1.2. Muzykologia stosowana. Dziennikarstwo muzyczne i krytyka muzyczna w systemie muzykologii stosowanej

Krytyka muzyczna i nauki o muzyce Badaniem fenomenu muzyki zajmuje się wiele dziedzin naukowych: oprócz samej muzykologii przyciąga ona uwagę krytyki artystycznej różnych kierunków, estetyki, filozofii, historii, psychologii, kulturoznawstwa, semiotyki i

Krytyka muzyczna a społeczeństwo Muzyczne życie społeczeństwa, które obejmuje także myśl i praktykę muzyczno-krytyczną, jest przedmiotem zainteresowania socjologii muzycznej. To nie przypadek, że to właśnie nauki socjologiczne najczęściej zwracają uwagę na krytykę artystyczną,

1.4. Profesjonalne dziennikarstwo muzyczne Na czele współczesnej praktyki muzycznej i dziennikarskiej stoi najważniejszy problem – problem profesjonalizmu. Z czego się składa? Istnieje kilka ważnych elementów, które umożliwiają rozróżnienie

Krytyka muzyczna kompozytora To oryginalne zjawisko wymaga osobnego rozważenia. Nawet u Puszkina znajdujemy argument, że „stan krytyki sam w sobie pokazuje stopień wykształcenia całej literatury”. Tu nie chodzi tylko o szacunek

5.4. Produkcja muzyczna jako przedmiot recenzji Produkcja muzyczna jest gatunkiem syntetycznym. Muzyka łączy się w nim, zgodnie z prawami syntezy artystycznej, z innymi „nurtami” artystycznymi (rozwój fabuły, akcja sceniczna, gra aktorska, obraz

3. Wersja muzyczna A. S. Dargomyżskiego Muzyczne rozwiązanie A. S. Dargomyżskiego w jego romansie do tekstu Puszkina „19 października 1827 r.” (skomponowanego w Paryżu w 1845 r.) jest niezwykłe i godne szczególnej uwagi badaczy, w tym puszkinistów

Produkcja w epoce cyfrowej komunikacji medialnej Niniejsza książka o produkcji została „wyprodukowana”, zaprojektowana i opublikowana przez studentów studiów magisterskich „Produkcja mediów w branżach kreatywnych” na Wydziale Komunikacji, Mediów i Wzornictwa HSE, dla których

2.1 Anna Kaczkajewa. Producentka w epoce cyfrowej Anna Kachkaeva jest profesorem na Wydziale Komunikacji, Mediów i Wzornictwa Państwowej Wyższej Szkoły Ekonomicznej, dziennikarką, członkiem Akademii Rosyjskiej

2.2 Walentyna Szwajko. Multimedialne i transmedialne możliwości promocji muzyki w epoce cyfrowej G. V. Plechanova, absolwentka studiów magisterskich „Produkcja medialna w kreatywności

Przed pojawieniem się nowoczesnych przenośnych źródeł dźwięku, sygnału cyfrowego i muzyki, proces nagrywania i odtwarzania dźwięku przeszedł długą drogę. Na przełomie XIX i XX w. w branży muzycznej obowiązywał pewien system, na który składały się: działalność koncertowa i objazdowa, sprzedaż nut i instrumentów. W XIX wieku główną formą dóbr muzycznych była muzyka drukowana. Pod koniec XIX wieku pojawienie się urządzeń do rejestracji i odtwarzania dźwięku, a co za tym idzie pojawienie się firm fonograficznych, doprowadziło do istotnej zmiany w strukturze przemysłu muzycznego i pojawienia się takiego zjawiska jak branży muzycznej na początku XX wieku.

Natura ludzka jest taka, że ​​nie wyobraża sobie życia bez dźwięków, harmonii i instrumentów muzycznych. Muzycy od kilku tysiącleci doskonalą swoje umiejętności gry na lirze, harfie żydowskiej, lutni czy cytrze. Aby jednak zadowolić uszy wysokiej rangi klientów, zawsze wymagana była obecność trupy profesjonalnych muzyków. Pojawiła się więc potrzeba nagrywania muzyki z możliwością jej dalszego odtwarzania bez ingerencji człowieka. Ponadto pojawienie się branży muzycznej wynika przede wszystkim z pojawienia się nagrań dźwiękowych.

Uważa się, że pierwszym urządzeniem do odtwarzania dźwięku był wynalazek starożytnego greckiego wynalazcy Ctesibiusa - "hydraul" . Pierwsze opisy tego wzoru znajdują się w rękopisach pisarzy późnoantycznych – Czapli z Aleksandrii, Witruwiusza i Ateneusza. W 875 roku bracia Banu Musa, zapożyczając pomysł z rękopisów starożytnego greckiego wynalazcy, przedstawili światu swój odpowiednik urządzenia do odtwarzania dźwięków - "organy wodne" (Rys. 1.2.1.). Zasada jego działania była niezwykle prosta: równomiernie obracający się mechaniczny wałek ze sprytnie rozmieszczonymi wypustkami uderzał w naczynia z różną ilością wody, co wpływało na wysokość dźwięków, sprawiając, że brzmiały pełne tuby. Kilka lat później bracia wprowadzili także pierwszy „flet automatyczny”, który również opierał się na zasadzie „organów wodnych”. Do XIX wieku jedynym dostępnym sposobem programowalnego zapisu dźwięku były wynalazki braci Banu Musa.

