ผลงานของ Dmitry Shostakovich นักดนตรีและบุคคลสาธารณะผู้ยิ่งใหญ่ของโซเวียต นักแต่งเพลง นักเปียโน และอาจารย์ ได้รับการสรุปโดยย่อในบทความนี้
ผลงานของโชสตาโควิชโดยย่อ
เพลงของ Dmitry Shostakovich มีความหลากหลายและหลากหลายแนวเพลง มันได้กลายเป็นวัฒนธรรมดนตรีคลาสสิกของโซเวียตและโลกของศตวรรษที่ 20 ความสำคัญของผู้แต่งในฐานะนักซิมโฟนิสต์นั้นมีมหาศาล เขาสร้างซิมโฟนี 15 บทที่มีแนวคิดเชิงปรัชญาอันลึกซึ้ง โลกที่ซับซ้อนที่สุดของประสบการณ์ของมนุษย์ ความขัดแย้งที่น่าเศร้าและเฉียบพลัน ผลงานดังกล่าวเต็มไปด้วยเสียงของศิลปินแนวมนุษยนิยมที่ต่อสู้กับความชั่วร้ายและความอยุติธรรมทางสังคม สไตล์เฉพาะตัวที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเลียนแบบประเพณีที่ดีที่สุดของดนตรีรัสเซียและดนตรีต่างประเทศ (Mussorgsky, Tchaikovsky, Beethoven, Bach, Mahler) ซิมโฟนีแรกของปี 1925 แสดงให้เห็นลักษณะที่ดีที่สุดของสไตล์ของ Dmitri Shostakovich:
- โพลิโฟไนเซชันของพื้นผิว
- พลวัตของการพัฒนา
- อารมณ์ขันและการประชด
- เนื้อเพลงที่ละเอียดอ่อน
- การเปลี่ยนแปลงเป็นรูปเป็นร่าง
- ใจความ
- ตัดกัน
ซิมโฟนีครั้งแรกทำให้เขามีชื่อเสียง ต่อมาเขาเรียนรู้ที่จะผสมผสานสไตล์และเสียงเข้าด้วยกัน อย่างไรก็ตาม Dmitry Shostakovich เลียนแบบเสียงปืนใหญ่ในซิมโฟนีที่ 9 ของเขาซึ่งอุทิศให้กับการปิดล้อมเลนินกราด คุณคิดว่าเครื่องดนตรีชนิดใดที่ Dmitry Shostakovich เคยเลียนแบบเสียงนี้ เขาทำเช่นนี้ด้วยความช่วยเหลือของกลองทิมปานี
ในซิมโฟนีที่ 10 ผู้แต่งได้แนะนำเทคนิคการเติมน้ำเสียงและการขยายเสียงเพลง งานสองชิ้นถัดไปถูกทำเครื่องหมายโดยหันไปใช้การเขียนโปรแกรม
นอกจากนี้โชสตาโควิชยังสนับสนุนการพัฒนาละครเพลงอีกด้วย จริงอยู่ กิจกรรมของเขาจำกัดอยู่แค่บทความบรรณาธิการในหนังสือพิมพ์เท่านั้น โอเปร่า The Nose ของ Shostakovich เป็นศูนย์รวมดนตรีดั้งเดิมของเรื่องราวของ Gogol อย่างแท้จริง มีความโดดเด่นด้วยเทคนิคการเรียบเรียงที่ซับซ้อน ฉากทั้งมวลและฝูงชน การเปลี่ยนแปลงตอนต่างๆ ที่หลากหลายและขัดแย้งกัน สถานที่สำคัญในงานของ Dmitry Shostakovich คือโอเปร่า "Lady Macbeth of Mtsensk" เธอโดดเด่นด้วยความคมชัดของการเสียดสีในลักษณะของตัวละครเชิงลบ เนื้อเพลงที่เป็นแรงบันดาลใจ และโศกนาฏกรรมที่รุนแรงและประเสริฐ
Mussorgsky ยังมีอิทธิพลต่องานของ Shostakovich สิ่งนี้เห็นได้จากความจริงและความสมบูรณ์ของภาพบุคคลทางดนตรี ความลึกซึ้งทางจิตวิทยา ลักษณะทั่วไปของเพลง และน้ำเสียงพื้นบ้าน ทั้งหมดนี้ปรากฏในบทกวีร้องประสานเสียง "The Execution of Stepan Razin" ในวงจรเสียงร้องที่เรียกว่า "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว" Dmitry Shostakovich ได้รับการยกย่องที่สำคัญสำหรับวงออเคสตราของ Khovanshchina และ Boris Godunov และการเรียบเรียงวงจรเสียงร้องของ Mussorgsky Songs and Dances of Death
เหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางดนตรีของสหภาพโซเวียตคือการปรากฏตัวของคอนเสิร์ตสำหรับเปียโน ไวโอลิน และเชลโลพร้อมวงออเคสตรา และงานแชมเบอร์ที่เขียนโดยโชสตาโควิช ซึ่งรวมถึงวงเครื่องสาย 15 วง ฟิวก์ และพรีลูดสำหรับเปียโน 24 วง วงเมมโมรีทรีโอ วงดนตรีเปียโน และวงจรโรแมนติก
ผลงานของมิทรี ชอสตาโควิช- "ผู้เล่น", "จมูก", "เลดี้แมคเบ ธ แห่ง Mtsensk", "ยุคทอง", "ลำธารที่สดใส", "เพลงแห่งป่า", "มอสโก - Cheryomushki", "บทกวีเกี่ยวกับมาตุภูมิ", "การประหารชีวิต Stepan Razin”, “Hymn to Moscow”, “Festive Overture”, “ตุลาคม”
ในฤดูใบไม้ผลิปี 2469 วง Leningrad Philharmonic Orchestra ซึ่งดำเนินการโดย Nikolai Malko ได้เล่นเป็นครั้งแรกในซิมโฟนีแรกของ Dmitry Dmitrievich Shostakovich (2449 - 2518) ในจดหมายถึงนักเปียโน Kyiv L. Izarova N. Malko เขียนว่า:“ ฉันเพิ่งกลับมาจากคอนเสิร์ต ฉันได้แสดงซิมโฟนีของ Leningrader Mitya Shostakovich รุ่นเยาว์เป็นครั้งแรก ฉันรู้สึกว่าได้เปิดหน้าใหม่แล้ว ในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซีย”
การรับซิมโฟนีจากสาธารณชน วงออเคสตรา และสื่อมวลชนไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพียงความสำเร็จ แต่เป็นชัยชนะ เช่นเดียวกับขบวนแห่ของเธอผ่านเวทีซิมโฟนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski โน้มน้าวโน้ตของซิมโฟนี สำหรับพวกเขา ผู้ควบคุมวงและนักคิด ความสัมพันธ์ระหว่างระดับทักษะและอายุของผู้เขียนดูเหมือนจะไม่น่าเชื่อ ฉันรู้สึกทึ่งกับอิสรภาพอันสมบูรณ์ที่นักแต่งเพลงวัย 19 ปียอมสละทรัพยากรทั้งหมดของวงออเคสตราเพื่อบรรลุแนวคิดของเขา และความคิดต่างๆ เองก็เต็มไปด้วยความสดชื่นในฤดูใบไม้ผลิ
ซิมโฟนีของโชสตาโควิชเป็นซิมโฟนีแรกจากโลกใหม่อย่างแท้จริงซึ่งมีพายุฝนฟ้าคะนองในเดือนตุลาคมพัดถล่ม ความแตกต่างที่โดดเด่นระหว่างดนตรีที่เต็มไปด้วยความร่าเริง พลังหนุ่มสาวที่เบ่งบานอย่างมีชีวิตชีวา เนื้อเพลงที่ละเอียดอ่อนและขี้อาย และศิลปะการแสดงออกที่เศร้าหมองของศิลปินร่วมสมัยจากต่างประเทศหลายคนของโชสตาโควิช
โชสตาโควิชก้าวเข้าสู่วัยผู้ใหญ่อย่างมั่นใจโดยผ่านช่วงวัยเยาว์ตามปกติ โรงเรียนที่ยอดเยี่ยมแห่งนี้ทำให้เขามีความมั่นใจเช่นนี้ เขาเป็นชาวเลนินกราด เขาได้รับการศึกษาภายในกำแพงของ Leningrad Conservatory ในชั้นเรียนของนักเปียโน L. Nikolaev และนักแต่งเพลง M. Steinberg Leonid Vladimirovich Nikolaev ผู้ก่อตั้งสาขาที่มีผลมากที่สุดแห่งหนึ่งของโรงเรียนเปียโนโซเวียตในฐานะนักแต่งเพลงเป็นนักเรียนของ Taneyev ซึ่งในทางกลับกันก็เป็นนักเรียนของ Tchaikovsky Maximilian Oseevich Steinberg เป็นนักเรียนของ Rimsky-Korsakov และเป็นผู้ติดตามหลักการและวิธีการสอนของเขา จากอาจารย์ของพวกเขา Nikolaev และ Steinberg ได้รับความเกลียดชังจากความสมัครเล่นโดยสิ้นเชิง ในชั้นเรียนของพวกเขามีจิตวิญญาณแห่งความเคารพอย่างสุดซึ้งต่องาน สำหรับสิ่งที่ Ravel ชอบเรียกด้วยคำว่า metier - งานฝีมือ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมวัฒนธรรมแห่งความเชี่ยวชาญจึงสูงมากในงานสำคัญชิ้นแรกของนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์
หลายปีผ่านไปตั้งแต่นั้นมา มีเพิ่มอีกสิบสี่รายการใน First Symphony สิบห้าควอเตต, ทรีโอสองอัน, โอเปร่าสองตัว, บัลเล่ต์สามตัว, เปียโนสองตัว, ไวโอลินสองตัวและเชลโลคอนแชร์โตสองตัว, วงจรโรแมนติก, คอลเลกชันของเปียโนโหมโรงและความทรงจำ, แคนทาทาส, oratorios, ดนตรีสำหรับภาพยนตร์หลายเรื่องและการแสดงละครปรากฏขึ้น
ช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์ของ Shostakovich เกิดขึ้นพร้อมกับปลายทศวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นช่วงเวลาของการอภิปรายอย่างดุเดือดในประเด็นสำคัญของวัฒนธรรมศิลปะโซเวียตเมื่อรากฐานของวิธีการและรูปแบบของศิลปะโซเวียต - สัจนิยมสังคมนิยม - ตกผลึก เช่นเดียวกับตัวแทนคนหนุ่มสาวจำนวนมาก และไม่เพียงแต่คนรุ่นใหม่ของกลุ่มปัญญาชนด้านศิลปะโซเวียตเท่านั้น Shostakovich ยังได้แสดงความเคารพต่อความหลงใหลในผลงานทดลองของผู้กำกับ V. E. Meyerhold โอเปร่าของ Alban Berg ("Wozzeck"), Ernst Kshenek ("Jumping) Over the Shadow", "Johnny") ผลงานบัลเล่ต์โดย Fyodor Lopukhov
การผสมผสานระหว่างความแปลกประหลาดเฉียบพลันกับโศกนาฏกรรมอันลึกซึ้งซึ่งเป็นเรื่องปกติของปรากฏการณ์ศิลปะการแสดงออกหลายอย่างที่มาจากต่างประเทศก็ดึงดูดความสนใจของนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ด้วย ในเวลาเดียวกันความชื่นชมต่อ Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka และ Berlioz ยังคงอยู่ในตัวเขาเสมอ ครั้งหนึ่งเขากังวลเกี่ยวกับมหากาพย์ซิมโฟนิกอันยิ่งใหญ่ของมาห์เลอร์: ปัญหาเชิงลึกด้านจริยธรรมที่มีอยู่ในนั้น: ศิลปินและสังคม ศิลปิน และความทันสมัย แต่ไม่มีผู้แต่งคนใดในยุคอดีตที่ทำให้เขาตกใจมากเท่ากับ Mussorgsky
ในช่วงเริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของโชสตาโควิช ในช่วงเวลาแห่งการค้นหา งานอดิเรก และความขัดแย้ง โอเปร่าของเขาเรื่อง "The Nose" (1928) ถือกำเนิดขึ้น - หนึ่งในผลงานที่มีการโต้เถียงกันมากที่สุดในวัยสร้างสรรค์ของเขา ในโอเปร่าที่สร้างจากโครงเรื่องของ Gogol นี้ ผ่านอิทธิพลที่จับต้องได้ของ "The Government Inspector" ของ Meyerhold และความแปลกประหลาดทางดนตรี ทำให้มองเห็นลักษณะที่สดใสซึ่งทำให้ "The Nose" คล้ายกับโอเปร่า "Marriage" ของ Mussorgsky “ The Nose” มีบทบาทสำคัญในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของโชสตาโควิช
จุดเริ่มต้นของยุค 30 ถูกทำเครื่องหมายไว้ในชีวประวัติของผู้แต่งด้วยผลงานประเภทต่างๆ นี่คือบัลเล่ต์ "The Golden Age" และ "Bolt" เพลงสำหรับการผลิตของ Meyerhold ในละคร "The Bedbug" ของ Mayakovsky เพลงสำหรับการแสดงหลายครั้งของ Leningrad Theatre of Working Youth (TRAM) และสุดท้ายเป็นการเข้าสู่ภาพยนตร์ครั้งแรกของ Shostakovich การสร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Alone", "Golden Mountains", "Counter"; ดนตรีเพื่อความหลากหลายและการแสดงละครสัตว์ของ Leningrad Music Hall "Conditionally Killed"; การสื่อสารอย่างสร้างสรรค์กับศิลปะที่เกี่ยวข้อง เช่น บัลเล่ต์ ละคร ภาพยนตร์ การเกิดขึ้นของวงจรโรแมนติกครั้งแรก (อิงจากบทกวีของกวีชาวญี่ปุ่น) เป็นข้อพิสูจน์ถึงความต้องการของผู้แต่งในการทำให้โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรีเป็นรูปธรรม
ศูนย์กลางในบรรดาผลงานของโชสตาโควิชในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 30 ถูกครอบครองโดยโอเปร่า "Lady Macbeth of Mtsensk" ("Katerina Izmailova") พื้นฐานของละครคือผลงานของ N. Leskov ซึ่งเป็นประเภทที่ผู้เขียนกำหนดด้วยคำว่า "เรียงความ" ราวกับว่าเป็นการเน้นความถูกต้องความน่าเชื่อถือของเหตุการณ์และตัวละครในแนวตั้งของตัวละคร เพลงของ "Lady Macbeth" เป็นเรื่องราวที่น่าสลดใจเกี่ยวกับยุคอันเลวร้ายของการปกครองแบบเผด็จการและความไร้กฎหมายเมื่อทุกสิ่งในมนุษย์ศักดิ์ศรีความคิดแรงบันดาลใจความรู้สึกของเขาถูกฆ่าตาย เมื่อสัญชาตญาณดั้งเดิมถูกเก็บภาษีและควบคุมการกระทำและชีวิตเองถูกใส่กุญแจมือเดินไปตามทางหลวงที่ไม่มีที่สิ้นสุดของรัสเซีย หนึ่งในนั้นโชสตาโควิชเห็นนางเอกของเขา - อดีตภรรยาของพ่อค้าซึ่งเป็นนักโทษซึ่งจ่ายราคาเต็มเพื่อความสุขทางอาญาของเธอ ฉันเห็นมันและเล่าชะตากรรมของเธออย่างตื่นเต้นในโอเปร่าของฉัน
ความเกลียดชังต่อโลกเก่า โลกแห่งความรุนแรง การโกหก และไร้มนุษยธรรมปรากฏอยู่ในผลงานของโชสตาโควิชหลายชิ้นในประเภทต่างๆ เธอเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับภาพลักษณ์เชิงบวกที่แข็งแกร่งที่สุด ซึ่งเป็นแนวคิดที่กำหนดลัทธิทางศิลปะและสังคมของโชสตาโควิช ศรัทธาในพลังที่ไม่อาจต้านทานของมนุษย์, ความชื่นชมในความร่ำรวยของโลกฝ่ายวิญญาณ, ความเห็นอกเห็นใจต่อความทุกข์ทรมานของเขา, ความกระหายอันแรงกล้าที่จะมีส่วนร่วมในการต่อสู้เพื่ออุดมคติอันสดใสของเขา - สิ่งเหล่านี้เป็นคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของลัทธิความเชื่อนี้ มันแสดงออกมาอย่างเต็มที่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานหลักที่สำคัญของเขา หนึ่งในสิ่งที่สำคัญที่สุดคือ Fifth Symphony ซึ่งปรากฏในปี 1936 ซึ่งเริ่มต้นเวทีใหม่ในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงซึ่งเป็นบทใหม่ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโซเวียต ในซิมโฟนีนี้ซึ่งสามารถเรียกได้ว่าเป็น "โศกนาฏกรรมในแง่ดี" ผู้เขียนมาถึงปัญหาเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของการก่อตัวของบุคลิกภาพของคนร่วมสมัยของเขา
เมื่อพิจารณาจากดนตรีของโชสตาโควิช แนวซิมโฟนีเป็นเวทีสำหรับเขามาโดยตลอดซึ่งควรแสดงเฉพาะสุนทรพจน์ที่สำคัญที่สุดและร้อนแรงที่สุดซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุเป้าหมายทางจริยธรรมสูงสุดเท่านั้น เวทีซิมโฟนีไม่ได้ถูกสร้างขึ้นเพื่อความมีคารมคมคาย นี่เป็นจุดเริ่มต้นสำหรับความคิดเชิงปรัชญาที่เข้มแข็งต่อสู้เพื่ออุดมคติของมนุษยนิยมประณามความชั่วร้ายและความต่ำต้อยราวกับยืนยันจุดยืนของ Goethean อันโด่งดังอีกครั้ง:
