ภาพวาดในธีมสไตล์ศิลปะ สไตล์ในวิจิตรศิลป์ คุณชอบสีอะไร

สไตล์(กรีก stilos - ไม้เรียว แท่งเขียน) - รูปแบบที่กำหนดขึ้นของการกำหนดตนเองทางศิลปะในยุค ภูมิภาค ประเทศ กลุ่มสังคมหรือความคิดสร้างสรรค์หรือบุคคล การกำเนิดของที่ใหญ่ที่สุดที่เรียกว่า "รูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์" ถูกกำหนดโดยตรรกะภายในของการพัฒนาความคิดทางศิลปะของมนุษย์วิธีการมองโลกบางอย่างการรับรู้ถึงคุณสมบัติของพื้นที่และเวลาที่บุคคลอาศัยและกระทำ . สไตล์ในงานศิลปะไม่มีขอบเขตที่ชัดเจนแต่แปรเปลี่ยนซึ่งกันและกันและมีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง

สไตล์โรมาเนสก์ (X-ศตวรรษที่สิบสาม)คำว่า "โรมัน" มาจากภาษาละติน romanus - Roman อาคารแบบโรมาเนสก์ไม่เพียงเป็นสัญลักษณ์ของความต่อเนื่องทางการเมืองและวัฒนธรรมจากโรมโบราณเท่านั้น แต่ยังเป็นพยานถึงอำนาจอันไร้ขอบเขตของผู้ปกครองคนใหม่ของยุโรปและอำนาจทุกอย่างของเทพเจ้าคริสเตียน สถาปัตยกรรมสไตล์โรมาเนสก์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการใช้โครงสร้างโค้งและโค้ง กำแพงขนาดใหญ่ หน้าต่างแคบ และหอคอยที่มีรูปทรงต่างๆ ในอาคาร สไตล์โดดเด่นด้วยความเรียบง่าย สะดวก และความเข้มงวด วัด อาราม และปราสาทอัศวินถูกสร้างขึ้นในสไตล์โรมาเนสก์

สไตล์โกธิค (XII-ศตวรรษที่สิบหก)คำว่า "โกธิค" มาจากชื่อของชนเผ่า Goths ชาวเยอรมัน หลังจากสไตล์โรมาเนสก์ กอทิกก็กลายเป็นหลักคำสอนที่สองของยุคกลาง และเป็นสไตล์ศิลปะทั่วยุโรปครั้งแรกในประวัติศาสตร์ พื้นฐานของสไตล์คือสถาปัตยกรรม ความจำเป็นทางเทคโนโลยีในการทำให้ห้องนิรภัยสว่างขึ้นทำให้เกิดการออกแบบใหม่

ส่วนโค้งแหลมสูง ห้องนิรภัยแบบซี่โครง และระบบรองรับเฟรมทำให้สามารถครอบคลุมพื้นที่ขนาดยักษ์ เพิ่มความสูงของอาคาร และบรรเทาผนังของภาระโดยไม่ต้องกลัวว่าจะพัง ผนังถูกตัดด้วยหน้าต่างบานใหญ่และหน้าต่างกระจกสี ทำให้เกิดการเล่นสีและแสงเป็นพิเศษ แนวตั้งกลายเป็นองค์ประกอบหลักที่โดดเด่น เทคนิคทางเทคนิคทั้งหมดนี้ทำให้สามารถสร้างภาพศิลปะที่สะท้อนถึงความปรารถนาอันลึกลับและไร้เหตุผลของจิตวิญญาณมนุษย์สู่สวรรค์ อาสนวิหารกอธิคที่มีชื่อเสียงที่สุดคืออาสนวิหารน็อทร์-ดามในฝรั่งเศส

พิสดาร (ปลายศตวรรษที่ 16 - กลางศตวรรษที่ 18)ยุคบาโรกมีความเกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ เช่นเดียวกับการพัฒนาโรงละครและโอเปร่า มีต้นกำเนิดในอิตาลี จากนั้นจึงแพร่กระจายไปยังประเทศอื่นๆ ในยุโรปหลังยุคเรอเนซองส์ คำว่า "บาร็อค" นั่นเอง - มีต้นกำเนิดจากโปรตุเกสและแปลว่า "ไข่มุกที่มีรูปทรงไม่สม่ำเสมอ" ศิลปะบาโรกโดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่ อลังการ ความหลงใหลในเอฟเฟกต์อันตระการตา การผสมผสานระหว่างสิ่งมหัศจรรย์และของจริง ความแตกต่างของขนาดและจังหวะ วัสดุ และพื้นผิว ความหมายหลักในการแสดงออกของศิลปะบาโรกคือการเล่นแสงและเงา พิสดารมีลักษณะเป็นภาพลวงตานั่นคือความปรารถนาที่จะหลอกตาเพื่อหลบหนีจากพื้นที่ของภาพไปสู่พื้นที่จริง

ลัทธิคลาสสิก (XVII - ต้นศตวรรษที่ XIX)คำว่า "คลาสสิก" มาจากภาษาละติน classicus - ชั้นหนึ่งเป็นแบบอย่าง ในยุโรปตะวันตก ศิลปะคลาสสิกครอบงำศิลปะในศตวรรษที่ 17-18 ในรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18-19 สไตล์ศิลปะนี้แสดงถึงการแสดงให้เห็นสูงสุดของแนวคิดเรื่องความสมบูรณ์ขององค์ประกอบภาพ ความสมบูรณ์ และความสมดุล แสดงออกถึงความปรารถนาในความเรียบง่าย ชัดเจน มีเหตุผล และความสม่ำเสมอของภาพลักษณ์ทางศิลปะ อุดมคตินี้ปรากฏให้เห็นชัดเจนที่สุดในยุคคลาสสิกโบราณ

ดังนั้นในกรณีส่วนใหญ่ ความเด่นของการคิดแบบคลาสสิกหมายถึงการวางแนวต่อรูปแบบของศิลปะโบราณ เป็นวิธีคิดแบบคลาสสิกถือเป็นบรรทัดฐานและเป็นระบบ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในลัทธิคลาสสิกมีระบบกฎเกณฑ์และทฤษฎีความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่สมบูรณ์ ลัทธิคลาสสิคนิยมหยิบยกบรรทัดฐานทางสุนทรีย์เช่นการต่อต้านความโหดร้ายของโชคชะตาและความผันผวนของการดำรงอยู่ การอยู่ใต้บังคับบัญชาของบุคคลต่อส่วนรวม ความหลงใหลในหน้าที่ เหตุผล และผลประโยชน์สูงสุดของสังคม ในวรรณคดีคลาสสิกมีลำดับชั้นที่เข้มงวดของประเภท: "สูง" (โศกนาฏกรรม, มหากาพย์, บทกวี, ประวัติศาสตร์, ตำนาน, ภาพวาดทางศาสนา) และ "ต่ำ" (ตลก, เสียดสี, นิทาน, จิตรกรรมประเภท)

ยุคปลายของลัทธิคลาสสิกคือสไตล์เอ็มไพร์

โรโคโค (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18)คำว่า "rococo" มาจากภาษาฝรั่งเศส "rocaille" ซึ่งแปลว่า "ไม่สมมาตร" "ตกแต่งด้วยลอนผมที่หรูหรา" แพร่หลายในฝรั่งเศสสมัยพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 โรโกโกเกี่ยวข้องกับวิกฤตสมบูรณาญาสิทธิราชย์มีลักษณะเฉพาะคือการออกจากชีวิตไปสู่โลกแห่งจินตนาการ ละครเวที แผนการอภิบาล และสถานการณ์ที่เร้าอารมณ์ โรโกโกมีอิทธิพลเหนือการตกแต่งภายใน ประติมากรรม จิตรกรรม และมัณฑนศิลป์

ทิศทาง- การเคลื่อนไหวทางสังคมและศิลปะ โลกทัศน์ของเวลาที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วเปิดเผยในงานศิลปะ

ยวนใจ (ปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19)ยวนใจสะท้อนให้เห็นถึงความท้อแท้กับแนวคิดของการปฏิวัติฝรั่งเศสและโลกทัศน์ของการตรัสรู้ พื้นฐานของโลกทัศน์โรแมนติกคือความขัดแย้งอันเจ็บปวดระหว่างอุดมคติและความเป็นจริงทางสังคม การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในชีวิตประจำวันอันเป็นผลมาจากการพัฒนาทางอุตสาหกรรมทำให้หลายคนต้องหันไปหาโลกแห่งความรู้สึกและประสบการณ์ทางอารมณ์ บทกวีมีความเจริญรุ่งเรืองในวรรณคดียุโรปในช่วงเวลานี้ บทกวี และนวนิยายในบทกวีกลายเป็นแนวเพลงหลัก

ยวนใจนั้นโดดเด่นด้วยความขัดแย้งของสองโลก: ความจริงและจินตนาการ เมื่อมองเห็นโลกแห่งความชั่วร้ายในความเป็นจริงร่วมสมัย แนวโรแมนติกพยายามหาทางออกให้กับมนุษย์ ทางออกนี้เป็นการออกจากสังคมไปพร้อมๆ กัน ตัวเลือกที่หนึ่ง - ฮีโร่โรแมนติกเข้าสู่โลกภายในของเขาเอง โลกแห่งความหลงใหลและประสบการณ์ โลกแห่งนิยายและความฝัน ตัวเลือกที่สองกำลังหลบหนีไปยังประเทศที่แปลกใหม่ การดูแลอีกพื้นที่หนึ่งสามารถดูแลในเวลาอื่นได้ ยวนใจเริ่มทำให้อุดมคติในอดีตโดยเฉพาะในยุคกลางเห็นความเป็นจริงที่แตกต่างซึ่งเป็นวัฒนธรรมที่มีค่านิยมไม่สามารถเทียบได้กับลัทธิเอาเปรียบของสังคมยุคใหม่

