บีโธเฟนเป็นตัวแทนของขบวนการดนตรีใด ยุคแห่งความคลาสสิก ลักษณะทั่วไปของยุคนั้น

แอล.คารันโควา

1. ลักษณะเฉพาะของสไตล์การสร้างสรรค์ของเบโธเฟน

L. V. Beethoven เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (เกิดในเมืองบอนน์ แต่ใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในกรุงเวียนนา - ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2335)

การคิดทางดนตรีของ Beethoven เป็นการสังเคราะห์ที่ซับซ้อน:

ความสำเร็จที่สร้างสรรค์ของคลาสสิกเวียนนา (Gluck, Haydn, Mozart);

ศิลปะแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส

ที่เกิดขึ้นใหม่ในยุค 20 ศตวรรษที่สิบเก้า การเคลื่อนไหวทางศิลปะ - แนวโรแมนติก

ผลงานของเบโธเฟนเป็นที่ประทับของอุดมการณ์ สุนทรียภาพ และศิลปะแห่งการตรัสรู้ สิ่งนี้ส่วนใหญ่อธิบายการคิดเชิงตรรกะของผู้แต่งความชัดเจนของรูปแบบความรอบคอบของแนวคิดทางศิลปะทั้งหมดและรายละเอียดส่วนบุคคลของผลงาน

เป็นที่น่าสังเกตว่าเบโธเฟนแสดงตัวเองอย่างเต็มที่ที่สุดในแนวเพลงโซนาต้าและซิมโฟนี (ลักษณะของแนวคลาสสิก) เบโธเฟนเป็นคนแรกที่ใช้สิ่งที่เรียกว่า “ความขัดแย้งประสานเสียง” บนพื้นฐานของการต่อต้านและการปะทะกันของภาพดนตรีที่ตัดกันอย่างสดใส ยิ่งความขัดแย้งรุนแรงเท่าไร กระบวนการพัฒนาก็ยิ่งซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น ซึ่งสำหรับเบโธเฟนกลายเป็นแรงผลักดันหลัก

แนวความคิดและศิลปะของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ได้ทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานสร้างสรรค์หลายชิ้นของเบโธเฟน จากโอเปร่าของ Cherubini มีเส้นทางตรงไปยัง Fidelio ของ Beethoven

ผลงานของผู้แต่งประกอบด้วยน้ำเสียงที่ดึงดูดใจและจังหวะที่แม่นยำ การหายใจอันไพเราะที่กว้างขวาง และเครื่องมืออันทรงพลังของเพลงสวด การเดินขบวน และโอเปร่าในยุคนี้ พวกเขาเปลี่ยนสไตล์ของเบโธเฟน นั่นคือเหตุผลว่าทำไมภาษาดนตรีของผู้แต่งถึงแม้จะเชื่อมโยงกับศิลปะของเวียนนาคลาสสิก แต่ในขณะเดียวกันก็แตกต่างอย่างลึกซึ้งจากภาษานั้น ในผลงานของ Beethoven ต่างจาก Haydn และ Mozart ตรงที่ไม่มีใครพบกับการตกแต่งอันวิจิตรบรรจง รูปแบบจังหวะที่ราบรื่น แชมเบอร์ พื้นผิวโปร่งใส ความสมดุล และความสมมาตรของธีมดนตรี

Beethoven นักแต่งเพลงแห่งยุคใหม่ค้นพบน้ำเสียงที่แตกต่างกันเพื่อแสดงความคิดของเขา - มีชีวิตชีวา กระสับกระส่าย และรุนแรง เสียงดนตรีของเขามีความสมบูรณ์ หนาแน่น และตัดกันอย่างมาก ธีมดนตรีของเขาได้รับการพูดน้อยอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนและความเรียบง่ายที่เข้มงวด

ผู้ฟังที่พูดถึงแนวคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ต่างตกตะลึงและมักถูกเข้าใจผิดจากพลังทางอารมณ์ของดนตรีของเบโธเฟน ซึ่งแสดงออกมาทั้งในละครที่มีความรุนแรง หรือในขอบเขตมหากาพย์ที่ยิ่งใหญ่ หรือในบทประพันธ์ที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ แต่มันเป็นคุณสมบัติเหล่านี้ของงานศิลปะของ Beethoven ที่ทำให้นักดนตรีโรแมนติกพอใจ และถึงแม้ว่าความเชื่อมโยงของเบโธเฟนกับแนวโรแมนติกจะปฏิเสธไม่ได้ แต่งานศิลปะของเขาในโครงร่างหลักก็ไม่ตรงกัน มันไม่เข้ากับกรอบของความคลาสสิคเลย สำหรับ Beethoven ก็เหมือนกับคนอื่นๆ ไม่กี่คนที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และมีหลายแง่มุม

ธีมงานของ Beethoven:

ความสนใจของ Beethoven อยู่ที่ชีวิตของฮีโร่ ซึ่งเกิดขึ้นในการต่อสู้อย่างต่อเนื่องเพื่ออนาคตที่สวยงามและเป็นสากล แนวคิดที่กล้าหาญดำเนินไปเหมือนด้ายแดงผ่านงานทั้งหมดของ Beethoven ฮีโร่ของ Beethoven ไม่สามารถแยกออกจากผู้คนได้ ในการรับใช้มนุษยชาติ ในการได้รับอิสรภาพแก่พวกเขา เขามองเห็นจุดประสงค์ของชีวิตของเขา แต่หนทางสู่จุดหมายนั้นต้องฝ่าหนาม การต่อสู้ ความทุกข์ทรมาน บ่อยครั้งที่ฮีโร่เสียชีวิต แต่ความตายของเขากลับสวมมงกุฎด้วยชัยชนะ นำความสุขมาสู่มนุษยชาติที่ได้รับการปลดปล่อย แรงดึงดูดของเบโธเฟนต่อภาพลักษณ์ที่กล้าหาญและความคิดในการต่อสู้นั้นเนื่องมาจากบุคลิกภาพของเขาชะตากรรมที่ยากลำบากการต่อสู้กับมันและการเอาชนะความยากลำบากอย่างต่อเนื่อง ในทางกลับกันอิทธิพลของแนวคิดเรื่องการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ที่มีต่อโลกทัศน์ของนักแต่งเพลง

ธีมของธรรมชาติยังสะท้อนให้เห็นอย่างล้นหลามในงานของเบโธเฟน (ซิมโฟนีที่ 6 "Pastoral", โซนาตาหมายเลข 15 "Pastoral", โซนาตาหมายเลข 21 "ออโรรา", ซิมโฟนีที่ 4, โซนาตาที่เคลื่อนไหวช้าๆ มากมาย, ซิมโฟนี, ควอร์เตต) การไตร่ตรองอย่างไม่โต้ตอบนั้นแปลกสำหรับเบโธเฟน ความสงบและความเงียบสงบของธรรมชาติช่วยให้เข้าใจประเด็นที่น่าตื่นเต้นอย่างลึกซึ้ง รวบรวมความคิดและความแข็งแกร่งภายในสำหรับการต่อสู้ของชีวิต

เบโธเฟนยังเจาะลึกเข้าไปในขอบเขตของความรู้สึกของมนุษย์ แต่การเปิดเผยโลกแห่งชีวิตภายในและอารมณ์ของบุคคลเบโธเฟนดึงฮีโร่คนเดียวกันซึ่งสามารถควบคุมความรู้สึกที่เกิดขึ้นเองตามความต้องการของเหตุผล

คุณสมบัติหลักของภาษาดนตรี:

เมโลดิก้า. พื้นฐานพื้นฐานของทำนองเพลงของเขาอยู่ที่สัญญาณทรัมเป็ตและการประโคมเสียง มักใช้การเคลื่อนไหวตามเสียงของวงสาม (G.P. “Eroic Symphony”; ธีมของตอนจบของซิมโฟนีที่ 5, G.P. I ตอนที่ 9 ของซิมโฟนี) Caesuras ของ Beethoven เป็นเครื่องหมายวรรคตอนในการพูด Fermatas ของ Beethoven หยุดชะงักหลังจากคำถามที่น่าสมเพช แก่นดนตรีของเบโธเฟนมักประกอบด้วยองค์ประกอบที่ตัดกัน โครงสร้างที่ตัดกันของธีมยังพบได้ในรุ่นก่อนๆ ของ Beethoven (โดยเฉพาะ Mozart) แต่สำหรับ Beethoven สิ่งนี้ก็กลายเป็นรูปแบบไปแล้ว ความขัดแย้งภายในหัวข้อพัฒนาไปสู่ความขัดแย้ง G.P. และพี.พี. ในรูปแบบโซนาต้า จะไดนามิกทุกส่วนของโซนาตาอัลเลโกร

เมโทรริธึม. จังหวะของ Beethoven เกิดจากแหล่งเดียวกัน จังหวะบ่งบอกถึงความเป็นชาย ความตั้งใจ และความกระตือรือร้น

จังหวะการเดินเป็นเรื่องธรรมดามาก

จังหวะการเต้นรำ (ในภาพความสนุกสนานพื้นบ้าน - ตอนจบของซิมโฟนีที่ 7, ตอนจบของโซนาต้าออโรร่า, เมื่อหลังจากความทุกข์ทรมานและการต่อสู้ดิ้นรนมากมายช่วงเวลาแห่งชัยชนะและความสุขก็มาถึง

ความสามัคคี. ด้วยความเรียบง่ายของคอร์ดแนวตั้ง (คอร์ดของฟังก์ชั่นหลัก การใช้เสียงที่ไม่ใช่คอร์ดอย่างกระชับ) มีการตีความลำดับฮาร์มอนิกที่ตัดกันและน่าทึ่ง (เชื่อมโยงกับหลักการของละครที่ขัดแย้งกัน) การมอดูเลตที่คมชัดและหนาในคีย์ระยะไกล (ตรงข้ามกับการมอดูเลตพลาสติกของ Mozart) ในผลงานชิ้นต่อๆ มาของเขา เบโธเฟนคาดหวังถึงคุณลักษณะของความกลมกลืนที่โรแมนติก: ผ้าโพลีโฟนิก เสียงที่ไม่มีคอร์ดมากมาย และลำดับฮาร์โมนิกอันงดงาม

รูปแบบดนตรีในผลงานของเบโธเฟนมีโครงสร้างที่ยิ่งใหญ่ “ นี่คือเช็คสเปียร์ของมวลชน” V. Stasov เขียนเกี่ยวกับเบโธเฟน “โมสาร์ทรับผิดชอบเฉพาะบุคคลเท่านั้น... เบโธเฟนคิดถึงประวัติศาสตร์และมนุษยชาติทั้งหมด” บีโธเฟนเป็นผู้สร้างรูปแบบของรูปแบบอิสระ (ตอนจบของเปียโนโซนาต้าหมายเลข 30, รูปแบบต่างๆ ในธีมโดย Diabelli, การเคลื่อนไหวที่ 3 และ 4 ของซิมโฟนีที่ 9) เขาได้รับเครดิตจากการนำรูปแบบการเปลี่ยนแปลงมาสู่รูปแบบขนาดใหญ่

แนวดนตรี บีโธเฟนได้พัฒนาแนวดนตรีที่มีอยู่เกือบทั้งหมด พื้นฐานของงานของเขาคือดนตรีบรรเลง

รายชื่อผลงานของเบโธเฟน:

ดนตรีออเคสตรา:

ซิมโฟนี - 9;

การทาบทาม: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 ตัวเลือกสำหรับโอเปร่า "Fidelio";

คอนแชร์โต: เปียโน 5 ตัว ไวโอลิน 1 ตัว ทริปเปิ้ล 1 ตัว - สำหรับไวโอลิน เชลโล และเปียโน

เพลงเปียโน:

32 โซนาตา;

22 รอบการเปลี่ยนแปลง (รวม 32 รูปแบบใน c-moll)

บากาเทล (รวมถึง “Fur Elise”)

วงดนตรีแชมเบอร์:

โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน (รวมถึง "Kreutzerova" หมายเลข 9); เชลโลและเปียโน

16 วงเครื่องสาย

เพลงร้อง:

โอเปร่า "ฟิเดลิโอ";

เพลงรวม วงจร "To a Distant Beloved" ดัดแปลงจากเพลงพื้นบ้าน: สก็อต ไอริช ฯลฯ ;

2 มิสซา: พิธีมิสซา C major และพิธีมิสซาเคร่งขรึม;

oratorio “พระคริสต์บนภูเขามะกอกเทศ”

2. ชีวิตและเส้นทางสร้างสรรค์ของเบโธเฟน

สมัยบอนน์ วัยเด็กและเยาวชน

เบโธเฟนเกิดที่เมืองบอนน์เมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2313 ในเส้นเลือดของเขานอกเหนือจากชาวเยอรมันแล้ว เลือดเฟลมิชยังไหลเวียนอยู่ (ทางฝั่งพ่อของเขา)

เบโธเฟนเติบโตมาด้วยความยากจน พ่อดื่มเงินเดือนอันน้อยนิดของเขาไป เขาสอนลูกชายให้เล่นไวโอลินและเปียโนด้วยความหวังว่าเขาจะกลายเป็นเด็กอัจฉริยะ เป็นโมสาร์ทคนใหม่ และเลี้ยงดูครอบครัวของเขา เมื่อเวลาผ่านไป เงินเดือนของพ่อเพิ่มขึ้นเพื่อคาดการณ์อนาคตของลูกชายผู้มีพรสวรรค์และขยันขันแข็งของเขา

การศึกษาทั่วไปของเบโธเฟนไม่มีระบบพอๆ กับการศึกษาด้านดนตรีของเขา อย่างไรก็ตาม ในช่วงหลัง การฝึกฝนมีบทบาทสำคัญ เขาเล่นวิโอลาในวงออเคสตราของศาลและแสดงเป็นนักแสดงบนเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด รวมถึงออร์แกนซึ่งเขาสามารถเชี่ยวชาญได้อย่างรวดเร็ว กิโลกรัม. Nefe นักออร์แกนประจำศาลบอนน์ กลายเป็นครูที่แท้จริงคนแรกของ Beethoven (เหนือสิ่งอื่นใด เขาได้ผ่าน "HTK" ทั้งหมดของ S. Bach ไปกับเขา)

ในปี พ.ศ. 2330 เบโธเฟนได้ไปเยือนเวียนนาเป็นครั้งแรก - ในเวลานั้นเป็นเมืองหลวงทางดนตรีของยุโรป ตามเรื่องราวต่างๆ โมสาร์ทได้ฟังบทละครของชายหนุ่มชื่นชมการแสดงด้นสดของเขาอย่างมากและทำนายอนาคตที่ดีสำหรับเขา แต่ในไม่ช้าเบโธเฟนก็ต้องกลับบ้าน - แม่ของเขากำลังจะตาย เขายังคงเป็นคนหาเลี้ยงครอบครัวเพียงคนเดียวในครอบครัวที่ประกอบด้วยพ่อเสเพลและน้องชายสองคน

พรสวรรค์ของชายหนุ่ม ความโลภในการแสดงดนตรี นิสัยที่กระตือรือร้นและเปิดกว้างของเขาดึงดูดความสนใจของครอบครัวบอนน์ผู้รู้แจ้งบางครอบครัว และการแสดงเปียโนด้นสดอันยอดเยี่ยมของเขาทำให้เขาสามารถเข้าร่วมการแสดงดนตรีได้ฟรี ครอบครัว Breuning ทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อเขาเป็นพิเศษ

ยุคเวียนนาครั้งแรก (ค.ศ. 1792 - 1802)

ในกรุงเวียนนา ที่ซึ่งเบโธเฟนมาครั้งที่สองในปี พ.ศ. 2335 และที่เขาอยู่ที่นั่นจนกระทั่งสิ้นอายุขัย เขาได้พบเพื่อนและผู้อุปถัมภ์ศิลปะอย่างรวดเร็ว

ผู้คนที่ได้พบกับเบโธเฟนในวัยหนุ่มเล่าให้ฟังถึงนักแต่งเพลงวัย 20 ปีคนนี้ว่าเป็นชายหนุ่มร่างท้วมและชอบแต่งตัวเรียบร้อย บางครั้งก็หน้าด้าน แต่มีอัธยาศัยดีและอ่อนหวานในความสัมพันธ์กับเพื่อนฝูง เมื่อตระหนักถึงความไม่เพียงพอของการศึกษา เขาจึงไปหาโจเซฟ ไฮเดิน ผู้มีอำนาจชาวเวียนนาที่ได้รับการยอมรับในสาขาดนตรีบรรเลง (โมสาร์ทเสียชีวิตเมื่อปีที่แล้ว) และนำแบบฝึกหัดที่แตกต่างมาให้เขาทดสอบเป็นระยะเวลาหนึ่ง อย่างไรก็ตามในไม่ช้า Haydn ก็หมดความสนใจในนักเรียนที่ดื้อรั้นและ Beethoven แอบจากเขาเริ่มรับบทเรียนจาก I. Schenck และจาก I. G. Albrechtsberger ที่ละเอียดยิ่งขึ้น นอกจากนี้ ด้วยความต้องการที่จะปรับปรุงการเขียนเสียงร้องของเขา เขาจึงไปเยี่ยมนักแต่งเพลงโอเปร่าชื่อดังอย่าง Antonio Salieri เป็นเวลาหลายปี ในไม่ช้าเขาก็ได้เข้าร่วมกลุ่มที่รวมเอาบรรดานักสมัครเล่นและนักดนตรีมืออาชีพเข้าด้วยกัน เจ้าชายคาร์ล ลิคโนฟสกีแนะนำหนุ่มต่างจังหวัดให้รู้จักกับกลุ่มเพื่อนของเขา

ชีวิตทางการเมืองและสังคมของยุโรปในเวลานั้นน่าตกใจ: เมื่อเบโธเฟนมาถึงเวียนนาในปี พ.ศ. 2335 เมืองก็ปั่นป่วนด้วยข่าวการปฏิวัติในฝรั่งเศส เบโธเฟนยอมรับคำขวัญการปฏิวัติอย่างกระตือรือร้นและยกย่องเสรีภาพในดนตรีของเขา ลักษณะการระเบิดของภูเขาไฟในงานของเขานั้นไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย แต่ในแง่ที่ว่าลักษณะของผู้สร้างนั้นมีรูปร่างในระดับหนึ่งในเวลานี้เท่านั้น การละเมิดบรรทัดฐานที่ยอมรับโดยทั่วไปอย่างกล้าหาญ การยืนยันตนเองอันทรงพลัง บรรยากาศดนตรีของเบโธเฟนที่ดังกึกก้อง - ทั้งหมดนี้คงเป็นเรื่องที่คิดไม่ถึงในยุคของโมสาร์ท

อย่างไรก็ตาม ผลงานในช่วงแรกๆ ของเบโธเฟนส่วนใหญ่เป็นไปตามหลักการของศตวรรษที่ 18 โดยใช้ได้กับดนตรีทรีออส (เครื่องสายและเปียโน) ไวโอลิน เปียโน และโซนาตาเชลโล เปียโนเป็นเครื่องดนตรีที่ใกล้เคียงที่สุดของ Beethoven ในงานเปียโนของเขาเขาแสดงความรู้สึกใกล้ชิดที่สุดด้วยความจริงใจสูงสุด The First Symphony (1801) เป็นผลงานวงดนตรีออเคสตราชิ้นแรกของ Beethoven

ใกล้จะหูหนวก.

เราเดาได้แค่ว่าอาการหูหนวกของเบโธเฟนส่งผลต่องานของเขามากน้อยเพียงใด โรคก็ค่อยๆพัฒนาไป ในปี พ.ศ. 2341 เขาบ่นเรื่องหูอื้อซึ่งเป็นเรื่องยากสำหรับเขาที่จะแยกแยะน้ำเสียงสูงและเข้าใจการสนทนาที่ดำเนินการด้วยเสียงกระซิบ ด้วยความกลัวที่จะกลายเป็นเป้าหมายแห่งความสงสาร - นักแต่งเพลงหูหนวกเขาจึงเล่าให้ Karl Amenda เพื่อนสนิทของเขาฟังเกี่ยวกับความเจ็บป่วยของเขารวมถึงแพทย์ที่แนะนำให้เขาปกป้องการได้ยินของเขาให้มากที่สุด เขายังคงเคลื่อนไหวอยู่ในแวดวงเพื่อนชาวเวียนนาของเขาต่อไป เข้าร่วมในการแสดงดนตรียามเย็น และแต่งเพลงมากมาย เขาสามารถซ่อนอาการหูหนวกของเขาได้ดีจนจนถึงปี 1812 แม้แต่คนที่พบเขาบ่อยๆก็ไม่สงสัยว่าอาการป่วยของเขาจะร้ายแรงเพียงใด การที่ในระหว่างสนทนาเขามักจะตอบอย่างไม่เหมาะสมนั้นเกิดจากอารมณ์ไม่ดีหรือเหม่อลอย

ในฤดูร้อนปี 1802 เบโธเฟนเกษียณไปยังชานเมืองอันเงียบสงบของเวียนนา - ไฮลิเกนชตัดท์ เอกสารที่น่าทึ่งปรากฏขึ้นที่นั่น - "พันธสัญญาของ Heiligenstadt" คำสารภาพอันเจ็บปวดของนักดนตรีที่ทรมานจากความเจ็บป่วย พินัยกรรมจ่าหน้าถึงพี่น้องของเบโธเฟน (พร้อมคำแนะนำให้อ่านและดำเนินการหลังจากการตายของเขา); ในนั้นเขาพูดถึงความทุกข์ทรมานทางจิตของเขา: มันเจ็บปวดเมื่อ“ คนที่ยืนอยู่ข้างๆฉันได้ยินเสียงขลุ่ยเล่นจากที่ไกลโดยฉันไม่ได้ยิน หรือเมื่อมีคนได้ยินเสียงคนเลี้ยงแกะร้องเพลง แต่เราแยกแยะเสียงไม่ออก” แต่แล้วในจดหมายถึง Dr. Wegeler เขาอุทานว่า: "ฉันจะรับชะตากรรมไว้ที่คอ!" และเพลงที่เขาเขียนต่อไปเป็นการยืนยันการตัดสินใจครั้งนี้: ในฤดูร้อนเดียวกัน Second Symphony ที่สดใสและโซนาต้าเปียโนอันงดงาม . 31 และโซนาตาไวโอลินสามตัว สหกรณ์ สามสิบ.

ช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นผู้ใหญ่ "วิถีใหม่" (1803 - 1812)

ความก้าวหน้าขั้นเด็ดขาดครั้งแรกต่อสิ่งที่เบโธเฟนเรียกว่า "วิถีใหม่" เกิดขึ้นในซิมโฟนีที่สาม (Eroica, 1803-1804) ระยะเวลายาวนานกว่าซิมโฟนีอื่นๆ ที่เขียนไว้ก่อนหน้านี้ถึงสามเท่า มักเป็นที่ถกเถียงกัน (และไม่ใช่โดยไร้เหตุผล) ว่าเบโธเฟนอุทิศ "Eroica" ให้กับนโปเลียนในตอนแรก แต่เมื่อรู้ว่าเขาสถาปนาตนเองเป็นจักรพรรดิ เขาก็ยกเลิกการอุทิศดังกล่าว “ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิของมนุษย์และสนองความทะเยอทะยานของเขาเองเท่านั้น” คำพูดเหล่านี้ตามเรื่องราวของเบโธเฟนเมื่อเขาฉีกหน้าชื่อเรื่องของเพลงด้วยความทุ่มเท ในท้ายที่สุด "Heroic" ได้อุทิศให้กับหนึ่งในผู้อุปถัมภ์งานศิลปะ - Prince Lobkowitz

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยมได้ออกมาจากปลายปากกาของเขาทีละคน ผลงานหลักของผู้แต่งก่อให้เกิดกระแสดนตรีที่ยอดเยี่ยมอย่างไม่น่าเชื่อ โลกแห่งเสียงในจินตนาการนี้เข้ามาแทนที่โลกแห่งเสียงจริงที่ทิ้งเขาไปให้กับผู้สร้าง มันเป็นการยืนยันตนเองแห่งชัยชนะ ภาพสะท้อนของการทำงานหนักของความคิด หลักฐานของชีวิตภายในอันอุดมสมบูรณ์ของนักดนตรี

ผลงานในช่วงที่สอง: ไวโอลินโซนาต้าใน A Major, op. 47 (ครอยต์เซโรวา, 1802-1803); ซิมโฟนีที่สาม (Eroic, 1802-1805); oratorio พระคริสต์บนภูเขามะกอกเทศ, หน้า 1. 85 (1803); เปียโนโซนาตา: “Waldstein”, op. 53; "Appassionata" (1803-1815); เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 4 ใน G Major (1805-1806); โอเปร่าแห่งเดียวของเบโธเฟนคือ Fidelio (1805, ฉบับที่สอง 1806); วง "รัสเซีย" สามวง แย้มยิ้ม 59 (อุทิศให้กับเคานต์ Razumovsky; 1805-1806); ซิมโฟนีที่สี่ (1806); ทาบทามถึงโศกนาฏกรรมของ Collin Coriolanus, op. 62 (1807); มวลในซีเมเจอร์ (1807); ซิมโฟนีที่ห้า (1804-1808); ซิมโฟนีที่หก (อภิบาล, 1807-1808); เพลงประกอบโศกนาฏกรรมของเกอเธ่ Egmont (1809) ฯลฯ

แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับผลงานประพันธ์หลายชิ้นคือความรู้สึกโรแมนติกที่เบโธเฟนมีต่อนักเรียนในสังคมชั้นสูงบางคนของเขา โซนาตาซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "ดวงจันทร์" อุทิศให้กับเคาน์เตส Giulietta Guicciardi เบโธเฟนเคยคิดที่จะขอเธอแต่งงานด้วยซ้ำ แต่ทันใดนั้นก็ตระหนักได้ว่านักดนตรีหูหนวกไม่คู่ควรกับความงามทางสังคมที่เจ้าชู้ ผู้หญิงคนอื่นๆ ที่เขารู้จักปฏิเสธเขา หนึ่งในนั้นเรียกเขาว่า "ประหลาด" และ "กึ่งบ้า" สถานการณ์แตกต่างออกไปกับครอบครัวบรันสวิก ซึ่งเบโธเฟนสอนดนตรีให้กับพี่สาวสองคนของเขา เทเรซาและโจเซฟีน เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าผู้รับข้อความถึง "ผู้เป็นที่รักอมตะ" ที่พบในเอกสารของเบโธเฟนหลังจากการตายของเขาคือเทเรซา แต่นักวิจัยสมัยใหม่ไม่ได้ปฏิเสธว่าผู้รับคนนี้คือโจเซฟิน ไม่ว่าในกรณีใด วงซิมโฟนีโฟร์ทอันงดงามนี้เกิดจากการที่เบโธเฟนเข้าพักในที่ดินของฮังการีที่บรันสวิกในฤดูร้อนปี 1806

