Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм . Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. В классицизме нашли свое художественное воплощение идеи абсолютистского государства, пришедшего на смену феодальной раздробленности. Абсолютизм выражал идею твердой власти, пропагандировалась вечность абсолютистского строя. Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи - иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.
Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию - произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем. как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела - представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы. Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И.Н.Никитин (ок. 1680 - 1742).
И.Н.Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец - трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета- общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как: портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны (предположительно 1714 г.). Пожалуй, самым сильным произведением, после возвращения Никитина из Италии, является портрет государственного канцлера Г.И.Головкина (1720-е.г.). Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е.г.) . Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С.Г.Строганова (1726 г.) и в картине “Петр-I на смертном ложе” (1725 г.). Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника - он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск. К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца - Андрея Матвеева (1701-1739). По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины - “Аллегория живописи” (1725 г.) и “ Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева - “ Автопортрет с женой” (1729 г.).Произведение Макеева рисует выгодно отличали этого художника.новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие. Крупным мастером живописного портрета, сочетавшим разнообразные художественные приемы, был в середине ХVIII века А. Антропов. Сын солдата, он с шестнадцати лет начал учиться у Матвеева, вместе с которым создал ряд декоративных росписей в Петербурге, Москве и других городах. В портрете Петра III нет идеализации, обычной для парадных царских портретов, создаваемых художниками - иностранцами, хотя то же композиционное решение. Антропов написал очень правдивый, острый, почти карикатурный образ царя - узкоплечего, на длинных тощих ногах. Пышное окружение - колонна, балдахин, трон и золоченный столик с царскими регалиями - подчеркивает физическое и духовное ничтожество царя. Многие художники ХVIII века вышли из крепостных крестьян, а некоторые так и остались в крепостной зависимости до конца своих дней. Крепостным графа Шереметьева был Иван Петрович Аргунов - представитель очень талантливой семьи, давший русскому искусству многих художников. Он известен прежде всего как портретист. По приказу хозяина ему приходилось писать портреты петербургской знати, знакомых Шереметьева и членов его семьи. Обычно они не позировали, и Аргунов, как он сам рассказывал, писал их, наблюдая во время торжественных праздников во дворце хозяина. Шереметьев не ценил в Аргунове художника, давал нередко ему самые различные поручения и, наконец, отослал в Москву управлять своим московским домом, тем самым почти лишив художника возможностью заниматься живописью. Творческая деятельность Аргунова развернулась в 1750-1760 годы. Известность ему принесли портреты Б. Шереметьева и В. Шереметьевой - самоуверенных и надменных дворян знатного рода. Аргунов, обучившийся у Гроота, овладел стилем западноевропейского парадного портрета. Не случайно он получил заказ написать портрет новой императрицы - ЕкатериныII. Хотя полной зрелости классицизм достигает в начале ХIХ век, но уже во второй половине ХVIII портретное искусство достигает подлинного расцвета. В это время творят крупнейшие живописцы Ф. Рокотов, Д. Левицкий и В. Боровиковский , создавшие блестящую галерею портретов современников, произведения, полные глубокой мысли, воспевающие красоту и благородство стремлений человека. Эти портреты не только донесли до нас образы многих замечательных людей, но и явились свидетельством высокого артистизма русских художников, их оригинальности, а также зрелости живописно-пластической культуры. Художники умели воссоздавать реальный образ с помощью различных живописных средств: изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и рефлексов, богатейшей системой многослойного наложения красок. В ряду крупнейших русских портретистов второй половины ХVIII века наиболее своеобразным был Ф. Рокотов. Он уже молодым человеком получил широкую известность как умелый и оригинальный живописец. Его творческое наследие значительно. Рокотов уже в 1760 году ученик Академии художеств, а через три года - ее преподаватель и затем академик. Служба отвлекла художника от творчества, а официальные заказы тяготили. В 1765 году Рокотов покинул Академию художеств и переехал навсегда в Москву. Там начался новый, творческий очень плодотворный период его жизни. Он стал художником просвещенного дворянства в независимой, а порой и вольнодумной Москве. В его произведения отразилось характерное для того времени стремление лучшей, просвещенной части русского дворянства следовать высоким нравственным нормам. Художник любил изображать человека без парадного окружения, не позирующим. Люди в поздних портретах Рокотова становятся более привлекательными в своей интеллектуальности и одухотворенности. Обычно Рокотов использует мягкое освещение и все внимание сосредоточивает на лицах. Люди в его портретах почти всегда чуть-чуть улыбаются, нередко пристально, иногда загадочно глядят на зрителя. Их объединяет нечто общее, какая-то глубокая человечность и душевная теплота. По одухотворенности, живописности, общей изысканности многие портреты Рокотова имеют аналогию в портретной живописи лучших английских мастеров ХVIII века. Когда расцветало творчество Рокотова, началась деятельность другого крупнейшего живописца - Дмитрия Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких по характеристике портретов. Он родился, вероятно, в Киеве и вначале учился изобразительному искусству у своего отца - известного украинского гравера. В 1770 году на выставке в Академии художеств Левицкий выступил с рядом портретов, представ сразу же зрелым и крупным мастером. За один из них - архитектора А. Кокоринова - он был удостоен звания академика. Художник еще опирается на традиции барочного портрета. Вскоре Левицким была создана знаменитая серия портретов смолянок - воспитанниц Смольного института. Выполненная по заказу императрицы Екатерины II она принесла ему подлинную славу. Художник изобразил каждую из воспитанниц этого привилегированного дворянского учебного заведения за любимым занятием, в характерной позе. Левицкий прекрасно передал очарование молодости, счастья юной жизни, разные характеры. Интимные портреты Левицкого эпохи расцвета его творчества, который приходится на 1770-1780-е годы, представляют вершину достижений художника. В Петербурге он написал посетившего русскую столицу французского философа Дени Дидро, нарочито изобразив его в домашнем халате и без парика. Исполнены грации, женственности в своих портретах М. Львова, пустой светской красавицей представляется Урсула Мнишек, расчетливая кокетливость присуща примадонне итальянской комической оперы певице А. Бернуцций. Левицкий по-разному относился к моделям своих портретов: к одним - с теплотой и сочувствием, к другим - как бы безразлично, третьих осуждал. Как и многие русские художники того времени, Левицкий получал за свои портреты намного меньше, чем заезжие иностранные живописцы. Он умер в тяжелой нужде глубоким стариком, до последних дней не оставляя кисти. В.Л.Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н.А.Львовым, и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц. Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом при дворе австрийского живописца И.Б.Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” - Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины-II,ее многочисленных внуков, министра финансов А.И.Васильева и его жены. Преобладающее место в творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это выражают и портрет М.И.Лопухиной (1797 г.),и портрет Скобеевой (середина 1790-х г.), и изображение дочери Екатерины-II и А.Г.Потемкина - Е.Г.Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский - автор ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после 1800-х гг. Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи - портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.
Список используемой литературы
- 1. История русского искусства. В 6 т. 1956 г.
