สไลด์ 1
สไลด์ 2
บัลเลต์เป็นศิลปะการแสดงละครประเภทหนึ่งซึ่งมีรูปแบบการแสดงออกหลักคือการเต้นรำแบบ "คลาสสิก"
สไลด์ 3
ในปี ค.ศ. 1661 พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ทรงสถาปนา Royal Academy of Music and Dance การก่อสร้างโรงละครโอเปร่าเริ่มขึ้นในกรุงปารีส ในศตวรรษที่ 18 การเต้นรำ 2 รูปแบบพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว - ผู้สูงศักดิ์และอัจฉริยะ มีการให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับการตกแต่งและการจัดแสง และตัวแบบมักจะถูกเลือกให้มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ กฎการออกแบบท่าเต้นบัลเล่ต์ปรากฏขึ้น
สไลด์ 4
เปลวไฟแห่งความโรแมนติกเริ่มอ่อนลงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ในยุโรป ในศตวรรษที่ 20 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กกลายเป็นศูนย์กลางของบัลเล่ต์ The Imperial Theatre School ฝึกฝนศิลปินเดี่ยวชั้นหนึ่งและคณะบัลเล่ต์สำหรับโรงละคร
สไลด์ 5
Sergei Diaghilev เกิดเมื่อวันที่ 19 มีนาคม พ.ศ. 2415 ในจังหวัด Novgorod ในครอบครัวทหารซึ่งเป็นขุนนางทางพันธุกรรม เขาเรียนดนตรีกับ N. A. Rimsky-Korsakov ที่ St. Peter Conservatory บรรณาธิการนิตยสาร World of Art จัดการแสดงต่างประเทศประจำปีของศิลปินชาวรัสเซีย เรียกว่า "ฤดูกาลรัสเซีย"
สไลด์ 6
ในอีก 20 ปีข้างหน้า คณะบัลเลต์รัสเซีย Diaghilev ได้แสดงในยุโรปตะวันตกเป็นหลัก บางครั้งในอเมริกาเหนือและใต้ อิทธิพลของเธอต่อศิลปะบัลเล่ต์โลกนั้นมีมหาศาล นักเต้นของคณะบัลเล่ต์รัสเซียมาจากโรงละคร Mariinsky และโรงละครบอลชอย: Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, Adolf Bolm และคนอื่น ๆ
สไลด์ 7
กิจการของ Diaghilev มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาไม่เพียง แต่บัลเล่ต์รัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะการออกแบบท่าเต้นระดับโลกโดยทั่วไปด้วย ในฐานะผู้จัดงานที่มีความสามารถ Diaghilev จึงมีไหวพริบในความสามารถ หลังจากเชิญนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นที่มีพรสวรรค์ทั้งกาแล็กซีมาที่ บริษัท - Vaslav Nijinsky, Leonid Massine, Mikhail Fokin, Serge Lifar, George Balanchine เขาได้เปิดโอกาสให้ศิลปินที่ได้รับการยอมรับอยู่แล้วได้พัฒนา
สไลด์ 8
Vaslav Fomich Nizhinsky (12 มีนาคม พ.ศ. 2432 เคียฟ - 8 เมษายน พ.ศ. 2493 ลอนดอน) - นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียที่มีเชื้อสายโปแลนด์เกิดในยูเครนซึ่งเป็นหนึ่งในสมาชิกชั้นนำของ Russian Ballet ของ Diaghilev น้องชายของนักเต้น Bronislava Nijinska นักออกแบบท่าเต้นบัลเล่ต์ "The Rite of Spring" หลุมศพตั้งอยู่ในสุสานมงต์มาตร์ในปารีส
สไลด์ 9
Leonid Fedorovich Myasin (9 สิงหาคม พ.ศ. 2439 มอสโก - 15 มีนาคม พ.ศ. 2522 โคโลญประเทศเยอรมนี) เป็นนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวอเมริกันที่มีต้นกำเนิดจากรัสเซีย ในช่วงชีวิตอันยาวนานของเขา เขาแต่งบัลเล่ต์มากกว่า 70 ชิ้น
สไลด์ 10
Mikhai l Mikhailovich Fokin (11 เมษายน พ.ศ. 2423 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - 22 สิงหาคม พ.ศ. 2485 นิวยอร์ก) - นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียผู้โด่งดังถือเป็นผู้ก่อตั้งบัลเล่ต์สมัยใหม่
สไลด์ 11
LIFA R Serge (Sergei Mikhailovich) (2448-86) นักเต้นบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศสนักออกแบบท่าเต้นครู เป็นชนพื้นเมืองของรัสเซีย ในปี พ.ศ. 2466-2929 ในคณะบัลเลต์รัสเซียของ Diaghilev (ปารีส) ในปี พ.ศ. 2473-2520 (มีการหยุดชะงัก) นักออกแบบท่าเต้น, นักร้องเดี่ยว (จนถึงปี 1956) และอาจารย์ที่ Grand Opera วางเซนต์ บัลเลต์ 200 บัลเลต์ ซึ่งหลายบัลเลต์ยังคงอยู่ในโรงละครทั่วโลก เขามีบทบาทสำคัญในการฟื้นฟูศิลปะบัลเล่ต์ในฝรั่งเศส ก่อตั้งสถาบันการออกแบบท่าเต้นในกรุงปารีส (พ.ศ. 2490) ผลงานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และทฤษฎีนาฏศิลป์คลาสสิก
สไลด์ 12
George Balanchi n (ชื่อเกิด - Georgiy Melitonovich Balanchivadze - 10 มกราคม (22), 1904, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - 30 เมษายน 1983, นิวยอร์ก) เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่มีต้นกำเนิดจากจอร์เจียซึ่งวางรากฐานสำหรับบัลเล่ต์อเมริกันและศิลปะบัลเล่ต์สมัยใหม่โดยทั่วไป .
สไลด์ 13
ละครรวมถึงบัลเล่ต์ที่จัดแสดงแล้ว "Giselle", "Carnival", "Scheherazade", "Firebird" การแสดงเปิดตัวครั้งแรกในห้องโถงหรูหราของ Parisian Grand Opera House ในเดือนพฤษภาคมและมิถุนายน พ.ศ. 2453 ด้วยความสำเร็จอันน่าทึ่ง ในปี 1911 Fokin จัดแสดง: "อาณาจักรใต้น้ำ", "นาร์ซิสซัส", "เปรี", "ปีศาจแห่งดอกกุหลาบ", "ทะเลสาบสวอน"
1 สไลด์
2 สไลด์
นักบัลเล่ต์... combien de ce mot... นักบัลเล่ต์ถือเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นผู้หญิงและความงามที่แท้จริงมาโดยตลอด ความสง่างามของการเคลื่อนไหวของเธอ รูปร่างที่ซับซ้อนของเธอ และท่วงท่าที่สง่างามของเธอนั้นเป็นที่ชื่นชมของผู้ชายและความอิจฉาของผู้หญิงมาโดยตลอด อย่างไรก็ตาม เพื่อให้ได้ฟอร์มที่สมบูรณ์แบบ นักบัลเล่ต์ยุคใหม่ต้องทำงานหนักเพื่อตัวเอง เด็กหญิงตัวเล็ก ๆ กำลังเริ่มเรียนบัลเล่ต์ เรียนหนักและควบคุมอาหาร เตรียมตัวอย่างกลั้นหายใจเมื่อถึงเวลาที่พวกเธอจะสามารถก้าวไปสู่ชั้นเรียนรุ่นพี่ได้ ท้ายที่สุดแล้วไม่ใช่ทุกคนจะสามารถผ่านการทดสอบที่ยากลำบากได้ ปัญหาเหล่านี้ค่อนข้างเกี่ยวข้องกับเทคนิคและทักษะที่ไม่สมบูรณ์ของนักบัลเล่ต์รุ่นเยาว์ตลอดจนการเปลี่ยนแปลงรูปร่างของพวกเขา นางระบำ...มากคำนี้...
3 สไลด์
มันบังเอิญว่าการเปลี่ยนผ่านสู่โรงเรียนมัธยมปลายนั้นเกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเปลี่ยนผ่านของเด็กผู้หญิงซึ่งมาพร้อมกับการเปลี่ยนแปลงรูปร่างหน้าตาโดยธรรมชาติ ดังนั้นเด็กผู้หญิงทุกคนที่อ้างว่าเป็นนักบัลเล่ต์จึงพยายามลดน้ำหนักส่วนเกินให้มากที่สุดในทุกวิถีทาง และบางครั้งสิ่งนี้ก็ไม่ได้นำไปสู่สิ่งที่ดี แน่นอนว่าที่โรงเรียนบัลเลต์ มื้ออาหารของนักเรียนได้รับการคิดมาอย่างดีและสมดุล อาหารดังกล่าวรวมถึงอาหารที่ไม่เพียงแต่ช่วยให้รูปร่างแข็งแรงเท่านั้น แต่ยังช่วยให้แข็งแรงอีกด้วย เพราะสิ่งนี้สำคัญมากสำหรับร่างกายของเด็กที่กำลังพัฒนาและต้องรับภาระหนักมาก แต่ถึงแม้ในกรณีนี้นักบัลเล่ต์ตัวน้อยก็พยายามกินน้อยลงเพื่อไม่ให้มีการชั่งน้ำหนักกรัมพิเศษในระหว่างการควบคุม เด็กผู้หญิงที่เข้าโรงเรียนบัลเล่ต์ชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 จะต้องมีน้ำหนักไม่เกินห้าสิบกิโลกรัม ท้ายที่สุดแล้ว ในขั้นตอนของการฝึกฝนนี้ นักบัลเล่ต์ได้ฝึกฝนทักษะในการเต้นคู่ และนักเต้นรุ่นเยาว์พบว่าเป็นการยากที่จะยกนักบัลเล่ต์ที่มีน้ำหนักมาก อย่างไรก็ตามแม้จะมีความยากลำบากทั้งหมดที่นักเต้นรุ่นเยาว์ต้องเผชิญ แต่ก็ยังไม่มีใครรู้ว่าพวกเขาจะโดดเด่นบนเวทีละครหรือว่าพวกเขาจะได้รับมอบหมายบทบาทในคณะบัลเล่ต์หรือไม่ นอกจากนี้สาวๆ จะต้องสอบผ่านภาคทฤษฎีด้วย เพราะความรู้เรื่องทฤษฎีการเต้นรำมีความสำคัญมาก
4 สไลด์
ห่างไกลจากอาการเบื่ออาหาร อย่างไรก็ตามเป็นที่น่าสังเกตว่าความผอมของนักบัลเล่ต์ไม่ได้อยู่ในแฟชั่นเสมอไป ตัวอย่างเช่นในยุคของยวนใจนิยมนักบัลเล่ต์ที่มีรูปแบบบางและเกือบโปร่งใส รูปร่างของพวกเขายังเน้นด้วยเสื้อผ้าที่เป็นเอกลักษณ์ เมื่อถึงจุดเปลี่ยนของศิลปะบัลเล่ต์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ความผอมของนักบัลเล่ต์ถือว่าเป็นที่ยอมรับไม่ได้ นักเต้นต้องสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมด้วยรูปแบบที่โค้งมน นอกจากนี้นักบัลเล่ต์ที่ไม่รู้สึกเขินอายกับลักษณะร่างกายของพวกเขายังพยายามทำให้กระโปรงสั้นลง ต่อมาพวกเขาเลิกสนใจรูปลักษณ์ของนักบัลเล่ต์ไปเลย ท้ายที่สุดแล้วทั้งนักเต้นตัวจิ๋วและตัวที่ค่อนข้างใหญ่ก็เริ่มแสดงบนเวทีของโรงละครซึ่งไม่เหมาะกับภาพลักษณ์ของแสงและสง่างามเลย เมื่อเวลาผ่านไปความเปราะบางของนักบัลเล่ต์ก็หยุดมีบทบาทเลย สิ่งสำคัญคือผู้หญิงทำหน้าที่ของเธออย่างถูกต้องและเชี่ยวชาญ นักบัลเล่ต์ตัวเล็กและสง่างามถูกแทนที่ด้วยนักบัลเล่ต์ตัวสูงและใหญ่ที่แสดงองค์ประกอบการเต้นรำอย่างเชี่ยวชาญ ในขณะนี้ นักบัลเล่ต์มีคุณค่าต่อทักษะการเต้นของเธอ แม้ว่าสิ่งนี้จะขึ้นอยู่กับโครงสร้างร่างกายของนักเต้นด้วยก็ตาม บวกกับเนื้อซี่โครงเดอลาโนเร็กซี่
5 สไลด์
บัลเล่ต์ถูกรายล้อมไปด้วยรัศมีแห่งความสง่างามสำหรับผู้ชมอยู่เสมอ น้อยคนนักที่จะรู้ถึงราคาที่แท้จริงของความงามและความสง่างามของนักเต้นบนเวที ความเจ็บปวดนิ้วหักยังคงอยู่ในเงามืด... บัลเลต์การออกแบบท่าเต้นระดับสูงสุด (จากภาษากรีก choreia - การเต้นรำและกราฟโฟ - การเขียน) ซึ่งศิลปะการเต้นรำก้าวขึ้นสู่ระดับการแสดงดนตรีบนเวทีเกิดขึ้นอย่างราชสำนัก ศิลปะของชนชั้นสูงช้ากว่าการเต้นรำมากในศตวรรษที่ 15-16 คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีในศตวรรษที่ 16 และไม่ใช่การแสดง แต่เป็นตอนเต้นรำ บัลเล่ต์เป็นศิลปะสังเคราะห์ที่การเต้นรำซึ่งเป็นวิธีแสดงบัลเล่ต์หลักมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับดนตรีโดยมีพื้นฐานที่น่าทึ่ง - บทเพลงพร้อมฉากกับผลงานของนักออกแบบเครื่องแต่งกายนักออกแบบแสง ฯลฯ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีและยึดครองฝรั่งเศสทันที รัสเซียซึ่งมีท่าเต้นพื้นบ้านมากมาย สามารถดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่มีพรสวรรค์มากมายจากยุโรป ซึ่งมีส่วนช่วยในการรวมวัฒนธรรม เสริมสร้างภาษา และทำให้ประเทศต่างๆ ใกล้ชิดกันมากขึ้น นักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลีและฝรั่งเศสได้พัฒนาเทคนิคบัลเล่ต์ในรัสเซีย ซึ่งเป็นประเทศที่อุดมไปด้วยการเต้นรำประจำชาติ และมีการเต้นรำแบบคลาสสิกเกิดขึ้น การเคลื่อนไหวที่สำคัญที่สุดในวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 18 คือการตรัสรู้. กำเนิดเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ในอังกฤษ จุดสูงสุดในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 อิทธิพลของเขายิ่งใหญ่มากจนมักเรียกช่วงเวลาแห่งการดำรงอยู่ของเขาว่าทั้งยุค Sur l "origin de l" art du ballet เกี่ยวกับต้นกำเนิดของศิลปะบัลเล่ต์
6 สไลด์
นี่เป็นช่วงเวลาของแนวคิดและมุมมองใหม่เกี่ยวกับชีวิต การเปลี่ยนแปลงและการปฏิรูป เมื่อมีคำถามถึงหลักคำสอนและประเพณี การตรัสรู้ซึ่งตรงกันข้ามกับยุคและการเคลื่อนไหวก่อนหน้านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะทุกด้าน การแสดงบัลเล่ต์ในสมัยนั้นยังคงยึดหลักปฏิบัติของศตวรรษที่ผ่านมา ซึ่งเป็นตัวกำหนดธีมและรูปแบบของบัลเล่ต์ และผู้รู้แจ้งเสนอให้ย้ายออกจากบรรทัดฐานของลัทธิคลาสสิกด้วยความปรารถนาที่จะเป็นตัวแทนในอุดมคติของความเป็นจริงและหันไปใช้ชีวิตของ "บุคคลธรรมดา" ดังนั้นในความเห็นของพวกเขาพวกเขาจึงให้โอกาสในการพัฒนาความหมายของบัลเล่ต์และดังนั้นจึงมีความเป็นอิสระในศิลปะการแสดงละคร ท้ายที่สุดแล้วบัลเล่ต์ในเวลานั้นไม่ใช่การแสดงอิสระ โอเปร่ามาพร้อมกับการแสดงบัลเล่ต์ซึ่งตามกฎแล้วไม่เกี่ยวข้องกับการแสดง แต่ถึงกระนั้นแนวคิดเรื่องคลาสสิกซึ่งให้บัลเล่ต์มากมายยังคงอยู่จนถึงต้นศตวรรษที่ 19 ความเป็นคู่นี้จะคงอยู่ในศิลปะบัลเล่ต์ไปอีกร้อยปี