ในปี 1804 เบโธเฟนเต็มใจรับคณะกรรมาธิการในการแต่งโอเปร่า เนื่องจากความสำเร็จบนเวทีโอเปร่าในกรุงเวียนนาหมายถึงชื่อเสียงและเงินทอง โครงเรื่องโดยย่อมีดังนี้: ผู้หญิงที่กล้าหาญและกล้าได้กล้าเสียแต่งกายด้วยเสื้อผ้าผู้ชายช่วยสามีที่รักของเธอถูกคุมขังโดยเผด็จการที่โหดร้ายและเปิดโปงคนหลังต่อหน้าผู้คน เพื่อหลีกเลี่ยงความสับสนกับโอเปร่าที่มีอยู่แล้วซึ่งมีพื้นฐานมาจากโครงเรื่องนี้ Leonora ของ Gaveau งานของ Beethoven จึงถูกเรียกว่า Fidelio ตามชื่อที่นางเอกปลอมตัวนำมาใช้ แน่นอนว่า Beethoven ไม่มีประสบการณ์ในการแต่งเพลงให้กับโรงละครเลย ช่วงเวลาสำคัญของละครประโลมโลกถูกทำเครื่องหมายด้วยดนตรีที่ยอดเยี่ยม แต่ในส่วนอื่น ๆ การขาดไหวพริบที่น่าทึ่งทำให้ผู้แต่งไม่สามารถโดดเด่นเหนือกิจวัตรโอเปร่าได้ (แม้ว่าเขาจะพยายามอย่างหนักที่จะทำอย่างนั้นก็ตาม มีชิ้นส่วนใน Fidelio ที่ได้รับการแก้ไขใหม่จนถึง สิบแปดครั้ง) อย่างไรก็ตามโอเปร่าค่อยๆ ชนะใจผู้ฟัง (ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลงมีการผลิตสามรายการในรุ่นที่แตกต่างกัน - ในปี 1805, 1806 และ 1814) อาจเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่าผู้แต่งไม่ได้ใช้ความพยายามอย่างมากในการแต่งเพลงอื่นใด

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว Beethoven ชื่นชมผลงานของเกอเธ่อย่างลึกซึ้งแต่งเพลงหลายเพลงตามตำราของเขาเพลงสำหรับโศกนาฏกรรม Egmont ของเขา แต่ได้พบกับเกอเธ่ในฤดูร้อนปี 1812 เท่านั้นเมื่อพวกเขาลงเอยด้วยกันที่รีสอร์ทใน Teplitz มารยาทอันประณีตของกวีผู้ยิ่งใหญ่และพฤติกรรมอันรุนแรงของนักแต่งเพลงไม่ได้มีส่วนช่วยให้เกิดสายสัมพันธ์กัน “พรสวรรค์ของเขาทำให้ฉันประหลาดใจมาก แต่น่าเสียดาย เขามีนิสัยไม่ย่อท้อ และโลกนี้ดูเหมือนเป็นการสร้างสรรค์ที่น่ารังเกียจสำหรับเขา” เกอเธ่กล่าวในจดหมายฉบับหนึ่งของเขา

มิตรภาพของเบโธเฟนกับรูดอล์ฟ อาร์คดยุคแห่งออสเตรียและน้องชายต่างมารดาของจักรพรรดิ ถือเป็นเรื่องราวทางประวัติศาสตร์ที่น่าสนใจที่สุดเรื่องหนึ่ง ประมาณปี 1804 ท่านดยุคซึ่งขณะนั้นอายุ 16 ปี เริ่มเรียนเปียโนจากผู้แต่ง แม้ว่าสถานะทางสังคมจะแตกต่างกันมาก แต่ครูและนักเรียนก็รู้สึกรักใคร่กันอย่างจริงใจ เมื่อปรากฏตัวเพื่อเข้าเรียนที่วังของอาร์คดยุค บีโธเฟนต้องเดินผ่านลูกน้องนับไม่ถ้วน เรียกนักเรียนของเขาว่า "ฝ่าบาท" และต่อสู้กับทัศนคติที่ไม่ชำนาญของเขาต่อดนตรี และเขาทำทั้งหมดนี้ด้วยความอดทนอย่างน่าทึ่ง แม้ว่าเขาจะไม่เคยลังเลที่จะยกเลิกบทเรียนหากเขายุ่งอยู่กับการแต่งเพลง ได้รับมอบหมายจากท่านดยุค ผลงานต่างๆ เช่น เปียโนโซนาตา "อำลา", ทริปเปิลคอนแชร์โต, เปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ห้าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและยิ่งใหญ่ที่สุด และพิธีมิสซาศักดิ์สิทธิ์ (มิสซาเคร่งขรึม) ท่านดยุค เจ้าชาย Kinsky และเจ้าชาย Lobkowitz ได้ก่อตั้งทุนการศึกษาสำหรับนักแต่งเพลงที่นำความรุ่งโรจน์มาสู่เวียนนา แต่ไม่ได้รับการสนับสนุนจากเจ้าหน้าที่ของเมือง และท่านดยุคก็กลายเป็นผู้น่าเชื่อถือมากที่สุดในบรรดาผู้อุปถัมภ์ทั้งสาม

ปีที่ผ่านมา

สถานการณ์ทางการเงินของผู้แต่งดีขึ้นอย่างเห็นได้ชัด ผู้จัดพิมพ์ตามล่าหาผลงานของเขาและสั่งงานต่างๆ เช่น เปียโนขนาดใหญ่ในธีมเพลงวอลทซ์ของ Diabelli (1823) เมื่อคาสปาร์น้องชายของเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2358 นักแต่งเพลงก็กลายเป็นหนึ่งในผู้พิทักษ์ของคาร์ลหลานชายวัยสิบขวบของเขา ความรักที่เบโธเฟนมีต่อเด็กชายและความปรารถนาที่จะทำให้อนาคตของเขาขัดแย้งกับความไม่ไว้วางใจที่ผู้แต่งรู้สึกต่อแม่ของคาร์ล เป็นผลให้เขาทะเลาะกับทั้งสองคนตลอดเวลาเท่านั้นและสถานการณ์นี้ทำให้ช่วงสุดท้ายของชีวิตของเขาเต็มไปด้วยแสงอันน่าสลดใจ ในช่วงหลายปีที่เบโธเฟนต้องการการปกครองโดยสมบูรณ์ เขาได้เรียบเรียงเพียงเล็กน้อย

อาการหูหนวกของเบโธเฟนเกือบจะสมบูรณ์แล้ว ภายในปี 1819 เขาต้องเปลี่ยนมาสื่อสารกับคู่สนทนาโดยสมบูรณ์โดยใช้กระดานชนวนหรือกระดาษและดินสอ (สมุดบันทึกการสนทนาของเบโธเฟนยังคงถูกเก็บรักษาไว้) หมกมุ่นอยู่กับงานเช่นพิธีมิสซาศักดิ์สิทธิ์อันยิ่งใหญ่ใน D Major (1818) หรือซิมโฟนีที่เก้าเขาประพฤติตัวแปลก ๆ ทำให้คนแปลกหน้าตื่นตระหนก: เขา "ร้องเพลงหอนกระทืบเท้าของเขาและโดยทั่วไปดูเหมือนว่าจะมีส่วนร่วมในการต่อสู้ของมนุษย์ กับศัตรูที่มองไม่เห็น" (ชินด์เลอร์) สี่เพลงสุดท้ายที่ยอดเยี่ยม โซนาตาเปียโนห้าเพลงสุดท้าย - ยิ่งใหญ่ในขนาด รูปร่างและสไตล์ที่ไม่ธรรมดา - ดูเหมือนคนรุ่นราวคราวเดียวกันหลายคนจะเป็นผลงานของคนบ้า ถึงกระนั้นผู้ฟังชาวเวียนนาก็ยอมรับถึงความสูงส่งและความยิ่งใหญ่ของดนตรีของ Beethoven พวกเขารู้สึกว่าพวกเขากำลังเผชิญกับอัจฉริยะ ในปี พ.ศ. 2367 ในระหว่างการแสดงซิมโฟนีที่เก้าพร้อมกับท่อนสุดท้ายของการร้องประสานเสียงตามข้อความในบทกวีของชิลเลอร์เรื่อง "To Joy" เบโธเฟนยืนอยู่ข้างผู้ควบคุมวง ห้องโถงเต็มไปด้วยไคลแม็กซ์อันทรงพลังในตอนท้ายของซิมโฟนี ผู้ชมต่างคลั่งไคล้ แต่เบโธเฟนหูหนวกไม่หันกลับมา นักร้องคนหนึ่งต้องจับแขนเสื้อของเขาแล้วหันเขาไปเผชิญหน้าผู้ฟังเพื่อให้ผู้แต่งคำนับ

ชะตากรรมของงานอื่นในภายหลังมีความซับซ้อนมากขึ้น หลายปีผ่านไปหลังจากการเสียชีวิตของเบโธเฟน และหลังจากนั้น นักดนตรีที่มีใจรับมากที่สุดเท่านั้นที่จะเริ่มแสดงควอร์เตตสุดท้ายและโซนาตาเปียโนชุดสุดท้ายของเขา เผยให้เห็นถึงความสำเร็จสูงสุดและสวยงามที่สุดของเบโธเฟนให้ผู้คนได้รับรู้ บางครั้งสไตล์การแต่งเพลงในช่วงหลังของเบโธเฟนมีลักษณะเฉพาะคือการไตร่ตรอง เป็นนามธรรม และในบางกรณีก็ไม่คำนึงถึงกฎแห่งความไพเราะ

เบโธเฟนเสียชีวิตในกรุงเวียนนาเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 ด้วยโรคปอดบวม มีอาการตัวเหลืองและท้องมาน

3. งานเปียโนของเบโธเฟน

มรดกทางดนตรีเปียโนของ Beethoven นั้นยอดเยี่ยมมาก:

32 โซนาตา;

22 รอบการเปลี่ยนแปลง (ในนั้น - "32 รูปแบบใน c-minor");

บากาเทล, เต้นรำ, รอนโดส;

ผลงานเล็กๆ น้อยๆ มากมาย

Beethoven เป็นนักเปียโนฝีมือฉกาจผู้สร้างสรรค์ผลงานอย่างไม่หยุดยั้งในธีมต่างๆ การแสดงคอนเสิร์ตของเบโธเฟนอย่างรวดเร็วเผยให้เห็นธรรมชาติอันทรงพลัง ยิ่งใหญ่ และพลังทางอารมณ์อันมหาศาลในการแสดงออก นี่ไม่ใช่สไตล์ของร้านเสริมสวยอีกต่อไป แต่เป็นเวทีคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ที่นักดนตรีสามารถเปิดเผยไม่เพียง แต่โคลงสั้น ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพที่กล้าหาญและยิ่งใหญ่ซึ่งเขาหลงใหลอย่างหลงใหล ในไม่ช้าทั้งหมดนี้ก็ปรากฏชัดเจนในการเรียบเรียงของเขา นอกจากนี้ เอกลักษณ์ของ Beethoven ยังถูกเปิดเผยเป็นอันดับแรกในงานเปียโนของเขา Beethoven เริ่มต้นด้วยสไตล์เปียโนคลาสสิกที่เรียบง่ายแต่ยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเป็นส่วนใหญ่และจบลงด้วยดนตรีสำหรับเปียโนสมัยใหม่

เทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของสไตล์เปียโนของ Beethoven:

ขยายไปจนถึงขีดจำกัดของช่วงเสียง จึงเผยให้เห็นวิธีการแสดงออกที่ไม่รู้จักมาจนบัดนี้ของการลงทะเบียนสุดขั้ว ดังนั้นความรู้สึกของพื้นที่อากาศอันกว้างใหญ่ที่เกิดขึ้นจากการวางแนวรีจิสเตอร์ที่อยู่ห่างไกลเข้าด้วยกัน

ย้ายทำนองไปที่รีจิสเตอร์ต่ำ

การใช้คอร์ดขนาดใหญ่เนื้อสัมผัสที่หลากหลาย

การเพิ่มคุณค่าของเทคโนโลยีคันเหยียบ

ในบรรดามรดกทางเปียโนอันยาวนานของ Beethoven โซนาต้า 32 ตัวของเขามีความโดดเด่น โซนาตาของเบโธเฟนกลายเป็นเหมือนซิมโฟนีสำหรับเปียโน หากซิมโฟนีเป็นขอบเขตของความคิดที่ยิ่งใหญ่สำหรับเบโธเฟนและปัญหา "มนุษย์" ในวงกว้างดังนั้นในโซนาตาผู้แต่งจะสร้างโลกแห่งประสบการณ์และความรู้สึกภายในของมนุษย์ขึ้นมาใหม่ ตามคำกล่าวของ B. Asafiev “โซนาตาของ Beethoven คือชีวิตทั้งชีวิตของบุคคล ดูเหมือนว่าไม่มีสภาวะทางอารมณ์ใดที่จะไม่สะท้อนให้เห็นที่นี่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง”

เบโธเฟนตีความโซนาต้าของเขาด้วยจิตวิญญาณของประเพณีประเภทต่างๆ:

ซิมโฟนี (“Appassionata”);

แฟนตาซี (“ จันทรคติ”);

ทาบทาม ("น่าสงสาร")

ในโซนาตาจำนวนหนึ่ง บีโธเฟนเอาชนะรูปแบบการเคลื่อนไหว 3 แบบคลาสสิกโดยการวางการเคลื่อนไหวเพิ่มเติม - มินูเอตหรือเชอร์โซ - ระหว่างการเคลื่อนไหวช้าๆ และตอนจบ ดังนั้นจึงเปรียบเสมือนโซนาตากับซิมโฟนี ในบรรดาโซนาต้ารุ่นหลังๆ มีการเคลื่อนไหวสองแบบ

โซนาตาหมายเลข 8 “น่าสงสาร” (C minor, 1798)

บีโธเฟนเป็นผู้ตั้งชื่อ "Pathetique" เอง ซึ่งกำหนดโทนเสียงหลักที่ครอบงำดนตรีของงานนี้ได้อย่างแม่นยำมาก “ น่าสงสาร” - แปลจากภาษากรีก - มีความกระตือรือร้น ตื่นเต้น เต็มไปด้วยความสมเพช มีโซนาต้าที่รู้จักเพียงสองตัวที่มีชื่อเป็นของ Beethoven: "Pathetique" และ "Farewell" (Es-dur, op. 81 a) ในบรรดาโซนาตายุคแรกของเบโธเฟน (ก่อนปี ค.ศ. 1802) Pathétique มีความเป็นผู้ใหญ่มากที่สุด

โซนาตา หมายเลข 14 “แสงจันทร์” (cis-moll, 1801)

ชื่อ "Lunar" ตั้งโดยกวีร่วมสมัยของ Beethoven L. Relshtab (Schubert เขียนเพลงหลายเพลงจากบทกวีของเขา) เนื่องจาก ดนตรีของโซนาต้านี้เกี่ยวข้องกับความเงียบและความลึกลับของคืนเดือนหงาย เบโธเฟนเองก็ตั้งชื่อมันว่า "Sonata quasi una fantasia" (โซนาตาราวกับว่ามันเป็นจินตนาการ) ซึ่งให้เหตุผลในการจัดเรียงบางส่วนของวงจรใหม่:

ส่วนที่ 1 - Adagio เขียนในรูปแบบอิสระ

ส่วนที่ 2 - Allegretto ในลักษณะโหมโรง-ด้นสด;

ตอนที่ 3 - ตอนจบ ในรูปแบบโซนาต้า

ความคิดริเริ่มของการแต่งเพลงโซนาต้านั้นเกิดจากความตั้งใจในเชิงกวี ละครทางจิต การเปลี่ยนแปลงของรัฐที่เกิดจากสิ่งนี้ - จากการหมกมุ่นอยู่กับตัวเองอย่างโศกเศร้าไปจนถึงกิจกรรมที่รุนแรง

ส่วนที่ 1 (cis-minor) - การสะท้อนบทพูดคนเดียวที่โศกเศร้า ชวนให้นึกถึงการขับร้องประสานเสียงอันประเสริฐการเดินขบวนศพ เห็นได้ชัดว่าโซนาตานี้จับอารมณ์ความเหงาอันน่าเศร้าที่เบโธเฟนเข้าสิงในช่วงเวลาที่ความรักของเขาที่มีต่อจูเลียตกุยซิอาร์ดีล่มสลาย

โซนาต้าส่วนที่ 2 (Des major) มักเกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของเธอ เต็มไปด้วยลวดลายที่สง่างาม การเล่นแสงและเงา Allegretto แตกต่างอย่างมากจากตอนที่ 1 และตอนจบ ตามคำจำกัดความของ F. List นี่คือ "ดอกไม้ระหว่างสองเหว"

ตอนจบของโซนาต้าคือพายุที่กวาดล้างทุกสิ่งที่ขวางหน้าซึ่งเป็นองค์ประกอบที่โหมกระหน่ำของความรู้สึก ตอนจบของ Moonlight Sonata คาดว่าจะมี Appassionata

โซนาต้าหมายเลข 21 “ออโรรา” (C-dur, 1804)

ในการจัดองค์ประกอบนี้ มีการเปิดเผยโฉมหน้าใหม่ของเบโธเฟน ซึ่งอ่อนแอจากความหลงใหลที่มีพายุ ทุกสิ่งที่นี่สูดดมด้วยความบริสุทธิ์บริสุทธิ์และเปล่งประกายด้วยแสงพราว ไม่น่าแปลกใจที่เธอถูกเรียกว่า "ออโรร่า" (ในตำนานโรมันโบราณ - เทพีแห่งรุ่งอรุณเช่นเดียวกับ Eos ในภาษากรีกโบราณ) “White Sonata” – Romain Rolland เรียกมันว่า ภาพของธรรมชาติปรากฏอยู่ที่นี่อย่างอลังการ

ส่วนที่ 1 เป็นส่วนที่ใหญ่โตสอดคล้องกับแนวความคิดเรื่องพระราชภาพพระอาทิตย์ขึ้น

R. Rolland กำหนดส่วนที่ 2 ว่าเป็น "สภาพจิตวิญญาณของ Beethoven ท่ามกลางทุ่งอันเงียบสงบ"

ตอนจบคือความสุขในความงามที่ไม่อาจพรรณนาของโลกรอบตัวเรา

โซนาตาหมายเลข 23 “Appassionata” (F minor, 1805)

ชื่อ "Appassionata" (หลงใหล) ไม่ได้เป็นของ Beethoven แต่ถูกคิดค้นโดย Kranz ผู้จัดพิมพ์ในฮัมบูร์ก ความโกรธเกรี้ยวของความรู้สึก กระแสความคิดที่โหมกระหน่ำ และความหลงใหลในพลังอันยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง รวบรวมไว้ที่นี่ในรูปแบบที่ชัดเจนและสมบูรณ์แบบแบบคลาสสิก (ตัณหาถูกยับยั้งโดยเจตจำนงเหล็ก) R. Rolland ให้คำจำกัดความ "Appassionata" ว่าเป็น "กระแสไฟที่ลุกเป็นไฟบนพวงมาลัยหินแกรนิต" เมื่อ Schindler นักเรียนของ Beethoven ถามครูเกี่ยวกับเนื้อหาของโซนาตานี้ Beethoven ตอบว่า "อ่าน The Tempest ของ Shakespeare" แต่เบโธเฟนมีการตีความผลงานของเชคสเปียร์เป็นของตัวเอง ในงานของเขา การต่อสู้ครั้งยิ่งใหญ่ระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติทำให้เกิดเสียงหวือหวาทางสังคมที่เด่นชัด (การต่อสู้กับเผด็จการและความรุนแรง)

“Appassionata” เป็นผลงานโปรดของ V. Lenin: “ฉันไม่รู้อะไรดีไปกว่า “Appassionata” ฉันพร้อมฟังทุกวัน เพลงที่น่าทึ่งและไร้มนุษยธรรม ฉันคิดด้วยความภาคภูมิใจเสมอ บางทีอาจไร้เดียงสา นี่คือปาฏิหาริย์ที่ผู้คนสามารถทำได้!”

โซนาต้าจบลงอย่างน่าเศร้า แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับความหมายของชีวิตด้วย "Appassionata" กลายเป็น "โศกนาฏกรรมในแง่ดี" เรื่องแรกของ Beethoven การปรากฏตัวในฉากสุดท้ายของภาพใหม่ (ตอนในจังหวะของการเต้นรำมวลชนที่ครุ่นคิด) ซึ่งมีความหมายของสัญลักษณ์ในเบโธเฟนสร้างความแตกต่างที่สดใสของความหวังอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนแรงกระตุ้นต่อแสงสว่างและความสิ้นหวังที่มืดมน

หนึ่งในคุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของ "Appassionata" คือความคล่องตัวที่ไม่ธรรมดาซึ่งขยายขอบเขตไปสู่สัดส่วนที่ใหญ่โต การเจริญเติบโตของรูปแบบโซนาต้าอัลเลโกรเกิดขึ้นเนื่องจากการพัฒนาที่เจาะเข้าไปในทุกส่วนของรูปแบบรวมถึง และนิทรรศการ การพัฒนานั้นเติบโตขึ้นจนมีขนาดมหึมา และหากไม่มี Caesura ใด ๆ ก็จะกลายเป็นการตอบโต้ โคดากลายเป็นการพัฒนาขั้นที่สอง ซึ่งถึงจุดสุดยอดของส่วนทั้งหมด

โซนาตาที่เกิดขึ้นหลังจาก Appassionata เป็นจุดเปลี่ยนซึ่งถือเป็นจุดเปลี่ยนไปสู่สไตล์ใหม่ของเบโธเฟนตอนปลายซึ่งในหลาย ๆ ด้านคาดว่าจะเป็นผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกแห่งศตวรรษที่ 19

4. ผลงานไพเราะของเบโธเฟน

เบโธเฟนเป็นคนแรกที่มอบวัตถุประสงค์ทางสังคมให้กับซิมโฟนีและยกระดับไปสู่ระดับของปรัชญา มันเป็นในซิมโฟนีที่โลกทัศน์ของนักปฏิวัติ - ประชาธิปไตยของนักแต่งเพลงถูกรวบรวมไว้อย่างลึกซึ้งที่สุด

เบโธเฟนสร้างโศกนาฏกรรมและบทละครที่ยิ่งใหญ่ในผลงานไพเราะของเขา ซิมโฟนีของเบโธเฟนที่ส่งถึงคนจำนวนมากมีรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ ดังนั้น การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี "Eroica" จึงมีขนาดใหญ่เกือบสองเท่าของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดของ Mozart อย่าง "Jupiter" และขนาดมหึมาของซิมโฟนีที่ 9 โดยทั่วไปแล้วไม่สามารถเทียบเคียงได้กับผลงานซิมโฟนีใดๆ ที่เขียนไว้ก่อนหน้านี้

จนถึงอายุ 30 ปี บีโธเฟนไม่ได้เขียนซิมโฟนีเลย งานไพเราะของ Beethoven เป็นผลจากการทำงานที่ยาวนานที่สุด ดังนั้น "Eroic" จึงใช้เวลา 1.5 ปีในการสร้าง Fifth Symphony - 3 ปี, Ninth - 10 ปี ซิมโฟนีส่วนใหญ่ (ตั้งแต่สามถึงเก้า) ตกในช่วงเวลาที่ความคิดสร้างสรรค์ของ Beethoven เพิ่มขึ้นสูงสุด

Symphony I สรุปภารกิจในยุคแรก ตามที่ Berlioz กล่าว "นี่ไม่ใช่ Haydn อีกต่อไป แต่ยังไม่ใช่ Beethoven" ในวินาที สาม และห้า ภาพของความกล้าหาญในการปฏิวัติได้ถูกแสดงออกมา ประการที่สี่, หก, เจ็ดและแปดมีความโดดเด่นด้วยลักษณะโคลงสั้น ๆ ประเภทและอารมณ์ขัน ในบทเพลงซิมโฟนีที่เก้า บีโธเฟนกลับมาอีกครั้งในหัวข้อการต่อสู้ที่น่าเศร้าและการยืนยันชีวิตในแง่ดี

ซิมโฟนีที่สาม "Eroica" (1804)

ความคิดสร้างสรรค์ของเบโธเฟนที่เบ่งบานอย่างแท้จริงนั้นสัมพันธ์กับ Third Symphony ของเขา (ช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ของผู้ใหญ่) การปรากฏตัวของงานนี้นำหน้าด้วยเหตุการณ์โศกนาฏกรรมในชีวิตของนักแต่งเพลง - การเริ่มมีอาการหูหนวก เมื่อตระหนักว่าไม่มีความหวังที่จะฟื้นตัว เขาจึงจมดิ่งลงสู่ความสิ้นหวัง ความคิดเรื่องความตายไม่ได้ละทิ้งเขาไป ในปี ค.ศ. 1802 เบโธเฟนได้เขียนพินัยกรรมถึงพี่น้องของเขา ซึ่งเรียกว่า ไฮลิเกนสตัดท์

มันเป็นช่วงเวลาที่เลวร้ายสำหรับศิลปินที่ความคิดเรื่องซิมโฟนีครั้งที่ 3 เกิดขึ้นและจุดเปลี่ยนทางจิตวิญญาณเริ่มต้นขึ้นซึ่งเป็นช่วงเวลาที่เกิดผลสูงสุดในชีวิตสร้างสรรค์ของเบโธเฟน

งานนี้สะท้อนให้เห็นถึงความหลงใหลของเบโธเฟนในอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสและนโปเลียนซึ่งเป็นตัวเป็นตนในภาพลักษณ์ของวีรบุรุษพื้นบ้านที่แท้จริง หลังจากจบซิมโฟนี เบโธเฟนก็เรียกมันว่า "บัวนาปาร์เต" แต่ไม่นานก็มีข่าวมาถึงเวียนนาว่านโปเลียนทรยศต่อการปฏิวัติและสถาปนาตนเองเป็นจักรพรรดิ เมื่อทราบเรื่องนี้ เบโธเฟนก็โกรธจัดและอุทานว่า “นี่ก็เป็นคนธรรมดาเช่นกัน! ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิมนุษยชนทั้งหมด ทำตามความทะเยอทะยานของเขาเท่านั้น จะทำให้ตัวเองอยู่เหนือผู้อื่น และกลายเป็นเผด็จการ! ตามที่ผู้เห็นเหตุการณ์ระบุว่า Beethoven เดินขึ้นไปที่โต๊ะ คว้าหน้าชื่อเรื่อง ฉีกจากบนลงล่างแล้วโยนลงบนพื้น ต่อจากนั้นผู้แต่งได้ตั้งชื่อใหม่ให้กับซิมโฟนี - "Heroic"

ด้วยซิมโฟนีที่สาม ยุคใหม่เริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนีโลก ความหมายของงานมีดังนี้: ในระหว่างการต่อสู้ของไททานิคฮีโร่ก็ตาย แต่ความสำเร็จของเขานั้นเป็นอมตะ

ส่วนที่ 1 - Allegro con brio (Es-dur) G.P. คือภาพลักษณ์ของฮีโร่และการต่อสู้

ส่วนที่ 2 - การเดินขบวนงานศพ (C ​​minor)

ตอนที่ 3 - เชอร์โซ

ตอนที่ 4 - ตอนจบ - ความรู้สึกสนุกสนานแบบพื้นบ้าน

ซิมโฟนีที่ห้า ซีไมเนอร์ (1808)

ซิมโฟนีนี้ยังคงสานต่อแนวคิดการต่อสู้อย่างกล้าหาญของซิมโฟนีที่สาม “ผ่านความมืด - สู่แสงสว่าง” คือวิธีที่ A. Serov กำหนดแนวคิดนี้ ผู้แต่งไม่ได้ตั้งชื่อซิมโฟนีนี้ แต่เนื้อหามีความเกี่ยวข้องกับคำพูดของเบโธเฟนซึ่งกล่าวในจดหมายถึงเพื่อนว่า “ไม่ต้องการความสงบสุข! ฉันไม่รู้จักความสงบสุขใด ๆ นอกจากการนอนหลับ... ฉันจะคว้าโชคชะตาไว้ที่คอ เธอจะไม่สามารถโค้งงอฉันได้อย่างสมบูรณ์” มันเป็นความคิดที่จะดิ้นรนกับโชคชะตาด้วยโชคชะตาที่กำหนดเนื้อหาของซิมโฟนีที่ห้า