มีเพียงเขาเท่านั้นที่คู่ควรกับความสุขและอิสรภาพ และทุกวันเขาจะต่อสู้เพื่อพวกเขา! เป็นสิ่งสำคัญที่จะไม่มีซิมโฟนีสักเพลงหนึ่งในสิบห้าเพลงที่เขียนโดยโชสตาโควิชที่แยกจากยุคปัจจุบัน เพลงแรกถูกกล่าวถึงข้างต้น เพลงที่สองเป็นการอุทิศให้กับเดือนตุลาคม เพลงที่สามคือ "วันเมย์" ในนั้นผู้แต่งหันไปหาบทกวีของ A. Bezymensky และ S. Kirsanov เพื่อเผยให้เห็นถึงความสุขและความเคร่งขรึมของการเฉลิมฉลองการปฏิวัติที่ส่องสว่างในตัวพวกเขาให้ชัดเจนยิ่งขึ้น
แต่ด้วยซิมโฟนีที่สี่ซึ่งเขียนขึ้นในปี 2479 พลังชั่วร้ายและมนุษย์ต่างดาวบางคนได้เข้าสู่โลกแห่งความเข้าใจชีวิตความดีและความเป็นมิตรอย่างสนุกสนาน เธอใช้รูปแบบที่แตกต่างกัน ที่ไหนสักแห่งที่เธอเหยียบย่ำบนพื้นอย่างหยาบๆ ที่ปกคลุมไปด้วยต้นไม้เขียวขจีในฤดูใบไม้ผลิ ด้วยรอยยิ้มเหยียดหยาม เธอทำให้ความบริสุทธิ์และความจริงใจเป็นมลทิน เธอโกรธ เธอขู่ เธอสื่อถึงความตาย ภายในมีความใกล้เคียงกับธีมมืดมนที่คุกคามความสุขของมนุษย์จากหน้าโน้ตเพลงซิมโฟนีสามเพลงสุดท้ายของไชคอฟสกี
ในการเคลื่อนไหวทั้งครั้งที่ห้าและครั้งที่สองของ Sixth Symphony ของโชสตาโควิช พลังที่น่าเกรงขามนี้ทำให้ตัวเองรู้สึกได้ แต่เฉพาะในวันที่เจ็ดเท่านั้นที่เลนินกราดซิมโฟนีจะสูงขึ้นจนเต็มความสูง ทันใดนั้น พลังที่โหดร้ายและน่าสะพรึงกลัวก็บุกรุกโลกแห่งความคิดเชิงปรัชญา ความฝันอันบริสุทธิ์ ความเข้มแข็งทางกีฬา และภูมิทัศน์บทกวีที่เหมือนเลวีตัน เธอมาเพื่อกวาดล้างโลกอันบริสุทธิ์นี้และสถาปนาความมืด เลือด และความตาย โดยบอกเป็นนัยว่าจากระยะไกลได้ยินเสียงกรอบแกรบของกลองเล็ก ๆ ที่แทบจะไม่ได้ยินและเมื่อจังหวะที่ชัดเจนของมันก็ปรากฏรูปแบบเชิงมุมที่แข็งกระด้าง ทำซ้ำตัวเองสิบเอ็ดครั้งด้วยกลไกที่น่าเบื่อและเพิ่มความแข็งแกร่งทำให้เกิดเสียงแหบห้าวคำรามหรือมีขนดก และตอนนี้ ในสภาพเปลือยเปล่าอันน่าสะพรึงกลัวนั้น มนุษย์และสัตว์ร้ายก็ก้าวไปบนพื้นโลก
ตรงกันข้ามกับ "ธีมของการรุกราน" "ธีมของความกล้าหาญ" ปรากฏและแข็งแกร่งขึ้นในดนตรี บทพูดคนเดียวของบาสซูนเต็มไปด้วยความขมขื่นของการสูญเสียทำให้ใคร ๆ นึกถึงบทของ Nekrasov:“ นี่คือน้ำตาของแม่ที่ยากจนพวกเขาจะไม่ลืมลูก ๆ ของพวกเขาที่เสียชีวิตในทุ่งนองเลือด” แต่ไม่ว่าการสูญเสียจะเศร้าแค่ไหน ชีวิตก็ยืนยันตัวเองทุกนาที แนวคิดนี้แทรกซึมเข้าไปในเชอร์โซ - ตอนที่ 2 และจากที่นี่ผ่านการไตร่ตรอง (ตอนที่ 3) จะนำไปสู่การสิ้นสุดที่ฟังดูมีชัยชนะ
นักแต่งเพลงเขียนเลนินกราดซิมโฟนีในตำนานของเขาในบ้านที่สั่นสะเทือนจากการระเบิดตลอดเวลา ในสุนทรพจน์ครั้งหนึ่งของเขา Shostakovich กล่าวว่า:“ ด้วยความเจ็บปวดและความภาคภูมิใจฉันมองไปที่เมืองอันเป็นที่รักของฉันและมันก็ยืนหยัดด้วยไฟที่แผดเผาต่อสู้อย่างแข็งขันเมื่อต้องประสบกับความทุกข์ทรมานอันลึกล้ำของนักสู้และสวยงามยิ่งขึ้นในท้ายเรือ ความยิ่งใหญ่ คุณจะไม่รักเมืองนี้ที่สร้างโดยปีเตอร์ไม่สามารถบอกคนทั้งโลกเกี่ยวกับความรุ่งโรจน์ของมันเกี่ยวกับความกล้าหาญของผู้ปกป้องเมืองได้อย่างไร ... อาวุธของฉันคือดนตรี”
ด้วยความเกลียดชังความชั่วร้ายและความรุนแรง นักแต่งเพลงชาวเมืองประณามศัตรู ผู้ที่หว่านสงครามซึ่งทำให้ประเทศต่างๆ ตกอยู่ในห้วงแห่งความหายนะ นั่นคือสาเหตุที่ธีมของสงครามตรึงความคิดของนักแต่งเพลงมาเป็นเวลานาน ฟังดูยิ่งใหญ่ในระดับที่แปดในส่วนลึกของความขัดแย้งที่น่าเศร้าซึ่งแต่งขึ้นในปี 2486 ในซิมโฟนีที่สิบและสิบสามในเปียโนทรีโอที่เขียนขึ้นในความทรงจำของ I. I. Sollertinsky ธีมนี้ยังเจาะเข้าไปในกลุ่มที่แปดในเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "The Fall of Berlin", "Meeting on the Elbe", "Young Guard" ในบทความที่อุทิศให้กับวันครบรอบปีแรกของวันแห่งชัยชนะโชสตาโควิชเขียนว่า: " ชัยชนะต้องไม่น้อยไปกว่าสงคราม "ซึ่งต่อสู้ในนามของชัยชนะ ความพ่ายแพ้ของลัทธิฟาสซิสต์เป็นเพียงเวทีในขบวนการรุกของมนุษย์ที่ผ่านพ้นไม่ได้ในการดำเนินภารกิจที่ก้าวหน้าของชาวโซเวียต"
The Ninth Symphony ผลงานหลังสงครามชิ้นแรกของโชสตาโควิช แสดงเป็นครั้งแรกในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2488 ซิมโฟนีนี้ไม่เป็นไปตามความคาดหวังในระดับหนึ่ง ไม่มีความเคร่งขรึมที่ยิ่งใหญ่ในนั้นที่สามารถรวบรวมภาพของการสิ้นสุดสงครามที่ได้รับชัยชนะไว้ในดนตรี แต่มีอย่างอื่นอยู่ในนั้น: ความสุขทันที เรื่องตลก เสียงหัวเราะ ราวกับว่าน้ำหนักมหาศาลหล่นลงมาจากไหล่ และเป็นครั้งแรกในรอบหลายปีที่สามารถเปิดไฟได้โดยไม่ต้องใช้ม่าน โดยไม่ทำให้มืดลง และ หน้าต่างทุกบานในบ้านก็สว่างไสวด้วยความยินดี และเฉพาะส่วนสุดท้ายเท่านั้นที่จะแสดงคำเตือนอันรุนแรงถึงสิ่งที่ได้ประสบมา แต่ความมืดครอบงำในช่วงเวลาสั้น ๆ - ดนตรีกลับมาสู่โลกแห่งแสงสว่างและความสนุกสนานอีกครั้ง
แปดปีแยกซิมโฟนีที่สิบออกจากเก้า ไม่เคยมีการแบ่งแยกในพงศาวดารไพเราะของ Shostakovich มาก่อน และอีกครั้งที่เรามีงานที่เต็มไปด้วยการปะทะกันอันน่าสลดใจ ปัญหาทางอุดมการณ์ที่ลึกซึ้ง เรื่องราวที่น่าสมเพชเกี่ยวกับยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ ยุคแห่งความหวังอันยิ่งใหญ่สำหรับมนุษยชาติ
ที่สิบเอ็ดและสิบสองครอบครองสถานที่พิเศษในรายการซิมโฟนีของโชสตาโควิช
ก่อนที่จะหันไปใช้ Eleventh Symphony ซึ่งเขียนในปี 1957 จำเป็นต้องนึกถึง Ten Poems สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงผสม (1951) โดยอิงจากคำพูดของกวีนักปฏิวัติในช่วงศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 บทกวีของกวีนักปฏิวัติ: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz เป็นแรงบันดาลใจให้ Shostakovich สร้างดนตรีซึ่งทุกบาร์ที่เขาแต่งขึ้นและในเวลาเดียวกันก็คล้ายกับเพลงของนักปฏิวัติ การชุมนุมใต้ดินของนักเรียนซึ่งได้ยินในดันเจี้ยน Butyrok และใน Shushenskoye และใน Lynjumo บน Capri ไปจนถึงเพลงที่เป็นประเพณีของครอบครัวในบ้านของพ่อแม่ของนักแต่งเพลง ปู่ของเขา โบเลสลาฟ โบเลสลาโววิช โชสตาโควิช ถูกเนรเทศเนื่องจากเข้าร่วมการลุกฮือในโปแลนด์ในปี พ.ศ. 2406 ลูกชายของเขา Dmitry Boleslavovich พ่อของนักแต่งเพลงในช่วงปีการศึกษาและหลังจากสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับครอบครัว Lukashevich ซึ่งหนึ่งในสมาชิกของเขาร่วมกับ Alexander Ilyich Ulyanov กำลังเตรียมความพยายามลอบสังหาร Alexander III Lukashevich ใช้เวลา 18 ปีในป้อมปราการ Shlisselburg
หนึ่งในความประทับใจที่ทรงพลังที่สุดในชีวิตทั้งชีวิตของโชสตาโควิชคือวันที่ 3 เมษายน พ.ศ. 2460 ซึ่งเป็นวันที่ V.I. เลนินมาถึงเปโตรกราด นี่คือวิธีที่ผู้แต่งพูดถึงมัน “ ฉันได้เห็นเหตุการณ์การปฏิวัติเดือนตุลาคมเป็นหนึ่งในคนที่ฟัง Vladimir Ilyich บนจัตุรัสหน้าสถานี Finlyandsky ในวันที่เขามาถึง Petrograd และถึงแม้ว่าฉันจะยังเด็กมากก็ตาม ความทรงจำของฉัน."
แก่นของการปฏิวัติเข้าสู่เนื้อหนังและเลือดของนักแต่งเพลงแม้ในวัยเด็กของเขาและเติบโตในตัวเขาพร้อมกับการเติบโตของจิตสำนึกกลายเป็นหนึ่งในรากฐานของเขา ธีมนี้ตกผลึกใน Eleventh Symphony (1957) เรียกว่า "1905" แต่ละส่วนมีชื่อของตัวเอง จากนั้นคุณสามารถจินตนาการถึงแนวคิดและบทละครของงานได้อย่างชัดเจน: "Palace Square", "9 มกราคม", "Eternal Memory", "Alarm" ซิมโฟนีเต็มไปด้วยน้ำเสียงของเพลงใต้ดินปฏิวัติ: "ฟัง", "นักโทษ", "คุณตกเป็นเหยื่อ", "โกรธเคือง, ทรราช", "Varshavyanka" พวกเขาทำให้การเล่าเรื่องทางดนตรีที่เต็มไปด้วยความตื่นเต้นและความน่าเชื่อถือของเอกสารทางประวัติศาสตร์เป็นพิเศษ
อุทิศให้กับความทรงจำของ Vladimir Ilyich Lenin, Twelfth Symphony (1961) ซึ่งเป็นผลงานที่มีพลังอันยิ่งใหญ่ - ยังคงเป็นเรื่องราวของการปฏิวัติต่อไป เช่นเดียวกับในวันที่สิบเอ็ด ชื่อโปรแกรมของส่วนต่าง ๆ ให้แนวคิดที่ชัดเจนอย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับเนื้อหา: "Revolutionary Petrograd", "Razliv", "Aurora", "Dawn of Humanity"
Thirteenth Symphony (1962) ของ Shostakovich มีแนวเพลงใกล้เคียงกับ oratorio มันถูกเขียนขึ้นเพื่อการเรียบเรียงที่ไม่ธรรมดา: วงซิมโฟนีออร์เคสตรา, นักร้องประสานเสียงเบสและศิลปินเดี่ยวเบส พื้นฐานข้อความของซิมโฟนีทั้งห้าส่วนคือท่อนของ Evg Yevtushenko: "Babi Yar", "อารมณ์ขัน", "ในร้าน", "ความกลัว" และ "อาชีพ" ความคิดของซิมโฟนีสิ่งที่น่าสมเพชคือการบอกเลิกความชั่วร้ายในนามของการต่อสู้เพื่อความจริงเพื่อมนุษย์ และซิมโฟนีนี้เผยให้เห็นถึงมนุษยนิยมที่กระตือรือร้นและน่ารังเกียจซึ่งมีอยู่ในโชสตาโควิช
หลังจากห่างหายไปเจ็ดปีในปี พ.ศ. 2512 ซิมโฟนีที่สิบสี่ได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งเขียนขึ้นสำหรับแชมเบอร์ออร์เคสตรา: เครื่องสาย เครื่องเพอร์คัชชันจำนวนเล็กน้อยและเสียงสองเสียง - โซปราโนและเบส ซิมโฟนีประกอบด้วยบทกวีของ Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke และ Wilhelm Kuchelbecker ซิมโฟนีนี้เขียนขึ้นเพื่ออุทิศให้กับ Benjamin Britten ภายใต้อิทธิพลของ "เพลงและการเต้นรำแห่งความตาย" ของ M. P. Mussorgsky ในบทความอันงดงามเรื่อง From the Depths of the Depths ซึ่งอุทิศให้กับ Symphony ที่สิบสี่ Marietta Shaginyan เขียนว่า: "... Symphony ที่สิบสี่ของ Shostakovich ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของงานของเขา The Fourteenth Symphony - ฉันอยากจะเรียกมันว่าครั้งแรก “ ความหลงใหลของมนุษย์” ในยุคใหม่ - พูดอย่างน่าเชื่อว่าเวลาของเราต้องใช้เวลามากเพียงใดทั้งการตีความเชิงลึกเกี่ยวกับความขัดแย้งทางศีลธรรมและความเข้าใจอันน่าเศร้าของการทดลองทางจิตวิญญาณ ("ความหลงใหล") ที่มนุษยชาติผ่านไป"
ซิมโฟนีที่สิบห้าของ D. Shostakovich แต่งขึ้นในฤดูร้อนปี 2514 หลังจากหยุดพักไปนานผู้แต่งก็กลับมาเล่นดนตรีซิมโฟนีเพียงอย่างเดียว การใช้สีอ่อนของ "toy scherzo" ของการเคลื่อนไหวครั้งแรกนั้นสัมพันธ์กับภาพในวัยเด็ก ธีมจากการทาบทาม "William Tell" ของ Rossini "ลงตัว" เข้ากับดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติ เพลงเศร้าแห่งการเริ่มต้นของส่วนที่ 2 ด้วยเสียงเศร้าหมองของวงดนตรีทองเหลืองทำให้เกิดความคิดถึงความสูญเสีย ความเศร้าโศกครั้งแรก เพลงในภาคที่ 2 เต็มไปด้วยจินตนาการที่เป็นลางไม่ดี โดยมีคุณสมบัติบางอย่างที่ชวนให้นึกถึงโลกแห่งเทพนิยายของ “The Nutcracker” ในตอนต้นของส่วนที่ 4 โชสตาโควิชหันไปใช้ใบเสนอราคาอีกครั้ง คราวนี้เป็นธีมแห่งโชคชะตาจากวาลคิรีซึ่งกำหนดจุดไคลแม็กซ์อันน่าเศร้าของการพัฒนาต่อไป
ซิมโฟนีสิบห้าบทของโชสตาโควิชคือสิบห้าบทของพงศาวดารมหากาพย์ในยุคของเรา Shostakovich เข้าร่วมในกลุ่มผู้ที่เปลี่ยนแปลงโลกอย่างแข็งขันและโดยตรง อาวุธของเขาคือดนตรีที่กลายเป็นปรัชญา ปรัชญาที่กลายเป็นดนตรี
แรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของ Shostakovich ครอบคลุมแนวดนตรีที่มีอยู่ทั้งหมด ตั้งแต่เพลงมวลชนตั้งแต่ "The Counter" ไปจนถึงบทออราทอริโอ "Song of the Forests" ที่ยิ่งใหญ่ โอเปร่า ซิมโฟนี และคอนเสิร์ตบรรเลง ส่วนสำคัญของงานของเขาอุทิศให้กับดนตรีแชมเบอร์ซึ่งหนึ่งในนั้นคือผลงาน "24 Preludes and Fugues" สำหรับเปียโนซึ่งครอบครองสถานที่พิเศษ หลังจาก Johann Sebastian Bach มีเพียงไม่กี่คนที่กล้าสัมผัสวงจรโพลีโฟนิกในรูปแบบและขนาดนี้ และไม่ใช่เรื่องของการมีหรือไม่มีเทคโนโลยีที่เหมาะสม แต่เป็นทักษะพิเศษ "24 Preludes and Fugues" ของ Shostakovich ไม่เพียง แต่เป็นภูมิปัญญาโพลีโฟนิกแห่งศตวรรษที่ 20 เท่านั้น แต่ยังเป็นตัวบ่งชี้ความแข็งแกร่งและความตึงเครียดของการคิดที่ชัดเจนที่สุดโดยเจาะลึกเข้าไปในส่วนลึกของปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนที่สุด การคิดประเภทนี้คล้ายกับพลังทางปัญญาของ Kurchatov, Landau, Fermi ดังนั้นบทโหมโรงและความทรงจำของ Shostakovich ไม่เพียงทำให้ประหลาดใจกับความเป็นวิชาการระดับสูงในการเปิดเผยความลับของพฤกษ์พฤกษ์ของ Bach แต่เหนือสิ่งอื่นใดด้วยความคิดเชิงปรัชญาที่แทรกซึมเข้าไปใน “ส่วนลึกแห่งส่วนลึก” ของความร่วมสมัยของเขา พลังขับเคลื่อน ความขัดแย้ง และยุคที่น่าสมเพชของการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่
ถัดจากซิมโฟนีสถานที่ขนาดใหญ่ในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของโชสตาโควิชถูกครอบครองโดยสิบห้าควอร์ตของเขา ในวงดนตรีนี้ แม้จะพอประมาณในแง่ของจำนวนนักแสดง ผู้แต่งจะหันไปหาวงกลมที่มีเนื้อหาใกล้เคียงกับวงที่เขาพูดถึงในซิมโฟนีของเขา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่วงบางวงปรากฏเกือบจะพร้อมๆ กันกับซิมโฟนี โดยเป็น "สหาย" ดั้งเดิมของพวกเขา
