แกลลอรี่ออสเตรีย Belvedere
หอศิลป์ออสเตรีย Belvedere (Österreichische Galerie Belvedere)
Austrian Belvedere เป็นสถาปัตยกรรมและสวนสาธารณะ พระราชวัง Upper and Lower Belvedere สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18 ตามคำสั่งของเจ้าชายแห่งซาวอย วันนี้ หอศิลป์แห่งชาติออสเตรีย (Österreichische Galerie Belvedere) ตั้งอยู่ที่นี่ ซึ่งมีศิลปินและประติมากรที่มีชื่อเสียงของออสเตรียเป็นตัวแทนอยู่
สถาปนิก Johann Lucas von Hildebrandt ซึ่งได้รับมอบหมายจากเจ้าชาย ได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง นั่นคือ Viennese Belvedere ปราสาทที่ไม่ธรรมดาแห่งนี้ประกอบด้วยวังสวนสองแห่ง คือ Belvedere ตอนล่างและตอนบน สร้างขึ้นในปี 1714-1716 และ 1721-1722 ในเวลานั้นพระราชวังที่อยู่อาศัยนอกกำแพงเมืองมีมูลค่าสูง แต่ไม่มีใครสามารถเปรียบเทียบได้กับ Belvedere ของ Prince Eugene ซึ่งเป็นผู้บัญชาการสูงสุดของกองทัพจักรวรรดิ ผู้ว่าการเนเธอร์แลนด์ของสเปนและเจ้าชายแห่งราชวงศ์ ดยุกแห่งซาวอย มียศเป็นจักรพรรดิที่สองในกรุงเวียนนา
เบลเวเดียร์ตอนล่างที่ค่อนข้างเจียมเนื้อเจียมตัวทำหน้าที่เป็นที่พักฤดูร้อนของเจ้าชาย ในขณะที่อัปเปอร์เบลเวเดียร์ที่มั่งคั่งกว่านั้นตั้งใจที่จะเก็บสะสมงานศิลปะของเขาและเป็นสถานที่สำหรับการเฉลิมฉลองในราชสำนัก คอมเพล็กซ์ของปราสาทเป็นตัวอย่างที่งดงามของการจัดตกแต่งภายในแบบบาโรก ซึ่งมีสถาปัตยกรรมที่จารึกไว้ในองค์ประกอบของสวน ระเบียง ทางลาด ตรอกซอกซอยอันงดงาม น้ำพุ และสระน้ำ
ในปี พ.ศ. 2446 เปิด "หอศิลป์สมัยใหม่" ที่โรงส้มเบลเวเดียร์ตอนล่าง ในไม่ช้าชื่อของพิพิธภัณฑ์ก็เปลี่ยนเป็น "หอศิลป์แห่งรัฐของจักรวรรดิออสเตรีย" และหลังจากการล่มสลายของราชาธิปไตยในปี 2461 เป็น "หอศิลป์แห่งออสเตรีย"
ในปีพ.ศ. 2466 พิพิธภัณฑ์บาโรกได้เปิดขึ้นที่เบลเวเดียร์ตอนล่าง และอีกหนึ่งปีต่อมา "หอศิลป์ศตวรรษที่สิบเก้า" ได้ปรากฏขึ้นในเบลเวเดียร์ตอนบน
หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 พิพิธภัณฑ์ศิลปะยุคกลางตั้งอยู่ในเรือนกระจกตอนล่างของเบลเวเดียร์ พิพิธภัณฑ์บาโรกยังคงอยู่ในเบลเวเดียร์ตอนล่าง ในขณะที่คอลเล็กชันของศตวรรษที่ 19 และ 20 ยังคงอยู่ในอัปเปอร์เบลเวเดียร์
คอลเล็กชั่นของ Belvedere ครอบคลุมตั้งแต่ยุคกลางจนถึงปัจจุบัน และมีเพียงส่วนเล็กๆ เท่านั้นที่สามารถจัดแสดงถาวรได้ เนื่องจากพื้นที่จัดแสดงนิทรรศการถึงแม้จะมีขนาดเท่าพระราชวังก็ตาม
แกลเลอรีซึ่งจัดแสดงผลงานของปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมแห่งศตวรรษที่ 9 และ 20 คือ French Impressionists ตั้งอยู่ที่ Upper Belvedere วังถูกสร้างขึ้นสำหรับงานเลี้ยงรับรอง ภายใน: บันไดหน้า; Terren Hall อันสง่างามซึ่งทำหน้าที่เป็นโถงทางเข้า ห้องโถงหินอ่อนทาสีด้วยจิตรกรรมฝาผนังโดย Carlone และตกแต่งด้วยปูนปั้น โคมไฟเพดานโดยปรมาจารย์ Giacomo del Po สามารถใช้เป็นตัวอย่างของความหรูหราแบบบาโรกด้านหน้า ที่นี่คุณสามารถเห็นผลงานของตัวแทนทั่วไปของการแสดงออกทางศิลปะออสเตรียต้น Oskar Kokoschka, Egon Schiele รวมถึงผู้เชี่ยวชาญและศิลปินร่วมสมัยแห่งยุค Biedermeier (G. Waldmüller, R. von Alt, Georg Waldmüller, F. von Amerling เป็นต้น ).
แต่ทรัพย์สินหลักของแกลเลอรี่คือผืนผ้าใบของ Gustav Klimt Upper Belvedere นำเสนอคอลเล็กชั่นผลงานที่สำคัญของเขา ได้แก่ "The Kiss" - ผลงานชิ้นเอกที่โด่งดังที่สุดของศิลปิน "โกลเด้นอะเดล"; "อาดัมและเอวา". ภาพวาด "แสงแดด" ที่ยืนยันชีวิตของ Klimt ถือเป็นศูนย์รวมของสไตล์ "เวียนนาอาร์ตนูโว" - การแยกตัว คอลเลคชันนี้ยังมีผลงานมากมายของปรมาจารย์ชาวเยอรมันและอิตาลี ตลอดจนผลงานของศิลปินชาวดัตช์และออสเตรีย
ในปี ค.ศ. 1903 หอศิลป์ Belvedere แห่งออสเตรีย หรือ "Modern Gallery" ของออสเตรียได้ยืนกรานโดยศิลปินร่วมสมัยชาวเวียนนาจึงได้เปิดขึ้นในโรงส้ม Belvedere ตอนล่าง นี่คือคอลเล็กชั่นงานบาโรกและการจัดแสดงศิลปะยุคกลาง (จัดแสดงในเรือนกระจก) มีการจัดแสดงนิทรรศการเฉพาะเรื่องชั่วคราวที่นี่ ห้องโถงด้านล่างของพระราชวังตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังโดย Martino Altomonte ในชั้นล่างของ Belvedere การตกแต่งภายในและเฟอร์นิเจอร์โบราณได้รับการเก็บรักษาไว้อย่างสมบูรณ์
1. เอกอน ชิเอเล่ จูบ.
2. ออกุสต์ โรดิน อนุสาวรีย์ Victor Hugo 2452. ดินเผา
3. บัลธาซาร์ เพอร์โมเซอร์ ชัยชนะของเจ้าชายยูจีน 1718-1721
4. Marble Hall ใน Belvedere ตอนล่าง
6. มุมมองทั่วไปของ Belvedere แกะสลักโดย I.A. Korviny ตามภาพวาดโดย Solomon Kleiner 1740
7. เจ้าชายยูจีนแห่งซาวอย 1716
8.จอร์จ ดอนเนอร์ ดาวศุกร์ในโรงหลอมวัลแคน 1735
9. Marble Hall ใน Upper Belvedere 
10. กุสตาฟ คลิมท์ 
11. อาจารย์ที่ไม่รู้จัก ตก. 1521 
12. กุสตาฟ คลิมต์ 
13.
14. Marble Hall ใน Upper Belvedere 
15. ฟรานซ์ ซาเวียร์ เมสเซอร์ชมิดท์ ชั่วร้ายเป็นนรก 1770 
16. ประติมากรที่ไม่รู้จัก มาดอนน่าและลูก. 1360 
17. โถงทางเข้าใน Upper Belvedere 
18. บันไดหน้าใน Upper Belvedere 
19. ประติมากรที่ไม่รู้จัก นางฟ้าคุกเข่า. 1380 
20. อันเดรียส อูร์เธอิล หุ่นยืนชูแขน (Fear) 2501 บรอนซ์ 
21. เฟอร์นันด์ คนอพฟ์ นางไม้ 2439. ยิปซั่ม 
22. โยฮันน์ เกออร์ก ดอร์ฟไมสเตอร์ อพอลโลและมิเนอร์วา 1761 
23. ออกุสต์ โรดิน กุสตาฟ มาห์เลอร์. 2452. บรอนซ์ 
24. ฟรานซ์ ซาเวียร์ เมสเซอร์ชมิดท์ มาเรีย เทเรเซีย. 1765 
25. อาบน้ำ. ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ 
Belvedere Palace Complex และเวียนนาเป็นแนวคิดที่แยกกันไม่ออกมานานแล้ว หากพระราชวังเวียนนาสองแห่งแรก - ฮอฟบูร์กและเชินบรุนน์ - เป็นของผู้ปกครองฮับส์บูร์กทั้งคู่ Belvedere ก็เป็น "สวรรค์เจียมเนื้อเจียมตัว" ของเจ้าชายแห่งซาวอย - ผู้บัญชาการที่ยิ่งใหญ่ของจักรวรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์ซึ่งออสเตรียเป็นส่วนหนึ่ง ศตวรรษที่ 17 ร่วมกับเยอรมนีและสาธารณรัฐเช็ก
เยี่ยมชมทำไม:หนึ่งในพระราชวังหลักของเวียนนาซึ่งนอกจากความหรูหราภายนอกแล้วยังอุดมไปด้วยความงามภายในอีกด้วย - มีการจัดแสดงผลงานที่มีชื่อเสียงของศิลปินชาวออสเตรียที่นี่
ชั่วโมงทำงาน: Belvedere ตอนบนเปิดทุกวันตั้งแต่ 9:00 น. ถึง 18:00 น. ส่วน Belvedere ด้านล่างเปิดตั้งแต่ 10:00 น. ถึง 18:00 น. วันศุกร์ในวังทั้งสองแห่งเป็นวันที่ขยาย - อาคารทุกหลังของคอมเพล็กซ์เปิดจนถึง 21:00 น.
ราคาเท่าไหร่:ตั๋วรวมเพื่อดูคอมเพล็กซ์ทั้งหมดราคา 25 € เด็กและวัยรุ่นอายุต่ำกว่า 19 ปีเข้าฟรี!