- 2. Энциклопедический словарь русского художника. Педагогика. 1983 г
- 3. Альбом “Русские художники от “А” до “Я”” ,М.,Слово 1996
- 4. Детская энциклопедия 12, Москва, Издательство “Педагогика”, 1977
- 5. Г. Островский “Рассказ о русской живописи”, Москва, Изобразительное искусство, 1987
Началом истории русской живописи принято считать эпоху принятия христианства – конец Х века. С идеологией христианства на Руси распространяются традиции византийского живописного искусства, которые останутся главенствующими вплоть до XV века. Мусийные изображения (мусийный – выполненный на красильном дереве) делают сначала приезжие мастера из Греции, у которых обучаются русские талантливые юноши. Один из них – преподобный Алимпий Печерский, первый русский иконописец.
Строгий надзор церковных властей, разрешающих лишь копировать греческие образцы и пресекающих любые попытки отступления от канона, надолго тормозит развитие живописного искусства. До XV века существует единственная школа живописи – корсунская (греческая). Но в XV веке ситуация изменяется в связи с распространением европейских , украшенных политипажами и гравюрами. К этому периоду относится творчество Андрея Рублёва, представителя византийской школы, автора росписей московского Благовещенского собора, соборов Троице-Сергиевой лавры и др.
В XVII веке отставание русской иконописной школы становится очевидным даже для церковных властей. Государь Алексей Михайлович для росписи дворцовых палат приглашает западных мастеров, способных писать с натуры – такое умение абсолютно отсутствовало в отечественной школе. Симон Ушаков, царский иконописец, пытается соединить византийскую и европейскую техники и создаёт новый иконописный стиль – фряжский.
XVII век. Начало развития светской живописи
С XVII века на Руси начинает развиваться и светская живопись, особенно решительно – в период царствования Петра Первого. В Италии и Голландии обучаются западной манере письма Матвеев, Захаров, братья Никитины, при Академии наук открывают гравёрный и рисовальный классы.
Мода, стремление к роскоши становятся причиной высокого спроса на живопись во времена Елизаветы Петровны. Но спросом пользуются работы иноземных художников – русские живописцы значительно отстают в мастерстве.
В 1757 году в Санкт-Петербурге была основана Академия Художеств с 5-ю отделениями: живописи, скульптуры и ваяния, гравирования, медальерного искусства (изготовления монет и медалей), архитектуры. Принимали в неё лиц всех сословий и даже женщин (с согласия отца или мужа) – такова была потребность в отечественных талантах. Однако французское руководство учением на долгое время определяет главные виды живописи – историческую и героическую пейзажную в стиле Пуссенов и Клода Лоррена, что стало причиной однообразия и высокой условности изображений.
Но развитие, пусть медленно, идёт. В портретах лучших художников той поры Левицкого, Боровиковского, Рокотова, Кипренского всё явственнее правдивость натуры. Д. Г. Левицкий становится самым модным портретистом времён Екатерины II. Его парадные, очень красивые работы пользуются огромным спросом а аристократической среде, характеристический пример манеры Левицкого – ростовой портрет Екатерины II. Орест Кипренский причислен к лучшим русским портретистам. Его лучшими работами являются портрет Тордвальсена, картины «Сибилла Тибуртинская», «Девочка с плодами» и др.
Очень долго, до первой половины XIX века, русская живопись оставалась преимущественно подражательной. Живописцы копировали техники и сюжеты французских, итальянских (болонских) мастеров. Причиной были академическое образование и светский запрос, прививавшее, подобно церковным властям, идеи подражательности.
Первыми художниками, сделавшими шаг к самостоятельности и живости изображения, стали Басин, Варнек, Бруни. Однако принципиальный отрыв от традиции классицизма совершает Карл Брюллов, написавший «Последний день Помпеи». Брюллову удалось разбудить в обществе интерес к живому искусству, а его романтическая манера письма стала предвестником русского реализма.
XIX век. Становление национальной живописи
Вторая половина XIX века характеризуется неизменным ростом любви и простого интереса к искусству. Проводится множество выставок. Появляются богатые ценители, скупающие полотна и составляющие частные галереи. Возникают частные рисовальные школы.
В 1825 году в открытом доступе в Эрмитаже организуют отделение русской живописи. Разрыв с подражательной академичностью выражается в обращении к обыденной и крестьянской жизни, сюжетам простой реальности. И пусть в картинах Венецианова скорее поиск красоты, чем , они имеют огромное значение для становления русской реалистической школы.
В 1863 году группа художников во главе с Крамским, осуждая политику Академии художеств, выходят из её состава, а в 1872 году они составляют «товарищество передвижных выставок», в будущем – центр национальной русской живописной школы. С течением времени к ним примыкают самые талантливые и оригинальные художники.
В эти годы появляется Третьяковская галерея, множество музеев не только в обеих столицах, но и в провинциальных городах. Главенствующим направлением становится социально-тенденциозное, призванное изображать воздействуя, борясь, обличая и проповедуя. Идеями литературы и общественной мысли вдохновлены картины Перова, Пукирева, Прянишникова, Корзухина, Савицкого, Мясоедова, Клодта.
Время перемен
Конец XIX – начало ХХ века – время революционных перемен и ожидания возрождения России. В этот период появляются знаменитые «Богатыри» Васнецова и «Запорожцы» Репина, «Переход Суворова через Альпы» Сурикова. Картины выражают патриотические идеи народного величия и сокровенную мысль о его возрождении.
Но не только обращение к великим страницам истории характерно для времени больших перемен. Младшие передвижники – С. Коровин, С. Иванов, Н. Касаткин и другие – обращаются к жизни глухой , создавая остро-социальные, революционные в своей правдивости полотна.
Название : История русской живописи - XVIII век.
Бурное развитие России петровской поры отчасти роднит ее с Западной Европой эпохи Возрождения. Стремительно начало развиваться искусство портрета; к середине столетия благодаря общему подъему культуры российское изобразительное искусство становится профессиональным. После Петра популярной темой живописи стали натюрморты и десюдепорты. Символом царствования Екатерины в искусстве стал классицизм. Развивается историческая живопись, а искусство портрета перестает быть элитарным. В конце века происходят зарождение бытового жанра и выделение пейзажа в отдельное направление.
Название : История русской живописи - Первая половина XIX века.
Название : История русской живописи - Первая половина 19 века.
Для изобразительного искусства первые десятилетия XIX столетия - начало золотого века. Именно в это время российские художники достигли высочайшего мастерства, что позволило им встать в один ряд с лучшими мастерами европейского искусства. Собранные в этом томе произведения отражают расцвет классицизма, распространение романтизма и зарождение реализма во всех аспектах российской живописи.
Скачать и читать История русской живописи - Первая половина 19 века - Майорова Н., Скоков Г.
Название : История русской живописи - Рубеж 19 и 20 веков.
В Лету уходила расстановка сил художественной жизни России второй половины XIX века: с одной стороны - рутинное искусство Академии художеств, с другой - передвижники.
В конце XIX века молодые художники начали искать свои пути в живописи. В то же время образовался Абрамцевский кружок, выдвинувший новые задачи, не присущие программе Товарищества. А следом - в 1900-х годах - впервые в русской художественной жизни возникло обилие различных объединений: все они выступали со своими программами, манифестами, платформами.
«Дар исторического прозрения - одно из редчайших явлений на свете, хотя почти все чувствуют нашу таинственную мистическую связь с мертвым, с исчезнувшим. Углубляться в давно прошедшее, жить некоторое время интересами этих мертвецов составляет для всех огромное наслаждение… Однако воскресить прошлое, изобразить его со всей резкостью и определенностью действительности - удел весьма немногих. Для этого требуется не одно знание».