ในซิมโฟนี ผู้แต่งกล่าวถึงคนนับล้าน โดยยังคงแนวซิมโฟนีของเบโธเฟนในแง่นี้ ในขณะที่วงสี่วงจ่าหน้าถึงวงกลมห้องที่แคบกว่า เขาจะแบ่งปันสิ่งที่ตื่นเต้น พอใจ หดหู่ สิ่งที่ฝันถึงกับเขา
ไม่มีวงใดที่มีชื่อพิเศษเพื่อช่วยให้เข้าใจเนื้อหา ไม่มีอะไรนอกจากหมายเลขซีเรียล แต่ถึงกระนั้นความหมายของมันก็ชัดเจนสำหรับทุกคนที่รักและรู้วิธีฟังแชมเบอร์มิวสิค วงที่ 1 มีอายุเท่ากันกับวง Fifth Symphony ด้วยโครงสร้างที่ร่าเริง ใกล้เคียงกับนีโอคลาสซิซิสซึ่ม พร้อมด้วยท่อนซาราบันเดที่พิถีพิถันในการเคลื่อนไหวครั้งแรก ฉากสุดท้ายของเพลง Haydnian ที่เปล่งประกาย เพลงวอลทซ์ที่พลิ้วไหว และคอรัสวิโอลารัสเซียที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ ที่ดึงออกมาและชัดเจน เราจะรู้สึกได้ถึงการเยียวยาจากความคิดอันหนักหน่วงที่ท่วมท้น ฮีโร่แห่งซิมโฟนีที่ห้า
เราจำได้ว่าการแต่งเนื้อเพลงมีความสำคัญเพียงใดในบทกวี เพลง และจดหมายในช่วงสงคราม ความอบอุ่นของโคลงสั้น ๆ ของวลีที่จริงใจสองสามวลีทวีความเข้มแข็งทางวิญญาณอย่างไร เพลงวอลทซ์และความโรแมนติกของ Second Quartet ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1944 ตื้นตันไปด้วย
ภาพของ Third Quartet มีความแตกต่างกันอย่างไร ประกอบด้วยความประมาทเลินเล่อของเยาวชน และภาพอันเจ็บปวดของ "พลังแห่งความชั่วร้าย" และความตึงเครียดของการต่อต้าน และเนื้อเพลงที่เกี่ยวข้องกับการสะท้อนทางปรัชญา The Fifth Quartet (1952) ซึ่งนำหน้า Symphony ที่สิบ และยิ่งกว่านั้น Eighth Quartet (I960) เต็มไปด้วยนิมิตที่น่าเศร้า - ความทรงจำในช่วงสงคราม ในดนตรีของวงสี่เหล่านี้ เช่นเดียวกับในซิมโฟนีที่เจ็ดและสิบ พลังแห่งแสงและพลังแห่งความมืดถูกต่อต้านอย่างรุนแรง หน้าชื่อเรื่องของกลุ่มที่แปดอ่านว่า: “เพื่อรำลึกถึงเหยื่อของลัทธิฟาสซิสต์และสงคราม” วงนี้เขียนขึ้นเป็นเวลาสามวันในเดรสเดน ซึ่งโชสตาโควิชไปทำงานดนตรีให้กับภาพยนตร์เรื่อง Five Days, Five Nights
นอกเหนือจากวงสี่ซึ่งสะท้อนถึง "โลกใบใหญ่" ที่มีความขัดแย้ง เหตุการณ์ การปะทะกันในชีวิต Shostakovich ยังมีวงสี่ที่ฟังดูเหมือนหน้าไดอารี่ ในตอนแรกพวกเขาร่าเริง ในประการที่สี่พวกเขาพูดถึงการหมกมุ่นอยู่กับตนเองการไตร่ตรองความสงบ ในวันที่หก - เปิดเผยภาพแห่งความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติและความเงียบสงบอันลึกซึ้ง ในวันที่เจ็ดและสิบเอ็ด - อุทิศให้กับความทรงจำของผู้เป็นที่รัก ดนตรีเข้าถึงการแสดงออกทางวาจาเกือบทั้งหมดโดยเฉพาะในจุดไคลแม็กซ์ที่น่าเศร้า
ในวงที่สิบสี่ลักษณะเฉพาะของ Melos ของรัสเซียนั้นสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษ ในส่วนที่ 1 ภาพดนตรีมีเสน่ห์ด้วยท่าทางโรแมนติกในการแสดงความรู้สึกที่หลากหลาย ตั้งแต่การชื่นชมความงามของธรรมชาติอย่างจริงใจไปจนถึงการระเบิดของความวุ่นวายในจิตใจ การกลับคืนสู่ความสงบและความเงียบสงบของภูมิทัศน์ Adagio แห่งวงที่สิบสี่ทำให้ใครๆ นึกถึงจิตวิญญาณรัสเซียของการขับร้องวิโอลาในวงที่หนึ่ง ใน III - ส่วนสุดท้าย - ดนตรีมีจังหวะการเต้นรำซึ่งฟังดูชัดเจนไม่มากก็น้อย จากการประเมินวงที่สิบสี่ของโชสตาโควิช D. B. Kabalevsky พูดถึง "จุดเริ่มต้นของเบโธเฟน" ของความสมบูรณ์แบบอันสูงส่ง
วงที่สิบห้าแสดงครั้งแรกในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2517 โครงสร้างไม่ธรรมดา ประกอบด้วย 6 ส่วน ต่อเนื่องกันโดยไม่หยุดชะงัก การเคลื่อนไหวทั้งหมดอยู่ในจังหวะที่ช้า: Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March และ Epilogue วงที่สิบห้าสร้างความประหลาดใจให้กับความลึกของความคิดเชิงปรัชญาซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโชสตาโควิชในงานหลายประเภทประเภทนี้
ผลงานสี่ชิ้นของโชสตาโควิชแสดงถึงจุดสูงสุดประการหนึ่งของการพัฒนาแนวเพลงในยุคหลังเบโธเฟน เช่นเดียวกับในซิมโฟนี โลกแห่งความคิดอันสูงส่ง การไตร่ตรอง และภาพรวมทางปรัชญาก็ปกคลุมอยู่ที่นี่ แต่ต่างจากซิมโฟนีตรงที่วงสี่วงมีน้ำเสียงที่น่าเชื่อถือซึ่งกระตุ้นการตอบสนองทางอารมณ์จากผู้ฟังในทันที คุณสมบัติของควอร์เตตของโชสตาโควิชนี้ทำให้คล้ายกับควอเต็ตของไชคอฟสกี
ถัดจากวงสี่วง หนึ่งในสถานที่ที่สูงที่สุดในประเภทแชมเบอร์อย่างถูกต้องถูกครอบครองโดย Piano Quintet ซึ่งเขียนในปี 1940 ซึ่งเป็นผลงานที่ผสมผสานปัญญาชนอย่างลึกซึ้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดใน Prelude และ Fugue และอารมณ์ความรู้สึกอันละเอียดอ่อน บางแห่งที่ทำให้ใครๆ นึกถึงผลงานของ Levitan ทิวทัศน์
นักแต่งเพลงหันมาใช้ดนตรีแชมเบอร์โวคอลบ่อยขึ้นในช่วงหลังสงคราม ความรักหกเรื่องปรากฏตามคำพูดของ W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; วงจรเสียง "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว"; ความรักสองบทของบทกวีของ M. Lermontov, บทพูดคนเดียวสี่บทของ A. Pushkin, เพลงและบทโรแมนติกของบทกวีของ M. Svetlov, E. Dolmatovsky, วงจร "เพลงสเปน", ห้าเรื่องเสียดสีกับคำพูดของ Sasha Cherny, อารมณ์ขันห้าเรื่อง ถึงคำพูดจากนิตยสาร "Crocodile" ", Suite on Poems โดย M. Tsvetaeva
เพลงร้องมากมายที่มีพื้นฐานมาจากข้อความของบทกวีคลาสสิกและกวีโซเวียตเป็นพยานถึงความสนใจทางวรรณกรรมที่หลากหลายของผู้แต่ง ในเพลงร้องของ Shostakovich สิ่งหนึ่งที่ไม่เพียงประทับใจในความละเอียดอ่อนของสไตล์และลายมือของกวีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถในการสร้างลักษณะประจำชาติของดนตรีด้วย สิ่งนี้ชัดเจนเป็นพิเศษใน "เพลงสเปน" ในวงจร "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว" ในรูปแบบโรแมนติกที่สร้างจากบทกวีของกวีชาวอังกฤษ ประเพณีของเนื้อเพลงโรแมนติกของรัสเซียที่มาจาก Tchaikovsky, Taneyev ได้ยินใน Five Romances, "Five Days" ตามบทกวีของ E. Dolmatovsky: "วันแห่งการประชุม", "วันแห่งคำสารภาพ", "วันแห่ง ความขุ่นเคือง”, “วันแห่งความยินดี”, “วันแห่งความทรงจำ”
สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดย "Satires" ตามคำพูดของ Sasha Cherny และ "Humoresques" จาก "Crocodile" พวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงความรักของ Shostakovich ที่มีต่อ Mussorgsky มันเกิดขึ้นในวัยหนุ่มของเขาและปรากฏตัวครั้งแรกในวงจรของเขา "นิทานของ Krylov" จากนั้นในโอเปร่า "The Nose" จากนั้นใน "Katerina Izmailova" (โดยเฉพาะใน Act IV ของโอเปร่า) สามครั้งที่โชสตาโควิชหันไปหามุสซอร์กสกี โดยตรง เรียบเรียงและตัดต่อ “Boris Godunov” และ “Khovanshchina” ใหม่ และเรียบเรียง “Songs and Dances of Death” เป็นครั้งแรก และอีกครั้งที่ความชื่นชมที่มีต่อ Mussorgsky สะท้อนให้เห็นในบทกวีสำหรับศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา - "The Execution of Stepan Razin" ถึงบทของ Evg เยฟตูเชนโก.
ความผูกพันกับ Mussorgsky จะต้องแข็งแกร่งและลึกซึ้งเพียงใดหากมีความเป็นตัวของตัวเองที่สดใสซึ่งสามารถรับรู้ได้อย่างชัดเจนด้วยวลีสองหรือสามวลี Shostakovich อย่างถ่อมตัวด้วยความรักเช่นนี้ - ไม่เลียนแบบไม่ แต่รับและตีความสไตล์ ของการเขียนในแบบของเขาเอง นักดนตรีสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่
กาลครั้งหนึ่ง โรเบิร์ต ชูมันน์ ชื่นชมอัจฉริยภาพของโชแปงที่เพิ่งปรากฏตัวบนขอบฟ้าทางดนตรีของยุโรป โดยเขียนว่า “ถ้าโมสาร์ทยังมีชีวิตอยู่ เขาจะเขียนคอนแชร์โตของโชแปง” ในการถอดความชูมันน์เราสามารถพูดได้ว่า: ถ้า Mussorgsky มีชีวิตอยู่เขาคงจะเขียนเรื่อง "The Execution of Stepan Razin" โดย Shostakovich Dmitry Shostakovich เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีละครที่โดดเด่น เขามีความใกล้เคียงกับแนวเพลงที่แตกต่างกัน: โอเปร่า, บัลเล่ต์, ละครเพลง, รายการวาไรตี้ (Music Hall), ละคร รวมถึงเพลงประกอบภาพยนตร์ด้วย เรามาลองบอกชื่อผลงานบางชิ้นในประเภทเหล่านี้จากภาพยนตร์มากกว่าสามสิบเรื่อง: "The Golden Mountains", "The Counter", "The Maxim Trilogy", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Fall of Berlin" ", "The Gadfly", "ห้าวัน - ห้าคืน", "แฮมเล็ต", "คิงเลียร์" จากดนตรีประกอบการแสดงละคร: “The Bedbug” โดย V. Mayakovsky, “The Shot” โดย A. Bezymensky, “Hamlet” และ “King Lear” โดย V. Shakespeare, “Salute, Spain” โดย A. Afinogenov, “The Human Comedy” โดย O. Balzac
ไม่ว่าผลงานของ Shostakovich ในภาพยนตร์และละครจะมีความแตกต่างในด้านประเภทและขนาดเพียงใด พวกเขาก็รวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยคุณสมบัติทั่วไป - ดนตรีสร้างของตัวเองอย่างที่เคยเป็น "ซีรีส์ไพเราะ" ของศูนย์รวมของความคิดและตัวละครที่มีอิทธิพลต่อบรรยากาศของภาพยนตร์ หรือประสิทธิภาพ
ชะตากรรมของบัลเล่ต์เป็นเรื่องที่โชคร้าย ความผิดนี้ตกอยู่ที่การเขียนบทที่ด้อยกว่าโดยสิ้นเชิง แต่ดนตรีที่เต็มไปด้วยจินตภาพและอารมณ์ขันที่สดใสและฟังดูไพเราะในวงออเคสตราได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบของห้องสวีทและครองตำแหน่งที่โดดเด่นในการแสดงคอนเสิร์ตซิมโฟนี บัลเล่ต์ "The Young Lady and the Hooligan" กับดนตรีของ D. Shostakovich ที่สร้างจากบทของ A. Belinsky ซึ่งอิงบทภาพยนตร์ของ V. Mayakovsky กำลังแสดงด้วยความสำเร็จอย่างมากในโรงละครดนตรีโซเวียตหลายขั้นตอน
Dmitri Shostakovich มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อแนวเพลงบรรเลงคอนแชร์โต สิ่งแรกที่เขียนคือเปียโนคอนแชร์โตใน C minor พร้อมโซโลทรัมเป็ต (1933) ด้วยความเยาว์วัย ความซุกซน และมุมฉากอันมีเสน่ห์ของวัยเยาว์ คอนเสิร์ตนี้จึงชวนให้นึกถึง First Symphony สิบสี่ปีต่อมา ไวโอลินคอนแชร์โตซึ่งมีความคิดลึกซึ้ง มีขอบเขตที่งดงาม และความฉลาดหลักแหลมปรากฏขึ้น ตามมาด้วยเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งที่สองในปี พ.ศ. 2500 ซึ่งอุทิศให้กับลูกชายของเขา แม็กซิม ซึ่งออกแบบมาเพื่อการแสดงสำหรับเด็ก รายชื่อวรรณกรรมคอนเสิร์ตจากปากกาของโชสตาโควิชเสร็จสมบูรณ์โดยเชลโลคอนแชร์โต (2502, 2510) และไวโอลินคอนแชร์โต้ครั้งที่สอง (2510) คอนเสิร์ตเหล่านี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อ "ความมึนเมาและความฉลาดทางเทคนิค" ในแง่ของความลึกของความคิดและดราม่าที่เข้มข้น ติดอันดับรองจากซิมโฟนี
รายชื่อผลงานที่ให้ไว้ในบทความนี้จะรวมเฉพาะผลงานทั่วไปในประเภทหลักเท่านั้น ชื่อหลายสิบชื่อในส่วนต่างๆ ของความคิดสร้างสรรค์ยังคงอยู่นอกรายการ
เส้นทางสู่ชื่อเสียงระดับโลกของเขาคือเส้นทางของหนึ่งในนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ที่สร้างหลักชัยใหม่ในวัฒนธรรมดนตรีโลกอย่างกล้าหาญ เส้นทางของเขาสู่ชื่อเสียงระดับโลก เส้นทางของหนึ่งในผู้คนเหล่านั้นที่มีชีวิตอยู่เพื่อต้องอยู่ในเหตุการณ์หนาแน่นของทุกคนเพื่อเวลาของเขา เจาะลึกถึงความหมายของสิ่งที่เกิดขึ้น เพื่อรับตำแหน่งที่ยุติธรรมในข้อพิพาท การปะทะกันของความคิดเห็นในการต่อสู้และตอบสนองด้วยพลังทั้งหมดของของขวัญอันยิ่งใหญ่ของเขาสำหรับทุกสิ่งที่แสดงออกด้วยคำเดียวที่ยิ่งใหญ่ - ชีวิต
Dmitry Shostakovich (1906 - 1975) เป็นคีตกวีชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง ซึ่งเป็นผลงานคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 20 มรดกทางความคิดสร้างสรรค์มีปริมาณมหาศาลและเป็นสากลในการครอบคลุมประเภทต่างๆ Shostakovich เป็นนักซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 (15 ซิมโฟนี) ความหลากหลายและความคิดริเริ่มของแนวคิดไพเราะเนื้อหาทางปรัชญาและจริยธรรมสูง (4, 5, 7, 8, 13, 14, 15 ซิมโฟนี) อาศัยขนบธรรมเนียมประเพณีของคลาสสิก (Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Mahler) และข้อมูลเชิงลึกเชิงนวัตกรรมที่กล้าหาญ
ผลงานสำหรับละครเพลง (โอเปร่า "The Nose", "Lady Macbeth of Mtsensk", บัลเล่ต์ "Golden Age", "Bright Stream", Operatta "Moscow - Cheryomushki") เพลงประกอบภาพยนตร์ ("Golden Mountains", "Counter", ไตรภาค "Maxim's Youth", "The Return of Maxim", "Vyborg Side", "Meeting on the Elbe", "Gadfly", "King Lear" ฯลฯ ) .
