เนื้อหาจากวิกิพีเดีย - สารานุกรมเสรี

คีย์บอร์ด

อวัยวะ

เครื่องดนตรีที่ซับซ้อนประกอบด้วยกลไกแรงดันอากาศชุดท่อไม้และโลหะที่มีขนาดต่างกันและคอนโซลการแสดง (แท่นบรรยาย) ซึ่งมีปุ่มลงทะเบียนคีย์บอร์ดและคันเหยียบหลายอัน

ฮาร์ปซิคอร์ด

เวอร์จิน

พิณ

พิณเป็นฮาร์ปซิคอร์ดขนาดเล็กที่มีรูปร่างเป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัส สี่เหลี่ยม หรือห้าเหลี่ยม

คลาวิไซทีเรียม

Claviciterium เป็นฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลำตัวตั้งในแนวตั้ง

คลาวิคอร์ด

สายโค้งคำนับ

ไวโอลินสไตล์บาโรก

บาริโทน

ละเมิดเบสประเภท "เท้า" (กัมบะ) เสียงบนบาริโทนเกิดจากสายธนูที่ประกอบด้วยสายใน 6 เส้น โดยมีสายความเห็นอกเห็นใจอยู่ข้างใต้ เสียงถูกดึงออกมาจากสายที่เห็นอกเห็นใจ (เพิ่มเติม) โดยการถอนออกด้วยนิ้วโป้งของมือซ้าย

วิโอโลน

ละเมิดเบสประเภท "เท้า" (กัมบะ)

ลิโรเน

ละเมิดเบสประเภท "เท้า" (กัมบะ) ดัดแปลงเป็นพิเศษสำหรับการเล่นคอร์ด

เชลโล

เชลโลเป็นเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับของเบสเทเนอร์ 4 สายได้รับการปรับในห้า (C และ G ของอ็อกเทฟขนาดใหญ่, D ของสายเล็ก, A ของสายแรก) เชลโลปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 ตัวอย่างเชลโลคลาสสิกถูกสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 17 และ 18 อันโตนิโอ อมาติ และจิโรลาโม อมาติ, จูเซปเป้ กวาร์เนรี, อันโตนิโอ สตราดิวารี

ดับเบิ้ลเบส

เครื่องดนตรีโค้งที่ใหญ่ที่สุดและให้เสียงต่ำที่สุดในวงออเคสตรา พวกเขาเล่นโดยยืนหรือนั่งบนเก้าอี้สูง

ดึงสาย

พิสดารพิสดาร

ในศตวรรษที่ 16 สิ่งที่พบบ่อยที่สุดคือพิณ 6 สาย (รู้จักเครื่องดนตรี 5 สายในศตวรรษที่ 15) ในช่วงเปลี่ยนผ่านสู่ศตวรรษที่ 17 (ปลายยุคบาโรก) จำนวนสายถึงยี่สิบสี่ ส่วนใหญ่มักจะมีตั้งแต่ 11 ถึง 13 สาย (9-11 คู่และ 2 ซิงเกิล) สเกลคือ D minor (บางครั้งก็สำคัญ)

ธีออร์โบ

Theorbo เป็นลูทประเภทเบส จำนวนสายมีตั้งแต่ 14 ถึง 19 สาย (ส่วนใหญ่เป็นสายเดี่ยว แต่ก็มีเครื่องดนตรีที่มีสายคู่ด้วย)

ควิตาร์โรเน

Quitarrone เป็นเบสที่หลากหลายที่เรียกว่า กีตาร์อิตาลี (เครื่องดนตรีที่มีลำตัวรูปไข่ไม่เหมือนกับกีตาร์สเปน) จำนวนสายคือ 14 สายเดี่ยว ควิตาร์โรนดูแทบไม่ต่างจากทฤษฎีออร์โบ แต่มีต้นกำเนิดที่ต่างออกไป

อาร์คลุต

มีขนาดเล็กกว่าทฤษฎีออร์บ ส่วนใหญ่มักจะมี 14 สาย หกสายแรกเป็นแบบปรับเสียงตามแบบฉบับของยุคเรอเนซองส์ - (ไม่เหมือนกับลูตแบบบาโรก ซึ่งหกสายแรกให้คอร์ด D minor) ถูกสร้างขึ้นในคอร์ดที่สี่ที่สมบูรณ์แบบ ยกเว้นกีตาร์ที่ 3 และ 4 ซึ่งสร้างขึ้นในพันตรีที่สาม

แองเจลิก้า

แมนโดรา

แกลลิชง

จะเข้

อาชิตรา

แมนโดลิน

กีตาร์บาร็อค

กีตาร์บาโรกมักจะมีสายในห้าคู่ (นักร้องประสานเสียง) กีตาร์สไตล์บาโรกหรือกีตาร์ห้าวงตัวแรกเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 ตอนนั้นเองที่มีการเพิ่มคณะนักร้องประสานเสียงที่ห้าเข้าไปในกีตาร์ (ก่อนที่จะมีสายคู่สี่สาย) สไตล์ราสเกอาโดทำให้เครื่องดนตรีนี้ได้รับความนิยมอย่างมาก

สายอื่นๆ

hurdy-gurdy

เฮอร์ดีเกอร์ดีมีสาย 6-8 สาย ซึ่งส่วนใหญ่จะส่งเสียงพร้อมกัน โดยสั่นสะเทือนเนื่องจากการเสียดสีกับล้อที่หมุนด้วยมือขวา สายแยกหนึ่งหรือสองสายซึ่งส่วนที่ทำให้เกิดเสียงนั้นสั้นหรือยาวขึ้นโดยใช้มือซ้ายโดยใช้ไม้เรียวสร้างทำนองขึ้นมาใหม่และสายที่เหลือจะปล่อยเสียงฮัมที่ซ้ำซากจำเจ

ทองเหลือง

แตรฝรั่งเศส

เขาแบบบาโรกไม่มีกลไกและทำให้สามารถแยกเฉพาะโทนเสียงในระดับธรรมชาติได้ ในการเล่นแต่ละคีย์ ต้องใช้เครื่องดนตรีแยกต่างหาก

แตร

เครื่องดนตรีประเภทลมทองเหลืองไม่มีวาล์ว มีกระบอกทรงกรวย

ทรอมโบน

ทรอมโบนมีลักษณะคล้ายท่อโลหะขนาดใหญ่โค้งงอเป็นรูปวงรี วางกระบอกเสียงไว้ที่ส่วนบน ส่วนโค้งล่างของทรอมโบนสามารถเคลื่อนย้ายได้และเรียกว่าสไลด์ เมื่อดึงสไลด์ออก เสียงจะลดลง และเมื่อเลื่อนเข้าไป เสียงจะเพิ่มขึ้น

เครื่องเป่าลมไม้

ขลุ่ยขวาง

บล็อกฟลุต

ชาลูโม

โอโบ

บาสซูน

ควอร์ตบาสซูน

Quartbassoon - บาสซูนที่ขยายใหญ่ขึ้น ในการเขียน ส่วนบาสซูนจะเขียนในลักษณะเดียวกับบาสซูน แต่ฟังดูต่ำกว่าโน้ตที่เขียนอย่างสมบูรณ์แบบในสี่

ตรงกันข้ามบาสซูน

Contrabassoon เป็นประเภทเบสของบาสซูน

กลอง

ทิมปานี

ทิมปานีเป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงสูงต่ำ ปรับระดับเสียงโดยใช้สกรูหรือกลไกพิเศษซึ่งส่วนใหญ่มักอยู่ในรูปแบบของแป้นเหยียบ

เขียนบทวิจารณ์ในบทความ "เครื่องดนตรีแห่งยุคบาโรก"

หมายเหตุ

ข้อความที่ตัดตอนมาจากเครื่องดนตรีในยุคบาโรก

- จะมีคำสั่งอะไรจากเกียรติของคุณบ้างไหม? - เขาพูดกับเดนิซอฟโดยวางมือไว้ที่กระบังหน้าแล้วกลับไปที่เกมผู้ช่วยและนายพลอีกครั้งซึ่งเขาเตรียมไว้ - หรือฉันควรจะอยู่ด้วยเกียรติของคุณ?
“คำสั่ง?” เดนิซอฟพูดอย่างครุ่นคิด -คุณอยู่ถึงพรุ่งนี้ได้ไหม?
- โอ้ ได้โปรด... ฉันขออยู่กับคุณได้ไหม? – Petya กรีดร้อง
- ใช่แล้ว นักพันธุศาสตร์บอกให้คุณทำอะไรกันแน่ - ไปทานวีแก้นตอนนี้เลยเหรอ? – เดนิซอฟถาม เพทย่าหน้าแดง
- ใช่ เขาไม่ได้สั่งอะไรเลย ฉันคิดว่ามันเป็นไปได้เหรอ? – เขาพูดอย่างสงสัย.
“ เอาล่ะ” เดนิซอฟกล่าว และเมื่อหันไปหาผู้ใต้บังคับบัญชาเขาออกคำสั่งให้พรรคไปยังสถานที่พักผ่อนที่ได้รับการแต่งตั้งไว้ที่ป้อมยามในป่าและให้เจ้าหน้าที่บนม้าคีร์กีซสถาน (เจ้าหน้าที่คนนี้ทำหน้าที่เป็นผู้ช่วย) ไปตามหาโดโลโคฟเพื่อค้นหา เขาอยู่ที่ไหนและจะมาตอนเย็นหรือไม่ เดนิซอฟเองพร้อมกับเอซาอูลและเพตยาตั้งใจจะขับรถขึ้นไปที่ขอบป่าที่มองเห็นชัมเชฟเพื่อดูตำแหน่งของฝรั่งเศสซึ่งจะเป็นเป้าหมายสำหรับการโจมตีในวันพรุ่งนี้
“ พระเจ้า” เขาหันไปหาวาทยากรชาวนา“ พาฉันไปที่ Shamshev”
เดนิซอฟ, เพตยาและเอซอลพร้อมด้วยคอสแซคหลายคนและเสือเสือที่ถือนักโทษขับรถไปทางซ้ายผ่านหุบเขาไปจนถึงชายป่า

