Epoka wysokiego renesansu, która trwała niespełna pół wieku, nazywana jest rozkwitem kultury włoskiej. Na liście jej tytanów i absolutnych geniuszy nazwisko Leonarda da Vinci jest na pierwszym miejscu. „Madonna Litta”, ukończona przez artystę w 1491 roku, jest jedną z najlepszych kreacji okresu mediolańskiego, ucieleśnieniem wielkości, harmonii i piękna Złotego Wieku. Na dworze zdeprawowanego despoty i utalentowanego burmistrza Lodovico Sforzy da Vinci spędził około dwóch dekad. Jego talenty malarskie i muzyczne były znacznie mniejsze niż talent inżyniera, wynalazcy, konsultanta wojskowego, mistrza fajerwerków i organizatora świąt. Większość jego czasu, sił psychicznych i fizycznych w tym czasie odbierała mu rzeźba konna Francesco Sforzy, ojca Lodovico, wykonana z brązu. To ona, a nie słynny fresk „Ostatnia wieczerza” i wspaniałe obrazy wywołały największy rezonans w mediolańskim społeczeństwie.
Decyzja ojca Leonarda, odnoszącego sukcesy notariusza, o przywiezieniu do rodziny trzyletniego nieślubnego syna, zabierając go od pospolitej matki, w żaden sposób nie wpłynęła na pełen szacunku stosunek do niej przyszłego artysty. Ciepłe wspomnienia o tej, która dała mu życie i jej bezgranicznej miłości, sprawiły, że w twórczości Leonarda pojawił się temat macierzyństwa. W obrazach Madonn harmonijnie łączy podstawowe zasady malarstwa chrześcijańskiego i świeckiego. Przykładem tego jest „Madonna Litta”.
Piękna młoda matka karmi piersią dziecko, którego przesadna figura jest tradycją na obrazach z religijną fabułą. Leonardo utożsamia karmienie dziecka z procesem pojmowania duszy człowieka przez syna Bożego. Szczygieł z czerwonym upierzeniem, ściśnięty lewą ręką małego Chrystusa, symbolizuje przelaną przez Niego krew, czekające na niego cierpienie, duszę chrześcijańską. Istnieje inna ciekawa wersja dotycząca wizerunku szczygieł. W języku włoskim nazwa tego ptaka brzmi jak Cardellino. Ma wspólny rdzeń ze słowem Cardinale, co tłumaczy się jako kardynał. Czerwony wierzchołek szczygieł może symbolizować cukinię lub pyleolus, czerwoną czapkę, której kardynałowie używają na co dzień jako nakrycie głowy. W tym przypadku kolor czerwony oznacza determinację do poświęcenia swojej krwi i życia w imię wiary. Użycie pewnych kolorów jest również wypełnione pewnym znaczeniem. Odcienie złota na klapach szaty - personifikacja czystości, błękit lub lazur - czystość i odbicie Boga, fiolet - przymiotny kolor Matki Boskiej. Malarze florenccy bardzo często stosowali tę kolorystykę na swoich płótnach.
Mimo obfitości symboli religijnych nie podkreśla się świętości obrazów i fabuły. Obraz odbierany jest jako hymn wielkiej macierzyńskiej miłości i czułości. Profilowy wizerunek twarzy Madonny jest utrzymany w duchu świeckiego portretu zwykłej ziemskiej kobiety (choć wersja trzy czwarte była uważana za nieco bardziej powszechną). Według kanonów malarstwa kościelnego taki obrót głowy byłby niemożliwy, ponieważ wybrano go na takich bohaterów jak Judasz. W ten sposób podkreślono ich bezosobowość i demoniczny początek. Skojarzeniowe nawiązanie do maniery pierwszego mentora - Andrei Verrocchio - lekko opuszczonej głowy Madonny, co świadczyło o jej skromności i opanowaniu. Ledwo dostrzegalny uśmiech na jej nieco smutnej twarzy, charakterystyczny dla wielu postaci na płótnach Leonarda, to także ukłon w stronę nauczyciela, który wyrzeźbił z brązu posąg Dawida, na którego twarzy widnieje ten sam półuśmiech.
Asceza ciemnego tła i symetria kompozycji, jaką tworzą dwa łukowe okna, tylko podkreślają to uczucie. Świat zewnętrzny jest reprezentowany przez górski krajobraz spowity niebieską mgłą. Odległy i zimny, tylko podkreśla delikatność i ciepło wizerunku matki. Niemowlę jest u progu ważnego dla niego okresu - odstawienia od matki. Decyzja już zapadła, na koszulce naszyte są specjalne nacięcia. Ta sytuacja jest trudna dla dziecka. Widząc jego przeżycia, matka rozrywa jedno z nacięć (o czym świadczą strzępy nici), aby maluch mógł zaspokoić swój głód.