ดนตรีบรรเลงและร้องในห้อง รวมทั้ง “ Twenty-four Preludes and Fugues” โซนาตาสำหรับเปียโน ไวโอลินและเปียโน วิโอลาและเปียโน เปียโนทรีโอสองตัว 15 ควอเตต คอนแชร์โตสำหรับเปียโน ไวโอลิน เชลโล และวงออเคสตรา
การแบ่งช่วงเวลาของงานของ Shostakovich: ช่วงต้น (ก่อนปี 1925), ช่วงกลาง (ก่อนปี 1960), ช่วงปลาย (10 -15 ปีที่ผ่านมา) ลักษณะเฉพาะของวิวัฒนาการและความคิดริเริ่มของแต่ละบุคคลในสไตล์ของผู้แต่ง: ความหลากหลายขององค์ประกอบที่มีความเข้มข้นสูงสุดในการสังเคราะห์ (ภาพเสียงของดนตรีแห่งชีวิตสมัยใหม่, เพลงพื้นบ้านของรัสเซีย, คำพูด, น้ำเสียงเชิงปราศรัยและโรแมนติก - ริโอโซ, องค์ประกอบที่ยืมมาจากดนตรีคลาสสิก และโครงสร้างน้ำเสียงโหมดดั้งเดิมของสุนทรพจน์ดนตรีของผู้แต่ง) ความสำคัญทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของงานของ D. Shostakovich
ส่งผลงานดีๆ ของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง
นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง
โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/
การแนะนำ
คุณสมบัติของโครงสร้างเฟรต
ความคิดริเริ่มของโครงสร้างกิริยาช่วยในดนตรีแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ
เฟรต ดี.ดี. โชสตาโควิช
บทสรุป
บรรณานุกรม
การแนะนำ
Dmitry Dmitrievich Shostakovich - นักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับทุกคนที่ต้องสร้างสรรค์ในเวลานี้ เขาต้องเผชิญกับปัญหาเรื่องภาษา ทางเลือกระหว่าง “เก่า” และ “ใหม่” ปัญหาที่ได้รับการแก้ไขในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันและในการทำงานที่แตกต่างกันในรูปแบบที่แตกต่างกัน เมื่อทำความคุ้นเคยกับผลงานของเขาแม้จะไม่ใช่คนที่กล้าหาญที่สุดในแง่ของวิธีการแสดงออก แต่คนรุ่นราวคราวเดียวกันหลายคนซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนพื้นฐานการปฐมนิเทศต่อบรรทัดฐานของศิลปะวิชาการในอดีตหรือต่อแนวเพลงมวลชนได้ตำหนิโชสตาโควิชในเรื่องความซับซ้อนเข้าใจไม่ได้และดูเหมือน ความลึกซึ้งสำหรับพวกเขา เวลาผ่านไปและพร้อมกับการยอมรับของสาธารณชน ข้อกล่าวหาอื่น ๆ ที่ตรงกันข้ามก็ปรากฏขึ้น: อนุรักษ์นิยม ความเรียบง่ายมากเกินไป นี่คือสิ่งที่ภาษาของ Shostakovich มองผ่านสายตา (อย่างแม่นยำยิ่งขึ้นคือหู!) ของผู้ติดตามเช่นโรงเรียน Novovenskaya และยิ่งกว่านั้นคือตัวแทนของ "เปรี้ยวจี๊ด" ตัวเขาเอง ไม่รวมการค้นหาในช่วงปลายทศวรรษ 1920 เห็นได้ชัดว่าไม่ได้ถือว่า "ความแปลกใหม่" โดยเจตนาเป็นงานของเขา
บรรทัดจากจดหมายของ ดี.ดี. เป็นการบ่งชี้ Shostakovich ตั้งแต่วันที่ 22 มีนาคม 2493 ถึง E.V. เดนิซอฟ อย่างไรก็ตาม Shostakovich ชื่นชมความสามารถของนักแต่งเพลงอย่างสูงเขียนว่า:“ ผลงานทั้งหมดของคุณที่คุณส่งมาให้ฉันยังไม่ทันสมัยและลึกซึ้งเพียงพอ<…>…บุคลิกภาพของคุณในฐานะนักแต่งเพลงแทบจะมองไม่เห็นในผลงานของคุณ: ไม่มีความเป็นตัวตนของผู้แต่งเลย (เพื่อเห็นแก่พระเจ้า อย่ามองหามันด้วยความช่วยเหลือจากบันทึกปลอม) นั่นไม่ใช่สิ่งที่เกี่ยวกับความเป็นปัจเจกบุคคล มันจะมาหาคุณ...ด้วยปีและประสบการณ์" ดังที่เราเห็นเมื่อพิจารณาว่าการขาด "ความทันสมัย" เป็นข้อเสียเขาจึงเตือนเดนิซอฟทันทีเกี่ยวกับ "บันทึกเท็จ" และแม้ว่าเรากำลังพูดถึงการค้นหาความเป็นปัจเจกบุคคลตามบริบทของจดหมาย แต่ก็สามารถสรุปได้ว่าคำพูดนี้ควรเข้าใจในวงกว้างมากขึ้นรวมทั้งเกี่ยวข้องกับความแปลกใหม่ของภาษาด้วย เป็นที่น่าสังเกตว่าโชสตาโควิชซึ่งให้ความสำคัญกับ "การฝึกอบรม" ของนักแต่งเพลงอย่างสูง (โดยเฉพาะอย่างยิ่งระบุไว้ในจดหมายที่ยกมา) เขียนเกี่ยวกับความเป็นปัจเจกมากกว่าเป็นผลจากการทำงานหนักโดยไม่รู้ตัวมากกว่าเป็นสิ่งที่ต้องคำนวณอย่างมีเหตุผลและ ต้องใช้สติในการ “ประดิษฐ์”
เป็นลักษณะเฉพาะที่ผู้แต่ง (ไม่เหมือนเช่น A. Schoenberg, P. Hindemith, O. Messiaen) ไม่เคยพยายามนำเสนอภาษาของเขาในรูปแบบของระบบทางทฤษฎีและโดยทั่วไปไม่ชอบพูดคุยเกี่ยวกับผลงานของเขารวมถึง ด้านเทคโนโลยีของพวกเขา เป็นที่ทราบกันดีว่านักดนตรีที่หันมาหาเขาเพื่อชี้แจงล้มเหลวอย่างสม่ำเสมอ ยิ่งไปกว่านั้น Shostakovich ผู้สร้างระบบการคิดแบบกิริยาที่ลึกซึ้งของแต่ละบุคคลเชื่อว่าตลอดชีวิตของเขาเขาเขียนทั้งวิชาเอกและวิชารอง
วัตถุประสงค์ของงาน: เพื่อศึกษาโครงสร้างและระบบโหมดของ D.D. Shostakovich
งานต่อไปนี้ถูกหยิบยกในงาน:
ศึกษาวรรณกรรมเรื่องปัญหาความสามัคคี
กำหนดคุณสมบัติของภาษาดนตรีของ D. D. Shostakovich;
สรุปเทคนิคฮาร์มอนิกที่ผู้แต่งใช้ภายในกรอบของระบบโมดอลเชิงทฤษฎี
คุณสมบัติของโครงสร้างเฟรต
ท่วงทำนองเฉพาะและดนตรีโดยรวมมักมีพื้นฐานมาจากความสามัคคีที่แน่นอนเสมอ
“Lad” เป็นภาษารัสเซีย หมายถึง โครงสร้างภายในของระบบใดๆ ลำดับ หลักการที่เป็นรากฐานของความสัมพันธ์ขององค์ประกอบต่างๆ พวกเขาพูดถึงความสามัคคีในครอบครัว เกี่ยวกับความสามัคคีในชุมชนชาวนา เกี่ยวกับความสามัคคีในทีม ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับดนตรี แนวคิดนี้ถูกนำมาใช้โดยนักดนตรีชาวรัสเซีย Modest Dmitrievich Rezviy (1806?1853)
เสียงดนตรีนั้นเป็นเพียงองค์ประกอบเท่านั้นที่สามารถสร้างระบบโมดอลอย่างใดอย่างหนึ่งหรืออย่างอื่นได้ ระหว่างเสียงที่สร้างระบบโหมดใดๆ ไม่เพียงแต่ระดับเสียงสูงต่ำ (ช่วง) แต่ยังเรียกว่าความสัมพันธ์ของโหมด-ฟังก์ชันที่เกิดขึ้นเสมอ: แต่ละเสียงกลายเป็นระดับหนึ่งของโหมด ได้รับคุณสมบัติของความเสถียรหรือความไม่แน่นอนอย่างแน่นอน และตาม ด้วยความหมายนี้ให้ทำหน้าที่อย่างใดอย่างหนึ่ง - ฟังก์ชั่น - ในโหมดซึ่งกำหนดชื่อของระดับนี้ (นอกเหนือจากชื่อดนตรี)
ฟังก์ชั่นเป็นหนึ่งในคุณสมบัติพื้นฐานขององค์ประกอบเสียงในดนตรีซึ่งแสดงออกมาในความสามารถในการเข้าสู่ความสัมพันธ์เชิงความหมายกับองค์ประกอบอื่น ๆ ของโหมด สิ่งที่เรียกว่าแรงโน้มถ่วงแบบกิริยาที่เกิดขึ้นไม่ควรถือเป็นคุณสมบัติขององศาและคอร์ดเอง ความแรงของการผสานกันขององค์ประกอบเฟรตและทิศทางไม่คงที่และแปรผันภายในขอบเขตที่เห็นได้ชัดเจน ขึ้นอยู่กับเงื่อนไขหลายประการ โดยหลักแล้วขึ้นอยู่กับตำแหน่งของเสียงหรือความสอดคล้องในระบบความสัมพันธ์ทางโลก เพื่อประเมินทิศทางและความเข้มข้นของการเชื่อมโยงโทนเสียง จำเป็นต้องมีความเข้าใจที่ดีเกี่ยวกับการจัดระเบียบเวลาทางดนตรี โครงสร้างของเวลาดนตรีเป็นหนึ่งในรากฐานพื้นฐานของการดำรงอยู่และพัฒนาการของภาษาดนตรี เราไม่ได้ให้ไว้เพียงครั้งเดียวและตลอดไป หลักการของภาษาดนตรีมีความแตกต่างกันอย่างเห็นได้ชัดในวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ และในขั้นตอนต่างๆ ของพัฒนาการทางประวัติศาสตร์ เช่นเดียวกับองค์ประกอบอื่นๆ ทั้งหมดของภาษาดนตรี
ตรงกันข้ามกับคำว่า modality และ tonality ที่นำมาใช้ในยุโรป ซึ่งแสดงถึงหลักการที่ต่อเนื่องกันในอดีตขององค์กร modal ความหมายของคำว่า mode ในความเข้าใจสมัยใหม่ผสมผสานทั้งพื้นฐาน modal - ขนาดของโครงสร้าง modal และระบบวรรณยุกต์ - ความสัมพันธ์เชิงหน้าที่ขององค์ประกอบเสียงที่เป็นส่วนประกอบ
ในดนตรีในยุคประวัติศาสตร์ต่างๆ โหมดจะแสดงออกมาในรูปแบบเฉพาะต่างๆ ขององค์กร - ประเภทของโครงสร้างโหมด ซึ่งสามารถจำแนกได้ตามเกณฑ์ต่อไปนี้:
ตามประเภทของผู้ให้บริการฟังก์ชั่น:
· โหมดของธรรมชาติอันไพเราะ ซึ่งฟังก์ชันจะแสดงออกมาด้วยเสียงที่เข้าสู่ความสัมพันธ์กับเสียงอื่นที่ประกอบขึ้นเป็นแนวทำนอง
· โหมดของธรรมชาติฮาร์มอนิก (ฟังก์ชันแสดงโดยคอร์ดที่เข้าสู่ความสัมพันธ์กับคอร์ดอื่นในลำดับฮาร์มอนิก)
ตามโครงสร้างของมาตราส่วนที่ประกอบเป็นพื้นฐานกิริยา:
· ไดอะโทนิกประเภทต่างๆ: บริสุทธิ์ (เข้มงวด), สมบูรณ์, ไม่สมบูรณ์, มีเงื่อนไข (เปลี่ยนแปลงได้), อ็อกเทฟ, ไม่ใช่อ็อกเทฟ;
· รงค์;
· เฟรตแบบสมมาตรประเภทต่างๆ
ตามโครงสร้างระบบฟังก์ชั่น:
ง่าย (มียาชูกำลังหนึ่งอันและขนาดที่สอดคล้องกัน);
ซับซ้อนยังแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ:
1. ตัวแปรขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงของฐานรากโดยมีพื้นฐานกิริยาคงที่
2. “ตัวแปร” ซึ่งมีขั้นตอนแต่ละขั้นตอนที่แตกต่างกันโดยใช้ยาชูกำลังเดียวกัน
3. การรวมความแปรผันและความแปรปรวนไว้ในโครงสร้างเดียว
4. มีหลายแง่มุม ขึ้นอยู่กับโพลิโทนลิตี้ของรากฐานดนตรีและความแตกต่างระหว่างโมดัลในชั้นต่างๆ ของผ้า
โมดอลสเกลเป็นพื้นฐานของโครงสร้างโมดอล
ความแตกต่างในโครงสร้างของโมดอลสเกลจะกำหนดลักษณะของความเชื่อมโยงของทำนองหรือฮาร์โมนิกที่เกิดขึ้นระหว่างองค์ประกอบเสียง ความแรงและความหนักเบา ความเบาหรือความยากขององค์ประกอบเสียง
ประเภทหลักของโมดอลสเกลคือไดโทนิก (จากภาษากรีก "dia" - ถึง, "tonos" - ความตึงเครียด, ความตึงเครียด) คำนี้หมายถึงระดับที่โดดเด่นด้วยความง่ายในการเชื่อมโยงทำนองและความเป็นไปได้ที่จะเปลี่ยนรากฐานได้อย่างอิสระเนื่องจากการดึงดูดซึ่งกันและกันของทุกระดับของระดับ
รู้จักไดอะโทนิกประเภทต่างๆ:
· บริสุทธิ์ (เข้มงวด) ประกอบด้วยสเกลออคเทฟ “ไวท์คีย์” ทั้งหมด - เนเชอรัลเมเจอร์และไมเนอร์ เช่นเดียวกับรูปแบบต่างๆ: Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian และ Locrian
·มีเงื่อนไข (การเปลี่ยนแปลง) ประกอบด้วยฮาร์มอนิก เมโลดิกเมเจอร์และไมเนอร์ รวมถึงเวอร์ชันเจ็ดขั้นตอนอื่นๆ ทั้งหมด ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงของเพลงที่ไม่หยุดนิ่งของแต่ละบุคคล รวมถึงวินาทีที่สร้างวินาทีที่เพิ่มขึ้น
· ไม่สมบูรณ์ - ไดคอร์ด, ไทรคอร์ด, เตตราคอร์ด, เพนทาคอร์ด ซึ่งดูเหมือนจะเป็นตัวแทนของชิ้นส่วนของเกล็ดไดโทนิกประเภทต่างๆ
· ไม่ใช่อ็อกเทฟ - สเกลที่เกิดจากการรวมกันของไทรคอร์ด, เตตราคอร์ด, เพนตาคอร์ดที่มีโครงสร้างเดียวกันหรือต่างกัน คุณลักษณะของสเกลที่ไม่ใช่อ็อกเทฟคือความแตกต่างของความสูงของขั้นตอนในอ็อกเทฟที่ต่างกัน
สเกลเพนทาโทนิกถูกนำมาใช้อย่างกว้างขวางในดนตรีพื้นบ้านและดนตรีมืออาชีพจากประเทศและภูมิภาคต่างๆ ของโลก ซึ่งเป็นสเกลที่ไม่มีเซมิโทนและดีกรีที่ก่อตัวเป็นไตรโทน เช่นเดียวกับสเกลไดโทนิก สเกลเพนทาโทนิกสามารถไม่สมบูรณ์หรือไม่ใช่อ็อกเทฟได้
สเกลเพนทาโทนิกเป็นของสเกลแบบแอนฮีมิโทนิก (ฮาล์ฟโทน) เช่นเดียวกับสเกลแบบเต็มโทน อย่างไรก็ตาม การเชื่อมต่อระดับน้ำเสียงขององศาตามสเกลเพนทาโทนิก เนื่องจากการมีอยู่ของสี่และห้าบริสุทธิ์เกิดขึ้นได้อย่างง่ายดายและง่ายดาย ในขณะที่ในสเกลโทนเสียงทั้งหมด สี่และห้าทั้งหมดจะเพิ่มขึ้น
โมดอลสเกลชนิดพิเศษนั้นถูกสร้างขึ้นโดยโครมาติกส์ (กรีก "โครมาโตส" - สีสันสดใส, หลากสี) นี่คือสเกลที่ในหนึ่งอ็อกเทฟจะมีขั้นตอนเดียวกันที่แตกต่างกันซึ่งเกิดขึ้นจากการเปลี่ยนแปลง - การเพิ่มหรือลดขั้นตอนของสเกล
โครเมติกส์สามารถเกิดขึ้นได้ในโทนเสียง โดยที่เฉพาะขั้นตอนที่ไม่เสถียรเท่านั้นที่มีการเปลี่ยนแปลง และการมอดูเลต ซึ่งนำไปสู่การมอดูเลชัน กล่าวคือ เปลี่ยนโทน ในที่นี้ การเปลี่ยนแปลงระดับที่มั่นคงของโทนเสียงดั้งเดิมก็เป็นไปได้เช่นกัน โดยก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวไปสู่รากฐานในโทนเสียงใหม่
ด้วยการอนุมัติของอารมณ์ที่เท่าเทียมกันผู้แต่งเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ค้นพบและเชี่ยวชาญสเกลประเภทใหม่หลายประเภทโดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นส่วนเท่า ๆ กัน - โหมดที่เรียกว่าโหมดประดิษฐ์หรือสมมาตร (“ โหมดของการขนย้ายที่ จำกัด”):
ดังนั้นการแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 4 ส่วนทำให้เกิดคอร์ดที่เจ็ดที่ลดลงซึ่งการเติมจะทำให้สเกลโทน - เซมิโทนหรือเซมิโทน - โทน
การแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นสามส่วนทำให้เกิดกลุ่ม Triad ที่ขยายใหญ่ขึ้น โดยเติมด้วยสเกลทั้งโทนหรือตามโทน-เซมิโทน, เซมิโทน-โทน-เซมิโทน, เซมิโทน-เซมิโทน-สเกล
ความเชี่ยวชาญของระบบไพเราะและฮาร์มอนิกของสเกลเหล่านี้ในดนตรีของศตวรรษที่ 19-20 นำไปสู่การค้นพบเทคนิคโมดอล - วิธีการใหม่ในการจัดระเบียบโครงสร้างดนตรีทำให้สามารถเปิดเผยความงามและความสมบูรณ์ของทั้งที่คุ้นเคยเก่าและ ตัวแปรใหม่ของพื้นฐานกิริยาของโหมด
ความคิดริเริ่มของโครงสร้างกิริยาช่วยในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20
การเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงเกิดขึ้นในความคิดแบบกิริยาของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20: เป็นครั้งแรกที่มีการนำเสนอรูปแบบกิริยาที่แตกต่างกันในการกำเนิดช่วงโครงสร้างการตีความวิธีการโต้ตอบและแน่นอนในการแสดงออกของพวกเขาถูกนำเสนออย่างมากมายเช่นนี้ และความหลากหลาย
ในดนตรีสมัยใหม่ ซึ่งช่วยให้สามารถระบุโหมดด้วยชุดของน้ำเสียงเฉพาะ โหมดจะได้รับสถานะขององค์ประกอบที่ทำหน้าที่เป็นวิธีการแสดงออกและสร้างสรรค์ที่ใช้งานอยู่ อิสรภาพที่สมบูรณ์จากหลักการโครงสร้างที่สม่ำเสมอนำไปสู่ความจริงที่ว่ารูปแบบโมดอลสมัยใหม่กลายเป็นปัจเจกบุคคลโดยสมบูรณ์
ขั้นตอนที่แตกต่างกันในเชิงคุณภาพในการคิดแบบกิริยาสัมพันธ์สัมพันธ์กับการเพิ่มคุณค่าของหลักการเชิงโครงสร้าง อีกทางเลือกหนึ่งในการเข้าใกล้โหมดในฐานะโครงสร้างแบบองค์รวมที่เป็นหนึ่งเดียวภายในคือการสนับสนุนการสร้างโหมดบนฟังก์ชันกำเนิดของเซลล์โหมด หลักการของเมทริกซ์โมดัลเกิดขึ้น โดยการสร้างแบบจำลองโมดอล และ "การเติบโต" ของเกล็ดเกิดขึ้นจากการรวมเซลล์ การรักษาเฟรตเซลล์ในฐานะองค์ประกอบโครงสร้างหลักนำไปสู่การตระหนักถึงธรรมชาติการผลิตของสเกล ซึ่งรวบรวมบนพื้นฐานของค่าคงที่และผลรวมของการเปลี่ยนแปลง เทคนิคนี้จะเปลี่ยนลักษณะของรูปร่างของโหมดอย่างมาก ความหลากหลายที่มั่นคง ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคก่อนๆ ทำให้โครงสร้างส่วนบุคคลเคลื่อนที่ได้ โดยมีช่วงการเคลื่อนย้ายของแต่ละสเกลตั้งแต่ 3-4 เสียงไปจนถึงหลายอ็อกเทฟ และด้วยเอกลักษณ์การทำงานที่แตกต่างกันของโทนเสียง (อ็อกเทฟ, สี่, สาม, ไตรโทน ฯลฯ ).
ด้วยความหลากหลายของโหมดในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 โหมดทั้งสามโหมดจึงแสดงให้เห็นถึงขั้วตรงข้ามของสุนทรียภาพทางศิลปะแห่งยุคในระดับหนึ่ง นี่คือไดอะโทนิกซึ่งเป็นพื้นฐานน้ำเสียง-ความหมายมาเป็นเวลานาน และในศตวรรษที่ผ่านมามีความซับซ้อนและแตกสาขาอย่างมาก โครมาติกอารมณ์ซึ่งเป็นเวลานานซึ่งทำหน้าที่เป็นอนุพันธ์ของไดอะโทนิกส์เปลี่ยนสถานะย้ายจากปรากฏการณ์โครงสร้างส่วนบนไปเป็นปรากฏการณ์พื้นฐานซึ่งเต็มไปด้วยรูปแบบอิสระมากมาย ไมโครโครเมติกส์ - ไม่มีอารมณ์และอารมณ์ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการคิดแบบโมดอลสมัยใหม่
ในการเชื่อมต่อกับแนวโน้มทั่วไปที่มีต่อโครมาไนเซชันของโครงสร้างโมดอลซึ่งจำนวนอัตราส่วนเซมิโทนไม่เป็นตัวบ่งชี้สากลของโหมดแนวคิดของไดอะโทนิกและโครมาติกจึงเปลี่ยนไป เรากำหนดลักษณะเฉพาะของโหมดที่มุ่งเน้นไปที่การประสานงานของโทนเสียงที่สี่ในห้าเป็นหลักเป็นไดอะโทนิกในการกำเนิด โหมดที่มีความโดดเด่นของการประสานงานแบบไตรโทนจะเหมือนกับโหมดสี
ไมโครโครมาติกที่ไม่ได้รับการปรับอุณหภูมิจะแสดงโดยเอเมลิกา เอ็คเมลิกา (กรีก - ไพเราะเป็นพิเศษ) - ระบบน้ำเสียงแบบเลื่อนซึ่งไม่มีความแตกต่างเป็นระยะ ถูกใช้ภายในระบบอื่นเป็นองค์ประกอบของน้ำเสียงพูด ซึ่งเป็นรูปแบบการแสดงพิเศษตามหลักการของกลิสแซนด์ ไมโครโครเมติกส์แบบเทมเปอร์จะขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์แบบไตรมาสโทน และเป็นตัวแทนของอารมณ์รูปแบบใหม่ (นีโอเทมเพอราเมนต์) ในดนตรียุโรปตะวันตก เธอสามารถถ่ายทอดความผันผวนเล็กน้อยในโครงสร้างทางอารมณ์และความรู้สึกของดนตรี รวมถึงความแตกต่างของน้ำเสียงที่หลากหลาย
โครงสร้างโมดัลทั้งสามประเภทมีความหลากหลายระดับกลางมากมายที่เกิดจากการรวมกันของรูปแบบพื้นฐาน การเชื่อมต่อกับแนวโน้มชั้นนำในการพัฒนาโมดอล - การเพิ่มองค์ประกอบเสียง, โครมาไลเซชันทั่วไปและการทำให้เป็นรายบุคคล - ทำให้พาโนรามาสมัยใหม่ของโมดัลมีความหมายหลากสีและกว้าง
ดังนั้นศตวรรษที่ 20 จึงถือเป็นช่วงประวัติศาสตร์ที่สำคัญในวิวัฒนาการของการคิดแบบกิริยา แรงกระตุ้นใหม่ของกระบวนการโมดอลกลับกลายเป็นว่าได้ผลอย่างมากสำหรับการพัฒนาศิลปะดนตรีต่อไป
คุณสมบัติของภาษาดนตรีของ D.D. โชสตาโควิช
ภาษาดนตรี ดี.ดี. งานของ Shostakovich โดยรวมมีความหลากหลายและหลากหลายซึ่งยังสะท้อนให้เห็นถึงวิวัฒนาการที่ซับซ้อนของสไตล์ของผู้แต่งอีกด้วย อย่างไรก็ตาม ประเภทของระบบภาษาที่ใช้ร่วมกับการใช้สีโทนเสียงบางอย่างยังคงเหมือนเดิม ซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึงความสามัคคีของสไตล์ในรูปแบบที่แตกต่างกัน เช่น Seventh Symphony, Thirteenth String Quartet และเพลงมวลชน "Song of the โลก." สาระสำคัญของประเภทนี้คือการถ่ายโอนโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่เห็นได้ชัดเจนในภาษาของศตวรรษที่ 20 ของความซับซ้อนและความสัมพันธ์ระหว่างองค์ประกอบของภาษาตามที่พัฒนาในยุคที่แล้ว สิ่งที่เปลี่ยนแปลงไปคือเนื้อหาของสิ่งที่ระบบภาษาครอบคลุม ไม่ใช่ตัวระบบเอง ระบบส่วนประกอบของภาษาดนตรีของ Shostakovich ค่อนข้างดั้งเดิมตรงกันข้ามกับสถานการณ์ในผลงานของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน - I.F. Stravinsky (ในช่วงแรกเขาได้พัฒนาปัจจัยของจังหวะใหม่อย่างรวดเร็วและต่อมาก็มาถึงสิบสองจังหวะ) O . Messiaen (อาศัยระบบโหมดและจังหวะใหม่), A. Webern ไม่ต้องพูดถึงผู้แต่งในยุคหลัง.
ในดนตรีของโชสตาโควิช มีการใช้กฎทั่วไปของความสามัคคีในศตวรรษที่ 20 เช่น การยอมรับพื้นฐานของเสรีภาพในความไม่สอดคล้องกัน และคอร์ดเกือบทุกคอร์ดที่เป็นคอร์ดอิสระภายในระบบที่กำหนด (โทนเสียง) เช่นเดียวกับหลักการใหม่ของฟังก์ชันฮาร์มอนิกใน นอกเหนือจากสูตรการทำงานเก่า (D-T, S-D-T เป็นต้น) ป.) ในความสมบูรณ์ของวิธีการของภาษาของ Shostakovich ความโดดเด่นของหลักการโทนเสียงของความสามัคคีนั้นสอดคล้องกับรูปแบบดนตรีของประเภทคลาสสิกที่เป็นธรรมชาติของมันด้วยความซับซ้อนของฟังก์ชั่นโครงสร้างของชิ้นส่วนและวิธีการที่จำเป็นของฮาร์มอนิกของพวกเขา การนำเสนอ. การคิดแบบฮาร์โมนิกของผู้แต่งผสมผสานรูปแบบที่แยกจากกันเป็นการเชื่อมต่อโทนเสียงและฟังก์ชันเบื้องต้นของคอร์ดเทอร์เชียน ความสัมพันธ์ในโทนเสียงที่ขยายอย่างมาก (สี) และในสิ่งที่เรียกว่า "ความอิสระอิสระ" ในความสามัคคีโพลีโฟนิก การเชื่อมต่อในแนวนอนของเสียง ( ไม่ใช่ความสอดคล้อง) ในระดับกิริยา, ระดับเฮมิโทนิกประเภทกึ่งอนุกรม, ความสามัคคีที่มีเสียงดัง โครงสร้างฮาร์มอนิกที่หลากหลายในโชสตาโควิชสามารถนำมารวมกันเป็นหนึ่งเดียวได้หากเราจินตนาการถึงซีรีส์ hemitonic (ฮาล์ฟโทน) ซึ่งเป็น "ดนตรีแห่งความดัง" ที่มีเสียงดังเป็นบริเวณที่รุนแรงของระบบวรรณยุกต์ที่ขยายหรือบริเวณที่อยู่ติดกันโดยเป็นปรากฏการณ์ "แนวเขตแดน" ที่ เป็นอิสระจากทั้งระบบ
โดยทั่วไปประเภทของโทนเสียงของ Shostakovich นั้นมีลักษณะเด่นคือความโดดเด่นของการเน้นไปที่ความแข็งแกร่งแบบไดนามิกของการรวมศูนย์การเชื่อมต่อการทำงานและในเวลาเดียวกันการใช้เอฟเฟกต์อื่น ๆ ทุกประเภทรวมถึงเอฟเฟกต์ที่ไม่รวมการรวมศูนย์และความชัดเจนของความรู้สึกของยาชูกำลัง . ตรงกันข้ามกับการปรับให้เหมาะสมและลักษณะทั่วไปของโครงสร้างวรรณยุกต์ของศตวรรษที่ 18-19 โทนเสียงของนักแต่งเพลงแต่ละคนในศตวรรษที่ 20 นั้นเป็นรายบุคคล แต่ในรูปแบบหนึ่งมันเผยให้เห็นความคล้ายคลึงกับบางส่วนและความแตกต่างกับผู้อื่น โทนเสียงและระบบฮาร์มอนิกโดยรวมในโชสตาโควิชมีลักษณะคล้ายกับพารามิเตอร์ที่สอดคล้องกันของดนตรีของ S.S. Prokofiev, N.Ya. Myaskovsky และในระดับที่สูงกว่าคือ B. Bartok, P. Hindemith, A. Honegger
ดนตรีหลักประการหนึ่งแห่งศตวรรษที่ 20 คือดนตรีโมดัลซึ่งมีพื้นฐานมาจากหลักการทำนองเชิงเส้นตรงของสเกลและรูปแบบบางอย่าง คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของภาษาดนตรีของ Shostakovich คือการคิดในรูปแบบโมโนโมดัล (โมดัล ไม่ใช่แค่คอร์ด-ฮาร์โมนิก)
นอกจากนี้หนึ่งในปรากฏการณ์ที่โดดเด่นของภาษาดนตรีของผู้แต่งคือสิบสองโทนซึ่งเป็นปรากฏการณ์ที่มีการลากเส้นที่ชัดเจนเป็นพิเศษระหว่างศตวรรษที่ยี่สิบและยุคก่อนหน้า (แม้จะมีกรณีของสิบสองโทนใน F. Liszt, N. A. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ, อาร์. สเตราส์) สิบสองโทนมีเทคนิคต่างๆ มากมายในการออกแบบ นอกจากคอร์ดสิบสองโทนของ A. Schoenberg และ A. Webern แล้ว ยังรวมถึงคอร์ดสิบสองโทน ฟิลด์สิบสองโทน และเทคนิคอื่นๆ อีกด้วย ใน Shostakovich การเข้าใกล้ปรากฏการณ์ประเภทใดประเภทหนึ่งนี้ส่วนใหญ่เกิดขึ้นในผลงานบางชิ้นของยุค 20 (โอเปร่า "The Nose") และในช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ (ซิมโฟนีที่สิบสี่และสิบห้า)
มาตราส่วนโชสตาโควิช
เฟรต ดี.ดี. โชสตาโควิช
โชสตาโควิชเองก็พูดติดตลกเกี่ยวกับการศึกษาภาษาฮาร์มอนิกของเขาในฐานะระบบ:“ ฉันไร้เดียงสาคิดว่าตลอดชีวิตของฉันฉันเขียนเฉพาะวิชาเอกและวิชาโทเท่านั้น” แต่เมื่อตรวจสอบเพลงของผู้แต่งอย่างระมัดระวังหลายส่วนแล้ว ก็ไม่ควรจะเห็นด้วยกับความคิดเห็นของเขา ไม่มีใครสามารถปฏิเสธการมีอยู่ในงานของเขาได้เช่น heptatonics แบบกิริยา ในบทความของ A.N. Dolzhansky ซึ่งเป็นคนแรกที่ศึกษาภาษาฮาร์มอนิกของ Shostakovich และสร้างทฤษฎีของ "โหมด" ในปี 1940 ในตัวอย่างดนตรีจากโคดาของส่วนแรกของ Symphony ที่สิบโหมด e- เซมิโทนหรือลดลง - เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ได้รับการดูแลอย่างเคร่งครัดเป็นหนึ่งในประเภทโหมด ในกรณีนี้ควรพิจารณา "โหมด Shostakovich" (รวมกับ diatonic) เป็นโหมด แม้ว่าที่จริงแล้ว "โหมด Shostakovich" จะมีลักษณะที่แตกต่างกันเล็กน้อย แต่ก็ไม่สามารถปฏิเสธได้ว่ามีการใช้บ่อยไม่น้อยเช่น diatonic heptatonics
“ลักษณะที่แตกต่างกัน” ของเฟรตสะท้อนให้เห็นจากความจริงที่ว่าเฟรตมักจะมีระดับเสียงแคบ พวกเขาไม่สามารถยืนอยู่ในระดับเดียวกับสเกลอ็อกเทฟ "ฟูลคอมโพเนนต์" ของโหมด Lydian หรือ Ionian ได้ ดังนั้นคำถามจึงเกิดขึ้น: มันเป็นโหมดหรือเซลล์โหมดโลคอลที่สุ่มเกิดขึ้นภายในโหมดขยายที่มีหลายองค์ประกอบหรือไม่? บางทีนี่อาจเป็นสาเหตุที่โชสตาโควิชเองก็ไม่คิดว่ารูปแบบดังกล่าวเป็นเรื่องวิตกกังวล
โหมดของ Shostakovich อยู่ในแนวการพัฒนาที่เกือบจะถูกขัดจังหวะในยุคของความสามัคคีของคอร์ด - ไปสู่รูปแบบที่องค์ประกอบหลักไม่ใช่คอร์ด แต่เป็นสเกลของสเกล
เทอร์เชียน เตตราคอร์ด (4/3)
ให้เราหันไปใช้เส้นตรง "ความสอดคล้องแรก" (quarta-tetrachord) [รูปที่ 1] การรวมกันของวินาทีไดอะโทนิกที่เป็นไปได้ทั้งสามวินาทีจำเป็นต้องสร้างวินาทีที่สี่ลดลงแทนที่จะเป็นวินาทีหลักดั้งเดิม อย่างไรก็ตาม ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เฟส-e ที่ประสานกันไม่ได้ถูกแบ่งแยก แต่เชื่อมต่อกัน (c-fes ตัวที่สี่ที่ลดลงทำหน้าที่เป็น c-e ตัวที่สามหลัก) สิ่งนี้จะเกิดขึ้นในรูปแบบของคอร์ดที่เกี่ยวข้องกับเสียงเอนฮาร์โมนิก หรือบอกเป็นนัย เนื่องจากการเชื่อมต่อแบบไตรอะดิกมักจะบอกเป็นนัยในระบบเมเจอร์และไมเนอร์ของศตวรรษที่ 19 (หลักการของ "การปิด" ของเอนฮาร์โมนิกของ "ขอบที่แหลมและแบน" ” ของโหมด) ดังนั้นสัญกรณ์แบบย่อทั่วไปของ tetrachord ในกรอบของธรรมชาติที่สาม (3) - 4/3 (“tertian tetrachord”)