หลังจากมหากาพย์อันยิ่งใหญ่ (Third Symphony) บีโธเฟนก็สร้างละครที่พูดน้อย ถ้า Third ถูกเปรียบเทียบกับ Iliad ของ Homer ดังนั้น Fifth Symphony ก็ถูกเปรียบเทียบกับโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิกและโอเปร่าของ Gluck

ซิมโฟนีส่วนที่ 4 ถือเป็นโศกนาฏกรรม 4 ประการ พวกเขาเชื่อมโยงกันด้วยเพลงประกอบที่งานเริ่มต้นและที่เบโธเฟนเองก็พูดว่า: "ชะตากรรมจึงเคาะประตู" ธีมนี้อธิบายไว้อย่างกระชับอย่างยิ่งเหมือนคำบรรยาย (4 เสียง) พร้อมจังหวะที่เคาะอย่างแหลมคม นี่เป็นสัญลักษณ์ของความชั่วร้ายที่เข้ามาบุกรุกชีวิตของบุคคลอย่างน่าเศร้าเหมือนอุปสรรคที่ต้องใช้ความพยายามอย่างเหลือเชื่อในการเอาชนะ

ในส่วนที่ 1 ธีมของร็อคมีอิทธิพลสูงสุด

ในส่วนที่ 2 บางครั้งการ "แตะ" ของมันก็น่าตกใจ

ในการเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 - อัลเลโกร - (ที่นี่เบโธเฟนปฏิเสธทั้งมินูเอตแบบดั้งเดิมและเชอร์โซ (“ เรื่องตลก”) เพราะดนตรีที่นี่น่าตกใจและขัดแย้งกัน) - ฟังดูขมขื่นใหม่

ในตอนจบ (การเฉลิมฉลอง การเดินขบวนแห่งชัยชนะ) ธีมของดนตรีร็อคฟังดูเหมือนความทรงจำของเหตุการณ์ดราม่าในอดีต ฉากสุดท้ายเป็นการถวายความอาลัยอันยิ่งใหญ่ โดยมาถึงจุดสุดยอดในตอนจบที่แสดงถึงความยินดีที่ได้รับชัยชนะของมวลชนที่ถูกยึดครองด้วยแรงกระตุ้นที่กล้าหาญ

ซิมโฟนีที่หก “Pastoral” (F-dur, 1808)

ธรรมชาติและการผสานเข้ากับมัน ความรู้สึกสงบ รูปภาพของชีวิตชาวบ้าน - นี่คือเนื้อหาของซิมโฟนีนี้ ในบรรดาซิมโฟนีทั้งเก้าของเบโธเฟน ซิงเกิลที่หกเป็นรายการเดียวเท่านั้น กล่าวคือ มีชื่อเรียกทั่วไปและแต่ละส่วนมีสิทธิดังนี้

ตอนที่ 1 - “ความรู้สึกสนุกสนานเมื่อมาถึงหมู่บ้าน”

ตอนที่ 2 - “ฉากริมลำธาร”

ตอนที่ 3 - “การรวมตัวของชาวบ้านอย่างสนุกสนาน”

ตอนที่ 4 - “พายุฝนฟ้าคะนอง”

ตอนที่ 5 - “บทเพลงของคนเลี้ยงแกะ บทเพลงขอบคุณพระเจ้าหลังพายุฝนฟ้าคะนอง”

เบโธเฟนพยายามหลีกเลี่ยงการเปรียบเทียบที่ไร้เดียงสา และในคำบรรยายของชื่อที่เขาเน้นย้ำ - "เป็นการแสดงออกถึงความรู้สึกมากกว่าการวาดภาพ"

ธรรมชาติประนีประนอมระหว่างเบโธเฟนกับชีวิต: ด้วยความรักในธรรมชาติของเขา เขามุ่งมั่นที่จะค้นหาการลืมเลือนจากความเศร้าโศกและความวิตกกังวล แหล่งที่มาของความสุขและแรงบันดาลใจ เบโธเฟนหูหนวกโดดเดี่ยวจากผู้คนมักเดินเตร่อยู่ในป่าชานเมืองเวียนนา:“ ผู้ทรงอำนาจ! ฉันมีความสุขในป่าที่ต้นไม้ทุกต้นพูดถึงคุณ ที่นั่นอย่างสงบเราสามารถให้บริการคุณได้”

ซิมโฟนี "อภิบาล" มักถูกมองว่าเป็นลางสังหรณ์ของแนวโรแมนติกทางดนตรี การตีความวงจรซิมโฟนิกแบบ "ฟรี" (5 ส่วนในเวลาเดียวกันเนื่องจากสามส่วนสุดท้ายจะดำเนินการโดยไม่มีการหยุดชะงักจึงมีสามส่วน) รวมถึงประเภทของการเขียนโปรแกรมที่คาดการณ์ผลงานของ Berlioz, Liszt และ โรแมนติกอื่น ๆ

ซิมโฟนีที่เก้า (d minor, 1824)

Ninth Symphony เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของวัฒนธรรมดนตรีโลก ที่นี่เบโธเฟนหันกลับมาสู่หัวข้อการต่อสู้อย่างกล้าหาญอีกครั้งซึ่งครอบคลุมถึงระดับสากลของมนุษย์ ในแง่ของความยิ่งใหญ่ของแนวคิดทางศิลปะ Ninth Symphony เหนือกว่าผลงานทั้งหมดที่ Beethoven สร้างสรรค์ขึ้นก่อนหน้านี้ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ A. Serov เขียนว่า "กิจกรรมที่ยอดเยี่ยมทั้งหมดของนักซิมโฟนีที่เก่งกาจมีแนวโน้มไปที่ "คลื่นลูกที่เก้า" นี้

แนวคิดทางจริยธรรมอันสูงส่งของงานนี้ - การดึงดูดมนุษยชาติทั้งหมดด้วยการเรียกร้องมิตรภาพเพื่อความสามัคคีที่เป็นพี่น้องกันของคนนับล้าน - รวมอยู่ในตอนจบซึ่งเป็นศูนย์กลางความหมายของซิมโฟนี ที่นี่เป็นที่ที่เบโธเฟนแนะนำคณะนักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวเป็นครั้งแรก การค้นพบเบโธเฟนนี้ถูกใช้มากกว่าหนึ่งครั้งโดยนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 19 และ 20 (Berlioz, Mahler, Shostakovich) เบโธเฟนใช้บทกลอนจากบทกวี "To Joy" ของชิลเลอร์ (แนวคิดเรื่องเสรีภาพ ภราดรภาพ ความสุขของมนุษยชาติ):

ผู้คนต่างก็เป็นพี่น้องกัน!

กอดล้าน!

ร่วมแสดงความยินดีเป็นหนึ่ง!

เบโธเฟนต้องการคำพูดเพราะความน่าสมเพชของการปราศรัยมีอำนาจอิทธิพลเพิ่มขึ้น

Ninth Symphony มีคุณสมบัติทางโปรแกรม ตอนจบจะทำซ้ำธีมทั้งหมดของการเคลื่อนไหวก่อนหน้านี้ - คำอธิบายทางดนตรีเกี่ยวกับแนวคิดของซิมโฟนีตามด้วยคำพูด

ละครของวัฏจักรก็น่าสนใจเช่นกัน ประการแรกมีสองส่วนที่รวดเร็วพร้อมภาพที่น่าทึ่ง จากนั้นส่วนที่สามจะเป็นแบบช้าและตอนจบ ดังนั้นการพัฒนาเป็นรูปเป็นร่างอย่างต่อเนื่องทั้งหมดจึงเคลื่อนไปสู่ตอนจบอย่างต่อเนื่อง - อันเป็นผลมาจากการต่อสู้ชีวิตซึ่งมีแง่มุมต่าง ๆ ไว้ในส่วนที่แล้ว

ความสำเร็จของการแสดงครั้งแรกของ Ninth Symphony ในปี พ.ศ. 2367 ถือเป็นชัยชนะ เบโธเฟนได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือห้ารอบ ในขณะที่แม้แต่ราชวงศ์ตามมารยาทก็ควรได้รับการทักทายเพียงสามครั้งเท่านั้น บีโธเฟนหูหนวกไม่ได้ยินเสียงปรบมืออีกต่อไป เมื่อเขาหันไปเผชิญหน้าผู้ฟังเท่านั้น เขาจึงมองเห็นความยินดีที่ดึงดูดผู้ฟังได้

แต่ถึงแม้จะทั้งหมดนี้ การแสดงซิมโฟนีครั้งที่สองก็เกิดขึ้นในอีกสองสามวันต่อมาในห้องโถงที่ว่างเปล่าครึ่งหนึ่ง

การทาบทาม

โดยรวมแล้ว Beethoven มีทั้งหมด 11 บท เกือบทั้งหมดปรากฏเป็นบทนำของโอเปร่า บัลเล่ต์ หรือละครเวที หากก่อนหน้านี้จุดประสงค์ของการทาบทามคือเพื่อเตรียมพร้อมสำหรับการรับรู้ทางดนตรีและการแสดงละคร ดังนั้นบีโธเฟนทาบทามก็จะพัฒนาเป็นผลงานอิสระ ด้วย Beethoven การทาบทามไม่ได้เป็นการแนะนำการกระทำที่ตามมาและกลายเป็นแนวเพลงอิสระภายใต้กฎการพัฒนาภายในของมันเอง

การทาบทามที่ดีที่สุดของ Beethoven คือ Coriolanus, Leonore No. 2, Egmont การทาบทาม "Egmont" - ขึ้นอยู่กับโศกนาฏกรรมของเกอเธ่ ธีมของมันคือการต่อสู้ของชาวดัตช์กับทาสชาวสเปนในศตวรรษที่ 16 ฮีโร่เอ็กมอนต์ ต่อสู้เพื่ออิสรภาพ เสียชีวิตแล้ว ในการทาบทาม การพัฒนาทั้งหมดย้ายจากความมืดไปสู่ความสว่าง จากความทุกข์ไปสู่ความยินดี (เช่นในซิมโฟนีที่ห้าและเก้า)

บรรณานุกรม

สไตล์ปลายของ Adorno T. Beethoven // MZh. พ.ศ. 2531 ลำดับที่ 6.

อัลชวัง เอ. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน. ม., 1977.

Bryantseva V. Jean Philippe Rameau และละครเพลงฝรั่งเศส ม., 1981.

วีเอ โมสาร์ท. เนื่องในโอกาสครบรอบ 200 ปีมรณกรรม: ศิลปะ ผู้เขียนที่แตกต่างกัน // SM 1991, หมายเลข 12

Ginzburg L., Grigoriev V. ประวัติศาสตร์ศิลปะไวโอลิน ฉบับที่ 1 ม. 1990.

โกเซนพุด เอ.เอ. พจนานุกรมโอเปร่าโดยย่อ เคียฟ, 1986.

Gruber R.I. ประวัติศาสตร์ดนตรีทั่วไป ตอนที่ 1 ม. 2503

Gurevich E. L. ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ: การบรรยายยอดนิยม: สำหรับนักเรียน สูงกว่า และวันพุธ เท้า. หนังสือเรียน สถานประกอบการ ม., 2000.

ดรูสกิน เอ็ม.เอส.ไอ.เอส. บาค ม., “ดนตรี”, 2525.

ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ ฉบับที่ 1. จนถึงกลางศตวรรษที่ 18 / คอมพ์ Rosenshield K.K.M., 1978.

ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ ฉบับที่ 2. ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 / คอมพ์ เลวิก บี.วี. ม., 1987.

ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ ฉบับที่ 3. เยอรมนี ออสเตรีย อิตาลี ฝรั่งเศส โปแลนด์ ตั้งแต่ ค.ศ. 1789 ถึงกลางคริสต์ศตวรรษที่ 19 / คอมพ์ โคเน็น วี.ดี. ม., 1989.

ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ ฉบับที่ 6 / เอ็ด. Smirnova V.V. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2542

Kabanova I. Guido d’Arezzo // หนังสือประจำปีของวันที่และกิจกรรมทางดนตรีที่น่าจดจำ ม., 1990.

โคเนน วี. มอนเตแวร์ดี. - ม., 2514.

Levik B. ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ: หนังสือเรียน. ฉบับที่ 2. ม.: ดนตรี, 2523.

Livanova T. ดนตรียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17 - 18 ท่ามกลางศิลปะ ม., “ดนตรี”, 2520.

Livanova T.I. ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789: หนังสือเรียน ใน 2 เล่ม ต. 1. ตามศตวรรษที่ 18 ม., 1983.

Lobanova M. ดนตรีบาโรกยุโรปตะวันตก: ปัญหาด้านสุนทรียภาพและบทกวี ม., 1994.

มาร์เชซี จี. โอเปร่า แนะนำ. ตั้งแต่ต้นกำเนิดจนถึงปัจจุบัน ม., 1990.

Martynov V.F. วัฒนธรรมศิลปะโลก: ตำราเรียน เบี้ยเลี้ยง. - ฉบับที่ 3 - ชื่อ: TetraSystems, 2000.

มาติเยอ เอ็ม.อี. ประวัติศาสตร์ศิลปะตะวันออกโบราณ มี 2 ​​เล่ม ต.1 - ล., 2484

Milshtein Ya เปียโนอารมณ์ดีโดย J. S. Bach และคุณสมบัติของการแสดง ม., “ดนตรี”, 2510.

สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของประเทศตะวันออก/ทั่วไป เอ็ด วี.พี.เชสตาโควา - ล.: ดนตรี, 2510.

โมโรซอฟ เอส.เอ. บาค - ฉบับที่ 2 - ม.: โมล. Guard, 1984. - (ชีวิตของผู้คนที่น่าทึ่ง Ser. biogr. ฉบับที่ 5).

โนวัค แอล. โจเซฟ ไฮเดิน. ม., 1973.

บทละครโอเปร่า: สรุปเนื้อหาโอเปร่าโดยย่อ ม., 2000.

จากลุลลี่ถึงปัจจุบัน : ส. บทความ / คอมพ์ บี.เจ. โคเนน. ม., 1967.

โรลแลนด์ อาร์. ฮันเดล. ม., 1984.

Rolland R. Grétry // Rolland R. มรดกทางดนตรีและประวัติศาสตร์ ฉบับที่ 3 ม. 2531

ริทซาเรฟ เอส.เอ. เค.วี. ความผิดพลาด ม., 1987.

Smirnov M. โลกแห่งอารมณ์ทางดนตรี ม., 1990.

ภาพสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลง หนังสืออ้างอิงยอดนิยม ม., 1990.

เวสเตรป เจ. เพอร์เซลล์. ล., 1980.

ฟิลิโมโนวา เอส.วี. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะโลก: หนังสือเรียนสำหรับนักเรียนระดับมัธยมศึกษาและมหาวิทยาลัย ส่วนที่ 1-4 โมซีร์ 1997, 1998.

Forkel I. N. เกี่ยวกับชีวิต ศิลปะ และผลงานของ Johann Sebastian Bach ม., “ดนตรี”, 2517.

Hammerschlag I. ถ้าบาคเก็บไดอารี่ไว้ บูดาเปสต์, คอร์วินา, 2508

คูบอฟ จี. เอ็น. เซบาสเตียน บาค. เอ็ด 4 ม. 2506.

ชไวเซอร์ เอ. โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค. ม., 1966.

Eskina N. Baroque // MJ. พ.ศ. 2534 ครั้งที่ 1, 2.

http://www.musarticles.ru

Bagatelle (ฝรั่งเศส - "trinket") เป็นเครื่องดนตรีชิ้นเล็กที่เล่นง่าย ใช้สำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดเป็นหลัก ชื่อนี้ถูกใช้ครั้งแรกโดย Couperin Bagatelles เขียนโดย Beethoven, Liszt, Sibelius และ Dvorak

มีทั้งหมด 4 การทาบทามของ Leonora พวกเขาเขียนเป็น 4 เวอร์ชันของการทาบทามของโอเปร่า "Fidelio"

เรียบชินสกายา อินกา โบริซอฟนา
ชื่องาน:ครูสอนเปียโน, นักดนตรี
สถาบันการศึกษา: MBU DO Children's Music School ตั้งชื่อตาม D.D. โชสตาโควิช
ที่ตั้ง: เมือง Volgodonsk ภูมิภาค Rostov
ชื่อของวัสดุ: การพัฒนาระเบียบวิธี
เรื่อง: "ยุคประวัติศาสตร์ แนวดนตรี" (คลาสสิก, โรแมนติก)
วันที่เผยแพร่: 16/09/2015

ส่วนข้อความของสิ่งพิมพ์

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาลของการศึกษาเพิ่มเติม โรงเรียนดนตรีเด็ก ตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich, Volgodonsk
การพัฒนาระเบียบวิธีในหัวข้อ:

“ยุคประวัติศาสตร์

แนวดนตรี »
คลาสสิค, โรแมนติก
) การพัฒนาดำเนินการโดย Inga Borisovna Ryabchinskaya ครูประเภทที่ 1 นักดนตรีประเภทสูงสุด
สไตล์และยุคเป็นสองแนวคิดที่เชื่อมโยงกัน แต่ละสไตล์มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับบรรยากาศทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมที่เป็นที่มาของสไตล์นั้น แนวโน้มโวหารที่สำคัญที่สุดปรากฏขึ้น ดำรงอยู่ และหายไปในลำดับประวัติศาสตร์ ในแต่ละหลักการทางศิลปะทั่วไปและเป็นรูปเป็นร่างวิธีการแสดงออกและวิธีการสร้างสรรค์แสดงให้เห็นอย่างชัดเจน
ลัทธิคลาสสิก
คำว่า "คลาสสิก", "ลัทธิคลาสสิก", "คลาสสิก" มาจากรากภาษาละติน - classicus นั่นคือเป็นแบบอย่าง เมื่อเราเรียกศิลปิน นักเขียน กวี นักแต่งเพลงว่าคลาสสิก เราหมายความว่าเขาบรรลุความเชี่ยวชาญและความสมบูรณ์แบบสูงสุดในงานศิลปะ งานของเขาเป็นมืออาชีพมากและเพื่อเรา
ตัวอย่าง.
มีสองขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ในการก่อตัวและการพัฒนาของลัทธิคลาสสิก
ขั้นแรก
มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 17 ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 17 เติบโตมาจากศิลปะเรอเนซองส์ พัฒนาไปพร้อมกับบาโรก ส่วนหนึ่งเป็นการต่อสู้ ส่วนหนึ่งเป็นปฏิสัมพันธ์ และในช่วงเวลานี้ได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส สำหรับคลาสสิกในยุคนี้ ตัวอย่างความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้คืองานศิลปะโบราณ ซึ่งอุดมคติคือความมีระเบียบ ความมีเหตุผล และความสามัคคี ในงานของพวกเขาพวกเขาแสวงหาความงามและความจริง ความชัดเจน ความกลมกลืน ความสมบูรณ์ของการก่อสร้าง
ระยะที่สอง
- ลัทธิคลาสสิกตอนปลายตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับ
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
. เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมยุโรปในฐานะ
ยุคแห่งการตรัสรู้
หรือยุคแห่งเหตุผล มนุษย์ให้ความสำคัญกับความรู้เป็นอย่างมากและเชื่อในความสามารถในการอธิบายโลก ตัวละครหลักคือบุคคลที่พร้อมสำหรับการกระทำที่กล้าหาญโดยยึดตามผลประโยชน์ของเขา - ทั่วไปทางจิตวิญญาณ
ลัทธิคลาสสิก

ลัทธิคลาสสิก

ชัดเจน

ความสามัคคี

ชัดเจน

ความสามัคคี

เข้มงวด

แบบฟอร์ม

เข้มงวด

แบบฟอร์ม

สมดุล

ความรู้สึก

สมดุล

ความรู้สึก

แรงกระตุ้นคือเสียงแห่งเหตุผล มีลักษณะเด่นคือความแน่วแน่ทางศีลธรรม ความกล้าหาญ ความซื่อสัตย์ และการอุทิศตนต่อหน้าที่ สุนทรียศาสตร์ที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิกสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะทุกประเภท
สถาปัตยกรรม
ช่วงเวลานี้โดดเด่นด้วยความเป็นระเบียบเรียบร้อย ฟังก์ชั่น สัดส่วนของชิ้นส่วน แนวโน้มความสมดุลและความสมมาตร ความชัดเจนของแผนงานและการก่อสร้าง การจัดองค์กรที่เข้มงวด จากมุมมองนี้ สัญลักษณ์ของความคลาสสิกคือรูปแบบทางเรขาคณิตของอุทยานหลวงที่แวร์ซายส์ ซึ่งมีต้นไม้ พุ่มไม้ ประติมากรรม และน้ำพุตั้งอยู่ตามกฎแห่งความสมมาตร พระราชวัง Tauride ซึ่งสร้างโดย I. Starov กลายเป็นมาตรฐานของคลาสสิกที่เข้มงวดของรัสเซีย
ในการวาดภาพ
การพัฒนาเชิงตรรกะของโครงเรื่อง องค์ประกอบที่ชัดเจนและสมดุล การถ่ายโอนปริมาตรที่ชัดเจน บทบาทรองของสีด้วยความช่วยเหลือของ chiaroscuro และการใช้สีในท้องถิ่นได้รับความสำคัญหลัก (N. Poussin, C. Lorrain, J . เดวิด)
ในศิลปะบทกวี
มีการแบ่งออกเป็นประเภท "สูง" (โศกนาฏกรรม บทกวี มหากาพย์) และ "ต่ำ" (ตลก นิทาน เสียดสี) ตัวแทนที่โดดเด่นของวรรณคดีฝรั่งเศส P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของลัทธิคลาสสิกในประเทศอื่น ๆ จุดสำคัญของช่วงเวลานี้คือการสร้างสถาบันการศึกษาต่างๆ: วิทยาศาสตร์ จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม จารึก ดนตรีและการเต้นรำ
สไตล์ดนตรีแห่งความคลาสสิค
ดนตรีคลาสสิกแตกต่างจากลัทธิคลาสสิกในศิลปะที่เกี่ยวข้อง และก่อตั้งขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1730 - 1820 ในวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกัน แนวดนตรีเริ่มแพร่หลายในช่วงเวลาที่ต่างกัน สิ่งที่เถียงไม่ได้ก็คือในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ลัทธิคลาสสิกได้รับชัยชนะเกือบทุกที่ เนื้อหาของบทประพันธ์ดนตรีเชื่อมโยงกับโลกแห่งความรู้สึกของมนุษย์ซึ่งไม่ได้อยู่ภายใต้การควบคุมจิตใจอย่างเข้มงวด อย่างไรก็ตามผู้แต่งในยุคนี้ได้สร้างระบบกฎเกณฑ์ที่กลมกลืนและสมเหตุสมผลในการสร้างสรรค์งาน ในยุคของลัทธิคลาสสิก แนวเพลง เช่น โอเปร่า ซิมโฟนี และโซนาตา ได้ถูกก่อตัวขึ้นและบรรลุถึงความสมบูรณ์แบบ การปฏิวัติที่แท้จริงคือการปฏิรูปโอเปร่าของคริสตอฟ กลัค โปรแกรมสร้างสรรค์ของเขามีพื้นฐานอยู่บนหลักการสำคัญสามประการ ได้แก่ ความเรียบง่าย ความจริง ความเป็นธรรมชาติ ในละครเพลงเขาแสวงหาความหมาย ไม่ใช่ความหวาน จากโอเปร่า Gluck กำจัดทุกสิ่งที่ไม่จำเป็นออกไป: การตกแต่งเอฟเฟกต์อันงดงามทำให้กวีนิพนธ์มีพลังในการแสดงออกมากขึ้นและดนตรีก็อยู่ภายใต้การเปิดเผยของโลกภายในของฮีโร่อย่างสมบูรณ์ โอเปร่า "Orpheus และ Eurydice" เป็นงานแรกที่ Gluck นำแนวคิดใหม่มาใช้และเป็นจุดเริ่มต้นของการปฏิรูปโอเปร่า ความเข้มงวด สัดส่วนของรูปแบบ ความเรียบง่ายอันสูงส่งโดยไม่เสแสร้ง ความรู้สึก
การวัดผลทางศิลปะในผลงานของ Gluck นั้นชวนให้นึกถึงความกลมกลืนของรูปแบบของประติมากรรมโบราณ บทร้อง การบรรยาย และการขับร้องประสานเสียงเป็นองค์ประกอบโอเปร่าขนาดใหญ่ ความมั่งคั่งของดนตรีคลาสสิกเริ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในกรุงเวียนนา ออสเตรียในเวลานั้นเป็นอาณาจักรที่ทรงอำนาจ ความหลากหลายทางสัญชาติของประเทศยังส่งผลต่อวัฒนธรรมทางศิลปะของประเทศด้วย การแสดงออกถึงความคลาสสิกสูงสุดคือผลงานของ Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven ซึ่งทำงานในเวียนนาและก่อตั้งทิศทางในวัฒนธรรมดนตรี - โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิคเวียนนาใน

ดนตรี

ดับเบิลยู. โมสาร์ท

เจ. ไฮเดิน แอล.