อยู่ไหน:พิกัด GPS: 48.19259, 16.3807 // ที่อยู่ของคอมเพล็กซ์: Prinz Eugen-Straße 27, 1030 Wien (แผนที่และรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับวิธีการไปที่นั่นในบทความด้านล่าง)
พระราชวัง Belvedere ในกรุงเวียนนา - รีวิวพร้อมรูปถ่ายประวัติศาสตร์
พระราชวัง Belvedere เป็นที่ประทับฤดูร้อนของเจ้าชายแห่งซาวอย ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้องว่าเป็นไข่มุกอันล้ำค่าของออสเตรีย เป็นตัวอย่างที่แท้จริงของบาโรกและมรดกทางสถาปัตยกรรมของประเทศ
ในปี พ.ศ. 2498 ได้มีการลงนามปฏิญญาอิสรภาพของประเทศในอพาร์ตเมนต์ของเขา ปัจจุบัน พระราชวังเป็นที่ตั้งของหอศิลป์แห่งชาติ ซึ่งจัดแสดงผลงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่
Belvedere แปลว่า "วิวสวย" ทัศนียภาพจากพระราชวังไปจนถึงมหาวิหารเซนต์สตีเฟนและเวียนนาด้านล่างสวยงามมาก
พระราชวัง Belvedere ในกรุงเวียนนาตั้งอยู่บนเนินเขาและรวมถึง Belvedere ตอนล่างและตอนบน วังล่างสร้างขึ้นในปี 1716 โดยเจ้าชายยูจีนแห่งซาวอย ตั้งอยู่ในสวนดอกไม้ขนาดใหญ่ที่ตกแต่งด้วยเตียงดอกไม้และน้ำพุ
อีกหนึ่งปีต่อมา เจ้าชายทรงตัดสินใจสร้างวังอีกแห่งซึ่งมีไว้สำหรับใช้ในพิธีการ พี่น้องสองคนจึงปรากฏตัวขึ้น ซึ่งรวมกันเป็นวังทั้งหลังด้วยอาคารที่งดงามตระการตาและสวนอันตระการตา
วังทั้งสองแห่งเปิดให้เข้าชมได้แล้ววันนี้ ให้เราพิจารณารายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับโครงร่างของคอมเพล็กซ์และพระราชวังแต่ละแห่งแยกกัน
แบบแผนของคอมเพล็กซ์ Belvedere
ด้านล่างเป็นแผนผังของอาคารพระราชวังเบลเวเดียร์ในกรุงเวียนนา
แสดงให้เห็นว่าประกอบด้วยอาคารสามหลังและพื้นที่สวนสาธารณะขนาดใหญ่
เบลเวเดียร์ 21
อาคารที่มีลักษณะเป็นลูกบาศก์แก้วขนาดใหญ่เป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย Belvedere 21 ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1958 เท่านั้น จึงไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับอาคารวังในศตวรรษที่ 18 เป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการและการประชุมตัวแทนศิลปะร่วมสมัยในประเทศออสเตรีย
พระราชวัง Belvedere ตอนล่างในเวียนนา
ใน Belvedere ตอนล่าง ห้องโถงและห้องต่างๆ ที่ Eugene of Savoy อาศัยอยู่นั้นเปิดให้ประชาชนทั่วไปเข้าชม การตกแต่งของสถานที่ดูหรูหราอย่างเรียบง่าย ผู้เข้าชมสามารถชมคอลเลคชันของประติมากรรมและภาพวาดที่ประดับประดาห้องอาหารและห้องนอนของเจ้าชาย หอศึกษาทองคำ และโถงกระจก
การตกแต่งห้องทั้งหมดได้รับการอนุรักษ์ไว้เกือบในรูปแบบเดิม
Upper Belvedere ในเวียนนา
Upper Belvedere ดูหรูหรากว่าน้องชายมาก ประกอบด้วยคอลเล็กชั่นศิลปะแห่งศตวรรษที่ XIX-XX มีภาพวาดของ Renoir, Van Gogh, Monet และจิตรกรชาวออสเตรีย Gustav Klimt รวมถึง Kiss ที่มีชื่อเสียงของเขา
ผลงานชิ้นเอกของศิลปินและประติมากรรมที่สวยงามที่ตั้งอยู่ในห้องโถงของพระราชวังสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับ Belvedere ในกรุงเวียนนา
แกลเลอรีเวียนนาที่มีชื่อเสียงตั้งอยู่ในอาคาร Upper Belvedere
Gallery Belvedere Vienna
คอลเลคชันงานศิลปะของแกลเลอรีมีผลงานหลายพันชิ้น ซึ่งแสดงถึงประวัติศาสตร์ศิลปะแปดร้อยปี ในคอลเล็กชั่นปี 2018 ที่จัดโครงสร้างใหม่ พิพิธภัณฑ์ได้นำเสนอศิลปะออสเตรียตั้งแต่ยุคกลางจนถึงปัจจุบันจากมุมมองใหม่
ผลงานของจิตรกรและศิลปิน เช่น Rüland Fruauf the Elder, Franz Xaver Messerschmidt, Ferdinand Georg Veldmüller, Gustav Klimt, Erika Giovanna Klin, Egon Schiele, Helena Funke หรือ Oskar Kokoschka ผสมผสานกันในบทสนทนาที่หลากหลาย
แผนผังห้องโถงของ Upper Belvedere
ห้องโถงของชั้นหนึ่งเน้นประวัติศาสตร์ของ Belvedere ว่าเป็นวัตถุทางสถาปัตยกรรมและพิพิธภัณฑ์ ด้วยเหตุนี้ ความขัดแย้งจึงถูกสร้างขึ้นระหว่างการอ้างอิงถึงประวัติศาสตร์และความทันสมัย ซึ่งทำให้คุณสามารถดูสิ่งที่ดูเหมือนจะเป็นที่รู้จักมาเป็นเวลานานได้อย่างสดใหม่ คำอธิบายภาพโดยละเอียดใต้ภาพวาดและข้อความที่มีความหมายในห้องโถงช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับพิพิธภัณฑ์
คลิกที่ไดอะแกรมเพื่อดูรายละเอียดเพิ่มเติม (เปิดในหน้าต่างใหม่)
การนำเสนอภาพวาดถูกจัดระเบียบตามลำดับยุคสมัย และถูกขัดจังหวะด้วยห้องธีมนวัตกรรมที่อุทิศให้กับประเด็นประวัติศาสตร์ อัตลักษณ์ และศิลปะของออสเตรีย
ทัศนศึกษาที่เวียนนา Belvedere
วิธีที่ดีที่สุดในการทำความรู้จักเวียนนาคือการเดินเล่นให้ข้อมูลกับคนในท้องถิ่นซึ่งสามารถบอกสิ่งที่น่าสนใจมากมายเกี่ยวกับเมืองที่ซ่อนตัวจากสถานที่ท่องเที่ยวทั่วไป นี่เป็นสิ่งสำคัญโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อทำความคุ้นเคยกับศิลปะเวียนนาที่ประณีต ในรัสเซียมีการจัดทัศนศึกษาต่อไปนี้ใน Belvedere กับนักประวัติศาสตร์ศิลป์มืออาชีพ:
- — กรุ๊ปทัวร์ 20 ยูโรต่อคน;
- — ทัวร์รายบุคคล 250 ยูโรสำหรับกลุ่มไม่เกิน 4 คน
ตามกฎแล้ว ค่าทัวร์ไม่รวมค่าเข้าชมพิพิธภัณฑ์ ตั๋วเข้าชมพระราชวังต้องซื้อแยกต่างหาก
ราคาสำหรับการเยี่ยมชม
- 25 € - ค่าเข้าชม Upper and Lower Belvedere รวมถึงพิพิธภัณฑ์สมัยใหม่ Belvedere 21
- 22 € - คอลเล็กชั่นผลงานโดย Gustav Klimt;
- 15 € - เยี่ยมชม Upper Belvedere;
- 13 € - ค่าใช้จ่ายในการเยี่ยมชม Lower Belvedere;
- 8€ - พิพิธภัณฑ์ Belvedere 21.