1. Антон Лосенко «Владимир и Рогнеда», 1770
Основоположником русской исторической жанровой живописи принято называть Антона Лосенко (1737-1773), художника, учившегося во Франции и в Италии, первого пенсионера Петербургской Академии художеств. Полотно «Владимир и Рогнеда» впервые представило русскую древность выразительно и ёмко. Благодаря работам Антона Лосенко сюжеты из древнерусской истории стали в академии рассматриваться как не менее правомерные, чем сюжеты из античной и библейской истории.
"Я представил Владимира так: когда он после победы и взятия полоцкого города вошел к Рогнеде и видит ее в первый раз, почему и сюжет картины может назваться - первое Владимирове свидание с Рогнедою, в котором Владимир представлен победителем, а гордая Рогнеда пленницею. Владимир на Рогнеде женился против воли ее, когда же он на ней женился, то должно, чтоб он ее и любил. Почему я его и представил так, как любовника, который, видя свою невесту обезчещену и лишившуюся всего, должен был ее ласкать, и извиняться перед нею, а не так, как другие заключают, что он ее сам обесчестил и после на ней женился, что мне кажется очень ненатурально, а ежели же и то было, то моя картина представляет как только самое первое свидание".
Антон Лосенко
2. Григорий Угрюмов «Избрание Михаила Феодоровича Романова на царство 14 марта 1613 года» Не позднее 1800.
Исторические живописцы часто обращались к событиям отечественной истории, сыгравшим заметную роль в развитии государства. К ним принадлежит и избрание Михаила Федоровича Романова на царство на Земском соборе в Кремле, положившее начало новой династии. Молодой царь изображен в виде ангелоподобного отрока, воспринимающего свое избрание как тяжелую ношу, возложенную на него судьбой. Жестом он как бы пытается отгородиться от Божественной воли, на которую, воздев руку вверх, указывает ему священнослужитель. Юноша даже не смотрит на коленопреклоненного человека, который протягивает ему лежащие на подушке скипетр и шапку Мономаха. Вся сцена носит театрализованный характер. Главные герои находятся на возвышении и ярко освещены. Их жесты продуманно выразительны. Люди, заполняющие собор и протягивающие руки в мольбе принять высокий сан и положить конец смуте в государстве, выглядят как статисты, подчеркивающие и усиливающие значение главных персонажей.
3. Василий Сазонов «Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1824
© Фото: ru.wikipedia.org В первые десятилетия своего существования (конец XVIII - начало XIX века) Академия художеств уделяла русской линии в исторической живописи немало внимания.
Программа для академистов, за которую Василий Кондратьевич Сазонов получил малые серебряную и золотую медали (1811), называлась «Царь Иоанн Васильевич отдает принесенную ему воинами в шлеме воду истаивающему от жажды простому воину, коего сам напоевает».
Не менее патриотично звучала программа «Верность Богу и государю русских граждан, которые, будучи расстреливаемы в Москве в 1812 году, шли к смерти с твердым и благородным духом, не соглашаясь исполнить повеление Наполеоново», за выполнение которой В. Сазонов получил в 1813 году большую золотую медаль и право на пенсионерскую поездку за рубеж, отложенную до 1818 года из-за военных событий в Европе. Поездка В. К. Сазонова была успешной: он привез из Италии копии картин Караваджо и Тициана. За них и свою оригинальную работу «Дмитрий Донской на Куликовом поле» живописец был удостоен в 1830 году звания академика.
4. Николай Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе», 1871
© Фото: ru.wikipedia.org "Я чувствовал везде и во всем влияние и след петровской реформы. Чувство это было так сильно, что я невольно увлекся Петром и, под влиянием этого увлечения, задумал свою картину «Петр I и царевич Алексей»".
Николай Ге "Теперь трудно представить себе сцену допроса иначе, чем на полотне Ге. "…Всякий, кто видел эти две простые, вовсе не эффектно поставленные фигуры, - писал Салтыков-Щедрин, - был свидетелем одной из тех потрясающих драм, которые никогда не изглаживаются в памяти". Художник вновь выбирает для картины момент, когда в отношениях отца и сына уже все решено. Петр, строящий обновленное государство, сознательно жертвует своим сыном, чтобы правление Алексея «тяжелым бревном» не легло под ноги России. Уверенный в своей правоте Петр пристально смотрит на жалкую, беспомощную фигуру сына. Взгляд опущенных глаз Алексея выдает упрямство и надежду все повернуть вспять. Кроваво-красная с четким узором скатерть спадает на пол, навсегда разделяя отца и сына. Личная драма на картине Ге - это и историческая драма".
Владимир Скляренко, искусствовед
5. Илья Репин «Запорожцы пишут письмо Турецкому султану», 1880-1891
© Фото: ru.wikipedia.org По легенде, письмо было написано в 1676 году кошевым атаманом Иваном Сирко «со всем кошем Запорожским» в ответ на ультиматум султана Османской империи Мехмеда (Мухаммеда) IV. Оригинал письма не сохранился, однако в 1870-х годах екатеринославским этнографом-любителем Яковом Новицким была найдена копия, сделанная в XVIII веке. Он передал её известному историку Дмитрию Яворницкому, который однажды зачитал её, как курьёз, своим гостям, среди которых был, в частности, Илья Репин. Художник заинтересовался сюжетом и в 1880 году начал первую серию этюдов.
"Работал над общей гармонией картины. Какой это труд! Надо каждое пятно, цвет, линия - чтобы выражали вместе общее настроение сюжета и согласовались бы и характеризовали бы всякого субъекта в картине. Пришлось пожертвовать очень многим и менять многое и в цветах и в личностях… Работаю иногда просто до упаду… Очень устаю".
Илья Репин
6. Василий Суриков «Утро стрелецкой казни», 1881
© Фото: ru.wikipedia.org "Достоевский сказал, что нет ничего фантастичнее реальности. Это в особенности подтверждают картины Сурикова. Его казнь стрельцов среди насупившейся Красной площади, со зловещим силуэтом Василия Блаженного позади, с мерцающими в утренней мгле жалкими свечками, с процессией искалеченных людей, плетущейся под грозным взором Антихриста Царя, гениально передает весь сверхъестественный ужас начинающейся петровской трагедии".
Александр Бенуа художник, критик
7. Василий Перов «Никита Пустосвят. Спор о вере», 1881
© Фото: ru.wikipedia.org Василий Перов выбрал тему религиозного раскола XVII века, возникшего в результате церковных реформ патриарха Никона. Никита Пустосвят (настоящее имя - Добрынин Никита Константинович; прозвище «Пустосвят» было дано сторонниками официальной церкви), суздальский священник, один из идеологов раскола. Церковный собор 1666–1667 осудил его и лишил сана. В 1682 раскольники воспользовались восстанием стрельцов в Москве и выдвинули требование, чтобы церковь вернулась к «старой вере». В Кремле состоялись «прения о вере», где Никита Пустосвят выступал главным оратором.
