Кирилловская церковь. Киев (1885)
Сошествие Святого Духа
Вслед за первым монументальным опытом должен был последовать второй. В Киеве заканчивалось строительство большого Владимирского собора, который должен был быть расписан. Для этих росписей приглашаются уже опытные мастера — Виктор Васнецов и художники академического направления братья Сведомские и Нотарбинский. Врубель по предложению Прахова тоже начал работать над эскизами. Но они получились такими необычными, что испугали заказчиков. Единственное, что из эскизов Врубеля было осуществлено, это проекты его орнаментов, составленные из элементов органического мира цветов, листьев, птиц, женских ликов. Врубелевские орнаменты чрезвычайно типичны для стиля модерн — гнутые линии, переплетающиеся стебли растений, рассыпанные блестки павлиньих перьев.
Воскресение. Эскиз росписи Владимирского собора. Киев
Сам Врубель с большим вниманием относился к своим орнаментам, но гораздо большие надежды он возлагал на сюжетные композиции. Более всего он работал над двумя сюжетами — «Надгробный плач» и «Воскресение» (1887). Эскиз «Надгробный плач», выполненном черной акварелью, фиксирующий замершее, остановившееся движение Богоматери над телом Христа, очищенный от деталей, конкретных примет пространства и времени, этот эскиз воплощает вечную тему смерти. Трагическое чувство освобождается от перенапряжения. Фигуры словно парят в безвоздушном пространстве. Их бесплотность подчеркнута холодным светом, преображающим сцену.
Надгробный плач
Надгробный плач (вариант)
Интерес к мистическому свету, преображающему реальность, проявился во всем творчестве Врубеля 80-х гг. В Киеве складывается вся художественная система Врубеля. В графических автопортретах того времени, в рисунках, запечатлевающих обыденные сцены реальной жизни, свет действует как средство драматизации художественного образа. Иногда, как кажется, он имеет реальный источник, иногда, льется неведомо откуда, произвольно выхватывая предметы или части фигур.
Портрет старушки Кнорре за вязанием (1883)
Натюрморт. Ткани (1884)
Сальери всыпает яд в бокал Моцарта (1884)
Тогда же у Врубеля складываются и другие средства преображения реальности. Он тяготеет к орнаментальной структуре своих произведений, что проявляется как в живописи, так и в графике. Одной из первых полноценных и завершенных живописных работ Врубеля стала «Девочка на фоне персидского ковра» (1886). Ради красоты орнаментального начала Врубель прибегает к постановочности сцены. Моделью художника была выбрана дочь владельца антикварной лавки. Врубеля привлекла пестрота ковра, яркость платья, сама обстановка антикварной лавки с ее магической притягательностью старинных вещей.
Девочка на фоне персидского ковра (1886)
По-своему складывается орнаментализм в графике. Врубель сразу же начал рисовать своеобразно. В его задачу входило не только изображение предмета или фигуры, но и организация плоскости листа, сведение этих элементов в определенную структуру. Главным достижением этой структуры становилось ритмическое повторение определенных графических элементов — параллельных штрихов, заштрихованных плоскостей, запятых. Орнамент при этом не вступал в противоречие с предметным изображением.
В 80-е гг. Врубелю не так часто приходилось работать над картинами, выполненными масляными красками, то есть в той технике, в которой ему предстояло создать в будущем большинство своих шедевров. Но уже, тогда у него зародились замыслы будущих программных живописных произведений, уже тогда эти замыслы формировались мучительно и сложно. Он работает над образом Христа, многие годы вынашивает образ Демона, берется за картину о нем, пишет и неоднократно ее переделывает. Наконец, в конце десятилетия возвращается к «Гамлету и Офелии», делая при этом Гамлета родным братом своего пока еще не состоявшегося Демона. С такими мыслями он входит в самое значительное десятилетие своего творчества — в 90-е гг.
Гамлет и Офелия (1888)
С 1889 по 1902 гг. врубелевское творчество переживает высший расцвет, пору своей зрелости. Именно это время было отпущено судьбой для того, чтобы развернулся полностью талант художника. В 1902 г. пришла болезнь, и Врубель от активного творчества должен был отойти, хотя некоторые его графические работы достигали высокого совершенства. Именно в 90-е гг. проявился универсализм художника. Тогда же реализовалась тема Демона, почти всю жизнь сопровождавшая Врубеля.