Ryż. 1.2.1. Wynalazek braci Banu Musa – „organy wodne”

Począwszy od XV wieku. Epokę renesansu nastała moda na mechaniczne instrumenty muzyczne. Otwiera paradę instrumentów muzycznych z zasadą działania braci Banu Musa – organami beczkowymi. W 1598 roku, w połowie XVI wieku, pojawił się pierwszy zegar muzyczny. - pozytywki. Również początkowe próby masowej dystrybucji muzyki były tzw „ulotki z balladami” - wiersze drukowane na papierze z notatkami u góry kartki, które po raz pierwszy pojawiły się w Europie w XVI-XVII wieku. Ten sposób dystrybucji nie był wówczas przez nikogo kontrolowany. Pierwszym świadomie kontrolowanym procesem masowej dystrybucji muzyki było powielanie nut.

W pierwszej połowie XIX wieku kontynuowany był trend w kierunku rozwoju mechanicznych instrumentów muzycznych – pudełek, tabakierek – wszystkie te urządzenia miały bardzo ograniczony zestaw melodii i potrafiły odtworzyć motyw wcześniej „zapisany” przez mistrza. Dopiero w 1857 roku udało się zarejestrować głos ludzki lub dźwięk instrumentu akustycznego z możliwością jego dalszego odtworzenia.

Pierwszym na świecie urządzeniem do rejestracji dźwięku jest - fonautograf (Rys. 1.2.2.), który został wynaleziony w 1857 roku przez Edwarda Leona Scotta de Martinville. Zasada działania fonoautografu polegała na rejestrowaniu fali dźwiękowej poprzez wychwytywanie drgań poprzez specjalny róg akustyczny, na którego końcu znajdowała się igła. Pod wpływem dźwięku igła zaczęła wibrować, rysując przerywaną falę na obracającym się szklanym wałku, którego powierzchnia była pokryta papierem lub sadzą.

Ryż. 1.2.2.

Niestety wynalazek Edwarda Scotta nie pozwolił na odtworzenie zapisanego fragmentu. Kilka lat temu w paryskim archiwum odnaleziono 10-sekundowy fragment nagrania pieśni ludowej „Moonlight”, wykonanej przez samego wynalazcę 9 kwietnia 1860 roku. W przyszłości projekt fonoautografu stał się podstawą do stworzenia kolejnych urządzeń do rejestracji i odtwarzania dźwięku.

W 1877 roku twórca żarówki Thomas Edison zakończył prace nad zupełnie nowym urządzeniem rejestrującym dźwięk - fonograf (Rys. 1.2.3.), który rok później opatentował w odpowiedniej agencji amerykańskiej. Zasada działania fonografu przypominała fonoautograf Scotta: nośnikiem dźwięku był woskowany wałek, na którym rejestrowano igłę połączoną z membraną – przodkiem mikrofonu. Zbierając dźwięk przez specjalny róg, membrana uruchamiała igłę, która pozostawiała wgłębienia na wałku woskowym.

Ryż. 1.2.3.

Po raz pierwszy nagrany dźwięk można było odtworzyć na tym samym urządzeniu, na którym dokonano nagrania. Jednak energia mechaniczna nie wystarczyła do uzyskania nominalnego poziomu głośności. W tamtym czasie fonograf Thomasa Edisona wywrócił cały świat do góry nogami: setki wynalazców zaczęło eksperymentować z różnymi materiałami do pokrycia cylindra nośnego, a w 1906 roku odbył się pierwszy publiczny koncert odsłuchowy. Fonograf Edisona został oklaskiwany przez wypełnioną salę. W 1912 roku świat zobaczył gramofon płytowy , w którym zamiast zwykłego wałka do wosku zastosowano dysk, co znacznie uprościło konstrukcję. Pojawienie się fonografu dyskowego, choć budziło zainteresowanie społeczne, nie znalazło praktycznego zastosowania z punktu widzenia ewolucji zapisu dźwięku.

Później, począwszy od 1887 roku, wynalazca Emil Berliner aktywnie rozwijał własną wizję rejestracji dźwięku za pomocą własnego urządzenia - gramofon (Rys. 1.2.4.). Jako alternatywę dla bębna woskowego Emil Berliner wybrał trwalszy celuloid. Zasada nagrywania pozostała ta sama: klakson, dźwięk, wibracje igły i równomierny obrót płyty-płyty.

Ryż. 1.2.4.

Eksperymenty przeprowadzone z prędkościami obrotowymi nagrywalnej płyty-płyty pozwoliły wydłużyć czas zapisu jednej strony płyty do 2-2,5 minuty przy prędkości obrotowej 78 obrotów na minutę. Nagrane płyty-płyty umieszczano w specjalnych kartonowych pudełkach (rzadziej skórzanych), dlatego później otrzymały nazwę „albumy” - na zewnątrz bardzo przypominały albumy fotograficzne z widokami miast sprzedawane w całej Europie.