ฝนผ่านไป มีเพียงหมอกและหยดน้ำที่ร่วงหล่นจากกิ่งไม้ เดนิซอฟ เอซาอูล และเพตยาขี่ม้าไปข้างหลังชายสวมหมวกอย่างเงียบๆ ซึ่งค่อยๆ เหยียบเท้าที่หุ้มเกราะไว้บนรากและใบไม้เปียกอย่างเบาและเงียบๆ แล้วพาพวกเขาไปที่ขอบป่า
เมื่อออกไปที่ถนน ชายคนนั้นก็หยุดชั่วคราว มองไปรอบ ๆ และมุ่งหน้าไปยังกำแพงต้นไม้ที่บางลง ที่ต้นโอ๊กขนาดใหญ่ที่ยังไม่ผลัดใบ เขาหยุดและกวักมือเรียกเขาอย่างลึกลับ
เดนิซอฟและ Petya ขับรถไปหาเขา จากจุดที่ชายคนนั้นหยุดก็มองเห็นชาวฝรั่งเศสได้ บัดนี้ ด้านหลังป่า มีทุ่งน้ำพุไหลลงมากึ่งเนินเขา ทางด้านขวามือข้ามหุบเขาสูงชัน มองเห็นหมู่บ้านเล็กๆ และคฤหาสน์ที่มีหลังคาพังทลาย ในหมู่บ้านนี้และในบ้านคฤหาสน์และทั่วเนินเขาในสวนบ่อน้ำและสระน้ำและตลอดทางขึ้นภูเขาจากสะพานถึงหมู่บ้านห่างออกไปไม่เกินสองร้อยหลาคนจำนวนมาก มองเห็นได้ในสายหมอกที่ผันผวน พวกเขากรีดร้องที่ไม่ใช่ภาษารัสเซียใส่ม้าในเกวียนที่กำลังดิ้นรนขึ้นไปบนภูเขาและได้ยินเสียงเรียกกันอย่างชัดเจน
“ส่งนักโทษมาที่นี่” เดนิซอปพูดเบาๆ โดยไม่ละสายตาจากชาวฝรั่งเศส
คอซแซคลงจากหลังม้า พาเด็กชายออกไปแล้วเดินไปหาเดนิซอฟพร้อมกับเขา เดนิซอฟชี้ไปที่ชาวฝรั่งเศสถามว่าพวกเขาเป็นกองทหารประเภทไหน เด็กชายวางมือที่เย็นชาลงในกระเป๋าเสื้อและเลิกคิ้วมองเดนิซอฟด้วยความกลัวและแม้จะปรารถนาที่จะพูดทุกอย่างที่เขารู้ แต่ก็สับสนในคำตอบของเขาและยืนยันเพียงสิ่งที่เดนิซอฟถามเท่านั้น เดนิซอฟขมวดคิ้วหันหนีจากเขาแล้วหันไปหาเอซอลแล้วบอกความคิดของเขา
Petya หันศีรษะด้วยการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วมองย้อนกลับไปที่มือกลองจากนั้นก็ไปที่เดนิซอฟจากนั้นก็ที่เอซาอูลจากนั้นก็ไปที่ชาวฝรั่งเศสในหมู่บ้านและบนท้องถนนพยายามไม่พลาดสิ่งสำคัญ
“ Pg” กำลังมา ไม่ใช่ “pg” Dolokhov กำลังมา เราต้อง bg” ที่!.. เอ๊ะ? - เดนิซอฟพูดดวงตาของเขาเปล่งประกายอย่างร่าเริง
“สถานที่นี้สะดวก” เอซอลกล่าว
“เราจะส่งทหารราบไปตามหนองน้ำ” เดนิซอฟกล่าวต่อ “พวกเขาจะคลานขึ้นไปที่สวน คุณจะมากับคอสแซคจากที่นั่น” เดนิซอฟชี้ไปที่ป่าด้านหลังหมู่บ้าน“ และฉันจะมาจากที่นี่พร้อมกับห่านของฉัน และตามถนน...
“มันจะไม่กลวง แต่เป็นหล่ม” เอซอลกล่าว - คุณจะติดอยู่บนหลังม้า คุณต้องอ้อมไปทางซ้าย...
ขณะที่พวกเขากำลังพูดด้วยเสียงแผ่วเบาในลักษณะนี้ ด้านล่างในหุบเขาจากสระน้ำ มีเสียงปืนนัดหนึ่งดังขึ้น ควันกลายเป็นสีขาว และอีกนัดหนึ่ง และได้ยินเสียงร้องที่เป็นมิตรและดูร่าเริงจากเสียงชาวฝรั่งเศสหลายร้อยคนที่อยู่บนนั้น ครึ่งภูเขา ในนาทีแรก ทั้งเดนิซอฟและเอซอลก็เคลื่อนตัวกลับไป พวกเขาอยู่ใกล้มากจนดูเหมือนว่าเป็นสาเหตุของการยิงและเสียงกรีดร้องเหล่านี้ แต่ภาพและเสียงกรีดร้องใช้ไม่ได้กับพวกเขา ด้านล่าง เดินผ่านหนองน้ำ มีชายในชุดแดงกำลังวิ่งอยู่ เห็นได้ชัดว่าเขาถูกชาวฝรั่งเศสยิงและตะโกนใส่
“ท้ายที่สุดแล้ว นี่คือ Tikhon ของเรา” เอซอลกล่าว
- เขา! พวกเขาคือ!
“ช่างเป็นคนโกงจริงๆ” เดนิซอฟกล่าว
- เขาจะไปแล้ว! - เอซาอูลพูดแล้วหรี่ตาลง
ชายที่พวกเขาเรียกว่า Tikhon วิ่งขึ้นไปบนแม่น้ำ สาดลงไปในแม่น้ำจนน้ำกระเซ็นบินไป และซ่อนตัวอยู่ครู่หนึ่ง สีดำทั้งหมดจากน้ำ เขาก็ลุกขึ้นทั้งสี่แล้ววิ่งต่อไป ชาวฝรั่งเศสที่วิ่งตามเขาหยุด
“เขาฉลาด” เอซอลกล่าว
- สัตว์ร้ายอะไรอย่างนี้! – เดนิซอฟพูดด้วยสีหน้ารำคาญเหมือนกัน - และเขาทำอะไรไปแล้ว?
- นี่คือใคร? – Petya ถาม
- นี่คือพลาสตันของเรา ฉันส่งเขาไปรับลิ้น
“ โอ้ใช่” Petya พูดจากคำแรกของ Denisov พยักหน้าราวกับว่าเขาเข้าใจทุกอย่างแม้ว่าเขาจะไม่เข้าใจแม้แต่คำเดียวก็ตาม
Tikhon Shcherbaty เป็นหนึ่งในบุคคลที่จำเป็นที่สุดในงานปาร์ตี้ เขาเป็นผู้ชายจาก Pokrovskoye ใกล้ Gzhat เมื่อเริ่มต้นการกระทำของเขา Denisov มาที่ Pokrovskoye และเช่นเคยโทรหาผู้ใหญ่บ้านถามว่าพวกเขารู้อะไรเกี่ยวกับฝรั่งเศส ผู้ใหญ่บ้านตอบในขณะที่ผู้ใหญ่บ้านทุกคนตอบราวกับปกป้องตัวเองว่าพวกเขาไม่ได้ รู้อะไรก็รู้ว่าพวกเขาไม่รู้ แต่เมื่อเดนิซอฟอธิบายให้พวกเขาฟังว่าเป้าหมายของเขาคือการเอาชนะชาวฝรั่งเศส และเมื่อเขาถามว่าชาวฝรั่งเศสหลงเข้ามาหรือไม่ ผู้ใหญ่บ้านบอกว่ามีผู้ปล้นแน่นอน แต่ในหมู่บ้านของพวกเขา มีเพียง Tishka Shcherbaty เพียงคนเดียวเท่านั้นที่เกี่ยวข้องกับเรื่องเหล่านี้ เดนิซอฟสั่งให้เรียก Tikhon มาหาเขาและยกย่องเขาสำหรับกิจกรรมของเขาพูดสองสามคำต่อหน้าผู้ใหญ่บ้านเกี่ยวกับความภักดีต่อซาร์และปิตุภูมิและความเกลียดชังของฝรั่งเศสที่บุตรชายของปิตุภูมิควรสังเกต
“ เราไม่ได้ทำอะไรไม่ดีกับชาวฝรั่งเศส” Tikhon กล่าวดูเขินอายกับคำพูดของเดนิซอฟ “นั่นคือวิธีเดียวที่เราหลอกพวกนั้นได้” พวกเขาต้องทุบตี Miroders ประมาณสองโหลไม่อย่างนั้นเราก็ไม่ได้ทำอะไรแย่... - วันรุ่งขึ้นเมื่อเดนิซอฟลืมผู้ชายคนนี้ไปโดยสิ้นเชิงออกจาก Pokrovsky เขาได้รับแจ้งว่า Tikhon ติดปาร์ตี้และถาม ที่จะทิ้งไว้กับมัน เดนิซอฟสั่งให้ทิ้งเขาไป
Tikhon ซึ่งในตอนแรกได้แก้ไขงานหนักๆ เช่น การวางเพลิง ส่งน้ำ ถลกหนังม้า ฯลฯ ในไม่ช้าก็แสดงให้เห็นถึงความเต็มใจและความสามารถในการทำสงครามกองโจรมากขึ้น เขาออกไปในเวลากลางคืนเพื่อล่าเหยื่อ และทุกครั้งก็นำเสื้อผ้าและอาวุธฝรั่งเศสติดตัวไปด้วย และเมื่อเขาได้รับคำสั่ง เขาก็นำนักโทษไปด้วย เดนิซอฟไล่ Tikhon ออกจากงานเริ่มพาเขาไปเที่ยวและลงทะเบียนเขาในคอสแซค
Tikhon ไม่ชอบขี่และเดินอยู่เสมอไม่เคยตกหลังทหารม้า อาวุธของเขาคือความผิดพลาดซึ่งเขาสวมเพื่อความสนุกสนานมากกว่า หอกและขวาน ซึ่งเขาถือเหมือนหมาป่ากวัดแกว่งฟันของเขา และหยิบหมัดออกมาจากขนของเขาอย่างง่ายดายพอ ๆ กันและกัดกระดูกหนา ๆ Tikhon แบ่งท่อนไม้ด้วยขวานอย่างซื่อสัตย์เท่า ๆ กันและใช้ขวานทุบก้นแล้วใช้มันเพื่อตัดหมุดบาง ๆ และตัดช้อนออก ในงานปาร์ตี้ของเดนิซอฟ Tikhon ครอบครองสถานที่พิเศษและพิเศษของเขา เมื่อจำเป็นต้องทำบางสิ่งที่ยากและน่าขยะแขยงเป็นพิเศษ - พลิกเกวียนในโคลนด้วยไหล่ของคุณดึงม้าออกจากหนองน้ำโดยใช้หางถลกหนังมันปีนขึ้นไปตรงกลางของฝรั่งเศสเดินห้าสิบไมล์ วัน - ทุกคนชี้หัวเราะไปที่ Tikhon
“เขากำลังทำบ้าอะไรอยู่ เจ้าเขี้ยวแก้วใหญ่” พวกเขาพูดถึงเขา
ครั้งหนึ่งชาวฝรั่งเศสที่ Tikhon กำลังยิงเขาด้วยปืนพกเข้าที่หลังของเขา บาดแผลนี้ซึ่ง Tikhon รักษาด้วยวอดก้าเท่านั้นทั้งภายในและภายนอกเป็นเรื่องตลกที่สนุกที่สุดในการปลดประจำการและเรื่องตลกที่ Tikhon ยอมจำนนด้วยความเต็มใจ
- อะไรนะพี่ชาย คุณจะไม่เหรอ? อาลีเบี้ยวหรือเปล่า? - พวกคอสแซคหัวเราะเยาะเขาและ Tikhon จงใจหมอบคลานและทำหน้าแสร้งทำเป็นว่าเขาโกรธดุชาวฝรั่งเศสด้วยคำสาปที่ไร้สาระที่สุด เหตุการณ์นี้มีผลกับ Tikhon เท่านั้นที่หลังจากบาดแผลเขาแทบไม่ได้จับนักโทษเลย

เครื่องลมเป็นเครื่องดนตรีประเภทที่เก่าแก่ที่สุดที่มีมาในยุคกลางตั้งแต่สมัยโบราณ อย่างไรก็ตามในกระบวนการพัฒนาและการก่อตัวของอารยธรรมตะวันตกยุคกลาง ขอบเขตของการใช้เครื่องลมได้ขยายออกไปอย่างมาก: บางส่วนเช่นโอลิแฟนต์เป็นของราชสำนักของขุนนางผู้สูงศักดิ์ อื่น ๆ - ขลุ่ย - ถูกใช้ทั้งในหมู่ประชาชนและ ในบรรดานักดนตรีมืออาชีพ คนอื่นๆ เช่น ทรัมเป็ต กลายเป็นเครื่องดนตรีทางทหารโดยเฉพาะ

เครื่องดนตรีประเภทลมที่เก่าแก่ที่สุดในฝรั่งเศสน่าจะถือเป็นเฟรเทลหรือ "ขลุ่ยแพน" เครื่องดนตรีที่คล้ายกันนี้สามารถเห็นได้ในรูปแบบย่อส่วนจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 11 ในหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 1) นี่คือขลุ่ยหลายลำกล้องที่ประกอบด้วยชุดท่อ (กก กก หรือไม้) ที่มีความยาวต่างกัน โดยปลายด้านหนึ่งเปิดและอีกด้านหนึ่งปิด มักถูกกล่าวถึง Fretel ควบคู่ไปกับขลุ่ยประเภทอื่นๆ ในนวนิยายของศตวรรษที่ 11-12 อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่ 14 แล้ว เฟรเทลถูกพูดถึงว่าเป็นเครื่องดนตรีเท่านั้นซึ่งเล่นในงานเทศกาลของหมู่บ้านและกลายมาเป็นเครื่องดนตรีของคนทั่วไป

ในทางตรงกันข้าม ฟลุตกำลังประสบกับ "การเพิ่มขึ้น": จากเครื่องดนตรีธรรมดาไปจนถึงเครื่องดนตรีในศาล ขลุ่ยที่เก่าแก่ที่สุดพบในฝรั่งเศสในชั้นวัฒนธรรมกัลโล-โรมัน (ศตวรรษที่ 1-2 ก่อนคริสต์ศักราช) ส่วนใหญ่เป็นกระดูก จนกระทั่งถึงศตวรรษที่ 13 ขลุ่ยมักจะเป็นสองเท่า ดังเช่นในจิ๋วจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 10 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 3) และท่ออาจมีความยาวเท่ากันหรือต่างกันก็ได้ จำนวนรูบนกระบอกขลุ่ยอาจแตกต่างกันไป (ตั้งแต่สี่ถึงหกหรือเจ็ด) ขลุ่ยมักจะเล่นโดยนักดนตรีและนักเล่นกล และบ่อยครั้งการเล่นของพวกเขาจะเกิดขึ้นก่อนขบวนแห่อันศักดิ์สิทธิ์หรือเจ้าหน้าที่ระดับสูงบางคน

นักดนตรียังเล่นขลุ่ยคู่ด้วยท่อที่มีความยาวต่างกัน ขลุ่ยดังกล่าวปรากฏอยู่ในบทความสั้นจากต้นฉบับสมัยศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 2) ในภาพย่อส่วนคุณสามารถเห็นวงออเคสตราของนักร้องสามคน: คนหนึ่งเล่นฝ่าฝืน; ครั้งที่สองบนขลุ่ยที่คล้ายกันคล้ายกับคลาริเน็ตสมัยใหม่ ครั้งที่สามกระทบกับกลองสี่เหลี่ยมที่ทำจากหนังที่ขึงอยู่เหนือกรอบ ตัวละครที่สี่รินไวน์ให้นักดนตรีดื่มเพื่อความสดชื่น วงดนตรีฟลุต กลอง และไวโอลินที่คล้ายกันมีอยู่ในหมู่บ้านของฝรั่งเศสจนถึงต้นศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่ 15 ขลุ่ยที่ทำจากหนังต้มเริ่มปรากฏขึ้น ยิ่งไปกว่านั้น ตัวขลุ่ยเองอาจเป็นแบบกลมหรือแปดเหลี่ยมในหน้าตัดก็ได้ และไม่เพียงแต่เป็นทรงตรงเท่านั้น แต่ยังเป็นลอนอีกด้วย เครื่องดนตรีที่คล้ายกันนี้ถูกเก็บรักษาไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวของมิสเตอร์โฟ (รูปที่ 4) ความยาว 60 ซม. ที่จุดที่กว้างที่สุดเส้นผ่านศูนย์กลาง 35 มม. ตัวเครื่องทำจากหนังต้มสีดำ ทาสีหัวตกแต่ง ขลุ่ยนี้ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับการสร้างทรัมเป็ตเซอร์ปัน ขลุ่ย Serpan ถูกนำมาใช้ทั้งในระหว่างการนมัสการในโบสถ์และในงานเฉลิมฉลองทางโลก ขลุ่ยขวาง เช่นเดียวกับฮาร์โมนิค ได้รับการกล่าวถึงครั้งแรกในตำราสมัยศตวรรษที่ 14