สะดวกในการเยี่ยมชมแต่ละวังแยกกันโดยเลือกสิ่งที่คุณต้องการ ในเวลาเดียวกันตั๋วทั่วไปสำหรับการเยี่ยมชมศูนย์ Belvedere ทั้งหมดจะทำกำไรได้มากกว่า
Belvedere Vienna บนแผนที่
บนแผนที่สถานที่ท่องเที่ยวในเวียนนา ฉันทำเครื่องหมายวังเบลเวเดียร์ที่ซับซ้อนด้วยเครื่องหมายสีแดงเข้มที่มีไอคอนพระราชวังอยู่ทางตะวันออกของเมืองหลวง
เพื่อความสะดวกในการดูแผนที่ สามารถย่อหรือขยายได้หากจำเป็น นอกจากนี้ เมื่อคุณคลิกที่แท็ก ข้อมูลโดยละเอียดเกี่ยวกับสถานที่ที่น่าสนใจแต่ละแห่งในกรุงเวียนนาจะปรากฏขึ้น
การเดินทางไปยัง ปราสาท Belvedere
บนรถรางหมายเลข 71 - ป้ายหยุด อุนเตเรส เบลเวเดเรที่ Lower Belvedere หรือรถราง D ไปยังป้าย Schloss Belvedere– ทางเข้าโดยตรงไปยัง Upper Belvedere และสำนักงานขายตั๋ว โดยสามารถโดยสารรถราง D และยังสามารถเข้าถึงหมายเลข 18 และ O ได้ Quartier Belvedere- อยู่ตรงข้ามทางแยกจากทางเข้าสู่ Belvedere Park จากที่นี่ คุณจะเห็นด้านหน้าอาคารหลักของ Upper Palace
ไม่มีสถานีรถไฟใต้ดินอยู่ติดกับอาคารวังโดยตรง ดังนั้นให้เดินจากพวกเขาประมาณ 10-15 นาทีหรือเดินทางด้วยรถราง สามารถนั่งรถไฟฟ้าสายสีแดงมาลงที่สถานี ฮอพท์บานโฮฟ. จากที่นี่ คุณจะต้องเดินต่อไปอีกสามช่วงตึก หรือขับรถหนึ่งป้ายบนรถรางหมายเลข 18
พระราชวังและพิพิธภัณฑ์ Belvedere ในกรุงเวียนนาเป็นมรดกทางวัฒนธรรมของออสเตรีย ไม่เพียงแค่สถาปัตยกรรมภายนอกที่ "ปัก" ด้วยลอนผมแบบบาโรกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการตกแต่งภายในของวังที่ซับซ้อนอีกด้วย สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือคอลเล็กชั่นภาพวาดอันประเมินค่ามิได้ในหอศิลป์เบลเวเดียร์
พระราชวังสุดหรู เบลเวเดียร์ เวียนนาเรียกว่า Versailles ของออสเตรียอย่างถูกต้อง - สถาปัตยกรรมของอาคารนั้นอุดมสมบูรณ์และสวนสาธารณะโดยรอบงานนั้นสง่างามมาก หลายศตวรรษก่อน ปราสาทถูกสร้างขึ้นเป็นที่พำนักของเจ้าชายยูจีนแห่งซาวอย สองสามศตวรรษต่อมา ในห้องโถงของพระราชวังที่มีการลงนามพิธีสารเวียนนาที่เป็นเวรเป็นกรรม และต่อมาอีกเล็กน้อยคือปฏิญญาอิสรภาพของออสเตรีย ปัจจุบัน คฤหาสน์แห่งนี้เป็นที่ตั้งของหอศิลป์แห่งชาติ ซึ่งนักท่องเที่ยวทุกคนสามารถชื่นชมผลงานที่ดีที่สุดของอิมเพรสชันนิสต์และนักแสดงออกทางศิลปะชาวออสเตรียที่มีชื่อเสียง
ประวัติของเบลเวเดียร์
ชื่อของวังที่ซับซ้อนซึ่งตั้งอยู่บนเนินเขา แปลจากภาษาออสเตรียว่า "วิวสวย" แท้จริงแล้วภูมิทัศน์อันงดงามนี้กลายเป็นเหตุผลหนึ่งว่าทำไมในปี 1716 พื้นที่นี้จึงได้รับเลือกให้สร้างที่พำนักของผู้บัญชาการ Eugene of Savoy
เสด็จกลับมาหลังจากสงครามอันโหดร้ายกับพวกเติร์ก เจ้าชายปรารถนาที่จะมีปราสาทหรูหราสำหรับวันหยุดฤดูร้อน และสร้างโดยสถาปนิกชื่อดัง Johann Lucas von Hildebrandt พระราชวังเบลเวเดียร์ตอบสนองความคาดหวังของแม่ทัพผู้ยิ่งใหญ่ได้อย่างเต็มที่
อย่างไรก็ตาม ต่อมาปรากฏว่าเจ้าชายต้องการอาคารอีกหลังที่สามารถรองรับลูกบอล งานเลี้ยงรับรองอย่างเป็นทางการ และผู้ชมได้ ดังนั้นการก่อสร้างปราสาทแห่งที่สองจึงเริ่มต้นขึ้นด้วยการตกแต่งภายในที่อุดมสมบูรณ์อย่างไม่น่าเชื่อ ห้องโถงที่โอ่อ่า ภาพเฟรสโกและประติมากรรมจำนวนมาก
หลังจากการเสียชีวิตของ Eugene เจ้าของที่พักก็เปลี่ยนไปหลายครั้ง: อาคารต่างๆ อยู่ในความครอบครองของราชวงศ์และทรัพย์สินของเทศบาล วันนี้ พระราชวังเบลเวเดียร์คอมเพล็กซ์- ที่ตั้งของหอศิลป์ที่ใหญ่ที่สุดและเป็นหนึ่งในสถานที่ท่องเที่ยวที่มีชื่อเสียงที่สุดของออสเตรีย
แกลลอรี่ Belvedere
ปัจจุบัน Belvedere ที่สุขุมรอบคอบภายนอกมีสถานะของพิพิธภัณฑ์ภาพวาดและประติมากรรมของจักรวรรดิออสเตรียในศตวรรษที่ 17-18 เครื่องเรือนดั้งเดิมของปราสาทได้รับการอนุรักษ์ด้วยปูนปั้นนูน จิตรกรรมฝาผนัง รูปปั้น และภาพเขียนฝาผนังที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อย่าลืมดู:
- ห้องโถงหินอ่อนและกระจก
- ห้องโถงพิลึก;
- ห้องนอนและห้องทำงานของเจ้าชาย
Upper Belvedereใน เวียนนาวันนี้เป็นสถานที่แสวงบุญที่แท้จริงสำหรับผู้ชื่นชอบงานของ Gustav Klimt, Van Gogh, Renoir และจิตรกรคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ XIX-XX ค่าใช้จ่ายของงานที่นำเสนอในปราสาทอยู่ที่ประมาณหลายพันล้านยูโร แม้ว่าภายในห้องโถงแบบโบราณจะไม่ได้รับการอนุรักษ์ แต่ด้านหน้าอาคารที่สง่างามซึ่งตกแต่งด้วยประติมากรรมขนาดใหญ่นั้นน่าประทับใจจริงๆ
เพื่อให้การเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์สะดวกสบายยิ่งขึ้นสำหรับนักท่องเที่ยว พระราชวังแต่ละแห่งจึงมีตู้เสื้อผ้า คาเฟ่ และร้านขายของที่ระลึก
ความสง่างามไม่น้อยไปกว่าคอกม้าด้านหน้าของปราสาท ประตูปลอมแปลงที่ตกแต่งด้วยรูปปั้น และสวนสามชั้นขนาดใหญ่ที่มีสระว่ายน้ำและน้ำตก
วิธีการเดินทาง
ดังนั้น วิธีเดินทางไปเบลเวเดียร์คุณสามารถนั่งรถไฟใต้ดินหรือรถราง ไปเยี่ยมชมสถานที่ท่องเที่ยวได้อย่างง่ายดายด้วยตัวคุณเอง สถานีรถไฟใต้ดินที่ใกล้ที่สุดคือ Taubstummengasse ซึ่งท่านสามารถเข้าถึง Upper Palace ได้อย่างรวดเร็ว อย่างไรก็ตาม หากคุณกำลังวางแผนเส้นทางท่องเที่ยวที่กว้างขวาง คุณควรเริ่มต้นด้วยการเที่ยวชม Lower Belvedere คุณสามารถมาที่นี่โดยรถรางด้วยเส้นทางต่อไปนี้:
- 71 (หยุด Unteres Belvedere);
- D (หยุด Schloss Belvedere)
หลังจากเยี่ยมชมที่ประทับเดิมของเจ้าชายแล้ว คุณสามารถเดินเล่นในสวนสาธารณะที่หรูหรา ชื่นชมภาพวาดใน Upper Belvedere จากนั้นไปที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่หรือสถานที่ท่องเที่ยวอื่น ๆ ที่ตั้งอยู่ในใจกลางเมือง
หากคุณไม่รู้ว่า Belvedere อยู่ที่ไหนในเวียนนาและจะไปปราสาทได้อย่างไร คุณสามารถเรียกแท็กซี่ได้ ที่อยู่อย่างเป็นทางการของวังที่ซับซ้อนคือเวียนนา Prinz Eugen Str. 27.
ตั๋วและเวลาทำการ
ราคาตั๋วแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับวัตถุที่คุณวางแผนจะเข้าชม
- ตั๋วเที่ยวเดียวไปยัง Upper Belvedere ราคา 14 ยูโร (11.5 - ในราคาลด)
- การเยี่ยมชม Lower Belvedere ครั้งเดียวและเรือนกระจกราคา 11 ยูโร (8.5 - ลดราคา)
- ตั๋วเต็มจำนวนที่ให้คุณเยี่ยมชมปราสาททั้งสองหลัง เรือนกระจก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ และพระราชวังฤดูหนาว ราคา 31 ยูโร (26.5 ยูโร - ราคาลดลง)
คุณสามารถใช้ตั๋วได้มากกว่าหนึ่งครั้ง - มีอายุ 30 วันนับจากการเข้าชมครั้งแรก
ส่วนลดตั๋วมีให้สำหรับนักเรียนและผู้สูงอายุ (อายุมากกว่า 65 ปี) พร้อมเอกสารประกอบ ผู้เข้าชมที่มีอายุต่ำกว่า 18 ปีสามารถเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ได้ฟรี
ประตูพระราชวังเปิดให้เข้าชมทุกวัน เวลา 10.00 - 18.00 น. และวันพุธ พิพิธภัณฑ์เปิดจนถึง 21.00 น. คุณสามารถเดินไปรอบ ๆ สวนสาธารณะได้ฟรีในช่วงเวลากลางวัน
Gallery Belvedere (เวียนนา, ออสเตรีย) - การเปิดรับ, เวลาเปิดทำการ, ที่อยู่, หมายเลขโทรศัพท์, เว็บไซต์อย่างเป็นทางการ
- ทัวร์ปีใหม่ไปออสเตรีย
- ทัวร์สุดฮอตไปออสเตรีย
ภาพก่อนหน้า รูปภาพถัดไป
พระราชวัง Belvedere ในกรุงเวียนนามีความน่าสนใจในตัวเอง แต่ผู้รักศิลปะก็ถูกดึงดูดด้วยคอลเล็กชั่นภาพวาดและประติมากรรมที่ยอดเยี่ยม แกลเลอรีชื่อเดียวกันเปิดขึ้นในปี 1903 เมื่อสมาคมศิลปะการแยกตัวเชิญชาวเวียนนาให้ทำความคุ้นเคยกับผลงานของศิลปินชาวออสเตรียและต่างประเทศที่ปฏิเสธภาพวาดคลาสสิก ผู้จัดงานได้บริจาคสิ่งของจัดแสดงส่วนใหญ่ให้กับพิพิธภัณฑ์แห่งใหม่ รวมทั้งภาพวาดของแวนโก๊ะ "The Plain at Auvers" ในขณะนั้นยังไม่มีใครจินตนาการถึงคุณค่าในอนาคตของพวกเขา