เบโธเฟน
สุนทรียศาสตร์ของศิลปะคลาสสิกมีพื้นฐานมาจากความเชื่อในเหตุผลและความกลมกลืนของระเบียบโลกซึ่งแสดงออกมาโดยคำนึงถึงความสมดุลของส่วนต่างๆ ของงาน การตกแต่งรายละเอียดอย่างระมัดระวัง และการพัฒนาหลักการพื้นฐานของรูปแบบดนตรี ในช่วงเวลานี้เองที่รูปแบบโซนาต้าได้ก่อตัวขึ้นในที่สุด โดยอาศัยการพัฒนาและการตรงกันข้ามของสองรูปแบบที่ตัดกัน และได้กำหนดองค์ประกอบคลาสสิกของส่วนของโซนาตาและซิมโฟนี
เวียนนา

ลัทธิคลาสสิก

เวียนนา

ลัทธิคลาสสิก

แบบฟอร์มโซนาต้า
โซนาตา - (จากโซแนร์ภาษาอิตาลีไปจนถึงเสียง) เป็นหนึ่งในรูปแบบของดนตรีแชมเบอร์ซึ่งมีหลายส่วน โซนาตินา - (โซนาตินาของอิตาลี - ตัวย่อของโซนาตา) - โซนาตาขนาดเล็ก ขนาดที่กระชับกว่า เนื้อหาง่ายกว่ามาก และในทางเทคนิคง่ายกว่ามาก เครื่องดนตรีที่โซนาตาแต่งแต่แรก ได้แก่ ไวโอลิน ฟลุต เปียโน ซึ่งเป็นชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดทั้งหมด ได้แก่ ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด และเปียโน แนวเพลงของโซนาต้าคลาเวียร์ (เปียโน) ได้รับความนิยมสูงสุดในยุคคลาสสิก ช่วงนี้การเล่นดนตรีที่บ้านกำลังเป็นที่นิยม ส่วนแรกของโซนาตาที่นำเสนอในรูปแบบโซนาตามีความโดดเด่นด้วยความตึงเครียดและความเฉียบแหลมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ส่วนแรก (โซนาตาอัลเลโกร) ประกอบด้วยสามส่วน: ส่วนแรกของโซนาตาอัลเลโกรประกอบด้วยส่วนหลักและรอง ส่วนเชื่อมต่อและส่วนสุดท้าย: การบรรเลง การพัฒนา การแสดง
ส่วนที่สองของโซนาตาอัลเลโกร - การพัฒนา ส่วนที่สามของโซนาตาอัลเลโกร - บรรเลง:
นิทรรศการ

บ้าน

สินค้าฝากขาย

หลัก

สำคัญ

ด้านข้าง

สินค้าฝากขาย

สำคัญ

ที่โดดเด่น

การพัฒนา

การพัฒนา

ฝ่ายค้าน

ฝ่าย

ฝ่ายค้าน

ฝ่าย

การปรับเปลี่ยน

ฝ่าย

การปรับเปลี่ยน

ฝ่าย

"สาน"

ฝ่าย

"สาน"

ฝ่าย

ส่วนที่เป็นไปได้ของรหัส sonata allegro:
ส่วนที่สอง
รูปแบบโซนาต้า - ช้า ดนตรีสื่อถึงความคิดที่ไหลลื่น เชิดชูความงามของความรู้สึก และวาดภาพทิวทัศน์อันงดงาม
ส่วนที่สาม
โซนาตาส (ตอนจบ) ตอนจบของโซนาต้ามักจะแสดงด้วยจังหวะเร็วและมีลักษณะการเต้น เช่น เพลงไมนูเอต บ่อยครั้งที่ตอนจบของโซนาตาคลาสสิกเขียนในรูปแบบ
รอนโด
(จากภาษาอิตาลี rondo - วงกลม) ส่วนที่ซ้ำกัน -
ก
-
กลั้น
(ธีมหลัก),
บี, ซี, ดี
- ตัดกัน
ตอน
.
บรรเลง

บ้าน

สินค้าฝากขาย

หลัก

สำคัญ

ด้านข้าง

สินค้าฝากขาย

หลัก

สำคัญ
ชุดรวมชุดสุดท้าย
รหัส

รหัส

โทนเสียงได้รับการแก้ไขแล้ว

โทนเสียงได้รับการแก้ไขแล้ว

ความแตกต่างจะถูกลบออก

ความแตกต่างจะถูกลบออก

เสียงธีมหลัก

เสียงธีมหลัก

โจเซฟ ไฮเดิน

"Haydn ผู้มีชื่อเปล่งประกายเจิดจ้าในวิหารแห่งความปรองดอง..."
Joseph Haydn เป็นผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกเวียนนา ซึ่งเป็นขบวนการที่มาแทนที่บาโรก ชีวิตของเขาจะยังคงผ่านไปที่ศาลของผู้ปกครองฆราวาสเป็นหลักและในงานของเขาจะมีการสร้างหลักการดนตรีใหม่ ๆ แนวเพลงใหม่จะเกิดขึ้น ทั้งหมดนี้
ยังคงความสำคัญในยุคของเรา... Haydn ได้รับการขนานนามว่าเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีบรรเลงคลาสสิก ผู้ก่อตั้งวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่ และเป็นบิดาแห่งซิมโฟนี เขากำหนดกฎของซิมโฟนีคลาสสิก: เขาทำให้มันดูกลมกลืนและสมบูรณ์โดยกำหนดลำดับของการเรียบเรียงซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในลักษณะหลักจนถึงทุกวันนี้ ซิมโฟนีคลาสสิกมีวงรอบสี่หลัก ส่วนแรกดำเนินไปอย่างรวดเร็วและส่วนใหญ่มักจะฟังดูมีพลังและตื่นเต้น ส่วนที่สองเป็นไปอย่างช้าๆ เพลงของเธอสื่อถึงอารมณ์โคลงสั้น ๆ ของบุคคล ส่วนที่สาม - minuet - เป็นหนึ่งในการเต้นรำยอดนิยมในยุคของ Haydn ส่วนที่สี่คือตอนจบ นี่คือผลของวงจรทั้งหมด บทสรุป จากทุกสิ่งที่ได้แสดง คิดออกมา รู้สึกได้ในภาคที่แล้ว ดนตรีตอนจบมักจะมุ่งขึ้นไปข้างบน เป็นเพลงที่ยืนยันชีวิต เคร่งขรึม และมีชัยชนะ ในซิมโฟนีคลาสสิกพบรูปแบบในอุดมคติที่มีเนื้อหาที่ลึกซึ้งมาก ในงานของ Haydn ได้มีการกำหนดประเภทของโซนาตาสามจังหวะคลาสสิกขึ้นมาด้วย ผลงานของนักแต่งเพลงมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสวยงาม ความเป็นระเบียบ ความละเอียดอ่อน และความเรียบง่ายอันสูงส่ง ดนตรีของเขาสดใส สว่างไสว ส่วนใหญ่เป็นคีย์หลัก เต็มไปด้วยความร่าเริง ความสุขทางโลกที่ยอดเยี่ยม และอารมณ์ขันที่ไม่สิ้นสุด บรรพบุรุษของเขาเป็นชาวนาและคนงานซึ่งมีความรักในชีวิตความอุตสาหะและการมองโลกในแง่ดีซึ่งสืบทอดมาจากความคลาสสิก “พ่อผู้ล่วงลับของฉันเป็นคนทำรถม้าโดยอาชีพ เป็นอาสาสมัครของเคานต์ฮาร์รัค และโดยธรรมชาติแล้วเป็นคนรักดนตรีที่กระตือรือร้น” Haydn ค้นพบความสนใจในดนตรีตั้งแต่ยังเป็นเด็กแล้ว เมื่อสังเกตเห็นพรสวรรค์ของลูกชาย พ่อแม่จึงส่งเขาไปเรียนที่เมืองอื่น เด็กชายอาศัยอยู่ที่นั่นภายใต้การดูแลของญาติของเขา จากนั้นไฮเดินก็ย้ายไปอีกเมืองหนึ่ง ซึ่งเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริงตั้งแต่อายุ 6 ขวบ Joseph Haydn มีชีวิตอิสระ เราสามารถพูดได้ว่าเขาเรียนรู้ด้วยตนเองเนื่องจากเขาไม่มีเงินหรือมีความเกี่ยวข้องกับการศึกษาอย่างเป็นระบบกับอาจารย์ที่มีชื่อเสียง เมื่อเขาโตขึ้น เสียงของเขาก็รุนแรงขึ้น และ Haydn ที่อายุน้อยมากก็พบว่าตัวเองอยู่บนถนนโดยไม่มีหลังคาคลุมศีรษะ เขาหาเลี้ยงชีพด้วยการสอนบทเรียนที่เขามอบให้ตัวเองแล้ว ศึกษาด้วยตนเองต่อไป: Haydn ศึกษาดนตรีของ C.F.E. อย่างรอบคอบ Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) ฟังเพลงที่ดังมาจากท้องถนน (รวมถึงท่วงทำนองสลาฟ) และ Haydn ก็เริ่มแต่งเพลง เขาจะสังเกตเห็น ในยุโรป ขุนนางพยายามเอาชนะกันด้วยการจ้างนักดนตรีที่เก่งที่สุด หลายปีที่ Haydn ในวัยเยาว์ใช้เวลาเป็นศิลปินอิสระนั้นประสบผลสำเร็จ แต่ก็ยังเป็นชีวิตที่ยากลำบาก Haydn ที่แต่งงานแล้ว (ทุกคนอธิบายว่าการแต่งงานไม่ประสบความสำเร็จอย่างยิ่ง) ยอมรับคำเชิญของเจ้าชาย Esterhazy อันที่จริง ที่ศาลของเอสเตอร์ฮาซี ไฮเดิน
จะมีอายุ 30 ปี ความรับผิดชอบของเขารวมถึงการแต่งเพลงและการกำกับวงออร์เคสตราของเจ้าชาย เจ้าชาย Esterhazy (หรือ Esterhazy) ทรงเป็นคนดีและรักดนตรีเป็นอย่างยิ่ง ไฮเดินสามารถทำสิ่งที่เขารักได้ ดนตรีถูกเขียนขึ้นตามคำสั่ง - ไม่ใช่ "เสรีภาพในการสร้างสรรค์" แต่นี่เป็นเรื่องปกติในสมัยนั้น นอกจากนี้ การสั่งซื้อยังมีข้อได้เปรียบที่สำคัญ: การสั่งซื้อเพลงจะดำเนินการทันทีอย่างแน่นอน ไม่มีสิ่งใดเขียนอยู่บนโต๊ะ
จากข้อตกลงอย่างเป็นทางการฉบับแรกระหว่างเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซีและ

รองคาเพลล์ไมสเตอร์ โจเซฟ ไฮเดิน:
“ตามคำสั่งแรกของตำแหน่งลอร์ด แกรนด์ดุ๊ก รองคาเปลไมสเตอร์ (ไฮด์น) รับหน้าที่แต่งเพลงใดๆ ที่ตำแหน่งลอร์ดของเขาปรารถนา ไม่แสดงการเรียบเรียงใหม่ให้ใครเห็น และยิ่งกว่านั้นคือไม่อนุญาตให้ใครคัดลอกมัน แต่ต้องรักษาไว้เพื่อความเป็นองค์พระผู้เป็นเจ้าแต่เพียงผู้เดียว โดยปราศจากความรู้และการอนุญาตอย่างสง่างามที่จะไม่แต่งสิ่งใดให้ใครเลย โจเซฟ ไฮเดินจำเป็นต้องปรากฏตัวในห้องโถงทุกวัน (ไม่ว่าจะในกรุงเวียนนาหรือที่คฤหาสน์ของเจ้าชาย) ก่อนและหลังอาหารค่ำ และรายงานตัวในกรณีที่ตำแหน่งขุนนางของเขายอมให้สั่งการแสดงหรือการเรียบเรียงดนตรี รอและรับคำสั่งแล้วจึงนำไปให้นักดนตรีคนอื่นๆ สนใจ ด้วยความมั่นใจดังกล่าว ฝ่าบาทจึงทรงมอบเงินช่วยเหลือประจำปีแก่รองคาเปลไมสเตอร์จำนวน 400 กิลเดอร์ไรน์ ซึ่งเขาจะได้รับทุกไตรมาสในคลังหลัก ยิ่งไปกว่านั้น เขา โจเซฟ ไฮเดิน ยังมีสิทธิ์ได้รับโคชต์จากโต๊ะของเจ้าหน้าที่หรือครึ่งกิลเดอร์ต่อวันของเงินโต๊ะด้วยค่าใช้จ่ายของนาย (ต่อมาเงินเดือนก็เพิ่มขึ้นหลายเท่า) Haydn ถือว่าการรับใช้เจ้าชายแห่ง Esterhazy สามสิบปีเป็นช่วงเวลาที่ดีในชีวิตของเขา อย่างไรก็ตาม เขาเป็นคนมองโลกในแง่ดีอยู่เสมอ นอกจากนี้ Joseph Haydn ยังมีโอกาสแต่งเพลงทุกครั้ง และเขามักจะเขียนอย่างรวดเร็วและเยอะมากเสมอ ระหว่างที่เขารับราชการที่ราชสำนักของเจ้าชายแห่ง Esterhazy นั้น Haydn ก็ได้รับชื่อเสียง ความสัมพันธ์ระหว่างเอสเตอร์ฮาซีและไฮเดินแสดงให้เห็นได้อย่างสมบูรณ์แบบจากกรณีอันโด่งดังของ Farewell Symphony สมาชิกวงออเคสตราหันไปหา Haydn เพื่อขอให้มีอิทธิพลต่อเจ้าชาย: อพาร์ตเมนต์ของพวกเขาเล็กเกินกว่าจะย้ายครอบครัวได้ นักดนตรีคิดถึงครอบครัวของพวกเขา ไฮเดินมีอิทธิพลต่อดนตรี: เขาเขียนซิมโฟนีด้วยการเคลื่อนไหวอีกครั้งหนึ่ง และเมื่อท่อนนี้ดังขึ้น นักดนตรีก็ค่อยๆ ออกไป ยังมีนักไวโอลินสองคนอยู่ แต่พวกเขาก็ดับเทียนแล้วจากไป เจ้าชายเข้าใจคำใบ้และสนอง "ความต้องการ" ของนักดนตรี
ในปี พ.ศ. 2333 เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี มิโคลสผู้ยิ่งใหญ่ สิ้นพระชนม์ แอนตันเจ้าชายองค์ใหม่ไม่มีอารมณ์ดนตรี ไม่ แอนตันออกจากนักดนตรีประจำกองร้อย แต่ยกเลิกวงออเคสตรา ไฮเดินยังคงตกงาน แม้ว่าจะมีเงินบำนาญก้อนใหญ่ที่มิคลอสมอบหมายให้เขาก็ตาม และยังมีพลังสร้างสรรค์อีกมากมาย Haydn จึงกลายเป็นศิลปินอิสระอีกครั้ง และเขาจะไปอังกฤษตามคำเชิญ ไฮเดินจะอายุ 60 ปีแล้ว เขาไม่รู้ภาษา! แต่เขาเดินทางไปอังกฤษ และอีกครั้ง - ชัยชนะ! “ภาษาของฉันเป็นที่เข้าใจกันทั่วโลก” นักแต่งเพลงกล่าวถึงตัวเอง ในอังกฤษ Haydn ไม่เพียงแต่ประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่งเท่านั้น จากนั้นเขาได้นำซิมโฟนีและออราทอรีอีก 12 เพลงมา ไฮเดินได้เห็นความรุ่งโรจน์ของเขาเอง - และนี่เป็นสิ่งที่หาได้ยากมาก ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิคเวียนนาทิ้งผลงานไว้มากมายและนี่คือดนตรีที่สมดุลและยืนยันชีวิต oratorio "The Creation" เป็นหนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Haydn นี่คือภาพวาดดนตรีที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นการไตร่ตรองถึงจักรวาล พูดง่ายๆ ก็คือ... Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 บท Hoffmann เรียกสิ่งเหล่านี้ว่า โซนาตา คอนแชร์โต ควอเต็ต โอเปร่าจำนวนมาก... โจเซฟ ไฮเดินเป็นผู้แต่งเพลงชาติเยอรมัน

โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท

27 มกราคม พ.ศ. 2299 – 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334
งานศิลปะของ Haydn มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของสไตล์ซิมโฟนิกและแชมเบอร์ของ Wolfgang Mozart เป็นที่พึ่ง
ความสำเร็จของเขาในด้านโซนาต้าและดนตรีไพเราะของโมสาร์ทมีส่วนทำให้เกิดสิ่งใหม่ที่น่าสนใจและเป็นต้นฉบับมากมาย ประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมดไม่รู้จักบุคลิกที่โดดเด่นไปกว่าเขา โมสาร์ทมีความทรงจำและการได้ยินที่น่าอัศจรรย์ มีทักษะอันยอดเยี่ยมในฐานะนักแสดงด้นสด เล่นไวโอลินและออร์แกนได้อย่างสวยงาม และไม่มีใครสามารถท้าทายความเป็นเอกของเขาในฐานะนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดได้ เขาเป็นนักดนตรีที่โด่งดังที่สุด เป็นที่รู้จักมากที่สุด และเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดในกรุงเวียนนา โอเปร่าของเขามีคุณค่าทางศิลปะอย่างมาก เป็นเวลากว่าสองศตวรรษแล้วที่ "The Marriage of Figaro" (ละครโอเปร่าแต่สมจริงและมีองค์ประกอบที่เป็นโคลงสั้น ๆ) และ "Don Giovanni" (โอเปร่าที่นิยามว่าเป็น "ละครร่าเริง" - เป็นทั้งละครตลกและโศกนาฏกรรมที่แข็งแกร่งมาก และภาพที่ซับซ้อน) ประสบความสำเร็จ ทำนองไพเราะ มีเสน่ห์ เรียบง่าย กลมกลืนหรูหรา และ “The Magic Flute” (โอเปร่า - เพลงเดี่ยว แต่ในขณะเดียวกันก็มีเทพนิยายเชิงปรัชญาเกี่ยวกับการต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว) ลงไปในประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะ “เพลงหงส์” ของ Mozart ซึ่งเป็นผลงานที่ครบถ้วนที่สุด และเผยให้เห็นโลกทัศน์ความคิดอันหวงแหนของเขาอย่างชัดเจน ศิลปะของโมสาร์ทสมบูรณ์แบบในด้านทักษะและเป็นธรรมชาติอย่างยิ่ง พระองค์ประทานสติปัญญา ความยินดี แสงสว่าง และความดีแก่เรา Johann Chrysostom Wolfgang Theophile Mozart เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2299 ในเมืองซาลซ์บูร์ก Amadeus เป็นคำอะนาล็อกภาษาละตินของชื่อกรีก Theophilus - "เป็นที่โปรดปรานของพระเจ้า" โมสาร์ทมักถูกเรียกด้วยสองชื่อ โวล์ฟกัง อมาเดอุส เป็นเด็กอัจฉริยะ ลีโอโปลด์ โมซาร์ท พ่อของโมสาร์ทเป็นนักดนตรี ครู และนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง มีเด็ก 7 คนเกิดมาในครอบครัว สองคนรอดชีวิต: Nannerl พี่สาวของ Mozart และ Wolfgang เอง เลียวโปลด์เริ่มสอนเด็กทั้งสองตั้งแต่ปฐมวัยและออกทัวร์กับพวกเขา มันเป็นช่วงเวลาแห่งการเร่ร่อนอย่างแท้จริง มีทัวร์หลายครั้งรวมระยะเวลามากกว่า 10 ปี (โดยหยุดพักเพื่อกลับบ้านหรือเจ็บป่วยในวัยเด็ก) พ่อไม่เพียงแต่พาลูก ๆ ไปยุโรปรวมถึงพระมหากษัตริย์ด้วย เขากำลังมองหาความสัมพันธ์ที่จะช่วยให้ลูกชายที่โตเต็มที่ได้งานในอนาคตตามความสามารถที่สดใสของเขา โมสาร์ทเริ่มแต่งเพลงตั้งแต่วัยเด็ก และดนตรีในยุคแรกๆ ของเขามีการแสดงเกือบบ่อยพอๆ กับดนตรีสำหรับผู้ใหญ่ของเขา นอกจากนี้เมื่อเดินทางพ่อยังจ้างครูที่ดีที่สุดในยุโรปให้กับลูกชายของเขา (ในอังกฤษเป็นลูกชายคนเล็กของ J. S. Bach - "London Bach" ในอิตาลี - Padre Martini ผู้โด่งดังซึ่งเขาศึกษาอยู่ และหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนการประพันธ์เพลงระดับมืออาชีพในรัสเซีย Maxim Berezovsky) ในอิตาลีเดียวกันโมสาร์ทที่อายุน้อยมากได้กระทำ "บาปมหันต์" ซึ่งรวมอยู่ในชีวประวัติทั้งหมด: ในโบสถ์ซิสทีนเมื่อได้ยินเพียงครั้งเดียวเขาก็จำได้อย่างสมบูรณ์และเขียนบันทึกผู้คุมไว้
ผลงานของวาติกัน "Miserere" โดย Allegri “ และที่นี่โวล์ฟกังผ่าน "การทดสอบ" อันโด่งดังในด้านความละเอียดอ่อนของการได้ยินและความแม่นยำของความทรงจำ จากความทรงจำ เขาเขียนเพลง "Miserere" อันโด่งดังของ Gregorio Allegri ที่เขาได้ยิน งานนี้ได้รับการพิจารณาอย่างกว้างขวางว่าเป็นมงกุฎแห่งแนวเพลงและเป็นจุดสูงสุดของดนตรีของสมเด็จพระสันตะปาปาในวันศุกร์ประเสริฐ ไม่น่าแปลกใจเลยที่ห้องนมัสการใช้ความระมัดระวังอย่างยิ่งในการปกป้องงานนี้จากผู้ลอกเลียนแบบที่ไม่ได้รับเชิญ สิ่งที่โวล์ฟกังทำได้ตามธรรมชาตินั้นสร้างความรู้สึกที่ยิ่งใหญ่ พ่อพยายามทำให้แม่และน้องสาวของเขาในซาลซ์บูร์กสงบลงได้ ซึ่งกลัวว่าการบันทึกเพลง "Miserere" โวล์ฟกังจะบาปและอาจเกิดปัญหาได้" โมสาร์ทไม่เพียงแต่ไม่สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเท่านั้น เขาไม่ได้ไปโรงเรียนด้วยซ้ำ พ่อของเขายังสอนเขาด้วยการศึกษาทั่วไป (คณิตศาสตร์ ภาษา) แต่พวกเขาก็เติบโตตั้งแต่เนิ่นๆ และในทุกชนชั้นของสังคม ไม่มีเวลาสำหรับวัฒนธรรมย่อยของวัยรุ่น แน่นอนว่าเด็กๆ เหนื่อยมาก ในที่สุด พวกเขาก็เติบโตขึ้น ซึ่งหมายความว่าพวกเขาเลิกเป็นเด็กอัจฉริยะเสียแล้ว และสาธารณชนก็หมดความสนใจในตัวพวกเขา ในความเป็นจริง โมสาร์ทต้อง "พิชิต" สาธารณชนอีกครั้งในฐานะนักดนตรีที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว ในปี พ.ศ. 2316 โมสาร์ทวัยหนุ่มเริ่มทำงานให้กับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก เขาสามารถเดินทางต่อได้และแน่นอนว่าทำงานหนัก ภายใต้บาทหลวงคนต่อไป โมสาร์ทออกจากตำแหน่งในศาลและกลายเป็นศิลปินอิสระ หลังจากวัยเด็กซึ่งประกอบด้วยการทัวร์ยุโรปอย่างต่อเนื่องและการรับใช้กับอาร์คบิชอป โมสาร์ทก็ย้ายไปเวียนนา เขายังคงเดินทางไปยังเมืองอื่น ๆ ในยุโรปเป็นระยะ ๆ แต่เมืองหลวงของออสเตรียจะกลายเป็นบ้านถาวรของเขา “โมสาร์ทเป็นนักดนตรีหลักคนแรกที่ยังคงเป็นศิลปินอิสระและเป็นนักแต่งเพลงคนแรกในประวัติศาสตร์ ซึ่งเป็นตัวแทนของโบฮีเมียนเชิงศิลปะ แน่นอนว่าการทำงานในตลาดเสรีหมายถึงความยากจน” ชีวิต “ด้วยขนมปังฟรี” ไม่ได้เรียบง่ายและสดใสอย่างที่คิด ในดนตรีของโมสาร์ทที่เป็นผู้ใหญ่ รู้สึกถึงโศกนาฏกรรมของโชคชะตาอันยอดเยี่ยมของเขา โดยเน้นความเศร้าและความเข้าใจ การแสดงออก ความหลงใหล และละครผ่านความฉลาดและความงดงามของดนตรี Wolfgang Mozart ทิ้งผลงานไว้มากกว่า 600 ชิ้นในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา คุณต้องเข้าใจว่าเรากำลังพูดถึงงานขนาดใหญ่: โอเปร่า, คอนเสิร์ต, ซิมโฟนี โมสาร์ทเป็นนักแต่งเพลงสากล เขาเขียนทั้งดนตรีบรรเลงและดนตรีร้องนั่นคือทุกประเภทและรูปแบบที่มีอยู่ในสมัยของเขา ในอนาคต ลัทธิสากลนิยมเช่นนี้จะกลายเป็นปรากฏการณ์ที่หาได้ยาก แต่โมสาร์ทมีความเป็นสากลไม่เพียงแต่ด้วยเหตุผลนี้เท่านั้น “ดนตรีของเขาประกอบด้วยโลกอันกว้างใหญ่: ประกอบด้วยสวรรค์และโลก ธรรมชาติและมนุษย์ ความตลกขบขันและโศกนาฏกรรม ความหลงใหลในทุกรูปแบบและลึกซึ้ง
ความสงบภายใน" (K. Barth) ก็เพียงพอแล้วที่จะนึกถึงผลงานบางส่วนของเขา: โอเปร่า, ซิมโฟนี, คอนเสิร์ต, โซนาตา ผลงานเปียโนของโมสาร์ทมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการสอนและการฝึกฝนการแสดงของเขา เขาเป็นนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ในศตวรรษที่ 18 แน่นอนว่ามีนักดนตรีที่ไม่ด้อยกว่าโมสาร์ทในเรื่องความสามารถ (ในเรื่องนี้คู่แข่งหลักของเขาคือ Muzio Clementi) แต่ไม่มีใครเทียบเขาได้ในความหมายอันลึกซึ้งของการแสดงของเขา ชีวิตของโมสาร์ทเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด และเปียโนฟอร์เต (ตามที่เรียกกันก่อนหน้านี้) เป็นเรื่องธรรมดาในชีวิตทางดนตรี และหากเกี่ยวข้องกับงานในยุคแรก ๆ ของ Mozart เป็นเรื่องปกติที่จะพูดถึงสไตล์คลาเวียร์ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1770 นักแต่งเพลงก็เขียนเปียโนอย่างไม่ต้องสงสัย นวัตกรรมของเขาแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานคีย์บอร์ดที่มีแผนการน่าสมเพช โมสาร์ทเป็นหนึ่งในนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ดนตรีของเขาผสมผสานคุณสมบัติของเพลงพื้นบ้านของออสเตรียและเยอรมันเข้ากับความไพเราะของเพลงอิตาลี แม้ว่างานของเขาจะโดดเด่นด้วยบทกวีและความสง่างามที่ละเอียดอ่อน แต่ก็มักจะมีท่วงทำนองที่มีความน่าสมเพชอย่างมากและองค์ประกอบที่ตัดกัน ความคิดสร้างสรรค์ด้านเครื่องดนตรีในห้องแสดงของ Mozart นำเสนอด้วยวงดนตรีหลากหลายรูปแบบ (ตั้งแต่เพลงคู่ไปจนถึงวงดนตรีควินเตต) และผลงานสำหรับเปียโน (โซนาต้า เวอร์ชันต่างๆ จินตนาการ) สไตล์เปียโนของโมซาร์ทโดดเด่นด้วยความสง่างาม ความชัดเจน และการตกแต่งทำนองและดนตรีประกอบอย่างพิถีพิถัน V. Mozart เขียนคอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา 27 รายการ, โซนาตา 19 รายการ, วงจรการเปลี่ยนแปลง 15 รอบ, แฟนตาซี 4 รายการ (สองรายการใน C minor, หนึ่งรายการใน C Major, รวมกับความทรงจำ และอีกหนึ่งรายการใน D minor) นอกเหนือจากวัฏจักรขนาดใหญ่ งานของ Mozart ยังมีบทละครเล็กๆ มากมาย ซึ่งตัวเขาเองไม่ได้ให้ความสำคัญเสมอไป เหล่านี้เป็น minuets, rondos, Adagios, fugues ที่แยกจากกัน โอเปร่าเป็นศิลปะที่มีความสำคัญทางสังคม ภายในศตวรรษที่ 18 นอกเหนือจากโรงละครโอเปร่าในศาลแล้ว ยังมีโรงละครโอเปร่าที่สาธารณะเข้าถึงได้สองประเภท: จริงจังและตลก - ทุกวัน (ซีรีย์และบัฟฟา) แต่ในเยอรมนีและออสเตรีย Singspiel มีความเจริญรุ่งเรือง ในบรรดาผลงานจำนวนมากที่สร้างโดยอัจฉริยะของโมสาร์ท โอเปร่าเป็นผลงานที่เขาชื่นชอบ ผลงานของเขาเผยให้เห็นแกลเลอรี่ภาพชีวิตของโอเปร่ามากมาย - ซีรีส์, บัฟฟาและซิงสปีล, ประเสริฐและตลก, อ่อนโยนและซุกซน, ฉลาดและเรียบง่าย - ทั้งหมดถูกถ่ายทอดออกมาอย่างเป็นธรรมชาติและทางจิตอย่างแท้จริง ดนตรีของโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ทผสมผสานลัทธิแห่งเหตุผล อุดมคติของความเรียบง่ายอันสูงส่ง และลัทธิแห่งหัวใจ อุดมคติของบุคลิกภาพที่เป็นอิสระอย่างกลมกลืน สไตล์ของโมสาร์ทถือเป็นการแสดงถึงความสง่างาม ความเบา จิตใจที่มีชีวิตชีวา และความซับซ้อนของชนชั้นสูงมาโดยตลอด
P.I. Tchaikovsky เขียนว่า: “โมสาร์ทเป็นจุดสูงสุดและเป็นจุดสูงสุดซึ่งความงามเข้าถึงได้ในขอบเขตของดนตรี... สิ่งที่เราเรียกว่าอุดมคติ”
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

