1. Ręcznie rysowane. Nie najtrudniejszy w obróbce, ale najtrudniejszy pod względem produkcyjnym, sprzętowym. „Soyuzmultfilm”, przybliżona kopia studia Disneya – to fabryka, w dosłownym tego słowa znaczeniu! Przynajmniej taka była kiedyś. Ze swoimi warsztatami, ze swoim przenośnikiem. Ford wynalazł linię montażową, Disney zaadaptował ją do animacji!!! Wymaga wielu specjalistów z różnych dziedzin, wielu różnych materiałów, pomieszczeń, sprzętu. W wersji klasycznej: rysowane na kalce, następnie obrysowane na celuloidzie, malowane farbą zalewową, filmowane. To jest klasyczna wersja. Obecnie cała obróbka obrazu odbywa się w komputerze, w specjalnych programach. Tak jest łatwiej i taniej.

2. Marionetka. To druga najtrudniejsza technika, zaraz po Igle Screen. A pod względem popularności wśród animatorów „przed erą komputerową” na pierwszym miejscu! Wynika to z prostoty i produktywności produkcji: małego warsztatu do tworzenia postaci i układów, sali strzeleckiej, trochę sprzętu i kilku osób. W wersji klasycznej: obiekty poruszające się w przestrzeni trójwymiarowej. Przede wszystkim odpowiednie są lalki przegubowe, ale odpowiednie są również inne prawdziwe przedmioty. Myślę, że wyjaśnienia są tutaj niepotrzebne.
Komputerowy odpowiednik animacji lalkowej to 3Danimacja.

3. Tłumaczenie. W wersji klasycznej: są to płaskie obiekty poruszające się po płaszczyźnie, w przestrzeni dwuwymiarowej. Zwykle przesuwają się po szybie, dzięki czemu można zastąpić tło pod szkłem. Szklanych płaszczyzn może być wiele – wielopoziomowa maszyna do tworzenia iluzji przestrzeni – pierwszy plan, środek, dalszy, tło. Kamera znajduje się na górze, a animator przesuwa złożone postacie po kadrze pod kamerą. każda ruchoma część ciała jest odrębnym obiektem. Na przykład ramię składa się z: barku, przedramienia, dłoni i palców. A to wszystko są osobne obiekty wykonane z tektury, papieru czy celuloidu…. Postacie leżą na szkle, a tło znajduje się pod szkłem. Pod kamerą możesz przesuwać dowolne inne przedmioty materialne, takie jak monety, łańcuszki, zapałki, wszystko, co podpowie Ci fantazja rysownika!
We współczesnej wersji tłumaczenie odbywa się na przykład wBłyskAlbo After Effects...

4. Płaska marionetka. To coś pomiędzy tłumaczeniem a animacją lalkową. Jest to nakładka leżąca na szkle, płaska z boku szkła i obszerna po przeciwnej stronie. W przybliżeniu jak w rzeźbie „płaskorzeźba”.

5. Plastelina. Technologia jest dość znana i popularna – może być odmianą animacji lalkowej lub totalną, gdy wszystko się zmienia i przekształca.
Technikę tę można naśladować w 3D programy.

6. Materiały sypkie. Animator pod kamerą klatka po klatce tworzy ruch z piasku, trocin, kawy, herbaty… Dlaczego animatorzy nie próbowali przesuwać klatka po klatce pod kamerą!

7. metoda bezdętkowa. Warstwę emulsji zmywa się z folii, a następnie każdą klatkę rysuje się ręcznie za pomocą piórka. Do tej metody nie jest potrzebna kamera. Podobnie jest z komputerem. Ale potrzebny jest film i projektor filmowy 35 mm, a to sprawia, że ​​​​ta technologia jest mało przydatna w nowoczesnych warunkach. Uważa się, że kanadyjski animator McClaren jako pierwszy wypróbował tę metodę. Odbywa się to wyłącznie ręcznie.

8. Malowany dźwięk. Technika powiązana z „metodą bezdętkową”. Tutaj wszystko jest takie samo jak tam, jedynie ścieżka dźwiękowa jest rysowana, na lewo od klatek, na kliszy ze zmytą warstwą emulsji. Wymaga to dużej wytrwałości i wielu eksperymentów z dźwiękiem.
Przykład: Normana McLarenakropki» (1940)

9. Żywe malarstwo. Opcja pierwsza: artysta maluje obraz np. olejem bezpośrednio pod kamerą i od czasu do czasu utrwala na kliszy etapy pośrednie. Widz staje się niejako świadkiem narodzin obrazu. Istnieją programy komputerowe z funkcją rejestrowania wszystkich działań artysty, na przykład Corel Painter, uzyskuje się ten sam film. Opcja druga: wykonuje się zwykłe strzelanie klatka po klatce, zgodnie z konkretną fabułą. A pod kamerą ruch postaci i tło tworzone są przy użyciu farb olejnych lub temperowych, zwykle na szkle, tworząc efekt żywego płótna.Przykład: „Stary człowiek i morze” Aleksandra Pertrowa.

10. Rapporello. Bardzo egzotyczna technika. To praca wyłącznie z realnymi obiektami, nie stworzonymi specjalnie na potrzeby filmu, ale znalezionymi w środowisku. Na przykład wybiera się, usuwa kilka rzeczywistych obiektów o podobnym kształcie, ale różnej plastyczności, a następnie tworzy z nich ruch. Najbardziej znanym przykładem tej techniki jest przebudzony lew z pancernika Potiomkin. Zabrano tam trzy rzeźby lwów: jednego leżącego, drugiego podnoszącego głowę, trzeciego podskakującego na przednich łapach. Na filmie po wystrzale armatnim ukazano kilka klatek każdej z rzeźb w określonej kolejności, co dawało złudzenie, że rzeźba ożyła. A w kontekście filmu przeczytano, że strzał obudził lwa!

11. Metoda ekranu igłowego. Zaprojektowany przez kanadyjskiego animatora Aleksandra Aleksiejewa. Przez długi czas był jedynym multiplikatorem, który potrafił pracować w tej technice. Wynaleziona w 1931 roku technika ta stała się najbardziej wyrafinowaną techniką w historii animacji.Razem z żoną Claire Parker wykonał blat z ogromną liczbą otworów, w których umieszczono metalowe pręty. Blat został oświetlony skośnym, bocznym światłem. Pręt ukryty w otworze w blacie nie rzucał cienia, więc powierzchnia wydawała się jasna. Gdy wysunął się z otworu, cień pręta zaczął rosnąć i uzyskano gradację koloru od jasnego do ciemnego.
Przykład: „Noc na Łysej Górze”, Aleksander Aleksiejew.
Niedawno dowiedziałam się, że w tej technice pracują współcześni artyści! Tak, a analog blatu można kupić w sklepie.

12. Ekler. Jest to metoda pseudoanimacji, kiedy filmuje się żywego aktora, następnie przenosi się go na papier, nadając cechy pożądanej postaci, a następnie wszystko odbywa się przy użyciu technologii.ręcznie rysowana animacja. Rolę animatora zastępuje praca aktorska. Termin„Eclair” wziął się od nazwy aparatu francuskiej firmy „Eclair”, który został zaadaptowany w firmie Soyuzmultfilm do wyświetlania obrazów klatek na papierze. Artyści powiedzieli: „Pójdę i posiedzę na „eklerze”, co oznaczało, że będzie wykonywał żmudną i ponurą pracę w specjalnym pomieszczeniu na obrzeżach, mieszczącym się w dzwonnicy obok magazynu filmów, i będzie śledzenie wyświetlanego znaku na kalce kreślarskiej.
Przykład: „Złota antylopa”, „Kasztanka”.
Nowoczesnym odpowiednikiem „eklera” jest technologia« przechwytywanie ruchu.