"แก่นแท้" ของแกลเลอรีคือ 24 ภาพวาดโดย Gustav Klimt จัดแสดงใน Upper Palace ซึ่ง "The Kiss" เป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปินกับ Emilia Flege แฟนสาวของเขา การสร้างสรรค์อื่น ๆ ของเขาใน "ยุคทอง" ก็สวยงามเช่นกัน: "Judith", "Adam and Eve", "Fritz Riedler" อันเป็นผลมาจากการชดใช้ค่าเสียหายหลังสงคราม ภาพวาด 10 ภาพ รวมทั้ง Adele ที่มีชื่อเสียง ถูกส่งกลับไปยังทายาทของเจ้าของคนก่อน แต่สิ่งที่ยังคงน่าประหลาดใจและน่ายินดี
สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือภาพวาดของ Egon Schiele "Family" และ "Hug" วัฏจักรเชิงเปรียบเทียบของ "The Five Senses" ของ Hans Makart ในรูปแบบวิชาการดูเหมือนต่างประเทศท่ามกลางผืนผ้าใบสมัยใหม่ แต่เป็นผู้ที่ถือว่าเป็นผู้บุกเบิกของ Gustav Klimt ห้องโถงหินอ่อนของพระราชวังตอนล่างตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังโดย Martino Altomonte ในเรื่องที่เป็นตำนาน จัดแสดงวัตถุของศิลปะยุคกลางและผลงานในสไตล์บาร็อค นิทรรศการเฉพาะเรื่องและนิทรรศการชั่วคราวจัดในพื้นที่ฟรี
ข้อมูลที่เป็นประโยชน์
ที่อยู่: Vienna, Prinz-Eugen-Strasse 27. เว็บไซต์ (ภาษาอังกฤษ)
วิธีการเดินทาง: โดยรถรางหมายเลข 71 ไปยังป้าย Unteres Belvedere หรือ No. D, 2 ถึงป้าย ชวาร์เซนเบิร์กพลัทซ์
เวลาเปิด-ปิด : ทุกวัน 10.00 - 18.00 น. ราคาตั๋วสำหรับผู้ใหญ่ - 22 ยูโร สำหรับผู้รับบำนาญและนักเรียน - 19 ยูโร เข้าชมฟรีสำหรับวัยรุ่นที่มีอายุต่ำกว่า 18 ปี ราคาในหน้าเป็นราคาสำหรับเดือนพฤศจิกายน 2018
กุสตาฟ คลิมท์. สวนของชาวนาด้วยดอกไม้ (Garden of the brewery of the city of Litzlberg on the Attersee). ราวปีค.ศ. 1906
ศิลปะครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20
เฟอร์ดินานด์ ฮอดเลอร์ (1853–1918) ความตื่นเต้น. 1900
ศิลปินชาวสวิส Ferdinand Hodler เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของสัญลักษณ์ แม้กระทั่งในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะหนึ่งในตัวแทนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดด้านสุนทรียศาสตร์แห่งยุคอาร์ตนูโว สไตล์ของ Hodler เป็นที่จดจำ: เขาสร้างผลงานที่มีความเรียบง่ายที่ยิ่งใหญ่ ความคลุมเครือในการตกแต่ง ซึ่งหนึ่งในบทบาทหลักที่เล่นโดยธรรมชาติเชิงสัญลักษณ์ของสีและองค์ประกอบ
ให้ความสนใจกับลักษณะเชิงพื้นที่และสีของภาพ ฮอดเลอร์ชอบวาดภาพบุคคลที่อยู่โดดเดี่ยวราวกับอยู่นอกเวลาและสถานที่ วีรบุรุษของเขาไม่ใช่ภาพเหมือน แต่เป็นประเภท พวกเขามีค่าไม่ใช่ในตัวเอง แต่เป็นลักษณะของรัฐหรืออาชีพบางอย่าง ความธรรมดาของพื้นที่และการใช้สีพิเศษอธิบายได้จากความสนใจอย่างลึกซึ้งของศิลปินในภาพวาดทางศาสนาในยุคกลาง ช่วงเวลาที่จับภาพนั้นง่ายมากและขัดต่อการตีความ ในขณะที่มีเสน่ห์ดึงดูดที่น่าทึ่งและความกำกวมเล็กน้อย มีบทบาทสำคัญในความรู้สึกที่มีนัยสำคัญนี้โดยความยิ่งใหญ่ของร่างที่ปรากฎ
Franz von Match (1861–1942) ฮิลดาและ Franz Match 1901
จิตรกรและประติมากรชาวออสเตรีย Franz von Match เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของ Viennese Jugendstil Jugendstil เป็นหนึ่งในชื่อ Art Nouveau โดยทั่วไป ซึ่งเป็นแนวโน้มทางศิลปะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ซึ่งมีลักษณะเด่นหลายประการ ลักษณะทั่วไปคือการแก้ไขกฎทางวิชาการที่แห้งแล้งของการวาดภาพ ความสนใจในการแสดงออกหรือแนวคิดทางศิลปะบางอย่าง (ประวัติศาสตร์นิยม ตะวันออก) การทดลองกับองค์ประกอบ คุณค่าโดยธรรมชาติของการตีความเชิงสัญลักษณ์หรือเชิงประดับของหัวข้อ Franz von Match ได้ลองใช้แนวเพลงและเทคนิคต่างๆ มากมาย เขาเป็นผู้เขียนหลุมฝังศพและน้ำพุ ออกแบบเครื่องแต่งกายสำหรับนักแสดง และร่วมกับกุสตาฟ คลิมท์ ออกแบบและดำเนินการจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่สำหรับมหาวิทยาลัยเวียนนา หนึ่งในสถานที่ท่องเที่ยวของเวียนนาคือนาฬิกา Anker-Ur อันโด่งดังที่เขาสร้างขึ้น
ภาพนี้เป็นภาพกลุ่มศิลปินวาดภาพลูกสาวตัวน้อยของเขา อิทธิพลของสัญลักษณ์นั้นชัดเจนเป็นพิเศษซึ่งสมัครพรรคพวกซึ่งให้ความสนใจอย่างมากกับสี ผู้เขียนทำให้ชุดและผมของลูกสาวคนหนึ่งเป็นสีเงินเป็นสีขาว เปล่งประกายด้วยความแวววาวเหนือโลก แสงในภาพเป็นแบบมีเงื่อนไข ตัวเลขและวัตถุไม่ได้ให้แสงสว่างตามธรรมชาติ โดยมีเงา แต่สม่ำเสมอ ดูเหมือนว่าพ่อที่รักไม่ได้หมายมั่นที่จะจับเด็กเท่านั้น แต่เพื่อสร้างโลกทั้งใบให้กับพวกเขา ห่างไกลจากความวิตกกังวลในสมัยของเรา ให้ความสนใจกับการใช้เทคนิคที่ชื่นชอบของศิลปินผู้สร้างสรรค์นวัตกรรมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20: ร่างทางด้านซ้ายถูกตัดออกตามขอบเช่นเดียวกับร่างของม้าของเล่นซึ่งหมายถึงการปฏิเสธ กฎเกณฑ์ทั่วไปของภาพ ความตั้งใจที่จะคว้าช่วงเวลาหนึ่งจากกระแสแห่งชีวิต อย่างไรก็ตาม ในขณะที่สาวๆ มองตรงไปยังผู้ชม เห็นได้ชัดว่าพวกเขากำลังโพสท่าโดยเจตนา การผสมผสานระหว่างเจตนาและโดยบังเอิญเป็นลักษณะของภาพวาดในยุคนั้น
โคลด โมเนต์ (ค.ศ. 1840-1926) เส้นทางในสวนของ Monet ที่ Giverny 1902
เป้าหมายหลักของอิมเพรสชันนิสต์คือการวาดภาพธรรมชาติ "ตามที่เป็นอยู่" และไม่ใช่ "อย่างที่ควรจะเป็น" ตามหลักวิชาการ นั่นคือเหตุผลที่ความประทับใจในทันที การโต้ตอบของคลื่นแสงและสี และสภาวะที่ไม่คงที่ของอากาศจึงมีบทบาทสำคัญในงานของพวกเขา
ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นสวนที่มีชื่อเสียงของโกลด โมเนต์ ช่วงเวลาของชีวิตสร้างสรรค์ของอาจารย์อายุ 43 ปีมีความเกี่ยวข้องกับมัน - ทิวทัศน์เกือบทั้งหมดถูกทาสีที่นี่ ตรอกสีเขียวหนาแน่นพุ่มไม้เขียวชอุ่มและดอกไม้เติมผ้าใบด้วยจุดที่มีสีสันมากมายทุกอย่างผสานเข้ากับการเคลื่อนไหวของอากาศที่อบอุ่นดูเหมือนว่าจะมีชีวิตขึ้นมาในความฝันในเทพนิยาย
ทีนา บลู (ค.ศ. 1845–1916) Cryo ใน Prater 1902
Tina Blau เป็นหนึ่งในศิลปินชาวออสเตรียที่มีความสามารถและโด่งดังที่สุดในศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 นอกจากปรมาจารย์อย่าง Karl Moll, Jakob Schindler และ Marie Egner แล้ว เธอถือว่าเป็นตัวแทนของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ Blau มีชื่อเสียงในด้านงานภูมิทัศน์ของเธอ เช่นเดียวกับภาพนิ่งและภาพเหมือนของจิตรกรชาวเวียนนาที่เธอสร้างขึ้นเมื่อสิ้นสุดอาชีพการงาน
ภูมิทัศน์ของศิลปินมีความโดดเด่นในเรื่องการใช้สีที่จำกัด พวกเขามีองค์ประกอบที่มั่นคงมาก เกือบจะเป็นแนวนีโอคลาสสิก Blau ผสมผสานความสนใจในการตีความแบบอิมเพรสชั่นนิสม์ของอากาศโดยรอบ การสร้างแบบจำลองแสงและเงาด้วยโครงสร้างที่ชัดเจนและเกือบจะเคร่งครัดในเชิงเรขาคณิตสำหรับการสร้างมุมมองแนวนอน จำเป็นต้องสังเกตคุณสมบัติหลักของลักษณะของผู้เขียน - ธรรมชาติของภาพวาดของศิลปินนั้นมีพื้นผิวเรียบมากซึ่งแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสม์แบบฝรั่งเศสคลาสสิกซึ่งอาจารย์ชอบทาสีหนามากเป็นสีซีด Blau อุทิศชีวิตทั้งชีวิตให้กับการวาดภาพทิวทัศน์ เธอพัฒนาหลักสูตรการศึกษาพิเศษสำหรับนักเรียนและประสบความสำเร็จในการสอนเป็นเวลาหลายปี ศิลปินใช้เวลาสิบปีในการเดินทางอย่างสร้างสรรค์ในอิตาลี เยี่ยมชมเมืองต่างๆ ในยุโรปหลายแห่ง หลังจากนั้นเธอได้สร้างผืนผ้าใบจำนวนมาก