16 ธันวาคม พ.ศ. 2313 – 26 มีนาคม พ.ศ. 2370
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน มีชื่อเสียงในฐานะนักซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการต่อสู้ ได้นำแนวคิดขั้นสูงของการตรัสรู้มาใช้ ซึ่งกำหนดสิทธิและศักดิ์ศรีของมนุษย์ เขาเป็นเจ้าของซิมโฟนีเก้าเพลง การทาบทามซิมโฟนีจำนวนหนึ่ง (“Egmont”, “Coriolanus”) และโซนาตาเปียโนสามสิบสองตัวที่ก่อให้เกิดยุคแห่งดนตรีเปียโน โลกแห่งภาพของเบโธเฟนมีความหลากหลาย ฮีโร่ของเขาไม่เพียงแต่กล้าหาญและหลงใหลเท่านั้น แต่ยังมีสติปัญญาที่พัฒนาอย่างประณีตอีกด้วย เขาเป็นนักสู้และนักคิด ในดนตรีของเขาชีวิตแสดงให้เห็นความหลากหลาย - ความหลงใหลที่รุนแรงและการฝันกลางวันที่แยกจากกันความน่าสมเพชอันน่าทึ่งและการสารภาพโคลงสั้น ๆ รูปภาพของธรรมชาติและฉากในชีวิตประจำวัน ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนเป็นการเติมเต็มยุคของศิลปะคลาสสิกและเปิดทางสู่ศตวรรษที่กำลังจะมาถึงไปพร้อมๆ กัน บีโธเฟนอายุน้อยกว่าโมสาร์ทหนึ่งทศวรรษครึ่ง แต่นี่เป็นเพลงที่แตกต่างในเชิงคุณภาพ เขาอยู่ในกลุ่ม "คลาสสิก" แต่ในผลงานที่เป็นผู้ใหญ่เขามีความใกล้เคียงกับแนวโรแมนติก สไตล์ดนตรีของ Beethoven คือการเปลี่ยนจากแนวคลาสสิกไปสู่แนวโรแมนติก แต่เพื่อที่จะเข้าใจงานของเขา จำเป็นต้องดูภาพพาโนรามาของชีวิตทางสังคมและดนตรีในยุคนั้นก่อน ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ปรากฏการณ์ “สตอร์ม อุนด์ ดัง” (Sturm und Drang) เกิดขึ้นและพัฒนาขึ้น ซึ่งเป็นยุคที่มาตรฐานถูกทำลาย
ความคลาสสิคนิยมเพื่อสนับสนุนอารมณ์ความรู้สึกและความเปิดกว้างมากขึ้น ปรากฏการณ์นี้ครอบคลุมวรรณกรรมและศิลปะทุกแขนง และมีชื่อที่น่าสนใจด้วยซ้ำ: การต่อต้านการรู้แจ้ง ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ Sturm und Drang คือ Johann Wolfgang Goethe และ Friedrich Schiller และในช่วงเวลานี้เองก็คาดการณ์ว่าจะมีการเกิดขึ้นของลัทธิยวนใจ พลังและความรู้สึกที่เข้มข้นในดนตรีของเบโธเฟนนั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับปรากฏการณ์ที่ระบุไว้ในชีวิตทางสังคมของยุโรปตะวันตกในเวลานั้นและกับสถานการณ์ในชีวิตส่วนตัวของอัจฉริยะ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เกิดที่เมืองบอนน์ ครอบครัวไม่ได้ร่ำรวย มีตระกูลเฟลมมิงโดยกำเนิด นักดนตรีตามอาชีพ พ่อกระตือรือร้นที่จะทำให้ลูกชายของเขาเป็น "โมสาร์ทคนที่สอง" แต่อาชีพการเป็นอัจฉริยะด้านคอนเสิร์ตในฐานะเด็กอัจฉริยะไม่ได้ผล แต่มีการ "เจาะ" เครื่องดนตรีอยู่ตลอดเวลา เมื่อตอนเป็นเด็ก ลุดวิกเริ่มหารายได้พิเศษ (เขาต้องลาออกจากโรงเรียน) และเมื่ออายุ 17 ปีเขาต้องรับผิดชอบครอบครัว: เขาทำงานด้วยเงินเดือนประจำและให้บทเรียนส่วนตัว พ่อติดเหล้า แม่เสียชีวิตเร็ว และน้องชายยังคงอยู่ในครอบครัว อย่างไรก็ตาม เบโธเฟนหาเวลาและเข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยบอนน์ในฐานะอาสาสมัคร จากนั้นเยาวชนมหาวิทยาลัยทุกคนก็ถูกกระตุ้นโดยการปฏิวัติที่มาจากฝรั่งเศส อัจฉริยะรุ่นเยาว์ชื่นชมอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ เขายังอุทิศซิมโฟนี "Eroic" ครั้งที่ 3 ให้กับนโปเลียน โบนาปาร์ต อย่างไรก็ตาม จากนั้นเขาก็ขีดฆ่าการอุทิศนี้ โดยรู้สึกผิดหวังใน "ศูนย์รวมอุดมคติทางโลก" และระบุแทนว่า: "ในความทรงจำของชายผู้ยิ่งใหญ่" “ไม่มีใครใจแคบเท่าคนตัวใหญ่” - คำพูดอันโด่งดังของเบโธเฟน อุดมคติของ "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ" ยังคงเป็นอุดมคติของเบโธเฟนตลอดไป - และนี่ก็บ่งบอกถึงความผิดหวังครั้งใหญ่ในชีวิตด้วย ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ศึกษาและยกย่องผลงานของ เจ. เอส. บาค อย่างถี่ถ้วน ในกรุงเวียนนาเขาแสดงต่อหน้าโมสาร์ทซึ่งยกย่องนักดนตรีหนุ่มคนนี้อย่างสูง ในไม่ช้าเบโธเฟนก็ย้ายไปเวียนนาโดยสมบูรณ์ และต่อมาก็ช่วยน้องชายของเขาย้ายไปที่นั่น ทั้งชีวิตของเขาจะเชื่อมโยงกับเมืองนี้ ในเวียนนา เขาเรียนวิชาพิเศษ โดยมีครูของเขาคือ Haydn และ Salieri (โซนาตาไวโอลินของ Beethoven สามคนอุทิศให้กับ Salieri) เขาแสดงในร้านเสริมสวยของขุนนางเวียนนาและจากนั้นในคอนเสิร์ตของเขาเองต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก นิ้วของเขาบนคีย์บอร์ดถูกขนานนามว่า “ปีศาจ” “ฉันอยากจะคว้าโชคชะตาไว้ที่คอ ไม่อาจทำให้ฉันล้มลงกับพื้นได้อย่างแน่นอน” (จากจดหมายของเบโธเฟน) ในวัยเยาว์ เบโธเฟนตระหนักดีว่าเขากำลังจะหูหนวก (“ เป็นเวลาสองปีแล้วที่ฉันหลีกเลี่ยงสังคมทั้งหมดอย่างระมัดระวังเพราะฉันไม่สามารถบอกคนอื่นได้ว่า:“ ฉันหูหนวก!” “สิ่งนี้จะยังคงเป็นไปได้ถ้าเรามี
ฉันมีอาชีพอื่นอยู่บ้าง แต่ด้วยฝีมือของฉัน ไม่มีอะไรจะแย่ไปกว่านี้ได้อีกแล้ว” (จากจดหมายของเบโธเฟน) การแทรกแซงของแพทย์เป็นระยะๆ ไม่ได้ช่วยรักษาได้ และอาการหูหนวกก็รุนแรงขึ้น เมื่อบั้นปลายชีวิตเขาไม่ได้ยินอะไรเลยอีกต่อไป แต่การได้ยินจากภายในยังคงอยู่ - อย่างไรก็ตาม ไม่สามารถได้ยิน "เป็นการส่วนตัว" สิ่งที่ได้ยินจากภายในได้อีกต่อไป และการสื่อสารกับผู้คนเป็นเรื่องยากมาก ฉันฝึกเขียนกับเพื่อน ๆ ในสมุดบันทึก "การสนทนา" คนหูหนวกที่ได้ยิน - นั่นคือสิ่งที่บางครั้งเขาเรียกว่า และเขาได้ยินสิ่งสำคัญ: ไม่ใช่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดและความรู้สึกด้วย เขาได้ยินและเข้าใจผู้คน “ ความรัก, ความทุกข์, ความอุตสาหะของความตั้งใจ, การสลับของความสิ้นหวังและความภาคภูมิใจ, ละครภายใน - เราพบทั้งหมดนี้ในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน” ... (Romain Rolland) เป็นที่รู้กันว่าความรักของเบโธเฟนคือคุณหญิง Giulietta Guicciardi ในวัยหนุ่ม แต่เขาก็ยังคงเหงา ใครคือ "ผู้เป็นที่รักอมตะ" ของเขาซึ่งเป็นจดหมายที่พบหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลงนั้นไม่เป็นที่ทราบแน่ชัด แต่นักวิจัยบางคนถือว่า Teresa Brunswik ลูกศิษย์ของ L. Beethoven เป็น "ผู้เป็นที่รักอมตะ" เธอมีความสามารถทางดนตรี - เธอเล่นเปียโนได้อย่างสวยงาม ร้องเพลงและแสดงด้วยซ้ำ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนมีมิตรภาพอันยาวนานกับเทเรซา ในปี ค.ศ. 1814 เบโธเฟนได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก การประชุมใหญ่แห่งเวียนนาเริ่มต้นขึ้น - หลังจากชัยชนะเหนือนโปเลียนและการเข้ามาของกองทหารรัสเซีย ออสเตรีย และปรัสเซียนในปารีส - และการประชุมใหญ่แห่งเวียนนาอันเงียบสงบที่มีชื่อเสียงเริ่มต้นด้วยโอเปร่า Fidelio ของเบโธเฟน บีโธเฟนกลายเป็นคนดังชาวยุโรป เขาได้รับเชิญให้ไปที่พระราชวังเพื่อเฉลิมฉลองเนื่องในวันชื่อของจักรพรรดินีรัสเซีย ซึ่งเขามอบของขวัญให้ นั่นคือ Polonaise ที่เขียนโดยเขา ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน แต่งเพลงไว้มากมาย
โซนาต้าเปียโน 32 ตัว
เปียโนโซนาต้ามีไว้สำหรับเบโธเฟนซึ่งเป็นรูปแบบการแสดงออกถึงความคิดและความรู้สึกที่ตรงที่สุดซึ่งทำให้เขาตื่นเต้น ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจทางศิลปะหลักของเขา ความสนใจของเขาต่อประเภทนี้มีมากเป็นพิเศษ หากซิมโฟนีปรากฏขึ้นอันเป็นผลจากการค้นหาเป็นเวลานานโซนาต้าเปียโนจะสะท้อนการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายโดยตรง เบโธเฟนในฐานะนักเล่นเปียโนที่มีความโดดเด่น มักแสดงดนตรีสดในรูปแบบโซนาตาด้วยซ้ำ การแสดงด้นสดอันเร่าร้อน ต้นฉบับ และไร้การควบคุมของเบโธเฟน ภาพของผลงานอันยิ่งใหญ่ในอนาคตของเขาถือกำเนิดขึ้น โซนาตาของเบโธเฟนแต่ละชิ้นเป็นผลงานศิลปะที่สมบูรณ์ พวกเขาร่วมกันสร้างสมบัติที่แท้จริงของความคิดคลาสสิกในดนตรี เบโธเฟนตีความเปียโนโซนาตาว่าเป็นแนวเพลงที่ครอบคลุมซึ่งสามารถสะท้อนถึงความหลากหลายของรูปแบบดนตรีในยุคของเรา ใน
ในเรื่องนี้เขาสามารถเปรียบเทียบกับ Philipp Emanuel Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) นักแต่งเพลงคนนี้ซึ่งเกือบจะถูกลืมไปแล้วในสมัยของเรา เป็นคนแรกที่แต่งโซนาตาคีย์บอร์ดในศตวรรษที่ 18 ความสำคัญของศิลปะดนตรีประเภทหนึ่งชั้นนำที่ประดับประดาคีย์บอร์ดของเขาด้วยความคิดที่ลึกซึ้ง อย่างไรก็ตาม บีโธเฟนเป็นคนแรกที่เดินตามเส้นทางของ F. E. Bach โดยเหนือกว่ารุ่นก่อนในด้านความกว้าง ความหลากหลาย และความสำคัญของแนวความคิดที่แสดงออกในโซนาตาเปียโน ทั้งความสมบูรณ์แบบทางศิลปะและความสำคัญ รูปภาพและอารมณ์ที่หลากหลาย ตั้งแต่การอภิบาลอันนุ่มนวลไปจนถึงความเคร่งขรึมที่น่าสมเพช ตั้งแต่การโคลงสั้น ๆ ไปจนถึงการอุทิศตนเพื่อการปฏิวัติ ตั้งแต่จุดสูงสุดของความคิดเชิงปรัชญาไปจนถึงช่วงเวลาแนวเพลงพื้นบ้าน จากโศกนาฏกรรมไปจนถึงอารมณ์ขัน - แสดงถึงลักษณะของโซนาตาเปียโนสามสิบสองตัวของ Beethoven ที่สร้างขึ้นโดยเขาเหนือ หนึ่งในสี่ของศตวรรษ เส้นทางจากครั้งแรก (1792) ไปสู่ครั้งสุดท้าย (1822) โซนาตาของ Beethoven ถือเป็นยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ของดนตรีเปียโนโลก เบโธเฟนเริ่มต้นด้วยสไตล์เปียโนคลาสสิกที่เรียบง่าย (ยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเป็นส่วนใหญ่) และจบลงด้วยดนตรีสำหรับเปียโนสมัยใหม่ ซึ่งมีช่วงเสียงที่กว้างใหญ่และความเป็นไปได้ในการแสดงออกใหม่ๆ มากมาย นักแต่งเพลงเรียกโซนาตาสุดท้ายของเขาว่า "งานสำหรับเครื่องดนตรีค้อน" (Hammerklavier) นักแต่งเพลงเน้นย้ำถึงความทันสมัยของพวกเขา
นักเปียโน
การแสดงออก ในปี 1822 ด้วยการสร้างโซนาต้าสามสิบวินาที เบโธเฟนได้เสร็จสิ้นการเดินทางอันยาวนานในสาขาความคิดสร้างสรรค์นี้ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนทำงานอย่างหนักเกี่ยวกับปัญหาความสามารถด้านเปียโน ในการค้นหาภาพเสียงที่มีเอกลักษณ์ เขาได้พัฒนาสไตล์เปียโนต้นฉบับของเขาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ความรู้สึกของพื้นที่อากาศกว้างที่เกิดขึ้นได้จากการวางรีจิสเตอร์ที่อยู่ห่างไกล คอร์ดขนาดใหญ่ เนื้อสัมผัสที่หนาแน่น เข้มข้น หลายแง่มุม เทคนิคการใช้เครื่องดนตรีจากเสียงต่ำ การใช้เอฟเฟกต์แป้นเหยียบอย่างเต็มประสิทธิภาพ (โดยเฉพาะแป้นเหยียบซ้าย) เหล่านี้คือเทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่บางประการของ สไตล์เปียโนของบีโธเฟน เบโธเฟนได้เปรียบกับแชมเบอร์มิวสิคของดนตรีคีย์บอร์ดแห่งศตวรรษที่ 18 โดยเริ่มต้นด้วยโซนาตาตัวแรก ภาพจิตรกรรมฝาผนังเสียงอันงดงามของพวกเขาวาดด้วยลายเส้นหนาและใหญ่ โซนาตาของเบโธเฟนเริ่มมีลักษณะคล้ายกับซิมโฟนีสำหรับเปียโน โซนาต้าเปียโนอย่างน้อยหนึ่งในสามจากทั้งหมด 32 ตัวเป็นที่รู้จักแม้กระทั่งกับผู้ที่คิดว่าตัวเองเป็น "ไม่ใช่มือสมัครเล่น" สิ่งเหล่านี้: โซนาต้า "Pathétique" หมายเลข 8 จุดเริ่มต้นที่น่าภาคภูมิใจ น่าภาคภูมิใจ และคลื่นเสียงดนตรีที่สั่นสะเทือน บทกวีทั้งหมดสามส่วนแต่ละส่วนมีความสวยงาม ความสุข ความทุกข์ การกบฏ และการต่อสู้ดิ้นรน - เป็นวงกลมแห่งรูปภาพของเบโธเฟเนียนทั่วไปที่แสดงออกที่นี่ทั้งอย่างรุนแรงและด้วยความยิ่งใหญ่
ขุนนาง นี่เป็นดนตรีที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับโซนาต้าหรือซิมโฟนีของเบโธเฟน "Quasi una fantasia" หรือที่เรียกว่า "แสงจันทร์" โซนาตาหมายเลข 14 อุทิศให้กับคุณหญิง Giulietta Guicciardi ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Beethoven ผู้แต่งเริ่มสนใจจูเลียตและคิดเรื่องการแต่งงาน แต่เธอชอบคนอื่นมากกว่า โดยปกติแล้วผู้ฟังจะจำกัดตัวเองอยู่แค่ท่อนแรก โดยไม่รู้ว่าตอนจบคืออะไร - "การเลี้ยงดูน้ำตก" - ตามที่นักวิจัยคนหนึ่งกล่าวไว้อย่างเป็นรูปเป็นร่าง และยังมี “Appassionata” (หมายเลข 23), “The Tempest” (หมายเลข 17), “Aurora” (หมายเลข 21)... โซนาตาเปียโนเป็นหนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดและล้ำค่าที่สุดของมรดกอันยอดเยี่ยมของ Beethoven ในภาพอันงดงามของพวกเขาที่ยาวและน่าตื่นเต้นทั้งชีวิตของพรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่ความคิดที่ยิ่งใหญ่และหัวใจที่ยิ่งใหญ่ได้ผ่านไปต่อหน้าเราไม่ใช่คนแปลกหน้าสำหรับมนุษย์คนใดเลย แต่ด้วยเหตุนี้เขาจึงมอบจังหวะทั้งหมดให้กับคนที่รักที่สุด อุดมคติอันศักดิ์สิทธิ์ที่สุดของมนุษยชาติขั้นสูง แอล. บีโธเฟนเป็นผู้สืบทอดประเพณีของโมสาร์ท แต่ดนตรีของเขามีการแสดงออกใหม่อย่างสิ้นเชิง: ละครในดนตรีมาถึงจุดที่โศกนาฏกรรม อารมณ์ขันกลายเป็นเรื่องประชด และเนื้อเพลงกลายเป็นการเปิดเผยของจิตวิญญาณที่ทุกข์ทรมาน ภาพสะท้อนทางปรัชญาเกี่ยวกับโชคชะตาและโลก ดนตรีเปียโนของบีโธเฟนเป็นตัวอย่างของรสนิยมทางศิลปะ ผู้ร่วมสมัยมักเปรียบเทียบอารมณ์ทางอารมณ์ของโซนาตาของเบโธเฟนกับความน่าสมเพชของโศกนาฏกรรมของชิลเลอร์ นอกจากโซนาตาสำหรับเปียโน 32 เพลงแล้ว ยังมีโซนาตาสำหรับไวโอลินด้วย หลายๆ คนคงรู้จักชื่อนี้อย่างน้อยก็ในชื่อ - "Kreutzer Sonata" - โซนาต้าหมายเลข 9 สำหรับไวโอลินและเปียโน แล้วก็มีวงเครื่องสายอันโด่งดังของเบโธเฟน ในจำนวนนี้ "Russian Quartets" ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ คุณสามารถได้ยินท่วงทำนองของรัสเซียในนั้น (“ อ้า, พรสวรรค์, พรสวรรค์ของฉัน”, “ ความรุ่งโรจน์” - เบโธเฟนคุ้นเคยกับเพลงเหล่านี้จากคอลเลกชันของ Lvov เป็นพิเศษ) นี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ: วงสี่เขียนตามคำร้องขอของนักการทูตรัสเซีย Andrei Razumovsky ซึ่งอาศัยอยู่ในเวียนนามาเป็นเวลานานและเป็นผู้อุปถัมภ์ของเบโธเฟน ซิมโฟนีสองเพลงของผู้แต่งอุทิศให้กับ Razumovsky เบโธเฟนมีซิมโฟนีเก้าเพลง ซึ่งส่วนใหญ่เป็นที่รู้จักของสาธารณชน ฉันขอเตือนคุณถึงซิมโฟนีที่สาม (ฮีโร่) ซิมโฟนีที่ห้าที่มีธีมแห่งโชคชะตาอันโด่งดัง “พัดแห่งโชคชะตา” เหล่านี้ล้มลงอีกครั้ง โชคชะตาเคาะประตูไม่หยุดหย่อน และการต่อสู้ไม่ได้จบแค่ภาคแรก ผลลัพธ์จะปรากฏให้เห็นเฉพาะในตอนจบเท่านั้น ซึ่งหัวข้อแห่งโชคชะตากลายเป็นความยินดีแห่งชัยชนะ Pastoral (ซิมโฟนีที่ 6) - ชื่อนี้บ่งบอกถึงการเฉลิมฉลองของธรรมชาติ ในที่สุดซิมโฟนีที่ 7 อันน่าทึ่งก็โด่งดังที่สุด
Ninth Symphony ที่สร้างยุคซึ่งเป็นแนวคิดที่ Beethoven กลั่นกรองมาเป็นเวลานาน เบโธเฟนยังใช้ชีวิตแบบ "ศิลปินอิสระ" (อย่างไรก็ตาม เริ่มต้นจากโมสาร์ท ซึ่งกลายเป็นบรรทัดฐาน) ด้วยความยากลำบากและความไม่แน่นอนทั้งหมด หลายครั้งที่เบโธเฟนพยายามจะออกจากเวียนนา จากนั้นขุนนางชาวออสเตรียก็เสนอเงินเดือนให้เขา หากเพียงแต่เขาจะไม่จากไป และเบโธเฟนยังคงอยู่ในเวียนนา ที่นี่เขาได้พบกับชัยชนะหลักของเขา จากก้นบึ้งของความโศกเศร้า Beethoven ตัดสินใจเชิดชู Joy (โรลแลนด์). บีโธเฟนป่วยหนักอยู่แล้ว นี่ไม่ใช่แค่อาการหูหนวกเท่านั้น แต่ผู้แต่งยังเป็นโรคตับอย่างรุนแรงอีกด้วย เงินมีไม่เพียงพอและมีปัญหาในชีวิตส่วนตัวของฉัน (เลี้ยงหลานชาย) ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ สิ่งที่บางครั้งยากที่จะพิจารณาเมื่อมนุษย์ได้ถือกำเนิดขึ้น กอดล้าน! (เบโธเฟน ซิมโฟนีที่ 9 ตอนจบ) เรียกอีกอย่างว่า Chorale Symphony เนื่องจากในตอนจบนักร้องประสานเสียงที่รู้จักกันดีในขณะนี้ฟังคำพูดของฟรีดริชชิลเลอร์ - "บทกวีสู่ความสุข" ซึ่งกลายเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีเป็นระยะ ๆ ตอนนี้มันเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีของยุโรป ยูเนี่ยน เบโธเฟนเสียชีวิตเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 ในปี พ.ศ. 2550 คริสเตียน ไรเตอร์ นักพยาธิวิทยาชาวเวียนนาและผู้เชี่ยวชาญด้านนิติเวชศาสตร์ (รองศาสตราจารย์ภาควิชานิติเวชศาสตร์ มหาวิทยาลัยการแพทย์แห่งเวียนนา) แนะนำว่าการตายของเบโธเฟนเกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจโดยแพทย์ของเขา Andreas Wavruch ซึ่งซ้ำแล้วซ้ำเล่า เจาะเยื่อบุช่องท้องของผู้ป่วย (เพื่อเอาของเหลวออก) แล้วจึงทาโลชั่นที่มีสารตะกั่วบริเวณบาดแผล การทดสอบเส้นผมของ Reuter แสดงให้เห็นว่าระดับตะกั่วของ Beethoven เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วทุกครั้งที่ไปพบแพทย์
เบโธเฟน - ครู
บีโธเฟนเริ่มสอนดนตรีในขณะที่ยังอยู่ในกรุงบอนน์ Stefan Breuning นักเรียนชาวบอนน์ของเขายังคงเป็นเพื่อนที่อุทิศตนมากที่สุดของนักแต่งเพลงไปจนสิ้นอายุขัย บรอยนิ่งช่วยเบโธเฟนในการแก้ไขบทเพลงของฟิเดลิโอ ในเวียนนาเคาน์เตส Juliet Guicciardi ผู้เยาว์กลายเป็นนักเรียนของ Beethoven ในฮังการีที่ Beethoven พักที่ที่ดิน Brunswick Teresa Brunswik เรียนกับเขา นักเรียนของ Beethoven คือ Dorothea Ertmann หนึ่งในนักเปียโนที่เก่งที่สุดในเยอรมนี D. Ertman มีชื่อเสียงจากผลงานของ Beethoven นักแต่งเพลงอุทิศโซนาต้าหมายเลข 28 ให้กับเธอ เมื่อรู้ว่าลูกของโดโรเธียเสียชีวิตเบโธเฟนก็เล่นให้เธอเป็นเวลานาน Karl Czerny ก็เริ่มเรียนกับ Beethoven ด้วย คาร์ลอาจเป็นลูกคนเดียวในหมู่นักเรียนของเบโธเฟน เขาอายุเพียงเก้าขวบ แต่เขาได้แสดงในคอนเสิร์ตแล้ว Czerny เรียนกับ Beethoven เป็นเวลาห้าปีหลังจากนั้นผู้แต่งก็มอบเอกสารให้เขาซึ่งเขาสังเกตเห็น
"ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมของนักเรียนและความทรงจำทางดนตรีที่น่าทึ่งของเขา" ความทรงจำของ Cherny นั้นน่าทึ่งมาก เขารู้จักผลงานเปียโนทั้งหมดของครูด้วยใจ Czerny เริ่มต้นอาชีพครูตั้งแต่เนิ่นๆ และในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในครูที่ดีที่สุดในเวียนนา ในบรรดานักเรียนของเขาคือ Theodor Leschetizky ซึ่งสามารถเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนเปียโนรัสเซีย Leshetitsky เมื่อย้ายไปรัสเซียที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในทางกลับกันก็เป็นอาจารย์ของ A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maikapara Franz Liszt เรียนกับ K. Czerny เป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง ความสำเร็จของเขายิ่งใหญ่มากจนครูอนุญาตให้เขาพูดในที่สาธารณะ บีโธเฟนก็เข้าร่วมคอนเสิร์ตด้วย เขาเดาพรสวรรค์ของเด็กชายแล้วจึงจูบเขา ลิซท์เก็บความทรงจำของการจูบนี้มาตลอดชีวิต ลิซท์ ไม่ใช่ เซอร์นี ที่สืบทอดสไตล์การเล่นของเบโธเฟน เช่นเดียวกับเบโธเฟน ลิซท์ตีความเปียโนว่าเป็นวงออเคสตรา ขณะเดินทางไปยุโรป เขาได้ส่งเสริมผลงานของเบโธเฟน ไม่เพียงแต่แสดงผลงานเปียโนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงซิมโฟนีที่เขาดัดแปลงสำหรับเปียโนด้วย ในเวลานั้น ดนตรีของเบโธเฟน โดยเฉพาะดนตรีแนวซิมโฟนิก ยังไม่เป็นที่รู้จักของผู้ชมในวงกว้าง ต้องขอบคุณความพยายามของ F. Liszt ที่สร้างอนุสาวรีย์ของนักแต่งเพลง Ludwig van Beethoven ในเมืองบอนน์ในปี 1839 เป็นไปไม่ได้เลยที่จะไม่รู้จักดนตรีของ Beethoven พูดน้อยและการผ่อนปรนของท่วงทำนอง, ไดนามิก, จังหวะของกล้ามเนื้อที่ชัดเจน - นี่เป็นสไตล์ดราม่าที่กล้าหาญที่จดจำได้ง่าย แม้ในการเคลื่อนไหวช้าๆ (ที่ Beethoven สะท้อน) สาระสำคัญของ Beethoven ก็ฟังดู: ผ่านความทุกข์สู่ความสุข "ผ่านหนามสู่ดวงดาว" M. I. Glinka ถือว่า Beethoven เป็นจุดสุดยอดของลัทธิคลาสสิกของเวียนนา ศิลปินที่เจาะลึกส่วนลึกของจิตวิญญาณมนุษย์อย่างลึกซึ้งที่สุดและแสดงออกด้วยเสียงได้อย่างสมบูรณ์แบบ เบโธเฟนกล่าวว่า “ดนตรีควรจุดไฟจากจิตวิญญาณมนุษย์!”
บทสรุป
การเติบโตของเสรีภาพในสังคมนำไปสู่การเกิดขึ้นของคอนเสิร์ตสาธารณะครั้งแรก และสังคมดนตรีและวงออเคสตราก็ก่อตั้งขึ้นในเมืองหลักของยุโรป การพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีใหม่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ก่อให้เกิดร้านเสริมสวยและการแสดงโอเปร่าส่วนตัวมากมาย วัฒนธรรมดนตรีของลัทธิคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีบรรเลงหลายประเภท เช่น โซนาต้า ซิมโฟนี วงสี่ ในช่วงยุคนี้ ประเภทของคอนเสิร์ตคลาสสิกและรูปแบบที่หลากหลายได้ตกผลึก และมีการปฏิรูปแนวโอเปร่า
การเปลี่ยนแปลงพื้นฐานเกิดขึ้นในวงออเคสตรา ไม่จำเป็นต้องใช้ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีหลักอีกต่อไป ในทางกลับกัน เครื่องมือลม - คลาริเน็ต, ฟลุต, ทรัมเป็ตและอื่น ๆ เข้ามาแทนที่ในวงออเคสตราและสร้างใหม่ เสียงพิเศษ การเรียบเรียงใหม่ของวงออเคสตรานำไปสู่การกำเนิดของซิมโฟนีซึ่งเป็นแนวดนตรีที่สำคัญที่สุด นักแต่งเพลงคนแรกๆ ที่ใช้รูปแบบซิมโฟนิกคือบุตรชายของ I.S. บาค - คาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอล บาค พร้อมกับการเรียบเรียงใหม่ของวงออเคสตราก็ปรากฏขึ้น