В центре - сам Никита, рядом с ним монах Сергий с челобитной, на полу - Афанасий, архиепископ Холмогорский, на щеке которого Никита «запечатлел крест». В глубине - предводитель стрельцов князь И. А. Хованский. В гневе встала с трона царевна Софья, раздраженная дерзостью раскольников. На следующий день Никита и его сторонники были обезглавлены по обвинению в возмущении народа.
"Художник должен быть поэт, мечтатель, а главное - неусыпный труженик… Желающий быть художником должен сделаться полным фанатиком - человеком, живущим и питающимся одним искусством и только искусством".
Василий Перов
8. Константин Маковский «Боярский свадебный пир в XVII веке», 1883
© Фото: ru.wikipedia.org "Константин Маковский, тем не менее, останется если и не в художественном отношении, то, по крайней мере, в историческом довольно интересным примером. В нем… нашли себе отражение великосветская сторона русской жизни и великосветские вкусы 70-х и 80-х годов.
Сбитость русского общественного мнения в деле оценки художественных произведений сказалась как нельзя ярче в том, что К. Маковский долгое время был всеобщим баловнем.
Особенно любопытным представляется искренний и шумливый восторг от него в нашей передовой прессе, провозгласившей «Боярский пир» и «Выбор невесты» первокласснейшими образцами новейшей живописи".
Александр Бенуа, художник, критик
© Фото: ru.wikipedia.org "Как-то в Москве, в 1881 г., в один из вечеров, я слушал новую вещь Римского-Корсакова «Месть». Она произвела на меня неотразимое впечатление. Эти звуки завладели мною, и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создалось у меня под влиянием этой музыки. Я вспомнил о царе Иване".
"Писал - залпами, мучился, переживал, вновь и вновь исправлял уже написанное, упрятывал с болезненным разочарованием в своих силах, вновь извлекал и вновь шел в атаку. Мне минутами становилось страшно. Я отворачивался от этой картины, прятал ее. На моих друзей она производила то же впечатление. Но что-то гнало меня к этой картине, и я опять работал над ней".
Илья Репин
10. Василий Суриков «Боярыня Морозова», 1887
© Фото: ru.wikipedia.org "Суриков создал теперь такую картину, которая, по-моему, есть первая из всех наших картин на сюжеты русской истории. Выше и дальше этой картины и наше искусство, то которое берет задачей изображение старой русской истории, не ходило еще".
Владимир Стасов, критик
"…Техническая сторона картин Сурикова не только удовлетворительна, но прямо прекрасна, так как она вполне передает намерения автора, и что, в сущности, все… недостатки, скорее, даже достоинства, а не недостатки. В этом опять чувствуется его связь с гениально-безобразной техникой Достоевского. Благодаря отсутствию перспективной глубины в «Морозовой» Суриков сумел подчеркнуть типичную и в данном случае символичную тесноту московских улиц, несколько провинциальный характер всей сцены, так чудовищно контрастирующей с восторженным воплем главной героини. Эту картину называли, думая ее этим осудить, ковром, но действительно это удивительное по своей гармонии пестрых и ярких красок произведение достойно назваться прекрасным ковром уже по самому своему тону, уже по самой своей красочной музыке, переносящей в древнюю, еще самобытно-прекрасную Русь".
Александр Бенуа, художник, критик
11. Василий Верещагин «Наполеон на Бородинских высотах», 1897
© Фото: ru.wikipedia.org "До Верещагина все батальные картины, какие только можно было видеть у нас во дворцах, на выставках, в сущности, изображали шикарные парады и маневры… Самая природа, окружавшая эти сцены, была причесана и приглажена так, как в действительности этого не могло быть даже в самые тихие и спокойные дни, и при этом еще все такие картины и картинищи были всегда исполнены в той сладенькой манере, которую занесли к нам во времена Николая Первого…
Все так были приучены к изображениям войны исключительно в виде занятного, приглаженного и розового праздника, какой-то веселой с приключениями потехи, что никому и в голову не приходило, что на самом деле дело выглядит не так. Толстой в своем «Севастополе» и в «Войне и мире» разрушил эти иллюзии, а Верещагин повторил затем в живописи то, что было сделано Толстым в литературе. Когда… русская публика увидала картины Верещагина, вдруг так просто, цинично разоблачившего войну и показавшего ее грязным, отвратительным, мрачным и колоссальным злодейством, что публика завопила на все лады и принялась всеми силами ненавидеть и любить такого смельчака".
© Фото: ru.wikipedia.org "Плывут полуночные гости. Светлой полосой тянется пологий берег Финского залива. Вода точно напиталась синевой ясного весеннего неба; ветер рябит по ней, сгоняя матово-лиловатые полосы и круги. Стайка чаек опустилась на волны, беспечно на них закачалась и лишь под самым килем передней ладьи сверкнула крыльями - всполошило их мирную жизнь что-то малознакомое, невиданное. Новая струя пробивается по стоячей воде, бежит она в вековую славянскую жизнь, пройдет через леса и болота, перекатится широким полем, подымит роды славянские - увидят они редких, незнакомых гостей, подивуются они на их строго боевой, на их заморский обычай. Длинным рядом идут ладьи! Яркая раскраска горит на Солнце. Лихо завернулись носовые борта, завершившись высоким, стройным носом".
Николай Рерих
14. Валентин Серов «Петр I», 1907
© Фото: www.wikipaintings.org Картина написана по заказу издателя и книготорговца Иосифа Николаевича Кнебеля для репродуцирования в серии «школьных картин» по русской истории.
"Страшно, судорожно, как автомат, шагает Петр… Он похож на Божество Рока, почти на смерть; ветер гудит ему по вискам и напирает в грудь, на глаза. Еле поспевают за ним испытанные, закаленные «птенцы», с которых он смыл и последний налет барского сибаритства, которых он превратил в денщиков и рассыльных. Глядя на это произведение, чувствуешь, что… в императора Петра I вселился грозный, страшный бог, спаситель и каратель, гений с такой гигантской внутренней силой, что ему должен был подчиниться весь мир и даже стихии".
Александр Бенуа, художник, критик
15. Василий Ефанов «Незабываемая встреча. Руководители Партии и Правительства в Президиуме Всесоюзного совещания жен хозяйственников и инженерно-технических работников тяжелой промышленности в Кремле», 1936–1937
© Фото: www.school.edu.ru Замысел картины был подсказан Ефанову народным комиссаром тяжелой промышленности Григорием Орджоникидзе, изображенным на картине в числе прочих руководителей. В этом произведении Ефанов впервые объединяет популярные в социалистическом реализме элементы группового портрета и исторической картины, компонуя композицию как театральную сценическую кульминацию с характерными «постановочными» деталями - ритмом аплодирующих рук, цветком, упавшим на бумаги председателя, неустойчиво наклоненным стулом.
Федеральное агентство железнодорожного транспорта
Сибирский государственный университет путей сообщения
Кафедра « Философия и культурология »
(название кафедры)
Великие имена русской живописи
Реферат
По дисциплине «Культурология»
Руководитель Разработал
Студент гр. Д-113
Быстрова А.Н. ___________ Фиткова И. В.
