- Ładowanie... Jakie stanowisko zajęły różne siły polityczne w Rosji w związku z I wojną światową? Z wypowiedzi liberałów na temat stosunku do wojny Kadetów: Nieważne...
- Ładowanie... Stopień doktora biologii. Prosimy o pomoc. 1) Oddychanie jest procesem istotnym, ponieważ to dzięki niemu substancje organiczne ulegają utlenieniu, w wyniku czego...
- Ładowanie... Czym są przypisy w abstrakcie i jak je zrobić??? przypisy to literatura, z której korzystałeś podczas pisania eseju. są one zapisane na dole kartki i po...
- Trwa ładowanie... Dobrzy ludzie!!!Kto czytał wiersz Kto dobrze żyje na Rusi!!!Proszę opisać rozdział jarmarku!!! Szukajcie tego u Niekrasowa, ma to w swoim wierszu „Do kogo...
- Ładowanie... Proszę napisać esej na podstawie opowiadania „Lekcje francuskiego” Opowiadanie „Lekcje francuskiego” oparte jest na wydarzeniach z życia samego autora. Zadedykował go matce innego rosyjskiego pisarza...
- Ładowanie... Jakie były stosunki między Bizancjum a Rosją? Zawarli różne umowy handlowe, spójrz tutaj: Traktaty między Rusią a Bizancjum to pierwsze znane traktaty międzynarodowe starożytnej Rusi, zawarte w...
- Ładowanie... Powiedz mi, jak czytać słowo „budowa”? Słowo jest wprowadzane do tłumacza http://translate.google.com/. W prawym dolnym rogu tego okna znajduje się ikona głośności mikrofonu. Kliknij i posłuchaj...
Produkowano także przenośne urządzenia przenośne. Taki instrument zawieszano na szyi. Wykonawca jedną ręką pompował powietrze, drugą grał proste melodie.
Wraz z wynalezieniem piszczałek trzcinowych zaczęto budować małe organy stołowe, wyposażone wyłącznie w rejestry trzcinowe. Byli nazywani regalia. Ze względu na ostre brzmienie, królewski był chętnie używany podczas procesji do wspierania chóru.
Różni przedstawiciele rozgałęzionej rodziny organów, która stała się powszechna w praktyce muzycznej epoki, zapewnili materialną podstawę, na której możliwy stał się rozwój twórczości i wykonawstwa organów specjalnych. Jednak przez długi czas muzyka organowa nie odbiegała stylistycznie od tej tworzonej dla współczesnych mu klawiszowców (klawesyn, klawikord, clavicembalo, virginel) i łączyła się z nią pod wspólną nazwą – muzyka na clavier. Niezależne style organowe i klawesynowe krystalizowały się stopniowo przez długi okres czasu. Również w zbiorze J. S. Bacha, opublikowanym pod ogólnym tytułem „Ćwiczenia Klavier” („Klavierubung”), znajdują się utwory na organy i klawesyn. Jednocześnie wraz z rozwojem dużych form polifonii chóralnej w muzyce kościelnej i przenikaniem technik polifonicznych do świeckiej pieśni polifonicznej, już w XV wieku sfera organowa była coraz wyraźniej odczuwalna. Pojawiają się tabulatury organowe zawierające utwory różnych kompozytorów. Budowane są nowe organy. W 1490 roku w katedrze św. Znaczek w Wenecji. Budynki kościelne ze swoją dźwięczną akustyką były najlepszym miejscem do budowy dużych organów, a słuchająca publiczność składająca się z parafian z najróżniejszych grup społecznych i stanowisk wymuszała żywą wyobraźnię i określoność form muzycznych przy tworzeniu dzieł organowych.
Paryski wydawca Pierre Attennan publikuje pierwsze zbiory muzyczne. Cztery z nich zawierają pieśni i tańce, trzy prezentują repertuar liturgiczny na organy i spinet – jest to układ chóralnych części mszy, preludiów itp.