Zamiennikiem nieporęcznego gramofonu był aparat ulepszony i zmodyfikowany w 1907 roku przez Guillona Kemmlera - gramofon (Rys. 1.2.5.).

Ryż. 1.2.5.

Urządzenie to posiadało wbudowaną w obudowę małą tubę, z możliwością umieszczenia całego urządzenia w jednej kompaktowej walizce, co doprowadziło do szybkiej popularyzacji gramofonu. W latach czterdziestych XX wieku pojawiła się bardziej kompaktowa wersja urządzenia - minigramofon, który zyskał szczególną popularność wśród żołnierzy.

Pojawienie się płyt znacznie rozszerzyło rynek muzyczny, ponieważ w przeciwieństwie do nut mógł je kupić absolutnie każdy słuchacz. Przez wiele lat głównym nośnikiem nagrań i głównym towarem muzycznym były płyty gramofonowe. Płyta gramofonowa ustąpiła miejsca innym nośnikom materiału muzycznego dopiero w latach 80. XX wieku. Od początku lat 90-tych i do chwili obecnej sprzedaż płyt stanowi kilka, a nawet ułamek procenta całkowitego obrotu produktami audio. Jednak nawet po takim spadku sprzedaży płyty nie zniknęły i do dziś cieszą się nielicznym i wąskim gronem melomanów i kolekcjonerów.

Pojawienie się elektryczności zapoczątkowało nowy etap w ewolucji nagrywania dźwięku. Od 1925 r. - „era nagrań elektrycznych” użycie mikrofonu i silnika elektrycznego (zamiast mechanizmu sprężynowego) do obracania płyty. Arsenał urządzeń umożliwiających zarówno rejestrację dźwięku, jak i jego dalszą reprodukcję został uzupełniony o zmodyfikowaną wersję gramofonu - elektrofon (Rys. 1.2.6.).

Ryż. 1.2.6.

Pojawienie się wzmacniacza umożliwiło przeniesienie rejestracji dźwięku na nowy poziom: systemy elektroakustyczne otrzymały głośniki, a konieczność przetłaczania dźwięku przez tubę należy już do przeszłości. Wszystkie wysiłki fizyczne człowieka zaczęto wykonywać za pomocą energii elektrycznej. Wszystkie te i inne zmiany poprawiły możliwości akustyczne, a także zwiększyły rolę producenta w procesie nagrywania, co radykalnie zmieniło sytuację na rynku muzycznym.

Równolegle z przemysłem nagraniowym zaczęło się rozwijać także radio. Regularne nadawanie programów radiowych rozpoczęło się w latach dwudziestych XX wieku. Na początku do popularyzacji nowych technologii w radiu zapraszano aktorów, śpiewaków, orkiestry, co przyczyniło się do powstania ogromnego zapotrzebowania na radia. Radio stało się koniecznością dla ogromnej publiczności i konkurencją dla branży fonograficznej. Szybko jednak odkryto bezpośrednią zależność od brzmienia płyt nadawanych na antenie i wzrost sprzedaży tych płyt w sklepach. Rośnie zapotrzebowanie na komentatorów muzycznych, tzw. „disjokejów”, którzy nie tylko umieszczają płyty na odtwarzaczu, ale także przyczyniają się do promocji nowych płyt na rynku muzycznym.

W pierwszej połowie XX wieku podstawowy model przemysłu muzycznego uległ znaczącym zmianom. Nagrywanie dźwięku, radio i inne osiągnięcia nauki i technologii pomnożyły pierwotną publiczność branży muzycznej i przyczyniły się do pojawienia się i rozpowszechnienia nowych stylów i trendów muzycznych, takich jak muzyka elektroniczna. Oferowali społeczeństwu bardziej atrakcyjny produkt i organicznie wpasowywali się w formy powszechne w XIX wieku.

Jednym z głównych problemów ówczesnych urządzeń rejestrujących dźwięk był czas trwania nagrywania dźwięku, który jako pierwszy rozwiązał radziecki wynalazca Aleksander Shorin. W 1930 roku zaproponował jako zapis operacyjny wykorzystanie kliszy filmowej przechodzącej przez elektryczny zespół piszący ze stałą prędkością. Urządzenie otrzymało nazwę shorinofon , ale jakość nagrania pozostała odpowiednia jedynie do dalszego odtwarzania głosu, można było już umieścić około 1 godziny nagrania na 20-metrowej taśmie filmowej.

Ostatnim echem zapisu elektromechanicznego był tzw. „mówiący papier”, zaproponowany w 1931 roku przez radzieckiego inżyniera B.P. Skvortsov. Wibracje dźwiękowe rejestrowano na zwykłym papierze za pomocą czarnego długopisu. Taki papier można było łatwo kopiować i przesyłać. Do odtworzenia nagrania wykorzystano mocną lampę i fotokomórkę. W latach czterdziestych XX wieku ubiegłego wieku zostały już podbite przez nową metodę rejestracji dźwięku – magnetyczną.