เครื่องดนตรีประเภทลมอีกประเภทหนึ่งคือปี่ นอกจากนี้ยังมีหลายประเภทในฝรั่งเศสยุคกลาง นี่คือ Chevette - เครื่องดนตรีประเภทลมที่ประกอบด้วยถุงหนังแพะ ท่อจ่ายอากาศ และท่อ นักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรีนี้ (รูปที่ 6) มีปรากฏอยู่ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 14 "ความโรแมนติกของดอกกุหลาบ" จากหอสมุดแห่งชาติปารีส แหล่งข้อมูลบางแห่งแยกแยะเชฟโรเลตออกจากปี่สก็อต ในขณะที่แหล่งอื่นๆ เรียกเชฟโรเลตเพียงแค่ว่า "ปี่สก็อตเล็ก" เครื่องดนตรีซึ่งมีรูปลักษณ์ชวนให้นึกถึงเชฟโรเลตถูกสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 19 พบในหมู่บ้านในจังหวัดเบอร์กันดีและลีมูแซงของฝรั่งเศส

ปี่อีกประเภทหนึ่งคือโฮโรหรือคณะนักร้องประสานเสียง ตามคำอธิบายที่พบในต้นฉบับจากสำนักสงฆ์เซนต์ Vlasiya (ศตวรรษที่ 9) เป็นเครื่องมือลมที่มีท่อสำหรับจ่ายอากาศและท่อและท่อทั้งสองอยู่ในระนาบเดียวกัน (ดูเหมือนจะต่อเนื่องกัน) ตรงกลางของบ่อน้ำจะมีถังเก็บอากาศ ทำจากหนังฟอกและมีรูปทรงทรงกลมที่สมบูรณ์แบบ เนื่องจากผิวหนังของ “กระเป๋า” เริ่มสั่นสะเทือนเมื่อนักดนตรีเป่าเข้าไปในคอโร เสียงจึงค่อนข้างสั่นและรุนแรง (รูปที่ 6)

ปี่ (coniemuese) ชื่อภาษาฝรั่งเศสของเครื่องดนตรีนี้มาจากภาษาละติน corniculans (มีเขา) และพบได้ในต้นฉบับจากศตวรรษที่ 14 เท่านั้น รูปร่างหน้าตาและการใช้ในฝรั่งเศสยุคกลางไม่ต่างจากปี่สก็อตแบบดั้งเดิมที่เรารู้จัก ดังที่เห็นได้จากการศึกษาภาพจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 14 (รูปที่ 9)

เขาและเขา (corne) เครื่องดนตรีประเภทลมทั้งหมดเหล่านี้ รวมถึงเขาโอลิแฟนต์ขนาดใหญ่ มีความแตกต่างกันเล็กน้อยทั้งในด้านการออกแบบและการใช้งาน ทำจากไม้ หนังต้ม งาช้าง เขาสัตว์ และโลหะ มักจะสวมบนเข็มขัด ระยะเสียงของเขาไม่กว้าง แต่เป็นนักล่าแห่งศตวรรษที่ 14 พวกเขาเล่นท่วงทำนองง่ายๆ ที่ประกอบด้วยสัญญาณบางอย่าง ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วเขาล่าสัตว์ถูกสวมใส่ที่เข็มขัดก่อนจากนั้นจนถึงศตวรรษที่ 16 โดยใช้สลิงพาดไหล่ จี้ที่คล้ายกันมักพบในภาพโดยเฉพาะใน "Book of the Hunt โดย Gaston ฟีบัส” (รูปที่ 8) เขาล่าสัตว์ของขุนนางผู้สูงศักดิ์เป็นสิ่งล้ำค่า ดังนั้นซิกฟรีดใน "Nibelungenlied" จึงถือเขาทองคำที่ประดิษฐ์อย่างประณีตติดตัวไปด้วยเมื่อทำการล่าสัตว์

ควรจะพูดแยกกันเกี่ยวกับ oliphant (alifant) - เขาขนาดใหญ่ที่มีวงแหวนโลหะที่ทำขึ้นโดยเฉพาะเพื่อให้ oliphant สามารถห้อยลงมาจากด้านขวาของเจ้าของได้ Olifant ทำจากงาช้าง ใช้ระหว่างการล่าสัตว์และระหว่างปฏิบัติการทางทหารเพื่อส่งสัญญาณการเข้าใกล้ของศัตรู ลักษณะเด่นของโอลิแฟนต์ก็คือมันสามารถเป็นของขุนนางอธิปไตยเท่านั้นซึ่งมีขุนนางเป็นผู้อยู่ใต้บังคับบัญชา ลักษณะอันทรงเกียรติของเครื่องดนตรีนี้ได้รับการยืนยันจากประติมากรรมจากศตวรรษที่ 12 จากโบสถ์สำนักสงฆ์ใน Vaselles ซึ่งมีเทวดารูปหนึ่งมีโอลิแฟนอยู่ข้างๆ เพื่อประกาศการประสูติของพระผู้ช่วยให้รอด (รูปที่ 13)

เขาล่าสัตว์นั้นแตกต่างจากแตรที่ใช้โดยนักดนตรี หลังใช้เครื่องมือที่มีการออกแบบขั้นสูงกว่า บนเมืองหลวงของเสาจากโบสถ์แอบบีแห่งเดียวกันใน Vaselles มีการแสดงนักร้องนักดนตรี (รูปที่ 12) กำลังเล่นแตรรูที่ไม่เพียงทำขึ้นตามท่อเท่านั้น แต่ยังรวมถึงระฆังด้วยซึ่งทำให้สามารถ ปรับเสียงให้ดังขึ้นหรือน้อยลง

ท่อถูกแสดงโดย trompe เองและท่อโค้งยาวมากกว่าหนึ่งเมตร - ธุรกิจ เมล็ดถั่วเอลเดอร์ทำจากไม้ หนังต้ม แต่ส่วนใหญ่มักทำจากทองเหลือง ดังที่เห็นในภาพย่อส่วนจากต้นฉบับสมัยศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 9) เสียงของพวกเขาแหลมคมและดัง และเนื่องจากได้ยินเสียงดังไปไกล กองทัพจึงใช้เบซินในการปลุกตอนเช้า พวกเขาส่งสัญญาณให้ย้ายค่ายออกและส่งสัญญาณให้เรือออก พวกเขายังประกาศการมาถึงของราชวงศ์ด้วย ดังนั้นในปี 1414 จึงมีการประกาศการเสด็จเข้ากรุงปารีสของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 6 ด้วยเสียงระฆัง เนื่องจากระดับเสียงที่ดังเป็นพิเศษ ในยุคกลาง เชื่อกันว่าทูตสวรรค์จะประกาศจุดเริ่มต้นของวันพิพากษาโดยการเล่นเป็นผู้เฒ่า

ทรัมเป็ตเป็นเครื่องดนตรีทางทหารโดยเฉพาะ ทำหน้าที่สร้างขวัญกำลังใจในกองทัพและรวบรวมกำลังทหาร ท่อมีขนาดเล็กกว่า Elderberry และเป็นท่อโลหะ (ตรงหรืองอหลายครั้ง) โดยมีกระดิ่งอยู่ที่ปลาย คำนี้ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 แต่มีการใช้เครื่องมือประเภทนี้ (ท่อตรง) ในกองทัพตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 ในช่วงปลายศตวรรษที่ 14 รูปร่างของท่อเปลี่ยนไป (ลำตัวโค้งงอ) และตัวท่อนั้นจำเป็นต้องตกแต่งด้วยธงที่มีตราแผ่นดิน (รูปที่ 7)

ทรัมเป็ตชนิดพิเศษ - งู - ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับเครื่องดนตรีลมสมัยใหม่หลายชนิด ในคอลเลกชันของคุณ Fo มีงู (รูปที่ 10) ทำจากหนังต้ม สูง 0.8 ม. และยาวรวม 2.5 ม. นักดนตรีถือเครื่องดนตรีด้วยมือทั้งสองข้างในขณะที่มือซ้ายจับส่วนโค้งงอ ส่วน (A) และนิ้วมือขวาใช้นิ้วเจาะรูที่ทำไว้ที่ส่วนบนของ Serpan พญานาคมีเสียงอันทรงพลัง เครื่องดนตรีประเภทลมนี้ใช้ทั้งในวงดนตรีทหารและระหว่างพิธีในโบสถ์

ออร์แกน (ออร์แกน) มีความโดดเด่นค่อนข้างแตกต่างจากตระกูลเครื่องดนตรีประเภทลม เครื่องดนตรีแบบแป้นเหยียบพร้อมชุดท่อหลายสิบท่อ (รีจิสเตอร์) ซึ่งตั้งค่าให้ส่งเสียงทางอากาศที่สูบลม ปัจจุบันมีความเกี่ยวข้องกับอวัยวะที่อยู่นิ่งขนาดใหญ่เท่านั้น - ออร์แกนในโบสถ์และคอนเสิร์ต (รูปที่ 14) อย่างไรก็ตามในยุคกลางบางทีเครื่องดนตรีอีกประเภทหนึ่งก็แพร่หลายมากกว่านั่นคือออร์แกนแบบใช้มือ (orgue de main) โดยพื้นฐานแล้วนี่คือ "ขลุ่ยกระทะ" ซึ่งตั้งค่าให้เป็นเสียงโดยใช้ลมอัด ซึ่งเข้าสู่ท่อจากถังที่มีรูปิดด้วยวาล์ว อย่างไรก็ตามในสมัยโบราณในเอเชีย กรีกโบราณ และโรม มีการรู้จักอวัยวะขนาดใหญ่ที่มีระบบควบคุมไฮดรอลิก ในตะวันตกเครื่องมือเหล่านี้ปรากฏเฉพาะในศตวรรษที่ 8 และถึงแม้จะเป็นของขวัญที่จักรพรรดิไบแซนไทน์มอบให้กษัตริย์ตะวันตก (Constantine V Copronymus ส่งอวัยวะดังกล่าวเป็นของขวัญให้กับ Pepin the Short และ Constantine Kuropolat - ถึง Charlemagne และ Louis ดี).

ภาพอวัยวะมือปรากฏในฝรั่งเศสเฉพาะในศตวรรษที่ 10 นักดนตรีใช้มือขวาแตะคีย์ และด้วยมือซ้ายเขากดเครื่องสูบลมที่สูบลม เครื่องดนตรีมักจะอยู่ที่หน้าอกหรือท้องของนักดนตรี อวัยวะของมือ มักจะมีท่อแปดท่อและแปดปุ่มตามลำดับ ในช่วงศตวรรษที่ 13-14 อวัยวะของมือแทบไม่มีการเปลี่ยนแปลงใดๆ แต่จำนวนท่ออาจแตกต่างกันไป เฉพาะในศตวรรษที่ 15 ท่อแถวที่สองและคีย์บอร์ดคู่ (สี่รีจิสเตอร์) ปรากฏในอวัยวะแบบแมนนวล ท่อเป็นโลหะมาโดยตลอด ออร์แกนมือทำในประเทศเยอรมนีในศตวรรษที่ 15 มีอยู่ใน Munich Pinotek (รูปที่ 15)

อวัยวะมือแพร่หลายในหมู่นักดนตรีเดินทางซึ่งสามารถร้องเพลงขณะเล่นเครื่องดนตรีไปด้วย พวกเขาฟังตามจัตุรัสกลางเมืองในช่วงวันหยุดของหมู่บ้าน แต่ไม่เคยฟังในโบสถ์เลย

ออร์แกนซึ่งมีขนาดเล็กกว่าออร์แกนในโบสถ์ แต่ต้องใช้มือมากกว่า ครั้งหนึ่งเคยถูกติดตั้งในปราสาท (เช่น ที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 5) หรืออาจติดตั้งบนชานชาลาริมถนนในระหว่างพิธีการก็ได้ ดังนั้นอวัยวะที่คล้ายกันหลายชิ้นจึงดังขึ้นในปารีสเมื่ออิซาเบลลาแห่งบาวาเรียทำพิธีเข้าเมือง

กลอง

คงไม่มีอารยธรรมใดที่ยังไม่ได้ประดิษฐ์เครื่องดนตรีที่มีลักษณะคล้ายกลอง ผิวแห้งเหยียดอยู่เหนือหม้อหรือท่อนไม้ที่กลวงออกนั่นคือกลอง อย่างไรก็ตาม แม้ว่ากลองจะเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่สมัยอียิปต์โบราณ แต่ก็ไม่ค่อยมีการใช้มากนักในยุคกลางตอนต้น นับตั้งแต่สงครามครูเสดกล่าวถึงกลอง (แทมบู) กลายเป็นเรื่องปกติ และเริ่มต้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ภายใต้ชื่อนี้ ปรากฏเครื่องดนตรีที่มีรูปร่างหลากหลาย: ยาว สองกลอง แทมบูรีน ฯลฯ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 12 เครื่องดนตรีนี้ซึ่งฟังในสนามรบและในห้องจัดเลี้ยงดึงดูดความสนใจของนักดนตรีแล้ว ยิ่งกว่านั้นก็แพร่หลายมากในศตวรรษที่ 13 Trouvères ซึ่งอ้างว่าอนุรักษ์ประเพณีโบราณในงานศิลปะของตน บ่นเกี่ยวกับ "อำนาจ" ของกลองและแทมบูรีน ซึ่งเบียดเสียดเครื่องดนตรีที่ "มีเกียรติมากกว่า"