แม้ว่าช่วงต่างๆ ในลำดับจะได้ยินเป็นไดโทนิกเป็นหลัก แต่สเกลผลลัพธ์โดยรวมจะไม่ใช่ไดโทนิก สกุลของมันควรถูกกำหนดให้เป็น myxodiatonic (mixed-diatonic) เช่น การรวมเซลล์ไดโทนิกตั้งแต่สองเซลล์ขึ้นไปเข้าด้วยกัน [รูปที่ 2] ความเป็นไดอะโทนิซิตีของเซลล์ยังคงเชื่อมโยงกับโหมดเก่า แต่การเคลื่อนไหวไปสู่ความเป็นสี (สเกลฮาล์ฟโทน) เริ่มรู้สึกได้แล้ว โครงสร้างสี่ขั้นตอนภายในหลักที่สามไม่อนุญาตให้ลดขนาดเป็นไทคอร์ดอีกต่อไป และควรถูกกำหนดให้เป็นเตตระคอร์ด แต่ในระดับเอนฮาร์โมนิกสมัยใหม่ ควรจัดให้มีความเป็นไปได้ของ 5:4 ตามธรรมชาติ (หลัก) ที่สาม 5:4 เสมอ ซึ่งสามารถกำหนดโดยคำว่า "ไดตัน" (นั่นคือ ช่วงเวลาเท่ากับสองโทน) จึงเป็นศัพท์พิเศษสำหรับโหมดของ Shostakovich, tertian tetrachord หรือ ditonic tetrachord
โหมดนี้สามารถเห็นได้ในส่วนด้านข้างของการแสดงการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Seventh Symphony (โซโลบาสซูน) [รูปที่ 3] ส่วนประกอบเฉพาะของเฟรตคือ fis ใช้ร่วมกับ Aeolian แบบดั้งเดิม (tetrachord บน)
เป็นลักษณะของโหมดของ Shostakovich ที่ผู้แต่งมักจะตีความว่าเป็นผู้เยาว์และยิ่งไปกว่านั้นคือการใช้สีในโหมดเข้มกว่าผู้เยาว์เอง Yu.N. Kholopov ใช้คำว่า "super minor" เพื่อกำหนดปรากฏการณ์นี้
เฮกซาคอร์ดที่ห้า (5/6)
ในการสร้างโหมดนี้จะใช้หลักการของการบวก - tetrachord ที่สามพร้อมการเพิ่มอีกสองขั้นตอน ผลลัพธ์ที่ได้คือเฮกซาคอร์ดที่ห้า นั่นคือ สเกลหกขั้นตอนพร้อมเสียงขอบที่ห้า ในระบบสัญกรณ์ เทอร์เชียนเตตระคอร์ดสามารถทำเครื่องหมายด้วยหมายเลข 4 ตามด้วย 1.2 หรือ 2.1 [รูปที่ 4] Enharmonicity ยังทำงานที่นี่ [รูปที่ 4, B] อย่างไรก็ตาม แม้ติดต่อกันอย่างต่อเนื่องก็แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะได้ยินเสียงที่หกที่ลดลง เนื่องจากได้ยินเสียงที่สอดคล้องอย่างสมบูรณ์แบบของเสียงที่ห้า ดังนั้น สำหรับส่วนที่สี่ที่ลดลง คำว่า "ไดตอน" จึงสามารถนิยามได้ ซึ่งไม่ได้หมายถึงขั้นตอน และสำหรับส่วนที่หกที่ลดลงก็ไม่จำเป็น
ตามทฤษฎี โครงสร้างอื่นของ hexachord ที่ห้านั้นเป็นไปได้ เมื่อติด tetrachord แบบไดโทนิกเข้ากับเสียงด้านบนของเสียงที่ห้าจากด้านล่าง [รูปที่ 5]
เช่นเดียวกับใน 4/3 สเกลที่เป็นธรรมชาติที่สุดคือ 6/5 -1.2.1.2.1 เช่น โหมดลดขนาด (“โหมด Rimsky-Korsakov” หรือ “octatonic”)
hexachord ที่ห้าสามารถเห็นได้ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Seventh Quartet [รูปที่ 6]
เฮมิออคเทฟ (8/7, 9/7)
โหมดที่สามจะเกิดขึ้นในช่วง 11 ครึ่งเสียงหรือเฮมิโอคเทฟ ในทางคำศัพท์ไม่จำเป็นต้องมีความสม่ำเสมอในการเสนอชื่อ (คำจำกัดความสองประการก่อนหน้าของโหมดระบุจำนวนขั้นตอนภายในช่วงเวลาที่กำหนดเป็นสามหรือห้า) เนื่องจาก จำนวนขั้นตอนสามารถเกินเจ็ดขั้นตอนของตับได้ 1, 2 หรือ 3 หน่วย ดังนั้น การตรึงเชิงสัญลักษณ์ของตัวแปรขั้นของเฮมิโอคเทฟคือ 8/7 (นั่นคือ แปดขั้นแทนที่จะเป็นเจ็ด), 9/7 และอาจเป็นไปได้ที่ 10/7
โดยพื้นฐานแล้ว เฮมิอคเทฟจะรวม 4/3 และ 6/5 เข้าด้วยกัน หากโหมด Shostakovich สองโหมดรวมกัน อาจมีตัวเลือก 6/5+4/3 (ส่วนใหญ่มักจะเป็นเช่นนี้) หรือ (ไม่ค่อยพบ) 4/3+6/5 [รูปที่ 7]
ตัวอย่างของเฮมิโอคเทฟประเภทแรก (6/5+4/3) สามารถพบได้ในการเคลื่อนไหว I ของ Twelfth Symphony [รูปที่ 8] การบันทึกของผู้แต่งจะไม่รวมช่วงพรีมาที่ขยายออกไปอย่างสม่ำเสมอ - ทุกแห่งจะมีช่วงไดอะโทนิกเท่านั้น เป็นผลให้สเกลแทนอ็อกเทฟถูกปิดด้วยโน้ตที่ลดลง (fis-ges)
ตัวอย่างของ hemioctave ประเภทที่สอง (4/3+6/5) คือ passacaglia ที่มีชื่อเสียงจากโอเปร่า "Katerina Izmailova" [รูปที่ 9]
มีตัวอย่างมากมายของเฮมิออคเทฟ: พรีลูด ซิส-โมลล์, ตอนจบของเปียโนโซนาตาครั้งที่สอง (8/7) และธีมหลักของท่อนที่ 1 (8/7), โคดาไปจนถึงท่อนที่ 1 ของซิมโฟนีที่ 9 (สาม แท่งก่อนหมายเลข 60; 8/7) การเคลื่อนไหวช้าๆ ของ Ninth Symphony (9/7) เชลโลคอนแชร์โต้ครั้งแรก การเคลื่อนไหว IV (9/7)
ความหลากหลายของโหมด
ภายในกรอบของห้าและเฮมิโอคเทฟอาจมีการผสมผสานระหว่างโหมดของโชสตาโควิชกับองค์ประกอบไดโทนิกทั่วไป - ช่วงเวลาและโหมดย่อย [รูปที่ 10] ในตัวอย่าง [รูปที่ 10, A] ขึ้นอยู่กับการตีความ hemiolics (สเกลที่มี d-es-fes-g วินาทีที่เพิ่มขึ้น) อาจเกี่ยวข้องด้วย โดยพื้นฐานแล้ว นี่คือกลุ่มเทอร์เชียนที่มีการขยายตัวที่ไม่เฉพาะเจาะจง ในตัวอย่าง [รูปที่ 10, B] สเกลโดยรวมอาจฟังดูเหมือนโหมด Shostakovich ทั่วไป - hemioctave แม้ว่าโหมดย่อยด้านบนจะเป็น Fes Ionian ปกติก็ตาม
เฟรตทั้งหมดสามารถวางตำแหน่งได้ตั้งแต่ 1 ขั้นขึ้นไปหรือ 5 ขั้นขึ้นไป
หลักในหมู่ผู้บังคับบัญชา
ไม่มีเหตุผลที่เป็นวัตถุประสงค์สำหรับ "โหมดพิเศษ" ด้วยขั้นตอนพื้นฐานที่เพิ่มขึ้นเพื่อให้เป็นผู้เยาว์ขั้นสูงและไม่ใช่สาขาวิชาเอกขั้นสูง สิ่งสำคัญเพียงอย่างเดียวคือความปรารถนาของ Shostakovich ที่จะทำในเวลาไดอะโทนิกเพียงวินาทีเดียวซึ่งทำให้องศาของด้านแบนเป็นอันดับแรกซึ่งถูกมองว่า "ต่ำ" จึงรองลงมา ข้อโต้แย้งที่น่าสนใจ: ส่วนที่สี่ที่ลดลงในบริบทของวรรณยุกต์จะเท่ากับส่วนที่สามที่สำคัญ ดังนั้น ซุปเปอร์ไมเนอร์จึงเป็นทางเลือกฟรีของผู้แต่ง สิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกันโดยประมาณกับภาพทั่วไปของโหมดใน Shostakovich และการขัดแย้งระหว่างโหมดรองในตัวเขาและโหมดหลักใน S.S. Prokofiev “Prokofievian” ที่โดดเด่นนั้นมีลักษณะเฉพาะที่ชัดเจนด้วยระดับ “super-major” ที่สูง
ในดนตรีของ Shostakovich เราสามารถพบตัวอย่างที่หายากมากของโหมดหลักที่มีรูปแบบโหมด Shostakovich เดียวกัน หนึ่งในนั้นคือการเคลื่อนไหวทั้งสามของการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของ Eighth Symphony [รูปที่ 11] ตัวอย่างนี้แสดงให้เห็นว่าหลักการของ diatonicity ได้รับการสังเกตอย่างเต็มที่: Fis-dur ลงท้ายด้วย Ges-dur โทนเสียงเทอร์เชียนของโหมด ais และ b จะถูกปรับให้เท่ากันอย่างสมดุล
บทสรุป
“ ธรรมชาติต่อสู้เพื่อสิ่งตรงกันข้ามและจากสิ่งเหล่านั้น และไม่ใช่จาก (สิ่งที่คล้ายกัน) สร้างความสอดคล้องกัน ดนตรีสร้างความสามัคคีเดียวโดยการผสมผสานเสียงสูงและต่ำ เสียงที่ดึงออกมาและเสียงสั้นใน (การร้องร่วมกัน) ของเสียงที่แตกต่างกัน” - Heraclitus ดังที่อริสโตเติลอธิบายไว้ ภูมิปัญญาที่ได้รับการยกย่องมายาวนานนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องอย่างสมบูรณ์ในปัจจุบัน นอกจากนี้ยังเกี่ยวข้องโดยตรงกับการจัดรูปแบบกิริยาทางดนตรี
ด้วยโหมดที่หลากหลายในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 โหมดทั้งสามโหมด ได้แก่ ไดโทนิก โครมาติก และไมโครโครมาติก แสดงให้เห็นถึงขั้วตรงข้ามของสุนทรียภาพทางศิลปะแห่งยุคในระดับหนึ่ง โครงสร้างโมดัลทั้งสามประเภทมีความหลากหลายระดับกลางมากมายที่เกิดจากการรวมกันของรูปแบบพื้นฐาน การเชื่อมต่อกับแนวโน้มชั้นนำในการพัฒนาโมดอล: การเพิ่มองค์ประกอบเสียง, โครมาไนเซชันทั่วไปและการทำให้เป็นรายบุคคล ทำให้พาโนรามาสมัยใหม่ของโมดัลมีความหมายหลากสีและกว้าง
ในงานนี้ มีการระบุสเกลโหมดประเภทต่างๆ - โหมดเพนทาโทนิก, โครมาติก, และสมมาตร ความเชี่ยวชาญของระบบทำนองและฮาร์มอนิกของสเกลเหล่านี้ในดนตรีของศตวรรษที่ 19 และ 20 นำไปสู่การค้นพบเทคนิคโมดอล - เทคนิคใหม่ในการจัดระเบียบโครงสร้างดนตรี
นอกจากนี้ในงานนี้ยังได้พิจารณาเทคนิคพื้นฐานของภาษาดนตรีของ D. D. Shostakovich: การผสมผสานระหว่างเทคนิคการแต่งเพลงของศตวรรษที่ผ่านมากับการประดิษฐ์สิ่งใหม่ซึ่งได้รับการก่อตั้งและพัฒนาตลอดศตวรรษที่ 20
โหมดของ Shostakovich ถือได้ว่าเป็นหนึ่งในหลักการของการทำให้โครงสร้างโทนเสียงฮาร์มอนิกเป็นรายบุคคลซึ่งแพร่กระจาย (เนื่องจากความต้องการการคิดสมัยใหม่) ในศตวรรษที่ 20 โดยทั่วไป หลักการของการทำให้เป็นรายบุคคลของโหมด (“modus”) ในงานแยกกันสามารถเรียกว่า “โหมดส่วนบุคคล” ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับงานของ Shostakovich ซึ่งครอบคลุมปรากฏการณ์ต่างๆ มากมาย เราสามารถใช้คำว่า "โหมดของ Shostakovich" ซึ่งใช้ตลอดงานนี้ โหมดชุดนี้สามารถเปรียบเทียบได้กับ "โหมด Scriabin" ในทำนองเดียวกัน (ในงานล่าสุดของเขา)
ดังนั้นโหมดของ Shostakovich จึงเกิดขึ้นอย่างถูกต้องถัดจากโหมดอื่น ๆ ของผู้แต่งเนื่องจากการปรากฏตัวในงานจำนวนมากความคล้ายคลึงกับโหมดเจ็ดขั้นตอน แต่ในขณะเดียวกันก็มีเอกลักษณ์ของตัวเอง
บรรณานุกรม
1. Alekseev B. , Myasoedov A. ทฤษฎีดนตรีเบื้องต้น - ม., 2529.
2. Vakhromeev V. A. ทฤษฎีดนตรีเบื้องต้น - ม., 2504.
3. รูปแบบ Vyantskus, A. Fret Polymodality และ Polytonality // ปัญหาวิทยาศาสตร์ดนตรี ฉบับที่ 2. - ม.: 1973.
4. Dolzhansky A. บนพื้นฐานของผลงานของ Shostakovich - อ.: “ดนตรีโซเวียต”, 2490
5. Dyachkova L. Harmony ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ - ม., 1994.
6. Kyuregyan T. แนวคิดของ Yu.N. Kholopov ในศตวรรษที่ XXI - อ.: “มูซิซดาต”, 2551.
7. Paisov Yu. Polytonality ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวโซเวียตและชาวต่างประเทศในศตวรรษที่ 20 - ม., 2520.
8. Sereda V. ลอจิกของระบบวรรณยุกต์คลาสสิก - อ.: สำนักพิมพ์ “Classics-XXI”, 2554.
9. Sposobin I. ทฤษฎีดนตรีเบื้องต้น - M. , 1985. ทฤษฎีดนตรี // เรียบเรียงโดย T. Bershadskaya - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก. - 2546.