W okresie renesansu rozpoczęło się powstawanie narodowych szkół organowych, powstających na bazie działalności wybitnych organistów swoich czasów. Najstarszym z nich jest poeta i kompozytor florencki, przedstawiciel włoskiej ars nova Francesco Landino (1325-1397). „Boski Francesco”, „Cieco degli Organi” („ślepy organista”) – tak nazywali go współcześni. Syn artysty, który w dzieciństwie stracił wzrok, Francesco został poetą, ukoronowany wieńcem laurowym z rąk Petrarki w 1364 roku i natchnionym improwizatorem na organach. W kościele San Lorenzo wykonywał muzykę sakralną na dużych organach. Na dworze książęcym Francesco Landino odtwarzał muzykę na urządzeniu przenośnym, grając utwory świeckie i towarzysząc śpiewakom. Po Landino najsłynniejszym we Włoszech był Antonio Squacialuppi (zm. ok. 1471), słynny włoski organista XV wieku. Z jego kompozycji nie zachowało się nic poza zbiorem dzieł innych kompozytorów, które opublikował.
Niemcy wyprodukowały najlepsze postacie kultury organowej renesansu. Są to kompozytorzy Konrad Paumann (1410-1475), Heinrich Isaac (1450-1517), Paul Hofheimer (1459-1537), Arnold Schlick (ok. 1455-1525).
Wśród nich szczególnie wyróżnia się postać słynnego norymberskiego organisty Konrada Paumanna. Wielki talent muzyczny i wyjątkowa pamięć pozwoliły niewidomemu od urodzenia Paumanowi opanować grę na organach, lutni, skrzypcach, flecie i innych instrumentach. Częste wyjazdy poza Norymbergę przynoszą Paumanowi szeroką sławę: w wieku 37 lat staje się wybitną osobistością w swoim rodzinnym mieście. W uznaniu zasług muzycznych otrzymał tytuł szlachecki. Fakt ten jest szczególnie znaczący, ponieważ Pauman pochodził z klas niższych. Raoul Hoffheimer, organista arcyksięcia Zygmunta w Innsbrucku, otrzymał później tytuł szlachecki.
O wielkim szacunku, jakim cieszyli się organiści tamtej epoki, świadczy dobrze znany fakt historyczny: niektórzy z nich zostali wybrani na burmistrzów, a objęcie przez nich stanowiska organisty miejskiego towarzyszyło wspaniałej ceremonii. Już na starość Paumann został zaproszony do Monachium jako nadworny organista księcia Albrechta III. W monachijskim kościele Frauenkirche, gdzie Paumann grał na słynnych organach, zachowała się płyta nagrobna przedstawiająca wielkiego organistę z przenośnymi organami w rękach.
Działalność twórcza Paumana zyskała także znaczenie historyczne. Jego najważniejsze dzieło „Fundamentum organisandi” („Fundamentum organisandi”, 1452-1455) było pierwszym przewodnikiem po grze organowej i technice transkrypcji instrumentów. Zawiera dużą liczbę aranżacji pieśni świeckich i duchowych. Po raz pierwszy podano przykłady instrumentalnej interpretacji melodii wokalnych z wykorzystaniem tzw. kolorystyki (melodycznej kolorystyki utworu głównego). Propozycje Paumanna kontynuował i uzupełniał organista z Heidelbergu Arnold Schlick w swoim dziele „Mirror of Organ Builders and Organists”. Prace Paumanna i Schlicka świadczą o rodzącym się pragnieniu „teoretycznego zrozumienia procesów zachodzących w dziedzinie hodowli narządów.
W połowie XVI w. dużą sławę zyskała wenecka szkoła kompozytorska, której założycielem był Flamandzki Adrian Willart (zm. 1562). Muzykę organową tej szkoły najwybitniej reprezentują dzieła Andrei Gabrieli (1510-1586), a zwłaszcza jego ucznia i siostrzeńca Giovanniego Gabrieli (1557-1612). Pisawszy muzykę wokalną i instrumentalną obejmującą różnorodne gatunki, obaj Gabrielowie w dziedzinie muzyki organowej preferowali polifoniczne formy canzona i ricercara. U G. Gabrieliego znajdujemy najprawdopodobniej pierwszy przykład piątej fugi z przerywnikami, którą on nadal, zgodnie z tradycją, nazywa ryżercarem.