ความสมจริง (เกิดขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา กลายเป็นขบวนการอิสระในศตวรรษที่ 19-20)คำในความหมายที่กว้างที่สุดของคำที่แสดงถึงความปรารถนาที่จะสะท้อนความเป็นจริงที่สมบูรณ์ ลึกซึ้ง และครอบคลุมมากขึ้นในทุกการแสดงออก กระแสของการคิดตามความเป็นจริงปรากฏอยู่ในรูปแบบที่แตกต่างกันในงานศิลปะ ประเภทการเคลื่อนไหวทางศิลปะ และสไตล์ที่แตกต่างกัน การพัฒนาความสมจริงสามารถแสดงออกถึงความขัดแย้งของการพัฒนาสังคมได้อย่างเต็มที่ที่สุด

หลักการสำคัญของความสมจริง: การสะท้อนวัตถุประสงค์ของชีวิตรวมกับอุดมคติของผู้เขียน การทำซ้ำตัวละครทั่วไป ความขัดแย้ง สถานการณ์ด้วยความเป็นปัจเจกทางศิลปะ ความสนใจหลักในปัญหาของ "บุคลิกภาพและสังคม" ความสมจริงนำไปสู่การเฟื่องฟูของประเภทวรรณกรรมเช่นนวนิยายประวัติศาสตร์สังคม ในทางกลับกัน วรรณกรรมก็มีอิทธิพลต่อการวาดภาพเหมือนจริง กุสตาฟ กูร์เบต์(พ.ศ. 2362-2420) เป็นคนแรกที่ใช้คำว่า "ความสมจริง" ที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดของเขา ซึ่งหมายถึงการพรรณนาถึงความเป็นจริง Courbet พรรณนาถึงผู้คนในที่ทำงาน และไม่มีความสุขและความพึงพอใจดังที่มักแสดงไว้ก่อนหน้านี้

นิยมนิยม (ที่สามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19)คำว่า "ธรรมชาตินิยม" มาจากภาษาละติน natura - ธรรมชาติ การเคลื่อนไหวในวรรณคดีและศิลปะที่มุ่งมั่นในการสร้างความเป็นจริงที่สังเกตได้ที่แม่นยำและไม่แยแส นักทฤษฎีและหัวหน้าฝ่ายธรรมชาตินิยมคือ เอมิล โซล่า. ตัวแทนของธรรมชาตินิยมเริ่มต้นจากตำแหน่งที่ชะตากรรมของบุคคลถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าโดยสภาพแวดล้อมทางสังคม ชีวิตประจำวัน พันธุกรรม และสรีรวิทยา

ประวัติศาสตร์นิยมหรือลัทธิผสมผสาน (แนวโน้มทางสถาปัตยกรรม พ.ศ. 2363-2463)การรวมกันขององค์ประกอบโวหารที่แตกต่างกันหรือการเลือกการออกแบบโวหารโดยพลการสำหรับอาคารที่มีความหมายและวัตถุประสงค์ที่แตกต่างกันในเชิงคุณภาพ เมื่อสร้างโครงสร้างต่างๆ สถาปนิกส่วนใหญ่จะหันไปใช้รูปแบบในอดีต รูปแบบอาคารที่แตกต่างกันเหล่านี้รวมกันเป็นชื่อสามัญว่า "ลัทธิประวัติศาสตร์" การใช้รูปแบบทางประวัติศาสตร์ในสถาปัตยกรรมแสดงให้เห็นถึงความภาคภูมิใจในความสำเร็จทางเทคนิคของศตวรรษที่ 19

สัญลักษณ์นิยมในความหมายกว้างๆ การแสดงสัญลักษณ์เป็นทรัพย์สินที่สำคัญของศิลปะ เนื่องจากความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเป็นสัญลักษณ์ในธรรมชาติ นี่คือแนวโน้มของการคิดทางศิลปะซึ่งในยุคต่างๆ พบการแสดงออกในศิลปะทางศาสนา ในแนวโรแมนติก และในยุคปัจจุบัน สัญลักษณ์เป็นคุณสมบัติที่สำคัญของศิลปะที่ออกแบบมาเพื่อสร้างความเชื่อมโยงระหว่างสิ่งที่มองเห็นและรูปธรรมกับพื้นที่ของความคิดในอุดมคติ

เนื่องจากเป็นการเคลื่อนไหวในศิลปะยุโรปและรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ลัทธิสัญลักษณ์จึงเต็มไปด้วยเวทย์มนต์ ความลึกลับ และความปรารถนาที่จะเข้าใจคุณค่าสูงสุดด้วยความช่วยเหลือของสัญลักษณ์ สัญลักษณ์เปรียบเทียบ และลักษณะทั่วไป การแสดงสิ่งที่อธิบายไม่ได้นั้นเป็นหน้าที่ของสัญลักษณ์ การแสดงนัยคือโลกสองใบ: โลกแห่งความเป็นจริงในชีวิตประจำวันและโลกเหนือธรรมชาติ นั่นคือโลกที่อยู่นอกเหนือการรับรู้ทางประสาทสัมผัส นักสัญลักษณ์เชื่อว่าศิลปะมีพลังวิเศษพิเศษที่สามารถต่ออายุชีวิต โลกทัศน์ และกิจกรรมของผู้คนได้

อิมเพรสชั่นนิสม์ (ที่สามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20)คำว่า “อิมเพรสชันนิสม์” มาจากภาษาฝรั่งเศส Impression – Impression ชื่อนี้เกิดขึ้นหลังจากนิทรรศการในปี พ.ศ. 2417 ซึ่งมีภาพวาด "Impression" ของ Claude Monet พระอาทิตย์ขึ้น". อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นนักประดิษฐ์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดต่อการพัฒนางานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 อิมเพรสชั่นนิสต์ถ่ายทอดความประทับใจผ่านวิธีการทางศิลปะในลักษณะเดียวกับการบันทึกช่วงเวลาสั้น ๆ ด้วยกล้อง

พวกเขาถ่ายทอดความรู้สึกภายนอกของแสง เงา และปฏิกิริยาสะท้อนบนพื้นผิวของวัตถุด้วยลายเส้นบริสุทธิ์ที่แยกจากกัน ซึ่งทำให้รูปทรงละลายไปในสิ่งแวดล้อมด้วยสายตา วิธีการทาสีนั้นใช้หลักการของการรับรู้ที่ตัดกันของสีเสริม เรื่องของภาพวาดมีความสำคัญรองสำหรับศิลปิน พวกเขาพยายามจับภาพการเคลื่อนไหวในภาพและในขณะเดียวกันก็พรรณนาและจับภาพความแตกต่างที่เกิดขึ้นเพียงชั่วครู่ของการเคลื่อนไหวนี้ สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษสำหรับศิลปินคือสภาวะการเปลี่ยนผ่านของปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่ไม่มั่นคง (น้ำ เมฆ แสงสว่าง)

โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์ (ปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX)หลัง-หลัง+อิมเพรสชันนิสม์ การกำหนดทั่วไปสำหรับการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ ในการวาดภาพของศตวรรษที่ 20 ที่เกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อวิธีการอิมเพรสชั่นนิสม์: สัญลักษณ์นิยม, การแบ่งแยก, การแสดงออก, ลัทธิโฟนิยม, ออร์ฟิซึม, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ได้แก่ จอร์ช ซูรัต,ปอล เซซาน,พอล โกแกง,Vincent van Gogh,อองรี ตูลูส-โลเทรกตลอดจนตัวแทนของนีโออิมเพรสชันนิสม์และกลุ่มนาบี ศิลปินแต่ละคนต่างเดินตามแนวทางของตนเองโดยสร้างวิธีการสร้างสรรค์และสไตล์ศิลปะของตนเอง

Pointillism หรือการแบ่งแยกหรือนีโออิมเพรสชันนิสม์ (ปลายศตวรรษที่ 19)จากภาษาฝรั่งเศส จุด - จุดจาก lat การแบ่ง - การแบ่ง วิธีการวาดภาพและการเคลื่อนไหวในการวาดภาพหลังอิมเพรสชั่นนิสม์ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของมันซึ่งการทำงานกับภาพจะดำเนินการโดยใช้ลายเส้นเล็ก ๆ ที่แยกจากกันของรูปทรงจุดหรือสี่เหลี่ยมที่มีสีบริสุทธิ์ ลายเส้นของสีต่างๆ จะต้องผสมกันในเชิงแสงเมื่อผู้ชมรับรู้ภาพจากระยะไกล ไม่ใช่โดยกลไกบนจานสีของศิลปิน อย่างที่เคยเป็นมา