13. Piksele. Odpowiednik animacji lalkowej, tyle że zamiast lalek używa się prawdziwych aktorów, którymi animator porusza się po kadrze jak lalki. Żywi aktorzy, lalki i różne przedmioty mogą jednocześnie przebywać w kadrze i wchodzić w interakcję.Przykład: „Sąsiedzi” Normana McLarenaA

14. Fotoselektywny. Zamiast rysunków wykorzystuje, jak można się domyślić, zdjęcia wykonane specjalnie na potrzeby filmu.
Przykład: Harpia autorstwa Raoula Servaisa.

15. Łączny. Jest to animacja osadzona w regularnej sekwencji wideo. Lub odwrotnie. Przykład:„Trzej Caballeros”, „Nowy Guliwer”.
Teraz żaden hit nie może obejść się bez kombinacji! A to, że czasami nie widać animacji na ekranie, nie znaczy, że ona nie istnieje! W filmach nazywa się to „efektami specjalnymi”.

Tutaj wydaje się być pełna lista głównych technik animacji, jeśli o czymś zapomniałem, daj mi znać.

animacja komputerowa Usuwam to z nawiasów, bo to po prostu nowe technologie pomaganie multiplikatorom w osiąganiu lepszych wyników przy mniejszym rozlewie krwi.
To jest jak ołówek: najpierw był węgiel, potem grafit, potem grafit został ubrany w drewnianą koszulę, potem w metal i plastik z mechanizmem wysuwania ołówka – ołówek z tuleją zaciskową, a teraz rysik to ołówek elektroniczny. I nadal rysujemy rękami.

Komputer z reguły imituje techniki, które istniały już wcześniej. A widza z reguły nie obchodzi, za pomocą jakich technologii i środków się to robi. Najważniejsze, że byłoby ciekawie!

Na przykład spotkałem się już z faktem, że wieluBłysk traktowane jako odrębna technika animacji lub wręcz styl. I prymitywne. Niedawno widziałem w jednym programie, jak Harry Bardeen wraz z prezenterami kłaniał sięBłyskjakimkolwiek sposobem. Mówili, że to nie jest animacja, że ​​to jest prymitywne, że nie ma tam kreatywności, a jednocześnie zawsze pamiętają Masyanyę! Najwyraźniej nie widzieli niczego innego zrobionego w tym programie! A co do stosunku starych animatorów do komputerów to już osobny temat, napiszę o tym później.

Koledzy i zwykli obywatele,Błysk - to tylko program, który pozwala zrobić nie tylko „Masyanyę”, ale także lepszą animację. Zarówno dobre „tłumaczenie”, jak i klasyka „rysowana animacja”. Nadaje się zarówno do fazowania jak i wypełniania. Cóż, reszta zależy od wyobraźni, wiedzy i umiejętności animatora.

Przez całe swoje istnienie człowiek starał się odzwierciedlić ten ruch w swojej sztuce. Pierwsze próby oddania ruchu na rysunku datuje się na ok. 2000 r. p.n.e. (Egipt).

Inny przykład ruchu można znaleźć w jaskiniach północnej Hiszpanii: jest to rysunek dzika o ośmiu nogach.

Obecnie przeniesienie ruchu można zrealizować za pomocą animacji.

Animacja to sztuczna reprezentacja ruchu w filmie, telewizji lub grafice komputerowej poprzez wyświetlanie sekwencji rysunków lub klatek z częstotliwością zapewniającą całościową wizualną percepcję obrazów.

Animacja, w przeciwieństwie do wideo, które wykorzystuje ciągły ruch, wykorzystuje wiele niezależnych rysunków.

Synonim animacji "animacja" jest w naszym kraju bardzo rozpowszechniona. Animacja i animacja to po prostu różne definicje tej samej formy sztuki.

Bardziej znane nam określenie pochodzi od łacińskiego słowa „multi” - dużo i odpowiada tradycyjnej technologii reprodukcji rysunków, ponieważ aby bohater „ożył”, trzeba wielokrotnie powtarzać jego ruch: od 10 do 30 rysowanych klatek na sekundę.

Przyjęta na świecie definicja profesjonalna "animacja"(przetłumaczone z łacińskiego „anima” - dusza, „animacja” - odrodzenie, animacja) najdokładniej odzwierciedla wszystkie współczesne możliwości techniczne i artystyczne kina animowanego, ponieważ mistrzowie animacji nie tylko ożywiają swoje postacie, ale wkładają kawałek swojej duszy w ich tworzenie.

Z historii animacji

Animacja, jak każda inna dziedzina sztuki, ma swoją historię. Po raz pierwszy zasadę bezwładności percepcji wzrokowej leżącą u podstaw animacji zademonstrował w 1828 roku Francuz Paul Roget. Obiektem pokazu był dysk, na którym z jednej strony widniał wizerunek ptaka, a z drugiej klatki. Podczas obrotu dysku publiczność stworzyła iluzję ptaka w klatce.

Pierwszym naprawdę praktycznym sposobem tworzenia animacji było stworzenie kamery i projektora przez Thomasa A. Edisona.

Już w 1906 roku Stuart Blakton stworzył krótki film Humorous Phases of Funny Faces. Autor wykonał rysunek na tablicy, sfotografował, wymazał, a potem ponownie narysował, sfotografował i wymazał…

Prawdziwej rewolucji w świecie animacji dokonał WALT DISNEY (1901-1966), amerykański reżyser, artysta i producent.

To nie jest pełna historia animacji, mała dygresja od materiału wykładu. O niesamowitej i ciekawej historii animacji możesz dowiedzieć się samodzielnie.

Technologie tworzenia animacji

Obecnie istnieją różne technologie tworzenia animacji:

Klasyczna (tradycyjna) animacja reprezentuje alternatywną zmianę rysunków, z których każdy jest rysowany osobno. Jest to bardzo czasochłonny proces, gdyż animatorzy muszą tworzyć każdą klatkę osobno.

Animacja poklatkowa (marionetkowa).. Obiekty umieszczone w przestrzeni zostają unieruchomione ramą, po czym ich położenie zostaje zmienione i ponownie ustalone.

Animacja Sprite’a realizowane przy użyciu języka programowania.

morfing– przekształcenie jednego obiektu w drugi poprzez wygenerowanie określonej liczby ramek pośrednich.

animacja kolorów- zmienia jedynie kolor, a nie położenie obiektu.

3 D-animacja utworzone przy użyciu specjalnych programów (na przykład 3D MAX). Zdjęcia uzyskujemy poprzez renderowanie sceny, a każda scena to zbiór obiektów, źródeł światła, tekstur.

przechwytywanie ruchu (Ruchschwytać) – pierwszy kierunek animacji, który umożliwia przekazywanie naturalnych, realistycznych ruchów w czasie rzeczywistym. Czujniki są przymocowane do aktora na żywo w lokalizacjach, które zostaną dopasowane do punktów kontrolnych modelu komputerowego w celu wprowadzania ruchu i digitalizacji. Współrzędne aktora i orientacja w przestrzeni przekazywane są do stacji graficznej, a modele animacji ożywają.

Zasady animacji

Tworząc filmy animowane, stosuje się pewne ogólne zasady. Większość z nich przeznaczona jest do animacji Disneya i pierwotnie nawiązywała do kreskówek wykonanych w technice tradycyjnej animacji, jednak niemal wszystkie mają zastosowanie w innych technologiach.
Oto główne:

„Ściśnij i rozciągnij”(squash i rozciąganie). Zasada ta zrewolucjonizowała świat animacji. Istotą tej zasady jest to, że żywe ciało jest zawsze ściskane i rozciągane podczas ruchu. Przed skokiem postać jest ściskana jak sprężyna, a podczas skoku wręcz przeciwnie, rozciągana. Główną zasadą w tym przypadku jest stała objętość - jeśli postać jest rozciągnięta (rozciągnięcie - odkształcenie w osi Y), to należy ją ścisnąć, aby zachować objętość swojego korpusu (squash - odkształcenie w osi X).