Первый «Демон» был закончен в 1890 г. Он стал центральным произведением художника, собрав в себе все то, что уже было сделано прежде, и наметив пути вперед. Врубель позиционирует своего героя как выразителя демонического начала и вместе с тем подчеркивает сложность своего Демона -дух, соединяющий в себе мужской и женский облик. Врубелевский демонизм - это демонизм в смягченной форме, вне крайностей индивидуализма, с оттенком того всеобщего страдания за людей, которое красной нитью проходит через всю русскую культуру XIX в. В этой картине Врубель выступает как символист. Содержание его символа невозможно определить с исчерпывающей точностью. Он чрезвычайно сложен и многогранен. Его нельзя свести к каким-то определенным категориям — томлению или жажде красоты, к тоске или отверженности. Образ не может быть исчерпан, он остается открытым. «Демон» дает зрителю возможность теряться в догадках, расширяя в своем представлении содержание образа до беспредельности.
Демон сидящий (1890)
Это исчезновение конкретной единичности идеи, привязанности к определенному жизненному факту определяет установку художника на условный образ и художественный язык. Врубель отказывается от непосредственного восприятия натуры, от фиксации движения окружающего мира — он ищет нечто постоянное, не подверженное мгновенному изменению. Демон замер в позе ожидания и созерцания. Это состояние неподвижности может продлиться долго. Оно как бы входит в замысел художника, избавляет его от описания конкретных условий пространства и времени. Врубель не изображает, а создает, строит, конструирует. Он помещает фигуру в пространстве таким образом, что в картине создается равновесие между фигурой и окружением, между передним планом и глубиной. Мощный, словно вырубленный из твердого материала торс Демона располагается посередине. Он отделяет друг от друга равные части — огромные неземные цветы, занимающие справа всю плоскость картины, и небесное пространство, открывающееся слева — для Врубеля все части мира однородны. Художник работает широким мазком, часто он предпочитает мастихин кисти: мазок превращается в цветовую плоскость, цветовые пятна, ложащиеся на поверхность, уподобляются мозаичным камням. Общий красочный строй соответствует не реальному состоянию природы, а состоянию человеческой души: серые, лиловые, синие выражают меланхолию, душевное томление.
Голова демона
Голова демона на фоне гор
Демон и ангел с душой Тамары
Демон летящий
Демон летящий
Демон смотрящий
Демон у ворот монастыря
Демон у стен монастыря
Демон, смотрящий в долину
Демон, смотрящий на танец Тамары
Свидание Тамары и Демона
Тамара в гробу
Тамара и демон
Вслед за первым живописным «Демоном» в 1891-1892 гг. появилась серия рисунков к произведениям Лермонтова, и в частности к поэме «Демон». Лучшими рисунками к поэме оказались листы «Несется конь быстрее лани» и один из вариантов «Тамара в гробу». В последнем собралась вся нежность художника к человеческому существу, его сострадание. В первом рисунке, выполненном акварелью, всеми средствами подчеркнут стремительный бег коня с мертвым всадником в седле. Бегущие друг за другом: пятна акварели, граненые формы фигур, разрезающих воздух, вихрь мазков, — таков язык Врубеля в этом рисунке.
Иллюстрация «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890-е)
Иллюстрация «Григорий Печорин на диване» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к поэме М.Ю.Лермонтова «Измаил-Бей»
Иллюстрация «Дуэль Печорина с Грушницким» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Журналист, читатель и писатель»
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Русалка» (» Русалка плыла по реке голубой, озаряема полной луной…»)
«Демон поверженный» (1902) — последнее законченное полотно Врубеля — завершает его «демониану». Герой художника гибнет — не в бессмысленной и холодной борьбе с жизнью и смертью, а в борьбе неравной. Это не борьба добра и зла. Это борьба с судьбой, угнетающей личность, в конце концов убивающей ее. Герой сопротивляется до конца. Образ его смерти — и реквием, и своеобразный гимн сопротивлению. В этом гимне что-то торжественное, возвышающее. Сам Врубель называл свою картину иконой. В «Демоне поверженном» вполне определенно выявлен тот принцип стиля модерн, который можно охарактеризовать как орнаментальность. Взор зрителя движется по поверхности картины (а не в глубину), постигая ритм повторяющихся линий и пятен, что типично для целого ряда картин и панно художника: для «Венеции» (1893), в которой мотив великолепного шествия дает повод для сопоставления на плоскости голов, фигур, роскошных одеяний, для «Богатыря» (1898), где растительные формы, фигуры богатыря и коня сплетаются в клубящемся ритме, для панно, посвященных Фаусту (1896), где ритмы организованы остроугольными формами, колючими и иглообразными, для ряда графических произведений. В «Демоне поверженном» соединяется реальное и фантастическое, реальность преодолевается деформацией фигуры. Поверженный герой изогнут, поломан; его тело утопает в фантастических перьях, напоминающих скорее бутафорию, чем живое проявление природы. Рядом с этим условным миром разломанной красоты в картине присутствуют совершенно реальные детали пейзажа — горные вершины писались художником по фотографии.