Obraz ten wykorzystuje opracowaną przez Leonarda technikę sfumato („rozproszoną”), która polega na nakładaniu przezroczystych kolorów na ultra cienką warstwę jasnego podłoża. W efekcie forma zostaje złagodzona i modelowana światłocieniem, pojawia się relief, a nawet trójwymiarowość obrazu, jak to ma miejsce w przypadku twarzy i postaci pięknej młodej kobiety i małego Chrystusa. Celowo pogrubiona tonacja ciemnego tła sprawia, że są one jeszcze bardziej obszerne, wypychając je jeszcze bardziej na pierwszy plan. Obraz, który od czasu do czasu niszczał, można było uratować w momencie przekazania go do kolekcji Ermitażu, przenosząc go na płótno z drewnianej powierzchni. Układ postaci nawiązuje do najstarszego wizerunku Matki Bożej na fresku z rzymskich katakumb.
Równie niezwykłe są losy obrazu. Powodem jego pojawienia się był zakon jednej ze słynnych rodzin arystokratycznych - Litta. Tam pozostała przez długi czas. Z woli losu jeden z potomków słynnego rodu – Giulio Renato – trafił do Rosji. Rycerz Zakonu Maltańskiego otrzymał stopień generała w bardzo młodym wieku, mając 26 lat. Giulio Renato został Juliuszem Pompejewiczem. Za Pawła I przyjął obywatelstwo rosyjskie, otrzymał tytuł hrabiego i został mianowany szefem pułku gwardii kawalerii. Jedna z pierwszych piękności Petersburga, Ekaterina Skavronskaya, została jego żoną. Według historyków po jej śmierci doszło do romansu między nim a jego pasierbicą Julią Samoilovą. Nic dziwnego, że to ona odziedziczyła po jego śmierci większość ogromnej fortuny Juliusza Pompejewicza, w tym „Madonnę Littę”. Przez wiele lat był w niej zakochany Karl Bryullov, który na wielu swoich płótnach uosabiał urzekający obraz. Na stoku swojego życia, po przeprowadzce do Włoch, piękna dama straciła większość swojej fortuny.
„Madonna Litta” została sprzedana do Ermitażu w 1865 za 100 000 franków przez księcia Litty, jednego z potomków Juliusza Pompejewicza.
Matka i noworodek to jeden z najpopularniejszych tematów w sztuce.
Szczególną uwagę poświęcali mu artyści popularni i znani (Leonardo da Vinci i Rafael Santi) oraz mało znani szerokiej publiczności (Bartolomeo Murillo, di Marcovaldo i inni).
Dziewica Maryja z Marcovaldo
Coppo di Marcovaldo uważany jest za założyciela sieneńskiej szkoły sztuk pięknych. Jego losy są dość ciekawe, bo w połowie XIII wieku. brał udział w jednej z bitew po stronie florenckich zwolenników papieża, w wyniku której artysta został schwytany. Ale ponieważ był bardzo utalentowany, mógł „kupić” swoją wolność malując bardzo piękny i dość realistyczny wizerunek Madonny z Dzieciątkiem, który został następnie przeniesiony do kościoła w Sienie. Ta Madonna została nazwana „Madonna del Bordone”.
To zdjęcie przedstawia widza z siedzącą na tronie Matką Boską, lekko unoszącą jedną nogę, aby dziecko wygodniej siedziało w jej ramionach. Dotykająco trzyma go za nogę, a on wyciąga jej rękę. Mają już zauważalną interakcję, której nie zaobserwowano na wcześniejszych obrazach.
Głowę Dziewicy otacza ledwo widoczna aureola. Warto zwrócić uwagę na niesamowicie wyraziste oczy tej Madonny. Patrzy na widza, jakby zaglądała w jego duszę. Jej ubrania to prosta czarna peleryna, ale dla większego szyku artystka pomalowała draperie na złoto. Po bokach, po lewej i prawej stronie, są przedstawione anioły w pełni wzrostu (to jest tradycja Florencji). Zazwyczaj rysowano je tak samo, ale te, jeśli się przyjrzeć, nie są do siebie całkowicie identyczne: różnice są na ich twarzach.
Od mniej znanych przejdźmy do bardziej popularnych i przyjrzyjmy się najjaśniejszym obrazom na ten temat.