7 สไลด์
รัสเซียกลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์มากสำหรับการพัฒนาโรงละครบัลเล่ต์ เมื่อเข้าใจวิทยาศาสตร์ที่ชาวต่างชาติสอน ในทางกลับกัน ชาวรัสเซียได้นำน้ำเสียงของตนเองมาใช้ในการเต้นรำในต่างประเทศ ในช่วงทศวรรษที่ 1730 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฉากบัลเล่ต์ในการแสดงโอเปร่าในศาลจัดแสดงโดย J.-B. ลันเด และ เอ. รินัลดี (ฟอสซาโน) ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้เปิดขึ้น (ปัจจุบันคือสถาบันการเต้นรำเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งตั้งชื่อตาม A.Ya. Vaganova) ผู้สร้างและผู้อำนวยการคือ Lande ในปี พ.ศ. 2316 กิจการล้างรถ จักรพรรดินี Anna Ioannovna เป็นผู้ก่อตั้งระบบการศึกษาการออกแบบท่าเต้นในรัสเซีย การแสดงออกแบบท่าเต้นครั้งแรกในรัสเซียคือ "The Ballet of Orpheus" ซึ่งแสดงใน "คฤหาสน์ตลก" ของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชในที่ดินของเขา - หมู่บ้าน Preobrazhenskoye ใกล้มอสโก (13 กุมภาพันธ์ 2218) ตั้งแต่ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับการแนะนำโดยนักออกแบบท่าเต้นและครูสอนเต้นรำจากอิตาลีและฝรั่งเศส มีการเต้นรำพื้นบ้านอันมั่งคั่งเป็นของตัวเอง Jean Baptiste Lande - ผู้ก่อตั้ง Vaganova Academy of Russian Ballet L "émergence du ballet en Russie tsariste การเกิดขึ้นของบัลเล่ต์ในซาร์รัสเซีย
8 สไลด์
สถานศึกษาเปิดแผนกบัลเล่ต์ - ผู้บุกเบิกและเป็นรากฐานของโรงเรียนออกแบบท่าเต้นมอสโก ครูและนักออกแบบท่าเต้นคนแรกของเขาคือแอล. พาราไดซ์ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 คณะทาสเริ่มพัฒนาในนิคมของ Sheremetev Count ใกล้มอสโก (Kuskovo, Ostankino) ฯลฯ เมื่อถึงเวลานั้นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกมีศาลและโรงละครสาธารณะ นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และนักแสดงชาวรัสเซียจำนวนมากทำงานที่นั่น S. Sergeeva, V. M. Mikhailova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 - 19 I.I. ทำงานที่โรงเรียน Walberch (Lesogorov) เป็นนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรกที่ฝึกฝนศิลปินที่มีความสามารถหลายคน หนึ่งในนั้นคือนักเต้นที่สดใสและนักแสดงละคร Evgenia Kolosova Walberch เตรียมโรงเรียนและคณะละครสำหรับการมาถึงของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส C. Didelot (1767-1837) ตั้งแต่ปี 1756 หลังจากพระราชกฤษฎีกาของจักรพรรดินีเอลิซาเบธ เปตรอฟนาในการสร้างโรงละครรัสเซีย สถาบันการศึกษาที่สร้างโดย Lande ก็ค่อยๆ เปลี่ยนเป็น "โรงเรียนโรงละคร" ยุคที่สอง (พ.ศ. 2299-2372) ในประวัติศาสตร์ของโรงเรียนเริ่มต้นขึ้น เมื่อการฝึกอบรมในงานศิลปะทุกประเภท (บัลเล่ต์ การละคร ดนตรี ภาพวาด) ได้ดำเนินการในลักษณะบูรณาการโดยมีความเชี่ยวชาญแบบค่อยเป็นค่อยไป โดยอาศัยการวิเคราะห์ความสำเร็จที่ทำได้ ในหนึ่งในนั้น ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 การศึกษาด้านการเต้นได้รับการพัฒนาโดยการติดต่ออย่างใกล้ชิดกับการฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญในโรงละครประเภทอื่นๆ ได้แก่ นักแสดงละคร ศิลปิน นักดนตรี นักแสดงละครสัตว์ Ivan Walberkh - นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรก Charles Louis Didelot - ผู้ก่อตั้งเทคนิคการเต้นรำคลาสสิกสมัยใหม่
สไลด์ 9
กิจกรรมของ Didelot มีส่วนช่วยในการก่อตั้งและการรวมโรงเรียนการเต้นรำปวงต์คลาสสิกของฝรั่งเศสในรัสเซีย กิจกรรมของ Didelot มีส่วนช่วยในการเริ่มต้นช่วงที่สาม (พ.ศ. 2372-2460) ในประวัติศาสตร์ของโรงเรียน เมื่อเริ่มการพัฒนาองค์กรด้านการศึกษาบัลเล่ต์ เป้าหมายหลักคือการจัดให้มีการฝึกอบรมวิชาชีพคุณภาพสูงสำหรับนักเต้นบัลเล่ต์ และปริมาณการศึกษาทั่วไปก็เริ่มเพิ่มขึ้นเรื่อยๆ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1829 การฝึกนักเต้นได้แยกออกจากการฝึกของศิลปินในศิลปะอื่นๆ ในช่วงเวลานี้ โครงสร้างของโปรแกรมการฝึกนักเต้นได้ถูกสร้างขึ้น โดยผสมผสานระหว่างการศึกษาวิชาชีพและการศึกษาทั่วไป ต้องขอบคุณงานของ Didelot ที่ทำให้การศึกษาบัลเล่ต์ถึงระดับที่ค่อนข้างสูง สาเหตุหลักมาจาก Didelot ได้รวมการสอนบัลเล่ต์ของรัสเซียไว้ในพื้นที่ของศิลปะบัลเล่ต์ร่วมสมัยในยุโรป ซึ่งระบบใหม่ของการเต้นรำแบบปวงต์คลาสสิกแบบละครกำลังเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งมีพื้นฐานแตกต่างไปจากครั้งก่อน หนึ่งใกล้กับระบบห้องบอลรูมและการเต้นรำทุกวัน Didelot เรียกร้องจากนักเรียนของเขาไม่เพียงแต่เทคนิคที่สมบูรณ์แบบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงออกด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ A. Pushkin กล่าวว่าบัลเล่ต์ของ Didelot มีบทกวีมากกว่าวรรณกรรมฝรั่งเศสทั้งหมด ในปี 1816 A. Istomina นักเรียนของ Didelot สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน สำหรับ Didelot เช่นเดียวกับ M. Petipa ซึ่งเป็นเพื่อนร่วมชาติของเขาในเวลาต่อมา รัสเซียก็กลายเป็นบ้านหลังที่สอง และบัลเล่ต์รัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ก็เหนือกว่าโรงละครต่างประเทศที่ใหญ่ที่สุดหลายประการ ในปี 1816 A. Istomina นักเรียนของ Didelot สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน มีการสร้างวินัยขึ้นสามรอบ: การศึกษาพิเศษ การศึกษาเสริม และการศึกษาทั่วไป แก่นแท้ของโปรแกรมสาขาวิชาพิเศษคือการเต้นคลาสสิกซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกจากกิจกรรมการสอนของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส C. Didelot ระยะเวลาของโครงการใช้เวลาเจ็ดปี มีการกำหนดหลักการของการรับเข้าเรียนการฝึกเต้น (การจำกัดอายุคงที่ในการรับเข้าเรียนและข้อกำหนดของความสามารถตามธรรมชาติพิเศษ) และการรับรองนักเรียน (การโอนย้ายการแข่งขันประจำปีจากชั้นเรียนหนึ่งไปอีกชั้นเรียนหนึ่ง) ผู้ประกาศยุคโรแมนติกในบัลเล่ต์รัสเซียคือ Maria Taglioni ซึ่งเป็น La Sylphide คนแรกที่มาเยือนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1837 บัลเล่ต์ La Sylphide สร้างชื่อเสียงไปทั่วโลกให้กับเธอ อิสโตมินา เอ.ไอ.
10 สไลด์
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ บัลเลต์ในศาลเปิดประตูสู่นักเต้นมืออาชีพ และค่อยๆ เปิดให้บุคคลทั่วไปเข้าถึงได้ ในเวลานี้เทคนิคการเต้นได้รับการเสริมสมรรถนะและสร้างระบบการบันทึกขึ้นมา ยังไม่ทราบแน่ชัดว่าใครเป็นผู้เขียนระบบบันทึกการเต้นรำ เป็นที่ทราบกันดีว่ามันถูกท้าทายโดยนักออกแบบท่าเต้นและนักทฤษฎีการเต้นรำชาวฝรั่งเศส P. Beauchamp และนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้น R.o. เฟย์. งานของ Beauchamp ยังคงไม่ได้รับการตีพิมพ์ และหนังสือของ Feuillet เรื่อง "การออกแบบท่าเต้นหรือศิลปะแห่งการบันทึกการเต้นรำ" ก็ตีพิมพ์ในปี 1701 แล้วในช่วงน้ำท่วมครั้งแรกของศตวรรษที่ 18 ในอังกฤษ ดี. ลีเวอร์ นักออกแบบท่าเต้นและนักทฤษฎีการละครบัลเล่ต์ได้สร้างการแสดงละครใบ้ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของบัลเล่ต์องค์รวมที่มีความหมาย ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 แนวคิดเรื่องการเปลี่ยนแปลงทางศิลปะได้รับการแสดงโดยนักเขียน นักแต่งเพลง ศิลปิน และนักออกแบบท่าเต้นหลายคน ตัวอย่างเช่น คำว่า "การเต้นรำที่มีประสิทธิภาพ" ได้รับการกล่าวถึงครั้งแรกโดยนักทฤษฎีการเต้นรำ นักเขียน Louis de Cahuzac ในปี 1754 แนวคิดในการปฏิรูปยังเกี่ยวข้องกับดนตรีด้วย การปฏิรูปแสดงให้เห็นในดนตรีของ K. V. Gluck ผู้ซึ่งรับบทเรียนจาก Boguslav Chernogorsky แต่ Zh.Zh. กลายเป็นบุคคลในตำนาน Noverre (1727-1788) เขาเริ่มการปฏิรูปบัลเล่ต์บนพื้นที่ที่มีการจัดเตรียมไว้อย่างดี ผลลัพธ์ของการทำงานหลายปีคือสิ่งพิมพ์ปี 1760 เรื่อง Letters on Dance and Ballets L. Dupre ครูของศิลปินที่ได้รับการยอมรับในปัจจุบัน มีอิทธิพลอย่างมากต่อบุคลิกภาพของนักปฏิรูปในอนาคต เค.วี. กลัค เจ.เจ. Noverre l' arrivée du grandré formateur การมาของนักปฏิรูปที่เก่งกาจ
11 สไลด์
ในปี ค.ศ. 1758 Jean Georges Noverre จัดแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในเมืองลียงและเขียนทฤษฎีเกี่ยวกับการเต้นรำ ในปี ค.ศ. 1760 เขาได้ตีพิมพ์หนังสือของเขา Lettres sur la danse et les ballets (Letters on Dance and Ballets) ซึ่งมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาบัลเล่ต์แอ็คชั่นซึ่งการเคลื่อนไหวของนักเต้นได้รับการออกแบบเพื่อแสดงความหมายและถ่ายทอดเรื่องราว หนังสือสำคัญเล่มนี้มีความสำคัญในการสถาปนาศตวรรษที่ 18 ให้เป็นช่วงเวลาแห่งการปรับปรุงมาตรฐานทางเทคนิคของบัลเล่ต์ และช่วงเวลาที่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะการละครที่จริงจังควบคู่ไปกับโอเปร่า เพื่อให้ทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีเป็นจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ Noverre เลือกละครใบ้เป็นวิธีการหลักของเขา ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ศาลที่มีกษัตริย์นิยมหลายแห่งในยุโรปพยายามที่จะเป็นเหมือนแวร์ซายส์ โรงอุปรากรเปิดในสถานที่ต่าง ๆ นักเต้นและครูหางานได้ง่าย ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงมีบทบาทสนับสนุนในฐานะนักเต้นบัลเล่ต์ โดยพวกเธอสวมกระโปรงผายก้น คอร์เซ็ท วิกผม และรองเท้าส้นสูง ในชุดที่นักบัลเล่ต์ในยุคนั้นสวมใส่ มันเป็นเรื่องยากสำหรับพวกเขาที่จะเต้น และเนื่องจากพวกเขาสวมหน้ากากหนัง มันจึงเป็นเรื่องยากสำหรับพวกเขาในการแสดง Noverre มีส่วนร่วมในการเปลี่ยนเครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมของนักบัลเล่ต์ และในปี 1763 เขาได้แสดง Jason และ Medea โดยไม่สวมหน้ากาก มองเห็นสีหน้าของนักเต้นได้ และการแสดงออกอย่างมหาศาลของการแสดงบางครั้งก็สร้างความประทับใจให้กับผู้ชมบัลเล่ต์เป็นอย่างมาก เครื่องแต่งกายจำเป็นต้องเปลี่ยน วิสัยทัศน์และทัศนคติต่อการเต้นรำกำลังรอการเปลี่ยนแปลง... โลกกำลังรอครอบครัว Taglioni... Liberté de Circulation เสรีภาพในการเคลื่อนไหว
12 สไลด์