„Akcja przygotowawcza” (Oczekiwanie). W prawdziwym życiu, aby wykonać jakąkolwiek czynność, człowiek często musi wykonać ruchy przygotowawcze. Na przykład przed skokiem osoba musi usiąść, aby coś rzucić, należy cofnąć rękę. Takie działania nazywane są ruchami odmowy, ponieważ. zanim coś zrobi, postać niejako odmawia działania. Taki ruch przygotowuje widza do dalszych działań bohatera i nadaje dynamiki ruchom.

obecność na scenie(inscenizacja). Aby postać była prawidłowo postrzegana przez publiczność, wszystkie jej ruchy, postawy i mimika muszą być niezwykle proste i wyraziste. Zasada ta opiera się na głównej zasadzie teatru. Kamerę należy ustawić tak, aby widz widział wszystkie ruchy postaci.

„Kluczowe ujęcia” (Poza do pozy). Przed odkryciem tej zasady rysowano ruchy, dlatego wynik był trudny do przewidzenia, ponieważ. sam artysta nie wiedział jeszcze, co narysuje. Zasada ta zakłada wstępne ułożenie ruchów – artysta rysuje główne punkty i umieszcza postać na scenie, a dopiero potem asystenci rysują wszystkie kadry ruchu. Takie podejście radykalnie zwiększyło wydajność, ponieważ wszystkie ruchy zostały zaplanowane z wyprzedzeniem, a wynik był dokładnie taki, jak zamierzono. Ale aby stworzyć konkretny ruch, konieczne było dokładne przestudiowanie każdego „kawałka”. W wypracowanie wyrazistych póz artysta wkłada cały swój kunszt, dzięki czemu to właśnie te momenty powinny być widoczne dla widza na dłużej. Aby to zrobić, asystenci wykonują ruchy w taki sposób, aby większość kadrów znajdowała się obok kluczowych póz. W tym przypadku postać niejako przesuwa ruch z jednego układu do drugiego, powoli opuszczając pozę i zwalniając w drugim.

„Poprzez ruch i nakładanie się”(kontynuuj / Nakładające się działania).
Istotą tej zasady jest to, że ruch nigdy nie powinien się zatrzymywać. Są takie elementy jak uszy, ogony, ubrania, które muszą być w ciągłym ruchu. „Poprzez ruch” zapewnia ciągłość ruchu i płynność przejścia faz np. z biegu do chodzenia i odwrotnie. Ruch poszczególnych elementów ciała, gdy ciało już się nie porusza, nazywa się nakładaniem. Nakładanie się wyraża się w scenach zmiany faz ruchu. Jeśli postać po biegu mocno hamuje, miękkie części ciała nie mogą się zatrzymać razem z twardymi i następuje lekkie nakładanie się na siebie (włosy, uszy, ogony itp.). Podczas chodzenia ruch zaczyna się od bioder, a dopiero potem rozprzestrzenia się na kostki. W ten sposób wszystkie ruchy postaci są połączone w oddzielny łańcuch i możliwe staje się sztywne opisanie zasad, według których się porusza. Ruch, w którym jeden element następuje po drugim, nazywany jest ruchem.

„Ruch po łukach” (łuki). Organizmy żywe zawsze poruszają się po łukowatych trajektoriach. Wcześniej stosowano metodę ruchu prostoliniowego, dlatego ruchy wyglądały mechanicznie – podobnie jak u robotów. Charakter trajektorii zależy z reguły od prędkości ruchu. Jeśli postać porusza się gwałtownie, trajektoria się prostuje, jeśli porusza się powoli, to trajektoria wygina się jeszcze bardziej.

Działalność drugorzędna (Działania drugorzędne). Często stosuje się ruchy wtórne, aby nadać postaci większą wyrazistość. Służą zwróceniu na coś uwagi. Na przykład postać pogrążona w żałobie może często wydmuchać nos w chusteczkę, podczas gdy postać zaskoczona może drgać ramionami. Działania wtórne stały się powszechne w świecie animacji. Dzięki ich zastosowaniu postacie stają się bardziej żywe i emocjonalne.

Obliczanie czasu(Wyczucie czasu). Zasada ta pozwala nadać postaci wagę i nastrój. Jak widz ocenia wagę postaci? Na wagę postaci składają się takie czynniki, jak prędkość ruchu i bezwładność. Aby postać poruszała się zgodnie ze swoją wagą, artysta oblicza ruch i czas nakładania się każdej postaci. Przy obliczaniu czasu bierze się pod uwagę wagę, bezwładność, objętość i stan emocjonalny bohatera. Nastrój oddaje także szybkość ruchów postaci. Zatem postać przygnębiona porusza się bardzo powoli, a postać natchniona porusza się dość energicznie.

Przesada (Przesadzanie i karykatura). Walt Disney zawsze wymagał od swoich pracowników większego realizmu, w rzeczywistości dążąc bardziej do „realizmu karykaturalnego”. Jeśli postać miała być smutna, żądał, aby była ponura, a szczęśliwa miała być olśniewająco promienna. Za pomocą przesady wzrasta emocjonalne oddziaływanie na widza, jednak postać nabiera karykaturalnego charakteru.

profesjonalny rysunek. Rysunek to podstawa wszystkiego. Dość powszechne w Disney Studios są tabliczki typu: „Czy twój rysunek ma wagę, głębokość i równowagę?” Zasada profesjonalnego rysowania zabrania również rysowania „bliźniaków”. „Bliźniaki” to dowolne elementy rysunku, które powtarzają się dwukrotnie lub są symetryczne. „Bliźniaki” bardzo często pojawiają się wbrew woli artysty, nie zauważając, że rysuje on dwie ręce w tej samej pozycji.

atrakcyjność (Odwołanie). Atrakcyjność postaci jest kluczem do sukcesu całego filmu. Jak rozpoznać, że postać jest atrakcyjna? Każdy przedmiot może być atrakcyjny, jeśli spojrzysz na niego z przyjemnością, odnajdując w nim prostotę, urok, dobry design, urok i magnetyzm. Od atrakcyjnej postaci nie można oderwać wzroku. Nawet najpaskudniejsza postać w filmie musi być atrakcyjna, aby zatrzymać widzów na ekranie.

Każda osoba ma tendencję do odzwierciedlania swojego ruchu w pracy lub kreatywności. Można to osiągnąć za pomocą różnych technik animacji. Termin „animacja” został przetłumaczony z łaciny jako „animacja”.

Klasyfikacja

Spróbujmy dowiedzieć się, jakie rodzaje animacji istnieją. Nazywa się je również technologią procesu animacji.

• Rewitalizacja na zasadzie „stopklatki”. Nazywa się to również animacją lalkową. Następuje unieruchomienie obiektu w ramce, na przykład za pomocą kamery, następnie zmienia się położenie obiektu w kadrze, po czym fiksacja następuje ponownie.
• Morphing - transformacja obiektu. Istniejący jest zastępowany innym, zgodnie z zasadą ilościowego generowania struktury kadrowej.
• Typ klasyczny to film tworzony z szeregu pojedynczych obrazów klatka po klatce, z ich sekwencyjną zmianą. Główną wadą jest wysoki stopień pracochłonności procesu. Kierunek ten jest jednym z najczęściej stosowanych. Reprezentuje rodzaje animacji, które z reguły były (i są) stosowane w większości filmów animowanych.
• Ożywienie koloru - charakteryzuje się przekształceniem koloru bez zmiany ogólnego położenia przestrzennego.
• Animacja 3D – kreskówka stworzona przy pomocy specjalistycznego oprogramowania (3DS MAX, XSI, MAYA), w którym powstają kluczowe sceny do przyszłego filmu.
• Sprite - ucieleśnienie tego typu animacji tworzone jest przy użyciu języka programowania.
• Przechwytywanie ruchu (Capture Motion) - widok, który najdokładniej oddaje wszystkie niuanse naturalnego ruchu, mimiki. Specjalne czujniki umieszczone na ludzkich aktorach są dopasowane do punktów kontrolnych modelu. Podczas ruchu współrzędne są do nich przesyłane. Dzięki takim metodom modele z kreskówek ożywają.