ภาพวาดทั้งชุดซึ่งนำความสำเร็จมาสู่สาธารณะของ Blau ได้อุทิศให้กับ Prater ซึ่งเป็นสวนสาธารณะในเมืองที่มีชื่อเสียงที่สุดในเวียนนา ศิลปินอาศัยอยู่ใกล้เขามาเป็นเวลานาน ผืนผ้าใบนี้แสดงภาพของฮิปโปโดรม Krio ออสเตรียตัวแรก งานนี้เหมือนกับผลงานทั้งหมดของ Blau ที่โดดเด่นด้วยการลงสีแบบจำกัด เทคนิคการวาดภาพที่ยอดเยี่ยม อารมณ์แบบโคลงสั้น ๆ ซึ่งสร้างขึ้นจากจังหวะที่แม่นยำแบบอิมเพรสชันนิสม์
Richard Gerstl (1883–1908) น้องเฟย์. ค.ศ.1905
ผู้เยี่ยมชม Belvedere Gallery มีโอกาสพิเศษในการทำความคุ้นเคยกับผลงานของ Richard Gerstl ศิลปินชาวออสเตรียซึ่งผลงานพัฒนาขึ้นภายใต้สัญลักษณ์ของการแสดงออก ชะตากรรมที่น่าเศร้าของเขาสมควรได้รับความสนใจ เมื่อเขาได้พบกับครอบครัวของนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ Arnold Schoenberg และเหตุการณ์นี้เปลี่ยนชีวิตของจิตรกร เขาถูกควบคุมโดย Matilda Schoenberg ภรรยาของเกจิแม้จะใช้เวลากับเธอในฤดูร้อนปี 1908 แต่ความรักไม่นานนักผู้หญิงคนนั้นก็กลับไปหาสามีของเธอในไม่ช้า Gerstl ตะลึงงันกับการเลิกรา ขังตัวเองอยู่ในสตูดิโอ เผาจดหมายรักบางส่วน อาจจะเป็นภาพเขียนบางส่วน และฆ่าตัวตาย เขาอายุเพียง 25 ปี ญาติเก็บภาพเขียนที่เหลือ 66 ภาพและนำไปเก็บไว้ในโกดังของร้านพี่ชายของศิลปิน เพียงยี่สิบปีต่อมา ในช่วงต้นทศวรรษ 1930 เขาได้แสดงภาพวาดแก่พ่อค้างานศิลปะ เขาตกใจกับพลังการแสดงออกและความสามารถของนักเขียนที่ไม่รู้จัก
อย่างไรก็ตามชะตากรรมไม่เอื้ออำนวยต่อ Gerstl แม้กระทั่งหลังความตาย ไม่นานหลังจากเปิดนิทรรศการครั้งแรก ออสเตรียก็ถูกผนวกเข้ากับนาซีเยอรมนี ผลงานของจิตรกรถูกแบนด้วยป้ายกำกับ "degenerate art" หลังจากการล้มล้างระบอบฟาสซิสต์ภาพวาดของอาจารย์ที่ถูกลืมอย่างไม่สมควรคนนี้ก็เริ่มกลับมาสู่สาธารณะ
Gerstl เป็นจิตรกรภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยม หลักฐานจากผืนผ้าใบนี้ เขาสร้างภาพพี่น้องสตรีที่ดึงดูดใจผู้ชมด้วยความไม่มั่นคง ความอ่อนแอ และมุมมองพิเศษที่ไร้เดียงสาของโลก ผู้หญิงดูมั่นใจด้วยรอยยิ้ม ศิลปินวาดภาพได้อย่างอิสระมาก โดยเลือกพื้นหลังระนาบสีน้ำตาลที่มีเงื่อนไข การประชุมได้รับการปรับปรุงโดยลักษณะการวาดภาพแบบเด็ก ๆ โดยเจตนาและแสงสะท้อนพู่กันที่ดูเหมือนสุ่ม
ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841–1919) หญิงสาวผมบลอนด์ ค.ศ. 1904–1906
"ภาพเปลือย" เป็นวัฏจักรภาพวาดของเรอนัวร์ ผลงานในช่วงท้ายของความคิดสร้างสรรค์นี้แสดงให้เห็นถึงคุณสมบัติหลักของการวาดภาพของศิลปินอย่างชาญฉลาด: ประติมากรรมและโครงสร้างที่แข็งแกร่งของตัวเลขความรักในการผสมผสานสีที่ซับซ้อนหล่อในความฉลาดที่น่าเบื่อและลึกลับ ภาพเหมือนเต็มไปด้วยราคะความสนใจทั้งหมดของอาจารย์มุ่งไปที่เยาวชนความสง่างามของหญิงสาวจิตรกรมีความสุขอย่างแท้จริงในทางกายภาพของนางแบบ ในทศวรรษที่ผ่านมา Renoir ได้รับความทุกข์ทรมานจากโรคข้ออักเสบ โรคนี้ทำให้งานของเขายากมาก ศิลปินถูกตรึงในบั้นปลายชีวิต
คาร์ล มอล (1861–1945) ป่าเบิร์ช
Karl Moll วาดภาพที่เต็มไปด้วยสัญลักษณ์เสียงลึกลับ ลักษณะเด่นของงานของอาจารย์คือเขาสร้างโลกลึกลับบนผืนผ้าใบของเขา ไม่ใช่ด้วยความช่วยเหลือของสัญญาณ สัญลักษณ์เปรียบเทียบ หรือโครงเรื่องทางวรรณกรรม แต่ด้วยวิธีพิเศษในการแสดงเศษเสี้ยวของธรรมชาติ
ภูมิทัศน์นี้เขียนแบบมีเงื่อนไข (ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับศิลปิน) หญ้าสีเขียวที่มีแสงสีทองท้องฟ้าสีเงินสีทองดึงดูดความสนใจด้วยความแปลกประหลาด ศิลปะของ Moll เกี่ยวข้องโดยตรงกับแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของ Gustav Klimt ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งทำให้ความคลุมเครือตามเงื่อนไขของโทนสีของภาพวาดลึกซึ้งยิ่งขึ้น นอกจากนี้ วิธีการใช้สีและวิสัยทัศน์พิเศษของธรรมชาติพูดถึงอิทธิพลอย่างมากต่องานของ Vincent van Gogh (Moll รักและส่งเสริมงานศิลปะของเขาในออสเตรียอย่างแข็งขัน) เป็นที่น่าสังเกตว่าจิตรกรทำงานกับพื้นผิวอย่างไร: เขาปั้นต้นเบิร์ชด้วยสีดำและขาวทำให้หยาบซึ่งสร้างความแตกต่างอย่างมีประสิทธิภาพกับความธรรมดาของภูมิทัศน์ทั้งหมด ผืนผ้าใบซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะแห่งสัญลักษณ์โดยทั่วไปคือภาพเหมือนของธรรมชาติและผู้แต่งเอง ภาพทิวทัศน์ดังกล่าวเป็นแนวต่อเนื่องของแนวโน้มที่ปรากฏในหมู่ชาวโรแมนติกในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ในศตวรรษที่ XX ใหม่ ประเพณีนี้ได้รับการเสริมแต่งด้วยโซลูชันสีและการจัดองค์ประกอบแบบใหม่ ศิลปินหยุดติดตามธรรมชาติอย่างสุ่มสี่สุ่มห้า และจัดปรากฏการณ์ทางธรรมชาติในลักษณะเชิงเปรียบเทียบเชิงสัญลักษณ์
เอ็ดวาร์ด มุนช์ (1863–1944) สวนสาธารณะในKösen พ.ศ. 2449
ชาวนอร์เวย์ Edvard Munch เป็นศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีชื่อเสียงในด้านการวาดภาพกราฟิกเขาทำงานให้กับโรงละครสร้างผลงานทางทฤษฎีเกี่ยวกับงานศิลปะ รูปแบบของ Munch เกิดขึ้นโดยตรงภายใต้อิทธิพลของโรงเรียนจิตรกรรมแห่งปารีส โดยเฉพาะปรมาจารย์อย่าง Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh Munch ได้พัฒนาวิธีกว้างๆ ในการลงสีเฉพาะจุด ซึ่งบ่อยครั้งเช่นเดียวกับในงานนี้ ที่ผสมโดยตรงบนผืนผ้าใบมากกว่าบนจานสี อาจารย์ชอบหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับปรัชญาสัญลักษณ์ เขาได้พัฒนาคำอุปมาเชิงศิลปะสำหรับความเหงา การสูญพันธุ์ และความตาย
ในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ศิลปินได้รับความทุกข์ทรมานจากความตึงเครียดทางประสาท เพื่อน ๆ ของเขาจึงเชิญเขาไปพักผ่อนในเมือง Bad Kösen อันเงียบสงบของเยอรมนี ที่นั่นเขาอยู่กับดร. แม็กซ์ ลินเด้ ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะ ภาพวาดแสดงให้เห็นสวนสาธารณะของเขาซึ่งมีการติดตั้งรูปปั้นที่มีชื่อเสียง "นักคิด" ซึ่งสร้างโดย Rodin เอง Munch แสดงภาพเธอที่นี่ที่มุมขวาบน และต่อมาแยกกัน ภูมิทัศน์โดดเด่นด้วยจานสีที่มีชีวิตชีวาและสดใหม่ผู้เขียนราวกับกำลังเล่นใช้สีอย่างอิสระ
บรอนเซีย โคลเลอร์-ปิเนล (1863–1934) ทำความสะอาดขนมปัง. พ.ศ. 2451
Bronzia Koller-Pinel เป็นศิลปินชาวออสเตรียผู้มีความสามารถในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งได้รับอิทธิพลจากเทรนด์หลักทั้งหมดของอาร์ตนูโว สไตล์ของเธอพัฒนาจากอิมเพรสชันนิสม์ในช่วงเริ่มต้นอาชีพการงาน Jugendstil เป็น Expressionism และ "New Objectivity" ในช่วงหลายปีสุดท้ายของชีวิต Coller-Pinel ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากปรมาจารย์หลังยุคอิมเพรสชันนิสม์ชาวฝรั่งเศส เช่น Vincent van Gogh และ Paul Gauguin ร่องรอยของ neo-primitivism นั้นชัดเจน: ผลงานของเธอโดดเด่นด้วยการมองโลกรอบตัวพวกเขาโดยตรง
ในปีพ. ศ. 2445 ศิลปินตกอยู่ในแวดวงของกุสตาฟคลิมท์และเจ้านายของการแยกตัวออกจากกรุงเวียนนา บ้านของเธอได้รับการตกแต่งโดยดาราแห่งการแยกตัวเช่น Josef Hofmann และ Koloman Moser ในนั้น Koller-Pinel จัดงานตอนเย็นฆราวาสซึ่งมีนักปรัชญานักดนตรีนักวาดภาพเข้าร่วม Egon Schiele ที่มีชื่อเสียงในหมู่พวกเขา