แทมบูรีนและกลองไม่เพียงแต่มาพร้อมกับการร้องเพลงและการแสดงของคณะนักร้องประสานเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักเต้น นักแสดง และนักเล่นกลที่เดินทางด้วย ผู้หญิงเต้นรำพร้อมกับการเต้นรำโดยการเล่นแทมโบรีน กลอง (กลอง, บอสเก) ถือด้วยมือข้างหนึ่งและอีกมือหนึ่งถูกตีเป็นจังหวะ บางครั้งนักดนตรีที่เล่นฟลุตก็มาพร้อมกับกลองหรือกลองซึ่งพวกเขาคาดไว้ที่ไหล่ซ้ายด้วยเข็มขัด นักดนตรีเล่นฟลุต ร่วมกับเธอร้องเพลงด้วยจังหวะเป่าแทมบูรีนซึ่งเขาทำด้วยศีรษะ ดังที่เห็นได้ในประติมากรรมสมัยศตวรรษที่ 13 จากด้านหน้าของ House of Musicians ในเมือง Reims (รูปที่ 17)

ซาราเซ็นหรือกลองคู่เป็นที่รู้จักจากรูปปั้นของ House of Musicians (รูปที่ 18) ในช่วงยุคของสงครามครูเสด สิ่งเหล่านี้แพร่หลายในกองทัพ เนื่องจากติดตั้งได้ง่ายบนอานทั้งสองข้าง

เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันอีกประเภทหนึ่งที่พบได้ทั่วไปในยุคกลางในฝรั่งเศสคือเสียงต่ำ (เซมเบล) - สองซีกโลกและต่อมา - ฉิ่งที่ทำจากทองแดงและโลหะผสมอื่น ๆ ใช้ในการตีเวลาและการเต้นรำประกอบเป็นจังหวะ ในต้นฉบับลิโมจส์ของศตวรรษที่ 12 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส นักเต้นแสดงด้วยเครื่องดนตรีนี้ทุกประการ (รูปที่ 14) เมื่อถึงศตวรรษที่ 15 หมายถึงชิ้นส่วนของประติมากรรมจากแท่นบูชาจากโบสถ์แอบบีใน O ซึ่งใช้เสียงต่ำในวงออเคสตรา (รูปที่ 19)

จังหวะควรมีฉาบ (ฉิ่ง) ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เป็นวงแหวนซึ่งมีท่อทองสัมฤทธิ์บัดกรีอยู่ ที่ปลายระฆังจะดังเมื่อเขย่า ภาพของเครื่องดนตรีนี้เป็นที่รู้จักจากต้นฉบับในศตวรรษที่ 13 จากอารามแซ็ง-เบลส (รูปที่ 20) ขิมเป็นเรื่องธรรมดาในฝรั่งเศสในช่วงต้นยุคกลางและถูกนำมาใช้ทั้งในชีวิตทางโลกและในโบสถ์ - พวกเขาได้รับสัญญาณบ่งบอกถึงการเริ่มต้นของการสักการะ

เครื่องเพอร์คัชชันในยุคกลางยังรวมถึงระฆัง (chochettes) แพร่หลายมากมีเสียงระฆังในระหว่างคอนเสิร์ตเย็บเสื้อผ้าแขวนจากเพดานในบ้าน - ไม่ต้องพูดถึงการใช้ระฆังในโบสถ์... การเต้นรำก็มาพร้อมกับเสียงระฆังดังและมีตัวอย่างของ นี่ - ภาพขนาดย่อย้อนหลังไปถึงต้นศตวรรษที่ 10! ในชาตร์, Sens, ปารีส บนพอร์ทัลของมหาวิหาร คุณจะพบภาพนูนต่ำนูนสูงซึ่งมีผู้หญิงคนหนึ่งตีระฆังแขวนซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของดนตรีในตระกูลศิลปศาสตร์ มีภาพกษัตริย์เดวิดเล่นระฆัง ดังที่เห็นในภาพย่อส่วนจากพระคัมภีร์สมัยศตวรรษที่ 13 เขาเล่นโดยใช้ค้อน (รูปที่ 21) จำนวนระฆังอาจแตกต่างกัน - ปกติตั้งแต่ห้าถึงสิบระฆังขึ้นไป

ระฆังตุรกีซึ่งเป็นเครื่องดนตรีทางทหารก็ถือกำเนิดในยุคกลางเช่นกัน (บางคนเรียกระฆังตุรกีว่าขิม)

ในศตวรรษที่ 12 แฟชั่นระฆังหรือกระดิ่งที่เย็บติดเสื้อผ้าเริ่มแพร่หลาย พวกเขาถูกใช้โดยทั้งผู้หญิงและผู้ชาย ยิ่งกว่านั้นคนหลังไม่ได้แยกจากแฟชั่นนี้มาเป็นเวลานานจนถึงศตวรรษที่ 14 เป็นเรื่องปกติที่จะต้องตกแต่งเสื้อผ้าด้วยโซ่ทองหนา ๆ และผู้ชายมักแขวนระฆังไว้ แฟชั่นนี้เป็นสัญลักษณ์ของการเป็นของขุนนางศักดินาชั้นสูง (รูปที่ 8 และ 22) - ห้ามสวมระฆังสำหรับขุนนางชั้นสูงและชนชั้นกระฎุมพี แต่แล้วในศตวรรษที่ 15 ระฆังยังคงอยู่บนเสื้อผ้าของคนตลกเท่านั้น ชีวิตของวงออเคสตราของเครื่องเพอร์คัชชันนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้ และเขาก็เปลี่ยนไปเล็กน้อยตั้งแต่นั้นมา

สายโค้งคำนับ

ในบรรดาเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับในยุคกลางทั้งหมด การละเมิดถือเป็นสิ่งที่สูงส่งและยากที่สุดสำหรับนักแสดง ตามคำอธิบายของพระโดมินิกัน เจอโรมแห่งโมราเวีย ในศตวรรษที่ 13 การละเมิดมีห้าสาย แต่ภาพย่อก่อนหน้านี้แสดงทั้งเครื่องดนตรีสามและสี่สาย (รูปที่ 12 และ 23, 23a) ในกรณีนี้ สายจะตึงทั้งบน "สัน" และบนซาวด์บอร์ดโดยตรง เมื่อพิจารณาจากคำอธิบายแล้ว การละเมิดไม่ได้ฟังดูดัง แต่ไพเราะมาก

ประติมากรรมที่น่าสนใจจากส่วนหน้าของ House of Musicians แสดงให้เห็นนักดนตรีขนาดเท่าตัวจริง (รูปที่ 24) กำลังเล่นไวโอลินสามสาย เนื่องจากสายถูกยืดออกในแนวเดียว คันธนูที่ดึงเสียงจากสายหนึ่งจึงสามารถไปสัมผัสอีกสายหนึ่งได้. “ความทันสมัย” สำหรับกลางศตวรรษที่ 13 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ รูปร่างโบว์

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 14 ในฝรั่งเศส รูปร่างของวิโอลใกล้เคียงกับกีตาร์สมัยใหม่ซึ่งอาจช่วยให้เล่นด้วยธนูได้ง่ายขึ้น (รูปที่ 25)

ในศตวรรษที่ 15 วิโอลาขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น - วิโอลาเดอกัมบา พวกเขาเล่นโดยถือเครื่องดนตรีไว้ระหว่างเข่า ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 วิโอลา เด กัมบา ได้กลายเป็นเครื่องดนตรีเจ็ดสาย ต่อมา วิโอลา เดอ กัมบา จะถูกแทนที่ด้วยเชลโล การละเมิดทุกประเภทแพร่หลายมากในฝรั่งเศสยุคกลาง โดยการเล่นร่วมกับการเฉลิมฉลองและยามเย็นที่ใกล้ชิด

การละเมิดนั้นแตกต่างจากเสียงพึมพำโดยการผูกสายสองครั้งบนซาวด์บอร์ด ไม่ว่าจะมีสายกี่เส้นในเครื่องดนตรียุคกลางนี้ (ในวงกลมที่เก่าแก่ที่สุดจะมีสามสาย) พวกมันก็จะติดอยู่กับ "สันเขา" เสมอ นอกจากนี้ตัวไวโอลินเองยังมีรูสองรูอยู่ตามสาย รูเหล่านี้ทะลุและเสิร์ฟเพื่อให้คุณสามารถวางมือซ้ายผ่านรูเหล่านั้นได้ โดยนิ้วจะกดสายเข้ากับซาวด์บอร์ดสลับกันแล้วปล่อย นักแสดงมักจะถือธนูที่มือขวา ภาพครูตที่เก่าแก่ที่สุดภาพหนึ่งพบได้ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 11 จากสำนักสงฆ์ลิโมจส์แห่งเซนต์ การต่อสู้ (รูปที่ 26) อย่างไรก็ตาม จะต้องเน้นย้ำว่าเคิร์ตเป็นเครื่องดนตรีอังกฤษและแซ็กซอนเป็นหลัก จำนวนสายบนวงกลมจะเพิ่มขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป และถึงแม้จะถือเป็นต้นกำเนิดของเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับทั้งหมด แต่เคิร์ตก็ไม่เคยหยั่งรากลึกในฝรั่งเศส บ่อยกว่ามากหลังศตวรรษที่ 11 พบ Ruber หรือจิ๊กได้ที่นี่

เห็นได้ชัดว่าจิ๊ก (gigue, gigle) ถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยชาวเยอรมัน มันมีรูปร่างคล้ายการละเมิด แต่ไม่มีการสกัดกั้นบนซาวด์บอร์ด จิ๊กเป็นเครื่องดนตรีโปรดของนักดนตรี ความสามารถในการแสดงของเครื่องดนตรีนี้ด้อยกว่าของการละเมิดอย่างมาก แต่ก็ต้องใช้ทักษะในการแสดงน้อยกว่าด้วย เมื่อพิจารณาจากภาพแล้ว นักดนตรีก็เล่นจิ๊ก (รูปที่ 27) เหมือนไวโอลิน โดยวางยุคสมัยไว้ที่ไหล่ ดังที่เห็นได้ในบทความสั้นจากต้นฉบับ "หนังสือแห่งสิ่งมหัศจรรย์ของโลก" สืบมาจาก ต้นศตวรรษที่ 15

Rubère เป็นเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับที่ชวนให้นึกถึงเพลงรีบาบของชาวอาหรับ รูปร่างคล้ายกับพิณ ยางรูเบอร์มีสายเพียงเส้นเดียวที่ขึงบน "สันเขา" (รูปที่ 29) ซึ่งเป็นวิธีการแสดงในรูปแบบย่อส่วนในต้นฉบับจากสำนักสงฆ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก บลาซิอุส (ศตวรรษที่ 9) ตามที่เจอโรมแห่งโมราเวียในศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม รูเบอร์เป็นเครื่องดนตรีสองสายอยู่แล้ว ใช้ในการเล่นแบบวงดนตรี และมักจะนำไลน์เบสที่ "ต่ำกว่า" Zhig จึงเป็น "ตัวท็อป" ดังนั้นปรากฎว่า monocord (monocorde) ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับซึ่งทำหน้าที่เป็นบรรพบุรุษของดับเบิลเบสในระดับหนึ่งก็เป็นยางชนิดหนึ่งเช่นกันเนื่องจากมันถูกใช้ในวงดนตรีเป็นเครื่องดนตรีที่กำหนด เสียงเบส บางครั้งสามารถเล่นโมโนคอร์ดได้โดยไม่ต้องใช้คันธนู ดังที่เห็นได้ในรูปปั้นจากด้านหน้าของโบสถ์แอบบีที่วาเซลล์ (รูปที่ 28)

แม้จะมีการใช้อย่างแพร่หลายและหลากหลายพันธุ์ แต่ยางก็ไม่ถือว่าเป็นเครื่องดนตรีที่เทียบเท่ากับการละเมิด ทรงกลมของเขาค่อนข้างเป็นถนนซึ่งเป็นวันหยุดยอดนิยม อย่างไรก็ตาม ยังไม่ชัดเจนว่าเสียงของรูเบอร์นั้นแท้จริงแล้วคืออะไร เนื่องจากนักวิจัยบางคน (เจอโรม โมราฟสกี) พูดถึงอ็อกเทฟต่ำ ในขณะที่คนอื่นๆ (ไอเมริก เดอ เพย์รัก) อ้างว่าเสียงของรูเบอร์นั้นคมและ "มีเสียงดัง" คล้ายกับเสียงร้องของ “ผู้หญิง”” อย่างไรก็ตาม บางทีเรากำลังพูดถึงเครื่องดนตรีจากยุคต่างๆ เช่น ศตวรรษที่ 14 หรือ 16...