„Madonna Litta” Leonarda da Vinci
Jednym z najbardziej przedstawiających Madonnę z Dzieciątkiem jest obraz „Madonna Litta” najjaśniejszego Leonarda da Vinci. Teraz można go zobaczyć wśród arcydzieł przechowywanych w Ermitażu.
Główną twarzą na tym płótnie jest młoda kobieta, która trzyma dziecko w ramionach i karmi je piersią. Jak w całości wyróżnia się bardziej niż tło, gdzie widz może obserwować okna w formie łuków, przez które widać jasnoniebieskie niebo z puszystymi białymi chmurami. Warto zauważyć, że Madonna z Dzieciątkiem jest narysowana bardzo wyraźnie, jej rysy wydają się uwydatnione, jakby narysowane pod lampą błyskową, w zestawieniu z nieco rozmazanym tłem – to też cechy charakterystyczne portretów z tamtej epoki.
Mama patrzy na dziecko z czułością. Niektórym wydaje się, że uśmiecha się lekko ("uśmiech Leonarda" popularny w obrazach artysty), w rzeczywistości Madonna jest zamyślona. Dziecko patrzy na widza, trzymając w jednym z uchwytów ptaka - małego szczygła.
Szczygieł w obrazie „Madonna Litta”
Istnieją różne wersje tego, dlaczego pisklę jest przedstawione na tym zdjęciu.
Ptak jako symbol przyszłego cierpienia Chrystusa, gdzie czerwona głowa carduelis oznacza krew przelaną przez Syna Bożego. Według legendy, gdy Chrystus był prowadzony na Golgotę, szczygieł spadł na niego, wyrwał cierń z brwi Jezusa i kapała na niego krew.
Szczygieł, symbolizujący duszę, która po śmierci odlatuje: to określenie wywodzi się ze starożytnego pogaństwa, ale zachowało się także w chrześcijańskiej semiotyce.
Apokryficzna ewangelia Tomasza opowiada nieco inną historię: Jezus wskrzesił martwego szczygiełka, po prostu go podnosząc, dlatego wiele obrazów przedstawia to pisklęta wraz z dzieckiem.
Madonny – Raphael Santi
Ale jest jeszcze jedna, nie mniej znana Madonna z Dzieciątkiem. Raphael Santi był tym, który to napisał. A raczej ma wiele obrazów z taką fabułą: jest to znana i przechowywana w Ermitażu „Madonna Conestabile” oraz niezwykła „Madonna z welonem”, która przedstawia nie tylko matkę i dziecko, ale całą Świętą Rodzinę.
Bezpośrednio obraz z tytułem „Madonna z Dzieciątkiem” Rafael namalowany w 1503 roku. Kobieta na nim jest bardziej wyrafinowana i niewątpliwie młodsza od da Vinci. Oczywiście więź między matką a dzieckiem jest wyraźniejsza. Patrzą na siebie z wzruszającą miłością i lekką zadumą, mama podtrzymuje ręką dziecko za plecy. To już nie jest niepokojąca Dziewica, którą można zobaczyć na wczesnych obrazach artysty.
Razem czytali Księgę Godzin - symbol władzy Kościoła - zawierającą teksty modlitw, psalmów, nabożeństw (wcześniej, nawiasem mówiąc, to właśnie z tej księgi nauczyli się czytać). Według niektórych przekazów Księga Godzin otwarta jest na stronie odpowiadającej godzinie dziewiątej i jest to czas ukrzyżowania Jezusa na krzyżu.
W tle rysuje się zadymiony krajobraz z kościołem i drzewami. Nawiasem mówiąc, ten pejzaż można również nazwać charakterystyczną cechą twórczości Santiego na temat matki i dziecka. Prawie każdy obraz Rafaela ma dość szczegółowe tło krajobrazowe.
Nie ma sensu określać, czyj obraz jest lepszy: da Vinci czy Raphael. Madonna z Dzieciątkiem każda z nich wygląda oryginalnie i niepowtarzalnie.
Tematem matki i dziecka interesowały się nie tylko sztuki plastyczne, warto więc zastanowić się, jak znalazł odzwierciedlenie w innych typach.
Madonna z Dzieciątkiem w rzeźbie
Uwagę każdego konesera sztuki przyciąga rzeźba „Madonna z Dzieciątkiem”, której autorem jest słynny mistrz Michał Anioł.
To arcydzieło, zgodnie z planem klientów, miało znajdować się na wysokości około dziewięciu metrów, aby publiczność patrzyła na nie z dołu do góry, jak bóstwo. Nawiasem mówiąc, z tego powodu oczy matki i dziecka skierowane są w dół.