ในภาพนี้ ศิลปินได้รวบรวมหนึ่งในธีมโปรดของนักโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ แผนการเก็บเกี่ยวได้รับเกียรติจากแวนโก๊ะ ตามเนื้อผ้าหมายถึงความปรารถนาของผู้สร้างที่จะสัมผัสชีวิตมนุษย์ที่เรียบง่ายโดยใช้ภาพวาดเป็นสัญลักษณ์ ปรมาจารย์ในสมัยนั้นกำลังมองหาที่มาของการชำระให้บริสุทธิ์จากความไร้สาระของเมืองในส่วนลึกของชีวิตชาวนา ผู้ชมไม่เห็นใบหน้าของตัวละคร มีเพียงร่างที่โค้ง วีรบุรุษนิรนามจดจ่ออยู่กับงานของพวกเขา พวกมันไม่มีนัยสำคัญเกินไปเมื่อเทียบกับพื้นหลังของโลกที่ทอดทิ้งขอบฟ้า มัดนั้นทำขึ้นเกือบจะไร้เดียงสาและเป็นเครื่องประดับที่มีความน่าเบื่อหน่าย
Koller-Pinel เป็นหนึ่งในผู้หญิงไม่กี่คนในสมัยนั้นที่สามารถประสบความสำเร็จและเป็นที่ยอมรับในด้านการถ่ายภาพ บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมถึงแม้จะมีคุณภาพงานที่ยอดเยี่ยมและมีความเป็นมืออาชีพสูง แต่งานของเธอมักถูกโจมตีจากนักวิจารณ์ ในยุคของเรา ชื่อ Koller-Pinel ได้เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรปอย่างแน่นหนา
โลวิส คอรินธ์ (1858–1925) ผู้หญิงที่พิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำกับปลาทอง พ.ศ. 2454
Lovis Corinth เป็นหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของ German Impressionism ศิลปินลองใช้วิชาต่างๆ: เขาเป็นปรมาจารย์ภาพเหมือน เขาทำงานอย่างมีประสิทธิผลในวิชาในตำนานโบราณ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1891 คอรินธ์ได้เข้าร่วมการแยกตัวออกจากเบอร์ลิน ร่วมกับ Max Liebermann จิตรกรอิมเพรสชันนิสม์ชื่อดังชาวเยอรมันอีกคนหนึ่งถือเป็นศิลปินที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุดของสมาคมเบอร์ลินที่ยอดเยี่ยมนี้
2452 เขาใช้เวลาอยู่ที่รีสอร์ทเมคเลนบูร์ก ภาพวาดในยุคนี้โดดเด่นด้วยความสงบเป็นพิเศษ ความอบอุ่นของบรรยากาศที่อบอุ่น ผืนผ้าใบที่นำเสนอแสดงถึงภรรยาของผู้แต่ง งานนี้ทำในประเพณีอิมเพรสชั่นนิสม์ที่ดีที่สุด พื้นที่ถูกสร้างขึ้นอย่างเชี่ยวชาญ: แทบไม่มีช่องว่างว่างบนผืนผ้าใบ ผู้ชมพบว่าตัวเองอยู่ในอพาร์ตเมนต์ที่อบอุ่นและตกแต่งอย่างสวยงาม ซึ่งทุกอย่างถูกฝังอยู่ในความเขียวขจี ท่าทางของผู้หญิงดึงดูดความสนใจ: ดูเหมือนว่าเธอเพิ่งนั่งลงบนโซฟา หนึ่งได้รับความรู้สึกว่าในการเคลื่อนไหวนี้ในการมองหนังสือที่จดจ่อและสงบของเธอสะท้อนถึงสาระสำคัญของความสะดวกสบายในครอบครัวซึ่งศิลปินรายล้อมไปด้วยการดูแลของภรรยาของเขาจริงๆ รู้จักภาพครอบครัวที่ยอดเยี่ยมอีกหลายอย่างของอาจารย์
โคโลมัน โมเซอร์ (1868–1918) ภาพเหมือนของผู้หญิงในโปรไฟล์ ราวปีค.ศ. 1912
Koloman Moser เป็นหนึ่งในศิลปินที่โดดเด่นที่สุดของ Vienna Secession ผู้ก่อตั้งสมาคม Viennese Workshops หลักการสร้างสรรค์ของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านกราฟิกและการออกแบบ มีความสำคัญพื้นฐานสำหรับการพัฒนาพื้นที่เหล่านี้ในศตวรรษที่ 20 ในช่วงชีวิตสร้างสรรค์ที่วุ่นวาย เขาสร้างสรรค์หนังสือ งานกราฟิก ตั้งแต่โปสการ์ดไปจนถึงขอบมืดของนิตยสาร ทำงานกับเสื้อผ้าทันสมัย สร้างหน้าต่างกระจกสี เครื่องใช้บนโต๊ะอาหาร เครื่องประดับและเฟอร์นิเจอร์ ศิลปินชอบวาดรูปชายและหญิงที่เรียบง่ายซึ่งมีความยิ่งใหญ่และความไร้ศิลปะคล้ายกับผลงานของเฟอร์ดินานด์ฮอดเลอร์ที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งในอาร์ตนูโว โมเซอร์ชอบสีน้ำเงินและสีชมพู ซึ่งเป็นสีตามแบบฉบับของสัญลักษณ์สัญลักษณ์ ซึ่งแสดงถึงโลกแห่งการเกิด ความเหงา และความตายอันลี้ลับ
ผู้หญิงที่แสดงในโปรไฟล์ดูเหมือนขาวด้วยแสง แต่ที่มาของมันไม่ชัดเจน ดูเหมือนว่านี่ไม่ใช่แสงแดด แต่เป็นแสงจันทร์หรือแม้แต่เงาสะท้อนของไฟบางดวงที่ผู้ดูมองไม่เห็น ดังนั้นด้วยวิธีการแสดงภาพล้วนๆ อาจารย์จึงได้สร้างบรรยากาศที่ลึกลับและคลุมเครือให้กับงานพูดน้อยของเขา ภาพของตัวละครในโปรไฟล์ เมื่อการจ้องมองของนางแบบนำผู้ชมไปที่ใดที่หนึ่งเกินกว่าขอบของภาพ ก็เป็นเรื่องปกติของศิลปินในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 นักสัญลักษณ์ และกลุ่มพรีราฟาเอล
Oskar Kokoschka (2429-2523) ภาพเหมือนของจิตรกร Karl Moll พ.ศ. 2456
Oskar Kokoschka เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดของออสเตรีย ซึ่งเป็นที่รู้จักจากรูปแบบการวาดภาพแนวแสดงออกที่น่าจดจำ
ภาพเหมือนนำชื่อเสียงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดมาสู่อาจารย์ นี่คือภาพเหมือนของศิลปิน Karl Moll ร่างของภาพที่ปรากฎและมือที่ใหญ่ของเขาช่างน่าประทับใจ มือที่ใหญ่เป็นเทคนิคดั้งเดิมอย่างหนึ่ง ซึ่งหมายความว่าคนใช้แรงงานอยู่ต่อหน้าผู้ชม ศิลปินตาม Kokoschka เป็นคนงานและไม่ใช่ตัวแทนของโบฮีเมีย ภาพเหมือนถูกวาดในลักษณะดั้งเดิมสำหรับผู้แต่ง: เขาวางสีอย่างหนาทึบหักเหพื้นที่อย่างแข็งขันดูเหมือนว่ามันจะโค้งไปพร้อมกับร่างของมอล
ออสการ์ ลาสเก้ (1874–1951) เรือของคนโง่ พ.ศ. 2466
Oskar Laske ชาวออสเตรียเป็นที่รู้จักจากงานจิตรกรรมและสถาปัตยกรรมของเขา มรดกของศิลปินส่วนใหญ่ประกอบด้วยภาพร่างการเดินทางของเขาในยุโรปและแอฟริกาเหนือ Laske ทำงานในแนวภูมิทัศน์และภาพวาดในเมืองผืนผ้าใบของเขาโดดเด่นด้วยสีสดใสและเจาะทะลุ อาจารย์เข้าร่วมในการต่อสู้ของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและประสบการณ์นี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อโลกทัศน์ของเขาซึ่งสะท้อนให้เห็นในภาพวาดจำนวนมากในหัวข้อทางทหารและแผนการเกี่ยวกับธรรมชาติทางศีลธรรม
"เรือของคนโง่" เป็นงานที่ประณามความชั่วร้ายวิพากษ์วิจารณ์ความบาปของมนุษย์อย่างขมขื่น นี่คือภาพเชิงเปรียบเทียบที่มีโครงเรื่องที่ซับซ้อน หลายมิติ และแตกแขนง ธีมนี้ไม่ใช่เรื่องใหม่ในงานศิลปะ: ผลงานในชื่อเดียวกัน (1495–1500, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์, ปารีส) โดยชาวเนเธอร์แลนด์ผู้ยิ่งใหญ่ Hieronymus Bosch เป็นที่รู้จัก ผืนผ้าใบสามารถดูได้เป็นเวลานานมากและพบอุปมาอุปมัยและเรื่องราวที่ให้ความรู้มากขึ้นเรื่อยๆ ตัวอย่างเช่น ฉากการตรึงกางเขนมีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงให้เห็นว่าพระคริสต์ทรงสละชีวิตของเขาเปล่าประโยชน์เพื่อบาปของมนุษยชาติ ทางด้านขวาเกือบตรงกลางมีการแลกเปลี่ยนแรงงานที่ยาวเหยียดซึ่งบ่งชี้ถึงวิกฤตเศรษฐกิจที่ประเทศที่พูดภาษาเยอรมันอยู่ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1910 และต้นทศวรรษ 1920 ออสการ์ ลาสเก้ตามบรรพบุรุษในยุคกลางของเขา ประณามบาปแห่งความยั่วยวน การล่วงประเวณี การเบิกความเท็จ ความโลภ ศิลปินแนะนำภาพตัวแทนของโบฮีเมียคนว่างงานและถัดจากพวกเขาคือฉากการล่วงประเวณีภาพยุคกลางแห่งความตายในรูปแบบของโครงกระดูกที่มีเคียวปีศาจในเสื้อคลุมหางคนตะกละในรูปหม้อขลาด สัตว์ประหลาดและอีกมากมาย
ผืนผ้าใบดังกล่าวซึ่งสืบทอดและทำให้เป็นจริงแนวโน้มทางศีลธรรมของวัฒนธรรมยุคกลางเป็นที่ต้องการอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ศิลปินพยายามทำความเข้าใจจุดประสงค์และเหยื่อของการสังหารหมู่ครั้งใหญ่ที่สุดและไร้ความปราณีที่สุดในยุคนั้น
Gustav Klimt
กุสตาฟ คลิมท์. งูน้ำ I. 1904–1907
กุสตาฟ คลิมท์ (1862–1918) ภาพเหมือนของ Sonya Knips พ.ศ. 2441
Gustav Klimt เป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยทักษะขั้นสูงสุดและความมีคุณธรรมในการแสดง