ดึงสาย

อาจเป็นไปได้ว่าการอภิปรายเกี่ยวกับเครื่องดนตรีที่มีอายุมากกว่านั้นถือว่าไม่เกี่ยวข้องเนื่องจากสัญลักษณ์ของดนตรีคือเครื่องสายคือพิณซึ่งเราจะเริ่มต้นเรื่องราวเกี่ยวกับเครื่องสายที่ดึงออกมา

พิณโบราณเป็นเครื่องสายที่มีสายสามถึงเจ็ดสายขึงในแนวตั้งระหว่างขาตั้งสองอันที่ติดตั้งอยู่บนไวโอลินไม้ สายพิณนั้นดีดด้วยมือหรือเล่นโดยใช้ปิ๊กสะท้อนเสียง ในรูปแบบย่อส่วนจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 10-11 (รูปที่ 30) ซึ่งเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติปารีส คุณสามารถเห็นพิณที่มีสิบสองสายซึ่งรวบรวมเป็นกลุ่มละสามสายและขึงด้วยความสูงต่างกัน (รูปที่ 30ก) พิณดังกล่าวมักจะมีด้ามจับแกะสลักอย่างสวยงามทั้งสองด้าน ซึ่งสามารถคาดเข็มขัดได้ ซึ่งทำให้นักดนตรีเล่นได้ง่ายขึ้นอย่างเห็นได้ชัด

พิณสับสนในยุคกลางกับซิตาร์ (cithare) ซึ่งปรากฏในสมัยกรีกโบราณด้วย เดิมทีมันเป็นเครื่องดนตรีดีดหกสาย ตามที่เจอโรมแห่งโมราเวีย Sitar ในยุคกลางมีรูปร่างเป็นรูปสามเหลี่ยม (แม่นยำยิ่งขึ้นมันมีรูปร่างของตัวอักษร "เดลต้า" ของอักษรกรีก) และจำนวนสายบนนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่สิบสองถึงยี่สิบสี่ ซีตาร์ประเภทนี้ (ศตวรรษที่ 9) มีปรากฎในต้นฉบับจากสำนักสงฆ์เซนต์ วลาซิยา (รูปที่ 31) อย่างไรก็ตาม รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันไป มีรูปภาพของซิตาร์ที่มีรูปร่างโค้งมนไม่ปกติพร้อมที่จับเพื่อแสดงการเล่น (รูปที่ 32) อย่างไรก็ตาม ข้อแตกต่างที่สำคัญระหว่างซิตาร์และพิสซาเทอเรียน (ดูด้านล่าง) กับเครื่องสายที่ดึงออกมาอื่นๆ ก็คือ สายจะถูกดึงไปไว้บนเฟรมเท่านั้น และไม่ยึดติดกับ "ภาชนะที่ทำให้เกิดเสียง" บางชนิด

กีตาร์ในยุคกลางก็มีต้นกำเนิดมาจากซิตาร์เช่นกัน รูปร่างของเครื่องดนตรีเหล่านี้ก็มีความหลากหลายเช่นกัน แต่มักจะมีลักษณะคล้ายพิณหรือกีตาร์ (จะเข้) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีดังกล่าวเริ่มปรากฏในศตวรรษที่ 13 และทั้งผู้หญิงและผู้ชายก็เล่นเครื่องดนตรีเหล่านี้ gitern มาพร้อมกับการร้องเพลงของนักแสดงและพวกเขาเล่นโดยใช้ปิ๊กสะท้อนเสียงหรือไม่ใช้ก็ได้ ในต้นฉบับ "The Romance of Troy" โดย Benoit de Saint-Maur (ศตวรรษที่ 13) นักดนตรีร้องเพลงขณะเล่นเพลง hytern โดยไม่มีคนกลาง (รูปที่ 34) . อีกกรณีหนึ่ง ในนวนิยายเรื่อง Tristan and Isolde (กลางศตวรรษที่ 13) มีของจิ๋วที่พรรณนาถึงนักร้องเพลงประกอบการเต้นรำของสหายของเขาโดยการเล่นฮิเทอร์นา (รูปที่ 33) สายบนกีตาร์ยืดออกตรงๆ (โดยไม่มี "เมีย") แต่มีรู (รูปดอกกุหลาบ) บนตัวกีตาร์ คนกลางเป็นแท่งกระดูกซึ่งถือด้วยนิ้วหัวแม่มือและนิ้วชี้ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนในรูปปั้นของนักดนตรีจากโบสถ์แอบบีใน O (รูปที่ 35)

Gitern ตัดสินจากภาพที่มีอยู่ อาจเป็นเครื่องดนตรีทั้งมวลก็ได้ มีฝาที่รู้จักกันดีจากโลงศพจากคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Cluny (ศตวรรษที่ 14) ซึ่งช่างแกะสลักแกะสลักฉากประเภทที่มีเสน่ห์บนงาช้าง: ชายหนุ่มสองคนกำลังเล่นอยู่ในสวนเพื่อฟังหู คนหนึ่งมีพิณอยู่ในมือ ส่วนอีกคนมีเครื่องสาย (รูปที่ 36)

บางครั้ง gittern เช่นเดียวกับซิตาร์ก่อนหน้านี้ถูกเรียกว่าท่องจำในฝรั่งเศสยุคกลาง โดยมีสาย 17 สาย Richard the Lionheart เล่นอยู่ในกรงขัง

ในศตวรรษที่สิบสี่ นอกจากนี้ยังมีการกล่าวถึงเครื่องดนตรีอีกชนิดหนึ่งที่คล้ายกับ gittern นั่นก็คือ ลูต เมื่อถึงศตวรรษที่ 15 ในที่สุดรูปร่างของมันก็เป็นรูปเป็นร่างแล้ว: ลำตัวนูนมากเกือบครึ่งวงกลมโดยมีรูกลมบนดาดฟ้า “ คอ” ไม่นาน “หัว” อยู่ในมุมฉาก (รูปที่ 36) แมนโดลินและแมนโดราซึ่งใช้ในศตวรรษที่ 15 เป็นเครื่องดนตรีกลุ่มเดียวกัน รูปแบบที่หลากหลายที่สุด

พิณ (ฮาร์ป) ยังสามารถโม้ถึงแหล่งกำเนิดโบราณ - มีรูปของมันถูกพบแล้วในอียิปต์โบราณ ในหมู่ชาวกรีก พิณเป็นเพียงรูปแบบหนึ่งของซีตาร์ ในหมู่ชาวเคลต์ เรียกว่าซัมบุก รูปร่างของพิณคงที่: เป็นเครื่องดนตรีที่มีสายที่มีความยาวต่างกันพาดผ่านกรอบในมุมที่เปิดไม่มากก็น้อย พิณโบราณมีสิบสามสาย ปรับแต่งในระดับไดโทนิก พวกเขาเล่นพิณไม่ว่าจะยืนหรือนั่งโดยใช้สองมือและเสริมกำลังเครื่องดนตรีเพื่อให้ขาตั้งในแนวตั้งอยู่ที่หน้าอกของนักแสดง ในศตวรรษที่ 12 มีพิณขนาดเล็กที่มีจำนวนสายต่างกันปรากฏขึ้น พิณประเภทที่มีลักษณะเฉพาะแสดงอยู่บนประติมากรรมจากส่วนหน้าของ House of Musicians ในเมืองแร็งส์ (รูปที่ 37) นักเล่นกลใช้เฉพาะพวกเขาในการแสดงของพวกเขาและสามารถสร้างนักเล่นพิณทั้งหมดได้ ชาวไอริชและชาวเบรอตงถือเป็นนักพิณที่เก่งที่สุด ในศตวรรษที่ 16 พิณเกือบจะหายไปในฝรั่งเศสและปรากฏที่นี่ในอีกหลายศตวรรษต่อมาในรูปแบบที่ทันสมัย

ควรกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับเครื่องดนตรียุคกลางที่ดึงออกมาสองชิ้น เหล่านี้คือบทสวดและกาลักน้ำ

เพลงสดุดีโบราณเป็นเครื่องสายรูปสามเหลี่ยมซึ่งชวนให้นึกถึงพิณของเราอย่างคลุมเครือ ในยุคกลาง รูปร่างของเครื่องดนตรีเปลี่ยนไป - การแสดงเพลงสละสี่เหลี่ยมในรูปแบบย่อส่วนด้วย ผู้เล่นถือมันไว้บนตักของเขาแล้วดึงสายยี่สิบเอ็ดสายด้วยนิ้วหรือปิ๊ก (ช่วงของเครื่องดนตรีคือสามอ็อกเทฟ) ผู้ประดิษฐ์บทเพลงสดุดีถือเป็นกษัตริย์เดวิดซึ่งตามตำนานกล่าวว่าใช้จงอยปากนกเป็นปิ๊ก ภาพย่อส่วนจากต้นฉบับของเจอราร์ดแห่งลันด์สเบิร์กในห้องสมุดสตราสบูร์ก แสดงให้เห็นกษัตริย์ในพระคัมภีร์ไบเบิลกำลังเล่นผลงานของเขา (รูปที่ 38)

ในวรรณคดีฝรั่งเศสยุคกลางมีการกล่าวถึงเพลงสดุดีตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 12 รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันมาก (รูปที่ 39 และ 40) พวกเขาไม่เพียงเล่นโดยนักดนตรีเท่านั้น แต่ยังเล่นโดยผู้หญิงด้วย - ผู้หญิงผู้สูงศักดิ์ และบริวารของพวกเขา เมื่อถึงศตวรรษที่ 14 บทเพลงสดุดีจะค่อยๆ ออกจากเวที โดยหลีกทางให้ฮาร์ปซิคอร์ด แต่ฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถให้เสียงที่มีสีซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเพลงสดุดีที่มีสายคู่ได้

ในระดับหนึ่งเครื่องดนตรีในยุคกลางอีกชิ้นหนึ่งซึ่งเกือบจะหายไปในศตวรรษที่ 15 ก็คล้ายคลึงกับการฉาบปูนเช่นกัน นี่คือกาลักน้ำ (ชิโฟนี) - พิณล้อรัสเซียเวอร์ชันตะวันตก อย่างไรก็ตามนอกเหนือจากล้อด้วยแปรงไม้ซึ่งเมื่อหมุนที่จับแล้วสัมผัสกับสายตรงสามเส้นแล้วกาลักน้ำยังติดตั้งปุ่มที่ควบคุมเสียงของมันด้วย กาลักน้ำมีเจ็ดปุ่มและตั้งอยู่ ตรงปลายตรงข้ามกับล้อหมุน โดยปกติแล้ว siphonia จะเล่นโดยคนสองคน และเสียงของเครื่องดนตรีนั้นมีความกลมกลืนและเงียบสงบตามแหล่งที่มา ภาพวาดจากประติมากรรมบนเมืองหลวงของเสาแห่งหนึ่งใน Bocheville (ศตวรรษที่ 12) แสดงให้เห็นถึงวิธีการเล่นที่คล้ายกัน (รูปที่ 41) Siphony เริ่มแพร่หลายมากที่สุดในศตวรรษที่ 11-12 ในศตวรรษที่ 15 กาลักน้ำขนาดเล็กที่เล่นโดยนักดนตรีคนหนึ่งได้รับความนิยม ในต้นฉบับเรื่อง “The Romance of Gerard de Nevers and the Beautiful Ariana” จากหอสมุดแห่งชาติปารีส มีภาพวาดย่อของตัวละครหลักที่แต่งตัวเป็นนักดนตรี โดยมีเครื่องดนตรีที่คล้ายกันอยู่ข้างๆ (รูปที่ 42)

วรรณกรรมดนตรีรัสเซีย

ความคิดสร้างสรรค์เพลงพื้นบ้านรัสเซีย

หรือละครเพลงรัสเซีย คติชน(จากอังกฤษ) พื้นบ้าน- ประชากร, โลโร- ความรู้). ต้นกำเนิดของมันย้อนกลับไปในสมัยโบราณในสมัยนอกรีต เพลงที่เก่าแก่ที่สุดเกี่ยวข้องกับพิธีกรรมทางศาสนา

ประเภทของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย:

พิธีกรรม -ก) ปฏิทิน (เพลง, Maslenitsa, กระ, การหว่าน, Kupala, การเก็บเกี่ยว...);

b) ครอบครัวและชีวิตประจำวัน (เพลงกล่อมเด็ก การคร่ำครวญ งานแต่งงาน...)

มหากาพย์– มหากาพย์, ประวัติศาสตร์

แรงงาน

ทหาร (ทหาร)

การเต้นรำการเต้นรำเกม

เอ้อระเหยหรือ โคลงสั้น ๆ

การ์ตูน,รวมทั้ง สกปรก

แนวเพลงหลักของเพลงพื้นบ้านรัสเซียที่พัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17 และยังคงดำรงอยู่ในหมู่ผู้คน

ดนตรีพื้นบ้านของรัสเซียแพร่กระจายไปด้วยความขอบคุณ หนังควาย– ศิลปินนักเดินทาง นักดนตรี พวกเขาใช้เครื่องดนตรีต่อไปนี้: ฮาร์ป ปี่ แทมบูรีน เขย่าแล้วมีเสียง และเขย่าแล้วมีเสียง เพื่อประกอบเพลงและเต้นรำ

ในสมัยอันห่างไกลนั้นเพลงพื้นบ้านไม่ได้ถูกบันทึก แต่ถูกส่งต่อจากปากสู่ปากและเปลี่ยนแปลงไปพร้อม ๆ กันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ไม่ได้จัดเก็บชื่อผู้เขียน โน้ตดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดของเพลงพื้นบ้านของรัสเซียอยู่ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

การเกิดขึ้นของศิลปะดนตรีมืออาชีพในมาตุภูมิ

อ้างถึง ศตวรรษที่ 10(ความรุ่งเรืองของเคียฟมาตุภูมิ) และเกี่ยวข้องกับการรับศาสนาใหม่ (988) - ศาสนาคริสต์เช่น ออร์โธดอกซ์ซึ่งมาจากไบแซนเทียม จนถึงศตวรรษที่ 17 ระหว่างยุคกลางของรัสเซีย ดนตรีอาชีพในรัสเซีย (และงานศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ) สังกัดคริสตจักรและสวม เคร่งศาสนาอักขระ. ต่างจากคริสเตียนตะวันตก มันเป็นและเป็นเท่านั้น ร้องประสานเสียง. บริการออร์โธดอกซ์หลักคือ พิธีสวด(คล้ายกับภาษาตะวันตก ฝูง)

ดนตรีอาชีพหลักของรัสเซียตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 10 จนถึงศตวรรษที่ 17 – สวดมนต์ znamenny (แบนเนอร์หรือ ตะขอ– ป้ายที่แสดงถึงทำนองคือ บันทึกดนตรีรัสเซียเก่า).

คุณสมบัติลักษณะของบทสวด Znamenny:

3) กรีกโบราณ

4) ความซ้ำซากจำเจ ความเข้มงวดของทำนอง (การเคลื่อนไหวที่ก้าวหน้าอย่างราบรื่นพร้อมการกระโดดถึงสามที่หายากแม้แต่จังหวะ)

ในศตวรรษที่ 16 ตัวอย่างแรกของคริสตจักร พฤกษ์– การเรียบเรียงเสียงสองและสามเสียงของบทสวด Znamenny

พวกเขาเปิดที่วัดและมหาวิหาร โรงเรียนร้องเพลงผู้ฝึกนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ คณะนักร้องประสานเสียงได้รับการจัดการโดยผู้ที่ได้รับการฝึกอบรมมาเป็นพิเศษ - คนในบ้าน.