นักออกแบบท่าเต้นคนนี้เช่น Dauberval ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้แต่งบัลเล่ต์เรื่องหนึ่ง - La Sylphide แม้ว่าเขาจะจัดแสดงหลายครั้งก็ตาม แต่ยิ่งกว่าท่าเต้นของเขา เขายังมีชื่อเสียงจากการเป็นพ่อของนักบัลเล่ต์ชื่อดัง Maria Taglioni Philip Taglioni เกิดที่เมืองมิลานในปี พ.ศ. 2320 เขาเป็นลูกชายคนโตของนักเต้น Piedmontese Carlo Taglioni เขาเริ่มอาชีพนักเต้นในเนเปิลส์ และในปี พ.ศ. 2338-2341 เขาได้กลายเป็นนักเต้นคนแรกในโรงละครในลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส ตูริน และมิลาน ในปี พ.ศ. 2342 เขามาที่ปารีสและได้เต้นรำที่นั่น แต่ก็อยู่ได้ไม่นาน เขาได้รับเชิญไปสตอกโฮล์มเพื่อเต้นรำที่ Royal Opera และที่นั่นเขาใช้เวลาสามปี ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2374 Louis Veron กลายเป็นผู้อำนวยการโรงละครโอเปร่า เขาเข้าใจรสนิยมของสาธารณชนซึ่งเรียกร้องให้มีการอัปเดตละครอยู่ตลอดเวลาและเขามองเห็นได้อย่างสมบูรณ์แบบว่าความโรแมนติกกับตัวละครที่ยอดเยี่ยมของมัน - ผี, ซิลฟ์, วิญญาณชั่วร้ายและวิญญาณที่ดี - กำลังเข้ามาสู่แฟชั่นได้อย่างไร สิ่งนี้จะต้องนำมาพิจารณา - และในวันที่ 21 พฤศจิกายน พ.ศ. 2374 มีการแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเรื่อง Robert the Devil ของ Meyerbeer ซึ่งมีพล็อตเรื่องปีศาจอันมืดมนเกิดขึ้น ตัวละครหลัก อัศวินโรเบิร์ต เข้าไปในอารามร้างในตอนกลางคืนเพื่อรับเครื่องรางเวทย์มนตร์ ที่นั่นเขาถูกรายล้อมไปด้วยผีของแม่ชีบาปที่ฟื้นขึ้นมาจากหลุมศพของพวกเขา ส่วนหนึ่งของผู้นำของพวกเขา Abbess Helena เต้นรำโดย Maria Taglioni ทาลีโอนีผู้จัดฉากนี้แสดงตนว่าเป็นคนโรแมนติกอย่างแท้จริง - ท่ามกลางซากปรักหักพังในป่าภายใต้แสงจันทร์อันลึกลับ มีเงาสีขาวบริสุทธิ์ปรากฏขึ้นให้ผู้ชมเห็น และเต้นรำเป็นวงกลมเหมือนผีไปรอบๆ โรเบิร์ต การเต้นรำนี้ถูกสังเกตจากเบื้องหลังโดยนักเต้นหนุ่ม Jules Perrot - และความทรงจำของ "Robert the Devil" ก็มีชีวิตขึ้นมาในสิบปีต่อมาในบัลเล่ต์ "Giselle" การเต้นรำของแม่ชีเป็นหนึ่งในภาพร่างแรกของ "บัลเล่ต์สีขาว" ในการออกแบบท่าเต้นระดับโลก Père et fille Taglioni พ่อและลูกสาว Taglioni
สไลด์ 13
Maria Taglioni (อิตาลี: Maria Taglioni; 23 เมษายน พ.ศ. 2347 สตอกโฮล์ม - 22 เมษายน พ.ศ. 2427 มาร์เซย์) เป็นนักบัลเล่ต์ชาวอิตาลีผู้โด่งดังซึ่งเป็นบุคคลสำคัญในบัลเล่ต์ในยุคโรแมนติก มาเรียเกิดในครอบครัวของนักออกแบบท่าเต้นและนักออกแบบท่าเต้น Philippe Taglioni หญิงสาวไม่มีหุ่นบัลเล่ต์หรือมีรูปร่างหน้าตาพิเศษ อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ พ่อของเธอตัดสินใจให้เธอเป็นนักบัลเล่ต์ มาเรียศึกษาที่เวียนนา สตอกโฮล์ม และปารีสกับฟรองซัวส์ คูลง ต่อมาพ่อของเธอทำงานร่วมกับมาเรียเอง ในปี 1822 เขาแสดงบัลเล่ต์เรื่อง "Reception of a Young Nymph to the Palace of Terpsichore" ซึ่งมาเรียเปิดตัวในเวียนนา นักเต้นละทิ้งเสื้อผ้าหนัก ๆ วิกผมและการแต่งหน้าที่มีอยู่ในบัลเล่ต์โดยเต้นรำในชุดเดรสสีเรียบๆเท่านั้น มาเรียสร้างความประทับใจให้กับชาวปารีสในปี 1827 ในงานเวนิสคาร์นิวัล และตั้งแต่นั้นมาเธอก็มักจะเต้นรำที่ Paris Grand Opera ที่นั่นในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2375 มีการแสดงบัลเล่ต์ La Sylphide รอบปฐมทัศน์ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแห่งความโรแมนติกของบัลเล่ต์ เธอเป็นคนที่แนะนำรองเท้าบัลเล่ต์และรองเท้าปวงต์ให้กับบัลเล่ต์ ในคืนเดือนหงายในฤดูหนาวปี 1835 รถม้าของ Marie Taglioni ถูกโจรรัสเซียหยุดไว้ Taglioni ถูกบังคับให้เต้นรำให้พวกเขาบนผิวหนังของเสือดำที่กางออกท่ามกลางหิมะใต้แสงดาว จากเหตุการณ์จริงนี้ ตำนานได้เกิดขึ้น... เพื่อรักษาความทรงจำของการผจญภัย Taglioni มีนิสัยชอบวางน้ำแข็งเทียมลงในกล่องของเธอบนโต๊ะโดยมีกระจกอยู่ข้างหน้าชุดที่เธอแต่งตัว... โดยที่ ละลายท่ามกลางหินที่ส่องแสง บรรยากาศของท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาวเบื้องบนถูกปลุกให้ตื่นขึ้นด้วยภูมิทัศน์ที่ปกคลุมไปด้วยน้ำแข็ง Le Première Sylphide à Pointe Sylphide รุ่นแรกในรองเท้า Pointe
สไลด์ 14
ในอีกสิบห้าปีข้างหน้า Maria Taglioni ไปเที่ยวทั่วยุโรป: จากลอนดอนถึงเบอร์ลินและจากมิลานถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Marius Petipa เขียนบัลเล่ต์ให้เธอเป็นจำนวนมาก ตามที่ผู้เห็นเหตุการณ์กล่าวว่าการเต้นรำของ Taglioni นั้นเป็นศูนย์รวมของความสง่างามและความสง่างาม บทบาทที่ดีที่สุดของเธออยู่ในบัลเล่ต์: "The Sleeping Beauty", "God and the Bayadère", "La Sylphide", "Zephyr and Flora", "Cinderella", "Vain Precaution" การมีส่วนร่วมของมาเรียต่อชีวิตบัลเล่ต์นั้นมีค่ายิ่ง Taglioni ยกระดับบัลเล่ต์ขึ้นไปอีกระดับหนึ่ง ต่อหน้าเธอมีนักบัลเล่ต์ที่สวมรองเท้าปวงต์โดยเฉพาะ Istomin ในรัสเซีย แต่ Taglioni เองที่เรียนรู้ไม่เพียงแค่การขึ้นลงจากนิ้วของเธอเท่านั้น แต่ยังได้เรียนรู้การเต้นบนรองเท้าปวงต์อย่างง่ายดาย เป็นธรรมชาติ ในขณะที่ยังคงความสง่างามและว่องไว พ่อของเธอบอกเธอระหว่างเรียนว่าเขาจะต้องตายด้วยความอับอาย! ส่วนที่เหลือของนักบัลเล่ต์ (1968) วาดโดย Nadya Rusheva ศิลปินสาวผู้เก่งกาจที่เสียชีวิตเมื่ออายุ 17 ปี นักบัลเล่ต์โซโล (1968) ภาพวาดโดยหลุมศพของ Nadya Rusheva Taglioni
15 สไลด์
อย่างไรก็ตาม ศิลปะโรแมนติกได้รับอิทธิพลอย่างมากต่อโรงเรียนบัลเล่ต์ของรัสเซียในช่วงเวลาทำงานในรัสเซียโดยนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jules Perrault (ตั้งแต่ปี 1848 ถึง 1859) เขามาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตามคำเชิญของ Directorate of Imperial Theatres ในยุคที่ผู้หญิงครองตำแหน่งสูงสุดในบัลเล่ต์โรแมนติก Perrault เป็นหนึ่งในข้อยกเว้นที่หายากในฐานะนักเต้นชาย เขาแสดงการแสดงสำหรับนักบัลเล่ต์โดยเฉพาะเขาเข้าร่วม (ร่วมกับ J. Coralli) ในงานบัลเล่ต์ Giselle (ดนตรีโดย A. Adam, 1841) ที่ Paris Opera ซึ่งรับบทโดยนักเรียนและภรรยาของเขา Carlotta Grisi (แปร์โรลท์แสดงการเต้นรำทั้งหมดของเธอ) .
16 สไลด์
En prévision d'un Français de Saint-Pétersbourg Perrault แสดงผลงานชิ้นสำคัญครั้งแรกของเขาในกรุงเวียนนาในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1830 แต่ชื่อเสียงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขากลับนำมาสู่เขาด้วยบัลเล่ต์ที่สร้างขึ้นบนเวที Royal Theatre ในลอนดอน: Ondine, หรือ Naiad (ดนตรีโดย C. Puni, 1843 ), Esmeralda (ดนตรีโดยเขา, 1844) และ Pas de Quatre (ดนตรีโดยเขา, 1845) โดยมีนักบัลเล่ต์โรแมนติกผู้ยิ่งใหญ่สี่คนเข้าร่วมพร้อมกัน: Maria Taglioni, Carlotta Grisi, Fanny Cerrito และ Lucile Gran บัลเล่ต์ Catarina, the Robber's Daughter (ดนตรีโดย Pugni , 1846) เช่นเดียวกับบัลเล่ต์ Faust ที่จัดแสดงเป็นครั้งแรกในมิลาน (ดนตรีโดย G. Panizza, M. Costa และ G. Baieti, 1849) ในปี 1848 - พ.ศ. 2402 (ค.ศ. 1859) แปร์โรลท์เป็นนักเต้นและหัวหน้านักออกแบบท่าเต้นที่โรงละครบอลชอยในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ที่นี่ เขาย้ายบัลเล่ต์ก่อนหน้านี้หลายชุดที่เขาจัดแสดง Jules Perrault (1810-1892) แปร์โรลท์ถือเป็นนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดในยุคโรแมนติก จุดแข็งของเขาคือการแสดง ในประเภทของละครสังคมและความรัก Perrault มักหันไปหาโครงเรื่องวรรณกรรมชื่อดัง (Esmeralda, Faust ฯลฯ ) ศิลปินเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำคลาสสิกเดี่ยว ซึ่งมักจะทำหน้าที่แสดงออกถึงสภาพภายในของตัวละคร และในขณะเดียวกันก็ประสบความสำเร็จในการแสดงฉากฝูงชนและวงดนตรี บัลเล่ต์ของแปร์โรลท์หลายชิ้นยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ในละครของโรงละครสมัยใหม่ แต่ตามกฎแล้วในการดัดแปลงในภายหลัง ในขณะเดียวกันก็ควรสังเกตว่ากิจกรรมการสอนของแปร์โรลท์ได้รับการศึกษาน้อยมาก นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวสวีเดน Per Christian Johanson ซึ่งมาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2384 มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาการสอนบัลเล่ต์ของรัสเซีย กำลังรอชาวฝรั่งเศสจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
สไลด์ 17
แม้ว่า Saint-Leon จะเปลี่ยนไปมากในเทพนิยายของ P.P. Ershov แทนที่ซาร์รัสเซียด้วยข่านและยังแนะนำฉาก "ภักดี" ซึ่งทุกชาติยกย่อง Ivanushka ซึ่งกลายเป็นซาร์ (ซึ่งทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์จากนักวิจารณ์ที่ก้าวหน้า) บัลเล่ต์มีข้อได้เปรียบหลายประการ โดยหลักแล้วความมีชีวิตชีวาในการเต้นเช่น ตลอดจนโอกาสที่ภาพของเขาจะเปิดกว้างให้กับนักแสดง ไม่เพียงแต่นักแสดงคลาสสิก (ซาร์ ไมเดน นักเต้นในฉากมหัศจรรย์ที่ก้นทะเลและบนเกาะนางเงือก) แต่โดยเฉพาะนักแสดงตัวละคร (การเต้นรำพื้นบ้าน) และการแสดงละครใบ้ ( บทบาทของ Ivanushka, Khan ฯลฯ ) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแสดงได้รับการฟื้นคืนชีพหลายครั้งและยังคงอยู่ในละครของโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ต่อมาคือเลนินกราด) และโรงละครมอสโกบอลชอยในช่วงทศวรรษที่ 1860 ถึง 1930 และแสดงในโรงละครอื่น ๆ อีกมากมายในประเทศ บัลเลต์ของ Saint-Leon ซึ่งเอฟเฟกต์อันน่าหลงใหลภายนอกมักปรากฏให้เห็นโดยสูญเสียแรงจูงใจที่มีความหมาย ถือเป็นการเสื่อมถอยของบัลเลต์โรแมนติก ซึ่งเป็นยุครุ่งเรืองที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1830-1850 ก่อนหน้า ในเวลาเดียวกัน พวกเขาค้นพบการออกแบบท่าเต้นที่หลากหลายซึ่งช่วยเสริมคำศัพท์ของการเต้นบัลเล่ต์และมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคของมัน ดังนั้นพวกเขากำลังเตรียมการเริ่มต้นของยุคใหม่ - "แกรนด์บัลเล่ต์" ของ Marius Petipa ซึ่งมีความสำคัญไม่น้อยในทางของตัวเองและนำบัลเล่ต์รัสเซียที่ได้รับการยอมรับไปทั่วโลก น่าเสียดายที่บทบาทของ Saint-Leon ในการพัฒนาการสอนบัลเล่ต์ของรัสเซียยังไม่ได้รับการศึกษาในทางปฏิบัติ อย่างไรก็ตามอิทธิพลชี้ขาดต่อการพัฒนาวิธีการของโรงเรียนนั้นกระทำโดยนักออกแบบท่าเต้นและกิจกรรมการสอนของ Marius Petipa ซึ่งมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2390 ตามคำเชิญของผู้อำนวยการโรงละครอิมพีเรียล ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เป็นยุคของ M. Petipa นักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่ได้สร้างการแสดงดั้งเดิมมากมาย อนุรักษ์และเสริมสร้างบัลเล่ต์ของรุ่นก่อน อาเธอร์ แซงต์-เลออน
ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซีย
บัลเล่ต์ (บัลเล่ต์ฝรั่งเศสจากภาษาละติน Ballo - ฉันเต้น) เป็นศิลปะบนเวทีประเภทหนึ่ง วิธีการแสดงออกหลักคือดนตรีและการเต้นรำที่เชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก การเต้นรำคือการแสดงออกของความคิดและความรู้สึกผ่านการเคลื่อนไหวแบบเดิมๆ ทั้งท่าทางและท่าทาง มันถูกแสดงตามเพลงที่ดึงเนื้อหามา บ่อยครั้งที่บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากพล็อตเรื่องแนวดราม่าบทเพลง แต่ก็มีบัลเล่ต์ที่ไม่มีพล็อตเรื่องเช่นกัน
ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซีย
การเต้นรำประเภทหลักในบัลเล่ต์คือ:
การเต้นรำคลาสสิกเป็นระบบศิลปะการออกแบบท่าเต้นที่แสดงออกโดยอาศัยการพัฒนาอย่างระมัดระวังของกลุ่มการเคลื่อนไหวและตำแหน่งต่างๆของขา, แขน, ร่างกายและศีรษะ
การเต้นรำแบบตัวละครคือการเต้นรำที่ผสมผสานการเต้นรำพื้นบ้านเข้ากับองค์ประกอบของการเต้นรำแบบคลาสสิก แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็ยังคงรักษาเอกลักษณ์ประจำชาติเอาไว้
โขน (จากภาษากรีก παντόμῑμος) เป็นการแสดงบนเวทีประเภทหนึ่งที่ออกแบบมาเพื่อถ่ายทอดโครงเรื่องหรือเรื่องราว (ในขั้นต้น - มีลักษณะเป็นการ์ตูนเป็นหลัก) โดยใช้การแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางโดยไม่ต้องใช้คำพูด
มันมีบทบาทสำคัญในบัลเล่ต์ด้วยความช่วยเหลือนักแสดงถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร "การสนทนา" ของพวกเขาต่อกันแก่นแท้ของสิ่งที่เกิดขึ้น
ละครใบ้.