Historia rozwoju magnetycznej rejestracji dźwięku niemal przez cały czas przebiegała równolegle do mechanicznych metod rejestracji dźwięku, pozostając jednak w cieniu aż do 1932 roku. Pod koniec XIX wieku amerykański inżynier Oberlin Smith, zainspirowany wynalazkiem Thomasa Edisona, zajmował się zagadnieniem rejestracji dźwięku. W 1888 roku ukazał się artykuł na temat wykorzystania zjawiska magnetyzmu w rejestracji dźwięku. Duński inżynier Valdemar Poulsen po dziesięciu latach eksperymentów otrzymał w 1898 roku patent na zastosowanie drutu stalowego jako nośnika dźwięku. Tak więc pojawiło się pierwsze urządzenie do rejestracji dźwięku oparte na zasadzie magnetyzmu - telegraf . W 1924 roku wynalazca Kurt Stille udoskonalił pomysł Valdemara Poulsena i stworzył pierwszy dyktafon oparty na taśmie magnetycznej. AEG interweniowało w dalszą ewolucję magnetycznego zapisu dźwięku, wypuszczając urządzenie w połowie 1932 roku. Magnetofon-K 1 (Rys. 1.2.7.) .

Ryż. 1.2.7.

Dzięki zastosowaniu tlenku żelaza jako powłoki filmowej firma BASF zrewolucjonizowała świat nagrań. Dzięki zastosowaniu polaryzacji AC inżynierowie uzyskali zupełnie nową jakość dźwięku. Od 1930 do 1970 roku rynek światowy był reprezentowany przez magnetofony szpulowe o szerokiej gamie kształtów i szerokiej gamie możliwości. Taśma magnetyczna otworzyła twórcze drzwi tysiącom producentów, inżynierów i kompozytorów, którzy otrzymali możliwość eksperymentowania z nagrywaniem dźwięku nie na skalę przemysłową, ale we własnym mieszkaniu.

Takie eksperymenty jeszcze bardziej ułatwiło pojawienie się w połowie lat pięćdziesiątych. rejestratory wielościeżkowe. Stało się możliwe nagrywanie kilku źródeł dźwięku jednocześnie na jednej taśmie magnetycznej. W 1963 roku wypuszczono magnetofon 16-ścieżkowy, w 1974 - 24-ścieżkowy, a po 8 latach Sony zaoferowało ulepszony schemat nagrywania cyfrowego w formacie DASH na 24-ścieżkowym magnetofonie.

W 1963 roku Philips wprowadził pierwszy kompaktowa kaseta (Rys. 1.2.8.), który później stał się głównym formatem masowej reprodukcji dźwięku. W 1964 roku w Hanowerze uruchomiono masową produkcję kaset kompaktowych. W 1965 roku Philips rozpoczął produkcję kaset muzycznych, a we wrześniu 1966 roku do sprzedaży w Stanach Zjednoczonych trafiły pierwsze produkty będące efektem dwuletnich eksperymentów przemysłowych firmy. Zawodność konstrukcji i trudności, jakie pojawiły się przy nagrywaniu muzyki, skłoniły producentów do dalszych poszukiwań referencyjnego nośnika danych. Poszukiwania te przyniosły owoce firmie Advent Corporation, która w 1971 roku wprowadziła na rynek kasetę z taśmą magnetyczną, w której produkcji zastosowano tlenek chromu.

Ryż. 1.2.8.

Ponadto pojawienie się taśmy magnetycznej jako nośnika zapisu dźwięku dało użytkownikom niedostępną wcześniej możliwość samodzielnego odtwarzania nagrań. Zawartość kasety można było przepisać na inną szpulę lub kasetę, uzyskując w ten sposób kopię, choć nie w 100% dokładną, ale w miarę odpowiednią do odsłuchu. Po raz pierwszy w historii medium i jego zawartość nie stanowią już jednego i niepodzielnego produktu. Możliwość replikowania płyt w domu zmieniła sposób postrzegania i dystrybucji muzyki wśród użytkowników końcowych, ale zmiany nie były radykalne. Ludzie nadal kupowali kasety magnetofonowe, bo było to o wiele wygodniejsze i niewiele droższe niż kopiowanie. W 1980 liczba sprzedanych płyt była 3-4 razy większa niż kaset, ale już w 1983 roku rynek podzielił się po równo. Sprzedaż kaset kompaktowych osiągnęła szczyt w połowie lat 80., a zauważalny spadek sprzedaży rozpoczął się dopiero na początku lat 90. .

Późniejsze idee rejestracji dźwięku, sformułowane pod koniec XIX wieku przez Thomasa Edisona, w drugiej połowie XX wieku doprowadziły do ​​zastosowania wiązki lasera. W ten sposób taśmę magnetyczną zastąpiono „era laserowo-optycznego zapisu dźwięku” . Optyczna rejestracja dźwięku opiera się na zasadzie tworzenia na płycie CD spiralnych ścieżek, składających się z gładkich odcinków i wgłębień. Era lasera umożliwiła przedstawienie fali dźwiękowej jako złożonej kombinacji zer (gładkie obszary) i jedynek (wgłębienia).