วงเครื่องสายประกอบด้วยไวโอลิน 2 ตัว วิโอลา และเชลโล การเรียบเรียงถูกสร้างขึ้นมาโดยเฉพาะสำหรับวงเครื่องสายที่มีสี่จังหวะมาตรฐานของตัวเอง รูปแบบโซนาต้า - ซิมโฟนิกแบบเคลื่อนไหวได้หลายจังหวะ (รอบ 4 ส่วน) ถูกสร้างขึ้นซึ่งยังคงเป็นพื้นฐานของการแต่งเพลงหลายอย่าง ในยุคเดียวกัน มีการสร้างเปียโนขึ้น โดยมีการออกแบบในช่วงศตวรรษที่ 18 ผ่านการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ มีการปรับปรุงกลไกค้อนคีย์บอร์ด โครงเหล็กหล่อ คันเหยียบ และกลไก "การซ้อมสองครั้ง" การจัดเรียงสายเปลี่ยนไป และช่วงขยาย นวัตกรรมเชิงวิวัฒนาการทั้งหมดนี้ทำให้นักเปียโนสามารถแสดงผลงานอัจฉริยะในเวอร์ชันต่างๆ ได้ง่ายขึ้น โดยใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายและไดนามิกที่เข้มข้น Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven - สามชื่อผู้ยิ่งใหญ่ สาม "ไททันส์" ที่ลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะ
เวียนนา

คลาสสิก
. นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนเวียนนาเชี่ยวชาญดนตรีหลายประเภทตั้งแต่เพลงประจำวันไปจนถึงซิมโฟนี ดนตรีสไตล์ชั้นสูงซึ่งมีเนื้อหาเป็นรูปเป็นร่างที่หลากหลายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่เรียบง่าย แต่สมบูรณ์แบบเป็นลักษณะสำคัญของผลงานคลาสสิกของเวียนนา เป็นผู้ประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาที่ยกระดับแนวเพลงของเปียโนโซนาต้าและคอนแชร์โตคลาสสิกให้อยู่ในระดับสูงสุด การค้นพบความคลาสสิกประกอบด้วยการแสดงออกของความปรารถนาในอุดมคติสูงสุดของความสมบูรณ์แบบ สำหรับโครงสร้างสวรรค์ของจิตวิญญาณและชีวิต ไฮเดินกล่าวว่าพระเจ้าจะไม่ทรงขุ่นเคืองเมื่อเขาสรรเสริญพระองค์ในรูปแบบใหม่ที่สดใสและชัดเจน วัฒนธรรมทางดนตรีของลัทธิคลาสสิก เช่นเดียวกับวรรณกรรมและวิจิตรศิลป์ เชิดชูการกระทำของมนุษย์ อารมณ์และความรู้สึกของเขา ซึ่งเป็นเหตุผลที่ครอบงำ ศิลปินที่มีความคิดสร้างสรรค์ในผลงานของพวกเขามีลักษณะเฉพาะคือการคิดเชิงตรรกะ ความกลมกลืน และความชัดเจนของรูปแบบ ลัทธิคลาสสิกเป็นสไตล์ของยุคสมัยที่เฉพาะเจาะจงทางประวัติศาสตร์ แต่อุดมคติเรื่องความกลมกลืนและสัดส่วนของเขายังคงเป็นแบบอย่างให้กับคนรุ่นต่อ ๆ ไปจนทุกวันนี้
ในขณะเดียวกัน ศตวรรษของลัทธิคลาสสิกก็ถดถอยไปแล้ว ในรูปแบบโพลีสไตลิสต์ที่ไม่เคยมีมาก่อนของ "Don Juan" และในจิตวิญญาณที่กบฏของ "Egmont" เราสามารถสัมผัสได้ถึงศตวรรษแห่งความโรแมนติกด้วยการประชดที่น่าเศร้า จิตสำนึกทางศิลปะที่ไม่เป็นระเบียบ และเสรีภาพของความใกล้ชิดทางโคลงสั้น ๆ
หลักการของความคลาสสิค
1. พื้นฐานของทุกสิ่งคือเหตุผล สิ่งที่สมเหตุสมผลเท่านั้นที่จะสวยงาม 2. ภารกิจหลักคือการเสริมสร้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ พระมหากษัตริย์คือศูนย์รวมของเหตุผล 3. ประเด็นหลักคือความขัดแย้งทางผลประโยชน์ ความรู้สึก และหน้าที่ส่วนบุคคลและพลเมือง 4. ศักดิ์ศรีสูงสุดของบุคคลคือการปฏิบัติหน้าที่รับใช้ความคิดของรัฐ 5. การสืบทอดโบราณวัตถุอันเป็นแบบอย่าง 6. เลียนแบบธรรมชาติที่ “ตกแต่ง” 7. หมวดหมู่หลักคือความงาม
วรรณกรรม
Keldysh Yu. V. - ลัทธิคลาสสิค สารานุกรมดนตรี, มอสโก: สารานุกรมโซเวียต, จาก "นักแต่งเพลงชาวโซเวียต", 1973 - 1982. Classicism - พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่, 2000 Yu. A. Kremlev - เปียโนโซนาตาสของ Beethoven, สำนักพิมพ์นักแต่งเพลงโซเวียต, มอสโก 1970 .
นักประพันธ์เพลงแห่งยุคคลาสสิก

ฟรีดริช คาล์คเบรนเนอร์ โจเซฟ ไฮเดินน์ โยฮันน์ เนโปมุก ฮุมเมล ยาน วานฮาล จิโอวานนี่ บัตติสตา เพสเช็ตติ โดมินิโก ซิมาโรซา อิวาน ลาสโคว์สกี้ ลีโอโปลด์ โมซาร์ท คริสเตียน ก็อทล็อบ เนเฟ โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ท จิโอวานนี่ บัตติสตา กราซิโอลี อังเดร เกรทรี โยฮันน์ อี. ฮุมเมล แดเนียล ชไตเบลท์ อิกนาซ พลีเยล ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน นิคโคโล ปากานินี แอนตัน เดียเบลลี่ อเล็กซานเดอร์ ลโววิช กูริเลฟ ยัน ลา ปฏิเสธ Dussek Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuk Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frederic Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilhelm Hessler Eustig เธอ Fomin โยฮันน์ เบนดา โทเบียส ฮัสลิงเกอร์ ลุยจิ เชรูบินี วินเชนโซ เบลลินี อัลเบิร์ต เบห์เรนส์ โยฮันน์ ฟิลิปป์ เคิร์นแบร์เกอร์ มูซิโอ เคลเมนติ อองรี เจอโรม แบร์ตินี เฮนรี เครเมอร์
ลุยจิ บอคเครินี โยฮันน์ แบปติสต์ เครเมอร์ มิทรี บอร์ทเนียนสกี้ โรโดลฟี่ ครอยต์เซอร์ ปีเตอร์ บูลาคอฟ ฟรีดริช คูห์เลา คาร์ล มาเรีย ฟอน เวเบอร์ โยฮันน์ ไฮน์ริช ลีโอ อองรี เลมอยน์ เกนิชต้า โจเซฟ ไอโอซิโฟวิช มิคาอิล คลีโอฟาส โอกินสกี จิโอวานนี่ บัตติสตา แปร์โกเลซี
ความโรแมนติก
ยวนใจเป็นการเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์และศิลปะที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมยุโรปและอเมริกาเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 - เป็นปฏิกิริยาต่อสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิกซึ่งเป็นปฏิกิริยาที่แปลกประหลาดต่อยุคแห่งการตรัสรู้ด้วยลัทธิแห่งเหตุผล การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเกิดจากหลายสาเหตุ ที่สำคัญที่สุดของพวกเขา
-
ความผิดหวังต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศส
,
ไม่ได้ดำเนินชีวิตตามความคาดหวังที่ตั้งไว้ โลกทัศน์ที่โรแมนติกมีลักษณะเป็นความขัดแย้งที่รุนแรงระหว่างความเป็นจริงและความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำต้อยและไร้จิตวิญญาณ มันเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิปรัชญานิยม ลัทธิปรัชญานิยม และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันคือสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจเหตุผลได้ ยวนใจถือกำเนิดและพัฒนาครั้งแรกในทศวรรษที่ 1790 ในประเทศเยอรมนีในแวดวงนักเขียนและนักปรัชญาของโรงเรียน Jena ซึ่งตัวแทนคือ W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, พี่น้อง F. และ A. Schlegel) ปรัชญาของแนวโรแมนติกได้รับการจัดระบบในงานของ F. Schlegel และ F. Schelling และก็คือมีความสุขเชิงบวกในความสวยงามแสดงออกด้วยการไตร่ตรองอย่างสงบ และมีความสุขเชิงลบในสิ่งประเสริฐ ไร้รูปแบบ ไม่มีที่สิ้นสุด ทำให้ไม่ มีแต่ความชื่นชมยินดีและความเข้าใจ การสวดมนต์อันประเสริฐนั้นสัมพันธ์กับความสนใจของลัทธิจินตนิยมในเรื่องความชั่วร้าย ความสง่างาม และวิภาษวิธีของความดีและความชั่ว ในศตวรรษที่ 18 ทุกสิ่งที่แปลกประหลาดงดงามและมีอยู่ในหนังสือซึ่งไม่ใช่ในความเป็นจริงเรียกว่าโรแมนติก แรกเริ่ม. ศตวรรษที่สิบเก้า ลัทธิจินตนิยมกลายเป็นการกำหนดทิศทางใหม่ซึ่งตรงกันข้ามกับลัทธิคลาสสิกและการตรัสรู้ จากยุคสู่ยุค จากสไตล์สู่สไตล์ที่ตามมาในสาขาศิลปะ คุณสามารถ “สร้างสะพาน” และแสดงออกถึงความสอดคล้องกันได้
คำจำกัดความของการเคลื่อนไหวทางศิลปะ: บาโรกเป็นการเทศนา แนวโรแมนติกคือการสารภาพ ดังนั้นพวกเขาจึง "กระจาย" ไปด้านข้างจากความคลาสสิคที่กลมกลืนและเป็นระเบียบ ในศิลปะบาโรก บุคคลกล่าวถึงบุคคล (เทศนา) ด้วยบางสิ่งที่สำคัญระดับโลก ในแนวโรแมนติก บุคคลกล่าวถึงโลกโดยประกาศว่าประสบการณ์ที่เล็กที่สุดในจิตวิญญาณของเขานั้นสำคัญไม่น้อยไปกว่าสิ่งอื่นใด และที่นี่ไม่เพียงแต่สิทธิ์ในความรู้สึกของแต่ละบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสิทธิ์ในการกระทำด้วย ยวนใจที่มาแทนที่ยุคแห่งการรู้แจ้ง เกิดขึ้นพร้อมกับการปฏิวัติอุตสาหกรรม โดยมีรูปลักษณ์ของเครื่องจักรไอน้ำ หัวรถจักร เรือกลไฟ ภาพถ่าย และบริเวณรอบนอกโรงงาน หากการตรัสรู้มีลักษณะเฉพาะโดยลัทธิแห่งเหตุผลและอารยธรรมตามหลักการของมัน แนวโรแมนติกก็ยืนยันลัทธิของธรรมชาติ ความรู้สึก และธรรมชาติในมนุษย์ ในยุคแห่งความโรแมนติกนั้นปรากฏการณ์ของการท่องเที่ยวการปีนเขาและการปิกนิกเกิดขึ้นซึ่งออกแบบมาเพื่อฟื้นฟูความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ ภาพลักษณ์ของ "คนป่าเถื่อนผู้สูงศักดิ์" ที่ติดอาวุธ "ภูมิปัญญาชาวบ้าน" และไม่ถูกทำลายโดยอารยธรรมเป็นที่ต้องการ ยวนใจต่อต้านแนวคิดการศึกษาเกี่ยวกับความก้าวหน้าด้วยความสนใจในนิทานพื้นบ้าน, ตำนาน, เทพนิยาย, ในคนทั่วไป, การกลับคืนสู่รากเหง้าและธรรมชาติ ในการพัฒนาต่อไป แนวโรแมนติกของเยอรมันมีความโดดเด่นด้วยความสนใจในเทพนิยายและลวดลายในตำนานซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของพี่น้องวิลเฮล์มและจาค็อบกริมม์และฮอฟฟ์มันน์ G. Heine เริ่มต้นงานของเขาภายใต้กรอบของแนวโรแมนติก ต่อมาได้รับการแก้ไขอย่างมีวิจารณญาณ ลัทธิโรแมนติกเชิงปรัชญาเรียกร้องให้มีการคิดใหม่เกี่ยวกับศาสนาและการแสวงหาความต่ำช้า "ศาสนาที่แท้จริงคือความรู้สึกและรสชาติของความไม่มีที่สิ้นสุด" ต่อมาในช่วงทศวรรษที่ 1820 สไตล์โรแมนติกได้แพร่กระจายไปยังอังกฤษ ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ แนวโรแมนติกของอังกฤษรวมถึงผลงานของนักเขียน Racine, John Keats และ William Blake ยวนใจในวรรณคดีแพร่หลายในประเทศยุโรปอื่น ๆ เช่นในฝรั่งเศส - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, Georges Sand, Stendhal; ในอิตาลี - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi ในโปแลนด์ - Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasinski, Cyprian Norwid; ในสหรัฐอเมริกา - วอชิงตัน เออร์วิงก์, เฟนิมอร์ คูเปอร์, ดับเบิลยู. ซี. ไบรอันต์, เอ็ดการ์ อัลลัน โป, นาธาเนียล ฮอว์ธอร์น, เฮนรี ลองเฟลโลว์, เฮอร์แมน เมลวิลล์
ในลัทธิโรแมนติกของรัสเซียอิสรภาพจากการประชุมแบบคลาสสิกปรากฏขึ้นมีการสร้างเพลงบัลลาดและละครโรแมนติก แนวคิดใหม่กำลังถูกสร้างขึ้นเกี่ยวกับแก่นแท้และความหมายของบทกวี ซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นขอบเขตของชีวิตที่เป็นอิสระ ซึ่งเป็นการแสดงออกของแรงบันดาลใจในอุดมคติสูงสุดของมนุษย์ แนวโรแมนติกของวรรณคดีรัสเซียแสดงให้เห็นถึงความทุกข์ทรมานและความเหงาของตัวละครหลัก ในรัสเซีย V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov ก็ถือเป็นกวีโรแมนติกได้เช่นกัน บทกวียุคแรกของ A. S. Pushkin ยังได้พัฒนาภายใต้กรอบของแนวโรแมนติก บทกวีของ M. Yu. Lermontov ถือได้ว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวโรแมนติกของรัสเซีย เนื้อเพลงเชิงปรัชญาของ F. I. Tyutchev เป็นทั้งความสมบูรณ์และการเอาชนะแนวโรแมนติกในรัสเซีย ยวนใจเริ่มต้นจากขบวนการวรรณกรรม แต่มีอิทธิพลสำคัญต่อดนตรีและภาพวาด ในสาขาวิจิตรศิลป์ ลัทธิยวนใจแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก ไม่ค่อยปรากฏให้เห็นในสถาปัตยกรรม การพัฒนาแนวโรแมนติกในการวาดภาพดำเนินต่อไปด้วยการโต้เถียงอย่างรุนแรงกับผู้นับถือลัทธิคลาสสิก พวกโรแมนติกตำหนิคนรุ่นก่อนในเรื่อง "เหตุผลอันเย็นชา" และการขาด "การเคลื่อนไหวของชีวิต" ในศตวรรษที่ 18 ลวดลายที่ศิลปินชื่นชอบคือทิวทัศน์ภูเขาและซากปรักหักพังที่งดงาม คุณสมบัติหลักคือองค์ประกอบแบบไดนามิก ปริมาตรเชิงพื้นที่ สีสันที่หลากหลาย ไคอาโรสคูโร (เช่น ผลงานของ Turner, Géricault และ Delacroix) ในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 ผลงานของศิลปินหลายคนมีลักษณะที่น่าสมเพชและตื่นเต้นเร้าใจ พวกเขามีแนวโน้มที่จะมีลวดลายที่แปลกใหม่และการเล่นจินตนาการที่สามารถหลุดพ้นจาก "ชีวิตประจำวันที่น่าเบื่อ" ได้ การต่อสู้กับบรรทัดฐานคลาสสิกที่แช่แข็งกินเวลานานเกือบครึ่งศตวรรษ คนแรกที่สามารถรวมทิศทางใหม่และ "พิสูจน์" แนวโรแมนติกได้คือ Theodore Gericault ตัวแทนภาพวาด: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, โบสถ์ Frederic Edwin, Fuseli, Martin
ความโรแมนติกในดนตรี
ดนตรีแห่งยุคโรแมนติก เป็นช่วงเวลาหนึ่งในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรป ซึ่งครอบคลุมประมาณปี ค.ศ. 1800 - 1910 ในด้านดนตรี ทิศทางของแนวโรแมนติกเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1820 การพัฒนาใช้เวลาทั้งศตวรรษที่ 19 - ศตวรรษแห่งความรุ่งเรืองของวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก ยวนใจไม่ได้เป็นเพียงเนื้อเพลง แต่ครอบงำความรู้สึกความหลงใหลองค์ประกอบทางจิตวิญญาณซึ่งเป็นที่รู้จักเฉพาะในมุมของจิตวิญญาณของตัวเองเท่านั้น ศิลปินที่แท้จริงระบุตัวตนเหล่านั้นด้วยความช่วยเหลือจากสัญชาตญาณอันยอดเยี่ยม
ดนตรีในยุคนี้พัฒนามาจากรูปแบบ แนวเพลง และแนวความคิดทางดนตรีที่ก่อตั้งขึ้นในสมัยก่อน เช่น ยุคคลาสสิก นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกพยายามถ่ายทอดความลึกและความสมบูรณ์ของโลกภายในของบุคคลโดยใช้วิธีการทางดนตรี ดนตรีมีความโดดเด่นและเป็นรายบุคคลมากขึ้น แนวเพลงกำลังได้รับการพัฒนา รวมถึงเพลงบัลลาดด้วย แนวความคิดและโครงสร้างของงานที่สร้างขึ้นหรือเพิ่งเกิดขึ้นในยุคก่อน ๆ ได้รับการพัฒนาในช่วงแนวโรแมนติก เป็นผลให้ผู้ฟังมองว่างานที่เกี่ยวข้องกับยวนใจมีความหลงใหลและแสดงออกทางอารมณ์มากขึ้น เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าผู้บุกเบิกแนวโรแมนติกรุ่นก่อนคือลุดวิก ฟาน เบโธเฟน - ในดนตรีออสโตร-เยอรมัน และลุยจิ เชรูบินี - ในภาษาฝรั่งเศส คู่รักหลายคน (เช่น Schubert, Wagner, Berlioz) ถือว่า K.V. Gluck เป็นบรรพบุรุษที่ห่างไกลกว่า ช่วงเวลาของการเปลี่ยนจากลัทธิคลาสสิกไปสู่ลัทธิโรแมนติกถือเป็นช่วงเวลาก่อนโรแมนติกซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ค่อนข้างสั้นในประวัติศาสตร์ดนตรีและศิลปะ หากในวรรณคดีและภาพวาดขบวนการโรแมนติกโดยพื้นฐานแล้วจะเสร็จสิ้นการพัฒนาภายในกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของดนตรีแนวโรแมนติกในยุโรปก็จะยาวนานกว่ามาก ลัทธิโรแมนติกทางดนตรีในฐานะการเคลื่อนไหวเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 และพัฒนาให้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการเคลื่อนไหวต่างๆ ในวรรณคดี จิตรกรรม และละคร ตัวแทนหลักของแนวโรแมนติกในดนตรีคือ: ในออสเตรีย - Franz Schubert และโรแมนติกตอนปลาย - Anton Bruckner และ Gustav Mahler; ในเยอรมนี - เออร์เนสต์ ธีโอดอร์ ฮอฟฟ์มันน์, คาร์ล มาเรีย เวเบอร์, ริชาร์ด วากเนอร์, เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น, โรเบิร์ต ชูมันน์, โยฮันเนส บราห์มส์, ลุดวิก สปอห์ร; ในอังกฤษ - Edward Elgar; ในฮังการี - Franz Liszt; ในนอร์เวย์ - Edvard Grieg; ในอิตาลี - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi ต้น; ในสเปน - เฟลิเป้เปเดรล; ในฝรั่งเศส - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer และตัวแทนของ Cesar Frank แนวโรแมนติกตอนปลาย; ในโปแลนด์ - เฟรเดริกโชแปง, Stanislaw Moniuszko; ในสาธารณรัฐเช็ก - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
ในรัสเซีย, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P.I. Tchaikovsky ทำงานสอดคล้องกับแนวโรแมนติก

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูปแบบศิลปะในอุดมคติได้รับการประกาศให้เป็นดนตรี ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของมัน จึงแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด เป็นดนตรีในยุคโรแมนติกที่เป็นผู้นำในระบบศิลปะ ยวนใจในดนตรีมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการดึงดูดโลกภายในของมนุษย์ ดนตรีมีความสามารถในการแสดงออกถึงสิ่งที่ไม่รู้ เพื่อถ่ายทอดสิ่งที่คำพูดไม่สามารถถ่ายทอดได้ ยวนใจมักจะมุ่งมั่นที่จะหลบหนีความเป็นจริง เพื่อสัมผัสชีวิตของคนธรรมดาเพื่อเข้าใจความรู้สึกของพวกเขาโดยอาศัยดนตรี - สิ่งนี้ช่วยให้ตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีทำให้ผลงานของพวกเขาสมจริง ปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติกคือปัญหาบุคลิกภาพและในมุมมองใหม่ - ในความขัดแย้งกับโลกภายนอก ฮีโร่โรแมนติกมักจะเหงาเสมอเมื่อเขาเป็นคนพิเศษและมีพรสวรรค์ ธีมของความเหงาอาจเป็นธีมที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในงานศิลปะโรแมนติกทั้งหมด ศิลปิน กวี นักดนตรีเป็นวีรบุรุษคนโปรดในผลงานแนวโรแมนติก (“The Love of a Poet” โดย Schumann, “The Symphony Fantastique” โดย Berlioz พร้อมคำบรรยาย “An Episode from the Life of an Artist”) การเปิดเผยละครส่วนตัวมักจะได้รับสัมผัสของอัตชีวประวัติท่ามกลางความโรแมนติกซึ่งนำความจริงใจมาสู่ดนตรีเป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่น ผลงานเปียโนหลายชิ้นของ Schumann เชื่อมโยงกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck Richard Wagner เน้นย้ำถึงลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาอย่างยิ่ง การใส่ใจต่อความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงแนวเพลง - เนื้อเพลงซึ่งภาพแห่งความรักมีอิทธิพลเหนือได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ธีมของธรรมชาติมักเกี่ยวพันกับธีมของ "คำสารภาพโคลงสั้น ๆ" การพัฒนาแนวเพลงและซิมโฟนีบทกวีมหากาพย์นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (หนึ่งในผลงานชิ้นแรกคือซิมโฟนี "ยิ่งใหญ่" ใน C Major โดย F. Schubert) ธีมแฟนตาซีกลายเป็นการค้นพบที่แท้จริงสำหรับนักประพันธ์เพลงโรแมนติก ดนตรีเป็นครั้งแรกที่ได้เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่น่าอัศจรรย์ใจผ่านวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 - 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น ราชินีแห่งราตรีจาก "The Magic Flute" ของโมสาร์ท) พูดในแบบ "ธรรมดา"
ภาษาดนตรี โดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากภูมิหลังของคนจริงๆ นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกเรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแฟนตาซีเป็นสิ่งที่เฉพาะเจาะจงโดยสิ้นเชิง (ด้วยความช่วยเหลือของสีออเคสตราและฮาร์โมนิกที่ผิดปกติ) ตัวอย่างที่โดดเด่นคือ "ฉากหุบเขาของหมาป่า" ใน The Magic Shooter ของเวเบอร์ ความสนใจในศิลปะพื้นบ้านเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับกวีโรแมนติกที่เสริมสร้างและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมผ่านนิทานพื้นบ้าน นักดนตรีหันไปหานิทานพื้นบ้านของชาติอย่างกว้างขวาง - เพลงพื้นบ้าน, เพลงบัลลาด, มหากาพย์ (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E . กริก) ทุกสิ่งที่ได้ยินจากหูถูกแปลเป็นความคิดสร้างสรรค์ทันที นิทานพื้นบ้าน - เพลง การเต้นรำ ตำนาน - ได้รับการประมวลผล ธีม โครงเรื่อง น้ำเสียงถูกนำมาจากที่นั่น ท่ามกลางความโรแมนติก เพลง (ในรัสเซีย - โรแมนติก) ได้รับคุณค่าพิเศษ การเต้นรำใหม่ปรากฏขึ้น - mazurkas, polnaises, waltz โดยรวบรวมภาพวรรณกรรมระดับชาติ ประวัติศาสตร์ และธรรมชาติของชนพื้นเมือง โดยอาศัยน้ำเสียงและจังหวะของคติชนแห่งชาติ และฟื้นคืนรูปแบบเสียงไดโทนิกโบราณ ภายใต้อิทธิพลของคติชน เนื้อหาของดนตรียุโรปมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก
.
ธีมและรูปภาพใหม่ๆ จำเป็นต้องอาศัยความโรแมนติกในการพัฒนาวิธีการใหม่ๆ ของภาษาดนตรีและหลักการของรูปแบบ ขยายขอบเขตของเสียงดนตรีและฮาร์โมนิก (โหมดธรรมชาติ การเปรียบเทียบสีสันระหว่างเมเจอร์และไมเนอร์) และในแง่ของการแสดงออก นายพลกำลังเปิดทางให้กับเอกลักษณ์เฉพาะตัวมากขึ้นเรื่อยๆ