Wszystkie główne typy animacji przedstawione na liście można utworzyć przy użyciu różnych środków technicznych lub ręcznie. Ale dziś najczęściej do tych celów wykorzystuje się specjalne programy komputerowe, które optymalizują proces tworzenia animowanych obiektów i dzieł. Komputerowe metody tworzenia kreskówek poszerzają granice wyrazistości. Stopień oddziaływania na widza zwiększa się poprzez zastosowanie różnych efektów, które nie są dostępne przy ręcznym wykonaniu.

Animacja komputerowa. Zasady

Tworzenie kreskówki z wykorzystaniem możliwości komputera wiąże się z pewnymi zasadami. Ich kluczowe zasady to: raster, fraktal, wektor. Istnieje również oddzielenie oprogramowania do animacji 2D i 3D. Programy dwuwymiarowe są zwykle używane do animacji Flash, programy trójwymiarowe umożliwiają ustawienie stopnia i rodzaju oświetlenia obiektu, tekstur oraz wykonanie automatycznego renderowania (wizualizacji).

Główne typy animacji komputerowych mają te same zasady w działaniu. Mają do nich zastosowanie wszystkie powyższe typy.

Metody przygotowania animacji komputerowej

• Metoda kadrowania klucza. Umożliwia ustawienie obiektu w żądanej pozycji, skorelowanie ich ze względu na przedziały czasowe. System komputerowy uzupełnia brakujące ramki w konstrukcji (pomiędzy ramkami odniesienia). Następuje rekonstrukcja brakujących etapów ruchu.
• Animacja proceduralna. Stosuje się go w przypadku, gdy nie jest możliwe odtworzenie niektórych działań za pomocą klatek kluczowych. Charakteryzuje animacje komputerowe pod kątem spójnej konstrukcji poszczególnych konstrukcji kadrowych.
• Tworzenie pojedynczych ramek. Najczęściej wykonywany przy użyciu różnych edytorów graficznych. Tworzone są osobne klatki obrazów, które później zostaną ułożone w określonej kolejności.
• Rastrowe zasady konstrukcji animacji. Najbardziej zrozumiałe ze wszystkich powyższych. Przedstawiane jako przechowywane w jednym pliku. Powszechnie używany jest format GIF. Istnieje wiele programów, które umożliwiają wydanie takich plików, np. Gimp.

Wszystkie powyższe rodzaje animacji komputerowej pozwalają zrozumieć, jak wieloaspektowy jest proces tworzenia ruchu.

Oprogramowanie PowerPoint

Poruszając ten temat i rozważając przykłady programów komputerowych pozwalających tworzyć, nie sposób nie wspomnieć o programie takim jak PowerPoint. Należy do Microsoftu. Pakiet ten przeznaczony jest do tworzenia prezentacji. Zapotrzebowanie na prezentacje stale rośnie, ponieważ wysokiej jakości i wizualna prezentacja projektów i prac jest jednym z kluczowych punktów rozwoju profesjonalisty. Prezentacja stworzona w programie PowerPoint to zestaw materiałów slajdowych z ich jednoczesnym wyświetleniem na ekranie. Wszystkie niezbędne dane po utworzeniu w programie przechowywane są w jednym pliku. Podobny nacisk ma także na przykład program Harvard Graphics.

Wystarczająco szerokie ustawienia wewnętrzne programu pozwalają na wykorzystanie różnych rodzajów animacji. W programie PowerPoint wykorzystanie różnych gotowych szablonów pozwala najefektywniej podejść do tworzenia prezentacji.

Główne cechy programu

Struktura programu pozwala przede wszystkim na tworzenie prezentacji poprzez tworzenie slajdów z ich jednoczesną demonstracją wideo na ekranie. Slajdy można tworzyć przy użyciu różnych szablonów. Pokaz slajdów jest generowany przy użyciu różnych efektów. Stosowane są różne rodzaje animacji. Możesz dostosować kolejność slajdów na ekranie.

Szablony kolorów w programie PowerPoint

Kluczową cechą programu jest to, że standardowe efekty animacji można zastosować jednocześnie do wszystkich plików. Program posiada także zestaw gotowych szablonów kolorów. Mają różnorodne schematy kolorów, które pozwalają zastosować je do dowolnych slajdów tematycznych. Szablony kolorów pozwalają zwiększyć efektywność prezentacji, zaoszczędzić czas, a także nadać jej określony kierunek stylistyczny.

Efekty specjalne

Aby uzyskać najbardziej wizualną i zapadającą w pamięć prezentację w programie, dostępny jest pewien zestaw efektów, które pozwalają dostosować rodzaj przejścia podczas pokazu slajdów. Dzięki temu przerwa pomiędzy zmianami slajdów, wypełniona efektami specjalnymi, staje się niezauważalna.

Funkcje programu

Wszystkie prezentacje utworzone w programie PowerPoint można zapisać w formacie HTML. W takim przypadku wszystkie użyte dane audio i wideo zostaną zachowane. Również w programie dostępne są narzędzia do tworzenia tabel i diagramów poprzez rysowanie, a także specjalne znaczniki, które umożliwiają wstawianie gotowych rysunków z ich dalszym zapisywaniem. Kolejną charakterystyczną cechą jest funkcja automatycznego tworzenia albumów. Istnieje możliwość wykorzystania akompaniamentu muzycznego.

Tym samym, po rozważeniu w artykule informacji o istniejących metodach tworzenia animacji, możemy stwierdzić, że wraz z rozwojem nowoczesnego oprogramowania podejście do tego zagadnienia stało się najbardziej racjonalne. Duża liczba programów mających na celu unowocześnienie pracy nad procesami animacji, daje ogromne pole do popisu dla kreatywności i pracy. Zrozumienie, jakie rodzaje animacji istnieją, pomoże Ci wybrać najbardziej odpowiedni program do określonych celów.

Animacja to tworzenie ruchomego obrazu na ekranie. Raczej iluzja ciągłego ruchu. W rzeczywistości jest to sekwencja statycznych klatek. A jednak - sztuka złożona technicznie i stale rozwijająca się. Jeśli więc ktoś Ci powie, że karykatury nie są poważne, zaprotestuj gwałtownie i wysuwaj argumenty. Oto krótki program edukacyjny na temat głównych rodzajów ruchomych obrazów, z którego stanie się jasne, dlaczego animacja nie jest gorsza od filmów fabularnych, ale pod pewnymi względami nawet ją przewyższa.

klasyczna ręcznie rysowana kreskówka

Wiele osób w dzieciństwie rysowało postacie na marginesach zeszytów, zmieniając ich położenie z każdą stroną. Jeśli szybko przejrzysz taki notatnik, wydaje się, że postać biegnie, a kwiat kwitnie. Klasyczna animacja klatka po klatce działa w podobny sposób.

Standardowy format częstotliwości zmiany zdjęć to 24 klatki na sekundę. I wszystkie te ramki muszą zostać narysowane! Wcześniej robiono to ręcznie. Z czasem na ratunek przyszły specjalne programy do edycji, więc teraz ręcznie rysowane są tylko kluczowe klatki. Niemniej jednak stworzenie filmu animowanego poklatkowego to wciąż żmudna i trudna praca.