Демон поверженный (1902)
Демон летящий (1899)
Венеция (Декоративное панно) (1893)
Богатырь (Декоративное панно) (1898)
Полет Фауста и Мефистофеля (1896)
Гадалка (1895)
В иных случаях натурное начало преобладает, тогда фантастическое художник выискивает в самом объекте - например в пророчице, разгадывающей будущее людей («Гадалка» (1895). Но образный строй все равно остается метафорическим. Как паутиной времени, покрыт этот холст серовато-лиловым флером, сквозь который, как драгоценные камни, пробиваются сияющие внутренним светом предметы.
Панно «Испания» (1894), казалось бы, приближает нас к бытовой ситуации. Но художник не растворяет образы в бытовизме. Напротив он напрягает их. Этому напряжению соответствует и композиционная логика картины, в которой живописная плоскость борется со стремительным движением в глубину, выраженным преувеличенным сокращением предметов первого плана.
Испания (1894)
Врубелевские произведения озарены чем-то необычайным — даже тогда, когда художник не выбирает своим предметом заведомо возвышенные мотивы и ситуации. Картина «К ночи» (1900) может служить в этом отношении прекрасным примером. Художник обращается к сцене ночного, которая в сельской является обыденностью. Из этой сцены он извлекает нечто таинственное, почти мистическое. Горят прекрасные цветы чертополоха. Они зажигают ночной пейзаж причудливыми отблесками. Настороженно и тревожно переступают с ноги на ногу кони, пасущиеся неподалеку. Врубель одушевляет природу, он наделяет волей цветы, сообщая им способность чувствовать, воздействовать на людей своей завораживающей магией.
К ночи (1900)
Цветы были излюбленным объектом художника: он пристально вглядывался в сложную конструкцию цветка, создавая свои карандашные этюды. Цветы часто фигурируют и в картинах мастера. Иногда это «цветы зла», иногда образы неподвластной человеку стихии. В картине «Сирень» (1900) зритель особенно остро ощущает стихию цветения, рост куста, запах, идущий от цветов, дурманящий и терпкий. Загадочная фигура девушки, слоimg style=div style=laquo;Демоне поверженномp style= border=вно сросшейся с кустом сирени, усиливает идею слияния одушевленного и неодушевленного, переплетения форм того и другого. Из этих переплетений рождаются у Врубеля персонажи, весьма типичные для европейского символизма и модерна, — полулюди-полуживотные, полулюди-полурастения: «Царевна-Лебедь» (1900), пришедшая на холст из оперы Римскогtext-align: center;div style= 0text-align: center;о-Корсакова, две молодые женщины, словно вырастающие из спирали «Жемчужина» (1904), «Богатырь» с его огромным конем, растущим из земли, как травы и кусты. Все здесь подвержено метаморфозам. Одна из центральных картин, в которых эта тенденция проявилась особенно последовательно — «Пан» (1899). Превращая античного пана в русского лешего, Врубель изображает его с цевницей в руке, как бы вырастающего из земли, торчащего, как замшелый пень. Глаза его светятся, как звезды, уравновешивая своим сиянием свет, льющийся от месяца, половина серпа которого уже зашла за горизонт.
Царевна-Лебедь (1900)
Жемчужина (1904)
Даже в портрете Врубель подвергает модель разного рода уподоблениям. Портрет жены Н.И.Забелы-Врубель (1898), казалось бы, целиком построен на передаче первого впечатления от натуры. Он написан легко, пленэрно. Но, создавая образ женщины, полный обаяния и красоты, живописец и здесь уподобляет ее фигуру и голову какому-то цветку, распускающему свои пышные лепестки навстречу солнечному свету.