ในการเรียบเรียง หลักการของกลุ่มทั้งมวลทำให้สามารถโซโลเสียงออเคสตราเกือบทั้งหมดได้ ในช่วงรุ่งเรืองของแนวโรแมนติก แนวดนตรีใหม่ ๆ เกิดขึ้นรวมถึงแนวเพลงโปรแกรม (บทกวีไพเราะ, เพลงบัลลาด, แฟนตาซี, แนวเพลง) สิ่งสำคัญที่สุดของสุนทรียภาพทางดนตรีแนวโรแมนติกคือแนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะซึ่งพบการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานโอเปร่าของ R. Wagner และในรายการเพลงของ G. Berlioz, R. Schumann, F . ลิซท์.
บทสรุป
การเกิดขึ้นของลัทธิโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลัก 3 เหตุการณ์ ได้แก่ การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ สงครามนโปเลียน และการผงาดขึ้นมาของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในยุโรป ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในดนตรีและวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกัน ในทุกประเทศเขามีความสดใส
การแสดงออกของชาติ คู่รักกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติกระฎุมพี แต่พวกเขากบฏในวิธีที่แตกต่างกัน เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติของตัวเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย แนวโรแมนติกจึงมีลักษณะที่คงอยู่: ความผิดหวังในโลกรอบตัวเรา ความรู้สึกของการเป็นส่วนหนึ่งของจักรวาล ความไม่พอใจในตัวเอง การค้นหาความสามัคคี ความขัดแย้งกับสังคม ทั้งหมดนี้มาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และหลักการที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิกซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ มีความสนใจในบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งซึ่งต่อต้านตัวเองต่อโลกรอบตัวและพึ่งพาตัวเองเท่านั้นและให้ความสนใจต่อโลกภายในของบุคคล ความคิดในการสังเคราะห์ศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และการปฏิบัติของแนวโรแมนติก. วิสัยทัศน์ของโลกที่เป็นรายบุคคลและส่วนบุคคลนำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่ เมื่อรวมกับแนวโน้มการพัฒนาของการทำดนตรีในบ้าน การแสดงในห้องที่ไม่ได้ออกแบบมาสำหรับผู้ชมจำนวนมากและเทคนิคการแสดงที่สมบูรณ์แบบ สิ่งนี้ทำให้เกิดประเภทของเปียโนจิ๋ว - ทันควัน ช่วงเวลาทางดนตรี กลางคืน โหมโรง มากมาย แนวเพลงที่ไม่เคยปรากฏในดนตรีอาชีพมาก่อน ธีม ลวดลาย และเทคนิคการแสดงออกที่โรแมนติกได้เข้าสู่ศิลปะสไตล์ เทรนด์ และการเชื่อมโยงความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน กองกำลังที่ต่อต้านลัทธิโรแมนติกเริ่มปรากฏให้เห็นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (Brahms, Brückner, Mahler) ด้วยรูปลักษณ์ภายนอกของพวกเขา มีแนวโน้มที่จะกลับคืนสู่โลกแห่งความเป็นจริง ความเที่ยงธรรม และการปฏิเสธอัตนัย แต่ถึงกระนั้นโลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์ก็กลายเป็นการเคลื่อนไหวโวหารทางศิลปะที่มีผลมากที่สุดอย่างหนึ่ง ยวนใจเป็นทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวเป็นความปรารถนาในอิสรภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอยู่ในศิลปะโลก
วรรณกรรม
Rapatskaya L. A. ยวนใจในวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปในศตวรรษที่ 19: การค้นพบ "มนุษย์ภายใน" // วัฒนธรรมศิลปะโลก ชั้นประถมศึกษาปีที่ 11 ใน 2 ส่วน อ.: วลาดอส, 2551
Bryantseva V.N. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ - เอ็ด. “ ดนตรี” 2544 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets วิถีแห่งการพัฒนาศิลปะดนตรียูเครนและต่างประเทศ - Kh.: Osnova, 2544. Berkovsky N.Ya. ยวนใจในเยอรมนี / บทความเบื้องต้นโดย A. Anikst - ล.: “นิยาย”, 2516

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เบโธเฟนเป็นบุคคลสำคัญในดนตรีคลาสสิกตะวันตกในช่วงเวลาระหว่างลัทธิคลาสสิกกับลัทธิโรแมนติก ซึ่งเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ได้รับการยอมรับและแสดงมากที่สุดในโลก เขาเขียนทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขา รวมทั้งโอเปร่า ดนตรีสำหรับการแสดงละคร และงานร้องเพลงประสานเสียง

พ่อของเขา Johann (Johann van Beethoven) เป็นนักร้องเทเนอร์ในโบสถ์ในศาลแม่ของเขา Maria Magdalena ก่อนแต่งงาน Keverich (Maria Magdalena Keverich) เป็นลูกสาวของพ่อครัวประจำศาลในโคเบลนซ์ทั้งคู่แต่งงานกัน ในปี ค.ศ. 1767

ครูของเบโธเฟน พ่อของนักแต่งเพลงต้องการสร้างโมสาร์ทตัวที่สองจากลูกชายของเขา และเริ่มสอนให้เขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลิน ในปี พ.ศ. 2321 การแสดงครั้งแรกของเด็กชายเกิดขึ้นที่โคโลญจน์ อย่างไรก็ตาม น่ามหัศจรรย์ที่เบโธเฟนไม่ได้กลายเป็นเด็ก พ่อของเขาฝากเด็กชายไว้กับเพื่อนร่วมงานและเพื่อน ๆ ของเขา คนหนึ่งสอนลุดวิกให้เล่นออร์แกน อีกคนสอนเล่นไวโอลิน ในปี ค.ศ. 1780 นักออร์แกนและนักแต่งเพลง Christian Gottlob Nefe เดินทางมาถึงกรุงบอนน์ เขากลายเป็นครูที่แท้จริงของเบโธเฟน

สิบปีแรกในกรุงเวียนนา ในปี พ.ศ. 2330 เบโธเฟนได้ไปเยือนเวียนนา หลังจากฟังการแสดงด้นสดของเบโธเฟน โมสาร์ทก็อุทานออกมา เขาจะทำให้ทุกคนพูดถึงตัวเอง! เมื่อมาถึงเวียนนา เบโธเฟนเริ่มเรียนกับไฮเดิน และต่อมาอ้างว่าไฮเดินไม่ได้สอนอะไรเขาเลย ชั้นเรียนทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว เบโธเฟนเชื่อว่าไฮเดินไม่ใส่ใจกับความพยายามของเขามากพอ Haydn ไม่เพียงแต่หวาดกลัวกับมุมมองที่กล้าหาญของลุดวิกในเวลานั้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท่วงทำนองที่ค่อนข้างเศร้าหมองซึ่งหาได้ยากในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Haydn เคยเขียนถึง Beethoven สิ่งของของคุณสวยงามและเป็นสิ่งที่มหัศจรรย์ด้วยซ้ำ แต่ที่นี่มีบางสิ่งที่แปลกและมืดมนอยู่ในนั้น เนื่องจากตัวคุณเองก็มืดมนและแปลกนิดหน่อย และสไตล์ของนักดนตรีก็เป็นของตัวเองอยู่เสมอ ในไม่ช้า Haydn ก็เดินทางไปอังกฤษและส่งมอบนักเรียนของเขาให้กับ Albrechtsberger อาจารย์และนักทฤษฎีชื่อดัง ในท้ายที่สุด Beethoven เองก็เลือก Antonio Salieri เป็นที่ปรึกษาของเขา

ปีต่อมา () เมื่อเบโธเฟนอายุ 34 ปี นโปเลียนละทิ้งอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสและประกาศตนเป็นจักรพรรดิ ดังนั้นเบโธเฟนจึงละทิ้งความตั้งใจที่จะอุทิศซิมโฟนีที่สามให้กับเขา:“ นโปเลียนคนนี้ก็เป็นคนธรรมดาเช่นกัน ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิมนุษยชนทั้งหมดและกลายเป็นเผด็จการ” เนื่องจากอาการหูหนวก บีโธเฟนจึงไม่ค่อยออกจากบ้านและขาดการรับรู้ทางเสียง เขามืดมนและถอนตัวออกไป ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาผู้แต่งได้สร้างผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาทีละชิ้น ในช่วงปีเดียวกันนี้ บีโธเฟนได้แสดงโอเปร่า Fidelio เพียงเรื่องเดียวของเขา โอเปร่านี้เป็นประเภทโอเปร่า "สยองขวัญและกู้ภัย" ความสำเร็จของ "Fidelio" เกิดขึ้นเฉพาะในปี พ.ศ. 2357 เมื่อโอเปร่าแสดงครั้งแรกในกรุงเวียนนา จากนั้นในปราก ซึ่งดำเนินการโดย Weber นักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้โด่งดัง และสุดท้ายในกรุงเบอร์ลิน

หลายปีก่อนไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ผู้แต่งได้มอบต้นฉบับของ "Fidelio" ให้กับเพื่อนและเลขานุการของเขาอย่าง Schindler พร้อมข้อความว่า "ลูกแห่งจิตวิญญาณของฉันคนนี้เกิดมาด้วยความทรมานมากกว่าคนอื่นๆ และทำให้ฉันเสียใจอย่างที่สุด จึงเป็นที่รักของฉันมากกว่าใครๆ...” หลังจากปี 1812 กิจกรรมสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงก็ลดลงไประยะหนึ่ง อย่างไรก็ตาม หลังจากผ่านไปสามปี เขาก็เริ่มทำงานด้วยพลังงานเท่าเดิม ในเวลานี้ โซนาตาเปียโนตั้งแต่วันที่ 28 ถึงสุดท้าย, 32, โซนาตาเชลโลสองอัน, ควอร์เตต และวงจรเสียงร้อง "To a Distant Beloved" ถูกสร้างขึ้น ยังใช้เวลาส่วนใหญ่ในการดัดแปลงเพลงพื้นบ้านอีกด้วย นอกจากชาวสก็อต ไอริช เวลส์ แล้วก็ยังมีชาวรัสเซียด้วย แต่ผลงานสร้างสรรค์ที่สำคัญในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาคือผลงานสองชิ้นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Beethoven ได้แก่ "Solemn Mass" และ Symphony 9 พร้อมคณะนักร้องประสานเสียง

Giulietta Guicciardi ซึ่งเป็นผู้ประพันธ์เพลง Moonlight Sonata ถวาย ซิมโฟนีที่เก้าได้แสดงในปี พ.ศ. 2367 ผู้ชมปรบมือให้ผู้แต่ง เป็นที่ทราบกันดีว่าเบโธเฟนยืนหันหลังให้ผู้ชมและไม่ได้ยินอะไรเลย จากนั้นนักร้องคนหนึ่งก็จับมือของเขาแล้วหันไปเผชิญหน้ากับผู้ชม ผู้คนโบกผ้าพันคอ หมวก และมือ ทักทายผู้แต่ง การปรบมือเป็นเวลานานจนเจ้าหน้าที่ตำรวจที่มาชุมนุมเรียกร้อง
ผลงานของซิมโฟนี 9 ชิ้น: 1 (), 2 (1803), 3 "Eroic" (), 4 (1806), 5 (), 6 "Pastoral" (1808), 7 (1812), 8 (1812), 9 ( พ.ศ. 2367 (ค.ศ. 1824) การทาบทามซิมโฟนี 11 ครั้ง รวมถึง Coriolanus, Egmont, Leonora 3. เปียโนคอนแชร์โต 5 รายการ โซนาตาเยาวชน 6 ตัวสำหรับเปียโน โซนาต้าเปียโน 32 ตัว 32 รูปแบบ และเปียโนประมาณ 60 ชิ้น โซนาตา 10 เพลงสำหรับไวโอลินและเปียโน คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา คอนแชร์โตสำหรับเปียโน ไวโอลินและเชลโล และวงออเคสตรา (“ทริปเปิลคอนแชร์โต”) โซนาต้า 5 อันสำหรับเชลโลและเปียโน 16 วงเครื่องสาย 6 สามคน บัลเล่ต์ "การสร้างสรรค์ของโพร" โอเปร่า "ฟิเดลิโอ" พิธีมิสซาเคร่งขรึม วัฏจักรเสียงเพลง "แด่ผู้เป็นที่รักอันห่างไกล" เพลงจากบทกวีของกวีต่างๆ การดัดแปลงจากเพลงพื้นบ้าน

คลาสสิกเวียนนาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีโลกในฐานะนักปฏิรูปที่สำคัญ งานของพวกเขาไม่เพียงมีเอกลักษณ์ในตัวเองเท่านั้น แต่ยังมีคุณค่าด้วยเพราะมันเป็นตัวกำหนดการพัฒนาละครเพลง ประเภท สไตล์ และการเคลื่อนไหวเพิ่มเติม การเรียบเรียงของพวกเขาได้วางรากฐานสำหรับดนตรีคลาสสิกในปัจจุบัน

ลักษณะทั่วไปของยุคนั้น

ผู้เขียนเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งด้วยความจริงที่ว่าพวกเขาสร้างขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุควัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ที่สำคัญสองยุค: ลัทธิคลาสสิกและแนวโรแมนติก คลาสสิกของเวียนนามีชีวิตอยู่ในช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลง เมื่อมีการค้นหารูปแบบใหม่อย่างแข็งขัน ไม่เพียงแต่ในดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงนิยาย ภาพวาด และสถาปัตยกรรมด้วย ทั้งหมดนี้กำหนดทิศทางของกิจกรรมและปัญหาการเขียนของพวกเขาเป็นส่วนใหญ่ ช่วงที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เผชิญกับความวุ่นวายทางการเมืองอย่างรุนแรง สงครามที่ทำให้แผนที่ของยุโรปพลิกคว่ำอย่างแท้จริง และส่งผลกระทบอย่างมากต่อจิตใจของกลุ่มปัญญาชนสมัยใหม่และแวดวงการศึกษาของสังคม คลาสสิกของเวียนนาก็ไม่มีข้อยกเว้น ตัวอย่างเช่นเป็นข้อเท็จจริงที่รู้จักกันดีว่าสงครามนโปเลียนมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของเบโธเฟนซึ่งในซิมโฟนีที่ 9 อันโด่งดังของเขา ("นักร้องประสานเสียง") ได้ถ่ายทอดแนวคิดเรื่องความสามัคคีและสันติภาพสากล นี่เป็นการตอบสนองต่อความหายนะทั้งหมดที่สั่นสะเทือนทวีปยุโรปในขณะที่เรากำลังพิจารณาอยู่

ชีวิตทางวัฒนธรรม

คลาสสิกของเวียนนาอาศัยอยู่ในช่วงเวลาที่บาโรกจางหายไปในพื้นหลังและทิศทางใหม่เริ่มมีบทบาทนำ มันพยายามดิ้นรนเพื่อความกลมกลืนของรูปแบบ ความสามัคคีขององค์ประกอบ จึงละทิ้งรูปแบบอันงดงามของยุคก่อน ลัทธิคลาสสิกเริ่มกำหนดลักษณะทางวัฒนธรรมของรัฐในยุโรปหลายแห่ง แต่ในขณะเดียวกัน แม้กระทั่งในขณะนั้นก็มีแนวโน้มที่จะเอาชนะรูปแบบที่เข้มงวดของการเคลื่อนไหวนี้ และสร้างผลงานอันทรงพลังที่มีองค์ประกอบของละครและแม้กระทั่งโศกนาฏกรรม สิ่งเหล่านี้เป็นสัญญาณแรกของการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกซึ่งกำหนดการพัฒนาทางวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด

การปฏิรูปโอเปร่า

คลาสสิกของเวียนนามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวดนตรีทั้งหมดในยุคที่อยู่ระหว่างการทบทวน แต่ละคนมีความเชี่ยวชาญในสไตล์หรือรูปแบบดนตรีใดรูปแบบหนึ่ง แต่ความสำเร็จทั้งหมดของพวกเขารวมอยู่ในกองทุนทองคำของดนตรีโลก Gluck (นักแต่งเพลง) เป็นนักเขียนที่ใหญ่ที่สุดและมีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเขา เป็นการยากที่จะประเมินค่าสูงเกินไปบทบาทของเขาในการพัฒนาโรงละคร: ท้ายที่สุดแล้วเขาเป็นคนที่ทำให้ประเภทโอเปร่าเป็นรูปแบบที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งเรารู้แล้วในตอนนี้ ข้อดีของ Christopher Gluck ก็คือเขาเป็นคนแรกที่ละทิ้งความเข้าใจเกี่ยวกับโอเปร่าในฐานะงานเพื่อสาธิตความสามารถด้านเสียงร้อง แต่กลับด้อยกว่าหลักการทางดนตรีไปสู่การแสดงละคร

ความหมาย

กลัคเป็นนักแต่งเพลงที่ทำให้โอเปร่าเป็นการแสดงที่แท้จริง ในงานของเขา เช่นเดียวกับผลงานของผู้ติดตามของเขา เสียงร้องเริ่มขึ้นอยู่กับคำนั้นเป็นหลัก โครงเรื่องและองค์ประกอบและที่สำคัญที่สุดคือละครเริ่มเป็นตัวกำหนดพัฒนาการของแนวดนตรี ดังนั้นโอเปร่าจึงเลิกเป็นประเภทที่ให้ความบันเทิงเพียงอย่างเดียว แต่กลับกลายเป็นการสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทจริงจังที่มีบทละครที่ซับซ้อน ตัวละครที่น่าสนใจจากมุมมองทางจิตวิทยา และองค์ประกอบที่น่าทึ่ง

ผลงานของนักแต่งเพลง

โรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นพื้นฐานของโรงละครดนตรีทั่วโลก เครดิตส่วนใหญ่สำหรับเรื่องนี้ตกเป็นของ Gluck โอเปร่าของเขา "Orpheus and Eurydice" กลายเป็นความก้าวหน้าในประเภทนี้ ในนั้นผู้เขียนไม่ได้มุ่งเน้นไปที่ความสามารถในการแสดง แต่อยู่ที่ละครของตัวละครด้วยเหตุนี้ผลงานจึงได้รับเสียงดังกล่าวและยังคงแสดงอยู่จนถึงทุกวันนี้ โอเปร่าอีกเรื่องหนึ่งคือ Alceste ก็เป็นคำใหม่ในดนตรีโลกเช่นกัน นักแต่งเพลงชาวออสเตรียมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาโครงเรื่องอีกครั้งซึ่งทำให้งานได้รับเสียงหวือหวาทางจิตวิทยาที่ทรงพลัง งานยังคงแสดงบนเวทีที่ดีที่สุดในโลกซึ่งชี้ให้เห็นว่าการปฏิรูปประเภทโอเปร่าที่ดำเนินการโดย Gluck มีความสำคัญพื้นฐานสำหรับวิวัฒนาการของละครเพลงโดยรวมและกำหนดการพัฒนาต่อไปของโอเปร่าในทิศทางนี้

ขั้นต่อไปของการพัฒนา

Haydn นักแต่งเพลงชาวออสเตรียยังอยู่ในกาแล็กซี่นักเขียนชื่อดังซึ่งมีส่วนสำคัญในการปฏิรูปแนวดนตรี เขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะผู้สร้างซิมโฟนีและควอร์เตต ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้เกจิได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางไม่เพียงแต่ในประเทศยุโรปกลางเท่านั้น แต่ยังอยู่นอกเหนือขอบเขตของพวกเขาด้วย ผลงานที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางที่สุดคือผลงานของเขาซึ่งรวมอยู่ในละครโลกภายใต้ชื่อ "Twelve London Symphonies" พวกเขาโดดเด่นด้วยความรู้สึกมองโลกในแง่ดีและความร่าเริงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานเกือบทั้งหมดของนักแต่งเพลงคนนี้

คุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์

คุณลักษณะเฉพาะของผลงานของ Joseph Haydn คือความเชื่อมโยงกับคติชน ในงานของผู้แต่งมักได้ยินเพลงและการเต้นรำซึ่งทำให้ผลงานของเขาเป็นที่รู้จัก สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นถึงโลกทัศน์ของผู้เขียนซึ่งส่วนใหญ่เลียนแบบโมสาร์ทโดยถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่ดีที่สุดในโลก จากเขาเขายืมท่วงทำนองที่สนุกสนานและเบา ๆ ซึ่งทำให้ผลงานของเขาแสดงออกถึงอารมณ์และเสียงที่สดใสเป็นพิเศษ

ผลงานอื่นๆ ของผู้เขียน

โอเปร่าของ Haydn ไม่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางเท่ากับวงสี่และซิมโฟนีของเขา อย่างไรก็ตาม แนวดนตรีนี้ครองตำแหน่งที่โดดเด่นในผลงานของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย ดังนั้นจึงควรกล่าวถึงผลงานประเภทนี้จำนวนหนึ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากเป็นเวทีที่เห็นได้ชัดเจนในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของเขา โอเปร่าเรื่องหนึ่งของเขาชื่อ "The Pharmacist" และเขียนขึ้นเพื่อเปิดโรงละครแห่งใหม่ ไฮเดินยังสร้างผลงานประเภทนี้อีกหลายชิ้นสำหรับอาคารโรงละครแห่งใหม่ เขาเขียนในรูปแบบของโอเปร่าชาวอิตาลีเป็นหลัก และบางครั้งก็ผสมผสานองค์ประกอบตลกและละครเข้าด้วยกัน

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด

วงสี่ของ Haydn ได้รับการขนานนามอย่างถูกต้องว่าเป็นไข่มุกแห่งดนตรีคลาสสิกระดับโลก พวกเขาผสมผสานหลักการพื้นฐานของผู้แต่ง: ความสง่างามของรูปแบบ ความสามารถในการแสดง เสียงที่มองโลกในแง่ดี ความหลากหลายเฉพาะเรื่อง และวิธีการแสดงที่เป็นต้นฉบับ วัฏจักรที่มีชื่อเสียงแห่งหนึ่งเรียกว่า "รัสเซีย" เพราะอุทิศให้กับ Tsarevich Pavel Petrovich จักรพรรดิพอลที่ 1 แห่งรัสเซียในอนาคต วงควอเต็ตอีกกลุ่มหนึ่งมีไว้สำหรับกษัตริย์ปรัสเซียน การเรียบเรียงเหล่านี้เขียนขึ้นในรูปแบบใหม่ เนื่องจากโดดเด่นด้วยความยืดหยุ่นของเสียงที่ไม่ธรรมดาและเฉดสีดนตรีที่ตัดกันมากมาย ด้วยแนวดนตรีประเภทนี้ที่ชื่อผู้แต่งได้รับความสำคัญไปทั่วโลก ควรสังเกตว่าผู้เขียนมักใช้สิ่งที่เรียกว่า "ความประหลาดใจ" ในการเรียบเรียงของเขาโดยสร้างข้อความทางดนตรีที่ไม่คาดคิดในสถานที่ที่ผู้ชมคาดหวังน้อยที่สุด “Children’s Symphony” ของ Haydn เป็นหนึ่งในผลงานที่ไม่ธรรมดาเหล่านี้

ลักษณะทั่วไปของงานของโมสาร์ท

นี่คือหนึ่งในผู้แต่งดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุด ซึ่งยังคงได้รับความนิยมเป็นพิเศษในหมู่แฟนเพลงคลาสสิกและเป็นที่รักของคนทั่วโลก ความสำเร็จของงานของเขาอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาโดดเด่นด้วยความสามัคคีและความสมบูรณ์เชิงตรรกะ ในเรื่องนี้นักวิจัยหลายคนเชื่อว่างานของเขาเป็นยุคแห่งความคลาสสิค อย่างไรก็ตาม คนอื่นเชื่อว่านักแต่งเพลงชาวเวียนนากลายเป็นลางสังหรณ์ของแนวโรแมนติก: ท้ายที่สุดในงานของเขามีแนวโน้มที่ชัดเจนในการแสดงภาพที่แข็งแกร่งและไม่ธรรมดาตลอดจนการศึกษาทางจิตวิทยาเชิงลึกของตัวละคร (เรากำลังพูดถึงโอเปร่าในเรื่องนี้ กรณี). อย่างไรก็ตาม ผลงานของเกจิมีความโดดเด่นด้วยความลึกและในขณะเดียวกันก็ง่ายต่อการรับรู้ การแสดงละคร และการมองโลกในแง่ดีเป็นพิเศษ ทุกคนเข้าถึงได้ง่ายและเข้าถึงได้ แต่ในขณะเดียวกันก็จริงจังและมีปรัชญามากในเนื้อหาและเสียง นี่คือปรากฏการณ์แห่งความสำเร็จของเขาอย่างแม่นยำ

โอเปร่าโดยผู้แต่ง

โรงเรียนคลาสสิกเวียนนามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวโอเปร่า เครดิตมหาศาลสำหรับสิ่งนี้เป็นของ Mozart การแสดงดนตรีของเขายังคงได้รับความนิยมอย่างมากและเป็นที่ชื่นชอบไม่เพียงแต่จากผู้รักดนตรีอย่างแท้จริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคนทั่วไปด้วย บางทีนี่อาจเป็นนักแต่งเพลงเพียงคนเดียวที่ทุกคนรู้จักดนตรีไม่ทางใดก็ทางหนึ่งแม้ว่าพวกเขาจะมีความคิดที่คลุมเครือเกี่ยวกับงานของเขาก็ตาม

โอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดอาจเป็น The Marriage of Figaro นี่อาจเป็นงานที่ร่าเริงที่สุดและในขณะเดียวกันก็ตลกผิดปกติของผู้แต่ง อารมณ์ขันเป็นที่ได้ยินในเกือบทุกส่วนซึ่งทำให้เขาโด่งดังมาก เพลงที่มีชื่อเสียงของตัวละครหลักได้รับความนิยมอย่างมากในวันรุ่งขึ้น ดนตรีของโมสาร์ท - สดใส ขี้เล่น ขี้เล่น แต่ในขณะเดียวกันก็ฉลาดในเรื่องความเรียบง่ายที่ไม่ธรรมดา - ได้รับความรักและการยอมรับจากสากลในทันที

โอเปร่าที่มีชื่อเสียงอีกเรื่องหนึ่งของผู้เขียนคือ "Don Giovanni" ในแง่ของความนิยมอาจจะไม่ด้อยกว่าที่กล่าวมาข้างต้น: การผลิตการแสดงนี้สามารถเห็นได้ในยุคของเรา เป็นสิ่งสำคัญที่ผู้แต่งนำเสนอเรื่องราวที่ค่อนข้างซับซ้อนของชายคนนี้ในรูปแบบที่เรียบง่ายและในเวลาเดียวกันก็จริงจัง ดังนั้นจึงแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจอันลึกซึ้งในชีวิตของเขาอีกครั้ง ด้วยเหตุนี้ อัจฉริยะผู้นี้สามารถแสดงทั้งองค์ประกอบที่น่าทึ่งและแง่ดี ซึ่งเชื่อมโยงถึงกันอย่างแยกไม่ออกในผลงานทั้งหมดของเขา

ปัจจุบันโอเปร่า "The Magic Flute" มีชื่อเสียงไม่น้อย ดนตรีของโมสาร์ทถึงจุดสูงสุดในด้านการแสดงออก ในงานนี้มีความเบาโปร่งสบายร่าเริงและในเวลาเดียวกันก็จริงจังเป็นพิเศษดังนั้นจึงใครๆ ก็สงสัยว่าผู้เขียนสามารถถ่ายทอดระบบปรัชญาทั้งหมดด้วยเสียงที่เรียบง่ายและกลมกลืนได้อย่างไร โอเปร่าอื่น ๆ ของผู้แต่งก็เป็นที่รู้จักเช่นกันเช่นทุกวันนี้เราสามารถได้ยิน La Clemenza di Titus เป็นระยะ ๆ ทั้งในการแสดงละครและคอนเสิร์ต ดังนั้นประเภทโอเปร่าจึงครอบครองสถานที่สำคัญแห่งหนึ่งในผลงานของนักแต่งเพลงที่เก่งกาจ

ผลงานที่คัดสรร

นักแต่งเพลงทำงานในหลากหลายทิศทางและสร้างผลงานทางดนตรีจำนวนมาก โมสาร์ทซึ่งมีเพลง "Night Serenade" อยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงคอนเสิร์ตมายาวนานและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง เขียนด้วยภาษาที่เรียบง่ายและเข้าถึงได้ บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงถูกเรียกว่าอัจฉริยะแห่งความสามัคคี แม้แต่ในงานโศกนาฏกรรมก็ยังมีความหวัง ใน "Requiem" เขาแสดงความคิดเกี่ยวกับชีวิตในอนาคตที่ดีขึ้น ดังนั้นถึงแม้จะมีโทนเสียงเพลงที่น่าเศร้า แต่งานก็ทิ้งความรู้สึกสงบสุขที่รู้แจ้ง

คอนแชร์โตของโมสาร์ทยังโดดเด่นด้วยความกลมกลืนที่กลมกลืนและความสมบูรณ์เชิงตรรกะ ทุกส่วนอยู่ภายใต้ธีมเดียวและรวมเป็นหนึ่งเดียวกันด้วยแรงจูงใจร่วมกัน ซึ่งเป็นตัวกำหนดโทนของงานทั้งหมด ดังนั้นดนตรีของเขาจึงถูกฟังในหนึ่งลมหายใจ ในประเภทประเภทนี้ หลักการพื้นฐานของงานของผู้แต่งได้รวบรวมไว้: การผสมผสานที่ลงตัวระหว่างเสียงและชิ้นส่วน เสียงที่สดใสและในเวลาเดียวกันของวงออเคสตรา ไม่มีใครสามารถจัดโครงสร้างงานดนตรีของเขาให้กลมกลืนได้เท่ากับโมสาร์ท "Night Serenade" ของผู้แต่งเป็นมาตรฐานสำหรับการผสมผสานท่อนต่างๆ เข้ากับเสียงที่แตกต่างกันอย่างกลมกลืน ข้อความที่ร่าเริงและดังเป็นจังหวะทำให้ส่วนอัจฉริยะแทบไม่ได้ยิน

ควรกล่าวถึงมวลชนของผู้เขียนเป็นพิเศษ พวกเขาครองตำแหน่งที่โดดเด่นในงานของเขา และเช่นเดียวกับผลงานอื่นๆ ตื้นตันไปด้วยความรู้สึกของความหวังที่สดใสและความสุขที่รู้แจ้ง สิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงคือ "Turkish Rondo" ที่มีชื่อเสียงซึ่งอยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงคอนเสิร์ตดังนั้นจึงสามารถได้ยินได้บ่อยครั้งแม้ในโฆษณาทางโทรทัศน์ แต่บางทีความรู้สึกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของความกลมกลืนอาจพบได้ในคอนแชร์โตของ Mozart ซึ่งหลักการของความสมบูรณ์เชิงตรรกะถึงระดับสูงสุด

สั้น ๆ เกี่ยวกับงานของ Beethoven

นักแต่งเพลงคนนี้เป็นของยุคแห่งการครอบงำของแนวโรแมนติกโดยสิ้นเชิง หาก Johann Amadeus Mozart ยืนอยู่บนธรณีประตูของความคลาสสิกและทิศทางใหม่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนก็เปลี่ยนไปใช้การพรรณนาถึงความหลงใหลอันแรงกล้า ความรู้สึกอันทรงพลัง และบุคลิกที่ไม่ธรรมดาในงานของเขาโดยสิ้นเชิง เขาอาจกลายมาเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของแนวโรแมนติก เป็นสิ่งสำคัญที่เขาเขียนโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวเมื่อหันไปใช้ธีมที่น่าทึ่งและน่าเศร้า แนวเพลงหลักสำหรับเขายังคงเป็นซิมโฟนีและโซนาตา เขาได้รับเครดิตในการปฏิรูปผลงานเหล่านี้ เช่นเดียวกับที่ Gluck ปฏิรูปการแสดงโอเปร่าในสมัยของเขา

คุณลักษณะที่โดดเด่นของผลงานของนักแต่งเพลงคือธีมหลักของผลงานของเขาคือภาพลักษณ์ของเจตจำนงอันทรงพลังและไททานิคของบุคคลที่เอาชนะความยากลำบากและอุปสรรคทั้งหมดด้วยความพยายามอย่างมาก L. V. Beethoven ยังอุทิศพื้นที่มากมายในการประพันธ์ของเขาให้กับหัวข้อการต่อสู้และการเผชิญหน้าตลอดจนแรงจูงใจของความสามัคคีสากล

ข้อเท็จจริงเกี่ยวกับชีวประวัติบางประการ

เขามาจากครอบครัวนักดนตรี พ่อของเขาต้องการให้เด็กชายเป็นนักแต่งเพลงชื่อดัง เขาจึงทำงานร่วมกับเขาโดยใช้วิธีที่ค่อนข้างรุนแรง บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเด็กถึงเติบโตมาอย่างมืดมนและเข้มงวดตามธรรมชาติซึ่งส่งผลต่อความคิดสร้างสรรค์ของเขาในเวลาต่อมา Beethoven ทำงานและอาศัยอยู่ในเวียนนาซึ่งเขาเรียนกับ Haydn แต่การศึกษาเหล่านี้ทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว ฝ่ายหลังดึงความสนใจไปที่ความจริงที่ว่านักเขียนหนุ่มถูกครอบงำด้วยแรงจูงใจที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่ได้รับการยอมรับในเวลานั้น

ชีวประวัติของเบโธเฟนยังเล่าสั้น ๆ เกี่ยวกับช่วงเวลาแห่งความหลงใหลในการต่อสู้เพื่อปลดปล่อย ในตอนแรกเขายอมรับสงครามนโปเลียนด้วยความกระตือรือร้น แต่ต่อมาเมื่อโบนาปาร์ตประกาศตนเป็นจักรพรรดิเขาก็ละทิ้งความคิดในการเขียนซิมโฟนีเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ในปี พ.ศ. 2339 ลุดวิกเริ่มสูญเสียการได้ยิน อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ขัดขวางกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา เขาหูหนวกสนิทแล้วเขาเขียนซิมโฟนีที่ 9 อันโด่งดังซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงในละครเพลงระดับโลก (เป็นไปไม่ได้ที่จะพูดสั้น ๆ เกี่ยวกับเรื่องนี้) นอกจากนี้ยังมีข้อมูลเกี่ยวกับมิตรภาพของเกจิกับคนที่โดดเด่นในสมัยของเขา แม้จะมีนิสัยสงวนและเข้มงวด แต่ผู้แต่งก็เป็นเพื่อนกับ Weber, Goethe และบุคคลอื่น ๆ ในยุคแห่งความคลาสสิก

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด

ได้มีการกล่าวไปแล้วข้างต้นว่าลักษณะเฉพาะของงานของ L. V. Beethoven คือความปรารถนาที่จะพรรณนาถึงตัวละครที่แข็งแกร่งและเต็มไปด้วยอารมณ์ การต่อสู้ของความหลงใหล และการเอาชนะความยากลำบาก ในบรรดาผลงานประเภทนี้ "Appassionata" เป็นสิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษซึ่งอาจเป็นหนึ่งในผลงานที่ทรงพลังที่สุดในแง่ของความรุนแรงของความรู้สึกและอารมณ์ เมื่อผู้แต่งถูกถามถึงแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นนี้ เขาพูดถึงบทละครของเช็คสเปียร์เรื่อง "The Tempest" ซึ่งตามที่เขาพูดนั้นทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ ผู้เขียนวาดเส้นขนานระหว่างแรงจูงใจของแรงกระตุ้นไททานิกในงานของนักเขียนบทละครกับการตีความทางดนตรีของเขาในหัวข้อนี้

ผลงานยอดนิยมชิ้นหนึ่งของผู้เขียนคือ "Moonlight Sonata" ซึ่งในทางกลับกันกลับเต็มไปด้วยความรู้สึกกลมกลืนและสันติสุขราวกับตรงกันข้ามกับท่วงทำนองอันน่าทึ่งของซิมโฟนีของเขา เป็นสิ่งสำคัญที่ชื่อจริงของงานนี้มาจากผู้ร่วมสมัยของนักแต่งเพลง อาจเป็นเพราะดนตรีมีลักษณะคล้ายกับแสงระยิบระยับของทะเลในคืนที่เงียบสงบ สิ่งเหล่านี้คือความสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นกับผู้ฟังส่วนใหญ่เมื่อฟังโซนาตานี้ ไม่น้อยและอาจได้รับความนิยมมากกว่านั้นคือเพลงประกอบที่มีชื่อเสียง "Für Eliza" ซึ่งผู้แต่งเพลงอุทิศให้กับภรรยาของจักรพรรดิรัสเซีย Alexander I, Elizaveta Alekseevna (Louise) งานนี้โดดเด่นด้วยการผสมผสานที่น่าทึ่งระหว่างแรงจูงใจเบาๆ และข้อความดราม่าที่จริงจังที่อยู่ตรงกลาง สถานที่พิเศษในงานของเกจิถูกครอบครองโดยโอเปร่าเรื่องเดียวของเขา "Fidelio" (แปลว่า "ซื่อสัตย์" จากภาษาอิตาลี) เช่นเดียวกับงานอื่นๆ อีกมากมาย เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของความรักในอิสรภาพและการเรียกร้องอิสรภาพ “ Fidelio” ยังคงไม่ออกจากเวทีของผู้นำเสนอแม้ว่าโอเปร่าจะไม่ได้รับการยอมรับในทันที แต่ก็เกือบทุกครั้ง

ซิมโฟนีที่เก้า

งานนี้อาจมีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาผลงานอื่นๆ ของผู้แต่ง เขียนไว้เมื่อสามปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2367 The Ninth Symphony เป็นบทสรุปภารกิจอันยาวนานและหลายปีของผู้แต่งเพื่อสร้างผลงานซิมโฟนิกที่สมบูรณ์แบบ มันแตกต่างจากครั้งก่อน ๆ ตรงที่ประการแรกแนะนำส่วนการร้องประสานเสียง (สำหรับ "Ode to Joy" ที่มีชื่อเสียงของ F. Schiller) และประการที่สองในนั้นผู้แต่งได้ปฏิรูปโครงสร้างของประเภทซิมโฟนิก เนื้อเรื่องหลักจะค่อยๆ เผยผ่านแต่ละส่วนของงาน จุดเริ่มต้นของซิมโฟนีค่อนข้างมืดมนและหนักหน่วง แต่ถึงกระนั้นก็มีแรงจูงใจที่ห่างไกลของการปรองดองและการตรัสรู้ซึ่งเติบโตขึ้นเมื่อการแต่งเพลงพัฒนาขึ้น ในที่สุด ในตอนท้ายสุด เสียงร้องประสานเสียงที่ทรงพลังก็ดังขึ้น เรียกร้องให้ผู้คนทั่วโลกรวมตัวกัน ดังนั้นผู้แต่งจึงเน้นย้ำแนวคิดหลักของงานของเขาเพิ่มเติม เขาต้องการให้ความคิดของเขาแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ดังนั้นเขาจึงไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังแนะนำการแสดงของนักร้องด้วย ซิมโฟนีประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม: ในการแสดงครั้งแรก ผู้ชมปรบมือให้ผู้แต่งยืนปรบมือ เป็นสิ่งสำคัญที่ L.V. Beethoven แต่งเพลงนี้ขึ้นมาเมื่อเขาเป็นคนหูหนวกสนิทอยู่แล้ว

ความสำคัญของโรงเรียนเวียนนา

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven กลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกโดยมีอิทธิพลอย่างมากต่อประวัติศาสตร์ดนตรีที่ตามมาทั้งหมดไม่เพียง แต่ในยุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโลกด้วย ความสำคัญของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้และการมีส่วนร่วมของพวกเขาในการปฏิรูปละครเพลงนั้นแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้ การทำงานในหลากหลายประเภท พวกเขาสร้างแกนหลักและรูปแบบของงานโดยอาศัยพื้นฐานของการที่ผู้ติดตามของพวกเขาแต่งผลงานใหม่ ผลงานสร้างสรรค์หลายอย่างของพวกเขาอยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงคอนเสิร์ตมานานแล้ว และได้รับการรับฟังอย่างกว้างขวางในภาพยนตร์และทางโทรทัศน์ "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" และผลงานอื่น ๆ ของนักเขียนเหล่านี้ไม่เพียงเป็นที่รู้จักสำหรับผู้รักดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่ไม่คุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิกอย่างใกล้ชิดด้วย นักวิจัยหลายคนเรียกเวทีเวียนนาแห่งการพัฒนาคลาสสิกว่าเป็นสิ่งที่กำหนดประวัติศาสตร์ดนตรีอย่างถูกต้องเนื่องจากในช่วงเวลานี้เองที่มีการวางหลักการพื้นฐานสำหรับการสร้างและเขียนโอเปร่า ซิมโฟนี โซนาตาและควอเตต

L. V. Beethoven เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (เกิดในเมืองบอนน์ แต่ใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในกรุงเวียนนา - ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2335)

การคิดทางดนตรีของ Beethoven เป็นการสังเคราะห์ที่ซับซ้อน:

Ø ความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ของคลาสสิกเวียนนา (Gluck, Haydn, Mozart)

Ø ศิลปะแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส

Ø เกิดขึ้นใหม่ในยุค 20 ศตวรรษที่สิบเก้า การเคลื่อนไหวทางศิลปะ - แนวโรแมนติก

ผลงานของเบโธเฟนเป็นที่ประทับของอุดมการณ์ สุนทรียภาพ และศิลปะแห่งการตรัสรู้ สิ่งนี้ส่วนใหญ่อธิบายการคิดเชิงตรรกะของผู้แต่งความชัดเจนของรูปแบบความรอบคอบของแนวคิดทางศิลปะทั้งหมดและรายละเอียดส่วนบุคคลของผลงาน

เป็นที่น่าสังเกตว่า Beethoven แสดงให้เห็นตัวเองอย่างเต็มที่ที่สุดในประเภทต่างๆ โซนาตาและซิมโฟนี(ประเภททั่วไปของคลาสสิก) . เบโธเฟนเป็นคนแรกที่ใช้สิ่งที่เรียกว่า "การประสานเสียงแห่งความขัดแย้ง"ขึ้นอยู่กับการตีข่าวและการชนกันของภาพดนตรีที่ตัดกันอย่างสดใส ยิ่งความขัดแย้งรุนแรงเท่าไร กระบวนการพัฒนาก็ยิ่งซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น ซึ่งสำหรับเบโธเฟนกลายเป็นแรงผลักดันหลัก

แนวความคิดและศิลปะของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ได้ทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานสร้างสรรค์หลายชิ้นของเบโธเฟน จากโอเปร่าของ Cherubini มีเส้นทางตรงไปยัง Fidelio ของ Beethoven

ผลงานของผู้แต่งประกอบด้วยน้ำเสียงที่ดึงดูดใจและจังหวะที่แม่นยำ การหายใจอันไพเราะที่กว้างขวาง และเครื่องมืออันทรงพลังของเพลงสวด การเดินขบวน และโอเปร่าในยุคนี้ พวกเขาเปลี่ยนสไตล์ของเบโธเฟน นั่นคือเหตุผลว่าทำไมภาษาดนตรีของผู้แต่งถึงแม้จะเชื่อมโยงกับศิลปะของเวียนนาคลาสสิก แต่ในขณะเดียวกันก็แตกต่างอย่างลึกซึ้งจากภาษานั้น ในผลงานของ Beethoven ต่างจาก Haydn และ Mozart ตรงที่ไม่มีใครพบกับการตกแต่งอันวิจิตรบรรจง รูปแบบจังหวะที่ราบรื่น แชมเบอร์ พื้นผิวโปร่งใส ความสมดุล และความสมมาตรของธีมดนตรี

Beethoven นักแต่งเพลงแห่งยุคใหม่ค้นพบน้ำเสียงที่แตกต่างกันเพื่อแสดงความคิดของเขา - มีชีวิตชีวา กระสับกระส่าย และรุนแรง เสียงดนตรีของเขามีความสมบูรณ์ หนาแน่น และตัดกันอย่างมาก ธีมดนตรีของเขาได้รับการพูดน้อยอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนและความเรียบง่ายที่เข้มงวด

ผู้ฟังที่พูดถึงความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ต่างตกตะลึงและมักทำให้เกิดความเข้าใจผิด ความแข็งแกร่งทางอารมณ์ดนตรีของเบโธเฟนแสดงออกมาทั้งในบทละครที่รุนแรง หรือในขอบเขตที่ยิ่งใหญ่ หรือในเนื้อเพลงที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ แต่มันเป็นคุณสมบัติเหล่านี้ของงานศิลปะของ Beethoven ที่ทำให้นักดนตรีโรแมนติกพอใจ และถึงแม้ว่าความเชื่อมโยงของเบโธเฟนกับแนวโรแมนติกจะปฏิเสธไม่ได้ แต่งานศิลปะของเขาในโครงร่างหลักก็ไม่ตรงกัน มันไม่เข้ากับกรอบของความคลาสสิคเลย สำหรับ Beethoven ก็เหมือนกับคนอื่นๆ ไม่กี่คนที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และมีหลายแง่มุม

ธีมงานของ Beethoven:

Ø มุ่งเน้นไปที่เบโธเฟน – ชีวิตของฮีโร่ซึ่งเกิดขึ้นในการต่อสู้อย่างต่อเนื่องเพื่ออนาคตที่สวยงามและเป็นสากลแนวคิดที่กล้าหาญดำเนินไปเหมือนด้ายแดงผ่านงานทั้งหมดของ Beethoven ฮีโร่ของ Beethoven ไม่สามารถแยกออกจากผู้คนได้ ในการรับใช้มนุษยชาติ ในการได้รับอิสรภาพแก่พวกเขา เขามองเห็นจุดประสงค์ของชีวิตของเขา แต่หนทางสู่จุดหมายนั้นต้องฝ่าหนาม การต่อสู้ ความทุกข์ทรมาน บ่อยครั้งที่ฮีโร่เสียชีวิต แต่ความตายของเขากลับสวมมงกุฎด้วยชัยชนะ นำความสุขมาสู่มนุษยชาติที่ได้รับการปลดปล่อย แรงดึงดูดของเบโธเฟนต่อภาพลักษณ์ที่กล้าหาญและความคิดในการต่อสู้นั้นเนื่องมาจากบุคลิกภาพของเขาชะตากรรมที่ยากลำบากการต่อสู้กับมันและการเอาชนะความยากลำบากอย่างต่อเนื่อง ในทางกลับกันอิทธิพลของแนวคิดเรื่องการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ที่มีต่อโลกทัศน์ของนักแต่งเพลง

Ø พบภาพสะท้อนที่สมบูรณ์ที่สุดในผลงานของ Beethoven และ ธีมธรรมชาติ(ซิมโฟนีที่ 6 "Pastoral", โซนาตาหมายเลข 15 "Pastoral", โซนาตาหมายเลข 21 "Aurora", ซิมโฟนีที่ 4, โซนาตาที่เคลื่อนไหวช้าๆ มากมาย, ซิมโฟนี, ควอร์เตต) การไตร่ตรองอย่างไม่โต้ตอบนั้นแปลกสำหรับเบโธเฟน ความสงบและความเงียบสงบของธรรมชาติช่วยให้เข้าใจประเด็นที่น่าตื่นเต้นอย่างลึกซึ้ง รวบรวมความคิดและความแข็งแกร่งภายในสำหรับการต่อสู้ของชีวิต

Ø เบโธเฟนเจาะลึกเข้าไป ขอบเขตของความรู้สึกของมนุษย์แต่การเปิดเผยโลกแห่งชีวิตภายในและอารมณ์ของบุคคลเบโธเฟนดึงฮีโร่คนเดียวกันซึ่งสามารถควบคุมความรู้สึกที่เกิดขึ้นเองตามความต้องการของเหตุผล

คุณสมบัติหลักของภาษาดนตรี:

Ø เมโลดิก้า . พื้นฐานพื้นฐานของทำนองเพลงของเขาอยู่ที่สัญญาณทรัมเป็ตและการประโคมเสียง มักใช้การเคลื่อนไหวตามเสียงของวงสาม (G.P. “Eroic Symphony”; ธีมของตอนจบของซิมโฟนีที่ 5, G.P. I ตอนที่ 9 ของซิมโฟนี) Caesuras ของ Beethoven เป็นเครื่องหมายวรรคตอนในการพูด Fermatas ของ Beethoven หยุดชะงักหลังจากคำถามที่น่าสมเพช แก่นดนตรีของเบโธเฟนมักประกอบด้วยองค์ประกอบที่ตัดกัน โครงสร้างที่ตัดกันของธีมยังพบได้ในรุ่นก่อนๆ ของ Beethoven (โดยเฉพาะ Mozart) แต่สำหรับ Beethoven สิ่งนี้ก็กลายเป็นรูปแบบไปแล้ว ความขัดแย้งภายในหัวข้อพัฒนาไปสู่ความขัดแย้ง G.P. และพี.พี. ในรูปแบบโซนาต้า จะไดนามิกทุกส่วนของโซนาตาอัลเลโกร

Ø เมโทรริธึม. จังหวะของ Beethoven เกิดจากแหล่งเดียวกัน จังหวะบ่งบอกถึงความเป็นชาย ความตั้งใจ และความกระตือรือร้น

§ จังหวะมาร์ชเป็นเรื่องธรรมดามาก

§ จังหวะการเต้น(ในภาพความสนุกสนานพื้นบ้าน - ตอนจบของซิมโฟนีที่ 7, ตอนจบของโซนาต้าออโรรา, เมื่อหลังจากความทุกข์ทรมานและการต่อสู้ดิ้นรนมากมาย, ช่วงเวลาแห่งชัยชนะและความสุขก็มาถึง.

Ø ความสามัคคี. ด้วยความเรียบง่ายของคอร์ดแนวตั้ง (คอร์ดของฟังก์ชั่นหลัก การใช้เสียงที่ไม่ใช่คอร์ดอย่างกระชับ) มีการตีความลำดับฮาร์มอนิกที่ตัดกันและน่าทึ่ง (เชื่อมโยงกับหลักการของละครที่ขัดแย้งกัน) การมอดูเลตที่คมชัดและหนาในคีย์ระยะไกล (ตรงข้ามกับการมอดูเลตพลาสติกของ Mozart) ในผลงานชิ้นต่อๆ มาของเขา เบโธเฟนคาดหวังถึงคุณลักษณะของความกลมกลืนที่โรแมนติก: ผ้าโพลีโฟนิก เสียงที่ไม่มีคอร์ดมากมาย และลำดับฮาร์โมนิกอันงดงาม

Ø แบบฟอร์มดนตรี ผลงานของเบโธเฟนเป็นสิ่งก่อสร้างที่ยิ่งใหญ่ “ นี่คือเช็คสเปียร์ของมวลชน” V. Stasov เขียนเกี่ยวกับเบโธเฟน “โมสาร์ทรับผิดชอบเฉพาะบุคคลเท่านั้น... เบโธเฟนคิดถึงประวัติศาสตร์และมนุษยชาติทั้งหมด” บีโธเฟนเป็นผู้สร้างรูปแบบ รูปแบบฟรี(ตอนจบของเปียโนโซนาตาหมายเลข 30 รูปแบบต่างๆ ในทำนองโดย Diabelli การเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 และ 4 ของซิมโฟนีที่ 9) เขาได้รับเครดิตจากการนำรูปแบบการเปลี่ยนแปลงมาสู่รูปแบบขนาดใหญ่

Ø แนวดนตรี บีโธเฟนได้พัฒนาแนวดนตรีที่มีอยู่เกือบทั้งหมด พื้นฐานของงานของเขาคือดนตรีบรรเลง

รายชื่อผลงานของเบโธเฟน:

ดนตรีออเคสตรา:

ซิมโฟนี – 9;

การทาบทาม: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 ตัวเลือกสำหรับโอเปร่า "Fidelio";

คอนแชร์โต: เปียโน 5 ตัว ไวโอลิน 1 ตัว ทริปเปิล 1 ตัว สำหรับไวโอลิน เชลโล และเปียโน

เพลงเปียโน:

32 โซนาตา;

22 รอบการเปลี่ยนแปลง (รวม 32 รูปแบบใน c-moll)

บากาเทล (รวมถึง “Fur Elise”)

วงดนตรีแชมเบอร์:

โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน (รวมถึง "Kreutzerova" หมายเลข 9); เชลโลและเปียโน

16 วงเครื่องสาย

เพลงร้อง:

โอเปร่า "ฟิเดลิโอ";

เพลงรวม วงจร "To a Distant Beloved" ดัดแปลงจากเพลงพื้นบ้าน: สก็อต ไอริช ฯลฯ ;

2 มิสซา: พิธีมิสซา C major และพิธีมิสซาเคร่งขรึม;

oratorio “พระคริสต์บนภูเขามะกอกเทศ”