Wybitny organista i klawesynista z Brescii Claudio Merulo (1533-1604) znany jest ze swoich organowych toccatas, ricercara i canzones, które świadczą o wpływie tradycji muzyki chóralnej na styl organowy. W 1557 roku młody muzyk został zaproszony do Wenecji jako drugi organista katedry św. Marka i wkroczyliśmy do galaktyki kompozytorów szkoły weneckiej.
Rozkwit muzyki kościelnej w Anglii pod rządami króla Henryka VIII pociągnął za sobą utworzenie angielskiej szkoły organowej. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XVI wieku rozgłos zyskał organista i kompozytor John Moerbeck (zm. 1585). Historia zachowała nazwiska organistów i kompozytorów - jemu współczesnych. Są to Christophe Tee (zm. 1572), Robert White (zm. 1574), Thomas Tallis (zm. 1585).
Klasykiem francuskiej muzyki organowej jest Jean Titlouz (1563-1633). Był znanym organistą-wykonawcą i autorem zbiorów sztuk organowych. We wstępie do swoich utworów J. Titlouz pisze, że jego celem było rozprowadzenie organów z dwoma manuałami i pedałem do oddzielnego, wyraźnego wykonywania polifonii, zwłaszcza przy głosach skrzyżowanych.
Tradycje gry na organach w Hiszpanii sięgają stuleci. Istnieją dowody na to, że około 1254 roku uniwersytet w Salamance potrzebował budowniczego organów. Znane są nazwiska organistów z XIV-XV wieku. Są wśród nich nie tylko Hiszpanie, ale także przedstawiciele organistów innych narodowości. Nawet na tle powszechnego rozkwitu kultury muzycznej Hiszpanii w XVI wieku wyróżniają się osiągnięcia w dziedzinie muzyki organowej. Wybitny teoretyk Juan Bermudo (1510 - zm. po 1555) pisze obszerny traktat - „Księga wzywająca do studiowania instrumentów muzycznych” („Libro llamado declaracion de instrumentos musicales”, 1549-1555), w szczególności instrumentów klawiszowych.
Szczytowymi przykładami jest twórczość Antonio de Cabezona (1510-1566), niewidomego cembalisty i nadwornego organisty hiszpańskiego króla Filipa II. Towarzysząc królowi w podróżach, Cabezon podróżował do Włoch, Anglii i Holandii. Wśród jego dzieł znaczące miejsce, podobnie jak Paumana, zajmują dzieła o charakterze pedagogicznym. Spośród dzieł muzycznych Cabezona najbardziej pociągało tiento (z hiszpańskiego tiento - „dotyk” lub „laska niewidomych”). Są to duże sztuki polifoniczne, zbliżone formą do ricercaru i antycznej fugi. Oprócz tiento w twórczości hiszpańskich kompozytorów XVI wieku popularne były małe utwory, takie jak preludia. Nazywano je verso lub versillo – termin zapożyczony ze sfery poezji (verso – werset).
Zachowane polskie tabulatury organowe klasztoru św. Ducha w Krakowie (1548), Jan z Lublina (1548) i inni dają wyobrażenie o muzyce organowej Polski XVI wieku z jej dość wyraźnym narodowym akcentem. Znane są nazwiska wielu kompozytorów XVI wieku. Są to Mikołaj z Krakowa, Marcin Leopolita, Wacław z Szamotula i inni.