เอ็ดการ์ เดอกาส์. การซ้อมบัลเล่ต์
บัลเลต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวหรือเป็นฉากหนึ่งในการแสดงดนตรีหรือโอเปร่า บัลเล่ต์ในศาลยืมมาจากอิตาลีเบ่งบานในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงพิธีการอันงดงาม พื้นฐานทางดนตรีของบัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) คือการเต้นรำพื้นบ้านและราชสำนักซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดโบราณ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น เช่น คอมเมดี้-บัลเล่ต์ โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งมีการมอบสถานที่สำคัญให้กับดนตรีบัลเล่ต์และมีความพยายามที่จะแสดงละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะบนเวทีที่เป็นอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. J. Nover เขาสร้างการแสดงที่มีการเปิดเผยเนื้อหาตามสุนทรียภาพของผู้รู้แจ้งชาวฝรั่งเศส ภาพพลาสติกที่แสดงออกอย่างชัดเจน และสร้างบทบาทของดนตรีอย่างแข็งขันในฐานะ "โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น"
การกำเนิดของบัลเล่ต์
เจ.เจ.โนเวอร์
การพัฒนาและความเจริญรุ่งเรืองของบัลเล่ต์เกิดขึ้นในยุคโรแมนติก ย้อนกลับไปในยุค 30 ของศตวรรษที่ 18 นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรง (ตูตู) สั้นลงและส้นเท้าที่ถูกทอดทิ้งซึ่งทำให้เธอสามารถเตะขาเข้าไปในการเต้นรำได้ (ตีขาข้างหนึ่งชนอีกข้างหนึ่งในอากาศในระหว่างการเตะขาจะไขว้กันในตำแหน่งที่ 5) ในตอนท้าย ของศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์จะเบาและอิสระมากขึ้นซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยเท้า ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni การแสดงบัลเล่ต์จำเป็นต้องพัฒนาดนตรีบัลเล่ต์ เบโธเฟนในบัลเล่ต์ของเขาเรื่อง "The Works of Prometheus" (1801) ได้พยายามครั้งแรกในการประสานเสียงบัลเล่ต์ ทิศทางที่โรแมนติกถูกกำหนดไว้ในบัลเล่ต์ของอดัม Giselle (1841) และ Corsair (1856) บัลเล่ต์ของ Delibes Coppélia (1870) และ Sylvia (1876) ถือเป็นบัลเล่ต์ซิมโฟนีชุดแรก ในเวลาเดียวกันแนวทางดนตรีบัลเล่ต์ที่เรียบง่ายก็เกิดขึ้น (ในบัลเล่ต์ของ C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo ฯลฯ ) เป็นดนตรีที่ไพเราะมีจังหวะชัดเจนทำหน้าที่เป็นดนตรีประกอบการเต้นรำเท่านั้น
การพัฒนาบัลเล่ต์ต่อไป
มารี แอนน์ คามาร์โก
ชื่อจริง: Cupis de Camargo, ฝรั่งเศส Marie-Anne de Camargo, 1710 - 1770 - นักเต้นชาวฝรั่งเศส เป็นที่รู้จักในฐานะนักปฏิรูปการเต้นรำบัลเล่ต์ ผู้หญิงคนแรกเริ่มแสดง cabriole และ entrechat ซึ่งถือว่าเป็นส่วนหนึ่งของเทคนิคการเต้นรำของผู้ชายโดยเฉพาะ เธอตัดกระโปรงให้สั้นลงเพื่อให้สามารถเคลื่อนไหวได้อย่างอิสระมากขึ้น จนถึงปี 1751 เธอประสบความสำเร็จอย่างมากที่ Paris Opera House เธอยังแสดงเป็นนักร้องด้วย พระคุณของคามาร์โกทำให้ผู้มีชื่อเสียงหลายคนในยุคนั้นพอใจ รวมทั้งวอลแตร์ด้วย
มารี แอนน์ คามาร์โก.
ตูเป็นกระโปรงแข็งที่ใช้ในบัลเล่ต์สำหรับนักเต้น Tutu ตัวแรกถูกสร้างขึ้นในปี 1839 สำหรับ Maria Taglioni โดยอิงจากภาพวาดของศิลปิน Eugene Lamy สไตล์และรูปร่างของตูมีการเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 ชุดตูของ Anna Pavlova แตกต่างจากชุดสมัยใหม่มาก มันยาวและบางกว่า ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 แฟชั่นมาสำหรับกระโปรงตูตูที่ตกแต่งด้วยขนนกและอัญมณี ในสมัยโซเวียต กระโปรงตูสั้นและกว้าง
ชุดบัลเล่ต์.
หีบห่อ.
รองเท้าปวงต์ (จากภาษาฝรั่งเศสปวงต์ - พอยต์) บางครั้ง: หมุด - รองเท้าที่ใช้ในการแสดงการเต้นรำคลาสสิกของผู้หญิง รองเท้าพอยต์มีนิ้วเท้าที่แข็ง ทำจากผ้าซาตินสีชมพู และผูกด้วยริบบิ้นที่เท้าของนักเต้น การออกแบบรองเท้าปวงต์ช่วยให้นักเต้นมีความมั่นคงบนขารองรับในท่าเต้นคลาสสิก ก่อนที่เธอจะเต้นรำโดยสวมรองเท้าที่มีปลายเท้า (หมวกกันน็อค รองเท้าปวงต์) จะต้องอุ่นเท้าและรองเท้าด้วยตัวเอง มิฉะนั้น ในกรณีที่เลวร้ายที่สุด นักเต้นอาจหักขาของเธอด้วยซ้ำ
ชุดบัลเล่ต์.
รองเท้าปวงต์.
กฎบัลเล่ต์
การเต้นรำเริ่มกลายเป็นบัลเล่ต์เมื่อเริ่มแสดงตามกฎบางประการ คิดค้นขึ้นครั้งแรกโดยนักออกแบบท่าเต้น ปิแอร์ โบชองป์ (ค.ศ. 1637–1705) ซึ่งทำงานร่วมกับลุลลี่และเป็นหัวหน้าสถาบันการเต้นรำแห่งฝรั่งเศส (ปารีสโอเปร่าเฮาส์ในอนาคต) ในปี ค.ศ. 1661 เขาเขียนกฎเกณฑ์ของรูปแบบการเต้นรำอันสูงส่งซึ่งมีพื้นฐานมาจากหลักการของการเบี่ยงขา (en dehors) ตำแหน่งนี้ทำให้ร่างกายมนุษย์มีโอกาสเคลื่อนไหวได้อย่างอิสระในทิศทางต่างๆ เขาแบ่งการเคลื่อนไหวของนักเต้นออกเป็นกลุ่ม: squats (plie), การกระโดด (สไลด์, entrechat, cabriole, jeté, ความสามารถในการกระโดดในการกระโดด - ระดับความสูง), การหมุน (pirouettes, fouettés), ตำแหน่งของร่างกาย (ทัศนคติ, อารบิก) การดำเนินการของการเคลื่อนไหวเหล่านี้ดำเนินการบนพื้นฐานของห้าตำแหน่งของขาและสามตำแหน่งของแขน (port de bras) ขั้นตอนการเต้นรำคลาสสิกทั้งหมดได้มาจากตำแหน่งขาและแขนเหล่านี้ ดังนั้นการก่อตัวของบัลเล่ต์ซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 18 จึงเริ่มขึ้น จากการแสดงสลับฉากและความหลากหลายไปสู่งานศิลปะอิสระ
บัลเล่ต์ในยุคเรอเนซองส์ บาโรก และคลาสสิก
กระบวนการแสดงละครเต้นรำเกิดขึ้นอย่างเข้มข้นโดยเฉพาะในอิตาลีซึ่งอยู่ในศตวรรษที่ 14-15 ปรมาจารย์การเต้นรำคนแรกปรากฏตัวและบนพื้นฐานของการเต้นรำพื้นบ้านห้องบอลรูมและการเต้นรำในศาลก็ถูกสร้างขึ้น ในสเปนฉากเต้นรำแบบเล่าเรื่องเรียกว่าการเต้นรำในทะเล (การเต้นรำแบบมัวร์) ในอังกฤษ - หน้ากาก ในช่วงกลางคริสต์ศตวรรษที่ 16 – ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 17 การเต้นรำเป็นรูปเป็นร่างเป็นรูปเป็นร่างเกิดขึ้นโดยจัดเรียงตามประเภทขององค์ประกอบของรูปทรงเรขาคณิต (ballo-figurato) บัลเล่ต์สตรีชาวตุรกีที่มีชื่อเสียงแสดงในปี 1615 ที่ราชสำนักของ Medici Dukes ในเมืองฟลอเรนซ์ ตัวละครในตำนานและเชิงเปรียบเทียบมีส่วนร่วมในการเต้นรำด้วยภาพ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 บัลเล่ต์ขี่ม้าเป็นที่รู้จักโดยนักขี่ม้าขี่ม้าเพื่อฟังเพลงร้องเพลงและท่องบท (Tournament of the Winds, 1608, Battle of Beauty, 1616, Florence) ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ขี่ม้านำไปสู่การแข่งขันอัศวินในยุคกลาง กระบวนการแสดงละครเต้นรำเกิดขึ้นอย่างเข้มข้นโดยเฉพาะในอิตาลี
บัลเล่ต์ในยุคแห่งการตรัสรู้
ยุคแห่งการตรัสรู้เป็นหนึ่งในเหตุการณ์สำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์ นักตรัสรู้เรียกร้องให้ปฏิเสธอนุสัญญาของลัทธิคลาสสิกเพื่อการทำให้เป็นประชาธิปไตยและการปฏิรูป Weaver (1673–1760) และ D. Rich (1691–1761) ในลอนดอน, F. Hilferding (1710–1768) และโรงละครบัลเล่ต์ G. G. Angiolini (1731–1803) ในกรุงเวียนนาร่วมกับนักแต่งเพลงและนักปฏิรูปโอเปร่า V. K. Gluck พยายามเปลี่ยนบัลเล่ต์ให้กลายเป็นการแสดงที่คล้ายกับละคร การเคลื่อนไหวนี้แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุดในการปฏิรูป Jean Georges Nover นักเรียนของ L. Dupre เขาแนะนำแนวคิดของ pas d'action (บัลเลต์ที่มีประสิทธิภาพ) Nover เปรียบบัลเลต์กับละครคลาสสิกและส่งเสริมทัศนคติใหม่ต่อบัลเล่ต์ในฐานะการแสดงอิสระ เขาให้ความสำคัญกับละครใบ้มากจนทำให้คำศัพท์ในการเต้นลดน้อยลง อย่างไรก็ตาม ข้อดีของเขาคือ การพัฒนารูปแบบการเต้นรำเดี่ยวและวงดนตรี, การแนะนำรูปแบบของบัลเล่ต์หลายองก์, การแยกบัลเล่ต์จากโอเปร่า, การแยกบัลเล่ต์ออกเป็นประเภทสูงและต่ำ - การ์ตูนและโศกนาฏกรรม เขาสรุปความคิดสร้างสรรค์ของเขาใน Letters on Dance และบัลเล่ต์ (1760) สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือบัลเล่ต์ของ Noverre ในวิชาที่เป็นตำนาน: Admetus และ Alceste, Rinaldo และ Armida, Psyche และ Cupid, Death of Hercules - ทั้งหมดนี้เป็นเพลงของ J. J. Rodolphe, Medea และ Jason, 1780, Chinese Ballet, 1778 , Iphigenia ใน Aulis - ทั้งหมดเป็นเพลงของ E. Miller, 1793 มรดกของ Nover ประกอบด้วยบัลเล่ต์ 80 บัลเล่ต์ 24 บัลเล่ต์ในโอเปร่า 11 ความหลากหลาย การก่อตัวของบัลเล่ต์ในฐานะประเภทศิลปะการแสดงอิสระที่เป็นอิสระเสร็จสมบูรณ์แล้ว
ในช่วงทศวรรษที่ 1920-1930 ฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะบัลเล่ต์ของยุโรป ซึ่งจนถึงปี 1929 คณะบัลเลต์รัสเซียของ Diaghilev และกลุ่มที่เติบโตมาบนพื้นฐานของมันก็ได้ทำงาน ในปี 1930-1959 ด้วยการหยุดพักสำหรับสงครามในปี 1944-1947 คณะโอเปร่าปารีสนำโดย Serge Lifar ซึ่งจัดแสดงบัลเลต์ 50 บัลเลต์ในสไตล์นีโอคลาสสิก ปรับปรุงการเต้นรำคลาสสิกให้ทันสมัย และผสมผสานเข้ากับองค์ประกอบของการเต้นรำแบบอิสระ พื้นบ้าน และในชีวิตประจำวัน นักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้น: Claude Bessy (b. 1932) นักเรียนของ Lifar ซึ่งเริ่มอาชีพของเธอกับ Balanchine ในปี 1972 ประสบความสำเร็จอย่างมากใน Bolero โดย M. Bejart จากปีเดียวกัน - ผู้อำนวยการบัลเล่ต์ โรงเรียนที่โรงละครโอเปร่ารวมถึงนักเต้นโคลงสั้น ๆ Yvette Chauvire (เกิด พ.ศ. 2460) ซึ่งมีชื่อเสียงจากการแสดงบทบาทของ Giselle ในปี พ.ศ. 2488-2494 โรลังด์ เปอตีได้ก่อตั้ง Ballet des Champs-Élysées และในปี พ.ศ. 2492-2510 บัลเล่ต์แห่งปารีส ผลงานที่ดีที่สุด: The Youth and Death of J.S. Bach, 1946, Carmen J. Bizet, 1949, Notre Dame Cathedral, 1965
ฝรั่งเศส.