ทันสมัย ​​(ปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX)ชื่อภาษารัสเซียสำหรับสไตล์ตามลำดับในภาษาฝรั่งเศสคือ "l"art nouveau" - ศิลปะใหม่ Art Nouveau เป็นชุดของความพยายามที่จะสร้างสไตล์ศิลปะแบบองค์รวมในสถาปัตยกรรมและศิลปะการตกแต่งที่ต่อต้านการผสมผสาน ตัวแทนของ Art Nouveau ใช้ new วิธีการสร้างสรรค์ทางเทคนิค (โลหะ แก้ว เซรามิก) รูปแบบฟรี การตกแต่งทางสถาปัตยกรรมที่เป็นเอกลักษณ์สำหรับการสร้างอาคารแต่ละหลังที่แปลกตาและโดดเด่น (ส่วนใหญ่เป็นคฤหาสน์ในเมือง) องค์ประกอบทั้งหมดอยู่ภายใต้จังหวะการประดับประดาเพียงจังหวะเดียวและการออกแบบสัญลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ ศิลปะวิจิตรและการตกแต่งของอาร์ตนูโวมีความโดดเด่นด้วยบทกวีของสัญลักษณ์จังหวะการตกแต่งของเส้นที่ยืดหยุ่นและไหลลื่นลวดลายดอกไม้เก๋ไก๋

ความเสื่อมโทรมหรือความเสื่อมโทรม (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20)จากคำภาษาฝรั่งเศสเสื่อมโทรม - เสื่อมโทรมลดลง ชื่อทั่วไปของปรากฏการณ์วิกฤตในวัฒนธรรมยุโรป ซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือความรู้สึกสิ้นหวัง การปฏิเสธชีวิต และความเป็นปัจเจกชน ประเด็นหลักของความเสื่อมโทรมอย่างต่อเนื่องคือแรงจูงใจของการไม่มีอยู่และความตาย ความปรารถนาในคุณค่าทางจิตวิญญาณ การปฏิเสธอุดมคติทางพลเมือง ศรัทธาในเหตุผล ซึ่งเกี่ยวข้องกับบทบาทที่เพิ่มขึ้นของสติปัญญา ความเสื่อมโทรมเริ่มแพร่หลายในรัสเซีย โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังการปฏิวัติในปี 1905-1907 ในผลงานของปรมาจารย์หลายคนของสมาคม World of Art และ Blue Rose

เปรี้ยวจี๊ด (ศตวรรษที่ XX)คำที่แสดงถึงกลุ่มของการเคลื่อนไหวและแนวโน้มที่สร้างสรรค์ ปฏิวัติ กบฏและหลากหลายในวัฒนธรรมทางศิลปะของศตวรรษที่ 20 ปรากฏการณ์เปรี้ยวจี๊ดเป็นลักษณะของทุกขั้นตอนการเปลี่ยนผ่านในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะและศิลปะแต่ละประเภท อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่ 20 แนวหน้าได้รับความสำคัญระดับโลกในฐานะปรากฏการณ์อันทรงพลังของวัฒนธรรมทางศิลปะ ซึ่งเกี่ยวข้องกับจุดเปลี่ยนในกระบวนการทางวัฒนธรรมและอารยธรรมที่เกิดจากความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีของศตวรรษที่ 20 แนวโน้มหลักของเปรี้ยวจี๊ดคือการปฏิเสธประเพณีและการค้นหารูปแบบใหม่เชิงทดลอง

ด้วยความที่เป็นการแสดงออกถึงกระแสนิยมในวงกว้างของสมัยใหม่ กลุ่มเปรี้ยวจี๊ดจึงมองหาวิธีต่างๆ ที่จะมีอิทธิพลโดยตรงต่อผู้อ่าน ผู้ฟัง และผู้ชม การสร้างความตกตะลึง เรื่องอื้อฉาว และความอุกอาจ - หากไม่มีศิลปะแนวหน้านี้เป็นไปไม่ได้ สิ่งสำคัญคือประสิทธิผลของศิลปะ - ได้รับการออกแบบมาเพื่อทำให้ประหลาดใจ ปลุกเร้า และกระตุ้นปฏิกิริยาที่แข็งขันในบุคคลจากภายนอก ในกรณีนี้ เป็นที่พึงประสงค์ว่าปฏิกิริยาเกิดขึ้นทันทีทันใด ไม่รวมการรับรู้รูปแบบและเนื้อหาทางสุนทรียภาพที่ยาวนานและเข้มข้น ความเข้าใจผิดทั้งหมดหรือบางส่วนรวมอยู่ในแผนของศิลปินแนวหน้า สิ่งที่สำคัญที่สุดเกี่ยวกับเปรี้ยวจี๊ดคือความแปลกใหม่และความน่าดึงดูด

หลักการของเปรี้ยวจี๊ดได้นำเอาลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิอนาคตนิยม, ลัทธิดาดานิยม, ศิลปะนามธรรม, สถิตยศาสตร์, การแสดงออก, คอนสตรัคติวิสต์และการเคลื่อนไหวอื่น ๆ เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียในวิจิตรศิลป์ ได้แก่ เอ็ม ชากาล,เค. มาเลวิช,วี. คันดินสกี้.มันเป็นเปรี้ยวจี๊ดด้วยการเขย่าและทำลายบรรทัดฐานและหลักการความงามแบบดั้งเดิม รูปแบบและวิธีการในการแสดงออกทางศิลปะ และเปิดความเป็นไปได้ของนวัตกรรมที่ไร้ขีดจำกัด ซึ่งมักมีพื้นฐานอยู่บนความสำเร็จล่าสุดของวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ซึ่งเปิดทางสำหรับการเปลี่ยนแปลงของ วัฒนธรรมทางศิลปะสู่คุณภาพใหม่ ด้วยเหตุนี้ เปรี้ยวจี๊ดจึงได้เติมเต็มบทบาทในวัฒนธรรมยุโรปสมัยใหม่ และยุติการดำรงอยู่ของมันในฐานะปรากฏการณ์ระดับโลกในช่วงทศวรรษ 1960-70 โดยพื้นฐานแล้ว

สมัยใหม่ (ปลาย XIX - กลางศตวรรษที่ XX)การกำหนดทั่วไปสำหรับปรากฏการณ์ทางศิลปะและวรรณกรรมที่ยืนยันแนวทางใหม่ในการวาดภาพชีวิต ลัทธิสมัยใหม่รวมเอาการเคลื่อนไหวและแนวโน้มทางอุดมการณ์และศิลปะที่ค่อนข้างเป็นอิสระจำนวนมาก ซึ่งแตกต่างกันในระดับสังคมและความสำคัญทางวัฒนธรรม-ประวัติศาสตร์ (ลัทธิโฟวิสม์ การแสดงออก สัญลักษณ์นิยม ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ศิลปะนามธรรม คอนสตรัคติวิสต์) การก่อตัวของสมัยใหม่ในฐานะระบบศิลปะและสุนทรียศาสตร์ที่ถูกกฎหมายได้จัดทำขึ้นตามขั้นตอนต่างๆ เช่น ความเสื่อมโทรมและเปรี้ยวจี๊ด ความเด่นของสีที่มืดมนอารมณ์ในแง่ร้ายและวิตกกังวลลางสังหรณ์ที่อิดโรยจิตสำนึกของความไม่รู้และไม่เปลี่ยนรูปของโลกที่ไร้มนุษยธรรม - นั่นคืออารมณ์ทางอารมณ์ของผลงานสมัยใหม่

ลัทธิหลังสมัยใหม่ (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20)ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นช่วงสมัยใหม่ของการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรป นักรัฐศาสตร์ชั้นนำของตะวันตกตีความลัทธิหลังสมัยใหม่ว่าเป็นสัญลักษณ์ของสังคมหลังอุตสาหกรรม ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นขบวนการทางวัฒนธรรมในวงกว้าง ซึ่งโคจรอยู่ในปรัชญา สุนทรียศาสตร์ ศิลปะ และมนุษยศาสตร์

ในศตวรรษที่ 17 มีการแนะนำการแบ่งประเภทจิตรกรรมเป็น "สูง" และ "ต่ำ" ประเภทแรกประกอบด้วยประเภทประวัติศาสตร์ การต่อสู้ และตำนาน ประการที่สอง ได้แก่ จิตรกรรมประเภทธรรมดาในชีวิตประจำวัน เช่น จิตรกรรมในชีวิตประจำวัน หุ่นนิ่ง ภาพวาดสัตว์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย ภูมิทัศน์

ประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทประวัติศาสตร์ในการวาดภาพไม่ได้แสดงถึงวัตถุหรือบุคคลเฉพาะเจาะจง แต่เป็นช่วงเวลาหรือเหตุการณ์เฉพาะที่เกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ของยุคสมัยก่อน มันรวมอยู่ในหลัก ประเภทของการวาดภาพในงานศิลปะ ประเภทภาพเหมือน การต่อสู้ ในชีวิตประจำวัน และตามตำนานมักเกี่ยวพันกับประวัติศาสตร์อย่างใกล้ชิด

"การพิชิตไซบีเรียโดย Ermak" (พ.ศ. 2434-2438)
วาซิลี ซูริคอฟ

ศิลปิน Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev และอีกหลายคนวาดภาพเขียนของพวกเขาในประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทตำนาน

นิทาน ตำนานและตำนานโบราณ นิทานพื้นบ้าน - การพรรณนาถึงหัวข้อ วีรบุรุษ และเหตุการณ์ต่างๆ เหล่านี้พบว่ามีอยู่ในประเภทจิตรกรรมที่เป็นตำนาน บางทีอาจแตกต่างออกไปในภาพวาดของบุคคลใด ๆ เนื่องจากประวัติศาสตร์ของแต่ละกลุ่มชาติพันธุ์เต็มไปด้วยตำนานและประเพณี ตัวอย่างเช่นโครงเรื่องของเทพนิยายกรีกเช่นความโรแมนติกลับของเทพเจ้าแห่งสงคราม Ares และเทพีแห่งความงาม Aphrodite ปรากฎในภาพวาด "Parnassus" โดยศิลปินชาวอิตาลีชื่อ Andrea Mantegna