Jednocześnie wzrostowi europejskiej kultury organowej w okresie renesansu towarzyszyły okresy trudnych prób. Organy, tak powszechnie używane w krajach Europy Zachodniej, niejednokrotnie były wydalane z kościoła. Burzliwe wydarzenia antyfeudalnych powstań i wojen często przybierały formę walki religijnej z ówczesnym Kościołem katolickim i papiestwem. Protestantyzm zaciekle sprzeciwiał się nie tylko ideologicznym, politycznym, teologicznym i organizacyjnym stanowiskom katolicyzmu, ale także wszelkim zewnętrznym przejawom kultu katolickiego. Wszystko, co nadawało nabożeństwu przepychu i wielkości, było prześladowane. Zniszczono posągi, zniszczono ikony, polifoniczne msze zastąpiono prostymi śpiewami chóralnymi, a w miejsce tekstów łacińskich wprowadzono do nabożeństw język narodowy. Organy również spotkał okrutny los. Tak więc w Anglii wspaniały instrument Opactwa Westminsterskiego został całkowicie zniszczony, a jego fajki, wykonane z drogiego stopu metalu, sprzedano w tawernie za szklankę piwa. Wojna trzydziestoletnia w Niemczech doprowadziła do zubożenia kraju, licznych zniszczeń i upadku kultury muzycznej. W klasztorach i katedrach ograniczali się do śpiewania chorałów luterańskich, które wykonywała cała wspólnota. Jednocześnie w tym czasie rozwinął się nowy styl intonacyjny, którego kulminacją była twórczość J. S. Bacha. F. Engels pisał: „Luter oczyścił stajnie Augiasza nie tylko z Kościoła, ale i z języka niemieckiego, stworzył nowoczesną prozę niemiecką i skomponował tekst i melodię tego przepojonego wiarą w zwycięstwo chorału, który stał się „Marsylianką z XVI wieku”. (Engels F. Dialektyka natury. Wprowadzenie. M., 1950, s. 4).
W muzyce organowej od dawna pojawiają się aranżacje melodii chorału gregoriańskiego. Obecnie podstawą takich aranżacji w twórczości kompozytorów niemieckich są melodie protestanckich pieśni chóralnych. Gatunek preludium chóralnego, fantazji chóralnej i wariacji chóralnych jest szeroko rozwijany.
ZŁOTY WIEK MUZYKI ORGANOWEJ
Pod koniec XVI i w pierwszej połowie XVII w. najważniejszymi postaciami w dziedzinie europejskiej kultury organowej byli trzej kompozytorzy: Holender Jan Peterson Sweelinck, Włoch Girolamo Frescobaldi i Niemiec Samuel Scheidt. Niewątpliwie na kształtowanie się stylu organowego wpływ miała także twórczość Heinricha Schütza (1585-1672), twórcy muzyki sakralnej opartej na kulturze narodowej, największego poprzednika Bacha w dziedzinie gatunków kantata-oratoryjnych. Sweelinck (1562-1621) był na swoich terenach spadkobiercą holenderskiej szkoły polifonicznej, która począwszy od XV wieku zapewniała dominację stylu wokalno-chóralnego. Działalność twórcza i performerska Sweelincka odbywała się w Amsterdamie. Jako organista kościelny komponował chóralną muzykę religijną. Będąc wybitnym wykonawcą, Sweelinck coraz bardziej indywidualizuje partię organową, wprowadzając do niej elementy wirtuozerii. W amsterdamskim kościele organizuje niezależne koncerty organowe, zamieniając budynek kościoła w salę promującą nowe formy muzykowania. Sweelinck wykonuje swoje toccatas, capriccio i słynną „Fantazję chromatyczną”. Na klawesynie i małym pozytywowym organie wykonuje wariacje na temat melodii ludowych oraz aranżacje pieśni i tańców ludowych. U Sweelincka studiowało wielu znanych północnoniemieckich organistów: Melchior Schild, Heinrich Scheidemann, Jacob Pretorius i inni. Wśród jego uczniów widzimy największego mistrza niemieckiej muzyki organowej pierwszej połowy XVII wieku, Samuela Scheidta.