Pierwsza animacja poklatkowa jest czasami nazywana taumatropem, zabytkową zabawką w kształcie dysku z wzorami po obu stronach. Dzięki szybkiemu obracaniu kółka na nitce udało się uzyskać efekt łączenia obrazów. Na przykład ptak i klatka zamieniły się w wizerunek ptaka w klatce, a kwiaty i wazon w pełnoprawną martwą naturę. Na początku XX wieku zaczęły pojawiać się pierwsze filmy animowane. Steward Blakton nakręcił film krótkometrażowy „Śmieszne wyrazy śmiesznych twarzy” i Emila Kohla – "Fantasmagoria". W obu filmach autorzy rysują na planszy postacie, które następnie „ożywają”. Kohl odkrył, że każda faza ruchu wymaga innego schematu i użył kamery zamontowanej pionowo.

Potem wydarzyło się wielkie wydarzenie – do animacji wszedł Walt Disney. Wymyślił w szczególności sposób na tworzenie objętości poprzez łączenie różnych planów, a także technikę warstwową, w której przezroczyste folie celuloidowe z obrazami nakładają się na siebie, dzięki czemu nie trzeba już rysować kadru od zera. Za pomocą trójkolorowego systemu Technicolor (połączenie monochromatycznych zdjęć wykonanych przez filtry czerwony, niebieski i zielony) Disney stworzył pierwszą kolorową kreskówkę - Kwiaty i drzewa. Zrealizował także pierwszą w historii kreskówkę dźwiękową („Parowiec Willie” z gwiżdżącą Myszką Miki w roli głównej) oraz pierwszy pełnometrażowy film animowany „Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków”, który zrobił furorę.

Okazało się, że animacja jest interesująca dla osób w każdym wieku. Co więcej, pozwala osiągnąć wyjątkowy efekt emocjonalny za pomocą unikalnych środków.

Aktor, nawet ze zdolnościami mimicznymi Jima Carreya i poświęceniem Christiana Bale’a, który dla ról zrzucił nawet 30 kilogramów, wciąż nie jest w stanie wyjść poza ludzkie możliwości. Ale od bohaterów kreskówek nie wymaga się ścisłego przestrzegania praw natury i fizyki. Artysta może więc nagrodzić je dowolnymi proporcjami, cechami zewnętrznymi i plastycznością – byle to wszystko zadziałało na odsłonięcie obrazu.

Za to też trzeba podziękować Disneyowi, który stworzył cały panteon kultowych postaci, których charakter odbija się w wyglądzie. Jego metody przejęli inni animatorzy. Dzięki nim istnieją dziś setki zapadających w pamięć animowanych bohaterów i złoczyńców.

Styl klasycznej animacji może być inny. Kreskówka Disneya lub radziecka, animacja europejskiego autora, a nawet abstrakcyjna, anime - różne style, których nigdy nie pomylisz. Jednak technicznie rzecz biorąc, jest to animacja klatka po klatce.

animacja lalek

Technologia poklatkowa wykorzystuje scenę makiety, która niczym w teatrze pełni funkcję dekoracji oraz lalkowych „aktorów”. Aby stworzyć iluzję ruchu, pozy postaci są nieznacznie zmieniane poprzez wykonanie fotografii klatka po klatce, a następnie przekształcenie jej w film. Taka animacja pojawiła się wraz z kinem klasycznym. Na przykład słynna scena z filmu „Podróż na Księżyc”, w której statek kosmiczny uderza satelitę Ziemi prosto w oko – to także jest poklatkowa.

Kreskówki lalkowe to zawsze wyjątkowa historia w świecie animacji. Nie zamieniają się w wielkie franczyzy (to nie zadziała ze względu na złożoność produkcji), a komercyjnie nie odnoszą największych sukcesów. Jednak ten sposób ożywiania statyki ma w sobie szczególną magię.

Takie kreskówki pozwalają stworzyć objętość, jakiej nie jest w stanie klasyczna, ręcznie rysowana animacja, a także dostarczają szczegółów bez konieczności rysowania - wystarczy umieścić obiekty w kadrze. Jednak nie jest to wcale proste. Scenografię do kreskówek kukiełkowych tworzy się ręcznie, a to naprawdę kawał piekielnej roboty.

Barwiony na różowo popcorn został użyty do przedstawienia sakury w filmie Koralina.

Każdy kwiat na drzewkach zabawek jest ręcznie wykonany przez animatorów i umieszczony zgodnie z wymaganiami danej sceny. W Kubo. Futro małpy Legenda o samurajach wykonane jest z maleńkich płatków silikonu, z których każdy został przyklejony do figurki. Wszystko to trzeba przemyśleć wcześniej, bo gdy element jest już utworzony w materiale, naciśnięcie przycisku „Cofnij” nie zadziała. Podczas udźwiękowienia animacji lalkowej każdy ruch ust aktora-lalki tworzony jest osobno, synchronizując mimikę twarzy ze ścieżką dźwiękową. Dziś wiele części drukuje się na drukarce 3D, a mimo to nadal jest to praca na akord.

W latach 60. i 80. w ZSRR bardzo lubiano animację lalkową - ze względu na teksturowane materiały i przytulną intymność. Na szczególną sympatię publiczności zasługują Rękawiczki Romana Kaczanowa, w których kłębek czerwonej wełny wywołuje burzę emocji, oraz Plastelina Wrona Aleksandra Tatarskiego z wirtuozowską grą form (animacja z plasteliny to także podgatunek animacji poklatkowej) i energiczne piosenki.

W pewnym momencie animacja lalkowa pozostawiła w tyle animację komputerową pod względem złożoności i naturalności ruchów postaci. Jednak dzisiaj technologie CG poczyniły postępy, a bohaterowie komputerowi nie są gorsi od marionetkowych odpowiedników, ale pod wieloma względami je przewyższają.

Z czasem trudna w produkcji i czasochłonna animacja poklatkowa zaczęła tracić na popularności. Co dziwne, dobrze jej to robi. Na twórczość w tym gatunku decydują się tylko ideowi reżyserzy, którzy dokładnie wiedzą, o czym chcą opowiadać i mają oryginalny styl. Na przykład Tim Burton ze swoimi słynnymi filmami o śpiewających szkieletach i martwych zwierzakach, czy Wes Anderson, który wyreżyserował film Fantastyczny pan Lis.

animacja komputerowa

W tym przypadku ruchome obrazy uzyskiwane są za pomocą animacji 3D generowanej na komputerze. Trójwymiarowe modele obiektów poruszają się i wchodzą w interakcje zgodnie z wolą reżyserów.

W kinie jednym z pierwszych, którzy zastosowali animację komputerową, był George Lucas. Wielu fanów nadal ceni efekty specjalne wczesnych odcinków Gwiezdnych Wojen bardziej niż grafikę we współczesnych filmach. Studio ILM Lucasa pracowało także nad wieloma znanymi eposami filmowymi ze znakomitymi efektami (Indiana Jones, Powrót do przyszłości, Star Trek), a także nad filmem Kto wrobił królika Rogera, będącym połączeniem aktorów i postaci z kreskówek.

Potem okazało się, że animacja może nie tylko służyć filmom z aktorami, ale także kreować ich własny świat. Pionierami w dziedzinie animacji komputerowej stało się studio Pixar, które zrobiło dla niej nie mniej niż Disney dla tradycyjnej. Dziś jest to odnoszące największe sukcesy studio animacji w historii kina.