10. Kholopov Yu. บทความเกี่ยวกับความสามัคคีสมัยใหม่ - อ.: “ดนตรี”, 2517.
โพสต์บน Allbest.ru
เอกสารที่คล้ายกัน
ชีวประวัติและเส้นทางสร้างสรรค์ของ Shostakovich - นักแต่งเพลงนักเปียโนครูและบุคคลสาธารณะชาวโซเวียต ซิมโฟนีที่ห้าของโชสตาโควิช สืบสานประเพณีของนักประพันธ์เพลง เช่น บีโธเฟน และไชคอฟสกี งานเขียนจากปีสงคราม โหมโรงและความทรงจำใน D Major
ทดสอบเพิ่มเมื่อ 24/09/2014
ลักษณะของชีวประวัติและความคิดสร้างสรรค์ของ D. Shostakovich หนึ่งในนักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในยุคโซเวียตซึ่งดนตรีมีความโดดเด่นด้วยเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างมากมาย ช่วงแนวเพลงของผลงานของผู้แต่ง (เสียงร้อง, วงบรรเลง, ซิมโฟนี)
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 01/03/2554
ช่วงวัยเด็กของนักแต่งเพลงโซเวียตรัสเซีย นักเปียโน ครู และบุคคลสาธารณะ Dmitry Dmitrievich Shostakovich กำลังศึกษาอยู่ที่ Commercial Gymnasium ของ Maria Shidlovskaya บทเรียนเปียโนครั้งแรก ผลงานหลักของผู้แต่ง
การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 25/05/2555
รูปแบบความสัมพันธ์ระหว่างน้ำเสียงในดนตรี ความหมายและแนวคิดทั่วไปของรูปแบบดนตรี อัตราส่วนของความเสถียรและความไม่เสถียรเป็นรูปแบบความสัมพันธ์เชิงฟังก์ชันที่พบบ่อยที่สุดสำหรับระบบโมดอลทั้งหมด การใช้โหมดไดโทนิกในดนตรีของบี. บาร์ต็อก
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 11/21/2010
เพลงประกอบภาพยนตร์ในผลงานของ ดี.ดี. โชสตาโควิช. โศกนาฏกรรมของ W. Shakespeare ประวัติศาสตร์การสร้างสรรค์และชีวิตในงานศิลปะ ประวัติความเป็นมาของการสร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์โดย G. Kozintsev ศูนย์รวมดนตรีของภาพหลักของภาพยนตร์ บทบาทของดนตรีในละครของภาพยนตร์เรื่อง "Hamlet"
งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 23/06/2559
โหมด Diatonic และรูปแบบโหมดโดยใช้ตัวอย่างดนตรีของ Bela Bartok ศึกษาคุณลักษณะของไดอะโทนิกส์ของบาร์เธียน การวิเคราะห์โครงสร้างโมดัลโดยใช้ตัวอย่างชิ้นเปียโนสมัยใหม่จากวัฏจักรไมโครคอสมอส ศึกษาคุณลักษณะของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย
งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 14/01/2558
ขบวนการดนตรีพื้นบ้านในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 และผลงานของเบลา บาร์ต็อก คะแนนบัลเล่ต์โดยราเวล ผลงานละครโดย D.D. โชสตาโควิช. ผลงานเปียโนของ Debussy บทกวีไพเราะของ Richard Strauss ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงของกลุ่ม "หก"
แผ่นโกงเพิ่มเมื่อ 29/04/2013
การจำแนกรูปแบบดนตรีตามการเรียบเรียงดนตรี จุดประสงค์ของดนตรี และหลักการอื่นๆ ลักษณะเฉพาะของสไตล์ยุคต่างๆ เทคนิคการประพันธ์ดนตรีแบบโดเดคาโฟนิก ธรรมชาติหลักและรอง คุณสมบัติของสเกลเพนตาโทนิก การใช้โหมดพื้นบ้าน
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 14/01/2010
การศึกษาลักษณะเฉพาะของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของ Prokofiev ซึ่งมีดนตรีที่ได้รับแรงบันดาลใจและสดใสซึ่งเต็มไปด้วยพลังงานสำคัญที่ล้นหลามได้กลายเป็นทรัพย์สินของประวัติศาสตร์ โทนสีหลายองค์ประกอบ Modal, polymodality เมื่อมีศูนย์กลางโทนเสียงเดียว
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 07/09/2011
ประเภทของความยากของน้ำเสียงในงานดนตรี วิธีการ และลักษณะเฉพาะของการแก้ปัญหา สาเหตุของน้ำเสียงที่ไม่ถูกต้องในดนตรีสมัยใหม่ กระบวนการทำงานเกี่ยวกับความยากของน้ำเสียงของผลงานดนตรีในคณะนักร้องประสานเสียงพื้นบ้านของนักเรียน
ดี.ดี. Shostakovich เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ดนตรีของ Shostakovich มีความโดดเด่นด้วยความลึกและความสมบูรณ์ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง โลกภายในของบุคคลที่มีความคิดและแรงบันดาลใจ ความสงสัย บุคคลที่ต่อสู้กับความรุนแรงและความชั่วร้ายเป็นธีมหลักของโชสตาโควิชซึ่งรวบรวมไว้ในผลงานของเขาหลายวิธี
ประเภทของผลงานของ Shostakovich นั้นยอดเยี่ยมมาก เขาเป็นผู้ประพันธ์ซิมโฟนีและวงดนตรีบรรเลง รูปแบบเสียงร้องขนาดใหญ่และแชมเบอร์ ผลงานละครเวที ดนตรีสำหรับภาพยนตร์ และผลงานละคร อย่างไรก็ตาม พื้นฐานของงานของผู้แต่งคือดนตรีบรรเลง และเหนือสิ่งอื่นใดคือซิมโฟนี เขาเขียนซิมโฟนี 15 บท
อันที่จริงหลังจากนำเสนอสองประเด็นที่ตัดกันแบบคลาสสิกแทนที่จะมีการพัฒนาความคิดใหม่ก็ปรากฏขึ้น - ที่เรียกว่า "ตอนการบุกรุก" ตามที่นักวิจารณ์กล่าวไว้ ควรจะใช้เป็นการแสดงดนตรีเกี่ยวกับเหตุการณ์หิมะถล่มของฮิตเลอร์ที่กำลังจะเกิดขึ้น
ธีมที่แปลกประหลาดและเป็นการ์ตูนตรงไปตรงมานี้เป็นท่วงทำนองที่ Shostakovich ได้รับความนิยมมากที่สุดที่เคยเขียนมาเป็นเวลานาน ควรเสริมด้วยว่า Bela Bartok ใช้ชิ้นส่วนจากตรงกลางในการเคลื่อนไหวครั้งที่สี่ของคอนแชร์โตสำหรับวงออร์เคสตราของเขาในปี 1943
ส่วนแรกมีผลกระทบต่อผู้ฟังมากที่สุด การพัฒนาที่น่าทึ่งของมันนั้นไม่มีใครเทียบได้ในประวัติศาสตร์ดนตรีทั้งหมดและการแนะนำ ณ จุดหนึ่งของวงดนตรีทองเหลืองเพิ่มเติมซึ่งโดยรวมแล้วทำให้มีองค์ประกอบขนาดมหึมาประกอบด้วยเขาแปดเขาหกทรัมเป็ตหกทรอมโบนและทูบาเพิ่มความดังก้อง สู่สัดส่วนที่ไม่เคยมีมาก่อน
มาฟังโชสตาโควิชกันดีกว่า: “ การเคลื่อนไหวครั้งที่สองเป็นเพลงอินเทอร์เมซโซที่ไพเราะและไพเราะมาก ไม่มีโปรแกรมหรือ "รูปภาพเฉพาะ" ใด ๆ เหมือนส่วนแรก มันมีอารมณ์ขันเล็กน้อย (ฉันขาดมันไม่ได้!) เช็คสเปียร์รู้ดีถึงคุณค่าของอารมณ์ขันในโศกนาฏกรรม เขารู้ดีว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะทำให้ผู้ชมสงสัยอยู่ตลอดเวลา”
.
ซิมโฟนีประสบความสำเร็จอย่างมาก โชสตาโควิชได้รับการยกย่องว่าเป็นอัจฉริยะ บีโธเฟนแห่งศตวรรษที่ 20 และเป็นที่หนึ่งในบรรดานักประพันธ์เพลงที่ยังมีชีวิตอยู่
ดนตรีของ Eighth Symphony เป็นหนึ่งในถ้อยคำที่เป็นส่วนตัวที่สุดของศิลปิน ซึ่งเป็นเอกสารที่น่าทึ่งเกี่ยวกับการมีส่วนร่วมอย่างชัดเจนของผู้แต่งในเรื่องสงคราม การประท้วงต่อต้านความชั่วร้ายและความรุนแรง
Eighth Symphony มีพลังแห่งการแสดงออกและความตึงเครียดอันทรงพลัง การเคลื่อนไหวครั้งแรกขนาดใหญ่ซึ่งกินเวลาประมาณ 25 นาที พัฒนาเมื่อมีลมหายใจยาวมาก แต่ไม่มีความรู้สึกยืดเยื้อในนั้น ไม่มีอะไรมากเกินไปหรือไม่เหมาะสม จากมุมมองที่เป็นทางการ มีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนกับการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ห้า แม้แต่เพลงเปิดของ The Eighth ก็ดูเหมือนจะเป็นการเปลี่ยนแปลงจากการเริ่มต้นของงานก่อนหน้านี้
ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Eighth Symphony โศกนาฏกรรมได้มาถึงระดับที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน ดนตรีแทรกซึมเข้าไปในผู้ฟัง ชวนให้นึกถึงความทุกข์ทรมาน ความเจ็บปวด ความสิ้นหวัง และจุดไคลแม็กซ์ที่สะเทือนใจก่อนที่การบรรเลงใหม่จะใช้เวลาในการเตรียมตัวนาน และโดดเด่นด้วยพลังแห่งการกระแทกที่ไม่ธรรมดา ในอีกสองส่วนถัดไป ผู้แต่งจะกลับสู่ความแปลกประหลาดและภาพล้อเลียน สิ่งแรกคือการเดินขบวนซึ่งสามารถเชื่อมโยงกับดนตรีของ Prokofiev แม้ว่าความคล้ายคลึงกันนี้จะเป็นเพียงภายนอกเท่านั้น เพื่อวัตถุประสงค์ทางโปรแกรมที่ชัดเจน Shostakovich ใช้ธีมในนั้นซึ่งเป็นการถอดความล้อเลียนของ Foxtrot ภาษาเยอรมัน "Rosamund" ธีมเดียวกันนี้ในตอนท้ายของการเคลื่อนไหวถูกวางทับบนแนวคิดหลักทางดนตรีแรกอย่างเชี่ยวชาญ
โทนสีของงานชิ้นนี้น่าสนใจเป็นพิเศษ เมื่อมองแวบแรก ผู้แต่งต้องอาศัยโทนเสียงของ Des Major แต่ในความเป็นจริงแล้ว เขาใช้โหมดของตัวเองซึ่งมีเพียงเล็กน้อยที่เหมือนกันกับระบบการทำงานของ Major-Minor
การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม ทอคคาต้า เปรียบเสมือนเชอร์โซครั้งที่สอง งดงาม เต็มไปด้วยความแข็งแกร่งภายใน ในรูปแบบที่เรียบง่าย ดนตรีที่ไม่ซับซ้อนมาก การเคลื่อนไหวของมอเตอร์ออสตินาโตของโน้ตควอเตอร์โน้ตในทอคคาต้าจะดำเนินต่อไปอย่างต่อเนื่องตลอดการเคลื่อนไหวทั้งหมด เมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้ มีแรงจูงใจที่แยกจากกันเกิดขึ้นโดยทำหน้าที่เป็นหัวข้อหลัก
ส่วนตรงกลางของ toccata มีตอนตลกขบขันเกือบทั้งหมดในงานทั้งหมด หลังจากนั้นดนตรีก็กลับไปสู่ความคิดเริ่มแรกอีกครั้ง เสียงของวงออเคสตราเริ่มแข็งแกร่งขึ้นเรื่อยๆ จำนวนเครื่องดนตรีที่เข้าร่วมก็เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง และเมื่อสิ้นสุดการเคลื่อนไหว จุดไคลแม็กซ์ของซิมโฟนีทั้งหมดก็มาถึง หลังจากนั้น เพลงจะเข้าสู่พาสคาเกลียโดยตรง
Passacaglia เคลื่อนเข้าสู่การเคลื่อนไหวที่ห้าของลักษณะอภิบาล ตอนจบนี้สร้างขึ้นจากตอนเล็กๆ หลายตอนและธีมต่างๆ ซึ่งทำให้มีตัวละครที่ค่อนข้างโมเสก มีรูปแบบที่น่าสนใจ โดยผสมผสานองค์ประกอบของรอนโดและโซนาต้าเข้ากับความทรงจำที่ถักทอในการพัฒนา ซึ่งชวนให้นึกถึงความทรงจำที่ไม่รู้จักในขณะนั้นจาก Scherzo ของ Fourth Symphony
ซิมโฟนีที่แปดจบลงที่เปียโน โคดาที่แสดงโดยเครื่องสายและฟลุตโซโลดูเหมือนจะทำให้เกิดคำถาม ดังนั้นงานจึงไม่มีเสียงในแง่ดีที่ชัดเจนของเลนินกราดสกายา
ดูเหมือนว่าผู้แต่งจะมองเห็นปฏิกิริยาดังกล่าวล่วงหน้าก่อนการแสดงชุดที่ 9 ครั้งแรก โดยกล่าวว่า “นักดนตรีจะเล่นมันอย่างเพลิดเพลิน และนักวิจารณ์ก็จะวิพากษ์วิจารณ์”
.
อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ Ninth Symphony ได้กลายเป็นหนึ่งในผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Shostakovich
ส่วนแรกของซิมโฟนีที่สิบสามซึ่งอุทิศให้กับโศกนาฏกรรมของชาวยิวที่ถูกสังหารที่บาบียาร์เป็นส่วนที่น่าทึ่งที่สุดประกอบด้วยธีมที่เรียบง่ายและยืดหยุ่นหลายธีม โดยส่วนแรกตามปกติจะมีบทบาทหลัก ในนั้นเราสามารถได้ยินเสียงสะท้อนจากเสียงคลาสสิกของรัสเซียโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mussorgsky ดนตรีเชื่อมโยงกับข้อความในลักษณะที่ขอบเขตของการอธิบาย และตัวละครของเพลงจะเปลี่ยนไปพร้อมกับการปรากฏตัวของบทกวีของ Yevtushenko แต่ละตอนต่อไป
ส่วนที่สอง - "อารมณ์ขัน" - เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับส่วนก่อนหน้า ในนั้นผู้แต่งปรากฏว่าเป็นนักเลงที่ไม่มีใครเทียบได้เกี่ยวกับความเป็นไปได้ด้านสีสันของวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงและดนตรีก็สื่อถึงลักษณะกัดกร่อนของบทกวีอย่างเต็มที่
ส่วนที่สาม “In the Store” สร้างจากบทกวีที่อุทิศให้กับชีวิตของผู้หญิงที่ยืนเข้าแถวและทำงานหนักที่สุด
จากส่วนนี้ส่วนถัดไปจะเติบโตขึ้น - "ความกลัว" บทกวีที่มีชื่อนี้เกี่ยวข้องกับอดีตที่ผ่านมาของรัสเซียเมื่อความกลัวเข้าครอบงำผู้คนอย่างสมบูรณ์เมื่อบุคคลหนึ่งกลัวบุคคลอื่นกลัวที่จะจริงใจกับตัวเอง
“อาชีพ” สุดท้ายเปรียบเสมือนคำวิจารณ์ส่วนตัวของกวีและนักแต่งเพลงเกี่ยวกับงานทั้งหมดซึ่งสัมผัสกับปัญหามโนธรรมของศิลปิน
ซิมโฟนีที่สิบสามถูกแบน จริงอยู่ที่ทางตะวันตกพวกเขาปล่อยแผ่นเสียงที่มีการบันทึกที่ส่งอย่างผิดกฎหมายในคอนเสิร์ตที่มอสโกว แต่ในสหภาพโซเวียตคะแนนและการบันทึกปรากฏเพียงเก้าปีต่อมาในเวอร์ชันที่มีข้อความเปลี่ยนแปลงของการเคลื่อนไหวครั้งแรก สำหรับ Shostakovich ซิมโฟนีที่สิบสามเป็นที่รักอย่างยิ่ง
ซิมโฟนีที่สิบสี่. หลังจากผลงานที่ยิ่งใหญ่เช่น Symphony ที่สิบสามและบทกวีเกี่ยวกับ Stepan Razin Shostakovich ก็เข้ารับตำแหน่งที่ตรงกันข้ามและแต่งผลงานสำหรับโซปราโนเบสและแชมเบอร์ออร์เคสตราเท่านั้นและสำหรับการแต่งเพลงเขาเลือกเครื่องเพอร์คัชชันเพียงหกเครื่องคือเซเลสต้าและสิบเก้า สตริง ในรูปแบบงานขัดแย้งอย่างสิ้นเชิงกับการตีความซิมโฟนีโดยทั่วไปของ Shostakovich ก่อนหน้านี้: การเคลื่อนไหวเล็ก ๆ สิบเอ็ดจังหวะที่ประกอบขึ้นเป็นองค์ประกอบใหม่ไม่ได้มีลักษณะคล้ายกับวงจรซิมโฟนิกแบบดั้งเดิม แต่อย่างใด
แก่นของข้อความที่เลือกจากกวีนิพนธ์ของ Federico García Lorca, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Küchelbecker และ Rainer Maria Rilke คือความตาย ซึ่งแสดงในรูปแบบต่างๆ และในสถานการณ์ที่แตกต่างกัน ตอนเล็ก ๆ เชื่อมต่อกันโดยสร้างบล็อกของห้าส่วนขนาดใหญ่ (I, I - IV, V - VH, VHI - IX และ X - XI) เบสและโซปราโนร้องสลับกัน บางครั้งก็ทำให้เกิดบทสนทนาและเฉพาะในส่วนสุดท้ายเท่านั้นที่รวมกันเป็นเพลงคู่
สี่เท่า ซิมโฟนีที่สิบห้าซึ่งเขียนขึ้นสำหรับวงออเคสตราเท่านั้น ชวนให้นึกถึงผลงานบางชิ้นก่อนหน้านี้ของผู้แต่งเป็นอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการเคลื่อนไหวครั้งแรกที่พูดน้อย Allegretto ที่สนุกสนานและมีอารมณ์ขันมีความเกี่ยวข้องกับ Ninth Symphony และได้ยินเสียงสะท้อนที่ห่างไกลจากผลงานก่อนหน้านี้: เปียโนคอนแชร์โต้ครั้งแรก ชิ้นส่วนบางส่วนจากบัลเล่ต์ "The Golden Age" และ "Bolt" เช่นเดียวกับการแสดงดนตรีจากวงออเคสตราจาก “Lady Macbeth” ระหว่างธีมดั้งเดิมทั้งสอง ผู้แต่งได้ทอลวดลายจากการทาบทามถึงวิลเลียม เทลล์ ซึ่งปรากฏหลายครั้งและมีบุคลิกที่ตลกขบขันอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อที่นี่ไม่ได้แสดงโดยใช้เครื่องสายเหมือนในรอสซินี แต่โดยกลุ่มเครื่องทองเหลือง เสียงเหมือนวงดนตรีนักดับเพลิง
Adagio นำเสนอความแตกต่างที่คมชัด นี่คือจิตรกรรมฝาผนังไพเราะที่เต็มไปด้วยความคิดและแม้กระทั่งสิ่งที่น่าสมเพชซึ่งมีการขับร้องประสานเสียงเปิดเพลงด้วยธีมสิบสองโทนที่แสดงโดยเชลโลเดี่ยว หลายตอนชวนให้นึกถึงชิ้นส่วนซิมโฟนียุคกลางที่มองโลกในแง่ร้ายที่สุดซึ่งส่วนใหญ่เป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Sixth Symphony การเคลื่อนไหวที่สามของ Attacca ที่เปิดนั้นสั้นที่สุดในบรรดา Scherzos ของ Shostakovich ทั้งหมด ธีมแรกของเขายังมีโครงสร้างแบบ 12 โทน ทั้งในการเคลื่อนไหวไปข้างหน้าและการผกผัน
ตอนจบเริ่มต้นด้วยคำพูดจาก "Ring of the Nibelung" ของ Wagner (จะมีการได้ยินหลายครั้งในการเคลื่อนไหวนี้) หลังจากนั้นธีมหลักจะปรากฏขึ้น - โคลงสั้น ๆ และสงบในตัวละครที่ไม่ธรรมดาสำหรับตอนจบของซิมโฟนีของโชสตาโควิช
ธีมด้านข้างยังไม่ค่อยดราม่ามากนัก การพัฒนาซิมโฟนีอย่างแท้จริงเริ่มต้นเฉพาะในส่วนตรงกลางเท่านั้น - Passacaglia ที่เป็นอนุสรณ์ซึ่งเป็นธีมเบสซึ่งเกี่ยวข้องอย่างชัดเจนกับ "ตอนการบุกรุก" อันโด่งดังจาก Leningrad Symphony
Passacaglia นำไปสู่จุดไคลแม็กซ์ที่น่าสะเทือนใจ และพัฒนาการดูเหมือนจะพังทลายลง ธีมที่คุ้นเคยปรากฏขึ้นอีกครั้ง จากนั้นก็มาถึงตอนจบซึ่งส่วนคอนเสิร์ตได้รับความไว้วางใจจากกลอง
Kazimierz Kord เคยกล่าวไว้เกี่ยวกับตอนจบของซิมโฟนีนี้ว่า "นี่คือดนตรีที่ถูกเผาจนไหม้เกรียมจนถึงพื้น..."