บัลเล่ต์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (วิชาการ อิมเพรสชั่นนิสม์ สมัยใหม่)
เมื่อความสมจริงมาถึงศิลปะรูปแบบอื่น บัลเลต์ชาวยุโรปพบว่าตัวเองตกอยู่ในภาวะวิกฤติและความถดถอย มันสูญเสียเนื้อหาและความสมบูรณ์และถูกแทนที่ด้วยมหกรรม (อิตาลี) ห้องแสดงดนตรี (อังกฤษ) ในฝรั่งเศส เขาก้าวเข้าสู่ขั้นตอนของการอนุรักษ์แผนการและเทคนิคที่ได้รับการพิสูจน์แล้ว มีเพียงในรัสเซียเท่านั้นที่บัลเล่ต์ยังคงรักษาลักษณะของความคิดสร้างสรรค์ไว้ได้ โดยที่สุนทรียศาสตร์ของแกรนด์บัลเล่ต์และบัลเล่ต์เชิงวิชาการได้พัฒนาขึ้น - การแสดงที่ยิ่งใหญ่พร้อมองค์ประกอบการเต้นที่ซับซ้อน วงดนตรีอัจฉริยะและท่อนเดี่ยว ผู้สร้างสุนทรียศาสตร์ของบัลเล่ต์เชิงวิชาการคือ Marius Petipa นักเต้นชาวฝรั่งเศสที่มาที่รัสเซียในปี 1847 บัลเล่ต์ Sleeping Beauty (1890), The Nutcracker (1892), Swan Lake (1895), Raymonda (1898) สร้างโดยเขาร่วมกับ L.I. Ivanov (1834–1901) และนักแต่งเพลง P.I. Tchaikovsky และ A.K. Glazunov, Seasons (1900) กลายเป็นจุดสุดยอดของบัลเล่ต์ซิมโฟนิกคลาสสิกและย้ายศูนย์กลางของวัฒนธรรมการออกแบบท่าเต้นไปยังรัสเซีย
ประวัติบัลเล่ต์แห่งศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยกระบวนการผสมผสานประเพณีบัลเล่ต์คลาสสิกของรัสเซียกับคณะบัลเล่ต์ยุโรป กระแสหลัก ได้แก่ การเปรียบเทียบ ไม่มีการวางแผน ซิมโฟนิก จังหวะฟรี การเต้นรำสมัยใหม่ องค์ประกอบของคำศัพท์พื้นบ้าน ในชีวิตประจำวัน กีฬา และแจ๊ส ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ลัทธิหลังสมัยใหม่กำลังพัฒนา คลังแสงของวิธีการแสดงออกซึ่งรวมถึงการใช้ภาพยนตร์และการฉายภาพ เอฟเฟกต์แสงและเสียง ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ เหตุการณ์ (การมีส่วนร่วมของผู้ชมในบัลเล่ต์) ฯลฯ ประเภทของท่าเต้นที่ติดต่อได้เกิดขึ้นเมื่อนักเต้น "สัมผัส" กับวัตถุบนเวทีและตัวเวทีเอง บัลเล่ต์ขนาดจิ๋วการแสดงเดียว (เรื่องสั้น บัลเลต์อารมณ์) มีอิทธิพลเหนือ ประเทศที่มีวัฒนธรรมการออกแบบท่าเต้นพัฒนามากที่สุด ได้แก่ บริเตนใหญ่ สหรัฐอเมริกา ฝรั่งเศส และสหภาพโซเวียต นักเต้นระลอกที่สองของการอพยพของรัสเซีย (R. Nureyev, N. Makarova, M. Baryshnikov) และนักเต้นของโรงเรียนรัสเซียที่ทำงานทางตะวันตกภายใต้สัญญา (M. Plisetskaya) มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์โลก , A. Asylmuratova (เกิด พ.ศ. 2504), N. Ananiashvili (เกิด พ.ศ. 2506), V. Malakhov (เกิด พ.ศ. 2511), A. Ratmansky (เกิด พ.ศ. 2511) นักบัลเล่ต์ประเภท Expressionist และบัลเล่ต์หลังสมัยใหม่ได้รับการพัฒนาในเยอรมนี ฮอลแลนด์ และสวีเดน
การแข่งขันบัลเล่ต์เริ่มจัดขึ้นในปี พ.ศ. 2507
บัลเล่ต์โลกแห่งศตวรรษที่ 20
ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นในปี 1738 บัลเล่ต์รัสเซียชุดแรกถือเป็นบัลเล่ต์ของ Orpheus และ Eurydice (1673 ดนตรีโดย G. Schutz นักออกแบบท่าเต้น N. Lim นักแสดงตลก Khoromina ในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye มอสโก) ตอนนั้นต้องขอบคุณคำขอของปรมาจารย์การเต้นรำชาวฝรั่งเศส Jean-Baptiste Lande ที่โรงเรียนสอนศิลปะบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียปรากฏตัวขึ้น - สถาบันนาฏศิลป์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียงระดับโลกซึ่งปัจจุบันตั้งชื่อตาม Agrippina Yakovlevna Vaganova
ผู้ปกครองบัลลังก์รัสเซียให้ความสำคัญกับการพัฒนาศิลปะการเต้นรำมาโดยตลอด มิคาอิล เฟโดโรวิชเป็นกษัตริย์รัสเซียองค์แรกที่แนะนำตำแหน่งนักเต้นใหม่ให้กับเจ้าหน้าที่ในราชสำนักของเขา มันคืออีวาน โลดีกิน เขาไม่เพียงแต่ต้องเต้นด้วยตัวเองเท่านั้น แต่ยังต้องสอนทักษะนี้ให้ผู้อื่นด้วย ชายหนุ่มยี่สิบเก้าคนถูกจัดให้อยู่ในการกำจัดของเขา
โรงละครแห่งแรกปรากฏภายใต้ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช จากนั้นจึงเป็นเรื่องปกติที่จะแสดงการเต้นรำบนเวทีระหว่างการแสดงละครซึ่งเรียกว่าบัลเล่ต์ ต่อมาตามพระราชกฤษฎีกาพิเศษของจักรพรรดิปีเตอร์มหาราช การเต้นรำจึงกลายเป็นส่วนสำคัญของมารยาทในราชสำนัก ในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 เยาวชนผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องเรียนการเต้นรำ
บัลเล่ต์รัสเซีย
การพัฒนาบัลเล่ต์ในรัสเซีย
ในปี ค.ศ. 1759–1764 นักออกแบบท่าเต้นชื่อดัง F. Hilferding (1710–1768) และ G. Angiolini (1731–1803) ทำงานในรัสเซียซึ่งจัดแสดงบัลเล่ต์ตามหัวข้อในตำนาน (Semira ตามโศกนาฏกรรมของ A.P. Sumarokov, 1772) ในวันเปิดโรงละคร Petrovsky เมื่อวันที่ 30 ธันวาคม พ.ศ. 2323 นักออกแบบท่าเต้นชาวออสเตรียแอล. พาราไดซ์ซึ่งมารัสเซียพร้อมกับคณะของฮิลเฟอร์ดิงได้แสดงบัลเล่ต์ละครใบ้เรื่อง The Magic Shop ในช่วงทศวรรษที่ 1780 นักออกแบบท่าเต้น F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni เดินทางจากอิตาลีไปยังรัสเซียและในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18–19 พวกเขาจัดแสดงการแสดงอันหรูหราที่โรงละคร Petrovsky ซึ่งแสดงเป็นส่วนเสริมของโอเปร่าหรือละคร
กิจกรรมที่สำคัญที่สุดสำหรับบัลเล่ต์รัสเซีย
เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดสำหรับบัลเล่ต์รัสเซียคือการมาถึงรัสเซียของนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงในยุคก่อนโรแมนติก S. L. Didlo (ทำงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1800–1809, 1816–1829) เขาจัดแสดงบัลเลต์แบบอะครีออนติก Zephyr and Flora (1808), Cupid and Psyche (1809), Acis และ Galatea (1816) รวมถึงบัลเลต์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ตลก และธีมในชีวิตประจำวัน: The Young Thrush (1817), Return from India หรือ ขาไม้ (2364) Didelot กลายเป็นผู้ก่อตั้งแนวบัลเล่ต์ Anacreontic ซึ่งตั้งชื่อตามกวีโบราณ Anacreon ผู้สร้างแนวเพลงรัก M.I. Danilova (1793–1810), E.A. Teleshova (1804–1857) และ A.S. Novitskaya (1790–1822) มีชื่อเสียงในบัลเล่ต์ของ Didelot ภายใต้การนำของเขา โรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง เขาจัดแสดงบัลเล่ต์มากกว่า 40 บัลเล่ต์ ค่อยๆ เปลี่ยนจากธีมในตำนานไปเป็นวิชาวรรณกรรมสมัยใหม่ ในปี ค.ศ. 1823 เขาได้จัดแสดงภาพยนตร์เรื่อง The Prisoner of the Caucasus โดยอิงจากบทกวีของ A.S. Pushkin และร่วมมือกับนักแต่งเพลง Kavos A.I. Istomina (1799–1848) ฉายแววในการแสดงของเขาซึ่งพุชกินเต้นรำยกย่องโดยอธิบายว่ามันเป็น งานศิลปะของ Istomina เป็นการประกาศถึงจุดเริ่มต้นของบัลเล่ต์โรแมนติกของรัสเซีย และรวบรวมความคิดริเริ่มของโรงเรียนรัสเซีย โดยเน้นไปที่การแสดงออกทางอารมณ์
การอนุมัติบัลเล่ต์รัสเซีย
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ถึงเวลาอนุมัติบัลเล่ต์รัสเซียแล้ว นักแต่งเพลงในประเทศ A.N. Titov, S.I. Davydov, K.A. Kavos, F.E. Scholz รวมถึงนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรก I.I. Valberkh (1766–1819) ปรากฏตัว เขาผสมผสานประเพณีการเต้นรำพื้นบ้านของรัสเซียเข้ากับละครใบ้และเทคนิคอัจฉริยะของบัลเล่ต์อิตาลี การทำงานสอดคล้องกับความรู้สึกอ่อนไหว Walberch ได้จัดแสดงบัลเล่ต์ชุดแรกในธีมระดับชาติ - ละครประโลมโลก New Werther โดย Titov, 1799 ในช่วงสงครามปี 1812 ความหลากหลายของผู้รักชาติได้แพร่กระจายออกไปและ Walberch จัดแสดงบัลเล่ต์ Love for the Fatherland โดย Kavos ใน St. . เมืองปีเตอร์สเบิร์กซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเต้นรำพื้นบ้านของรัสเซีย ในปีพ. ศ. 2355 แนวเพลงที่หลากหลายได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นต้องขอบคุณนักเต้น A.I. Kolosova (1780–1869), T.I. Glushkovskaya (1800–1857) และ A.I. Voronina (1806–1850) ได้รับชื่อเสียง
นักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในศตวรรษที่ผ่านมาคือ Anna Pavlova
เกิดเมื่อวันที่ 12 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2424 ในหมู่บ้าน Ligovo ใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในครอบครัวของช่างเย็บ Lyubov Pavlova ชีวิตของแอนนาทุ่มเทให้กับบัลเล่ต์อย่างสมบูรณ์ ไม่มีใครรู้เกี่ยวกับชีวิตส่วนตัวของเธอ และหลังจากความตายเท่านั้นที่โลกได้เรียนรู้เกี่ยวกับเรื่องราวความรักที่สวยงามและน่าเศร้าซึ่งความลับที่นักบัลเล่ต์ในตำนานเก็บไว้ในใจของเธอมาเป็นเวลาสามสิบปี Pavlova เป็นนักแสดงที่โดดเด่น เป็นนักบัลเล่ต์ที่มีโคลงสั้น ๆ โดดเด่นด้วยความสามารถทางดนตรีและเนื้อหาทางจิตวิทยาของเธอ Anna Pavlova กล่าวว่า: “นักบัลเล่ต์ไม่ได้เต้นรำด้วยเท้าของเธอ แต่ด้วยจิตวิญญาณของเธอ” พาฟโลวามีความเชื่อโชคลางอย่างมาก เธอสังเกตเห็นสัญญาณอย่างแรงกล้า: เธอกลัวพายุฝนฟ้าคะนอง, พบกับนักบวช, ถังเปล่า, แมวดำ สิ่งที่เป็นเรื่องเล็กสำหรับคนอื่นกลายเป็นสัญญาณลับพิเศษสำหรับเธอ
ผู้ปกครองและวัยเด็กของ Anna Pavlova