Animowany film krótkometrażowy Luxo Jr. z 1986 roku przedstawia małą lampkę stołową bawiącą się piłką pod nadzorem lampy dla rodziców. Lampy zasłużyły na miano postaci z kreskówek, gdyż pozwalają pracować ze światłem i pokazywać, jak odbijają je różne powierzchnie. W tej krótkiej kreskówce jest coś, za co do dziś chwalone jest dzieło Pixara – innowacyjność technologii i żywotność emocjonalna bohaterów. W 1995 roku studio wypuściło pierwszy w pełni wygenerowany komputerowo film fabularny „Toy Story”.

Studio stale udoskonala technologię i poszukuje nowych możliwości. Kręcone włosy na wietrze, przedmioty tonące w wodzie, ruch chmur, miliony ziarenek piasku na plaży…

W przypadku filmów CG, aby to wszystko było przekonujące, trzeba wziąć pod uwagę tekstury, wagę, ścieżki ruchu i wiele innych czynników. Fakt, że obiekty są wirtualne, tylko sprawia, że ​​ważniejsze są ich „właściwości materialne”. W końcu artyści i programiści chcą, aby gumowa piłka odbijała się, a tkanina trzepotała na wietrze jak prawdziwa.

Inne studia przyjęły te metody, na przykład Blue Sky Studios, które wydało Ice Age i Dreamworks (franczyzy Shrek, Madagascar, Kung Fu Panda, How to Train Your Dragon).

Animacja komputerowa dała widzowi głębię obrazu, a także możliwość biegania z bohaterami i wykonywania zawrotnych lotów. Tak efektowne zwroty akcji kamery nie były możliwe ani w klasycznej animacji, ani w zwykłym kinie. Dlatego w kreskówkach 3D jest tak wiele wyścigów i przygód, a scenariusze są pisane z myślą o elemencie wizualnym i dynamice.

Oczywiście dobre kreskówki przyciągają nie tylko technologią. Jednak to właśnie szerokie możliwości animacji pozwalają reżyserom nie tylko przekazywać przeżycia, ale także dotykać skomplikowanych tematów. Hayao Miyazaki opowiada o harmonii z naturą, Tim Burton sprawia, że ​​nawet rozmowa o śmierci staje się zabawą, a filmy Pixara uczą akceptowania siebie i rozumienia własnych uczuć.

Jest to najbardziej kompleksowy przegląd wszystkich aspektów tej koncepcji Animacja z najlepszymi według redaktorów przykładami.

Zainwestuj 15 minut swojego czasu w nową wiedzę inspirowaną trendami branżowymi.

„Oblicza wojny”: Jaina. Mieszanka CG ART, 3D i efektów specjalnych umożliwia tworzenie stosunkowo niedrogich mini-historii dla przerywników filmowych Blizzarda. Animacja CGI + 3D. Społecznościowy film wirusowy, który mogłeś przeoczyć. Napisany, wyreżyserowany i wyprodukowany przez Lubomira Arsova

Więcej przykładów współczesnej animacji czeka na Ciebie poniżej...

Rodzaje animacji

Od czasu pojawienia się prostych animacji wynaleziono szeroką gamę wyglądów i stylów. Rozważać 5 głównych typów :

• Tradycyjna animacja;
• animacja wektorowa 2D;
• animacja komputerowa 3D;
• Animacji;
• Animacja lalek;

Tradycyjna animacja (2D, Cel, rysowana ręcznie)

Tradycyjna animacja, czasami nazywana animacją celowską, jest jedną ze starszych form animacji. W tym:

• animator rysuje każdą klatkę, aby utworzyć sekwencję ruchu;
• kolejne rysunki, szybko naświetlane jeden po drugim, tworzą iluzję ruchu.

Najprostszym przykładem takiej animacji jest stare kreskówki Disneya.

Kreskówka Mowgli

Jak powstaje tradycyjna animacja?

• animator przygotowuje pole pracy: mocuje przezroczystą kartkę papieru na specjalnym podświetlanym ekranie;
• rysunek nanosi się na kartkę papieru za pomocą kolorowego ołówka;
• Rysunek powinien być przybliżony i przybliżony. Robi się to w ten sposób, aby sprawdzić, ile klatek należy utworzyć, aby postać miała idealny ruch;
• po zakończeniu czyszczenia i rysunków pośrednich produkcja przechodzi do filmowania każdej pojedynczej klatki.

Jak powstawały filmy animowane w 1938 roku

Współcześni animatorzy mogą odmówić ręcznego rysowania postaci i klatek. Zamiast tego korzystają z komputerów, tabletów, specjalnych długopisów.

Przykłady współczesnej tradycyjnej animacji

Eluwium. Autor Staś Santimov Czy tak jak ja zagubiłeś się w świecie? Napisane przez Steve'a Cuttsa

Gdzie zacząć?

Pracę w zawodzie można rozpocząć od nauki podstaw

Zaleta lekcji to spójne studium procesu tworzenia animacji w myśl zasady – „od prostego do złożonego”.

Ponadto, aby wykonać pierwsze kroki tworzenia animacji, musisz opanować takie podstawowe programy, jak:

Photoshop jest często pomijany przy rozważaniu oprogramowania do animacji, a jego możliwości są doskonale dostosowane do rysowania klatka po klatce w dowolnym stylu. Funkcja osi czasu programu Photoshop umożliwia animację poprzez rysowanie klatka po klatce przy użyciu efektu łuku.

• Średnia pensja animatora na Zachodzie wynosi 4250 dolarów miesięcznie;
• U nas - zupełnie inaczej (w studiu, freelancer, zdalnie - od 400 do 3500 dolarów miesięcznie).

Animacja wektorowa 2D

Bojack Horseman (serial telewizyjny w serwisie Netflix)

Animacja 2D to termin używany w odniesieniu do tradycyjnej, ręcznie rysowanej animacji. Może również odnosić się do komputerowych animacji wektorowych przy użyciu tradycyjnych formatów .

Zasada Animacja 2D

Do tworzenia animacji wektorowych stosuje się te same metody, co w przypadku animacji tradycyjnych.

Ta elastyczność pozwala nawet nowicjuszowi stworzyć swój pierwszy zadowalający film.

Jak się nauczyć?

Podczas gdy tradycyjna animacja wymaga bycia dobrym artystą, animacja komputerowa nie jest. Animacja 3D przypomina bardziej konstruktora niż rysunek.

Technologie animacji 3D mają wiele wspólnego z animacją poklatkową, gdyż odpowiadają podejściu klatkowemu. Ale w 3D realizacja zadań jest łatwiejsza w zarządzaniu, ponieważ odbywa się w polu cyfrowym.

Model 3D

Zamiast rysować postać lub budować ją z gliny w animacji 3D, obiekt jest tworzony cyfrowo. Później dostarczane są z „szkieletem”, który umożliwia przesuwanie modeli.

Animacja jest tworzona poprzez budowanie modeli na określonych klatkach kluczowych, a następnie komputer oblicza i interpoluje pomiędzy tymi klatkami, aby stworzyć ruch.

Zobacz poniżej wizualny przykład procesu tworzenia modelu 3D w Blenderze.

Przykłady współczesnej animacji 3D

Autor — ManvsMachine

Nike Air Max

Autor - PlatigeImage

Wonder Woman - Prolog | Tworzenie

Zawód animatora 3D: od czego zacząć

Zawód ten jest bardzo konkurencyjny, ponieważ animacja ta jest przeznaczona głównie do celów komercyjnych.

Gdzie możesz pracować jako motion designer:

• W studiach
• Freelancer
• Sprzedawaj szablony
• Twórz produkty edukacyjne

Średnia pensja motion designera na Zachodzie sięga 5000 dolarów miesięcznie, w naszym przypadku wynagrodzenie specjalisty zaczyna się od 700 dolarów miesięcznie.