Istnieją dowody na to, że kardynał Piccolomini (pierwszy klient) był niezadowolony ze szkiców, głównie dlatego, że Jezus był nagi, więc ich umowa z Michałem Aniołem została zerwana. A rzeźba oczywiście znalazła swojego właściciela. Stali się de Mouscron - kupcem z Brugii. Następnie przekazał go kościołowi Najświętszej Marii Panny, gdzie umieszczono go w ciemnej niszy, pięknie kontrastującej z marmurowo-białym kolorem samej rzeźby.
W tej chwili w celu ochrony władze miasta umieściły go za kuloodporną szybą.
„Madonna Doni” Michał Anioł
Oprócz tego, że był znakomitym rzeźbiarzem, Michał Anioł był także wspaniałym malarzem. Chociaż nie uważał tego za jakieś osiągnięcie i wcale nie był dumny ze swojego talentu.
Rysowane przez niego obrazy zadziwiają widza niesamowitą plastycznością, wydaje się, że nawet podczas rysowania „rzeźbi” postaci, nadając im objętość. Ponadto obraz przedstawia całą Świętą Rodzinę, co było rzadkością w tego typu obrazach. Oczywiście w pełnym tego słowa znaczeniu Michał Anioł jest rzeźbiarzem, a nie artystą. „Madonna z Dzieciątkiem” to jednak po prostu arcydzieło.
Więc podsumujmy. Jeśli mówimy o najsłynniejszym obrazie przedstawiającym Matkę Boską, to jest to arcydzieło Leonarda da Vinci „Madonna z Dzieciątkiem”. Jeśli dana osoba jest zainteresowana innymi rodzajami sztuki, najbardziej uderzające i niezapomniane jest oczywiście dzieło Michała Anioła.
Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura renesansu (renesans) Wysłano dnia 31.10.2016 14:13 Wyświetleń: 4085Leonardo da Vinci to jeden z największych przedstawicieli sztuki wysokiego renesansu, przykład „człowieka uniwersalnego”.
Był artystą, rzeźbiarzem, architektem, naukowcem (anatomem, przyrodnikiem), wynalazcą, pisarzem, muzykiem.
Jego pełne imię to Leonardo di ser Piero da Vinci, w tłumaczeniu z włoskiego oznacza „Leonardo, syn pana Piero z Vinci”.
We współczesnym znaczeniu Leonardo nie miał nazwiska - „da Vinci” oznacza po prostu „(urodzony) z miasta Vinci”.
Leonardo jest znany naszym współczesnym przede wszystkim jako artysta. Znanych jest 19 obrazów Leonarda.
Domniemany autoportret Leonarda da Vinci
Krytycy sztuki nie mogą z całą pewnością stwierdzić, że słynny portret starca to autoportret. Być może jest to tylko studium głowy apostoła na Ostatnią Wieczerzę.
Z ogromnego dziedzictwa artystycznego i naukowego Leonarda da Vinci (1452-1519) w tym artykule rozważymy tylko malownicze obrazy Madonn.
„Madonna z goździkiem” (1478)
Drewno, olej. 42x67 cm Stara Pinakoteka (Monachium)
Uważa się, że obraz ten namalował młody Leonardo da Vinci, gdy był jego uczniem w pracowni włoskiego rzeźbiarza i malarza Verrocchio, jednego z nauczycieli Leonarda.
Opis obrazu
Madonna jest przedstawiona z ledwo zauważalnym pozorem uśmiechu na ustach. Na jej twarzy nie ma innego uczucia.
Jej strój pasuje do dziwacznego pasma górskiego w tle. Madonna jest przedstawiana przez recepcję sfuma. Ta technika została opracowana przez Leonarda da Vinci. Polega ona na tym, że kontury postaci i przedmiotów są łagodzone przez otaczające je powietrze (sfumato (wł. sfumato - cieniowane, dosłownie: „znika jak dym”).
Przeciwnie, Dzieciątko Jezus jest przedstawione w energicznym ruchu. Swoimi wciąż niezdarnymi dłońmi próbuje złapać czerwony goździk, którego Matka trzyma w swojej pełnej wdzięku dłoni. Prawą stopą Dziecko spoczywa na poduszce, a lewą unosi się w napięciu. Tak bardzo chce dosięgnąć kwiatka!
Panuje opinia, że to tylko kopia z oryginału, która wciąż nie jest znana.
„Madonna Benois” (lub „Madonna z kwiatkiem”), 1478-1480
Płótno (przetłumaczone z drewna), olej. 48x31,5 cm Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg)
Ten obraz należy również do wczesnych dzieł Leonarda. Jest uważany za niedokończony. Tytuł obrazu nie należy do autora. W 1914 r. Ermitaż nabył go od Marii Aleksandrowny Benois, żony nadwornego architekta Leonty Nikołajewicz Benois, Rosyjski architekt i nauczyciel. Obraz Leonarda da Vinci podarował mu jego teść, bogaty handlarz rybami z Astrachania.