"ปาร์นาสซัส" (1497)
อันเดรีย มานเทญ่า

ในที่สุดตำนานในการวาดภาพก็ได้ก่อตัวขึ้นในสมัยเรอเนซองส์ ตัวแทนของประเภทนี้นอกเหนือจาก Andrea Mantegna ได้แก่ Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov และคนอื่น ๆ

ประเภทการต่อสู้

ภาพวาดการต่อสู้บรรยายฉากจากชีวิตทหาร บ่อยครั้งที่มีการแสดงการรณรงค์ทางทหารต่างๆ รวมถึงการสู้รบทางทะเลและทางบก และเนื่องจากการต่อสู้เหล่านี้มักนำมาจากประวัติศาสตร์จริง ประเภทการต่อสู้และประวัติศาสตร์จึงพบจุดตัดกันที่นี่

ส่วนของภาพพาโนรามา "Battle of Borodino" (1912)
ฟรานซ์ รูโบด์

ภาพวาดการต่อสู้เกิดขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีในผลงานของศิลปิน Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci จากนั้น Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov และจิตรกรอื่น ๆ อีกมากมาย

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ฉากจากชีวิตประจำวัน สาธารณะ หรือส่วนตัวของคนธรรมดา ไม่ว่าจะเป็นชีวิตในเมืองหรือชาวนา จะถูกนำเสนอในรูปแบบการวาดภาพในชีวิตประจำวัน เช่นเดียวกับคนอื่นๆ อีกหลายคน ประเภทของการวาดภาพภาพวาดในชีวิตประจำวันมักไม่ค่อยพบในรูปแบบของตัวเอง จึงกลายมาเป็นส่วนหนึ่งของประเภทภาพบุคคลหรือภาพทิวทัศน์

"ผู้ขายเครื่องดนตรี" (1652)
คาเรล ฟาบิซิอุส

ต้นกำเนิดของการวาดภาพในชีวิตประจำวันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 10 ในภาคตะวันออก และย้ายไปยุโรปและรัสเซียเฉพาะในศตวรรษที่ 17-18 เท่านั้น Jan Vermeer, Karel Fabricius และ Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov และ Ivan Alekseevich Ermenev เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในการวาดภาพในชีวิตประจำวันในยุคนั้น

ประเภทสัตว์

วัตถุหลักของประเภทสัตว์คือสัตว์และนกทั้งในป่าและในประเทศ และโดยทั่วไปแล้วเป็นตัวแทนของสัตว์โลก ในตอนแรก ภาพวาดสัตว์เป็นส่วนหนึ่งของประเภทของภาพวาดจีน นับตั้งแต่ปรากฏครั้งแรกในประเทศจีนในศตวรรษที่ 8 ในยุโรปภาพวาดสัตว์เกิดขึ้นเฉพาะในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้น - สัตว์ในเวลานั้นถูกมองว่าเป็นศูนย์รวมแห่งความชั่วร้ายและคุณธรรมของมนุษย์

"ม้าในทุ่งหญ้า" (2192)
พอลลัส พอตเตอร์

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp เป็นตัวแทนหลักของการวาดภาพสัตว์ในวิจิตรศิลป์

ยังมีชีวิตอยู่

ประเภทภาพนิ่งแสดงถึงวัตถุที่ล้อมรอบบุคคลในชีวิต สิ่งเหล่านี้เป็นวัตถุไม่มีชีวิตรวมกันเป็นกลุ่มเดียว วัตถุดังกล่าวอาจเป็นประเภทเดียวกัน (เช่น ในภาพมีเฉพาะผลไม้) หรืออาจไม่เหมือนกัน (ผลไม้ เครื่องใช้ เครื่องดนตรี ดอกไม้ ฯลฯ)

"ดอกไม้ในตะกร้า ผีเสื้อ และแมลงปอ" (2157)
แอมโบรเซียส บอสชาร์ต ผู้อาวุโส

หุ่นนิ่งในฐานะแนวเพลงอิสระเริ่มก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนแห่งชีวิตแบบเฟลมิชและดัตช์มีความโดดเด่นเป็นพิเศษ ตัวแทนของสไตล์ที่หลากหลายวาดภาพในประเภทนี้ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม หุ่นนิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดบางส่วนถูกวาดโดยจิตรกร Ambrosius Bosschaert the Elder, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda

ภาพเหมือน

ภาพเหมือนเป็นประเภทของการวาดภาพ ซึ่งเป็นหนึ่งในประเภทที่พบได้บ่อยที่สุดในวิจิตรศิลป์ จุดประสงค์ของการวาดภาพบุคคลในการวาดภาพคือการพรรณนาบุคคล แต่ไม่ใช่แค่รูปลักษณ์ภายนอกของเขาเท่านั้น แต่ยังเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ภายในของผู้ที่ถูกวาดภาพด้วย

ภาพบุคคลอาจเป็นภาพเดี่ยว ภาพคู่ ภาพหมู่ รวมถึงภาพเหมือนตนเอง ซึ่งบางครั้งอาจแยกประเภทออกเป็นประเภทที่แยกจากกัน และภาพเหมือนที่โด่งดังที่สุดตลอดกาลอาจเป็นภาพวาดของเลโอนาร์โด ดา วินชี ที่เรียกว่า "ภาพเหมือนของมาดามลิซา เดล จิโอคอนโด" ซึ่งทุกคนรู้จักกันในชื่อ "โมนาลิซ่า"

"โมนาลิซ่า" (1503-1506)
เลโอนาร์โด ดา วินชี

ภาพบุคคลแรกปรากฏขึ้นเมื่อหลายพันปีก่อนในอียิปต์โบราณ - เป็นภาพของฟาโรห์ ตั้งแต่นั้นมา ศิลปินส่วนใหญ่ตลอดกาลได้ลองตัวเองในประเภทนี้ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ประเภทของการวาดภาพบุคคลและประวัติศาสตร์สามารถทับซ้อนกันได้เช่นกัน: ภาพของบุคคลสำคัญทางประวัติศาสตร์จะถือเป็นผลงานประเภทประวัติศาสตร์แม้ว่าในขณะเดียวกันก็จะถ่ายทอดรูปลักษณ์และลักษณะของบุคคลนี้ในรูปแบบภาพบุคคลก็ตาม

เปลือย

จุดประสงค์ของประเภทภาพเปลือยคือเพื่อพรรณนาถึงร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่า ยุคเรอเนซองส์ถือเป็นช่วงเวลาของการเกิดขึ้นและการพัฒนาของภาพวาดประเภทนี้และวัตถุหลักของการวาดภาพนั้นส่วนใหญ่มักจะกลายเป็นร่างของผู้หญิงซึ่งรวบรวมความงามแห่งยุคนั้น

"คอนเสิร์ตชนบท" (1510)
ทิเชียน

Titian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดที่วาดภาพเปลือย

ทิวทัศน์

ธีมหลักของประเภททิวทัศน์คือธรรมชาติ สิ่งแวดล้อม เช่น เมือง ชนบท หรือถิ่นทุรกันดาร ทิวทัศน์แรกปรากฏขึ้นในสมัยโบราณเมื่อวาดภาพพระราชวังและวัดสร้างภาพย่อส่วนและไอคอน ภูมิทัศน์เริ่มปรากฏเป็นแนวเพลงอิสระในศตวรรษที่ 16 และได้กลายเป็นหนึ่งในแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดตั้งแต่นั้นมา ประเภทของการวาดภาพ.

มีอยู่ในผลงานของจิตรกรหลายคน เริ่มจาก Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasov, Edouard Manet ต่อด้วย Isaac Ilyich Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque และปิดท้ายด้วยศิลปินร่วมสมัยมากมายแห่งศตวรรษที่ 21

"ฤดูใบไม้ร่วงสีทอง" (2438)
ไอแซค เลวีตัน

ในบรรดาภาพวาดทิวทัศน์ เราสามารถแยกแยะประเภทต่างๆ เช่น ทิวทัศน์ทะเลและเมืองได้

เวดูตา

Veduta เป็นภูมิทัศน์ที่มีจุดประสงค์เพื่อพรรณนาถึงลักษณะของเขตเมืองและถ่ายทอดความงดงามและรสชาติของมัน ต่อมาด้วยการพัฒนาของอุตสาหกรรม ภูมิทัศน์เมืองกลายเป็นภูมิทัศน์อุตสาหกรรม

"จัตุรัสเซนต์มาร์ก" (1730)
กานาเลตโต

คุณสามารถชื่นชมทิวทัศน์ของเมืองได้โดยทำความคุ้นเคยกับผลงานของ Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin

มารีน่า

ทิวทัศน์ท้องทะเลหรือท่าจอดเรือ แสดงถึงธรรมชาติขององค์ประกอบท้องทะเล ความยิ่งใหญ่ จิตรกรทางทะเลที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกอาจเป็น Ivan Konstantinovich Aivazovsky ซึ่งภาพวาด "The Ninth Wave" เรียกได้ว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของจิตรกรรมรัสเซีย ความเจริญรุ่งเรืองของท่าจอดเรือเกิดขึ้นพร้อมกันกับการพัฒนาภูมิทัศน์เช่นนี้

“เรือใบในพายุ” (2429)
เจมส์ บัตเตอร์สเวิร์ธ

Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio และ Rafael Monleon Torres ก็มีชื่อเสียงในด้านทิวทัศน์ท้องทะเลเช่นกัน

หากคุณต้องการเรียนรู้เพิ่มเติมว่าแนวการวาดภาพในงานศิลปะเกิดขึ้นและพัฒนาได้อย่างไร ให้ดูวิดีโอต่อไปนี้:

เอาไปเองแล้วบอกเพื่อนของคุณ!