Stop motion (animacja lalek)

zatrzymać ruch- jest to obiekt zatrzymujący się po uchwyconej klatce i jego sekwencyjnym ruchu w celu uchwycenia nowego zdjęcia i nowego ruchu. Kiedy odtwarzasz zrobione zdjęcia, jedno po drugim, powstaje iluzja ruchu. Okazuje się, że zatrzymanie ruchu.

Technika ta przypomina tradycyjną animację, jednak zamiast rysunków animator wykorzystuje prawdziwe materiały.

Proces pracy nad serią Robot Chicken

Uwielbiam wszelkie formy animacji, ale jest coś wyjątkowego w animacji poklatkowej: jest bardziej realna. Ale myślę, że to też trochę samotna i mroczna rzecz.

Tim Burton

Ewolucja animacji poklatkowej

Animacja poklatkowa wykorzystuje obiekty fotografowane sekwencyjnie, aby stworzyć iluzję ruchu.

Przykład animacji poklatkowej

Proces tworzenia animacji poklatkowej jest długotrwały, ponieważ każdy obiekt trzeba ostrożnie przesuwać milimetr po milimetrze. Każda przechwycona klatka ma po prostu obowiązek stworzyć płynną sekwencję ruchów obiektu.

Przykłady współczesnej animacji lalkowej

Kolejny przykład z Robot Chicken przesłany przez Brunę Berford

Zawód animatora lalek: od czego zacząć, ile zarabia

Warto zacząć zagłębiać się w zawód projektanta animacji poklatkowej od opanowania Dragonframe i iStopMotion

Zawód projektanta animacji poklatkowej na rynku pracy stopniowo ożywa. Stop motion jest dziś metodą niedrogą, w której łatwo wykazać się dobrym gustem artystycznym i umiejętnością cierpliwości. Dlatego projektanci zarabiają dobre pieniądze:

• średnie zarobki na Zachodzie - 3864 USD / miesiąc;
• u nas - od 1000 $ / miesiąc.

Rodzaje animacji

Zastanów się, jakie rodzaje animacji istnieją.

Animacja GIF

GIF (z rozszerzeniem .gif) to format pliku obrazu animowany poprzez połączenie kilku innych obrazów lub klatek w jeden.

Przykład GIF-a. (przekonwertowano do formatu mp4 w celu uzyskania mniejszego rozmiaru)

W przeciwieństwie do formatu JPEG (.jpg), pliki GIF zazwyczaj korzystają z algorytmu kompresji zwanego kodowaniem LZW, który nie pogarsza jakości obrazu i ułatwia przechowywanie pliku w bajtach.

Więcej o tym, czym jest GIF, możesz przeczytać w Wikipedii.

Przykłady animacji GIF

Przykłady na każdy gust znajdują się na portalu gifphy.com

Jak samemu zrobić GIF?

• O najszybszym pisaliśmy już wcześniej.
• Oto kolejny przydatny samouczek dotyczący tworzenia plików GIF w programie Adobe After Effects.

kinematografia

Zapoznaj się także z opinią Czy anime może wejść do głównego nurtu?(po angielsku).

Przykłady animacji japońskiej

Szkoła więzienna Anime Smaki młodości

Jak powstaje anime?

Proces tworzenia anime składa się z kilku etapów:

• szukać pomysłów na animacje i postacie;
• wymyślanie koncepcji (przemyślane są postacie, główny wątek fabularny, powstają pierwsze szkice);
• napisanie szczegółowego scenariusza;
• rysowanie postaci i tła;
• przykładowy scenorys;
• szkice lub szkice są digitalizowane.

Wideo - Jak powstaje anime

12 zasad animacji

1. Kompresja i dekompresja

Zgodnie z tą zasadą obiekty animacji można ściskać lub rozciągać, aby przekazać prędkość, pęd, wagę i masę obiektu.

Techniki tej można użyć do wskazania odbicia lub twardości przedmiotu (na przykład, aby pokazać, która kula w animowanym filmie jest wypełniona wodą, a która to tylko kula do kręgli). Również artyści stosujący tę zasadę przekazują mimikę i emocje postaci.

Ważny: Rozmiar obiektu nie powinien się zmieniać w zależności od tego, czy jest on spłaszczony czy rozciągnięty.

Pierwsza zasada animacji

2. Przygotuj się do działania

Polega na przygotowaniu widza do dowolnej akcji postaci animowanej.

Na przykład technika ta służy do pokazania, że ​​postać przygotowuje się do skoku. W tym wypadku przygotowanie będzie polegało na tym, że postać usiądzie, zbierze siły i zacznie się prostować, aż znajdzie się w powietrzu, co będzie wyskokiem.

Ważny: bez przygotowania do jakiejkolwiek akcji wszystkie kolejne kroki postaci będą wyglądać nierealistycznie i nieprawdopodobnie. Artysta nie może przegapić tego momentu, bo widz po prostu nie zrozumie, co postać chce zrobić w ciągu najbliższych sekund, a oglądanie takiego wideo będzie po prostu nieciekawe.

Przygotowanie do działania Jest to konieczne, aby utrzymać Twoją uwagę.

Druga zasada animacji

3. Inscenizacja

Cel Zasadą tą jest jak najdokładniejsze ukazanie zamysłu twórczego autora.

W każdej animacji ważne jest, aby skierować wzrok widza na jakiś moment lub ważny niuans, ruch postaci lub wydarzenie. Dramatyzacja niejako zwraca uwagę na to, co najważniejsze.

Należy pamiętać, że w tej zasadzie konieczne jest naprzemienne zbliżenie z odległym tłem. Zbliżenie zazwyczaj pokazuje mimikę postaci, a w tle mają miejsce dynamiczne lub statyczne zdarzenia klipu multimedialnego.

Ważny: w każdej scenie i filmie jako całości akcja powinna być jak najbardziej wyraźna i skupiona. W przeciwnym razie widz po prostu nie uchwyci istoty idei autora.

Trzecia zasada animacji

4. Działanie spontaniczne i od postawy do postawy

Zasada spontaniczne działanie polega na tym, że powstaje kilka rysunków po kolei, bez konkretnego planu działania i finalnie.

Zasada od pozycji do pozycji polega na tym, że artysta rysuje każdy końcowy punkt ruchu, a dopiero potem rysuje pośrednie pozy i ruchy.

Ważny: zasada od pozy do pozy oszczędza czas i energię artysty, ponieważ korzystając z niej dokładnie wie, co wydarzy się na ekranie i jak to się zakończy. W spontanicznym działaniu nie ma takiego bonusu - jeśli artysta narysował coś źle, będzie musiał wszystko narysować od nowa.

Spontaniczne działanie dobrze pokazuje ogień, krople, chmury, dym i kurz, a także doskonale oddaje estetykę i nieprzewidywalność zjawisk naturalnych.

Czwarta zasada animacji

5. Bezwładność i nakładanie się

Zasadę tę stosuje się w ten sposób, że po zatrzymaniu się postaci części jej ubrania, włosów, ramion, a nawet nóg nadal poruszają się bezwładnie. Przystanek wydaje się więc bardziej naturalny i nie wywołuje u widza protestów z powodu nienaturalności obrazu.

Bezwładność i nakładanie się sprawiają, że animacja ruchu, ciała i postaci jest bardziej żywa.

W tej grupie znajduje się również taka zasada jak facet. Z powodu przyciągania, gdy głowa postaci zostanie odwrócona, jego włosy lub policzki (jak u buldoga) będą powoli i sprężyście przesuwać się za nią.

Piąta zasada animacji

6. Zwolnione tempo na początku i na końcu

Zasada jest taka, że ​​wszystkie ruchy na początku wykonujemy powoli, potem przyspieszają, a na koniec znów zwalniają. Odbywa się to w celu maksymalizacji naturalności filmu i zbliżenia rysowanej postaci do prawdziwej.