(подпись) (подпись)
_______________ ______________
(дата проверки) (дата сдачи на проверку)
2011 год
- Введение ………………………………………………………………...2
- Развитие искусства в XIII………………………………………………4
- Искусство на рубеже XI V - X V ………………………………………....5
- Искусство XVI…………………………………………………………..7
- Развитие искусства в X V II веке………………………………………..7
- Искусство в X V III……………………………………………………...10
- Искусство XIX - начала XX века………………………………………12
- Развитие искусства в революционную эпоху СССР…………………16
- Заключение………………………………………………………………17
- Список литературы……………………………………………………..18
Введение
Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Николай Заболоцкий.
Николай Заболоцкий совершенно справедливо отмечает то, что любые изменения социального пространства находят отражение в трудах поэтов, писателей, живописцев, общественных деятелей
Среди множества видов искусства есть три особых- самых, на мой взгляд, главных: литература, музыка, изобразительное искусство. Слово, звук, изображение- без них невозможны все другие виды искусства: ни спектакль, ни фильм, ни эстрадный концерт. Музыку слушают, героев литературных произведений читатели представляют себе мысленно, в воображении. А произведения изобразительного искусства мы видим глазами. Оно самое древнее из трёх главных люди ещё не умели говорить, а изображения уже создавали, наскальные рисунки, например. Изобразительное искусство создают художники. Они изображают мир таким, каким его видим мы все, и таким, каким его видит один-единственный человек, сам художник. Изобразить можно всё: и видимый мир предметов, людей, животных, и невидимый мир чувств радость и горе, правду и ложь, добро и зло. . Историю нашего государства можно изучать не только по документам, на основе артефактов, но и по художественному наследию великих предков. Не исключением является и живопись. Для написания реферата я использовала «Очерки русской культуры IX-XVII веков» (авторы А.В Муравьев, А.М Сахаров), «Очерки истории русской культуры XVIII века» Б.И Краснобаева, «История русского искусства» В.Н. Александрова. В этих книгах даны основные этапы истории культуры нашей страны их особенности и отличительные черты. Развитие культуры рассматривается как часть истории, что помогает раскрытию объективных закономерностей исторического процесса. В разные эпохи в России творили, выражая народные мечты и чаяния, такие выдающиеся живописцы как Андрей Рублев, Дионисий, Левицкий и Рокотов, Кипренский и Федотов, Брюлов и Иванов, Репин и Суриков, Врубель и Серов и еще многие другие мастера, принесшие русской художественной культуре подлинную и непререкаемую славу.
Русская живопись за времена своего становления претерпела множество изменений, но сохранила свою самобытность, в рамках данного проекта я считаю необходимым проследить процесс становления русской традиции в живописи.
Цель: осуществить обзор творчества великих русских художников (с XIV по XX век) в контексте социо-культурных особенностей периода творчества того или иного художника. Теоретический объект исследования : представители русской живописи в лице художников, школ, направлений
Развитие искусства в XIII
Русское искусство вообще, и русская живопись в частности появилось из искусства Киевской Руси, которое полностью самобытным назвать еще нельзя, ведь вместе с христианством князь Владимир привёз из Византии и художественные традиции. Они причудливо переплелись с языческой культурой, постепенно изменяясь со временем. Важнейшими источниками русского искусства на этапе его становления стали народное декоративное и изобразительное творчество, а так же византийские образцы. Быстрое социальное политическое и культурное развитие русских земель приводит к творческой переработке этих источников и к возникновению самобытного и величественного стиля в зодчестве, фреске, декоративном искусстве Руси. Начинается развитие самобытной русской иконописи. Но в XIII веке в связи с монголо-татарским нашествием эти процессы в культуре затормозились, и даже остановилась, значительная часть памятников домонгольской русской культуры была безвозвратно утрачена. Монгольское нашествие, разрушив многие русские города нанесло огромный урон русской городской культуре, но с середины XI V века обозначаются признаки возрождения. На рубеже XI V - X V веков Москва знала не только работы константинопольских мастеров, но произведения южнославянских художников: здесь творил один из величайших живописцев того времени Феофан Грек, приехавший из Новгорода уже вполне сложившимся мастером. Мастерство Феофана Грека вызвало стремление московских живописцев подражать ему. Многие работы Феофана Грека до нас не дошли, кроме икон Благовещенского собора.
Искусство на рубеже XI V - X V
Подъем московского искусства подготовил творчество великого русского художника Андрея Рублева. Важнейшей вехой в искусстве рубежа XI V - X V веков стало формирование московской школы живописи, которую и возглавил выдающийся художник Андрей Рублев. В своих иконах и росписях Рублев выработал настолько совершенный художественный язык, что на протяжении 15 века его стиль стал ведущим.
К сожалению, в точности, когда родился Андрей Рублев не известно. Большинство исследователей считают условно 1360 год датой рождения художника. Андрей Рублев был иноком Троице-Сергиева, а потом Спаса-Андроникова монастырей. В 1405 году вместе с Феофаном Греком и Прохором из Городца расписывал Благовещенский собор. Властный суровый, эмоционально насыщенный живописный язык Феофана, нарушающая традиционные иконографические схемы, необычайная смена образов не могли не произвести на Рублева глубокого впечатления. Весьма показательно, что имя Рублева в летописи той поры упоминается на третьем месте. Из этого можно заключить, что тогда Андрей Рублев был не только самым молодым, но и наименее известным автором.
Андреем Рублевым и под его руководством было расписано много храмов, а также нарисован целый ряд деисусных, праздничных и пророческих икон.
В 1425 14 27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. Сохранились иконы; они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествам. Время, когда на Руси назревали новые междоусобные войны и гармонический идеал человека, сложившийся в предшествующий период, не находил опоры в действительности, сказалось и на творчестве Рублёва. В ряде произведений Рублёву удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Некоторые источники называют роспись Спасского собора Андроникова монастыря (весной 1428 года; сохранились лишь фрагменты орнаментов) последней работой Рублёва.
Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде (конец XIV начало XV веков; сохранились фрагменты), иконы «Владимирская богоматерь» (около 1409 , Успенский собор, Владимир), «Спас в силах» (1408 , Третьяковская галерея), часть икон праздничного чина («Благовещение», «Рождество Христово», «Сретение», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим» все около 1405 ) Благовещенского собора Московского Кремля (иконостас этого собора, согласно новейшим исследованиям, происходит из Симонова монастыря ), часть миниатюр « Евангелия Хитрово » (около 1395 года, Российская государственная библиотека , Москва).
Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Самым знаменитым произведением Рублева является икона «Троица», написана в 1425-1427 годах для Троице-Сергиева монастыря. В основе сюжета лежит библейская легенда, повествующая о том, как к старцу Аврааму явилось трое прекрасных юношей, и как он вместе со своей супругой Саррой угощал их под сенью мамврийского дуба. В иконе Рублева отброшено все второстепенное и несущественное, отсутствуют фигуры Авраама и Сарры, многочисленные яства, остались лишь три фигуры ангелов. Средний из ангелов Христос. Все три фигуры как бы образуют круг. В картине очень спокойные, но в то же время последовательный и четкий ритм кругового движения, которому подчинена вся композиция, краски чисты и гармоничны. Избранное Рублевым сочетание цветов зеленого, голубого и желтого, а так же цвета спелой ржи никогда до этого еще не звучало так ярко в русской живописи.