นักบัลเล่ต์ในอนาคตเกิดก่อนกำหนดเกือบสองเดือน เช้าวันที่หนาวเหน็บของเดือนมกราคมในปี พ.ศ. 2424 เมื่อเด็กผู้หญิงคนหนึ่งเกิดมากับช่างเย็บที่ยากจนซึ่งบางครั้งทำงานพาร์ทไทม์ซักผ้า เด็กอ่อนแอมากจนทั้งเพื่อนบ้านที่กำลังยุ่งอยู่รอบเตียงของแม่ยังสาวหรือผู้หญิงที่กำลังคลอดบุตรก็หวังว่าทารกจะมีชีวิตอยู่ อย่างไรก็ตาม ตรงกันข้ามกับการคาดการณ์ที่มืดมน หญิงสาวรอดชีวิตมาได้ เธอรับบัพติศมาและตั้งชื่อแอนนาเพื่อเป็นเกียรติแก่นักบุญซึ่งมีการระบุวันฉลองไว้ในปฏิทินของคริสตจักรในวันนั้น แอนนาจำพ่อของเธอไม่ได้ Matvey Pavlov ทหารธรรมดาๆ เสียชีวิตเมื่อลูกสาวของเขาอายุเกือบ 2 ขวบ โดยไม่ทิ้งมรดก ไม่มีคำสั่ง และไม่มียศทั่วไป
แม้ว่าพวกเขาจะมีชีวิตอยู่ด้วยความยากจนอย่างต่อเนื่อง แต่ Lyubov Fedorovna ก็พยายาม
เติมสีสันให้กับวัยเด็กที่ยากลำบากของลูกสาวสุดที่รักของฉัน ในวันชื่อและวันคริสต์มาสหญิงสาวจะได้รับของขวัญเสมอ
ทำความรู้จักกับบัลเล่ต์ครั้งแรก
เมื่อแอนนาอายุได้แปดขวบ แม่ของเธอพาเธอไปที่โรงละคร Mariinsky เพื่อชมบัลเล่ต์เรื่อง The Sleeping Beauty ดังนั้นนักเต้นในอนาคตจึงตกหลุมรักศิลปะนี้ตลอดไป และอีกสองปีต่อมา เด็กหญิงผอมแห้งและป่วยก็กลายเป็นนักเรียนที่ Imperial Ballet School การเข้าโรงเรียนอิมพีเรียลบัลเลต์ก็เหมือนกับการเข้าอาราม ซึ่งมีระเบียบวินัยเหล็กดังกล่าวครอบงำอยู่ที่นั่น แอนนาออกจากโรงเรียนเมื่อเธออายุสิบหกปีด้วยตำแหน่งนักเต้นคนแรก
การศึกษาของ Pavlova ที่ Imperial Ballet School
ในเวลานั้นโรงเรียนบัลเล่ต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแห่งนี้เป็นโรงเรียนที่ดีที่สุดในโลกอย่างไม่ต้องสงสัย การสอนที่นี่ดีมาก เฉพาะที่นี่เท่านั้นที่ยังคงรักษาเทคนิคบัลเล่ต์คลาสสิกไว้
กฎบัตรของโรงเรียนเข้มงวดตามหลักศาสนา ตื่นนอนตอนแปดโมง ราดน้ำเย็น สวดมนต์ รับประทานอาหารเช้า แล้วไปเรียนที่บัลเลต์บาร์อันแสนทรหดอีกแปดชั่วโมง ขัดจังหวะด้วยมื้อเช้ามื้อที่สอง (กาแฟกับแครกเกอร์) มื้อกลางวันซึ่งไม่ทำให้หิว และชั่วโมงต่อวัน - เดินระยะไกลในอากาศบริสุทธิ์ เวลาเก้าโมงครึ่ง นักเรียนจะต้องเข้านอน
ในปี พ.ศ. 2441 ขณะที่เป็นนักเรียน Pavlova ได้แสดงในบัลเล่ต์เรื่อง "Two Stars" ซึ่งแสดงโดย Petipa ถึงกระนั้นผู้ชื่นชอบก็สังเกตเห็นความสง่างามพิเศษที่มีในตัวเธอเท่านั้นความสามารถที่น่าทึ่งในการจับภาพแก่นแท้ของบทกวีของส่วนหนึ่งและทำให้มันระบายสีเอง
หลังจากสำเร็จการศึกษาในปี พ.ศ. 2442 พาฟโลวาก็ลงทะเบียนในคณะละคร Mariinsky ทันที ความสามารถของเธอได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็วเธอกลายเป็นศิลปินเดี่ยวและในปี 1906 เธอได้รับการเลื่อนตำแหน่งสูงสุด - พรีมาบัลเล่ต์ . เธอเต้นในบัลเล่ต์คลาสสิกเรื่อง "The Nutcracker", "The Little Humpbacked Horse", "Raymonda", "La Bayadère", "Giselle" ในปีพ.ศ. 2449 เธอได้เป็นนักเต้นนำของคณะ สไตล์การแสดงของเธอได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการทำงานร่วมกันของเธอกับนักออกแบบท่าเต้น A. Gorsky และโดยเฉพาะ M. Fokin Anna Pavlova แสดงบทบาทหลักในบัลเล่ต์ Chopiniana ของ M. Fokine, Pavilion ของ Armida, Egyptian Nights ฯลฯ ในปี 1907 ในงานการกุศลตอนเย็นที่โรงละคร Mariinsky A. Pavlova ได้แสดงท่าเต้นจิ๋วที่จัดแสดงให้เธอโดย M. Fokine “ Swan” (ต่อมาคือ “The Dying Swan”) ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของบัลเล่ต์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 เพื่อเป็นการยกย่องนวัตกรรมของ Fokine Pavlova ยังคงอุทิศตนให้กับบัลเล่ต์คลาสสิกของรัสเซีย ในปี 1910 เธอย้ายไปอยู่ในตำแหน่งที่เรียกว่า "นักแสดงรับเชิญ" บนเวทีของโรงละคร Mariinsky Anna Pavlova แสดงเป็น Nikiya ครั้งล่าสุดในปี 1913
โรงละครโอเปร่า Mariinskii
ในปี 1909 Sergei Diaghilev ทนายความผู้มีความสามารถ เศรษฐีผู้สนใจงานศิลปะ ตัดสินใจเปิดฤดูกาลโอเปร่าในปารีส Dandre แนะนำ Anna ให้รู้จักกับ Diaghilev เพื่อเข้าร่วมใน "ฤดูกาล Diaghilev" แอนนาจำเป็นต้องมีห้องสุขาราคาแพง สำหรับ Dandre สถานการณ์นี้หมายถึงค่าใช้จ่ายจำนวนมาก เขาทำทุกอย่างที่จำเป็น แต่สุดท้ายเขาก็ต้องติดคุก ในเรื่องดังกล่าวไม่ค่อยคล่องตัว Dandre ไม่สามารถจ่ายเงินได้เพราะเขาไม่มีเงินจำนวนมากถึงขนาดที่ต้องจ่ายค่าประกันตัวเพื่อปล่อยตัวออกจากคุก การพิจารณาคดีอันทรหดกินเวลานานกว่าหนึ่งปี ผู้ร่วมสมัยกล่าวว่าความโรแมนติคอันน่าหลงใหลสิ้นสุดลงพร้อมกับเงินของผู้อุปถัมภ์ Pavlova ไปต่างประเทศพร้อมกับคณะของ Diaghilev โดยไม่ปฏิเสธสิ่งใด ในปารีส เธอและคู่หูของเธอ Vaslav Nijinsky ประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่งในทันที Diaghilev เดิมพันทุกอย่างกับศิลปินเหล่านี้ เขากำลังเจรจาไม่เพียง แต่ทัวร์ในยุโรป แต่ยังในอเมริกาและออสเตรเลียด้วยเมื่อสิ่งที่ไม่คาดคิดเกิดขึ้น: Pavlova "ทรยศ" Diaghilev โดยการลงนามในสัญญาที่มีกำไร แต่ยากมากและเป็นทาสจริง ๆ สัญญากับหน่วยงานการแสดงละครชื่อดัง "Braff" ในลอนดอน . โดยการลงนามในสัญญานี้ แอนนาได้รับเงินทดรองจ่าย และเธอก็ฝากเงินจำนวนนี้ทันทีเพื่อใช้เป็นเงินมัดจำเพื่อปล่อย Dandre ออกจากคุก
ความภักดีของหงส์
ความลับของทักษะของเธอ
การทัวร์ครั้งแรกในยุโรปทำให้ Anna Pavlova ประสบความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ในปี 1907 เธอเปิดตัวครั้งแรกที่สตอกโฮล์ม หลังจากการแสดงครั้งหนึ่ง ผู้ชมจำนวนมากเดินตามรถม้าของ Pavlova ไปอย่างเงียบ ๆ ไปจนถึงโรงแรม ประชาชนไม่ปรบมือ ไม่พูดคุย ไม่อยากรบกวนการพักผ่อนของศิลปิน ไม่มีใครเหลือแม้แต่ตอนที่นักบัลเล่ต์หายเข้าไปในโรงแรมก็ตาม พาฟโลวาสับสนว่าจะทำอย่างไรดีจนกระทั่งสาวใช้แนะนำว่าควรออกไปที่ระเบียงเพื่อกล่าวขอบคุณ แอนนาได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมืออย่างมากมาย เธอแค่โค้งคำนับ จากนั้นเธอก็รีบเข้าไปในห้องดึงตะกร้าออกมาในเย็นวันนั้นและเริ่มโยนดอกไม้ให้กับฝูงชน: กุหลาบ, ลิลลี่, ไวโอเล็ต, ไลแลค อาจเป็นความลับของความแตกต่างของ Pavlova จากนักเต้นคนอื่น ๆ ที่ฉายแววบนเวทีก่อนและหลังเธอ วางอยู่ในบุคลิกลักษณะเฉพาะของเธอ ผู้ร่วมสมัยกล่าวว่าเมื่อดูที่ Pavlova พวกเขาไม่เห็นการเต้นรำ แต่เป็นศูนย์รวมของความฝันในการเต้นรำ เธอดูโปร่งสบายและแปลกประหลาด บินข้ามเวที มีบางอย่างที่ดูเด็กและบริสุทธิ์ในคำพูดของเธอที่ไม่สอดคล้องกับชีวิตจริง เธอร้องเจี๊ยก ๆ เหมือนนก หน้าแดงเหมือนเด็ก ร้องไห้และหัวเราะอย่างง่ายดาย เคลื่อนตัวจากที่หนึ่งไปอีกที่หนึ่งทันที เธอเป็นแบบนี้มาโดยตลอดทั้งตอนอายุ 15 ปีและ 45 ปี และเธอก็ตกหลุมรักอย่างเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติในขณะที่เธอใช้ชีวิตและเต้นรำ - ทุกครั้งแม้ว่าจะไม่มีอะไรคาดเดาได้ว่าความรักจะจบลงอย่างมีความสุขก็ตาม
ทัวร์ต่างประเทศครั้งแรกของ Anna Pavlova
ตั้งแต่ปี 1908 Anna Pavlova เริ่มออกทัวร์ต่างประเทศ นี่คือวิธีที่ Pavlova นึกถึงทัวร์ครั้งแรกของเธอ: “ การเดินทางครั้งแรกคือไปริกา จากริกาเราไปที่เฮลซิงฟอร์ส โคเปนเฮเกน สตอกโฮล์ม ปราก และเบอร์ลิน ทุกที่ที่ทัวร์ของเราได้รับการต้อนรับราวกับเผยให้เห็นถึงงานศิลปะใหม่ๆ หลายคนจินตนาการว่าชีวิตของนักเต้นเป็นเรื่องไร้สาระ เปล่าประโยชน์. ถ้านักเต้นควบคุมตัวเองไม่ได้ เธอก็จะเต้นได้ไม่นาน เธอต้องเสียสละตัวเองเพื่องานศิลปะของเธอ รางวัลของเธอคือบางครั้งเธอก็สามารถทำให้ผู้คนลืมความเศร้าโศกและความกังวลได้ชั่วครู่ ฉันไปกับคณะบัลเล่ต์รัสเซียที่ไลพ์ซิก ปราก และเวียนนา พวกเราเต้นเพลง "Swan Lake" อันน่ารักของไชคอฟสกี
บัลเล่ต์ "The Dying Swan"
การออกแบบท่าเต้นขนาดจิ๋ว“ The Dying Swan” สำหรับเพลงของ C. Saint-Saëns จัดแสดงให้กับ Pavlova โดยนักออกแบบท่าเต้น Mikhail Fokin ในปี 1907 องค์ประกอบเล็ก ๆ นี้กลายเป็นหมายเลขมงกุฎของ Anna Pavlova เครื่องแต่งกายสำหรับบัลเล่ต์นี้ถูกสร้างขึ้นตามภาพร่างของ Bakst (a ตูตูสีขาวประดับด้วยปีกหงส์ เสื้อท่อนบนประดับขนนกหงส์ หมวกอันเล็กๆ บนศีรษะ เข็มกลัดทับทิมที่หน้าอก เป็นสัญลักษณ์ของเลือดหยดจากหงส์ที่ได้รับบาดเจ็บ) เธอแสดงมันตามคนรุ่นราวคราวเดียวกันอย่างเหนือธรรมชาติโดยสิ้นเชิง ลำแสงสปอตไลต์ส่องลงมาบนเวที ไม่ว่าจะเล็กหรือใหญ่ และตามนักแสดงไป ร่างที่สวมชุดหงส์ปรากฏบนรองเท้าพอยต์โดยหันหลังให้ผู้ชม เธอรีบเร่งซิกแซกอย่างซับซ้อนด้วยความเจ็บปวดจากการเสียชีวิตของเธอ และไม่ได้ถอดรองเท้าพอยต์ของเธอจนกว่าจะสิ้นสุดการแสดง ความแข็งแกร่งของเธออ่อนแอลงเธอถอนตัวจากชีวิตและทิ้งมันไว้ในท่าอมตะโดยบรรยายถึงการลงโทษที่ไพเราะยอมจำนนต่อผู้ชนะ - ความตาย เมื่อนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Camille Saint-Saens เห็นการเต้นรำของ Pavlova เกจิก็ระเบิดออกมา: "มาดามตอนนี้ฉันเข้าใจแล้วว่าฉันเขียนเพลงที่ยอดเยี่ยมอะไร! “ The Dying Swan” กลายเป็นภาพลักษณ์ของจิตวิญญาณของ Anna Pavlova และ “เพลงหงส์” ของเธอ ในการแสดงแต่ละครั้ง Pavlova ได้แสดงแบบด้นสดและในช่วงหลายปีที่ผ่านมาภาพลักษณ์ในการแสดงของเธอก็น่าเศร้ามากขึ้นเรื่อยๆ
The Dying Swan (ครั้งแรก - 1907)Anna Pavlova -The Dying Swanโปสเตอร์67 x 46
อานิสเฟลด์ บอริส อิซเรเลวิช แอนนา พาฟโลวา Dying Swanชิคาโก (สหรัฐอเมริกา) 2473กระดาษบนกระดาษแข็ง สีน้ำ สีปูนขาว สีพาสเทล 74.8 x 54.6 ที่มุมขวาล่างมีข้อความด้วยดินสอสีดำ “Boris Anisf... 1930” พิพิธภัณฑ์โรงละครและศิลปะดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
จีเซลล์.
บัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมใน 2 องก์ ดนตรีโดย A. Adam Libretto โดย J. Saint-Georges, B. Gautier ออกแบบท่าเต้นโดย J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa
ตัวอักษร:
จีเซลล์ สาวชาวนา เบอร์ธา แม่ของเธอ. เจ้าชายอัลเบิร์ตปลอมตัวเป็นชาวนา ดยุคแห่งคอร์แลนด์ บาทิลดา ลูกสาวของเขา คู่หมั้นของอัลเบิร์ต วิลฟริด สไควร์ของอัลเบิร์ต ฮันส์ คนป่าไม้ Mirta นายหญิงแห่ง Willis Zelma, Monna เป็นเพื่อนของ Mirta ติดตาม. นักล่า. ชาวนาหญิงชาวนา วิลลิส" ตามความเชื่อของชาวเยอรมัน วิลลิสคือวิญญาณของเด็กผู้หญิงที่เสียชีวิตก่อนงานแต่งงาน
หมู่บ้านบนภูเขาที่ล้อมรอบด้วยป่าไม้และไร่องุ่น เบื้องหน้าคือบ้านของหญิงชาวนา Bertha หญิงม่ายที่อาศัยอยู่ที่นี่กับ Giselle ลูกสาวของเธอ เคานต์อัลเบิร์ตหลงรักสาวชาวนา Giselle ซ่อนชื่อของเขาไว้ ผู้ชื่นชม Giselle อีกคนซึ่งเป็นเจ้าหน้าที่ป่าไม้ Hans พยายามอธิบายให้เธอฟังว่า Albert ไม่ใช่คนที่เขาอ้างว่าเป็น แต่ Giselle ไม่ต้องการฟังเขา เขามีความคิดที่ว่าโชคร้ายกำลังรอ Giselle และรับรองกับ Giselle อย่างกระตือรือร้นว่าเขาคือ เพื่อนที่ภักดีมากกว่าเขาเธอก็หามันไม่เจอ ได้ยินเสียงแตรล่าสัตว์จากระยะไกล และในไม่ช้า สุภาพสตรีและสุภาพบุรุษที่แต่งตัวเก่งกลุ่มใหญ่ก็ปรากฏตัวขึ้น ในจำนวนนั้น ได้แก่ Duke of Courland และ Bathilda ลูกสาวของเขา ซึ่งเป็นคู่หมั้นของ Albert ร้อนและเหนื่อยจากการล่าสัตว์ก็อยากพักผ่อนเติมความสดชื่นให้ตัวเอง Bertha คึกคักไปรอบโต๊ะ และโค้งคำนับสุภาพบุรุษผู้สูงศักดิ์ จีเซลล์ออกมาจากบ้าน บาทิลดาพอใจกับความงามและเสน่ห์ของจีเซล คนเดียวกันไม่ละสายตาจากบาทิลดา โดยศึกษาทุกรายละเอียดของห้องน้ำของเธอ คนซิมเพิลตันรู้สึกประทับใจเป็นพิเศษกับรถไฟขบวนยาวของลูกสาวของดยุค Bathilda หลงใหลในความเป็นธรรมชาติและความงามของ Giselle และมอบสร้อยคอทองคำให้กับหญิงสาว จีเซลล์รู้สึกยินดีและเขินอายกับของขวัญชิ้นนี้ พ่อของบาทิลดามุ่งหน้าไปที่บ้านของเบอร์ธาเพื่อพักผ่อน นักล่าก็ไปพักผ่อนด้วย
ทำหน้าที่หนึ่ง
Giselle เต้นอย่างดีที่สุดของเธอด้วยความดีใจมาก อัลเบิร์ตเข้าร่วมกับเธอ ทันใดนั้นฮันส์ก็วิ่งเข้ามา ผลักพวกเขาออกไปอย่างเกร็งๆ แล้วชี้ไปที่อัลเบิร์ต ตำหนิเขาเรื่องความไม่ซื่อสัตย์ ทุกคนโกรธเคืองกับความอวดดีของป่าไม้ จากนั้น เพื่อยืนยันคำพูดของเขา ฮันส์จึงแสดงอาวุธของอัลเบิร์ตที่ประดับด้วยอัญมณีล้ำค่า ซึ่งเขาค้นพบในกระท่อมล่าสัตว์ที่อัลเบิร์ตกำลังเปลี่ยนเสื้อผ้า จีเซลล์ตกใจและต้องการคำอธิบายจากอัลเบิร์ต เขาพยายามทำให้เธอสงบลง คว้าดาบของฮันส์ ชักมันออกมา และพุ่งเข้าหาผู้กระทำผิด วิลฟรีดมาถึงทันเวลาและหยุดเจ้านายของเขาเพื่อป้องกันการฆาตกรรม ฮันส์เป่าแตรล่าสัตว์ ผู้เข้าร่วมในการล่าซึ่งนำโดย Duke และ Bathilda ออกจากบ้านด้วยความตื่นตระหนกกับสัญญาณที่ไม่คาดคิด เมื่อเห็นอัลเบิร์ตในชุดชาวนา พวกเขาก็แสดงความประหลาดใจอย่างยิ่ง เขาเขินอายและพยายามอธิบายอะไรบางอย่าง กลุ่มผู้ติดตามของ Duke โค้งคำนับอัลเบิร์ตด้วยความเคารพและแขกผู้สูงศักดิ์ก็ทักทายเขาอย่างอบอุ่นจนหญิงสาวผู้โชคร้ายไม่สงสัยเลยว่าเธอถูกหลอก เมื่ออัลเบิร์ตเข้าใกล้บาทิลด์และจูบมือของเธอ จิเซลล์ก็วิ่งเข้ามาหาเธอแล้วบอกว่าอัลเบิร์ตสาบานว่าจะจงรักภักดีต่อเธอว่าเขารักเธอ ด้วยความโกรธเคืองกับคำกล่าวอ้างของ Giselle บาทิลด์จึงโชว์แหวนแต่งงานของเธอ เธอเป็นคู่หมั้นของอัลเบิร์ต จีเซลล์ฉีกสร้อยคอทองคำที่บาทิลดามอบให้เธอ โยนมันลงบนพื้น และร้องไห้สะอื้น แล้วตกลงไปอยู่ในอ้อมแขนของแม่ ไม่เพียงแต่เพื่อนและชาวบ้านของ Giselle เท่านั้น แต่แม้แต่ข้าราชบริพารของ Duke ก็เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจต่อหญิงสาวผู้โชคร้ายรายนี้ Giselle ตกอยู่ในความสิ้นหวัง จิตใจของเธอขุ่นมัว เธอกำลังจะตาย
ต่อจากองก์แรก องก์สอง
อัลเบิร์ตมาที่สุสานพร้อมกับนายทหาร เขากำลังมองหาหลุมศพของ Giselle นายทหารเตือนโดยเปล่าประโยชน์เกี่ยวกับอันตรายที่อาจเกิดขึ้น Albert ถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพังในความคิดและความเศร้าโศกอย่างลึกซึ้ง ทันใดนั้นเขาก็สังเกตเห็นร่างของจิเซลล์ ไม่เชื่อสายตาเขาจึงรีบไปหาเธอ การมองเห็นจะหายไป จากนั้นเขาก็ปรากฏตัวขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่าราวกับกำลังละลายไปในอากาศ Giselle รู้สึกเศร้าโศกและความสิ้นหวังของเขา เธอให้อภัยอัลเบิร์ต Myrtha สั่งให้เขาเต้นรำ Giselle ขอร้องให้ Myrtha ปล่อย Albert ไป แต่ Willis ยืนกราน Giselle เข้าใกล้หลุมศพของเธอและหายเข้าไปในหลุมนั้น Willis ล้อมรอบ Albert และดึงเขาเข้าสู่การเต้นรำรอบทำลายล้าง อัลเบิร์ตล้มลงแทบเท้าของเมอร์ตาด้วยความเหนื่อยล้า เริ่มสว่างแล้ว เมื่อดวงอาทิตย์ขึ้น วิลลิสก็สูญเสียพลังไป อัลเบิร์ตรอดแล้ว จีเซลล์บอกลาคนรักของเธอ และตอนนี้ตลอดไป อัลเบิร์ตละทิ้งนิมิตยามค่ำคืนอันเลวร้ายและกลับสู่ความเป็นจริง
ความต่อเนื่องขององก์ที่สอง
“ ฤดูกาลรัสเซีย” โดย Sergei Diaghilev
ในปี 1909 พาฟโลวากลายเป็นผู้เข้าร่วมหลักในรายการ "Russian Seasons" ของเซอร์เกย์ เดียกีเลฟในกรุงปารีส ที่นี่เธอได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก เธอเต้นในบัลเล่ต์: "Pavilion of Armida", "La Sylphides" และ "Cleopatra" - นี่คือชื่อของ "Chopiniana" และ "Egyptian Nights" Pavlova ได้แสดงละครทั้งหมดนี้ในรัสเซียแล้ว ในกลุ่มนักแสดงที่มีพรสวรรค์ด้านการแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่นำเสนอโดย Diaghilev ในปารีส แอนนาครองหนึ่งในสถานที่แรกๆ “ฉันพยายามโยนบทกวีที่โปร่งสบายมาคลุมการเต้นรำอยู่เสมอ” เธอกล่าวถึงตัวเธอเอง Divine Anna ทำให้หลายคนหลงรักบัลเล่ต์รัสเซีย เธอสามารถรวบรวมสูตร Pushkin อันโด่งดัง "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ" Sergei Diaghilev ผู้เปิดโรงละครบัลเล่ต์รัสเซียในเมืองหลวงของฝรั่งเศสเชิญ Pavlova และ Vaslav Nezhinsky ที่นั่น ,ไม่ได้คำนวณผิด. พวกเขาเริ่มพูดถึงโรงละครรัสเซีย ผู้คนจากสังคมชั้นสูงเริ่มมาเยี่ยมชม ผู้คนจากทั่วยุโรปเพื่อดูนักบัลเล่ต์ชาวรัสเซีย โรงละครได้รับเชิญไปยังออสเตรเลียและอเมริกา อนาคตดูน่าดึงดูดและสดใสมาก แต่ Pavlova ไม่ได้แสดงใน "Russian Seasons" เป็นเวลานาน เธอต้องการอิสระในการสร้างสรรค์
แสตมป์แห่งรัสเซีย พ.ศ. 2543 Sergei Diaghilev และฤดูกาลของรัสเซีย
คณะของพาฟโลวา
พาฟโลวาไปเที่ยวกับคณะของเธอด้วยความสำเร็จอย่างมีชัยในหลายประเทศทั่วโลก เธอเป็นคนแรกที่เปิดบัลเล่ต์รัสเซียในอเมริกาซึ่งเป็นครั้งแรกที่การแสดงบัลเล่ต์เริ่มแสดงอย่างเต็มประสิทธิภาพ คณะประกอบด้วยนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียและนักเต้นชาวรัสเซียเป็นส่วนใหญ่ เธอได้สร้างสรรค์ท่าเต้นขนาดจิ๋วใหม่ๆ ร่วมกับพวกเขา เส้นทางการทัวร์ของเธอครอบคลุมทั้งเอเชียและตะวันออกไกล เบื้องหลังการแสดงที่ยอดเยี่ยมคือการทำงานหนัก กว่า 22 ปีที่ทัวร์ไม่รู้จบ Pavlova เดินทางด้วยรถไฟมากกว่าครึ่งล้านกิโลเมตร ตามการประมาณการคร่าวๆ เธอให้การแสดงประมาณ 9,000 ครั้ง มันเป็นงานที่ยากจริงๆ มีช่วงหนึ่งที่ Ninolini ปรมาจารย์ชาวอิตาลีสร้างรองเท้าบัลเล่ต์ให้กับ Anna Pavlova โดยเฉลี่ยปีละสองพันคู่และเธอก็แทบจะไม่มีเพียงพอ ทัวร์ครั้งสุดท้ายของนักบัลเล่ต์ในรัสเซียเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 3 มิถุนายน พ.ศ. 2457 นักบัลเล่ต์แสดงที่บ้านประชาชนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ที่สถานี Pavlovsky และที่โรงละคร Mirror ของสวน Moscow Hermitage ละครรวมถึง "The Dying Swan", "Bacchanalia" และภาพย่อส่วนอื่นๆ ของเธอ เธอไม่เคยกลับบ้านเกิดของเธอ แต่พาฟโลวาก็ไม่แยแสกับสถานการณ์ในรัสเซีย ในช่วงปีหลังการปฏิวัติที่ยากลำบาก เธอได้ส่งพัสดุให้กับนักเรียนของโรงเรียนบัลเลต์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โอนเงินจำนวนมากให้กับผู้อดอยากในภูมิภาคโวลก้า และจัดการแสดงการกุศลเพื่อช่วยเหลือผู้ขัดสนในบ้านเกิดของพวกเขา
ความทรงจำของนักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่
Victor Dandre ซึ่งสร้างกลุ่มแฟน ๆ ของภรรยาชื่อดังของเขาต้องการเพียงสิ่งเดียวเท่านั้น - เพื่อให้นักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 เป็นที่จดจำไปอีกหลายปี น่าเสียดายที่สโมสรอยู่ได้ไม่นาน อย่างไรก็ตามชื่อของนักบัลเล่ต์ชาวรัสเซีย Anna Pavlova ในตำนานได้เข้าสู่ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์โลกมาโดยตลอด ในฮอลแลนด์ ดอกทิวลิปหลากหลายชนิดพิเศษได้รับการอบรมเพื่อเป็นเกียรติแก่เธอ - Anna Pavlova และในออสเตรเลียพวกเขามีอาหารอันโอชะอันประณีต - ของหวานโปร่งสบายที่ทำจากเมอแรงค์วิปครีมและผลเบอร์รี่ป่าที่เรียกว่า Pavlova (โดยเน้นที่ตัวอักษร "o") พาฟโลวามีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เธอไม่มีตำแหน่งที่มีชื่อเสียง ไม่เหลือผู้ติดตามหรือโรงเรียน หลังจากที่เธอเสียชีวิต คณะของเธอถูกยุบและทรัพย์สินของเธอถูกขายออกไป ภาพยนตร์สารคดีและสารคดีอุทิศให้กับเธอ (Anna Pavlova, 1983 และ 1985) นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส R. Petit จัดแสดงบัลเล่ต์ "My Pavlova" ในรูปแบบดนตรีประกอบ ตัวเลขจากละครของเธอเต้นโดยนักบัลเล่ต์ชั้นนำของโลก
http://www.krugosvet.ru/articles/62/1006291/1006291a1.htm
http://www.peoples.ru/art/theatre/ballet/pavlova/
http://persona.rin.ru/view/f/0/10023/pavlova-anna-pavlovna
Anna Pavlova ในออสเตรเลีย – 1926, 1929 Tours - สื่อที่จัดขึ้นโดยหอสมุดแห่งชาติออสเตรเลีย
รูปภาพของ Anna Pavlova - ดิจิทัลและจัดขึ้นโดยหอสมุดแห่งชาติออสเตรเลีย
คำคมสร้างสรรค์จาก Anna Pavlova(1881-1931)
Andros บนบัลเล่ต์
การบูชานางเอก: Anna Pavlova, The Swan
ลิงค์