Tylko roboty poruszają się z tą samą prędkością, dlatego artysta stara się narysować wszystkie ruchy swoich bohaterów w różnych amplitudach i z różnymi prędkościami.

Ważny: zwalnianie nie jest stosowane we wszystkich przypadkach. Na przykład, aby pokazać ruch kuli, zwolnienie nie jest konieczne, ale dla ruchu pistoletu podczas strzału tak.

Szósta zasada animacji

7. Łuki

Bez uwzględnienia ruchu postaci po łuku pojawiają się oczywiste błędy, które stają się zbyt mechaniczne.

Absolutnie wszystkie ruchy postaci wykonywane są na zasadzie łuku i nie dlatego, że wszystkie muszą być płynne, ale dlatego, że łuk może wytyczyć znacznie większą trajektorię i dać postaci możliwość poruszania się tak naturalnie, jak to tylko możliwe.

Siódma zasada animacji

8. Ekspresyjne pociągnięcia

Zasada ta jest często mylona z nakładaniem się, ale jest to błędne. Ekspresyjne akcenty to cechy ruchów postaci, które nadają jej kolor.

Wyraziste akcenty nadają ruchom postaci charakter chwili i nastroju. Jeśli postać jest zła, to kiedy zapuka do drzwi, jego druga ręka zostanie zaciśnięta w pięść. Może ten udar nie jest tak uderzający, ale doskonale oddaje prawdziwe, prawdziwe emocje danej osoby.

Artysta, który przywiązuje wagę do tak drobnych szczegółów, ożywia animację.

Ósma zasada animacji

9. Liczba klatek na sekundę

Ogólny charakter animacji zależy od tego, ile klatek artysta narysował pomiędzy głównymi akcjami.

Zmieniając liczbę klatek na sekundę, animator może opowiedzieć aż 10 historii. Jeśli między głównymi kadrami znajduje się wiele póz i są one zlokalizowane blisko siebie, wówczas ruchy będą bardzo powolne, a jeśli klatek jest niewiele i znajdują się one w dużej odległości od siebie, ruchy będą bardzo szybkie .

Standardowa liczba klatek na sekundę w kinie wynosi 24. Animacja jest również rysowana w jednej, dwóch lub trzech klatkach.

Ważny: im częściej ramki się zmieniają, tym będą wymagały dokładniejszego rysowania.

Dziewiąta zasada animacji

10. Hiperbola

Zasadą jest, że niemal każdy wyraz twarzy, wyraz twarzy i emocja muszą być niepowtarzalne.

Dzięki tej zasadzie smutna emocja może stać się jeszcze bardziej smutna, a wesoła jeszcze bardziej pogodna. Hiperbolizacja nie polega na zniekształceniu emocji i mimiki, ale na nadaniu jeszcze większej perswazji ruchom i mimice.

Zasada hiperbolizacji jest zawsze właściwa, ponieważ sprawia, że ​​każdy film jest ciekawszy, bogatszy i kompletny.

Trudno jest określić optymalny stopień hiperbolizacji. Dlatego najpierw trzeba maksymalnie wyolbrzymić pomysł, a następnie dostosować go do filmu.

Dziesiąta zasada animacji

11. Rysunek

Należy rysować zgodnie z tą zasadą w taki sposób, aby rysunek mieścił się w ramach przestrzeni trójwymiarowej. Przekazując masę, objętość i równowagę postaci.

Jeśli narysujesz figurę ze wszystkich stron, proces animacji zostanie znacznie uproszczony.

Ważny: Kiedy szkicujesz postać, najlepiej używać standardowych kształtów geometrycznych, takich jak kule, sześciany i cylindry, zamiast kwadratów i prostokątów. A jednak ostrożnie upewnij się, że narysowana postać nie okazała się płaska.

Jedenasta zasada animacji

12. Charyzma

Zasadą jest, że narysowany bohater musi być ciekawy i nietuzinkowy, to znaczy – wywoływać w widzu emocje, wciągać i mieć zwrot akcji.

Piękno charakteru niekoniecznie oznacza charyzmę. Cecha ta może być wyrażona w dowolny sposób, ujęta w jedną postać lub we wszystkich bohaterów filmu.

Ważny: Charyzmę postaci można osiągnąć różnicując kształt przedmiotu, proporcje, a także podkreślając charakterystyczny szczegół. Musi być niecodzienny i wyróżniać się na tle ogólnego obrazu charakteru postaci.

Dwunasta zasada animacji

Trendy (trendy) w animacji

Dziś animacja odradza się w najbardziej różnorodne i ekscytujące sposoby opowiadania historii i pomysłu. W związku z pojawieniem się nowych osiągnięć w technologiach inżynieryjnych i telekomunikacyjnych pojawiają się regularnie nowe trendy w animacji.

• Widzieć.

Oto najpopularniejsze:

3D w stylu retro i vintage

Styl animacji 3D, który znów staje się popularny, to retrofuturyzm. Pozwala to na osiągnięcie estetyki fantasy, o której myśleli ludzie pod koniec lat 70. i na początku 80., jak może wyglądać przyszłość.

Technika: wykorzystanie bujnych efektów świetlnych i pikselowych elementów cyfrowych służy do tworzenia terenu i postaci w świecie retro.

Animacja Cel o wysokim kontraście

Jest to trend w animacji, który zyskuje na popularności od kilku lat i jest wykorzystywany przez niektóre z najlepszych firm na świecie, w tym Nike, Nickelodeon, Disney, Cartoon Network, a nawet w grach Winter X.

Jasne, kontrastujące kolory w połączeniu z kanciastym designem nadają animacji uproszczony, niemal celowy styl.

Wynik- zabawna sekwencja, od której trudno oderwać wzrok.

Niektóre z najlepszych przykładów pochodzą od Golden Wolf, firmy zajmującej się produkcją animacji z siedzibą w Londynie.

Mieszanka 2D i 3D

Trendem, który rozpoczął się w ostatnich latach i wciąż rośnie, jest tworzenie animacji wyglądających jak połączenie 2D i 3D.

Nie musisz daleko szukać, aby znaleźć samouczek pokazujący, jak uzyskać płaski wygląd 2D przy użyciu modułu cieniującego Cel do renderowania 3D.

Nadając obiektom 3D wygląd 2D, animatorzy mogą tworzyć wyraziste, ilustracyjne elementy, które natychmiast przykuwają uwagę widza, dostarczając jasnych i kolorowych informacji.

Supersurrealizm

Jeśli istnieje jeden wielki trend w animacji, który w pełni wykorzystuje moc obrazów CGI, jest nim styl surrealistyczny.

Hipersurrealistyczny efekt animacji opiera się na łączeniu elementów fotorealistycznych z obrazami fantastycznymi w celu stworzenia onirycznych światów i działań.

Przykładem może być animacja „The Dreamer” stworzona przez Roof Studio dla Hondy, która zabiera widzów w dziwaczną podróż, podczas której realistyczny pojazd porusza się po dziczy.

Dynamiczna animacja funkcji w aplikacjach

Zamiast używać statycznych obrazów lub całego tekstu, wiele aplikacji w 2018 r. korzysta z funkcjonalnych animacji, które przyciągają uwagę użytkownika dzięki żywemu, interesującemu interfejsowi użytkownika.

Obejmuje to używanie animacji w celu ulepszania elementów nawigacyjnych, sprawdzania poprawności danych wprowadzanych przez użytkownika, powiększania i pomniejszania zawartości itd.

Powrót animacji 2D w marketingu

W branży rozrywkowej, takiej jak filmy i gry wideo, animacja 2D prawie zniknęła wraz z pojawieniem się 3D. Od tego czasu firmy uważają, że nie ma lepszego sposobu na przyciągnięcie widzów, graczy i potencjalnych klientów niż animacja 3D, nawet jeśli zajmuje to więcej czasu i wysiłku.