Таким образом, московская школа иконописи отличается от новгородских икон одухотворенностью образов, гибкостью фигур, гармонической согласованностью колорита. В отличие от энергичных красного, желтого, белого, темно-синего, оливково-зеленого, к которым постоянно прибегают новгородские мастера, в московской живописи преобладают светлые прозрачные тона и оттенки голубого, золотисто-коричневого, бледно-зеленого, вишнево-коричневого и сиреневого.
В творчестве Андрея Рублева русское искусство сделало громадный и очень важный шаг по пути становления реалистического начала с индивидуальной свободой художественного творчества, была преодолена суровая аскетическая традиция византийского искусства. Работы Андрея Рублева гуманистичны, они раскрывают красоту и силу человеческой души, они проникнуты любовью к человеку.
Искусство XVI
В 80 годах X V века складывается русское централизованное государство и исчезают остатки зависимости от монголо-татарских ханов, Москва становится столицей большого государства. Возрастает ее значение как центра объединяющего культурное наследие воссойдиненных земель. Основной задачей искусства становится прославление Руси, что придает политический смысл многим произведениям живописи X V I века. Ведущее положение в живописи конца X V века заняла московская школа. Централизация власти и усиление роли церкви в жизни государства привели к еще большему подчинению искусства официальной идеологии. Эти явления проявились в определенной степени и в творчестве крупнейшего московского мастера конца X V начала X V I века- Дионисия. Родился он вероятней всего 1440 года, в отличие от Андрея Рублева не был иноком. Его два сына Владимир и Феодосий так же были живописцами и помогали ему в его работах. Творческая деятельность Дионисия была тесно связанна с высшими светскими и духовными кругами государства. Мастер исполнял важнейшие заказы митрополита и великого князя, в частности в связи с победой, одержанной в 1480 году над войском татарского хана Ахмата. С наибольшей полнотой творчества Дионисия нашло свое отражение в росписях Ферапонтова монастыря, эта роспись посвящена теме похвала Богородице яркие сочетание красок, пестрые узоры одежд, множество изображенных трав и цветов создают впечатление праздничное и торжественное. Искусство Дионисия при всем его великолепии утрачивает некоторые замечательные качества по сравнению с рублевской эпохой: если Рублева интересовал прежде всего внутренний, духовный мир человека, у Дионисия отмечается стремление к внешней красивости и декоративной пышности.
Развитие искусства в X V II веке .
В русской живописи X V I века замечается рад новшеств благоприятных для дальнейшего развития искусства. Русские мастера впервые начинают воспроизводить картины быта, природы и людей в современном их обличье. Таким образом, в живописи 16 века появляются черты, которые подготовили развитие реалистических начал X V II века.
Долгое время в литературе имел распространение взгляд на X V II век как на время упадка древнерусской живописи, искусство этого времени при сопоставлении со временем Андрея Рублева и Феофана Грека рассматривалось как более низкое по силе и средствам художественной изобразительности. Действительно в живописи X V II века нет произведений, отмеченных таким совершенством композиции живописного мастерства и одухотворенности как в произведении великих мастеров X V - X V I веков. Смутное время, «бунташный век», церковный раскол все эти события повлияли на развитие русского искусства X V II века.
X V II век это переломное время в истории в области живописи совершались тогда чрезвычайно важные процессы, в первую очередь стремление к «обмирщению», усиление светских элементов, тенденции к реализму.
Высшая ступень развития живописного искусства в X V II веке связана с деятельностью выдающегося художника Симона Ушакова (1626-1686). Выходец из посадских людей Симон Ушаков работал в Оружейной палате и был возведен в дворянское звание. Значение этого мастера не ограничивается созданными им многочисленными произведениями, в которых он стремился преодолеть художественную догму и добиться правдивого изображения - «как в жизни бывает».
Свидетельством передовых взглядов Ушакова является написанное им, очевидно, в 60-х годах «Слово к любителю иконного писания». В этом трактате Ушаков высоко ставит назначение художника, способного создавать образы «всех умных тварей и вещей... с различным совершенством создавать эти образы и посредством различных художеств делать замысленное легко видимым».
Выше всех «существующих на земле художеств» Ушаков считает живопись, которая «потому все прочие виды превосходит, что деликатнее и живее изображает представляемый предмет, яснее передавая все его качества...».
Ушаков уподобляет живопись зеркалу, отражающему жизнь и все предметы
«Слово к любителю иконного писания» было посвящено Ушаковым Иосифу Владимировичу, московскому живописцу, уроженцу Ярославля, пользовавшемуся в 40-60-х годах значительной известностью. Иосиф Владимиров - автор более раннего трактата об иконописании, в котором он, хотя и не столь определенно, как Ушаков, также заявлял себя: сторонником новшеств и требовал большей жизненности в искусстве.
Ушаков - художник, учёный, богослов, педагог - был человеком новой эпохи, новым типом мыслителя и творца. Будучи новатором в искусстве, он в то же время понимал ценность старинных традиций русской культуры и тщательно оберегал их. Именно в силу названных качеств, отмеченной редкой широты взглядов он смог более тридцати лет стоять во главе русского искусства.
Занимаясь воспитанием учеников и всячески стремясь передать им свои знания, он задумал даже издание подробного анатомического атласа. «Имея от Господа Бога талант иконописательства... не хотел я его скрыть в землю... но попытался... выполнить искусным иконописательством ту азбуку искусства, которая заключает в себе все члены человеческого тела, которые в различных случаях требуются в нашем искусстве, и решил их вырезать на медных досках...» - писал о своём замысле Ушаков, однако атлас, по-видимому, издан не был.
С первых лет самостоятельного творчества определился интерес Ушакова к изображению человеческого лица. Знаменитым произведением Ушакова является его «Спас нерукотворный», в котором художник изобразил классически правильное лицо, очень хорошо передана его объемность, ткань, на которой по церковному приданию, возникло изображение Христа.
Настойчиво повторяя эту тему, художник стремился избавиться от условных канонов иконописного изображения и добиться телесного цвета лица, сдержанной, но отчетливо выраженной объемности построения и почти классической правильности черт. Правда, иконам Спаса работы Ушакова недостаёт одухотворенности русских икон XIV-XV веков, но это в известной мере искупается искренним старанием художника воссоздать на иконе возможно правдоподобнее живое человеческое лицо.
Ушаковым была написана икона Владимирской богоматери, носящая название «Насаждение древа государства Российского» (1668). Икону эту следовало бы считать картиной триумфа русской государственности. В нижней части её изображены - стена Московского Кремля, за ней Успенский собор, главная святыня Русского государства. У подножия собора князь Иван Калита - собиратель русских земель и митрополит Пётр, первым перенёсший митрополичью кафедру из Владимира в Москву, сажают древо Русского государства. На ветвях его размещены медальоны с портретами всех наиболее значительных политических деятелей Древней Руси. В центральном, самом большом медальоне, представлена икона Владимирской Богоматери, почитавшейся покровительницей Москвы. Внизу, на кремлёвской стене, стоят царь Алексей Михайлович и царица Мария Ильинична с царевичами Алексеем и Фёдором. Портреты царя и царицы Ушаков постарался сделать, возможно, более похожими .