W marcu 1979 roku Philips zademonstrował pierwszy prototyp płyty CD, a tydzień później holenderski koncern zawarł porozumienie z japońską firmą Sony, zatwierdzając nowy standard dla płyt audio CD, które weszły do ​​produkcji w 1981 roku. Płyta CD była optycznym nośnikiem danych w postaci plastikowego dysku z otworem w środku, prototypem tego nośnika była płyta gramofonowa. Płyta CD zawierała 72 minuty wysokiej jakości dźwięku, a także była znacznie mniejsza niż płyty winylowe – miała zaledwie 12 cm średnicy w porównaniu z 30 cm winylu i miała prawie dwukrotnie większą pojemność. Bez wątpienia zwiększyło to wygodę użytkowania.

W 1982 roku firma Philips wprowadziła na rynek pierwszy odtwarzacz CD, który pod względem jakości odtwarzania przewyższał wszystkie wcześniej prezentowane media. Pierwszą komercyjną płytą nagraną na nowym nośniku cyfrowym był legendarny „The Visitors” zespołu ABBA, którego premiera miała miejsce 20 czerwca 1982 roku. Natomiast w 1984 roku Sony wydało pierwszy przenośny odtwarzacz CD - Sony Discman D-50 (Rys. 1.2.9.), którego koszt w tamtym czasie wynosił 350 dolarów.

Ryż. 1.2.9.

Już w 1987 roku sprzedaż płyt CD przewyższyła sprzedaż płyt gramofonowych, a w 1991 roku płyty CD już znacząco wyparły z rynku kasety kompaktowe. Płyta CD w początkowej fazie zachowała główny trend rozwoju rynku muzycznego – pomiędzy nagraniem audio a nośnikiem można było postawić znak równości. Muzyki można było słuchać wyłącznie z płyty nagranej fabrycznie. Ale ten monopol nie miał trwać długo.

Dalszy rozwój ery laserowo-optycznych płyt CD doprowadził do pojawienia się w 1998 roku standardu DVD-Audio, wejścia na rynek dźwięku z różną liczbą kanałów audio (od mono do pięciu kanałów). Począwszy od 1998 roku firmy Philips i Sony promowały alternatywny format płyt CD – Super Audio CD. Na dwukanałowym dysku można było zapisać do 74 minut dźwięku zarówno w formacie stereo, jak i wielokanałowym. Długość 74 minut określiła śpiewaczka operowa, dyrygentka i kompozytorka Noria Oga, pełniąca wówczas także funkcję wiceprezesa Sony Corporation. Równolegle z rozwojem płyt CD, stabilnie rozwijała się także produkcja rzemieślnicza – kopiowanie nośników. Wytwórnie płytowe jako pierwsze pomyślały o potrzebie ochrony danych cyfrowych za pomocą szyfrowania i znaków wodnych.

Pomimo wszechstronności i łatwości obsługi płyt CD, miały one imponującą listę wad. Jednym z głównych była nadmierna kruchość i konieczność ostrożnego obchodzenia się. Czas nagrywania na nośnikach CD również był poważnie ograniczony, dlatego branża nagraniowa szukała alternatywy. Pojawienie się na rynku minidysku magnetooptycznego pozostało niezauważone przez zwykłych melomanów. minidysk(Rys. 1.2.10.)- opracowany przez Sony w 1992 roku i pozostał własnością inżynierów dźwięku, wykonawców i osób bezpośrednio związanych z działalnością sceniczną.

Ryż. 1.2.10.

Podczas nagrywania minidysku wykorzystano głowicę magnetooptyczną i wiązkę lasera, przecinając w wysokiej temperaturze obszary z warstwą magnetooptyczną. Główną przewagą MD nad tradycyjnymi płytami CD było większe bezpieczeństwo i dłuższa żywotność. W 1992 roku firma Sony wprowadziła także pierwszy odtwarzacz multimedialny na minidyskach. Model odtwarzacza zyskał szczególną popularność w Japonii, jednak poza granicami kraju zarówno pierworodny odtwarzacz Sony MZ1, jak i jego udoskonaleni potomkowie nie zostali zaakceptowani. Tak czy inaczej słuchanie płyty CD lub mini-dysku bardziej nadawało się wyłącznie do użytku stacjonarnego.

Pod koniec XX wieku przyszedł „era zaawansowanych technologii” . Pojawienie się komputerów osobistych i globalnego Internetu otworzyło zupełnie nowe możliwości i znacząco zmieniło sytuację na rynku muzycznym. W 1995 roku Instytut Fraunhofera opracował rewolucyjny format kompresji danych audio - Warstwa audio MPEG 1 3 , który otrzymał skróconą nazwę MP3. Głównym problemem początku lat 90 w dziedzinie mediów cyfrowych był brak wystarczającej ilości miejsca na dysku, aby pomieścić kompozycję cyfrową. Średni rozmiar dysku twardego najbardziej wyrafinowanego wówczas komputera osobistego nie przekraczał kilkudziesięciu megabajtów.