Портрет артистки Н. И. Забелы-Врубель, жены художника, в летнем туалете Empire, исполненном по замыслу художника (1898)
Чаще всего, создавая портрет, Врубель подходил к модели с уже заранее сложившейся идеей, вкладывал в эту модель собственные черты. Это чувствуется в портретах 1897 г. — К.Д.Арцыбушева, С.И.Мамонтова. В характере последнего художник подчеркнул демонизм, мятущуюся страсть. Интересно живописно-пластическое решение, с помощью которого художник воплотил свои идеи. Он словно сжал пространством фигуру Мамонтова, пригвоздил ее к плоскости. Намеренно выделив белое пятно манишки, художник «поставил» его на острие треугольника, тем самым заставив шататься и придав композиции неустойчивый, динамический характер. Чередование света и тени еще более усилило эту динамику. Рядом с портретом Мамонтова можно поставить последнее произведение Врубеля - графическое изображение Валерия Брюсова (1906), нарисованное углем и сангиной. Созданный художником образ ярко выражает представление мастера о поэте как о пророке и носителе истины. В портрете достигнута необычайная конструктивность рисунка.
Портрет К.Д.Арцыбушева (1897)
Портрет Саввы Мамонтова (1897)
Портрет Т.С. Любатович в роли Кармен (1895)
Царевна Волхова (Н.И. Забела) (1897)
Дама в лиловом. Портрет Н.И. Забелы Врубель (1900-е)
С 1903 г. Врубель занимается только графикой: в больницах невозможно было писать красками, а краткие промежутки между лечениями также не способствовали этим занятиям. Поздние рисунки относятся к разным жанрам. Через окно лечебницы художник рисовал пейзажи. Больные, санитары позировали ему, и тогда возникали портреты-зарисовки. Иногда получались целые сцены — играющие в шахматы, беседующие. Часто художник изображал окружающие предметы, и тогда возникали натюрморты: графин, стакан, простыня, платок и т.д. Врубель видит простые предметы как некую одушевленную плоть вещей. При этом не прибегает ни к деформации предметного мира, метафора возникает сама собой. При взгляде на смятую простыню или висящее платье, формы которого прослежены с невероятной тщательностью, возникают ассоциации, смысл которых выходит далеко за пределы самого предмета. Чувствуется желание художника постичь сокровенную суть самых простых вещей, узнать их первородное естество.
Кровать (1903-1904)
Кампанулы (1904-1905)
В это же время в графике создаются и образы иного характера: Врубель обращается к теме пророка. Начинается это с попытки сделать иллюстрации к «Пророку» А.С.Пушкина еще в 90-х гг. Затем эта тема как бы отчленяется, приобретая самостоятельность. «Пророк» заменяет «Демона».
Одна из вершин творчества Врубеля — его поздние графические автопортреты, выполненные в 1904-1905 гг. Когда не было моделей, он рисовал себя. В этих рисунках была заключена целая программа. Автопортреты не лишены известной доли самолюбования. Но если внимательно приглядеться, можно заметить, что в каждом автопортрете содержится немой вопрос или упрек, недоумение перед лицом неразрешимых жизненных проблем, боль, скрытое отчаяние или мужественное смирение. Все эти чувства скрыты некоей формой отчуждения. Но стоит лишь проникнуть сквозь него в глубину, как перед глазами раскроется потрясающий документ трудной судьбы и трагического конца. В поздних рисунках Врубеля рядом с конструктивными элементами выступают некоторые признаки экспрессионизма.
Хождение по водам (Эскиз стенной живописи) (1891)
Венеция. Мост Вздохов (1894)
Принцесса Греза (Декоративное панно) (1896)
Шестикрылый серафим (1904)
Как истинный художник «нового стиля» Врубель постоянно стремился к воплощению красоты. Он возвышал повседневность — в обыденности привычного он не находил мотивов для своего творчества. Отсюда отрицание бытового жанра, к которому почти никогда не обращался художник, интерес к Демону и Пророку, Фаусту и Гамлету. Среди «моделей» художника мы находим прекрасные, извечно ценные предметы — ковры, раковины, великолепные платья, редкие цветы — азалии или компанулы. Культ красоты был своего рода религией для многих людей того поколения. Художник-творец упивался этой красотой, поднимаясь к вершинам творческого экстаза. И падения с этих вершин были сопряжены с отчаянием, тоской и меланхолией. Жизнь художника проходила между этими двумя крайностями. Красота нередко оказывалась эфемерной; падение отрезвляло, но от этой трезвости хотелось воспарить еще выше. В конце жизни Врубель упрекал себя за то, что где-то преступал нравственную границу. Но сам по себе этот укор был свидетелем истинной нравственности художника.