Сохранились сведения о ряде портретов, написанных Ушаковым. Некоторые из них были исполнены в новой для древнерусского искусства технике масляной живописи. К сожалению, до сих пор ни одного из этих портретов обнаружить не удалось. Для характеристики чрезвычайно разносторонней личности Ушакова следует указать, что он не только был теоретиком, живописцем, рисовальщиком - «знаменщиком», автором многих рисунков для гравюр, воспроизводившихся русскими гравёрами второй половины XVII века, но, по-видимому, и сам гравировал: ему приписываются награвированные в 60-х годах на меди сухой иглой листы «Отечество» (Троица) и «Семь смертных грехов».
Ушаков оказал большое влияние на развитие русской живописи в конце X V II века, когда его ученики Григорий Зиновьев, Тихон Филатьев, Федор Зубов выполнили ряд произведений в духе ушаковских традиций. Замечательным явление в истории русского живописного искусства X V II века была школа ярославских мастеров. Здесь ярко проявилось воздействие светской, посадской культуры. Расширился круг сюжетов, светское начало решительно вторгается в церковно-догматическое. Художники смело используют привычные образы русской жизни в сценах священной истории: крестьянская лошадь изображена в сцене пахоты Каина, жницы в розовых и голубых рубахах машут русскими серпами. Церковь яростно сопротивлялась новому направлению в живописи, но это не могло уже воспрепятствовать освобождению ее от церковно-иконописных традиций.
Искусство в X V III
В конце X V II начале X V III века русское искусство переживает решительный перелом происходит переход от средневековых религиозных форм к светским, близким к европейскому искусству нового времени. Русские художники, быстро осваивая европейские образца, внося в них свое понимание формы и национальное содержание. В 1757 году была создана Императорская Академия художеств, которая занялась воспитанием высококвалифицированных художников, соединяющих в своем творчестве опыт и художественное наследие предшествующих поколений с потребностями русской художественной жизни. Широкое распространение в искусстве России получает стиль барокко, ведущим жанром Живописи и графики, становится портрет, значительное развитие получает так же исторический и пейзажный жанры.
Хочется подробнее остановиться на творчестве Дмитрия Григорьевича Левицкого (1735-1822). Уже в ранних работах он показал себя первоклассным мастером парадного портрета, способным найти выразительную позу и жест, сочетать интенсивность цвета с тональным единством и богатством оттенков.
Известность пришла к художнику в 1770 г., когда на выставке в Петербургской Академии художеств публика увидела 6 первоклассных портретов его кисти. Среди них особое внимание привлекал парадный портрет архитектора А. Ф. Кокоринова (1769), автора проекта здания Академии художеств и ее первого директора.
За этот портрет Левицкий был удостоен звания академика живописи. Тогда же ему предложили возглавить портретный класс Академии художеств, руководителем которого он оставался до 1788 г. Созданная художником галерея портретов современников принесла ему заслуженную известность.
В 1780-х годах художник создал уникальную портретную галерею деятелей русской культуры. Особой теплотой отличаются интимные портреты Левицкого, созданные в период расцвета творчества художника (середина 1770-х начало 1780-х). Еще в 1773 году мастер исполнил портрет Д.Дидро, поражавший современников своей жизненной убедительностью, исключительной правдивостью в воссоздании облика философа. Энциклопедист, писатель и критик показан Левицким очень просто: Дидро изображен без парика, лысым, со складками кожи под глазами, но на первый план выступает скрытая за внешними чертами сильная и сложная натура человека. Лицо свидетельствует о творческой одаренности о смелости, силе духа и пытливости ума. Одно из лучших созданий Левицкого портрет молодой М. Дьяковой (1778), поэтичный, жизнерадостный, написанный в богатой гамме теплых тонов.
Реализм и гуманистический характер передового русского искусства X V III века со всей полнотой проявились в творчестве Д.Г Левицкого.
Искусство XIX - начала XX века
В первой половине 19 века на развитие искусства в России оказывали значительное влияние социально-исторические процессы- национально патриотический подъем, связанный с победой над Наполеоном в Отечественной войне 1812 года, и зарождение антимонархического движения, которое вылилось в 1825 году в восстании декабристов. В живописи проявились романтические тенденции (портрет, исторический жанр), а к середине века усиливается демократическая направленность искусства (бытовой жанр). В жанровой системе Академии художеств бытовой картине предавалось третьестепенное значение, однако прогрессивный русский художник Венецианов Алексей Гаврилович.(1780- 1847) утвердил бытовой жанр и вообще реалистическую живопись в качестве равноправной и важной области искусства.
Кисти Венецианова принадлежит портретная галерея его современников: художник писал Н. В. Гоголя (1834), В. П. Кочубея (1830-е), Н. М. Карамзина (1828). На звание академика Венецианову было предложено написать портрет инспектора Воспитательного училища Академии К. И. Головачевского. А. Г. Венецианов изобразил его в окружении трёх мальчиков, символизировавших союз «трех знатнейших художеств»: живописи, скульптуры и архитектуры. Однако наибольшую известность А. Г. Венецианову принесли написанные им образы крестьян. «Жнецы», «Спящий пастушок», «Захарка», «Гумно», «На жатве». Одним из лучших крестьянских портретов Венецианова считается «Девушка с васильками». С проникновенным лиризмом Венецианов затрагивает тончайшие ноты интимного переживания человека, раскрывает его трепетный душевный мир. Это делает созданный им образ одухотворенным и красивым.
Важнейшее место в живописи России середины XIX века занимает художник Карл Павлович Брюллов создавший портреты графини Самойловой, Е.П Салтыковой, О.П Ферзен, К.А Тонна, А.Н Львова, он написал более 80 портретов. Свойственное ему драматическое восприятие жизни нашло воплощение в картине «Последний день Помпеи» (1830-1833).
Распространение демократических идеалов среди русской интеллигенции привело к развитию новых эстетических взглядов. Художники включились в борьбу за справедливые социальные порядки, широкое распространение в живописи получил критический реализм.
Важную роль в художественной жизни страны второй половины 19 века играло созданное в 1870 году Товарищество передвижных художественных выставок.
Товарищество объединяло вокруг себя всех лучших живописцев и скульпторов второй половины XIX - начала XX века. Это Перов и Крамской, Мясоедов и В. Маковский, Савицкий и Максимов, Прянишников и Ге, Саврасов и Шишкин, Куинджи и Дубовской, В. Васнецов и Поленов, Костанди и Пимоненко, Гун и Неврев, Репин и Суриков, Серов и Левитан, Ярошенко и Нестеров, Касаткин и С. Иванов, Позен и Андреев, Попов и Архипов, Бакшеев и Бялыницкий-Бируля и многие другие. На некоторых выставках передвижников в качестве экспонентов участвовали Антокольский, Верещагин, К. Коровин, С. Коровин, Малявин и другие.
В 70-80-е годы деятельность Товарищества достигла наивысшего расцвета. Ведущее место на передвижных выставках принадлежало картинам Репина, а также Сурикова, Крамского, Поленова, Нестерова, Мясоедова, Маковского, Перова. В своем творчестве они отразили самые существенные явления окружающей действительности во всей их сложности и противоречии. Передвижники оказали огромное влияние на все стороны художественной жизни России, на формирование национальных художественных школ. Среди членов Товарищества и экспонентов были художники различных национальностей. Многие из них стали основоположниками реалистического, демократического искусства своих народов.