Opis obrazu
Madonna z Dzieciątkiem są przedstawione w półmrocznym pokoju. Jedynym źródłem światła w nim jest podwójne okienko znajdujące się z tyłu. To światło z tego okna uwydatnia postacie na obrazie i ożywia je grą światłocienia.
Artysta przedstawia Madonnę jako zwyczajną młodą kobietę, matkę, z miłością patrzącą na swoje dziecko, podejmującą pierwsze próby opanowania świata, patrzącą na kwiat. Madonna jest ubrana w strój noszony przez współczesnych Leonarda. I była uczesana jak na tamte lata.
Kwiat wskazuje na symbolikę obrazu krzyżowy. To jest symbol ukrzyżowania. Ale dla dziecka w tej chwili to tylko niewinna zabawka.
„Madonna z kwiatem” Leonarda da Vinci była kiedyś szeroko znana ówczesnym artystom. Pod jej wpływem powstały inne prace znanych artystów, w tym Rafaela.
Ale potem przez wieki obraz Leonarda uważano za zaginiony.
"Madonna Litta" (1490-1491)
Płótno, tempera. 42x33 cm Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg)
Litta- mediolańskie nazwisko arystokratyczne z XVII-XIX wieku. Obraz przez kilka stuleci znajdował się w prywatnej kolekcji tego rodu - stąd jego nazwa. Oryginalny tytuł obrazu to Madonna z Dzieciątkiem. Madonna została przejęta przez Ermitaż w 1864 roku.
Uważa się, że obraz został namalowany w Mediolanie, gdzie artysta przeprowadził się w 1482 roku.
Jej pojawienie się wyznaczyło nowy etap w sztuce renesansu - ustanowienie stylu wysokiego renesansu.
Rysunek przygotowawczy do płótna Ermitażu jest przechowywany w paryskim Luwrze.
Rysowanie w Luwrze
Opis obrazu
Piękna młoda kobieta karmiąca piersią uosabia macierzyńską miłość jako największą wartość ludzką.
Kompozycja obrazu jest prosta i harmonijna. Postacie Maryi i Dzieciątka Chrystus podkreślone lekkim światłocieniem. Harmonię relacji między bohaterami obrazu podkreśla górski pejzaż w symetrycznych oknach, przywołujący poczucie wielkości wszechświata.
Twarz Madonny ukazana jest z profilu z ledwo wyczuwalnym uśmiechem w kącikach ust. Dziecko jest skupione na swoim zawodzie, patrząc z roztargnieniem na publiczność. Prawą ręką trzyma pierś matki, w lewej trzyma szczygieł.
„Madonna w skałach”
Leonardo da Vinci stworzył dwa obrazy o podobnej kompozycji. Jeden został napisany wcześniej, obecnie wystawiany w Luwrze (Paryż). Inny (napisany przed 1508) jest wystawiany w London National Gallery.
„Madonna w skałach” (1483-1486)
Drzewo, przełożone na płótno, olej. 199x122 cm Luwr (Paryż)
Ta wersja została stworzona dla kaplicy w kościele San Francesco Grande w Mediolanie. W XVIII wieku. został kupiony przez angielskiego artystę Gavina Hamiltona i sprowadzony do Anglii. Następnie znajdowała się w różnych kolekcjach prywatnych, aż w 1880 roku została zakupiona przez Galerię Narodową.
W 2005 roku pod tym obrazem odkryto inny obraz za pomocą badań w podczerwieni, więc niektórzy badacze uważają, że Leonardo pierwotnie planował napisać kult małego Jezusa.
„Madonna w skałach”. Londyńska Galeria Narodowa
Opis obrazów
Oba płótna przedstawiają klęczącą Matkę Boską, trzymającą rękę na głowie małego Jana Chrzciciela. Po prawej stronie anioła trzyma małego Jezusa. Jezus podniósł rękę w błogosławieństwie. Scena relacji przedstawionych postaci i tła pejzażu kontrastują: z jednej strony spokój i czułość, z drugiej niepokojące wrażenie surowego pejzażu. Artysta wykorzystuje swoją ulubioną technikę (sfumato) do zmiękczania konturów twarzy i przedmiotów.
„Madonna z wrzecionem” (ok. 1501)
Oryginał tego obrazu zaginął. Ale istnieją trzy kopie, z których dwie zostały stworzone w 1501 roku przez Leonarda da Vinci (lub uczniów jego szkoły). Kolejny egzemplarz wykonano w 1510 roku.