ประวัติศาสตร์ได้เก็บรักษาชื่อของนักดนตรีบางคนในยุคนั้นไว้ เช่น ชื่อนี้ ฟีโอดอร์ชาวนาผู้แต่งและนักแสดงบทสวด Znamenny (ศตวรรษที่ 16)

การพัฒนาดนตรีรัสเซีย - ศตวรรษที่ 17

ปาร์ซูนาที่ 17 ศตวรรษที่ 17 ปาร์ซูนาที่ 17 ศตวรรษที่ 17 ปาร์ซูนาที่ 17

ไม่ทราบชื่อ Alexey Mikhailovich Peter I

ในรัสเซีย ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงเวลาแห่งความตึงเครียดทางสังคม: ช่วงเวลาแห่งปัญหา (การรุกรานของชาวโปแลนด์ที่ต้องการยึดบัลลังก์รัสเซีย) ความแตกแยกในโบสถ์ การก่อกบฏและสงครามของชาวนา (สเตฟาน ราซิน) การจลาจลที่รุนแรง แต่ในขณะเดียวกันก็ถึงเวลาสถาปนาพระราชอำนาจที่ยั่งยืน - การเลือกตั้งมิคาอิลโรมานอฟสู่ราชอาณาจักร

ศตวรรษที่ 17 ในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซียเป็นช่วงการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคใหม่ จากอิทธิพลของไบแซนไทน์ไปสู่อิทธิพลของยุโรปตะวันตก การร้องเพลงของ Znamenny อยู่ในภาวะวิกฤติ Polyphony ในการร้องเพลงในโบสถ์กลายเป็นทางการโดยได้รับการอนุมัติการบันทึกดนตรีใหม่ใน Rus '- สัญกรณ์ 5 บรรทัด(นำเข้าจากยุโรปตะวันตก) ในเรื่องนี้มีการพัฒนาการร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกอย่างรวดเร็ว - จำนวนเสียงในเพลงสวดของคริสตจักรแต่ละเพลงเริ่มถึง 12 เสียง การแสดงดนตรีที่ซับซ้อนเช่นนี้เกิดขึ้นได้เนื่องจาก โน้ตดนตรีซึ่งมาแทนที่แบนเนอร์ตะขอแบบดั้งเดิม คณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์เริ่มแบ่งออกเป็น ฝ่าย- เหล่านี้คือกลุ่มเสียงที่มีเสียงต่ำและระดับเสียงที่แน่นอนและเรียกว่าการร้องเพลง ส่วนหนึ่งบทบาทของเสียงสูงในคณะนักร้องประสานเสียงเริ่มเล่นโดยนักร้องเด็ก มีแนวเพลงใหม่ๆ เกิดขึ้น เช่น

· คอนเสิร์ตพาร์ท -ประเภทของดนตรีคริสตจักรที่แสดงถึงงานประสานเสียงโพลีโฟนิกที่มีภาษาดนตรีที่สดใสและซับซ้อน

การร้องเพลง Partes (การร้องเพลงบางส่วน) เป็นดนตรีคริสตจักรรูปแบบใหม่ที่มาจาก Rus' จากโปแลนด์ผ่านทางยูเครน การร้องเพลงแบบพาร์ทส์มีพื้นฐานมาจากคอร์ดสามหรือสี่เสียง ตามสไตล์ของ Partes แนวเพลงใหม่ได้ถูกสร้างขึ้น: คอนแชร์โต แคนต์ สดุดี

คอนเสิร์ต partes (จากภาษาละติน partis - party) ได้รับการตั้งชื่อเช่นนี้เพราะไม่เหมือนกับการร้องเพลงของรัสเซียพร้อมเพรียงตรงที่มันถูกร้องเป็นบางส่วน สไตล์ดนตรีของเขามีองค์ประกอบของพฤกษ์ จำนวนคะแนนเสียงอาจมีตั้งแต่ 3 ถึง 16 เสียง

ในศตวรรษที่ 17 ภาษาคริสตจักรได้กลายมาเป็นทางการ โบสถ์สลาโวนิกภาษา (หลังการปฏิรูปคริสตจักร)

ศตวรรษที่ 17 - จุดเริ่มต้นของความเจริญรุ่งเรือง ฆราวาส ดนตรี วรรณกรรม ภาพวาดใน Rus' ซึ่งเกี่ยวข้องกับการปลดปล่อยศิลปะอย่างค่อยเป็นค่อยไปจากอำนาจของคริสตจักร ในมอสโกที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชคนแรก โรงภาพยนตร์; กษัตริย์ทรงมีอัศจรรย์มาก วงออเคสตราแตรศาลมอสโกถูกพาตัวไป ความสนุกสนานของออร์แกน- มีการติดตั้งอวัยวะกลในห้อง Faceted Chamber ของเครมลิน มันเป็นแฟชั่น กำลังเล่นดนตรีด้วยฮาร์ปซิคอร์ด. เทรนด์ใหม่ๆ เหล่านี้จำนวนมากมาจากยุโรปตะวันตก

ในปี ค.ศ. 1687 สถาบันสลาฟ-กรีก-ละตินอันโด่งดังได้ก่อตั้งขึ้น

ประวัติศาสตร์ได้รักษาชื่อของนักดนตรีชาวรัสเซียที่ยอดเยี่ยมหลายคนในศตวรรษที่ 17 ไว้ นี่คือ N. Diletsky, N. Kalashnikov, V. Titov, N. Bavykin

ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17 และ 18

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พฤกษ์ซึ่งครอบงำดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มหลีกทางให้กับโฮโมโฟนี (จากภาษากรีก "homos" - "หนึ่ง", "เหมือนกัน" และ "โทรศัพท์" - "เสียง" “เสียง”) ซึ่งแตกต่างจากโพลีโฟนีที่เสียงทั้งหมดเท่ากันในโพลีโฟนีแบบโฮโมโฟนิกมีความโดดเด่นในการแสดงธีมหลักและส่วนที่เหลือมีบทบาทในการบรรเลง (ดนตรีประกอบ) ดนตรีประกอบมักเป็นระบบของคอร์ด (ฮาร์โมนี) จึงเป็นที่มาของวิธีการแต่งเพลงแนวใหม่ - โฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิก

แนวคิดเกี่ยวกับดนตรีในคริสตจักรเปลี่ยนไป ตอนนี้ผู้แต่งไม่ได้แสวงหาอะไรมากนักเพื่อให้แน่ใจว่าบุคคลนั้นละทิ้งความหลงใหลในโลกนี้ แต่เพื่อเปิดเผยความซับซ้อนของประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของเขา ปรากฏผลงานที่เขียนเกี่ยวกับเนื้อหาทางศาสนาหรือหัวข้อต่างๆ ทางศาสนา แต่ไม่ได้มีไว้สำหรับการแสดงภาคบังคับในโบสถ์ (งานดังกล่าวเรียกว่าจิตวิญญาณเนื่องจากคำว่า "จิตวิญญาณ" มีความหมายกว้างกว่า "นักบวช") ประเภทจิตวิญญาณหลักของศตวรรษที่ 17-18 - แคนทาทาและออราโตริโอ ความสำคัญของดนตรีฆราวาสเพิ่มขึ้น: มีการได้ยินที่ศาล ในร้านเสริมสวยของขุนนาง และในโรงละครสาธารณะ (โรงละครแห่งแรกเปิดในศตวรรษที่ 17) ศิลปะดนตรีรูปแบบใหม่เกิดขึ้น - โอเปร่า

ดนตรีบรรเลงยังโดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีคอนแชร์โต ไวโอลิน ฮาร์ปซิคอร์ด และออร์แกนค่อยๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เพลงที่เขียนให้พวกเขาเปิดโอกาสให้ได้แสดงความสามารถของไม่เพียงแต่ผู้แต่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงด้วย สิ่งที่มีค่าเหนือสิ่งอื่นใดคือความสามารถพิเศษ (ความสามารถในการรับมือกับปัญหาทางเทคนิค) ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นจุดจบในตัวเองและเป็นคุณค่าทางศิลปะสำหรับนักดนตรีหลายคน

นักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 17-18 ไม่เพียงแต่แต่งดนตรีเท่านั้น แต่ยังเล่นเครื่องดนตรีได้อย่างเชี่ยวชาญและมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนอีกด้วย ความเป็นอยู่ที่ดีของศิลปินส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับลูกค้าเฉพาะราย ตามกฎแล้วนักดนตรีที่จริงจังทุกคนพยายามที่จะได้ที่นั่งในราชสำนักของกษัตริย์หรือขุนนางผู้มั่งคั่ง (สมาชิกในชนชั้นสูงหลายคนมีวงออเคสตราหรือโรงโอเปร่าเป็นของตัวเอง) หรือในวัด ยิ่งกว่านั้น นักประพันธ์เพลงส่วนใหญ่ผสมผสานดนตรีของคริสตจักรเข้ากับการรับใช้ผู้อุปถัมภ์ทางโลกได้อย่างง่ายดาย

ออราทอริโอและคันตาตา

ในฐานะที่เป็นแนวดนตรีอิสระ oratorio (oratorio ของอิตาลีจาก oratorium ภาษาละตินตอนปลาย - "คำอธิษฐาน") เริ่มเป็นรูปเป็นร่างในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 นักดนตรีมองเห็นต้นกำเนิดของ oratorio ในละครพิธีกรรม (ดูบทความ "โรงละครแห่งยุโรปยุคกลาง") - การแสดงละครที่เล่าเกี่ยวกับเหตุการณ์ในพระคัมภีร์ไบเบิล

มีการเล่นการกระทำที่คล้ายกันในวัด - จึงเป็นที่มาของประเภท ในตอนแรก oratorios เขียนขึ้นจากข้อความในพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ และมีไว้สำหรับการแสดงในโบสถ์ ในศตวรรษที่ 17 นักประพันธ์เพลงเริ่มแต่งบทกลอนโดยอาศัยข้อความบทกวีสมัยใหม่ที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับจิตวิญญาณ โครงสร้างของ oratorio ใกล้เคียงกับโอเปร่า นี่เป็นผลงานชิ้นสำคัญสำหรับนักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา ซึ่งมีโครงเรื่องดราม่า อย่างไรก็ตาม ต่างจากโอเปร่าตรงที่ไม่มีการแสดงบนเวทีใน oratorio: มันพูดถึงเหตุการณ์ต่างๆ แต่ไม่ได้แสดงให้พวกเขาเห็น

ในอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 17 มีอีกประเภทหนึ่งเกิดขึ้น - cantata (Cantata ของอิตาลีจากภาษาละติน Canto- "ฉันร้องเพลง") เช่นเดียวกับออราโทริโอ แคนตาตามักจะแสดงโดยนักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา แต่เมื่อเปรียบเทียบกับออราโทริโอ แคนทาตาจะสั้นกว่า Cantatas เขียนด้วยตำราทางจิตวิญญาณและทางโลก

ดนตรีของอิตาลี

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 สไตล์ศิลปะบาร็อคได้รับการพัฒนาในอิตาลี (จากอืม barocco - "แปลก", "แปลกประหลาด") สไตล์นี้โดดเด่นด้วยการแสดงออก ละคร ความบันเทิง และความปรารถนาที่จะสังเคราะห์ (ผสมผสาน) ของงานศิลปะประเภทต่างๆ ลักษณะเหล่านี้แสดงออกมาอย่างเต็มที่ในโอเปร่าซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 งานชิ้นหนึ่งผสมผสานดนตรี บทกวี ละคร และภาพวาดละคร ในตอนแรก โอเปร่ามีชื่อแตกต่างออกไป: "ละครสำหรับดนตรี" (อิตาลี: Dramama per musica); คำว่า "โอเปร่า" (โอเปร่าอิตาลี - "องค์ประกอบ") ปรากฏเฉพาะในกลางศตวรรษที่ 17 เท่านั้น แนวคิดเรื่อง "ละครสำหรับดนตรี" ถือกำเนิดขึ้นที่เมืองฟลอเรนซ์ในแวดวงศิลปะของ Florentine Camerata การประชุมของวงกลมจัดขึ้นในห้อง (จากกล้องอิตาลี - "ห้อง") สภาพแวดล้อมภายในบ้าน ตั้งแต่ปี 1579 ถึง 1592 ผู้รักดนตรี กวี และนักวิทยาศาสตร์ผู้รู้แจ้งมารวมตัวกันในบ้านของเคานต์จิโอวานนี บาร์ดี นักดนตรีมืออาชีพมาเยี่ยมชมเช่นกัน - นักร้องและนักแต่งเพลง Jacopo Peri (1561 - 1633) และ Giulio Caccini (ประมาณปี 1550-1618) นักทฤษฎีและนักแต่งเพลง Vincenzo Galilei (ประมาณปี 1520-1591) บิดาของนักวิทยาศาสตร์ชื่อดัง Galileo Galilei

ผู้เข้าร่วม Florentine Camerata กังวลเกี่ยวกับการพัฒนาศิลปะดนตรี พวกเขามองเห็นอนาคตด้วยการผสมผสานระหว่างดนตรีและละคร: ข้อความของผลงานดังกล่าว (ไม่เหมือนกับข้อความประสานเสียงโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนของศตวรรษที่ 16) จะกลายเป็นผู้ฟังที่เข้าใจได้