อ่านเพิ่มเติมบนเว็บไซต์ของเรา:

แสดงมากขึ้น

มีความหลากหลายและหลากหลายมาก หลักการคิดทางศิลปะเพียงข้อเดียวเป็นคุณลักษณะที่สำคัญมากซึ่งผลงานของอาจารย์สามารถนำมาประกอบกับการเคลื่อนไหวอย่างใดอย่างหนึ่ง ในอดีต ทิศทางหลักในการวาดภาพเข้ามาแทนที่กัน ขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงในการรับรู้ทางศิลปะ เหตุการณ์บางอย่างก็มีบทบาทในประเด็นนี้ด้วย

ทิศทางในการวาดภาพของศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสยังคงเป็นประเทศชั้นนำที่มีส่วนสำคัญต่อการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรป การวาดภาพมาเป็นอันดับแรกในชีวิตทางศิลปะ แนวโน้มในการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 ได้แก่ แนวคลาสสิก แนวโรแมนติก สัจนิยม วิชาการ และความเสื่อมโทรม Eugene Delacroix ถือเป็นบุคคลสำคัญของแนวโรแมนติก ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขา "Freedom on the Barricades" มีพื้นฐานมาจากเหตุการณ์จริง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ทิศทางหลักในการวาดภาพคือความคลาสสิกและความสมจริง ตำแหน่งแห่งความสมจริงในยุโรปได้รับการเสริมความแข็งแกร่งโดย Gustav Courbet และในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ กระแสน้ำเดียวกันนี้เคลื่อนจากฝรั่งเศสไปยังรัสเซีย แนวโน้มด้านศิลปะ จิตรกรรม สถาปัตยกรรม และขอบเขตอื่นๆ ของชีวิตทางวัฒนธรรมในยุโรปในศตวรรษนี้ค่อนข้างหลากหลาย ช่วงสามช่วงสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ต้องเผชิญกับความสมจริงและความเสื่อมโทรม ผลจากการปรับสมดุลนี้ทำให้เกิดทิศทางใหม่โดยสิ้นเชิง - ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ แต่แนวโน้มหลักในการวาดภาพของรัสเซียในยุคนี้ยังคงเป็นความสมจริง

ลัทธิคลาสสิก

แนวโน้มนี้พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ถึงศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยความสามัคคีและการแสวงหาอุดมคติ ลัทธิคลาสสิกได้กำหนดลำดับชั้นของตัวเอง โดยที่ประเภทประวัติศาสตร์และตำนานทางศาสนาได้รับการจัดอันดับสูง แต่ภาพบุคคล หุ่นนิ่ง และทิวทัศน์ถือว่าไม่สำคัญและแม้แต่ในชีวิตประจำวัน ห้ามรวมประเภทเข้าด้วยกัน ประเพณีของศิลปินหลายคนมีลักษณะเป็นคลาสสิก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเรากำลังพูดถึงความสมบูรณ์ขององค์ประกอบและรูปแบบที่ประสานกัน ผลงานแนวคลาสสิกเรียกร้องให้มีความสามัคคีและความสอดคล้องกัน

วิชาการ

ทิศทางในการวาดภาพไม่ได้เปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลาเพียงอย่างเดียว ทะลุทะลวงกัน เกี่ยวพันกัน และติดตามกันอยู่ระยะหนึ่ง และบ่อยครั้งที่ทิศทางหนึ่งเกิดขึ้นจากที่อื่น นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับวิชาการ มันเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากศิลปะคลาสสิก นี่ยังคงเป็นความคลาสสิคเหมือนเดิม แต่มีความซับซ้อนและเป็นระบบมากขึ้นแล้ว ประเด็นสำคัญที่แสดงให้เห็นลักษณะเฉพาะของกลไกนี้คือความสมบูรณ์แบบของธรรมชาติ ตลอดจนทักษะระดับสูงในการดำเนินการทางเทคนิค ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของขบวนการนี้คือ K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche และคนอื่น ๆ แน่นอนว่านักวิชาการสมัยใหม่ไม่ได้ครองบทบาท (ผู้นำ) ที่ได้รับมอบหมายอีกต่อไปเมื่อเกิดรูปแบบนี้

ยวนใจ

เป็นไปไม่ได้ที่จะพิจารณาทิศทางหลักของการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 โดยไม่ต้องเอ่ยถึงแนวโรแมนติก ยุคโรแมนติกมีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนี ค่อยๆ รุกเข้าสู่อังกฤษ ฝรั่งเศส รัสเซีย และประเทศอื่นๆ ต้องขอบคุณการแนะนำนี้ โลกแห่งการวาดภาพและศิลปะจึงเต็มไปด้วยสีสันที่สดใส โครงเรื่องใหม่ และการแสดงภาพเปลือยที่โดดเด่น ศิลปินของขบวนการนี้บรรยายอารมณ์และความรู้สึกของมนุษย์ด้วยสีสันสดใส พวกเขาเปลี่ยนความกลัว ความรัก และความเกลียดชังจากภายในสู่ภายนอก เสริมผืนผ้าใบด้วยเอฟเฟกต์พิเศษจำนวนมาก

ความสมจริง

เมื่อพิจารณาถึงแนวโน้มหลักในการวาดภาพในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ควรกล่าวถึงความสมจริงก่อน และแม้ว่าการเกิดขึ้นของรูปแบบนี้จะย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 18 แต่การออกดอกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของมันก็เกิดขึ้นในช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กฎหลักของความสมจริงในยุคนี้คือการพรรณนาถึงความเป็นจริงสมัยใหม่ในความหลากหลายของการแสดงออก การก่อตัวของการเคลื่อนไหวในการวาดภาพนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการปฏิวัติที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2391 แต่ในรัสเซียการพัฒนากระแสศิลปะนี้มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับกระแสแนวคิดประชาธิปไตย

ความเสื่อมโทรม

ช่วงเวลาแห่งความเสื่อมโทรมมีลักษณะของการพรรณนาถึงความสิ้นหวังและความผิดหวัง ศิลปะรูปแบบนี้ตื้นตันใจกับความมีชีวิตชีวาที่ลดลง ลัทธินี้ถือกำเนิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เป็นรูปแบบหนึ่งของการต่อต้านศีลธรรมอันดีของประชาชน และถึงแม้ว่าความเสื่อมโทรมในการวาดภาพจะไม่เคยก่อตัวเป็นทิศทางที่แยกจากกัน แต่ประวัติศาสตร์ศิลปะก็ยังคงทำให้ผู้สร้างแต่ละคนแตกต่างในสาขาศิลปะนี้ ตัวอย่างเช่น Aubrey Beardsley หรือ Mikhail Vrubel แต่ควรสังเกตว่าศิลปินเสื่อมทรามซึ่งไม่กลัวที่จะทดลองด้วยจิตใจ มักจะสมดุลอยู่บนขอบเหว แต่นี่คือสิ่งที่ทำให้พวกเขาสร้างความตกใจให้กับสาธารณชนด้วยวิสัยทัศน์เกี่ยวกับโลกของพวกเขา

อิมเพรสชันนิสม์

แม้ว่าอิมเพรสชันนิสม์จะถือเป็นระยะเริ่มต้นของศิลปะสมัยใหม่ แต่สถานที่ของการเคลื่อนไหวนี้มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 19 ต้นกำเนิดของอิมเพรสชั่นนิสม์คือแนวโรแมนติก เพราะเขาเป็นคนที่ทำให้บุคลิกภาพของแต่ละคนเป็นศูนย์กลางของศิลปะ ในปี พ.ศ. 2415 โมเนต์ได้วาดภาพของเขาเรื่อง "ความประทับใจ" พระอาทิตย์ขึ้น". งานนี้เองที่สร้างชื่อให้กับการเคลื่อนไหวทั้งหมด อิมเพรสชั่นนิสม์ทั้งหมดถูกสร้างขึ้นจากการรับรู้ ศิลปินที่สร้างขึ้นในรูปแบบนี้ไม่ได้ตั้งใจที่จะให้ความกระจ่างเกี่ยวกับปัญหาเชิงปรัชญาของมนุษยชาติ สิ่งที่สำคัญที่สุดไม่ใช่สิ่งที่จะบรรยาย แต่จะทำอย่างไร ภาพวาดแต่ละภาพควรจะเปิดเผยโลกภายในของศิลปิน แต่อิมเพรสชั่นนิสต์ก็ต้องการการยอมรับเช่นกัน ดังนั้นพวกเขาจึงพยายามค้นหาหัวข้อประนีประนอมที่น่าสนใจสำหรับประชากรทุกกลุ่ม ศิลปินวาดภาพวันหยุดหรืองานปาร์ตี้บนผืนผ้าใบ และหากสถานการณ์ในชีวิตประจำวันพบสถานที่ในภาพวาดของพวกเขา พวกเขาจะถูกนำเสนอจากด้านบวกเท่านั้น ดังนั้นอิมเพรสชั่นนิสม์จึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นแนวโรแมนติกแบบ "ภายใน"

ทิศทางหลักของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ครึ่งแรก)