Samuel Scheidt (1587-1654) jest założycielem środkowoniemieckiej szkoły organowej (należał do niej wuj J. S. Bacha, Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel i inni). Pracował w Halle, był kompozytorem i pedagogiem, organistą dworskim i kościelnym, kapelmistrzem, pełnił funkcję miejskiego dyrektora muzycznego. Jego największym dziełem była trzytomowa „Nowa Tabulatura” (1614-1653) na organy i clavier, zawierająca toccaty, fugi, wariacje na temat melodii chorałów i pieśni ludowych, fantazje itp. Scheidt zasłynął szczególnie jako mistrz formy wariacyjnej i autor różnorodnych aranżacji chorałowych.
Jak wielu melomanów, w każdym sezonie koncertowym jednym z moich abonamentów są koncerty organowe.
W tym sezonie - w Małej Sali Konserwatorium.
Abonament nr 14. JEST. Bacha i światowa kultura organowa
Cykl składa się z czterech koncertów, 9 grudnia odbędzie się drugi koncert w wykonaniu
Konstantin Volostnov (organy)
W programie:
I część koncertu - I.S. Kawaler
Preludium i fuga A-dur BWV 536
Wariacje chorałowe, BWV 769
Pastoralny F-dur BWV 590
Passacaglia c-moll BWV 582
II część koncertu:
A. Goedicke
Preludium i Fuga Es-dur op. 34 nr 2
S. Tanejew
Wariacje chorałowe
S. Łapunow
Preludium-pastoralne
Kh. Kusznarew
Passacaglia i fuga fis-moll
Zwróćcie uwagę na tytuły utworów w pierwszej i drugiej części koncertu!
Każdy utwór Bacha wykonany w pierwszej części odpowiada
w części drugiej wykonana została muzyka rosyjskiego kompozytora o tym samym nazwisku.
Poniżej wyjaśnię z czym to się wiąże.
Pod koniec XIX wieku opat Joubert zaczął wydawać „Antologię współczesnej muzyki organowej” – niestety muzyki organowej rosyjskich kompozytorów nie było! Następnie organista Jacques Gandshin, który wówczas pracował w Rosji, zaprosił kilku rosyjskich kompozytorów do napisania muzyki organowej i tak się stało!
Opuzy wykonywane na koncercie powstały na zamówienie Jouberta, dla każdego z kompozytorów twórczość Bacha stała się standardem.
Wszystkie dzieła kompozytorów rosyjskich wykonane w drugiej części koncertu były bardzo dobre, obrazy były tak żywe, że zamykając oczy i słuchając tej muzyki, wyobrażałem sobie albo pasterkę grającą na flecie, albo panie i panowie tańczący w średniowiecznych stroje, czy szalejące morze, które wypełniło zarówno salę, jak i całą moją istotę potężnymi dźwiękami szalejących żywiołów...
Organista grał jak nikt wcześniej spośród wielu, wielu, których miałem przyjemność słuchać!
Nikt nigdy!
Młody organista (pianista, klawesynista) Konstantin Volostnov (ur. 1979, Moskwa) wydobył z instrumentu dźwięki o niezwykłej czystości i pięknie, podczas występu urzekł publiczność ani dźwiękiem, ani kaszlem, ani piskiem, aplauzem i płaczem „brawo” po każdym opusie.
Konstantin Volostnov był uczniem szkoły muzycznej, następnie studiował w Konserwatorium Moskiewskim, jego szkole podyplomowej i Wyższej Szkole Muzycznej w Stuttgarcie (Niemcy).
Sukces przyszedł w 2008 roku - zwycięstwo w prestiżowych konkursach w Niemczech i Rosji w konkursie im. A.F. Gedicke „za najlepsze wykonanie muzyki autorów krajowych”.
A w 2009 roku - triumf organisty - zwycięstwo w najbardziej prestiżowym międzynarodowym konkursie w Wielkiej Brytanii, Konstantin Volostnov został zwycięzcą jubileuszowego 25. międzynarodowego festiwalu organowego w St. Albans (Międzynarodowy Festiwal Organowy w St. Albans).
Po raz pierwszy rosyjska szkoła organowa uzyskała najwyższą ocenę na dużym międzynarodowym konkursie, gdzie Wołostnow otrzymał nie tylko pierwszą nagrodę, ale także nagrodę za najlepsze wykonanie dzieł Bacha, nagrodę za najlepsze wykonanie premierowe (kompozycję Johna Caskena) oraz nagrodę publiczności.