สมาชิกของวงกลมค้นพบการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างคำและดนตรีในโรงละครโบราณ บทกวีถูกออกเสียงเป็นบทสวด ทุกคำ ทุกพยางค์ฟังดูชัดเจน นี่คือวิธีที่ Florentine Camerata เกิดแนวคิดในการร้องเพลงเดี่ยวพร้อมกับเครื่องดนตรี - โมโนดี (จากภาษากรีก "monos" - "หนึ่ง" และ "บทกวี" - "เพลง") การร้องเพลงรูปแบบใหม่เริ่มถูกเรียกว่าการบรรยาย (จากการท่องภาษาอิตาลี - "การท่อง"): ดนตรีตามข้อความและการร้องเพลงเป็นการบรรยายที่ซ้ำซากจำเจ น้ำเสียงทางดนตรีไม่น่าประทับใจ เน้นที่การออกเสียงคำที่ชัดเจน ไม่ใช่การถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร

โอเปร่าฟลอเรนซ์ยุคแรกแต่งขึ้นจากเรื่องจากตำนานโบราณ ผลงานชิ้นแรกของประเภทใหม่ที่มาถึงเราคือโอเปร่าสองเรื่องที่มีชื่อเดียวกันว่า "Eurydice" โดยผู้แต่ง Peri (1600) และ Caccini (1602) พวกมันถูกสร้างขึ้นตามตำนานของออร์ฟัส การร้องเพลงร่วมกับวงดนตรีบรรเลงซึ่งประกอบด้วยเซมบาโล (รุ่นก่อนของเปียโน) พิณ พิณ กีตาร์ ฯลฯ

วีรบุรุษของโอเปร่าเรื่องแรกถูกปกครองโดยโชคชะตาและผู้ส่งสารประกาศเจตจำนงของมัน การดำเนินการเปิดฉากด้วยอารัมภบทซึ่งคุณธรรมและพลังแห่งศิลปะได้รับการเชิดชู การแสดงเพิ่มเติม ได้แก่ วงดนตรีร้อง (หมายเลขโอเปร่าที่มีผู้เข้าร่วมหลายคนร้องเพลงพร้อมกัน) คณะนักร้องประสานเสียง และตอนเต้นรำ การเรียบเรียงดนตรีถูกสร้างขึ้นจากการสลับกัน

โอเปร่าเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วและเป็นดนตรีในราชสำนักเป็นหลัก ขุนนางอุปถัมภ์ศิลปะและการดูแลดังกล่าวไม่เพียง แต่อธิบายได้ด้วยความรักในความงามเท่านั้น แต่ยังถือว่าความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะถือเป็นคุณลักษณะบังคับของอำนาจและความมั่งคั่ง เมืองใหญ่ในอิตาลี - โรม, ฟลอเรนซ์, เวนิส, เนเปิลส์ - มีโรงเรียนโอเปร่าเป็นของตัวเอง

คุณสมบัติที่ดีที่สุดของโรงเรียนต่าง ๆ - ความเอาใจใส่ต่อคำกวี (ฟลอเรนซ์) การกระทำทางจิตวิญญาณที่จริงจัง (โรม) ความยิ่งใหญ่ (เวนิส) - รวมอยู่ในงานของเขาโดย Claudio Monteverdi (1567-1643) นักแต่งเพลงเกิดในเมือง Cremona ของอิตาลีในครอบครัวของแพทย์ Monteverdi พัฒนาเป็นนักดนตรีในวัยหนุ่มของเขา เขาเขียนและแสดงเพลงมาดริกาล เล่นออร์แกน ไวโอลิน และเครื่องดนตรีอื่นๆ มอนเตเวร์ดีศึกษาการแต่งเพลงจากนักประพันธ์เพลงชื่อดังในยุคนั้น ในปี 1590 ในฐานะนักร้องและนักดนตรี เขาได้รับเชิญให้ไปที่ Mantua ในราชสำนักของ Duke Vincenzo Gonzaga; ต่อมาพระองค์ทรงเป็นหัวหน้าโบสถ์ในศาล ในปี 1612 มอนเตเวร์ดีออกจากราชการในเมืองมันตัว และตั้งแต่ปี 1613 ก็ตั้งรกรากในเมืองเวนิส ต้องขอบคุณมอนเตเวร์ดีอย่างมาก โรงละครโอเปร่าสาธารณะแห่งแรกของโลกที่เปิดในเมืองเวนิสในปี 1637 ที่นั่นผู้แต่งเป็นหัวหน้าโบสถ์ของอาสนวิหารซานมาร์โก ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Claudio Monteverdi ได้รับคำสั่งอันศักดิ์สิทธิ์

หลังจากศึกษาผลงานของ Peri และ Caccini แล้ว Monteverdi ได้สร้างผลงานแนวนี้ของตัวเองขึ้นมา ในโอเปร่าเรื่องแรก - "Orpheus" (1607) และ "Ariadne" (1608) - ผู้แต่งสามารถถ่ายทอดความรู้สึกที่ลึกซึ้งและหลงใหลผ่านดนตรีและสร้างฉากแอ็คชั่นที่เข้มข้น มอนเตเวร์ดีเป็นผู้ประพันธ์โอเปร่าหลายเรื่อง แต่มีเพียงสามเรื่องเท่านั้นที่รอดชีวิต - Orpheus, The Return of Ulysses to his Homeland (1640; อิงจากบทกวีมหากาพย์กรีกโบราณ Odyssey) และ The Coronation of Poppea (1642)

ผลงานของ Monteverdi ผสมผสานดนตรีและข้อความเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืน โอเปร่ามีพื้นฐานมาจากบทพูดคนเดียวซึ่งทุกคำพูดฟังดูชัดเจน และดนตรีก็สื่อถึงอารมณ์ได้อย่างยืดหยุ่นและละเอียดอ่อน บทพูด บทสนทนา และตอนร้องเพลงประสานเสียงไหลเข้าหากันอย่างราบรื่น แอ็คชั่นพัฒนาไปอย่างช้าๆ (มีสามหรือสี่การแสดงในโอเปร่าของมอนเตเวร์ดี) แต่เป็นแบบไดนามิก นักแต่งเพลงได้รับมอบหมายบทบาทสำคัญให้กับวงออเคสตรา ตัวอย่างเช่น ในออร์ฟัส เขาใช้เครื่องดนตรีเกือบทุกชนิดที่รู้จักในสมัยนั้น ดนตรีออเคสตราไม่เพียงแต่มาพร้อมกับการร้องเพลงเท่านั้น แต่ยังบอกเล่าเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวทีและประสบการณ์ของตัวละครอีกด้วย ใน "Orpheus" การทาบทาม (ouverture ของฝรั่งเศสหรือภาษาละติน apertura - "opening", "beginning") - บทนำเกี่ยวกับผลงานดนตรีที่สำคัญ - ปรากฏเป็นครั้งแรก โอเปร่าของ Claudio Monteverdi มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแต่งเพลงชาวเวนิสและวางรากฐานของโรงเรียนโอเปร่าเวนิส

มอนเตเวร์ดีไม่เพียงเขียนโอเปร่าเท่านั้น แต่ยังเขียนดนตรีศักดิ์สิทธิ์ มาดริกัลทางศาสนาและฆราวาสด้วย เขากลายเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่ไม่เปรียบเทียบวิธีการโพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิก - ตอนร้องเพลงประสานเสียงของโอเปร่าของเขามีเทคนิคโพลีโฟนิก ในงานของมอนเตเวร์ดี สิ่งใหม่ถูกรวมเข้ากับสิ่งเก่า - ประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 โรงเรียนโอเปร่าก่อตั้งขึ้นในเนเปิลส์ ลักษณะเฉพาะของโรงเรียนนี้คือความสนใจในการร้องเพลงและบทบาทที่โดดเด่นของดนตรีเพิ่มขึ้น ในเนเปิลส์มีการสร้างสไตล์การร้องของ bel canto (ภาษาอิตาลี bel canto - "การร้องเพลงที่ไพเราะ") Bel Canto มีชื่อเสียงในด้านความงดงามของเสียง ทำนอง และความสมบูรณ์แบบด้านเทคนิคที่ไม่ธรรมดา ในระดับเสียงสูง (ช่วงเสียง) การร้องเพลงมีความโดดเด่นด้วยความเบาและความโปร่งใสของเสียงต่ำ ในระดับเสียงต่ำนั้นมีความนุ่มนวลและหนา นักแสดงจะต้องสามารถสร้างเสียงต่ำได้หลายเฉดรวมถึงถ่ายทอดลำดับเสียงที่รวดเร็วจำนวนมากที่ซ้อนทับบนทำนองหลัก - coloratura (coloratura ของอิตาลี - "การตกแต่ง") อย่างเชี่ยวชาญ ข้อกำหนดพิเศษคือความสม่ำเสมอของเสียง - ไม่ควรได้ยินการหายใจในท่วงทำนองช้าๆ

ในศตวรรษที่ 18 โอเปร่ากลายเป็นรูปแบบหลักของศิลปะดนตรีในอิตาลีซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกจากนักร้องระดับมืออาชีพระดับสูงที่เรียนที่โรงเรียนสอนดนตรี (โรงสอนดนตรีของอิตาลี, อนุรักษ์ละตินผิดพลาด - "ฉันปกป้อง") - สถาบันการศึกษาที่ฝึกฝนนักดนตรี เมื่อถึงเวลานั้น เรือนกระจกสี่แห่งได้ถูกสร้างขึ้นในศูนย์กลางของศิลปะโอเปร่าของอิตาลี - เวนิสและเนเปิลส์ ความนิยมของประเภทนี้ยังได้รับการปรับปรุงด้วยโรงละครโอเปร่าที่เปิดในเมืองต่างๆ ของประเทศ ซึ่งเข้าถึงได้ทุกส่วนของสังคม โอเปร่าของอิตาลีจัดแสดงในโรงละครในเมืองหลวงสำคัญของยุโรป และผู้ประพันธ์เพลงจากออสเตรีย เยอรมนี และประเทศอื่นๆ ได้เขียนโอเปร่าตามตำราภาษาอิตาลี

ความสำเร็จของดนตรีอิตาลีในศตวรรษที่ 17-18 มีความสำคัญมาก และในด้านประเภทเครื่องดนตรี นักแต่งเพลงและนักออร์แกน Girolamo Frescobaldi (1583-1643) มีส่วนช่วยในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของออร์แกนมากมาย "ในดนตรีคริสตจักร เขาได้วางรากฐานสำหรับสไตล์ใหม่ การประพันธ์ของเขาสำหรับออร์แกนเป็นการเรียบเรียงที่มีรายละเอียดที่เป็นธรรมชาติในจินตนาการ (ฟรี) Frescobaldi มีชื่อเสียงจากการเล่นที่เก่งกาจของเขาและศิลปะแห่งการแสดงด้นสดบนออร์แกนและคลาเวียร์ ศิลปะ ของไวโอลินเจริญรุ่งเรือง เมื่อถึงเวลานั้น ประเพณีการผลิตไวโอลินได้พัฒนาในอิตาลี ช่างฝีมือทางพันธุกรรมของตระกูล Amati, Guarneri และ Stradivari จากเมือง Cremona ได้พัฒนาการออกแบบไวโอลินซึ่งเป็นวิธีการผลิตที่ฝังลึก ความลับและสืบทอดจากรุ่นสู่รุ่น เครื่องดนตรีของปรมาจารย์เหล่านี้ มีเสียงที่ไพเราะ อบอุ่น คล้ายเสียงมนุษย์ ไวโอลินเริ่มแพร่หลายทั้งในรูปแบบวงดนตรีและเครื่องดนตรีเดี่ยว

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนไวโอลินแห่งโรมันคือ Arcangelo Corelli (1653-1713) หนึ่งในผู้สร้างประเภทคอนแชร์โตกรอสโซ (อืม concerto Grosso - "คอนเสิร์ตใหญ่") คอนเสิร์ตมักเกี่ยวข้องกับเครื่องดนตรีเดี่ยว (หรือกลุ่มเครื่องดนตรี) และวงออเคสตรา “แกรนด์คอนเสิร์ต” มีพื้นฐานมาจากการสลับตอนเดี่ยวและเสียงของวงออเคสตราทั้งหมด ซึ่งในศตวรรษที่ 17 ใช้เป็นห้องแชมเบอร์และวงออเคสตราเครื่องสายเป็นส่วนใหญ่ Corelli โซโลส่วนใหญ่เป็นไวโอลินและเชลโล คอนเสิร์ตของเขาประกอบด้วยส่วนที่มีลักษณะแตกต่างกัน หมายเลขของพวกเขาเป็นไปตามอำเภอใจ

หนึ่งในปรมาจารย์ด้านดนตรีไวโอลินที่โดดเด่นคือ Antonio Vivaldi (1678-1741) เขามีชื่อเสียงในฐานะนักไวโอลินที่เก่งกาจ

ผู้ร่วมสมัยของเขาหลงใหลในสไตล์การแสดงอันน่าทึ่งของเขา ซึ่งเต็มไปด้วยความแตกต่างที่คาดไม่ถึง นักแต่งเพลงทำงานในประเภท "แกรนด์คอนแชร์โต" เพื่อสืบสานประเพณีของ Corelli จำนวนผลงานที่เขาเขียนมีมากมายมหาศาล - คอนเสิร์ตสี่ร้อยหกสิบห้า, โอเปร่า, แคนทาตาและออราทอรีสี่สิบเรื่อง