ประวัติศาสตร์ ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยการกระทำหรืออารมณ์เดียว เป็นตอนหนึ่งของการแสดงดนตรีหรือโอเปร่า บัลเลต์ในราชสำนักยืมมาจากอิตาลีและรุ่งเรืองเฟื่องฟูในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงพิธีการอันงดงาม พื้นฐานทางดนตรีของบัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) คือการเต้นรำพื้นบ้านและราชสำนักซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดโบราณ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น เช่น คอมเมดี้-บัลเล่ต์ โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งมีการมอบสถานที่สำคัญให้กับดนตรีบัลเล่ต์และมีความพยายามที่จะแสดงละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะบนเวทีที่เป็นอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. J. Nover บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากสุนทรียศาสตร์แบบฝรั่งเศส มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยการกระทำหรืออารมณ์เดียว การแสดงดนตรี หรือโอเปร่า บัลเลต์ในราชสำนักยืมมาจากอิตาลีและรุ่งเรืองเฟื่องฟูในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงพิธีการอันงดงาม พื้นฐานทางดนตรีของบัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) คือการเต้นรำพื้นบ้านและราชสำนักซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดโบราณ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น เช่น คอมเมดี้-บัลเล่ต์ โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งมีการมอบสถานที่สำคัญให้กับดนตรีบัลเล่ต์และมีความพยายามที่จะแสดงละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะบนเวทีที่เป็นอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. J. Nover ขึ้นอยู่กับสุนทรียศาสตร์ของโอเปร่าฝรั่งเศส - อิตาลีเรอเนซองส์ XVIII 1581 ชุด XVII ตลก - บัลเล่ต์ - โอเปร่า - บัลเล่ต์ละครโดย XVIII นักออกแบบท่าเต้น J. Noveromestheticsอิตาลีเรอเนซองส์XVIโอเปร่า1581ชุดXVIIตลก-บัลเล่ต์-บัลเล่ต์ละครXVIIIนักออกแบบท่าเต้นJ. ใหม่สำหรับสุนทรียภาพของการตรัสรู้ เขาสร้างการแสดงที่เนื้อหาถูกเปิดเผยในภาพพลาสติกที่แสดงออกอย่างน่าทึ่ง และอนุมัติบทบาทที่กระตือรือร้นของดนตรีว่าเป็น “โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น” x ผู้รู้แจ้ง เขาสร้างการแสดงโดยเปิดเผยเนื้อหาในภาพพลาสติกที่แสดงออกอย่างน่าทึ่ง และอนุมัติบทบาทที่กระตือรือร้นของดนตรีว่าเป็น "โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น"
การพัฒนาบัลเล่ต์เพิ่มเติมโดย Edgar Degas การซ้อมบัลเล่ต์ของเอ็ดการ์ เดอกาส์ การซ้อมบัลเล่ต์ การพัฒนาและการออกดอกของบัลเล่ต์เพิ่มเติมเกิดขึ้นในยุคของแนวโรแมนติก การพัฒนาและการออกดอกของบัลเล่ต์เพิ่มเติมเกิดขึ้นในยุคแห่งความโรแมนติก ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรง (ตูตู) ของเธอให้สั้นลงและสวมส้นเท้าที่ทิ้งไป ซึ่งทำให้เธอสามารถนำความลื่นไถลมาสู่การเต้นรำของเธอได้ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์จะเบาและอิสระมากขึ้นซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรง (ตูตู) ของเธอให้สั้นลงและสวมส้นเท้าที่ทิ้งไป ซึ่งทำให้เธอสามารถนำความลื่นไถลมาสู่การเต้นรำของเธอได้ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์จะเบาและอิสระมากขึ้นซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำบนปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni XVIIICamargopachkuzanoskipointeMaria TaglioniXVIIICamargopachkuzanoskipointeMaria Taglioni การแสดงบัลเล่ต์จำเป็นต้องมีการพัฒนาดนตรีบัลเล่ต์ เบโธเฟนในบัลเล่ต์ของเขาเรื่อง "The Works of Prometheus" (1801) ได้พยายามครั้งแรกในการประสานเสียงบัลเล่ต์ ทิศทางที่โรแมนติกถูกกำหนดไว้ในบัลเล่ต์ของอดัม Giselle (1841) และ Corsair (1856) บัลเล่ต์ของ Delibes Coppélia (1870) และ Sylvia (1876) ถือเป็นบัลเล่ต์ซิมโฟนีชุดแรก ในเวลาเดียวกันแนวทางดนตรีบัลเล่ต์ที่เรียบง่ายก็เกิดขึ้น (ในบัลเล่ต์ของ C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo ฯลฯ ) เป็นดนตรีที่ไพเราะมีจังหวะชัดเจนทำหน้าที่เป็นดนตรีประกอบการเต้นรำเท่านั้น Beethoven 1801Adana Delibes 1876 Beethoven 1801 Adana Delibes 1876 บัลเล่ต์ในรัสเซีย บัลเล่ต์ในรัสเซีย
ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช ในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye ใกล้กรุงมอสโก เอกลักษณ์ประจำชาติของบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่างเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ด้วยผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส S.-L. ดิดโล. Didelot เสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์ ความเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ และให้ความสำคัญกับการเต้นรำของผู้หญิงเป็นอันดับแรก ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช ในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye ใกล้กรุงมอสโก เอกลักษณ์ประจำชาติของบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่างเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ด้วยผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส S.-L. ดิดโล. Didelot เสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์การเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและละครใบ้และยืนยันลำดับความสำคัญของการเต้นรำของผู้หญิง รัสเซีย 8 กุมภาพันธ์ 1673 Alexei MikhailovichXIXSH.-L. Didlo แห่งคณะบัลเล่ต์แห่งรัสเซีย 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 โดย Alexei MikhailovichXIXSH.-L. Didlo of the corps de ballet การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์อย่างแท้จริงเกิดขึ้นโดย Tchaikovsky ซึ่งนำการพัฒนาซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่องเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างที่ลึกซึ้งและการแสดงออกที่น่าทึ่งมาใช้ ดนตรีบัลเล่ต์ของเขา "Swan Lake" (1877), "Sleeping Beauty" (1890) และ "The Nutcracker" (1892) ได้รับพร้อมกับดนตรีไพเราะ ความสามารถในการเปิดเผยกระแสภายในของการกระทำ เพื่อรวบรวม ตัวละครของตัวละครในการมีปฏิสัมพันธ์ พัฒนาการ และการต่อสู้ การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์อย่างแท้จริงเกิดขึ้นโดยไชคอฟสกี้ ผู้ซึ่งนำการพัฒนาซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่อง เนื้อหาเชิงอุปมาอุปไมยที่ลึกซึ้ง และการแสดงออกทางอารมณ์มาใช้ ดนตรีบัลเล่ต์ของเขา "Swan Lake" (1877), "The Sleeping Beauty" (1890), "The Nutcracker" (1892) ได้มาพร้อมกับความสามารถในการไพเราะในการเปิดเผยกระแสภายในของการกระทำเพื่อรวบรวม ตัวละครของตัวละครในการโต้ตอบ การพัฒนา และการต่อสู้ Tchaikovsky 2433 The Nutcracker 2435 Tchaikovsky 2433 The Nutcracker 2435 จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 ถูกทำเครื่องหมายด้วยการค้นหาที่สร้างสรรค์ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบเหมารวมและแบบแผนของบัลเล่ต์เชิงวิชาการของศตวรรษที่ 19 จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบเหมารวมและแบบแผนของบัลเล่ต์เชิงวิชาการแห่งศตวรรษที่ 19
การเต้นรำสมัยใหม่ การเต้นรำสมัยใหม่ การเต้นรำสมัยใหม่เป็นทิศทางในศิลปะการเต้นรำที่ปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการละทิ้งบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น การเต้นรำสมัยใหม่เป็นทิศทางในศิลปะการเต้นรำที่ปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการออกจากบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น การเต้นรำสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 การเต้นรำสมัยใหม่ของบัลเล่ต์ในศตวรรษที่ 20 ได้รับแรงบันดาลใจจากการเต้นรำแบบอิสระ ผู้สร้างซึ่งไม่สนใจเทคนิคการเต้นรำหรือท่าเต้นใหม่ๆ มากนัก แต่สนใจในการเต้นรำในฐานะปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ การเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (Isadora Duncan ถือเป็นผู้ก่อตั้ง) ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของกระแสมากมายในการเต้นรำสมัยใหม่และเป็นแรงผลักดันในการปฏิรูปบัลเล่ต์เอง บัลเลต์ได้รับแรงบันดาลใจจากการเต้นรำแบบฟรี ซึ่งผู้สร้างไม่สนใจเทคนิคการเต้นหรือท่าเต้นใหม่ๆ มากนัก แต่สนใจในการเต้นในฐานะปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ การเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (Isadora Duncan ถือเป็นผู้ก่อตั้ง) ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของกระแสมากมายในการเต้นรำสมัยใหม่และให้แรงผลักดันในการปฏิรูปบัลเล่ต์เอง การเต้นรำฟรี Isadora Duncan การเต้นรำฟรี Isadora Duncan
Giselle เต้นอย่างดีที่สุดของเธอด้วยความดีใจมาก อัลเบิร์ตเข้าร่วมกับเธอ ทันใดนั้นฮันส์ก็วิ่งเข้ามา ผลักพวกเขาออกไปอย่างเกร็งๆ แล้วชี้ไปที่อัลเบิร์ต ตำหนิเขาเรื่องความไม่ซื่อสัตย์ ทุกคนโกรธเคืองกับความอวดดีของป่าไม้ จากนั้น เพื่อยืนยันคำพูดของเขา ฮันส์จึงแสดงอาวุธของอัลเบิร์ตที่ประดับด้วยอัญมณีล้ำค่า ซึ่งเขาค้นพบในกระท่อมล่าสัตว์ที่อัลเบิร์ตกำลังเปลี่ยนเสื้อผ้า จีเซลล์ตกใจและต้องการคำอธิบายจากอัลเบิร์ต เขาพยายามทำให้เธอสงบลง คว้าดาบของฮันส์ ชักมันออกมา และพุ่งเข้าหาผู้กระทำผิด วิลฟรีดมาถึงทันเวลาและหยุดเจ้านายของเขาเพื่อป้องกันการฆาตกรรม ฮันส์เป่าแตรล่าสัตว์ ผู้เข้าร่วมในการล่าซึ่งนำโดย Duke และ Bathilda ออกจากบ้านด้วยความตื่นตระหนกกับสัญญาณที่ไม่คาดคิด เมื่อเห็นอัลเบิร์ตในชุดชาวนา พวกเขาก็แสดงความประหลาดใจอย่างยิ่ง เขาสับสนและพยายามอธิบายบางสิ่งบางอย่าง ผู้ติดตามของ Duke โค้งคำนับอัลเบิร์ตด้วยความเคารพ และแขกผู้สูงศักดิ์ก็ทักทายเขาอย่างจริงใจจนหญิงสาวผู้โชคร้ายไม่สงสัยเลยว่าเธอถูกหลอก เมื่ออัลเบิร์ตเข้าใกล้บาทิลด์และจูบมือของเธอ จิเซลล์ก็วิ่งเข้ามาหาเธอแล้วบอกว่าอัลเบิร์ตสาบานว่าจะจงรักภักดีต่อเธอว่าเขารักเธอ ด้วยความโกรธเคืองกับคำกล่าวอ้างของ Giselle บาทิลด์จึงโชว์แหวนแต่งงานของเธอ เธอเป็นคู่หมั้นของอัลเบิร์ต จีเซลล์ฉีกสร้อยคอทองคำที่บาทิลดามอบให้เธอ โยนมันลงบนพื้น และร้องไห้สะอื้น แล้วตกลงไปอยู่ในอ้อมแขนของแม่ ไม่เพียงแต่เพื่อนและชาวบ้านของ Giselle เท่านั้น แต่แม้แต่ข้าราชบริพารของ Duke ก็เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจต่อหญิงสาวผู้โชคร้ายรายนี้ Giselle ตกอยู่ในความสิ้นหวัง จิตใจของเธอขุ่นมัว เธอกำลังจะตาย