ช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ถือเป็นหน้าเพจที่สดใสในวัฒนธรรมรัสเซีย ในตอนต้นของศตวรรษศิลปะคลาสสิกยังคงเป็นทิศทางหลักในการวาดภาพของรัสเซีย แต่เมื่ออายุสามสิบ ความสำคัญของมันก็หายไป วัฒนธรรมทั้งหมดของรัสเซียได้สูดลมหายใจใหม่ด้วยการกำเนิดของแนวโรแมนติก หลักสำคัญของเขาคือการยืนยันบุคลิกภาพของแต่ละบุคคลตลอดจนความคิดของมนุษย์ว่าเป็นคุณค่าพื้นฐานในงานศิลปะทั้งหมด มีความสนใจเป็นพิเศษในโลกภายในของมนุษย์ แนวโน้มในการวาดภาพรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 นำโดยแนวโรแมนติก ยิ่งไปกว่านั้น ในตอนแรกมันมีตัวละครที่กล้าหาญและต่อมาก็กลายเป็นแนวโรแมนติกที่น่าเศร้า

เมื่อพูดถึงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย นักวิจัยแบ่งออกเป็นสองในสี่ แต่ไม่ว่าจะมีการแบ่งแยกอย่างไร ก็แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำหนดเส้นเวลาระหว่างสไตล์ทั้งสามในทัศนศิลป์ ทิศทางของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ลัทธิคลาสสิกแนวโรแมนติกและความสมจริง) ในช่วงครึ่งปีแรกมีความเกี่ยวพันกันมากจนสามารถแยกแยะได้ตามเงื่อนไขเท่านั้น

พูดได้อย่างปลอดภัยว่าในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 การวาดภาพครอบครองพื้นที่ในชีวิตของสังคมมากกว่าในศตวรรษที่ 18 มาก ต้องขอบคุณชัยชนะในสงครามปี 1812 การตระหนักรู้ในตนเองของรัสเซียได้รับแรงผลักดันอย่างมากในการพัฒนา ซึ่งเป็นผลมาจากการที่ผู้คนสนใจในวัฒนธรรมของตนเองเพิ่มขึ้นอย่างมาก นับเป็นครั้งแรกที่องค์กรต่างๆ ถือกำเนิดขึ้นในสังคมโดยคำนึงถึงภารกิจหลักในการพัฒนางานศิลปะภายในประเทศ นิตยสารฉบับแรกปรากฏขึ้นซึ่งพูดคุยเกี่ยวกับภาพวาดของคนรุ่นราวคราวเดียวกันตลอดจนความพยายามครั้งแรกในการจัดนิทรรศการผลงานของศิลปิน

การถ่ายภาพบุคคลประสบความสำเร็จอย่างโดดเด่นในช่วงเวลานี้ ประเภทนี้รวมศิลปินและสังคมเข้าด้วยกันอย่างใกล้ชิดที่สุด นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าจำนวนคำสั่งซื้อที่ใหญ่ที่สุดในขณะนั้นอยู่ในประเภทแนวตั้ง จิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่นคนหนึ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือ Vladimir Borovikovsky ศิลปินชื่อดังอย่าง A. Orlovsky, V. Tropinin และ O. Kiprensky ก็เป็นที่น่าสังเกตเช่นกัน

ในช่วงต้นศตวรรษที่ภาพวาดทิวทัศน์ของรัสเซียก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน ในบรรดาศิลปินที่ทำงานในประเภทนี้ Fyodor Alekseev ควรได้รับการเน้นเป็นอันดับแรก เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์เมืองและเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งประเภทนี้ในการวาดภาพรัสเซีย จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียงคนอื่น ๆ ในยุคดังกล่าว ได้แก่ Shchedrin และ Aivazovsky

ศิลปินที่ดีที่สุดของรัสเซียในช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 ถือเป็น Bryullov, Fedotov และ A. Ivanov แต่ละคนมีส่วนช่วยพิเศษในการพัฒนาภาพวาด

Karl Bryullov ไม่เพียงแต่ค่อนข้างสดใสเท่านั้น แต่ยังเป็นจิตรกรที่มีการโต้เถียงกันมากอีกด้วย และแม้ว่าทิศทางหลักในการวาดภาพรัสเซียในช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 จะเป็นแนวโรแมนติก แต่ศิลปินก็ยังคงซื่อสัตย์ต่อหลักการของลัทธิคลาสสิกบางข้อ บางทีนี่อาจเป็นสาเหตุที่ทำให้งานของเขามีมูลค่าสูงมาก

Alexander Ivanov ไม่เพียงแต่ช่วยเพิ่มคุณค่าให้กับภาพวาดของรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาดของยุโรปในศตวรรษที่ 19 ด้วยความลึกของความคิดเชิงปรัชญา เขามีศักยภาพในการสร้างสรรค์ที่กว้างขวางมากและไม่เพียงแต่เป็นผู้ริเริ่มประเภทประวัติศาสตร์และการวาดภาพทิวทัศน์เท่านั้น แต่ยังเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ไม่มีศิลปินคนใดในรุ่นของเขาที่รู้วิธีรับรู้โลกรอบตัวเช่นเดียวกับ Ivanov และไม่มีเทคนิคที่หลากหลายเช่นนี้

ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาการวาดภาพเหมือนจริงในรัสเซียเกี่ยวข้องกับชื่อของ Pavel Fedotov ศิลปินคนนี้เป็นคนแรกที่นำเสนอแนวเพลงประจำวันที่มีการแสดงออกเชิงวิพากษ์วิจารณ์ เนื่องจากเขามีพรสวรรค์ในการเสียดสี ตัวละครในภาพวาดของเขามักเป็นชาวเมือง เช่น พ่อค้า เจ้าหน้าที่ คนยากจน และอื่นๆ

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

ในช่วงปลายทศวรรษที่ห้าสิบของศตวรรษที่ 19 บทใหม่เริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์การวาดภาพเหมือนจริงในรัสเซีย ความพ่ายแพ้ของพระเจ้าซาร์รัสเซียในสงครามไครเมียส่งผลกระทบทั่วโลกต่อเหตุการณ์เหล่านี้ นี่เป็นสาเหตุของการผงาดประชาธิปไตยและการปฏิรูปชาวนา ในปี พ.ศ. 2406 ศิลปินสิบสี่คนได้กบฏต่อความต้องการในการวาดภาพตามธีมที่กำหนด และต้องการสร้างสรรค์ผลงานตามดุลยพินิจของตนเองแต่เพียงผู้เดียว จึงสร้างงานศิลปะที่นำโดย Kramskoy หากความสมจริงในรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 พยายามที่จะเปิดเผยความสวยงามในตัวบุคคลโดยเฉพาะและถูกเรียกว่าเป็นบทกวีดังนั้นสิ่งที่เข้ามาแทนที่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษก็ถูกเรียกว่าวิกฤต แต่หลักการทางกวีไม่ได้ละทิ้งการเคลื่อนไหวนี้ ตอนนี้มันแสดงออกมาในความรู้สึกขุ่นเคืองของผู้สร้างซึ่งเขาทุ่มเทให้กับงานของเขา ทิศทางหลักในการวาดภาพรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คือความสมจริงซึ่งดำเนินไปตามเส้นทางแห่งการวิจารณ์และการบอกเลิก โดยพื้นฐานแล้ว มันคือการต่อสู้เพื่อการยอมรับแนวเพลงในชีวิตประจำวันที่จะสะท้อนถึงสภาวะธรรมชาติของกิจการในรัสเซีย

ในอายุเจ็ดสิบ ทิศทางของการวาดภาพเปลี่ยนไปบ้าง ศิลปินในวัยหกสิบเศษในผลงานของพวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงความเชื่อในการกำเนิดของความดีส่วนรวมหลังจากการหายตัวไปของทาส และอายุเจ็ดสิบที่เข้ามาแทนที่พวกเขาก็ผิดหวังกับความโชคร้ายของชาวนาที่ติดตามการปฏิรูปและพู่กันของพวกเขามุ่งเป้าไปที่อนาคตใหม่ที่กำลังจะมาถึง หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของภาพวาดประเภทนี้คือ Myasoedov และภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาซึ่งสะท้อนความเป็นจริงทั้งหมดในเวลานั้นถูกเรียกว่า "The Zemstvo กำลังรับประทานอาหารกลางวัน"

ทศวรรษที่แปดสิบเปลี่ยนความสนใจของศิลปะจากบุคคลที่ใส่ใจประชาชนมาสู่ตัวประชาชนเอง นี่คือยุครุ่งเรืองของความคิดสร้างสรรค์ของ I. Repin จุดแข็งทั้งหมดของศิลปินคนนี้อยู่ที่ความเที่ยงธรรมของผลงานของเขา ภาพทุกภาพในภาพวาดของเขาดูน่าเชื่อถืออย่างยิ่ง ภาพวาดของเขาจำนวนหนึ่งอุทิศให้กับรูปแบบการปฏิวัติ ด้วยงานศิลปะของเขา Repin พยายามตอบคำถามทั้งหมดที่เขาและผู้คนที่เหลือกังวลซึ่งเกิดขึ้นในชีวิตประจำวันในยุคนั้น ในขณะเดียวกัน ศิลปินคนอื่นๆ ต่างก็ค้นหาคำตอบเดียวกันในอดีต นี่คือลักษณะเฉพาะและความแข็งแกร่งของงานศิลปะของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินที่มีชื่อเสียงอีกคนในยุคนี้คือ Vasnetsov งานของเขามีพื้นฐานมาจากศิลปะพื้นบ้าน ผ่านผืนผ้าใบของเขา Vasnetsov พยายามถ่ายทอดความคิดเกี่ยวกับพลังอันยิ่งใหญ่ของชาวรัสเซียและความยิ่งใหญ่ที่กล้าหาญของพวกเขา พื้นฐานของผลงานของเขาคือตำนานและประเพณี ในการสร้างสรรค์ของเขา ศิลปินไม่เพียงแต่ใช้องค์ประกอบของสไตล์เท่านั้น แต่ยังจัดการเพื่อให้ได้ความสมบูรณ์ของภาพอีกด้วย ตามกฎแล้ว Vasnetsov วาดภาพภูมิทัศน์ของรัสเซียตอนกลางเป็นพื้นหลังในผืนผ้าใบของเขา