W 1997 roku na rynek wszedł pierwszy odtwarzacz programowy - Winampa , opracowany przez Nullsoft. Pojawienie się kodeka mp3 i jego ciągłe wsparcie przez producentów odtwarzaczy CD doprowadziło do stopniowego spadku sprzedaży płyt CD. Wybierając między jakością dźwięku (którą tak naprawdę odczuwał tylko niewielki procent konsumentów) a maksymalną możliwą liczbą utworów, jakie można było zapisać na jednej płycie CD (różnica wynosiła średnio około 6-7 razy), słuchacz wybierał to drugie.

W ciągu kilku lat sytuacja uległa diametralnej zmianie. W 1999 roku 18-letni Sean Fanning stworzył specjalistyczny serwis o nazwie - „Napster” , który zszokował całą erę biznesu muzycznego. Dzięki tej usłudze możliwa stała się wymiana muzyki, płyt i innych treści cyfrowych bezpośrednio przez Internet. Dwa lata później za naruszenie praw autorskich przez branżę muzyczną usługę tę zamknięto, ale mechanizm został uruchomiony i era muzyki cyfrowej rozwijała się dalej w niekontrolowany sposób: setki sieci peer-to-peer, które bardzo trudno było szybko uregulować.

Radykalna zmiana w sposobie odbioru i słuchania muzyki zbiegła się w czasie, gdy zbiegły się trzy rzeczy: komputer osobisty, Internet i przenośne odtwarzacze flash (urządzenia przenośne umożliwiające odtwarzanie utworów muzycznych zapisanych na wbudowanym dysku twardym lub w pamięci flash). ). W październiku 2001 roku na rynku muzycznym pojawił się Apple, wprowadzając na świat pierwszą generację zupełnie nowego typu przenośnego odtwarzacza multimedialnego - iPoda (Rys. 1.2.11.), który został wyposażony w pamięć flash o pojemności 5 GB, a także wspierał odtwarzanie formatów audio takich jak MP3, WAV, AAC i AIFF. Miał mniej więcej rozmiar dwóch kaset kompaktowych ułożonych razem. Wraz z wypuszczeniem koncepcji nowego odtwarzacza Flash, dyrektor generalny firmy Steve Jobs opracował intrygujące hasło – „1000 piosenek w kieszeni” (w tłumaczeniu z języka angielskiego - 1000 piosenek w kieszeni). W tamtym czasie to urządzenie było naprawdę rewolucyjne.

Ryż. 1.2.11.

Co więcej, w 2003 roku Apple zaproponowało własną wizję dystrybucji legalnych cyfrowych kopii utworów za pośrednictwem Internetu za pośrednictwem własnego internetowego sklepu muzycznego - sklep itunes . Całkowita baza kompozycji w tym sklepie internetowym liczyła wówczas ponad 200 000 utworów. Obecnie liczba ta przekracza granicę 20 milionów utworów. Podpisując umowy z liderami branży nagraniowej, takimi jak Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI i Warner Music Group, Apple otworzył zupełnie nową kartę w historii nagrań.

W ten sposób komputery osobiste stały się sposobem przetwarzania i replikowania nagrań dźwiękowych, odtwarzacze flash stały się uniwersalnym sposobem słuchania, a Internet stał się wyjątkowym środkiem dystrybucji muzyki. Dzięki temu użytkownicy mają pełną swobodę działania. Producenci sprzętu wyszli naprzeciw potrzebom konsumenta zapewniając wsparcie dla odtwarzania skompresowanego formatu audio MP3 nie tylko w odtwarzaczach flash, ale we wszystkich urządzeniach AV, począwszy od centrów muzycznych, kina domowe a kończąc na transformacji odtwarzaczy CD na CD/MP3 gracze. Z tego powodu konsumpcja muzyki zaczęła rosnąć w niewiarygodnym tempie, a zyski właścicieli praw autorskich zaczęły spadać równie równomiernie. Sytuacji nie mogły zmienić nowe, bardziej zaawansowane formaty płyt SACD, które miały zastąpić płyty kompaktowe. Większość ludzi wolała od tych innowacji skompresowany dźwięk i inne rewolucyjne innowacje, takie jak odtwarzacz muzyczny iPod i jego liczne analogi.

Za pomocą systemów najprostszej generacji sygnałów dźwiękowych na komputerach osobistych zaczęto tworzyć w ogromnych ilościach muzykę komputerową. Internet w połączeniu z technologią cyfrową umożliwił producentom tworzenie i dystrybucję własnej muzyki. Artyści wykorzystywali sieć do promocji i sprzedaży albumów. Użytkownicy mogli w najkrótszym możliwym czasie otrzymać nagranie niemal każdego utworu muzycznego i tworzyć własne kolekcje muzyczne, nie wychodząc z domu. Internet rozszerzył rynek, zwiększył różnorodność materiału muzycznego i przyczynił się do cyfryzacji branży muzycznej.