"Portrait of Sonya Knips" เป็นตัวอย่างของงานแรกของศิลปิน ต้องพูดสองสามคำเกี่ยวกับโมเดล Sonya Knips, nee Baroness Poitiers เป็นผู้หญิงที่มีจิตใจที่ดี แต่งงานกับผู้ชายที่ร่ำรวย สาเหตุในชีวิตของเธอคือการสนับสนุนจาก "การประชุมเชิงปฏิบัติการเวียนนา" ที่มีชื่อเสียง โดยตกลงที่จะโพสท่าให้กับ Klimt เธอแสดงความกล้าหาญ - เธอสนับสนุนศิลปินที่น่าอับอาย: ความจริงก็คือ Klimt ได้สร้างภาพเฟรสโกสำหรับการตกแต่งของ University of Vienna ซึ่งลูกค้ายอมรับว่าเป็นภาพลามกอนาจาร ในภาพนี้ ผู้เขียนคล้องจองกับดอกไม้สีขาวที่อ่อนโยนและการแต่งกายของนางเอก ก่อนที่ผู้ชมจะเป็นภาพพอร์ตเทรตคลาสสิกที่เข้ากับอุดมคติของความทันสมัย ศิลปินชื่นชมใบหน้าของ Sonya รูปลักษณ์ที่ "ชวนให้หลงใหล" ของเธอ ท่าทีของหญิงสาวนั้นน่าสังเกต: ดูเหมือนเธอเพิ่งจะนั่งลงและตัวแข็งอยู่ครู่หนึ่ง ภาพเหมือนได้รับความซับซ้อนเป็นพิเศษจาก "รสชาติของสมัยโบราณ": ชุดดูเหมือนชุดยุคกลางของราชินีอังกฤษ ดอกไม้ดูเหมือนจะมาจากสิ่งมีชีวิตของชาวดัตช์ และพื้นหลังสีดำเป็นที่นิยมอย่างมากในภาพวาดบุคคลที่มีเกียรติในยุโรป ของศตวรรษที่ 15-18 บนนั้น ลักษณะซีดจางและเสื้อผ้าของ Sonya แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนยิ่งขึ้น รัศมีลึกลับพิเศษเกิดขึ้นรอบตัวผู้หญิง ราวกับว่าศิลปินจับสภาวะจิตใจของเธอ เต็มไปด้วยศักดิ์ศรีที่สงบ แน่นอนว่าภาพเหมือนควรจะประจบประแจงลูกค้า
กุสตาฟ คลิมท์ (1862–1918) Judith I. 1901
กุสตาฟ คลิมท์ (1862–1918) Judith I. 1901 (รายละเอียด)
"Judith I" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Gustav Klimt งานเสร็จสิ้นในช่วงที่เรียกว่ายุคทองซึ่งกลายเป็นจุดสุดยอดของงานของเขา ประเภทของหญิงสาวถึงตายส่วนใหญ่ดึงดูดอาจารย์ ผืนผ้าใบนี้ออกแบบโดย Adele Bloch-Bauer ภรรยาของผู้ใจบุญ นักอุตสาหกรรมผู้มั่งคั่งที่สนับสนุนอาจารย์ Adele โพสต์ผลงานที่มีชื่อเสียงหลายชิ้นโดย Klimt (Portrait of Adele Bloch-Bauer I, Judith II) ซึ่งทั้งหมดนี้โดดเด่นด้วยความเย้ายวน ภาพที่เร้าอารมณ์ของ Judith เป็นที่ต้องการตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ที่นี่ศิลปินวาดภาพ Judith กับหัวหน้าของ Holofernes นางเอกเป็นสัญลักษณ์ของเครื่องมือแห่งชัยชนะในมือของพระเจ้า ผืนผ้าใบมีเนื้อสัมผัสที่เข้มข้นมาก: ผู้เขียนใช้การปิดทองอย่างเข้มข้น เล่นกับสีผมสีดำที่หนาและผ้าโปร่งแสงของผ้าคลุม
กุสตาฟ คลิมท์. จูบ. พ.ศ. 2450-2551
ภาพวาด "The Kiss" เป็นหนึ่งในไฮไลท์ของคอลเล็กชั่น Belvedere Gallery ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่ยังไม่สูญเสียพลังอันน่าหลงใหล งานนี้โดดเด่นด้วยการตกแต่งอย่างปราณีต ความเร้าอารมณ์ที่วิจิตรบรรจง และคำอุปมาหลายมิติ งานนี้เป็นตัวแทนของเวทีที่มีชื่อเสียงที่สุดในงานของอาจารย์ ค่อนข้างถูกต้องเรียกว่า "ยุคทอง" การปิดทองปรากฏในผลงานของ Klimt หลังจากการเดินทางไปอิตาลี โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมืองเวนิสและราเวนนา ซึ่งเขาหลงใหลในสีทองของกระเบื้องโมเสคไบแซนไทน์และเชื่อว่าการพูดน้อย ความเรียบ และตามแบบแผนของอวกาศมีพลังพิเศษที่มีอิทธิพล คุณสมบัติของระนาบและไม้ประดับของภาพวาดอนุสาวรีย์สมัยใหม่ช่วยให้ศิลปินผสมผสานความเชื่อเรื่องผีของศิลปะศาสนาโบราณได้อย่างกลมกลืน อาจารย์สร้างสไตล์นักเขียนที่ยากจะลืมเลือน ผสมผสานความเป็นออร์แกนิกและการตกแต่งที่ล้ำสมัย สัญลักษณ์ของสี และอารมณ์ของยุคแห่งความเสื่อมโทรม
การผสมผสานระหว่างพื้นหลังสีทองแบบมีเงื่อนไขและปกของฮีโร่พร้อมการตีความใบหน้าที่สมจริงและเย้ายวนมากทำให้เกิดความประทับใจ พื้นหลังสีทองที่มีจุดแวววาว ลวดลายดอกไม้ที่ประดับอย่างตรงไปตรงมา ที่โล่งราวกับอัญมณี และราคะที่อ่อนล้าที่ดึงดูดสายตา การเปิดกว้างของสายตาของผู้หญิงทำให้ภาพวาด "จูบ" เป็นหนึ่งใน ผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก ภาพวาดนี้ซึ่งเป็นเชิงเปรียบเทียบในโครงเรื่อง ยังเป็นสัญลักษณ์เนื่องจากการโหลดสีเชิงความหมาย ผลงานของ "ยุคทอง" ของอาจารย์มีอิทธิพลต่อหลักการของศิลปะและรสนิยมสาธารณะของสาธารณชนวัฒนธรรมในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20
กุสตาฟ คลิมท์ (1862–1918) ภาพเหมือนของ Johannes Staude
Gustav Klimt มีชื่อเสียงจากซีรีย์ภาพเหมือนของผู้หญิง ชาวยุโรปที่มีชื่อเสียง ร่ำรวย และมีอิทธิพลมากที่สุดในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ได้สั่งภาพของพวกเขาให้เขา ผืนผ้าใบที่นำเสนอแสดงให้เห็น Johann Staude (1883-1967) งานนี้เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นสุดท้ายของอาจารย์ ความเรียบง่ายอันสูงส่งขององค์ประกอบดึงดูดความสนใจนางเอกมองตรงไปข้างหน้า Johanna โพสท่าให้ Klimt มากกว่าหนึ่งครั้ง (แต่เธอยังเป็นนางแบบให้กับ Egon Schiele ด้วย) มาส์กหน้าสีอ่อนล้อมรอบด้วยผมสีน้ำเงินดำและงูเหลือมขน Klimt ใช้สีน้ำเงินสดใส สีแดง และสีดำที่สวยงาม ในผลงานต่อมาหลายชิ้น ภาพเหมือนนี้โดดเด่นด้วยความเรียบง่าย ซึ่งเน้นย้ำถึงความงามของผู้หญิง นางแบบสวมชุดจาก Vienna Workshops ที่มีชื่อเสียง
Gustav Klimt (1862-1918) ภาพเหมือนของผู้หญิงในชุดขาว ราวปี ค.ศ. 1917–1918
Belvedere Gallery มีคอลเล็กชั่นผลงานที่ใหญ่ที่สุดของ Gustav Klimt จิตรกรชาวออสเตรียเป็นผู้ร่วมก่อตั้ง Vienna Secession ที่มีชื่อเสียงและเป็นผู้จัดนิทรรศการในปี 1908-1909 ซึ่งแนะนำวงการศิลปะของออสเตรียสู่ความสำเร็จของโลกเปรี้ยวจี๊ด แม้กระทั่งในช่วงชีวิตของเขา Klimt ก็ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามกับสาธารณชนและลูกค้า ครอบครัวที่ร่ำรวยและมีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปต้องการมีภาพพู่กันของเขา เมื่ออายุได้ 56 ปี อาจารย์เสียชีวิตอย่างกะทันหันด้วยโรคปอดบวม ทิ้งงานที่ยังทำไม่เสร็จจำนวนมาก "ภาพเหมือนของผู้หญิงในชุดขาว" เป็นหนึ่งในนั้น
ควรให้ความสนใจกับรูปแบบสี่เหลี่ยมจัตุรัสของผืนผ้าใบ - Klimt มักใช้มัน สี่เหลี่ยมจัตุรัสหมายถึงความสามัคคีทางคณิตศาสตร์ ความเท่าเทียมกันของแนวนอน (ทางโลก) และแนวตั้ง (สวรรค์) ความงดงามที่บริสุทธิ์ของเส้นร่างที่เท่ากัน ความสมดุลของมันเข้ากันได้อย่างลงตัวกับการตกแต่งภายในที่กระชับและประณีตของลูกค้าของ Klimt ผู้ชื่นชอบสไตล์อาร์ตนูโว ความกลมกลืนยังปรากฏให้เห็นในองค์ประกอบที่เกือบสวยงามของผืนผ้าใบ ผู้เขียนแบ่งภาพครึ่งแนวทแยงมุมเป็นขาวดำ เขาเข้าสู่ใบหน้าของผู้หญิงที่ไม่รู้จักตรงกลาง ผู้ชมจึงมีโอกาสได้ติดตามกระบวนการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ ปรมาจารย์เปลี่ยนจากความสมมาตรและเส้นเรขาคณิตล้วนๆ ไปสู่การตกแต่งที่หรูหราในขั้นสุดท้าย ผู้หญิงคนนี้ก็เหมือนกับนางเอกคนอื่นๆ ที่มีหน้ากากที่สดใสมาก นี่เป็นทั้งการพูดเกินจริงทางศิลปะและตามแฟชั่นของเวลานั้น แม้ว่าผืนผ้าใบจะยังไม่เสร็จ แต่ก็มีการอุทธรณ์อยู่ในงานของ Klimt
Egon Schiele
เอกอน ชิเอเล่. แม่กับลูกสองคน. ค.ศ. 1915–1917
เอกอน ชิเอเล (2433-2461) Little Reiner (Herbert Reiner ตอนอายุประมาณหกขวบ) พ.ศ. 2453