ในยุค 90 แนวคิดเรื่องชีวิตสร้างสรรค์เปลี่ยนไปอีกครั้ง ปัจจุบันสะพานที่สร้างขึ้นระหว่างภาพวาดและสังคมถูกเรียกร้องให้ทำลายอย่างไร้ความปราณี มีการก่อตั้งสมาคมศิลปินที่เรียกว่า "โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งส่งเสริมความบริสุทธิ์ของงานศิลปะนั่นคือการแยกตัวออกจากชีวิตประจำวัน คุณลักษณะของตัวละครที่สร้างสรรค์ของศิลปินที่เป็นส่วนหนึ่งของสมาคมนี้คือขอบเขตความใกล้ชิดที่จำกัด กิจกรรมของพิพิธภัณฑ์กำลังเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขัน ภารกิจหลักคือการกระตุ้นความสนใจในอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรม ดังนั้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินจำนวนมากขึ้นจึงมุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดประวัติศาสตร์ในอดีตของรัสเซียบนผืนผ้าใบของพวกเขา สมาชิกของสมาคม World of Art มีบทบาทพิเศษในการพัฒนาศิลปะภาพประกอบหนังสือตลอดจนความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละครและการตกแต่ง Somov ถือเป็นหนึ่งในศิลปินที่ดีที่สุดในขบวนการนี้ เขาไม่เคยพรรณนาถึงชีวิตสมัยใหม่ในผลงานของเขา ทางเลือกสุดท้าย เขาสามารถถ่ายทอดมันผ่านหน้ากากประวัติศาสตร์ หลังจาก "โลกแห่งศิลปะ" สมาคมอื่นๆ ก็เริ่มก่อตัวขึ้น พวกเขาถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินที่มีมุมมองที่แตกต่างกันเกี่ยวกับการวาดภาพ

ปรมาจารย์ที่วิพากษ์วิจารณ์ผลงานของผู้สร้างจากสหภาพที่อธิบายไว้ข้างต้นได้สร้างสมาคม Blue Rose (ตรงข้ามกับมัน) พวกเขาเรียกร้องให้คืนสีสันสดใสให้กับการวาดภาพและกล่าวว่าศิลปะควรสื่อถึงความรู้สึกภายในของศิลปินเพียงด้านเดียวเท่านั้น คนที่มีความสามารถมากที่สุดในบรรดาบุคคลเหล่านี้คือ Sapunov

ในการต่อต้านบลูโรส ในไม่ช้าพันธมิตรอีกรายก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งเรียกว่าแจ็คแห่งเพชร มันโดดเด่นด้วยความหมายต่อต้านบทกวีที่ตรงไปตรงมา แต่ผู้สนับสนุนของเขาไม่ต้องการกลับไปสู่ความเป็นจริง พวกเขาทำให้พวกเขาต้องถูกบิดเบือนและสลายไปทุกรูปแบบ (ในแบบของพวกเขาเอง) ด้วยเหตุนี้ ต้องขอบคุณพันธมิตรที่ทำสงครามกัน ลัทธิสมัยใหม่ของรัสเซียจึงถือกำเนิดขึ้น

เทรนด์สมัยใหม่

เวลาผ่านไป ทุกสิ่งที่ก่อนหน้านี้ถือว่าทันสมัยกลายเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ และศิลปะก็ไม่มีข้อยกเว้น ปัจจุบัน คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ใช้ได้กับทุกสิ่งที่สร้างสรรค์โดยบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ นับตั้งแต่ปี ค.ศ. 1970 ทิศทางใหม่ในการวาดภาพได้รับการพัฒนาในสองขั้นตอน ประการแรกคือลัทธิสมัยใหม่ ประการที่สองคือลัทธิหลังสมัยใหม่ ปีที่เจ็ดสิบของศตวรรษที่ยี่สิบถือเป็นจุดเปลี่ยนในงานศิลปะทุกประเภท นับตั้งแต่ปีนี้ การเคลื่อนไหวทางศิลปะได้ท้าทายการจำแนกประเภทอย่างแท้จริง สิ่งเดียวที่สามารถพูดได้อย่างแน่นอนคือการวางแนวทางสังคมของศิลปะในช่วงสามสิบปีที่ผ่านมามีการแสดงออกอย่างเข้มข้นมากกว่าในยุคที่ผ่านมาทั้งหมด ในขณะเดียวกันการวาดภาพก็หยุดเป็นผู้นำในงานศิลปะสมัยใหม่ ปัจจุบัน ศิลปินจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ หันไปหาการถ่ายภาพและเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ เพื่อบรรลุแผนงานและแนวคิดของตน

แม้จะมีแนวโน้มการวาดภาพที่หลากหลาย แต่ก็อาจกล่าวได้ว่างานหลักของชีวิตศิลปะในศตวรรษที่ 19 คือการนำงานศิลปะทุกประเภทเข้ามาใกล้ชีวิตประจำวันมากที่สุด และประสบความสำเร็จผ่านการอุทธรณ์ของปรมาจารย์แห่งพู่กัน - และไม่เพียง แต่ - ต่อปัญหาสมัยใหม่ของมนุษยชาติและโลกภายในของศิลปินเอง แนวโน้มทั้งหมดในการวาดภาพในครั้งนี้ช่วยให้คุณสัมผัสถึงจิตวิญญาณแห่งยุคนั้นและได้แนวคิดว่าผู้คนในยุคนั้นใช้ชีวิตและรู้สึกอย่างไร

เราดำเนินการต่อในส่วน “ งานเย็บปักถักร้อย" และส่วนย่อย " " ของบทความ ที่ที่เราเสนอคำจำกัดความของสไตล์สมัยใหม่ที่เป็นที่รู้จักและไม่รู้จักหลายแบบให้คุณทราบและยังแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุด

ส่วนหนึ่งจำเป็นต้องใช้สไตล์ศิลปะภาพ เพื่อให้คุณสามารถค้นหาสไตล์ที่คุณวาด (หรืองานฝีมือโดยทั่วไป) หรือสไตล์ใดที่เหมาะกับคุณที่สุดสำหรับการวาดภาพ

เราจะเริ่มต้นด้วยสไตล์ที่เรียกว่า "ความสมจริง" ความสมจริงเป็นตำแหน่งทางสุนทรีย์ตามงานศิลปะที่จะจับภาพความเป็นจริงอย่างถูกต้องและเป็นกลางที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ สัจนิยมมีหลายรูปแบบ - สัจนิยมเชิงวิพากษ์, สัจนิยมสังคมนิยม, ไฮเปอร์เรียลลิสม์, ลัทธิธรรมชาตินิยม และอื่นๆ อีกมากมาย ในความหมายที่กว้างขึ้น ความสมจริงคือความสามารถของศิลปะในการพรรณนาถึงบุคคลและโลกรอบตัวเขาอย่างตรงไปตรงมาและไม่เคลือบสีด้วยภาพที่เหมือนมีชีวิตและเป็นที่จดจำได้ โดยไม่ต้องลอกเลียนแบบธรรมชาติอย่างเฉื่อยชาและไม่แยแส แต่เลือกสิ่งสำคัญในนั้นและพยายาม เพื่อถ่ายทอดคุณสมบัติสำคัญของวัตถุและปรากฏการณ์ในรูปแบบที่มองเห็นได้

ตัวอย่าง: V. G. Khudyakov ผู้ลักลอบขนของ (คลิกเพื่อดูภาพขยาย):

ตอนนี้เรามาดูสไตล์ที่เรียกว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์" กันดีกว่า อิมเพรสชันนิสม์(ความประทับใจแบบฝรั่งเศส จากความประทับใจ - ความประทับใจ) - สไตล์ที่ศิลปินพยายามจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นกลางมากที่สุดด้วยความคล่องตัวและความแปรปรวน เพื่อถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นเพียงชั่วครู่ อิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้ก่อให้เกิดปัญหาทางปรัชญาและไม่ได้พยายามที่จะเจาะลึกใต้พื้นผิวสีของชีวิตประจำวันด้วยซ้ำ ในทางกลับกัน อิมเพรสชันนิสม์มุ่งเน้นไปที่ความผิวเผิน ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ แสงสว่าง หรือมุมของมุมมอง

ตัวอย่าง: J. William Turner (คลิกเพื่อดูภาพขยาย):

ต่อไปในรายการ เรามีสไตล์ที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าที่เรียกว่า "โฟวิสม์" มากกว่าอิมเพรสชันนิสม์และความสมจริง ลัทธิโฟนิยม(จากภาษาฝรั่งเศส fauve - wild) - ชื่อนี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากภาพวาดทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงพลังและความหลงใหลและนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศส Louis Vaucelle เรียกจิตรกรว่าสัตว์ป่า (French les fauves) นี่คือปฏิกิริยาของผู้ร่วมสมัยต่อความสูงส่งของสีที่ทำให้พวกเขาประหลาดใจนั่นคือการแสดงออกของสีที่ "ดุร้าย" ด้วยเหตุนี้ ข้อความที่ไม่ได้ตั้งใจจึงกลายเป็นชื่อของการเคลื่อนไหวทั้งหมด Fauvism ในการวาดภาพนั้นโดดเด่นด้วยสีที่สดใสและรูปแบบที่เรียบง่าย