Narodowa Galeria Szkocji
Jeden egzemplarz znajduje się obecnie w National Gallery of Scotland w Edynburgu, drugi znajduje się w prywatnej kolekcji w Nowym Jorku.
Współcześni Leonardowi lubili ten mały obraz przedstawiający bardzo młodą Madonnę z Dzieciątkiem. Dlatego wykonano kopie.
„Madonna z wrzecionem” (1501)
Drewno, olej. 48,3 x 36,9 cm. Prywatna kolekcja
Ale całkiem możliwe, że nie jest to kopia, ale nowa wersja stworzona w tym samym 1501, co oryginał.
„Madonna z wrzecionem” (1510)
Olej, płótno na drewnie, 50,2x36,4 cm. Kolekcja prywatna (Nowy Jork)
Wysoka jakość obrazu świadczy o tym, że powstał w pracowni Leonarda da Vinci, być może pod jego opieką.
Opis obrazu
Obraz przedstawia młodą Matkę Boską i Dzieciątko Jezus trzymające wrzeciono w formie krucyfiksu - symbol zarówno paleniska, jak i krzyża. W mitologii klasycznej wrzeciono symbolizowało przeznaczenie człowieka.
Cała postać Maryi wyraża miłość do dziecka. Wygląda na to, że chce odwrócić uwagę dziecka od wrzeciona. Ale nawet Matka nie może zapobiec Ukrzyżowaniu, które jest przeznaczone dla Chrystusa.
A dziecko jest całkowicie zwrócone do symbolu Swojej przyszłej Męki i odwraca się od kochającego spojrzenia Matki.
"MADONNA LITTA"
Jest tak wiele obrazów przedstawiających Matkę Boską, że zwyczajowo podaje się najsłynniejsze przezwiska. Często przykleja się do nich nazwisko jednego z poprzednich właścicieli, jak to miało miejsce w przypadku Madonny Litty.
Obraz, namalowany w latach 90. XIV wieku, pozostawał we Włoszech przez wiele stuleci. Od 1813 r. należała do rodu mediolańskich Littów, których przedstawiciele doskonale wiedzieli, jak bogata jest Rosja. To właśnie z tej rodziny pochodził maltański rycerz hrabia Giulio Renato Litta, który cieszył się wielką łaską Pawła I i opuszczając zakon poślubił swojego siostrzeńcaIce Potiomkin, stając się milionerem. Nie ma jednak nic wspólnego z malarstwem Leonarda. Ćwierć wieku po jego śmierci, w 1864 roku, książę Antonio Litta zwrócił się doPustelnia, niedawno stał się muzeum publicznym, z ofertą zakupu kilku obrazów z rodzinnej kolekcji.
Angelo Bronzino. Rywalizacja między Apollo i Marsjaszem. 1531-1532 lata. Pustelnia Państwowa
Antonio Litta tak bardzo chciał zadowolić Rosjan, że wysłał listę 44 dzieł wystawionych na sprzedaż i poprosił przedstawiciela muzeum, aby przyjechał do Mediolanu obejrzeć galerię. Dyrektor Ermitażu Stepan Gedeonow pojechał do Włoch i wybrał cztery obrazy, płacąc za nie 100 000 franków. Oprócz Leonarda muzeum nabyło Konkurs Apolla i Marsjasza Bronzino, Karmiącego Kupidyna Wenus Lavinii Fontany i Madonnę modlącą się Sassoferrato.Obraz da Vinci dotarł do Rosji w bardzo złym stanie, trzeba go było nie tylko wyczyścić, ale od razu przenieść z deski na płótno. Więc Ermitaż dostał pierwszy« leonardo» .
Nawiasem mówiąc, oto przykład sporów o atrybucję: czy Leonardo stworzył „Madonnę Litta” sam, czy z asystentem? Kim był ten współautor – jego uczeń Boltraffio? A może Boltraffio namalował go w całości na podstawie szkicu Leonarda?
Ten problem nie został jeszcze ostatecznie rozwiązany, a „Madonna Litta” jest uważana za nieco wątpliwą.
Leonardo da Vinci miał wielu uczniów i naśladowców - nazywa się ich "leonardesques". Czasami w bardzo dziwny sposób interpretowali spuściznę mistrza. Tak pojawił się typ aktu „Mona Lisa”. W Ermitażu znajduje się jeden z tych obrazów nieznanego autora - Donny Nudy (Nude Woman). Pojawił się w Zimnym za panowania Katarzyny Wielkiej: w 1779 r. nabyła go cesarzowa w ramach kolekcji Richarda Walpole'a. Oprócz niej w Ermitażu znajduje się również duża kolekcja innych Leonardesk, w tym kopia ubranej Mony Lisy.