Potem wielu obserwatorów muzyki nazwało Wołostnowa najlepszym organistą na świecie!
Na tym koncercie publiczność przyjęła organistę bardzo ciepło, na koniec koncertu zgotowała mu taką owację, nie puszczając organisty, że ten zagrał na bis, najpierw chorał Bacha, potem jego fugę, publiczność tzw. maestro raz za razem, dopiero gdy w sali zapaliło się światło, niechętnie zaczęli się rozchodzić…
Niestety, tym razem nie możemy zadowolić czytelnika własnymi, ekskluzywnymi nagraniami z tego koncertu, ale można posłuchać gry Volostnova!
Poniżej jego nagrania dokonane w Domu Muzyki i Pałacu na Yauzie oraz wywiad z nim.
Najbardziej zaszczytne miejsce w życiu muzycznym XVII wieku zajmowały organy wraz ze swoim repertuarem. Przyjdzie czas i sztuka organowa zeejdzie na dalszy plan (już w epoce klasyki wiedeńskiej). W XVII wieku cieszył się największą czcią. Organy uważano wówczas za „króla wszystkich instrumentów” i rzeczywiście uzasadniało to określenie:
- z imponującym, polifonicznym dźwiękiem o szerokim zakresie, przekraczającym możliwości wszystkich instrumentów orkiestry;
- najjaśniejsze kontrasty dynamiczne;
- ogromne możliwości barwowe (liczba rejestrów w dużych organach sięga nawet 200, ale najważniejsze jest to, że połączenie kilku rejestrów daje nową barwę, zupełnie odmienną od oryginalnej).
W najnowszych instrumentach zastosowano urządzenie „pamięciowe”, dzięki któremu można wcześniej wybrać określoną kombinację rejestrów i sprawić, by zabrzmiały w odpowiednim momencie). W dźwięku organów słychać zarówno chór, jak i wszystkie instrumenty orkiestry symfonicznej, dlatego mówi się, że organy to „wielka orkiestra symfoniczna, na której gra jedna osoba”. Wszystko to sprawiło, że organy znalazły się na pierwszym miejscu wśród instrumentów XVII wieku i nawet ówczesna orkiestra nie mogła z nimi konkurować.
Organy to instrument klawiszowy i dęty o bardzo długiej historii. Już w starożytnym Egipcie i starożytnej Grecji istniał tzw hydraulika- organy wodne, których piszczałki brzmiały za pomocą prasy wodnej. Stopniowo struktura narządu ulegała coraz większej poprawie. We współczesnych organach:
- od 800 do 30 tysięcy piszczałek o różnych rozmiarach i każda ma swoją własną barwę;
- kilka klawiatur, które znajdują się w krokach jedna nad drugą i są nazywane Instrukcje;
- wiele pedałów tworzy rodzaj klawiatury nożnej - organista gra obiema rękami i nogami, dlatego nuty dla organów zapisywane są na trzech linijkach;
- mechanizm nadmuchu powietrza - mieszki i kanały powietrzne;
- dział, w którym skoncentrowany jest system zarządzania.
Organy zawsze były budowane dla konkretnych pomieszczeń, a konstruktorzy organów wzięli pod uwagę wszystkie ich cechy, rozmiary i akustykę. Dlatego nie ma na świecie dwóch absolutnie identycznych organów, każdy jest unikalnym dziełem mistrza. Jedne z najlepszych organów w Europie znajdują się w Rydze, w katedrze kopułowej.
Organy XVII wieku nie różniły się już znacząco brzmieniem od organów współczesnych, choć ich rozwój techniczny trwał nadal. Były niezastąpionymi uczestnikami nabożeństw kościelnych, odprawiano je także poza kościołem – w domach prywatnych. Był kilka odmian narządy:
- w dużych katedrach znajdowały się najdoskonalsze, majestatyczne organy gigantycznych rozmiarów z dwoma lub trzema manuałami;
- w życiu domowym, w małych kościołach, stały się powszechne pozytywy(pokój) i urządzenia przenośne(przenośne) narządy; w teatrach, kapliczkach, na ulicach słychać było królewski - małe organy wydające przenikliwy, nieco nosowy dźwięk.