Era wysokich technologii wywarła ogromny wpływ na kulturę muzyczną, przyczyniła się do powstania i dalszego rozwoju przemysłu muzycznego, a co za tym idzie – rozwoju biznesu muzycznego. Od tego czasu artyści mają alternatywne możliwości wejścia na rynek muzyczny bez udziału największych wytwórni płytowych. Zagrożone są stare wzorce dystrybucji. W ciągu ostatnich kilku lat 95% muzyki w Internecie pochodziło z piractwa. Muzyki nie sprzedaje się już, lecz wymienia się ją za darmo w Internecie. Walka z piractwem przybiera na sile w miarę jak wytwórnie płytowe tracą zyski. Przemysł komputerowy jest bardziej dochodowy niż przemysł muzyczny, co pozwoliło na wykorzystanie muzyki jako produktu do promowania sprzedaży cyfrowej. Bezosobowość i jednorodność materiału muzycznego oraz wykonawców doprowadziła do nadmiaru rynku i dominacji funkcji tła w muzyce.

Sytuacja, która rozwinęła się na początku XXI wieku, pod wieloma względami przypomina to, co działo się w branży muzycznej na przełomie XIX i XX wieku, kiedy to nowe technologie przełamywały utarte tradycje, a do muzyki aktywnie wprowadzano płyty i radio. biznes. Doprowadziło to do tego, że już w połowie stulecia w przemyśle muzycznym wykształciła się niemal nowa podstawowa struktura, na której na przełomie XX-XXI wieku nastała „era wysokich technologii”. miało szkodliwy wpływ.

Należy zatem stwierdzić, że cała historia rozwoju nośników danych audio opiera się na dziedziczności osiągnięć poprzednich etapów. Przez 150 lat ewolucja technologii w branży muzycznej przeszła długą drogę rozwoju i transformacji. W tym okresie wielokrotnie pojawiały się nowe, bardziej zaawansowane urządzenia do rejestracji i odtwarzania dźwięku, począwszy od gramofonów po płyty kompaktowe. Pierwsze kiełki nagrań na płytach optycznych i szybki rozwój napędów HDD pod koniec lat 80-tych. w ciągu zaledwie jednej dekady przełamali konkurencję wielu analogowych formatów nagrań. Pomimo tego, że pierwsze muzyczne dyski optyczne nie różniły się jakościowo od płyt winylowych, ich zwartość, wszechstronność i dalszy rozwój kierunku cyfrowego miały zakończyć erę masowego użytku formatów analogowych. Nowa era wysokich technologii znacząco i szybko zmienia świat biznesu muzycznego.

Współczesny przemysł muzyczny to dość dziwne zjawisko, które nie stoi w miejscu i stale się rozwija. Ci, którzy w muzycznej „kuchni” pracują dłużej niż rok, wiedzą, że czasami bardzo trudno jest przewidzieć, co przyniesie nam muzyczną przyszłość. Jednakże system zysków jest zawsze taki sam i każdy, kto poważnie myśli o zamianie swojej muzyki na twardą gotówkę, dobrze by zrobił, gdyby przynajmniej miał podstawową wiedzę o tym, jak działa biznes muzyczny.

Dlatego postanowiliśmy napisać mały poradnik dla śmiałków, którzy chcą i zamierzają promować swoją muzykę i nieźle na niej zarabiać. To wystarczające informacje, które pozwolą Ci zrozumieć, jak żyje i oddycha biznes muzyczny, oraz skłonić Cię do zastanowienia się, w jaki sposób możesz być jego częścią.

Firmy fonograficzne

„Tradycyjna” droga do sukcesu w branży muzycznej wiedzie, gdy Twoja płyta zostanie odsłuchana przez znaną wytwórnię, która następnie podpisze z Tobą kontrakt na promocję Twojej twórczości. Jeszcze lepiej, jeśli nagrałeś już kilka utworów, które można umieścić w swoim minialbumie, pełnym albumie lub kilku albumach w sieci.

Tak naprawdę marka pełni rolę inwestora, który inwestuje swoje pieniądze w Ciebie i Twój projekt. Pieniądze te przeznaczane są na opłacenie wynajmu studia, miksowanie i mastering, a także na opłacenie zaliczki, która jest płacona z góry, abyś mógł dożyć momentu, w którym zaczniesz otrzymywać swoją część sprzedaży, o której mowa w branży jako tantiemy.

Wytwórnia zajmuje się także wszystkimi formalnościami niezbędnymi do wydania utworu/albumu, co obejmuje schemat podziału tantiem: jaki procent każdej zarobionej monety trafia do Ciebie, współpracowników, a jaki procent trafia do wytwórni na pokrycie początkowych kosztów inwestycję i uzyskaj dalsze zyski, które wytwórnia będzie mogła ponownie zainwestować w Twoją promocję.

Muzyczne łapanki

Towarzystwo Ochrony Praw Autorskich (MCPS) płaci opłatę licencyjną za każdą kopię Twojego utworu. Oznacza to, że im więcej płyt sprzedasz, tym więcej otrzymasz. Ponadto, jeśli Twój utwór trafi na płyty CD lub DVD albo zostanie wykorzystany w jakikolwiek inny sposób, również otrzymasz za to określoną kwotę.
Na przykład: w kolekcji znajduje się 20 utworów i jeden z nich należy do Ciebie. Oznacza to, że Copyright Society zapłaci Ci 5% całej sprzedaży.