"MADONNA BENOIS"
Obraz ten, namalowany w latach 1478-1480, został również nazwany na cześć jego właściciela. Co więcej, można ją było nazwać „Madonną Sapozhnikov”, ale „Benois”,oczywiście brzmi lepiej. Ermitaż nabył go od żony architekta Leonty Nikołajewicza Benois (brat słynnego Aleksandra) - Maria Aleksandrowna Benois. Urodziła się Sapozhnikova (i, nawiasem mówiąc, była dalekim krewnym artystyMaria Baszkirtseva być dumnym).
Wcześniej obraz był własnością jej ojca, kupca milionera z Astrachania Aleksandra Aleksandrowicza Sapożnikowa, a przed nim jego dziadka Aleksandra Pietrowicza (wnuka Siemiona Sapożnikowa, który został powieszony we wsi Malykovka za udział w buncie Pugaczowa przez jednego młodego porucznika o imieniu Gavrila Derzhavin). Rodzina opowiadała, że Madonnę sprzedali Sapożnikowom wędrowni włoscy muzycy, których, nie wiadomo jak, przywieźli do Astrachania.
Wasilij Tropinin. Portret A.P. Sapozhnikov (dziadek). 1826; portret AA Sapozhnikov (ojciec), 1856.
Ale w rzeczywistości dziadek Sapożnikowa nabył go w 1824 r. za 1400 rubli na aukcji po śmierci senatora, przewodniczącego Kolegium Berga i dyrektora Szkoły Górniczej Aleksieja Korsakowa (który podobno przywiózł go z Włoch w latach 90. XVIII wieku).
Co zaskakujące, kiedy po śmierci Korsakowa jego kolekcja, w której skład wchodzili Tycjan, Rubens, Rembrandt i inni autorzy, została wystawiona na licytację, Ermitaż kupił kilka dzieł (w szczególności Millet, Mignard), ale zaniedbał tę skromną Madonnę.
Stając się właścicielem obrazu po śmierci Korsakowa, Sapozhnikov podjął się renowacji obrazu, na jego prośbę został natychmiast przeniesiony z planszy na płótno.
Orest Kiprensky. Portret A. Korsakowa. 1808. Muzeum Rosyjskie.
Rosyjska publiczność dowiedziała się o tym obrazie w 1908 roku, kiedy nadworny architekt Leonty Benois wystawił dzieło z kolekcji swojego teścia, a główny kustosz Ermitażu Ernst Lipgart potwierdził rękę mistrza. Stało się to na „Wystawie sztuki zachodnioeuropejskiej ze zbiorów kolekcjonerów i antykwariuszy w Petersburgu”, która została otwarta 1 grudnia 1908 r. W salach Cesarskiego Towarzystwa Zachęty Sztuki.
W 1912 roku Benois zdecydowali się sprzedać obraz, obraz został wysłany za granicę, gdzie eksperci zbadali go i potwierdzili jego autentyczność. Londyński antykwariusz Duvin zaoferował 500 000 franków (około 200 000 rubli), ale w Rosji rozpoczęła się kampania zakupu dzieła przez państwo. Dyrektor Ermitażu hrabia Dmitrij Tołstoj zwrócił się do Mikołaja II. Benois chciał również, aby Madonna pozostała w Rosji i ostatecznie przekazała ją Ermitażu w 1914 roku za 150 000 rubli, które spłacano w ratach.
, autor wykładów o sztuce Włoch, kontynuuje historię mistrzów i arcydzieł renesansu.„Madonna Litta” Leonarda da Vinci to perła kolekcji Ermitażu, symbol włoskiego piękna doby renesansu, znany wszystkim od dzieciństwa. Od samego początku praca była otoczona tajemnicami, z których wiele zostało rozwikłanych przez naukowców. Ale główny sekret tego niewielkiego, ale ogromnego w treści obrazu, ujawnia się na swój sposób każdemu widzowi.
W archiwach Państwowej Ermitażu znajduje się list księcia Mediolanu Antoniego Litty z 1864 r., w którym informuje cesarza Aleksandra II o zamiarze sprzedaży za sto tysięcy franków czterech obrazów z własnej kolekcji. Wśród nich jest „Madonna z Dzieciątkiem” Leonarda Da Vinci. Dyrektor Ermitażu Cesarskiego, Stepan Aleksandrowicz Gedeonow, udał się do Włoch i przywiózł do północnej stolicy arcydzieło, które stało się znane jako Madonna Litta.