Holenderska szkoła organowa
Kompozytorzy z różnych krajów europejskich w taki czy inny sposób uczestniczyli w rozwoju muzyki organowej. Niemal wszędzie w Europie Zachodniej, w wielkich katedrach i kościołach, pracowali pierwszorzędni organiści – kompozytorzy i wykonawcy w jednej osobie, co było wówczas normą. Na przykład w Holandia, w Amsterdamie miała miejsce działalność genialnego wykonawcy-improwizatora na organach Jana Pietersy Sweelinka- przedstawiciel szkoła holenderska. Jego nazwisko kojarzone jest z pierwszymi w historii muzyki publicznymi koncertami organowymi, które Sweelinck zorganizował właśnie w kościele, w którym pracował. Chętnie przekazał swoje doświadczenie i wiedzę licznym studentom, którzy przybyli z różnych krajów. Wśród nich jest późniejszy słynny niemiecki organista Samuel Scheidt.
Włoska szkoła organowa
Włochy w tym czasie przedstawiły coś wielkiego Girolamo Frescobaldiego. „Włoski Bach”, „ojciec prawdziwego stylu organowego” – tak go później nazwano. Działalność Frescobaldiego miała miejsce w Rzymie, gdzie był organistą katedry św. Petra. Twórczość Frescobaldiego zrodziła się w ścisłym związku z jego działalnością performatywną. Pogłoski o genialnym organiście przyciągnęły do Rzymu liczną publiczność, która tłumnie tłoczyła się do katedry, jak do sali koncertowej, aby posłuchać jego gry.
Niemiecka szkoła organowa
Jednak najważniejszą rolę w rozwoju muzyki organowej odegrali Niemcy. W Niemcy sztuka organowa osiągnęła niespotykaną dotychczas skalę. Tutaj wyłoniła się cała plejada wielkich i oryginalnych mistrzów, którzy aż do czasów Bacha sprawowali prymat w rozwoju muzyki organowej.
Pierwszymi niemieckimi organistami byli uczniowie wielkich Wenecjan – Andrea i Giovanni Gabrieli, organiści z XVI w. Wielu z nich studiowało u Frescobaldiego i Sweelincka. Niemiecka szkoła organowa przejęła więc wszystko, co najlepsze, co posiadali kompozytorzy z innych krajów, syntetyzując dorobek szkoły włoskiej i holenderskiej. Spośród licznych organistów w Niemczech najbardziej znani to Samuela ScheidtaJana Adama Reinkena, Dietrich Buxtehude(przedstawiciele szkoły północnoniemieckiej), Johanna Pachelbela.
Rozwój muzyki organowej wiąże się z rozkwitem polifonia instrumentalna. Twórczość niemieckich organistów ukierunkowana była przede wszystkim na gatunek fugi- najwyższa forma polifoniczna. Fuga w twórczości niemieckich polifonistów rozwinęła się w swojej „prebachowskiej” formie, nie osiągając jeszcze najwyższej dojrzałości. Klasycznie doskonałą formę nabierze nieco później, u Bacha.
Kolejnym ulubionym gatunkiem niemieckiej muzyki organowej jest preludium chorałowe. Jest to układ organowy melodii chorału protestanckiego, czyli pieśni duchowych Kościoła luterańskiego. Powstały w okresie reformacji i opierały się na niemieckich melodiach ludowych. Jest to rodzimy niemiecki gatunek narodowy. Do obowiązków niemieckiego organisty należało towarzyszenie śpiewowi chorału wspólnotowego oraz „preludiowanie” tematów chorałowych w czasie nabożeństwa (na przemian ze śpiewem parafian). Aranżacje chóralne mają wiele odmian, od najprostszych harmonizacji melodii chóralnych po wyszukane fantazje chóralne.