Długo oczekiwane wydanie Twojej muzyki

Wydanie Twojej muzyki oznacza wykorzystanie Twojego utworu w dowolnej formie, a cały dochód uzyskany po wydaniu Twojej muzyki może pochodzić z wielu i różnorodnych źródeł. W rzeczywistości pieniądze pochodzą za każdym razem, gdy utwór jest odtwarzany w telewizji, radiu lub używany jako ścieżka dźwiękowa do filmu, nawet jeśli jest odtwarzany w przymierzalniach Topshop. Lista jest nieskończona.

Teoretycznie okazuje się, że za dowolne wykorzystanie swojego utworu dostajesz pieniądze. System ten działa za pośrednictwem agencji windykacyjnych, takich jak PRS w Wielkiej Brytanii lub ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) w USA. Organizacje te śledzą wszystkie sposoby wykorzystania Twojej muzyki, a następnie zbierają i rozdzielają pieniądze w odpowiedni sposób.

Telewizja, filmy i nie tylko

Głównymi kanałami dystrybucji i źródłami zysków w branży muzycznej są telewizja, filmy i gry wideo, czyli dystrybucja ścieżki dźwiękowej Twojej muzyki za pośrednictwem tych kanałów. Korzyści z fonogramu są oczywiste: zarabiasz za wykorzystanie swojego utworu; w rezultacie zyskujesz nowe dochody dzięki wykorzystaniu Twojej piosenki w projektach filmowych lub programach telewizyjnych, na przykład jako ścieżka dźwiękowa. Takie wykorzystanie Twojej muzyki pozwala zwiększyć widoczność Ciebie i Twojej twórczości, ponieważ usłyszy ją potencjalnie ogromna publiczność, która wcześniej nie była zaznajomiona z Twoją muzyką.

Zdobycie utworów w projektach telewizyjnych i filmowych nie jest łatwe, ale istnieją wyspecjalizowane firmy produkcyjne, które będą działać w Twoim imieniu, aby popchnąć Twoją muzykę w tym czy innym kierunku. Możesz więc zająć się swoim biznesem, a agencje takie jak ta będą promować Twoje utwory wśród osób związanych z filmem i telewizją.

Konieczność katalogowania muzyki, która znajdzie się w bibliotekach płytowych firm muzycznych (od niedawna nazywanych firmami zajmującymi się produkcją muzyczną), jest całkiem zrozumiała. W końcu to taki katalog jest potencjalnie najbardziej opłacalny ze wszystkiego, co zrobisz. Z reguły taka firma pobierze procent za promocję Twojej muzyki. Ale nie musisz płacić im z góry, aby Cię reprezentowali. Płatność dokonywana jest na miejscu. A jeszcze lepsze jest to, że nie zarabiają, dopóki Twoja muzyka nie zostanie wydana, co oznacza, że ​​dołożą wszelkich starań, aby wszyscy o Tobie wiedzieli.

Pomyśl o kompozycji Rembrandta „I'll Be There For You” – ścieżce dźwiękowej do serialu „Przyjaciele” – i o tym, ile osób zna go na całym świecie…

Inne źródła dochodu

A co by było, gdybyś w ogóle nic nie napisał ani nie wyprodukował? Nie martw się, nadal możesz zarabiać na muzyce. Streaming PPL nie jest typowym kanałem dystrybucji ze względu na autorów piosenek. Jest to dodatkowe źródło tantiem płaconych przez nadawców wykonawcom za wykorzystanie ich muzyki. Wszystkie osoby zaangażowane w powstanie utworu (basiści, wokaliści wspierający itp.) również otrzymują niewielką kwotę za swoją pracę.

Dystrybucja

Za dostarczenie Twojej muzyki z magazynu do sklepu odpowiedzialny jest dystrybutor. Aby to zrobić, jeśli tworzysz treści fizyczne, musisz zawrzeć umowę dystrybucyjną.
Jak wiemy, muzyka „fizyczna” pod względem popularności pozostaje w tyle za muzyką cyfrową, co jest dobrą wiadomością, jeśli zakładasz własną wytwórnię, ponieważ dystrybucja nie musi wiązać się z dużym wysiłkiem i kosztami. Dystrybucja cyfrowa oznacza, że ​​Twoje nagrania będą dostępne w sprzedaży cyfrowej we wszystkich miejscach, na które czekają Twoi fani. Na przykład Amazon, Beatport, iTunes. Innymi słowy, dystrybucja cyfrowa pozwala uniknąć niepotrzebnego zamieszania pod każdym względem.

I w końcu

Wszystko to jest dość trudne do zaakceptowania, ale jeśli chcesz związać swoje życie z muzyką, musisz zrozumieć podstawowe mechanizmy tak ogromnej maszyny muzycznej i musisz być gotowy, jeśli naprawdę chcesz wyrazić siebie i wyjść ślad na polu muzycznym, podejmij tę sprawę i idź do końca, bez względu na wszystko.
I życzymy powodzenia!