Zakup obrazu Leonarda wywołał szeroki rezonans w Europie. Ludzie sztuki gratulowali Gedeonowowi udanego zakupu i narzekali, że bezcenny obraz wyjeżdża do dalekiej Rosji. Mniej szczęśliwi nabywcy stwierdzili nawet, że wątpią w autentyczność obrazu.
W rzeczywistości debata o tym, czy Leonardo da Vinci jest autorem „Madonny Litta” nie ustała aż do połowy ubiegłego wieku. Zaraz po pojawieniu się obrazu w Petersburgu postanowiono natychmiast go odrestaurować i przenieść z drewna na płótno. Dzieło powierzono stolarzowi Ermitażu, który wykonał je z taką wprawą, że został odznaczony srebrnym medalem cesarskim. Jednak praca straciła wiele z pierwotnej wersji, co znacznie komplikuje pracę historyków sztuki i ekspertów.
Dziś wątpliwości zostały rozwiane. „Madonna Litta” to arcydzieło Leonarda da Vinci i jego szkoły. Pomysł, kompozycja, wizerunek twarzy Matki Boskiej, modelowanie postaci przy pomocy najdoskonalszego światłocienia należą do pędzla mistrza.
„Maria Lactans” lub „Madonna karmiąca dziecko” - fabuła szeroko rozpowszechniona we włoskim malarstwie XIV-XV wieku, niezwykle podekscytowała mistrza. Tematem jego licznych rysunków i szkiców jest kobieta z dzieckiem. Przedstawiając delikatne i smutne kobiety z uroczymi dziećmi, Leonardo bada uczucia i aspekty ludzkiej duszy.
Wybierając opowieść biblijną, przedstawia ją jako scenę z życia codziennego. W zwykłym pokoju młoda kobieta czule przyciska dziecko do piersi, nad ich głowami nie ma aureoli, w pobliżu nie ma świętych ani aniołów. O boskości postaci widz może się domyślać nie tyle symbolami, którymi posługiwał się mistrz (Madonna występuje w tradycyjnych strojach Matki Boskiej: czerwonej sukience i niebieskiej pelerynie, a dziecko ściska szczygiełka, symbolem przyszłych prób Zbawiciela), ale przez atmosferę duchowości emanującą z dzieła.
Leonardo posługuje się subtelnymi technikami artystycznymi, tworząc zwięzłe i doskonałe dzieło.
Dwa symetryczne okna równoważą kompozycję, a pejzaż nadaje obrazowi głębię i tajemniczość (nawiasem mówiąc, to właśnie te górskie szczyty pomogły ustalić przybliżoną datę powstania obrazu: krytycy sztuki zauważyli podobieństwo pejzaży otwierających się z okien na obrazie „Madonna Litta” i na słynnym fresku „Ostatnia wieczerza”, nawiązującym powstanie obrazu do lat 80. XV wieku, do okresu twórczości Leonarda w Mediolanie).
Kontrastując rzeźbiarski bezruch Madonny i wyrazistość pozy dziecka, mistrz tworzy integralną grupę, w której każdy element się uzupełnia. Manierę Leonarda można odgadnąć zarówno w relacji widoków i gestów, jak i w tym, jak harmonijnie czerwień stroju Madonny odbija się echem od chromatyczności modelującej twarz i ciało dziecka, a także w równowadze niebieskich tonów płaszcza i pejzażu , oraz w subtelności, z jaką przezroczysty welon powtarza linie fryzur i oczywiście w wyrazie twarzy młodej kobiety.
Kolekcja Louvre zawiera rysunek kobiecej głowy, bez wątpienia stworzony z życia i stworzony przez Leonarda podczas pracy nad Litta Madonna. Ale na zdjęciu mistrz przedstawił wyidealizowany portret pięknej kobiety. Ma rozpoznawalny „Leonard” typ urody: miedziane włosy, pociągła twarz, wysokie czoło, wydłużony nos i słynny, tajemniczy i nieuchwytny uśmiech, tak trafnie oddający głębię ludzkich uczuć.
Ciekawy jest również wygląd dziecka zwróconego do widza. Mistrz nie tylko ustanawia subtelny, niemal mistyczny związek między światem realnym a światem wyobrażonym, ale także zaprasza widza do współtworzenia. Nieuchwytna harmonia chwili i nieuchwytne uczucie czułości i macierzyńskiej miłości są widziane i odczuwane przez każdego, kto styka się ze stworzeniem Leonarda. Czuje się na swój sposób, w zależności od swojej wyobraźni, temperamentu, a nawet nastroju.