นอกจาก Oskar Kokoschka และ Gustav Klimt แล้ว Egon Schiele ยังเป็นหนึ่งในผู้นำของศิลปะอาร์ตนูโวเวียนนา นิทรรศการตลอดชีวิตของจิตรกรรุ่นเยาว์นี้จัดขึ้นที่ศูนย์ศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป ในเมืองต่างๆ เช่น เวียนนา ปราก ซูริก เบอร์ลิน และปารีส Schiele พัฒนาสไตล์ของผู้เขียนที่เป็นที่รู้จัก ซึ่งผสมผสานความเรียบสวยงามของความทันสมัย ความประหม่า เส้นชั้นความสูงที่แสดงออก และรายละเอียดที่เกือบจะเป็นธรรมชาติของกล้ามเนื้อของร่างกาย ตัวละครทั้งหมดในผลงานของเขานั้นคล้ายกับโครงกระดูกและสะท้อนลักษณะทางสรีรวิทยาของอาจารย์เองไม่มากก็น้อย ในเรื่องนี้ ผู้เชี่ยวชาญยังเห็นความสนใจอย่างต่อเนื่องของเขาในพลังจิตภายในของมนุษย์ สัญลักษณ์ ย้อนหลังไปถึงศิลปะทางจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ Schiele กังวลเกี่ยวกับความรู้สึกของมนุษย์, อารมณ์, พวกมันแสดงออกมาในลักษณะร่างกายที่น่ารังเกียจอย่างแท้จริง
ศิลปินวาดภาพ Little Rayner มากกว่าหนึ่งครั้ง ภาพวาดหนึ่งภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน รูปเหมือนจาก Belvedere มีไหวพริบและเต็มไปด้วยการตกแต่ง เด็กชายถูกนำเสนอในชุดและท่าทางแบบตะวันออกที่มีสไตล์ เขานุ่งห่มผ้าที่ตัดเย็บอย่างดีราคาแพง ความโดดเด่นของผืนผ้าใบคือสีแดงเข้ม ผู้ชมรู้สึกประทับใจกับความแตกต่างของความสงบ ผ่อนคลาย มีสมาธิอย่างแท้จริง แต่เป็นเสาหินที่รวบรวมตำแหน่งของฮีโร่และความสนุกสนานซุกซนบนใบหน้าของเขา Schiele เน้นที่มือที่ใหญ่ของเด็ก นิ้วประหม่าที่ยืดออกเป็นสัญลักษณ์ของความละเอียดอ่อนทางวิญญาณของบุคคลและความผูกพันแบบโบฮีเมียนของเขา
เอกอน ชิเอเล (2433-2461) ทานตะวัน. พ.ศ. 2454
ศิลปินชาวออสเตรีย Egon Schiele กลายเป็นหนึ่งในตัวแทนที่สำคัญที่สุดของยุคอาร์ตนูโว การเลือกธีมสำหรับงาน "ทานตะวัน" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ: มันถูกเขียนขึ้นตามรอย "ดอกทานตะวัน" ที่มีชื่อเสียงโดย Vincent van Gogh ภาพวาดของอาจารย์ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ศิลปินชาวออสเตรีย เนื่องจากมีการจัดนิทรรศการหลายครั้งในหอศิลป์ใหญ่ๆ ในกรุงเวียนนา Schiele ก็เหมือนกับ Van Gogh ที่คิดใหม่เกี่ยวกับความเปราะบางของทุกสิ่งที่มีอยู่ โดยแนะนำงานของเขาถึงแรงจูงใจในการกลายเป็นและหายไป ดอกไม้เป็นสัญลักษณ์แห่งชีวิตและความงามตามประเพณีซึ่งถึงคราวถึงแก่ความตาย ภายใต้อิทธิพลของแวนโก๊ะ ดอกทานตะวันถูกวาดโดยกุสตาฟ คลิมท์ ปรมาจารย์อีกคนหนึ่งใกล้กับชีเล่ ผืนผ้าใบมีลักษณะเป็นองค์ประกอบที่เกือบจะเป็นนามธรรม จุดสว่างของดอกไม้ทอเป็นใบสีเข้ม ภูมิทัศน์ครึ่งชีวิตครึ่งชีวิตนี้แสดงถึงวงกลมแห่งชีวิตมนุษย์
Egon Schiele (1890–1918) โอบกอด 1917
ผลงานของ Egon Schiele ในรูปแบบของภูมิทัศน์ ภาพบุคคล ภาพนู้ด ถูกเติมเต็มด้วยความแตกต่างที่น่าทึ่งของการตีข่าวของชีวิตและความตาย ความรักและความรู้สึกของความเหงา สถิตย์ และพลวัต แนวหลัก ธีมหลักที่กระตุ้นแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของศิลปิน คือ ธีมอีโรติก เซ็กส์ ความรักทางร่างกาย นักประวัติศาสตร์ศิลป์มองว่าผลงานของอาจารย์ตีความความคิดสร้างสรรค์เกี่ยวกับแนวคิดของซิกมุนด์ ฟรอยด์เกี่ยวกับความสำคัญอย่างยิ่งยวดของความใคร่ในชีวิตมนุษย์ มรดกของ Schiele ประกอบด้วยผลงานกราฟิกและรูปภาพหลายร้อยชิ้นที่บรรยายฉากความรักที่ตรงไปตรงมา ภาพเร้าอารมณ์ของผู้หญิง และภาพร่างกิจกรรมทางเพศ
ชื่อที่สองของภาพวาดที่นำเสนอคือ "คู่รักคู่รัก II ชายและหญิง" ชุดรูปแบบนี้ทำให้ Schiele เกี่ยวข้องกับ Gustav Klimt ตัวแทนที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งของ Art Nouveau ของออสเตรีย แต่งานของอดีตนั้นมีลักษณะทางสรีรวิทยามากกว่า แต่แสดงออกในความเป็นธรรมชาติ ศิลปินวาดภาพร่างกายที่ปกคลุมไปด้วยผิวหนังอย่างแท้จริง ซึ่งกล้ามเนื้อตึงทุกส่วนสามารถมองเห็นได้ ให้ความสนใจกับลักษณะสีของพวกเขา: โทนสีผิวของนางเอกและโทนสีเข้มของผู้ชาย ตามธรรมเนียมแล้วผู้ชายจะมีสีผิวที่เข้มกว่าตั้งแต่ศิลปะอียิปต์โบราณ ขอบเขตโดยรวมของภาพก็มีความสำคัญเช่นกัน Schiele ทำงานในจานสีของโพสต์อิมเพรสชันนิสต์และเปรี้ยวจี๊ดเช่นการผสมของมะกอก, สีเหลือง, สีเบจ, สีน้ำตาลเข้มและสีขาว, สีดำ, ตัวอย่างเช่นในปิกัสโซในช่วงปี พ.ศ. 2450-2457
Egon Schiele (1890–1918) สี่ต้นไม้ 1917
Egon Schiele มีชื่อเสียงในด้านสไตล์นักเขียนที่เป็นที่รู้จัก ซึ่งก่อตั้งขึ้นที่จุดตัดของ Art Nouveau และ Expressionism จากอาร์ตนูโว ศิลปินได้นำความสง่างามของเส้นสาย ความละเอียดอ่อนของรายละเอียดการตกแต่ง การผสมผสานที่สวยงามของเฉดสีที่สง่างาม สไตล์ของนักแสดงออกแสดงออกในลักษณะของการวาดภาพร่างกายมนุษย์ซึ่งได้รับพลังอย่างแท้จริงจากความเร้าอารมณ์ ภูมิทัศน์ครอบครองสถานที่อันทรงเกียรติในมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Schiele แม้ว่าจะไม่เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่ประชาชนทั่วไปว่าเป็นภาพวาดที่เร้าอารมณ์ของเขา
ผู้เขียนสร้างงาน "Four Trees" บนเลเยอร์การวาด: เส้นแนวนอนแต่ละเส้นแยกออกจากเส้นก่อนหน้าด้วยโครงร่างสีหนา เทคนิคนี้มีเอฟเฟกต์สองเท่า: ทำให้ภูมิทัศน์สวยงาม และต้องขอบคุณการระบายสีของเลเยอร์ด้วยสีชมพูและสีน้ำเงินที่เจาะทะลุ มันจึงได้มาซึ่งลักษณะอัตถิภาวนิยม สีของภาพก่อให้เกิดความประทับใจที่น่าตกใจ กระทั่งถึงกับน่าเกรงขาม เนื่องจากสีชมพูและสีน้ำเงินเป็นสัญลักษณ์ของชีวิตและความตายสำหรับศิลปินสมัยใหม่ อย่างที่ Schiele พูดเอง การเคลื่อนไหวของเมฆ ลวดลายของต้นไม้ น้ำ ภูเขาทำให้เขานึกถึงการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ อาจารย์พิจารณาแรงกระตุ้นที่เล็ดลอดออกมาจากธรรมชาติให้สัมพันธ์กับอารมณ์ ความรู้สึก และสภาวะของบุคคล ต้นไม้สี่ต้นดูเหมือนคนสี่คนด้วยบุคลิกลักษณะและรูปลักษณ์ที่แตกต่างกัน
เอกอน ชิเอเล (2433-2461) ตระกูล. พ.ศ. 2461
ศิลปินชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ Egon Schiele มีชีวิตที่สั้นแต่สดใสมากซึ่งเต็มไปด้วยการค้นพบที่สร้างสรรค์ เขารู้จักชื่อเสียงตั้งแต่อายุยังน้อย Belvedere เป็นที่เก็บสะสมผลงานที่น่าสนใจและเป็นตัวแทนมากที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา นอกจาก Gustav Klimt แล้ว จิตรกรยังถือเป็นตัวแทนอันยอดเยี่ยมที่สุดของสุนทรียศาสตร์และวัฒนธรรมของ European Art Nouveau
เพื่อให้เข้าใจงานของอาจารย์คุณต้องรู้ชีวประวัติของเขา ในปี ค.ศ. 1918 เมื่อ Schiele อายุเพียง 28 ปี การระบาดของไข้หวัดใหญ่ที่รุนแรงได้ปะทุขึ้นในยุโรป "ไข้หวัดใหญ่สเปน" ที่มีชื่อเสียง ซึ่งคร่าชีวิตผู้คนไปมากกว่า 20 ล้านคน ศิลปินเริ่มวาดภาพ "ครอบครัว" เมื่อเขายังไม่รู้สึกสงสัยอะไรเกี่ยวกับจุดจบที่ใกล้เข้ามา: เขาเสียชีวิตสามวันหลังจากการตายของภรรยาที่ตั้งครรภ์ของเขา เมื่อล้มป่วย จิตรกรก็เริ่มสร้างผืนผ้าใบขึ้นใหม่ ที่น่าสนใจคือผู้หญิงที่ปรากฎไม่ใช่ภรรยาของเขา แต่เป็นนางแบบที่ไม่รู้จัก ร่างของผู้ชายมีลักษณะภาพเหมือนตนเอง งานยังไม่เสร็จ รูปลักษณ์ของตัวละครมีความโดดเด่น พวกเขายอมจำนนต่อโชคชะตามองไปที่ไหนสักแห่งในระยะไกล ท่าทางของชายผู้นี้น่าประทับใจ - เขาสัมผัสหัวใจราวกับว่ากำลังปฏิญาณตนว่าจะจงรักภักดีต่อครอบครัวของเขา สีเอิร์ ธ โทนสีน้ำตาลครอบงำผืนผ้าใบราวกับว่าฮีโร่อยู่ในทรวงอกของโลกแล้ว ในงานนี้ สไตล์ของ Schiele เปลี่ยนไป เขาดูสมจริงมากขึ้น อารมณ์ของภาพนุ่มนวลมาก ยอมจำนน แม้กระทั่งรู้แจ้ง จากการแสดงออกทางอารมณ์ เหลือเพียงสัญลักษณ์อันน่าทึ่งของสีเท่านั้น