ถัดมาเป็นสไตล์โมเดิร์น ทันสมัย- (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ - สมัยใหม่), อาร์ตนูโว (อาร์ตนูโวฝรั่งเศส, สว่าง. "ศิลปะใหม่"), อาร์ตนูโว (Jugendstil ของเยอรมัน - "สไตล์หนุ่ม") - ทิศทางศิลปะในงานศิลปะโดยพื้นฐานคือการปฏิเสธ เส้นตรงและมุมที่เป็นธรรมชาติมากกว่า เส้นที่ "เป็นธรรมชาติ" และมีความสนใจในเทคโนโลยีใหม่ๆ อาร์ตนูโวพยายามผสมผสานหน้าที่ทางศิลปะและประโยชน์ใช้สอยของผลงานที่สร้างขึ้น และเพื่อรวมกิจกรรมของมนุษย์ทุกด้านไว้ในขอบเขตแห่งความงาม

ตัวอย่างของสถาปัตยกรรมแบบอาร์ตนูโวอยู่ในบทความ “ บ้านมหัศจรรย์ของเกาดี้". ตัวอย่างภาพวาดในสไตล์อาร์ตนูโว: A. Mucha "Sunset" (คลิกเพื่อดูภาพขยาย):

ถ้าอย่างนั้นเรามาเดินหน้าต่อไป การแสดงออก(จากภาษาละติน expressio, "การแสดงออก") - การแสดงออกของลักษณะทางอารมณ์ของภาพ (โดยปกติจะเป็นบุคคลหรือกลุ่มคน) หรือสถานะทางอารมณ์ของศิลปินเอง ในการแสดงออกแนวคิดเรื่องผลกระทบทางอารมณ์ความรู้สึกถูกต่อต้านโดยธรรมชาติและสุนทรียภาพ เน้นความเป็นอัตวิสัยของการสร้างสรรค์

ตัวอย่าง: Van Gogh, “Starry Night over the Rhone”:

การเคลื่อนไหวต่อไปที่เราจะพูดถึงคือลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม(ลูกบาศก์ฝรั่งเศส) - ทิศทางในทัศนศิลป์ที่โดดเด่นด้วยการใช้รูปแบบธรรมดาที่มีรูปทรงเรขาคณิตเน้นย้ำความปรารถนาที่จะ "แยก" วัตถุจริงออกเป็นสามมิติดั้งเดิม

ถัดมาคือสไตล์ที่เรียกว่า “อนาคตนิยม” ชื่อสไตล์ ลัทธิแห่งอนาคตมาจากภาษาละติน futurum - อนาคต. ชื่อนี้สื่อถึงลัทธิแห่งอนาคตและการเลือกปฏิบัติจากอดีตควบคู่ไปกับปัจจุบัน นักอนาคตนิยมอุทิศภาพวาดของตนให้กับรถไฟ รถยนต์ เครื่องบิน - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือให้ความสนใจกับความสำเร็จชั่วขณะของอารยธรรมที่มึนเมากับความก้าวหน้าทางเทคนิค ลัทธิฟิวเจอร์ริสต์เริ่มต้นจากลัทธิโฟวิสม์ โดยยืมแนวคิดเรื่องสีจากลัทธินี้ และจากลัทธิคิวบิสม์ซึ่งนำรูปแบบทางศิลปะมาใช้

และตอนนี้เราก้าวไปสู่สไตล์ที่เรียกว่า "นามธรรมนิยม" ลัทธินามธรรม(ละติน abstractio - การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) - ทิศทางของศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในการวาดภาพและประติมากรรม เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" การสร้างการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่างเพื่อกระตุ้นให้เกิดการเชื่อมโยงต่างๆ ในตัวผู้ดู

ตัวอย่าง: V. Kandinsky:

ถัดไปในรายการของเราคือขบวนการ "Dadaism" ลัทธิดาดานิยมหรือดาดา - ชื่อของการเคลื่อนไหวมาจากหลายแหล่ง: ในภาษาของชนเผ่านิโกรครูมันหมายถึงหางของวัวศักดิ์สิทธิ์ในบางพื้นที่ของอิตาลีนี่คือสิ่งที่พวกเขาเรียกว่าแม่มันสามารถเป็นชื่อสำหรับ ม้าไม้สำหรับเด็ก, พยาบาล, คำสั่งคู่ในภาษารัสเซียและโรมาเนีย นอกจากนี้ยังอาจเป็นการทำซ้ำของการพูดพล่ามของทารกที่ไม่ต่อเนื่องกัน ไม่ว่าในกรณีใด Dadaism ก็เป็นสิ่งที่ไร้ความหมายโดยสิ้นเชิงซึ่งต่อจากนี้ไปจะกลายเป็นชื่อที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดสำหรับการเคลื่อนไหวทั้งหมด

และตอนนี้เราก้าวไปสู่ลัทธิสุพรีมาติสม์ ลัทธิสุพรีมาติสต์(จากภาษาละติน supremus - สูงสุด) - แสดงด้วยการรวมกันของระนาบหลายสีของรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด (ในรูปทรงเรขาคณิตของเส้นตรง, สี่เหลี่ยม, วงกลมและสี่เหลี่ยมผืนผ้า) การรวมกันของรูปทรงเรขาคณิตที่มีหลายสีและขนาดแตกต่างกันทำให้เกิดองค์ประกอบซูพรีมาติสต์ที่ไม่สมมาตรที่สมดุลซึ่งแทรกซึมไปด้วยการเคลื่อนไหวภายใน

ตัวอย่าง: คาซิเมียร์ มาเลวิช:

การเคลื่อนไหวต่อไปที่เราจะพิจารณาโดยย่อคือการเคลื่อนไหวที่มีชื่อแปลก ๆ ว่า "การวาดภาพเลื่อนลอย" จิตรกรรมเลื่อนลอย (อิตาลี: Pittura metafisica) - ในที่นี้คำอุปมาอุปไมยและความฝันกลายเป็นพื้นฐานสำหรับความคิดที่นอกเหนือไปจากตรรกะธรรมดาๆ และความตัดกันระหว่างวัตถุที่ถ่ายทอดออกมาอย่างแม่นยำสมจริงและบรรยากาศแปลกๆ ที่ถูกวางไว้ ช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์เหนือจริง

ตัวอย่างคือจอร์โจ โมรันดี ยังมีชีวิตอยู่กับนางแบบ:

และตอนนี้เราก้าวไปสู่การเคลื่อนไหวที่น่าสนใจมากที่เรียกว่า "สถิตยศาสตร์" สถิตยศาสตร์ (French surréalism - super-realism) มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างความฝันและความเป็นจริง เป้าหมายหลักของลัทธิเหนือจริงคือการยกระดับจิตวิญญาณและการแยกวิญญาณออกจากวัตถุ หนึ่งในตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของสถิตยศาสตร์ในการวาดภาพคือ Salvador Dali

ตัวอย่าง: ซัลวาดอร์ ดาลี:

ต่อไปเราจะไปยังการเคลื่อนไหวเช่นการวาดภาพที่ใช้งานอยู่ การวาดภาพที่ใช้งานอยู่ (การวาดภาพโดยสัญชาตญาณ tachisme จาก French Tachisme จาก Tache - spot) เป็นการเคลื่อนไหวที่แสดงถึงการวาดภาพที่มีจุดที่ไม่ได้สร้างภาพแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ แต่แสดงถึงกิจกรรมที่หมดสติของศิลปิน ลายเส้น เส้น และจุดในทาชิสเมะถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบด้วยการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของมือโดยไม่ต้องมีการวางแผนล่วงหน้า

สไตล์สุดท้ายสำหรับวันนี้คือศิลปะป๊อป ศิลปะป๊อป (ป๊อปอาร์ตภาษาอังกฤษย่อมาจากศิลปะยอดนิยมนิรุกติศาสตร์ยังเกี่ยวข้องกับป๊อปอังกฤษ - การตบมืออย่างฉับพลัน) ก่อให้เกิดงานศิลปะที่ใช้องค์ประกอบของ "วัฒนธรรมพื้นบ้าน" นั่นคือ ภาพที่ยืมมาจากวัฒนธรรมสมัยนิยมถูกจัดวางในบริบทที่แตกต่างกัน (เช่น ขนาดและการเปลี่ยนแปลงของวัสดุ มีการเปิดเผยเทคนิคหรือวิธีการทางเทคนิค มีการเปิดเผยการแทรกแซงข้อมูล และอื่นๆ)

ตัวอย่าง: Richard Hamilton “อะไรทำให้บ้านของเราในปัจจุบันแตกต่างและน่าดึงดูดใจมาก”:

ดังนั้นเทรนด์ล่าสุดสำหรับวันนี้คือความเรียบง่าย ศิลปะแนวมินิมอล (English Minimal art) หรือลัทธิมินิมอล (English Minimalism) ศิลปะเอบีซี (English ABC Art) คือการเคลื่อนไหวที่รวมเอารูปทรงเรขาคณิต ปราศจากสัญลักษณ์และอุปมาอุปไมย การซ้ำซ้อน พื้นผิวที่เป็นกลาง วัสดุอุตสาหกรรม และวิธีการการผลิต

ดังนั้นจึงมีรูปแบบศิลปะจำนวนมากซึ่งมีจุดประสงค์ของตัวเอง