เนื้อหาขนาดใหญ่, การคิดโดยทั่วไป, ความรุนแรงของความขัดแย้ง, พลวัตและตรรกะที่เข้มงวดของการพัฒนาความคิดทางดนตรี - ทั้งหมดนี้เป็นตัวกำหนดลักษณะที่ปรากฏของ Shostakovich ในฐานะนักแต่งเพลงไพเราะ. Shostakovich โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มทางศิลปะที่โดดเด่น ผู้แต่งใช้วิธีการแสดงออกที่พัฒนาขึ้นในยุคประวัติศาสตร์ต่างๆอย่างอิสระ ดังนั้นรูปแบบโพลีโฟนิกจึงมีบทบาทอย่างมากในการคิดของเขา สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในเนื้อสัมผัส ในธรรมชาติของทำนอง ในวิธีการพัฒนา ในการอุทธรณ์ไปยังรูปแบบคลาสสิกของพฤกษ์ รูปแบบของพาสคาเกลียโบราณถูกนำมาใช้ในลักษณะที่เป็นเอกลักษณ์
ดนตรี(ท.บ.)
มีบางสิ่งอัศจรรย์เผาไหม้ในตัวเธอ
และขอบของมันถูกตัดต่อหน้าต่อตาเรา
เธอพูดกับฉันคนเดียว
เมื่อคนอื่นกลัวที่จะเข้าใกล้
เมื่อเพื่อนคนสุดท้ายมองออกไป
เธออยู่กับฉันในหลุมศพของฉัน
และเธอก็ร้องเพลงเหมือนพายุฝนฟ้าคะนองครั้งแรก
ราวกับว่าดอกไม้ทั้งหมดเริ่มพูด
แอนนา อัคมาโตวา (2500-2501)
มิทรี โชสตาโควิช ชะตากรรมอันน่าทึ่ง
Shostakovich เกิดและอาศัยอยู่ในช่วงเวลาที่ยากลำบากและมีข้อขัดแย้ง เขาไม่ปฏิบัติตามนโยบายของพรรคเสมอไป บางครั้ง เขาขัดแย้งกับเจ้าหน้าที่ บางครั้งได้รับการอนุมัติจากเจ้าหน้าที่
Shostakovich เป็นปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีโลก ผลงานของเขาไม่เหมือนศิลปินคนอื่นๆ สะท้อนให้เห็นถึงยุคที่ซับซ้อนและโหดร้ายของเรา ความขัดแย้งและชะตากรรมอันน่าสลดใจของมนุษยชาติ และรวบรวมความตกตะลึงที่เกิดขึ้นกับคนรุ่นเดียวกันของเขา ทุกปัญหาและความทุกข์ทรมานทั้งหมดในประเทศของเราในศตวรรษที่ยี่สิบ เขาถ่ายทอดมันผ่านใจและแสดงออกในผลงานของเขา
Dmitri Shostakovich เกิดในปี 1906 ซึ่งเป็น "จุดสิ้นสุด" ของจักรวรรดิรัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเป็นช่วงที่จักรวรรดิรัสเซียดำเนินชีวิตจนถึงวันสุดท้าย เมื่อสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและการปฏิวัติในเวลาต่อมา อดีตก็ถูกลบล้างไปอย่างเด็ดขาดเมื่อประเทศเปิดรับอุดมการณ์สังคมนิยมหัวรุนแรงแบบใหม่ ต่างจาก Prokofiev, Stravinsky และ Rachmaninov, Dmitri Shostakovich ไม่ได้ออกจากบ้านเกิดเพื่อไปอยู่ต่างประเทศ
เขาเป็นลูกคนที่สองในจำนวนสามคน มาเรียพี่สาวของเขากลายเป็นนักเปียโน และ Zoya น้องสาวของเขากลายเป็นสัตวแพทย์ Shostakovich เรียนที่โรงเรียนเอกชนและในปี พ.ศ. 2459-2461 ระหว่างการปฏิวัติและการก่อตั้งสหภาพโซเวียตเขาเรียนที่โรงเรียนของ I. A. Glyasser
ถึงเวลาสำหรับการเปลี่ยนแปลง
ต่อมานักแต่งเพลงในอนาคตได้เข้าสู่ Petrograd Conservatory เช่นเดียวกับครอบครัวอื่น ๆ เขาและคนที่เขารักพบว่าตัวเองตกอยู่ในสถานการณ์ที่ยากลำบาก - ความอดอยากอย่างต่อเนื่องทำให้ร่างกายอ่อนแอลงและในปี 1923 โชสตาโควิชได้ไปโรงพยาบาลในไครเมียอย่างเร่งด่วนด้วยเหตุผลด้านสุขภาพ ในปี พ.ศ. 2468 เขาสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก งานประกาศนียบัตรของนักดนตรีรุ่นเยาว์คือ First Symphony ซึ่งทำให้เด็กชายวัย 19 ปีมีชื่อเสียงทั้งที่บ้านและทางตะวันตกในทันที
ในปี 1927 เขาได้พบกับ Nina Varzar นักเรียนที่กำลังศึกษาวิชาฟิสิกส์ ซึ่งต่อมาเขาได้แต่งงานด้วย ในปีเดียวกันนั้นเอง เขาได้กลายเป็นหนึ่งในแปดผู้เข้ารอบสุดท้ายของการแข่งขันระดับนานาชาติ โชแปงในกรุงวอร์ซอ และผู้ชนะคือเลฟ โอโบริน เพื่อนของเขา
โลกแห่งสงคราม (2479)
ชีวิตเป็นเรื่องยาก และเพื่อที่จะเลี้ยงดูครอบครัวและแม่ม่ายของเขาต่อไป โชสตาโควิชจึงแต่งเพลงสำหรับภาพยนตร์ บัลเล่ต์ และละครเวที เมื่อสตาลินขึ้นสู่อำนาจ สถานการณ์ก็ซับซ้อนมากขึ้น
อาชีพของ Shostakovich ประสบกับความขึ้นๆ ลงๆ อย่างรวดเร็วหลายครั้ง แต่จุดเปลี่ยนในชะตากรรมของเขาคือปี 1936 เมื่อสตาลินเข้าร่วมโอเปร่าเรื่อง Lady Macbeth of Mtsensk ซึ่งสร้างจากเรื่องราวของ N. S. Leskov และต้องตกใจกับถ้อยคำที่เฉียบคมและดนตรีที่สร้างสรรค์ ปฏิกิริยาอย่างเป็นทางการตามมาทันที หนังสือพิมพ์ของรัฐบาลปราฟดาในบทความเรื่อง "ความสับสนแทนดนตรี" กำหนดให้โอเปร่าถูกทำลายล้างอย่างแท้จริงและโชสตาโควิชได้รับการยอมรับว่าเป็นศัตรูของประชาชน โอเปร่าถูกลบออกจากละครในเลนินกราดและมอสโกทันที โชสตาโควิชถูกบังคับให้ยกเลิกการฉายรอบปฐมทัศน์ของ Symphony No. 4 ที่เพิ่งเสร็จสิ้นไปเมื่อเร็วๆ นี้ โดยเกรงว่าอาจทำให้เกิดปัญหามากยิ่งขึ้น และเริ่มทำงานกับซิมโฟนีใหม่ ในช่วงปีที่เลวร้ายเหล่านั้น มีช่วงหนึ่งที่ผู้แต่งอาศัยอยู่เป็นเวลาหลายเดือนโดยคาดว่าจะถูกจับกุมเมื่อใดก็ได้ เขาเข้านอนโดยแต่งตัวและเตรียมกระเป๋าเดินทางใบเล็กไปด้วย
ขณะเดียวกันญาติของเขาถูกจับกุม การแต่งงานของเขายังตกอยู่ในอันตรายเนื่องจากมีชู้ แต่เมื่อกาลินาลูกสาวของพวกเขาเกิดในปี 2479 สถานการณ์ก็ดีขึ้น
เขาติดตามสื่อมวลชนเขาเขียน Symphony No. 5 ซึ่งโชคดีที่ประสบความสำเร็จอย่างมาก มันเป็นจุดสูงสุดครั้งแรกของงานไพเราะของผู้แต่ง รอบปฐมทัศน์ในปี 1937 ดำเนินการโดย Evgeniy Mravinsky รุ่นเยาว์
และแล้วปีอันเลวร้ายก็มาถึงปี 1941 ตั้งแต่เริ่มสงคราม นักแต่งเพลงก็เริ่มทำงานในวง Symphony ที่เจ็ด นักแต่งเพลงจบซิมโฟนีที่อุทิศให้กับความกล้าหาญของเมืองบ้านเกิดของเขาใน Kuibyshev ซึ่งเขาและครอบครัวอพยพออกไป นักแต่งเพลงจบซิมโฟนี แต่ไม่สามารถทำได้ในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อม จำเป็นต้องมีวงออเคสตราจำนวนไม่ต่ำกว่าร้อยคน ต้องใช้เวลาและความพยายามในการเรียนรู้บทนี้ ไม่มีวงออเคสตรา ไม่มีกำลัง ไม่มีเวลาปราศจากการทิ้งระเบิดและปลอกกระสุน ดังนั้นซิมโฟนี "เลนินกราด" จึงแสดงครั้งแรกใน Kuibyshev ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2485 หลังจากนั้นไม่นาน Arturo Toscanini หนึ่งในวาทยกรที่เก่งที่สุดในโลกได้แนะนำให้สาธารณชนรู้จักกับการสร้างสรรค์นี้ในสหรัฐอเมริกา คะแนนถูกส่งไปนิวยอร์กโดยเครื่องบินทหาร
และพวกเลนินกราดที่ล้อมรอบด้วยการปิดล้อมก็รวบรวมกำลัง มีนักดนตรีไม่กี่คนในเมืองนี้ที่ไม่มีเวลาอพยพ แต่มีไม่เพียงพอ จากนั้นนักดนตรีที่เก่งที่สุดจากกองทัพและกองทัพเรือก็ถูกส่งไปยังเมือง ดังนั้นวงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่จึงถูกสร้างขึ้นในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อม ระเบิดระเบิด บ้านเรือนพังทลายและไฟไหม้ ผู้คนแทบจะขยับตัวไม่ได้จากความหิวโหย และวงออเคสตรากำลังฝึกซ้อมซิมโฟนีของโชสตาโควิช ดำเนินการในเลนินกราดในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2485
หนังสือพิมพ์ต่างประเทศฉบับหนึ่งเขียนว่า “ประเทศที่ศิลปินในช่วงเวลาอันเลวร้ายเหล่านี้สร้างผลงานที่งดงามอมตะและจิตวิญญาณอันสูงส่งนั้นคงอยู่ยงคงกระพัน!”
ในปีพ. ศ. 2486 นักแต่งเพลงย้ายไปมอสโคว์ ก่อนสิ้นสุดสงครามเขาเขียน Eighth Symphony ซึ่งอุทิศให้กับวาทยากรที่ยอดเยี่ยมซึ่งเป็นนักแสดงคนแรกของซิมโฟนีทั้งหมดของเขาที่เริ่มต้นด้วย Fifth, E. Mravinsky ตั้งแต่นั้นมาชีวิตของ D. Shostakovich ก็เชื่อมโยงกับเมืองหลวง เขาทำงานด้านความคิดสร้างสรรค์ การสอน และเขียนเพลงให้กับภาพยนตร์
ปีหลังสงคราม
ในปี 1948 โชสตาโควิชมีปัญหากับเจ้าหน้าที่อีกครั้งเขาถูกประกาศให้เป็นทางการ หนึ่งปีต่อมา เขาถูกไล่ออกจากเรือนกระจก และผลงานของเขาถูกห้ามไม่ให้แสดง นักแต่งเพลงยังคงทำงานในวงการละครและภาพยนตร์ (ระหว่างปี 1928 ถึง 1970 เขาเขียนเพลงให้กับภาพยนตร์เกือบ 40 เรื่อง)
การเสียชีวิตของสตาลินในปี พ.ศ. 2496 ทำให้รู้สึกโล่งใจบ้าง เขารู้สึกถึงความเป็นอิสระ สิ่งนี้ทำให้เขาสามารถขยายและเพิ่มคุณค่าให้กับสไตล์ของเขา และสร้างผลงานที่ต้องใช้ทักษะและขอบเขตมากยิ่งขึ้น ซึ่งมักจะสะท้อนถึงความรุนแรง ความสยองขวัญ และความขมขื่นในช่วงเวลาที่นักแต่งเพลงเคยผ่านมา
Shostakovich ไปเยือนบริเตนใหญ่และอเมริกาและสร้างผลงานที่ยิ่งใหญ่อีกหลายชิ้น
60s ผ่านไปภายใต้สัญญาณของสุขภาพที่ถดถอยมากขึ้น นักแต่งเพลงทนทุกข์ทรมานจากอาการหัวใจวายสองครั้งและเริ่มเป็นโรคระบบประสาทส่วนกลาง ประชาชนต้องอยู่ในโรงพยาบาลเป็นเวลานานมากขึ้น แต่โชสตาโควิชพยายามที่จะมีวิถีชีวิตที่กระตือรือร้นและเขียนแม้ว่าเขาจะแย่ลงทุกเดือนก็ตาม
ความตายเข้าครอบงำผู้แต่งเมื่อวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2518 แต่แม้หลังจากความตาย เจ้าหน้าที่ผู้มีอำนาจทั้งหมดก็ไม่ทิ้งเขาไว้ตามลำพัง แม้ว่านักแต่งเพลงจะปรารถนาที่จะถูกฝังในเลนินกราดซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา แต่เขาก็ยังถูกฝังอยู่ที่สุสาน Novodevichy อันทรงเกียรติในมอสโก
พิธีศพถูกเลื่อนออกไปเป็นวันที่ 14 ส.ค. เนื่องจากคณะผู้แทนจากต่างประเทศไม่มีเวลามาถึง Shostakovich เป็นนักแต่งเพลง "อย่างเป็นทางการ" และเขาถูกฝังอย่างเป็นทางการพร้อมกับสุนทรพจน์อันดังจากตัวแทนของพรรคและรัฐบาลที่วิพากษ์วิจารณ์เขามาหลายปี
หลังจากที่เขาเสียชีวิต เขาก็ได้รับการประกาศอย่างเป็นทางการให้เป็นสมาชิกที่จงรักภักดีของพรรคคอมมิวนิสต์
รางวัลและเกียรติยศของผู้แต่ง:
ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต (2497)
ผู้ได้รับรางวัลระดับรัฐ (2484, 2485, 2489, 2493, 2495, 2511, 2517)
ผู้ได้รับรางวัลสันติภาพนานาชาติ (1954)
ผู้ได้รับรางวัลเลนิน (1958)
วีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม (2509)
การนำเสนอ
รวมอยู่ด้วย:
1. การนำเสนอ 25 สไลด์ ppsx
2. เสียงดนตรี:
“Waltz-organ” จากภาพยนตร์เรื่อง “Gadfly”, mp3
“Romance” จากภาพยนตร์เรื่อง “Gadfly”, mp3
"โอฟีเลีย" จากละคร "แฮมเล็ต", mp3