เมื่อสร้างคอนเสิร์ต วิวาลดีพยายามอย่างหนักเพื่อให้ได้เสียงที่สดใสและแปลกตา เขาผสมเสียงร้องของเครื่องดนตรีต่าง ๆ ซึ่งมักรวมความไม่ลงรอยกัน (ความสอดคล้องที่คมชัด) ไว้ในดนตรีด้วย เลือกเครื่องดนตรีหายากในสมัยนั้นมาเป็นศิลปินเดี่ยว - บาสซูน, แมนโดลิน (ถือเป็นเครื่องดนตรีข้างถนน) คอนแชร์โตของวิวาลดีประกอบด้วยการเคลื่อนไหว 3 ท่า โดยการแสดงครั้งแรกและครั้งสุดท้ายด้วยจังหวะเร็ว และการเคลื่อนไหวตรงกลางด้วยจังหวะช้าๆ คอนเสิร์ตวิวาลดีหลายแห่งมีรายการ - ชื่อเรื่องหรือแม้แต่การอุทิศวรรณกรรม วงจร "The Seasons" (1725) เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกสุดของโปรแกรมดนตรีออเคสตรา คอนเสิร์ตทั้งสี่ของรอบนี้ - "ฤดูใบไม้ผลิ", "ฤดูร้อน", "ฤดูใบไม้ร่วง", "ฤดูหนาว" - วาดภาพธรรมชาติที่มีสีสัน วิวัลดีสามารถถ่ายทอดเสียงร้องเพลงของนก ("ฤดูใบไม้ผลิ" การเคลื่อนไหวครั้งแรก) พายุฝนฟ้าคะนอง ("ฤดูร้อน" การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม) และฝน ("ฤดูหนาว" การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง) ความมีคุณธรรมและความซับซ้อนทางเทคนิคไม่ได้กวนใจผู้ฟัง แต่มีส่วนช่วยสร้างภาพที่น่าจดจำ งานคอนเสิร์ตของวิวาลดีกลายเป็นศูนย์รวมที่ชัดเจนของสไตล์บาโรกในดนตรีบรรเลง

โอเปร่าและโอเปร่าบัฟฟา

ในศตวรรษที่ 18 ประเภทของโอเปร่าเช่นโอเปร่าเซเรีย (ละครโอเปร่าอิตาลี - "โอเปร่าจริงจัง") และโอเปร่าบัฟฟา (ละครโอเปร่าอิตาลี - "โอเปร่าการ์ตูน") ถูกสร้างขึ้น Operaseria ก่อตั้งขึ้นโดยผลงานของ Alessandro Scarlatti (1660-1725) ผู้ก่อตั้งและตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนโอเปร่า Neapolitan ในช่วงชีวิตของเขาเขาแต่งผลงานดังกล่าวมากกว่าร้อยชิ้น สำหรับโอเปร่า พวกเขามักจะเลือกโครงเรื่องที่เป็นตำนานหรือประวัติศาสตร์ เปิดเพลงด้วยการทาบทามและประกอบด้วยตัวเลขที่ครบถ้วน - อาเรีย บทบรรยาย และบทขับร้อง บทบาทหลักเล่นโดยอาเรียตัวใหญ่ โดยปกติจะประกอบด้วยสามส่วน โดยส่วนที่สามเป็นการทำซ้ำของส่วนแรก ในอาเรียสเหล่าฮีโร่แสดงทัศนคติต่อเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น

อาเรียหลายประเภทเกิดขึ้น: กล้าหาญ, น่าสมเพช (หลงใหล), คร่ำครวญ, ฯลฯ สำหรับแต่ละประเภทมีการใช้วิธีแสดงออกบางอย่าง: ในอาเรียสที่กล้าหาญ - น้ำเสียงที่เด็ดขาด, น่าดึงดูด, จังหวะร่าเริง; ในคำคร่ำครวญ - วลีดนตรีสั้น ๆ ที่ไม่ต่อเนื่องซึ่งแสดงความตื่นเต้นของฮีโร่ ฯลฯ การบรรยายที่เป็นชิ้นเล็ก ๆ ทำหน้าที่ในการพัฒนาการเล่าเรื่องที่น่าทึ่งราวกับก้าวไปข้างหน้า เหล่าฮีโร่หารือถึงแผนการดำเนินการต่อไปและเล่าให้ฟังถึงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น การท่องจำแบ่งออกเป็นสองประเภท: secco (จากภาษาอิตาลี secco - "แห้ง") - การตบเบา ๆ อย่างรวดเร็วภายใต้คอร์ดเบาบางของฮาร์ปซิคอร์ดและดนตรีประกอบ (อิตาเลียน assotraniato - "พร้อมดนตรีประกอบ") - การบรรยายที่แสดงออกถึงเสียงของ วงออเคสตรา มักใช้ Secco เพื่อพัฒนาฉากแอ็กชั่น ในขณะที่มีการใช้ดนตรีประกอบเพื่อถ่ายทอดความคิดและความรู้สึกของฮีโร่ คณะนักร้องประสานเสียงและคณะนักร้องประสานเสียงแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น แต่ไม่ได้มีส่วนร่วมในเหตุการณ์

จำนวนบทละครขึ้นอยู่กับประเภทของโครงเรื่องและมีการกำหนดไว้อย่างเคร่งครัด เช่นเดียวกับความสัมพันธ์ระหว่างตัวละคร ประเภทของนักร้องเดี่ยวและตำแหน่งในการแสดงบนเวทีได้ถูกกำหนดไว้แล้ว ตัวละครแต่ละตัวมีเสียงต่ำของตัวเอง: วีรบุรุษโคลงสั้น ๆ - โซปราโนและเทเนอร์, พ่อผู้สูงศักดิ์หรือผู้ร้าย - บาริโทนหรือเบส, นางเอกที่อันตรายถึงชีวิต - คอนทราลโต

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ข้อบกพร่องของละครโอเปร่าก็ชัดเจน การแสดงมักถูกกำหนดเวลาให้ตรงกับการเฉลิมฉลองในศาล ดังนั้นงานจึงต้องจบลงอย่างมีความสุข ซึ่งบางครั้งก็ดูไม่น่าเชื่อและไม่เป็นธรรมชาติ บ่อยครั้งข้อความเขียนด้วยภาษาสังเคราะห์และซับซ้อน บางครั้งผู้แต่งก็ละเลยเนื้อหาและแต่งเพลงที่ไม่สอดคล้องกับลักษณะของเซียนาหรือสถานการณ์ ถ้อยคำที่ซ้ำซากจำเจและเอฟเฟกต์ภายนอกที่ไม่จำเป็นปรากฏขึ้นมากมาย นักร้องแสดงให้เห็นถึงความสามารถพิเศษของตนเองโดยไม่ต้องคิดถึงบทบาทของอาเรียในงานโดยรวม โอเปร่าเริ่มถูกเรียกว่า "คอนเสิร์ตในชุดแต่งกาย" สาธารณชนไม่ได้แสดงความสนใจอย่างจริงจังในโอเปร่า แต่ไปแสดงเพลง "มงกุฎ" ของนักร้องชื่อดัง ในระหว่างการแสดง ผู้ชมเข้าและออกจากห้องโถง

Operabuffa ก่อตั้งขึ้นโดยปรมาจารย์ชาวเนเปิลส์ด้วย ตัวอย่างคลาสสิกแรกของโอเปร่าดังกล่าวคือ "The Lady's Servant" (1733) โดยนักแต่งเพลง Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) หากในโอเปร่าอาเรียอยู่เบื้องหน้าแสดงว่าในโอเปร่าบัฟฟาจะมีบทสนทนาที่พูดสลับกับวงดนตรีที่ร้อง Operebuffa มีตัวละครหลักที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ตามกฎแล้วคนเหล่านี้เป็นคนธรรมดา - คนรับใช้ชาวนา โครงเรื่องมีพื้นฐานมาจากการวางแผนความบันเทิงด้วยการปลอมตัว คนรับใช้ที่หลอกเจ้าของเศรษฐีที่โง่เขลา ฯลฯ ดนตรีต้องการความเบาบางที่สง่างาม และการกระทำต้องการความรวดเร็ว

นักเขียนบทละครชาวอิตาลีและผู้สร้างภาพยนตร์ตลกระดับชาติ Carlo Goldoni มีอิทธิพลอย่างมากต่อโอเปร่าบัฟฟา ผลงานที่มีไหวพริบมีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวาที่สุดในประเภทนี้ถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงชาวเนเปิลส์: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Cecchina หรือ the Good Daughter" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "The Barber of Seville" (1782), "The Miller's Wife" (1788); นักร้อง นักไวโอลิน นักฮาร์ปซิคอร์ด และนักแต่งเพลง Domenico Cimarosa (1749-1801) - "The Secret Marriage" (1792)

เครื่องสายแบบโค้งคำนับ

เครื่องสายสมัยใหม่รุ่นก่อนๆ เช่น ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส ถือเป็นการละเมิด ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 และในไม่ช้า ต้องขอบคุณเสียงที่นุ่มนวลและนุ่มนวล พวกเขาจึงเริ่มมีบทบาทนำในวงออเคสตรา

การละเมิดค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเครื่องสายแบบใหม่ที่ทันสมัยยิ่งขึ้น ในศตวรรษที่ 16-17 โรงเรียนปรมาจารย์ทั้งโรงเรียนได้สร้างสรรค์ผลงานขึ้น ที่มีชื่อเสียงที่สุดของพวกเขาคือราชวงศ์ของช่างทำไวโอลินที่เกิดขึ้นทางตอนเหนือของอิตาลี - ในเมืองเครโมนาและเบรสเซีย

Andrea Amati ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Cremona (ประมาณปี 1520 - ประมาณปี 1580) Nicolo Amati (1596-1684) หลานชายของเขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษในด้านงานศิลปะของเขา เขาทำให้โครงสร้างของไวโอลินเกือบจะสมบูรณ์แบบ เพิ่มเสียงของเครื่องดนตรี ในเวลาเดียวกันก็ยังคงรักษาความนุ่มนวลและความอบอุ่นของเสียงต่ำไว้ ครอบครัว Guarneri ทำงานใน Cremona ในศตวรรษที่ 17-18 ผู้ก่อตั้งราชวงศ์คือ Andrea Guarneri (1626-1698) ลูกศิษย์ของ Nicolo Amati Azuseppe Guarneri ปรมาจารย์ผู้มีความโดดเด่น (1698-1744) ได้พัฒนาไวโอลินรุ่นใหม่ที่แตกต่างจากเครื่องดนตรี Amati

ประเพณีของโรงเรียน Amati สืบทอดต่อโดย Antonio Stradivari (1644-1737) เขาศึกษากับ Nicolo Amati และในปี 1667 เขาได้เปิดธุรกิจของตัวเอง Stradivari เป็นมากกว่าปรมาจารย์คนอื่นๆ ที่สามารถดึงเสียงไวโอลินให้ใกล้เคียงกับเสียงของมนุษย์ได้

ครอบครัว Magini ทำงานใน Bresha; ไวโอลินที่ดีที่สุดถูกสร้างขึ้นโดย Giovanni Magini (1580-1630 หรือ 1632)

เครื่องสายที่มีทะเบียนสูงที่สุดคือไวโอลิน ตามลำดับการลดช่วงเสียงด้วยวิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส รูปร่างของตัวไวโอลิน (หรือกล่องเรโซแนนซ์) มีลักษณะคล้ายกับโครงร่างของร่างกายมนุษย์ ตัวไม้มีทั้งชั้นบนและชั้นล่าง (German Decke - "ฝา") ตัวแรกทำจากไม้สปรูซ และตัวที่สองทำจากไม้เมเปิล เด็คทำหน้าที่สะท้อนและขยายเสียง ด้านบนมีรูเรโซเนเตอร์ (ในรูปของตัวอักษรละติน f; ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พวกมันถูกเรียกว่า "f-hole") คอติดอยู่กับลำตัว มักทำจากไม้มะเกลือ นี่คือแผ่นแคบยาวซึ่งมีเชือกสี่เส้นขึงไว้ หมุดใช้สำหรับการตึงและปรับสาย พวกมันยังอยู่บนฟิงเกอร์บอร์ดด้วย

วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบสมีโครงสร้างคล้ายกับไวโอลิน แต่มีขนาดใหญ่กว่า วิโอลามีขนาดไม่ใหญ่มากนัก จับไว้ที่ไหล่ เชลโลมีขนาดใหญ่กว่าวิโอลา และเมื่อเล่น นักดนตรีจะนั่งบนเก้าอี้และวางเครื่องดนตรีลงบนพื้นระหว่างขาของเขา ดับเบิ้ลเบสมีขนาดใหญ่กว่าเชลโล ดังนั้นนักแสดงจึงต้องยืนหรือนั่งบนเก้าอี้สูงแล้ววางเครื่องดนตรีไว้ข้างหน้าเขา ขณะเล่นนักดนตรีจะเคลื่อนคันธนูไปตามสายซึ่งเป็นไม้เท้าที่มีขนม้าเหยียด สายสั่นและมีเสียงไพเราะ คุณภาพของเสียงขึ้นอยู่กับความเร็วในการเคลื่อนที่ของคันธนูและแรงที่คันธนูกดบนสาย นักแสดงใช้นิ้วมือซ้ายทำให้สายสั้นลงโดยกดในตำแหน่งต่าง ๆ กับฟิงเกอร์บอร์ด - ด้วยวิธีนี้เขาจึงได้ระดับเสียงที่แตกต่างกัน สำหรับเครื่องดนตรีประเภทนี้ เสียงยังสามารถเกิดขึ้นได้โดยการถอนหรือตีสายด้วยส่วนที่เป็นไม้ของคันชัก เสียงของสายโค้งคำนับนั้นสื่อความหมายได้ดีมากนักแสดงสามารถเพิ่มความแตกต่างเล็กน้อยให้กับดนตรีได้

อวัยวะ

ฮาร์ปซิคอร์ด

เวอร์จิน

พิณ

คลาวิไซทีเรียม

Claviciterium เป็นฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลำตัวตั้งในแนวตั้ง