В начале 70 годов впервые ярко и сильно проявился талант одного из великих живописцев XIX столетия Репина Ильи Ефимовича (1844-1930) . Одной из первых картин Репина, получивших широкое признание, был большой групповой портрет славянских композиторов, выполненный по заказу предпринимателя А. А. Пороховщикова .
В 1872 году за программную работу «Воскрешение дочери Иаира» получил Большую золотую медаль и право на 6-летнее обучение в Италии и Франции, где завершил художественное образование.
С 1873 года Репин путешествует за границей в качестве пенсионера Академии . В Париже он пишет «Парижское кафе» и сказочного «Садко».
Произведение, сразу выдвинувшим Репина в первый ряд русских художников, стала картина «Бурлаки на Волге»(1870-1873), пробуждавшая сострадание к угнетенному рабским трудом народу. По возвращению Репина в 1876 году из Франции начинается период высшего расцвета его творчества. Он выступает как портретист, мастер бытовой и исторической картины. Портрет был не только ведущим жанром, но и основой творчества Репина вообще. Создает галерею образов выдающихся представителей русской общественной мысли науки и культуры. В лучших своих портретах В.В Стасова, Л.Н Толстого, М.П Мусоргского Репин достигает жизненной полноты и многогранности характеристики благодаря удивительной композиционной изобразительности и активности изобразительных средств. Склонность к психологическому драматизму в обрисовке ситуаций сказывается и в исторической живописи Репина: «Иван Грозный и сын его Иван», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану».
Ясность и доступность самого изобразительного языка высочайшее реалистическое мастерство, правда характеров, интерес к животрепещущим вопросам современности залог непреходящей ценности искусства Репина Конечно, история русской живописи на этом не заканчивается. Конец 19 начало 20 столетия переломная эпоха во всех сферах социальной, политической и духовной жизни России. Все виды искусства выступали за обновление художественного языка, сложился стиль, затронувший все пластические искусства, получивший название модерн. Большую роль в популяризации отечественного и Западноевропейского искусства играли художники объединения «Мир искусства»(1898-1924), «Союз русских художников» (1903-1923). В начале 20 века в русское искусство проникают новейшие тенденции Запада символизм, примитивизм, различное направление модернистского искусства. Появляются авангардные объединения художников «Голубая роза», «Бубновый валет», «Ослиный хвост», распространяются кубо-футуризм и абстракционизм.
Остановимся на творчестве Малевича Казимира Севериновича (1878-1935). К.С Малевич - российский художник - авангардист , педагог, теоретик искусства, философ, основоположник супрематизма направления в абстрактном искусстве , сочетание окрашенных простейших геометрических фигур (квадрат, круг, треугольник), а также наложенные на плоскость объемные формы.
Малевич увлекался импрессионизмом. Примером могут служить серия картин весеннего сада: «Цветущие яблони», «Весна», «Весна цветущий сад». В творчестве Малевича конца первого десятилетия XX века сосуществуют разные тенденции. Это и импрессионизм, соединяющийся с сезаннизмом ("Река в лесу"), и модерн, проявившийся в эскизах фресковой живописи ("Торжество неба"), и все усиливающиеся экспрессионистические и фовистские элементы. Эти спрессованность, наслоенность друг на друга различных стилей и манер характерны как для новейшего русского искусства, так и для творчества Малевича.
На второй «Последней футуристической выставке картин» 1915 года, названной «0,10 (ноль-десять)» проходившей в Петрограде, Малевич показывает 39 новых картин. Это были беспредметные работы, представленные под названием «Новый живописный реализм». Среди картин был и знаменитый «Черный квадрат». «Черный квадрат», по замыслу Малевича, воплощает идею новой духовности, является своего рода иконой, пластическим символом новой религии. Это и послужило началом супрематизма.
Умер Малевич 15 мая 1935 года. Урна с его прахом была захоронена около дачи в Немчиновке. Место отмечено белым кубом с черным квадратом на нем.
Искусство предреволюционных лет в России отмечено необыкновенной сложностью и противоречивостью художественных исканий, но наряду с экспериментаторами в области абстрактных форм в русском искусстве этого времени продолжали работать и «мирискусники», «голуборозовцы», «союзники». Существовала также мощная струя неоклассицистического течения, примером которого может служить творчество Зинаиды Евгеньевны Серебряковой. Оно восходит своими корнями к высоким национальным традициям русского искусства прежде всего Венецианова - «Крестьяне»(1914), «Жатва»(1915), «Беление холста»(1917)
Развитие искусства в революционную эпоху СССР
Революционная эпоха занимает особое место в истории русского искусства. Тотальные преобразование социально-экономической и политической жизни способствовали выходу на арену художественной жизни самых радикальных направлений искусства. Многочисленные группы и отдельные мастера сделали главным принципом своего творчества эксперимент. Это искусство в последствии получила общее название русский авангард. (Работы П.Н. Филонова, А.М Родченко).
К началу 30-х годов власть установила жесткий контроль над искусством. Годы сталинизма один из самых трагических периодов в истории России и ее искусства. Была нарушена свобода самовыражения художника, сформировался метод социалистического реализма, художники должны были прославлять идею социализма, торжество коллективного сознания. Вместе с тем с началом Великой Отечественной войны художники принимают самое активное участие в борьбе с врагом, проявляя свою гражданскую позицию и патриотизм. К этому периоду относится творчество таких художников, как А.А. Пластов, С.В. Герасимов, А.А. Дейнека. В последние годы войны одна из лучших своих живописных произведений создали Кукрыниксы (союз трех художников М.В Куприянова, П.Н. Крылова, Н.А. Соколова) «Бегство фашистов из Новгорода».
Как реакция неприятия социалистического реализма в начале 1960 годов в живописи складывается «суровый стиль». Художники П.Никонов, Н.Андронов, В.Попков, О.Филатчев, М. Савитский и другие в поисках правды жизни обратились к сдержанной условной форме, отвергнув всякую описательность. Героическое начало в произведениях «сурового стиля» рождается из правдивости в передаче суровых трудовых будней от сюда и название. В. Попков «Строители братской ГЭС». П.Никонов «Наши будни» и др.
Заключение
Изучив указанную литературу, я познакомилась с творческой деятельностью великих русских художников 15-20 веков, и пришла к выводу:
Ушли навсегда в прошлое отжившие формы общественной организации, изменились строй жизни и воззрения людей, но как и несколько сотен лет назад современного человека волнуют дивные творения духовной культуры, созданные давным-давно;
Характерной чертой русских художников, и прежде всего великих мастеров была тесная неразрывная связь их искусства с общественной жизнью, прогрессивной научной мыслью;
Они обогащали традиции отечественного искусства, утверждали его народность и гуманизм, высокие нравственные идеалы;
Русское искусство всегда отличалось своей гражданственностью, патриотизмом.
Считаю, что знать и любить все бесценное, что создали своим талантом выдающиеся мастера России, это не только обязанность, но и долг каждого современного образованного человека.
Благодаря работе над этой темой, я стала ближе к миру искусства.
Список литературы
1. Б.И краснобаев. «Очерки истории русской культуры 18 века» Москва: Просвещение, 1987.
2. А.В. Муравьев, А.М. сахаров. «очерки истории русской культуры 9-17 вв.» Москва: Просвещение, 1984
3. В.Н Александров. «История русского искусства » Минск: Харвест, 2007.
