Jak wytłumaczyć dzieciom, czym jest balet. Czym jest balet? Klasyczny i nowoczesny. Nowoczesny rosyjski balet

Balet (z łac. ballo - tańczę) to rodzaj sztuki scenicznej, której treść ujawnia się w obrazach tanecznych i muzycznych. Harmonijnie łączy muzykę, choreografię, malarstwo, sztukę sceniczną artystów. Głównymi środkami wyrazu w balecie są taniec i pantomima. Początki różnych rodzajów tańca scenicznego (klasycznego, charakterystycznego, groteskowego) należą do tańca ludowego. Przedstawienia choreograficzne, podobnie jak dramatyczne, można podzielić na tragedie, komedie, melodramaty. Są wieloaktowe lub jednoaktowe, fabularne lub bez fabuły, mogą być miniaturą choreograficzną lub kompozycją koncertową.

Od momentu pojawienia się w Europie w XVI wieku. balet nieustannie przyciągał uwagę wybitnych postaci sztuki teatralnej. Tak więc francuski komik z XVII wieku. J. B. Molière wprowadził do swoich sztuk sceny baletowe, które nazwał komediami-baletami.

Tańce w baletach komediowych Moliera i baletach operowych J. B. Lully'ego wystawiał Pierre Beauchamp (1636 - ok. 1719). W 1661 kierował Królewską Akademią Tańca w Paryżu. Beauchamp ustalił pięć podstawowych pozycji tańca klasycznego (pozycje wyjściowe nóg), na których opiera się technika tańca klasycznego.

Początkowo spektakle baletowe obejmowały taniec i pantomimę wraz z numerami wokalnymi i tekstem literackim.

W XVIII wieku. Ukształtowaniu się baletu jako samodzielnej formy artystycznej sprzyjała działalność wielu choreografów i performerów w różnych krajach. Francuska baletnica Marie Salle (1707-1756) zastąpiła ciężkie, obszerne stroje tancerki lekką sukienką, która nie krępuje ruchów. Jej rówieśnik, angielski tancerz i choreograf John Weaver (1673-1760), jako pierwszy zaczął wystawiać balety akcji, zrezygnował ze śpiewu i recytacji. Austriacki choreograf Franz Hilferding (1710-1768) wprowadził do swoich przedstawień autentyczne obrazy z życia ludowego, realne postacie, zgodnie z prawdą ujawniające ich uczucia i sens działań za pomocą baletu. Swoją technikę taneczną udoskonalili francuscy tancerze Louis Dupré (1697-1774) i Marie Camargo (1710-1770). Marie Camargo osiągnęła większą swobodę ruchów, skracając spódnicę i zrywając obcasy.

Wielki wkład w rozwój baletu wniósł francuski choreograf Jean Georges Nover (1727-1810). W swoich baletach Psyche i Kupidyn, Śmierć Herkulesa, Medea i Jason, Ifigenia w Taurydzie i innych występował jako nowatorski reżyser. Tworzył spektakle różniące się logiką dramatycznego rozwoju. Podstawą jego spektakli była ekspresyjna pantomima taneczna. Dużo uwagi poświęcał muzyce, uważając, że „powinna to być rodzaj programu, który ustala i z góry określa ruchy i grę każdego tancerza”. Nover opowiadał się za naturalnością uczuć i prawdziwością postaci baletu, porzucił tradycyjne maski, które zakrywały twarze aktorów. Teoretycznie swoje nowatorskie doświadczenie reżyserskie uzasadnił w książce Listy o tańcu i baletach (1759), opartej na estetyce encyklopedycznych filozofów Oświecenia.

Uczniami i naśladowcami Novera było wielu utalentowanych choreografów, m.in. Jean Dauberval (1742-1806), autor popularnego do dziś baletu Vain Precaution; Charles Louis Didelot (1767-1837), który przez długi czas działał w Rosji i przyczynił się do awansu rosyjskiego baletu na jedno z pierwszych miejsc w Europie.

W 19-stym wieku teatr baletowy doświadczył zarówno inspirujących wzlotów i upadków twórczych, jak i dramatycznego zaniku. W 1832 roku włoski choreograf Filippo Taglioni (1777-1871) wystawił balet La Sylphide (muzyka J. Schneitzhofera), który zapoczątkował erę romantyzmu w sztuce choreograficznej. Fabuły romantycznych przedstawień opowiadały o tym, jak w odwiecznym pragnieniu piękna, wysokich wartości duchowych człowiek popada w konflikt z otaczającą go rzeczywistością i tylko w iluzorycznym świecie marzeń, marzeń może znaleźć ideał, znaleźć szczęście . Taglioni, rozwijając liryczny kierunek sztuki romantyzmu, w dramatyczną tkankę baletu wpisał szczegółowe dialogi taneczne bohaterów, w których ujawniły się ich uczucia i relacje. W jego przedstawieniach corps de ballet rozwinął i uzupełnił partię solową głównego bohatera, graną przez jego córkę Marię Taglioni (1804-1884). Inspirowana sztuka tej utalentowanej baletnicy weszła do historii baletu. Jako pierwsza wprowadziła taniec pointe (na czubkach palców), który zwiększył wyrazistość sztuki baletowej.

Twórczość francuskiego choreografa Julesa Josepha Perraulta (1810-1892) uosabiała inny kierunek baletowego romantyzmu - dramatyczny. Jego bohaterowie w upartej walce bronili swojego prawa do miłości, wolności, szczęścia. Perrault zwykle wystawiał swoje spektakle na wątkach znanych dzieł literackich - V. Hugo, G. Heine, J. V. Goethego. Starannie rozwijał odcinki pantomimy, organicznie łącząc je z tańcem i starał się, aby sceny tłumu były żywe i emocjonalne. Balety Perro „Giselle” (muzyka A. Adama, wystawione wspólnie z choreografem Jeanem Coralli, (1779-1854) i „Esmeralda” (muzyka C. Pugny) do dziś zdobią repertuar wielu zespołów baletowych. Pierwszy wykonawca Giselle była Carlotta Grisi (1819-1899).

Twórczość wybitnej austriackiej baletnicy Fanny Elsler (1810-1884) kojarzy się z baletem romantycznym.

Ważną rolę w rozwoju baletu romantycznego odegrała twórczość duńskiego choreografa Augusta Bournonville'a (1805-1879), który z Royal Ballet Company wystawił w Kopenhadze ponad 50 spektakli.

Od połowy XIX wieku. Zjawiska kryzysowe ujawniają się w zachodnioeuropejskiej sztuce baletowej. Burżuazja wkracza na arenę życia społecznego i politycznego w krajach Europy Zachodniej. Jej gusta stają się decydujące w sztuce. A romantyczne balety z ich głęboką treścią zastępują pompatyczne, pozbawione sensu spektakle. Zespoły baletowe rozpadają się, nadchodzi przedłużający się okres schyłku. Odrodzenie sztuki baletowej wiąże się z występami w Europie Zachodniej rosyjskich artystów – Anny Pawłowej, Michaiła Fokine, Tamary Karsaviny, Wacława Niżyńskiego, Serge Lifara i innych. Spektakle te, cieszące się dużym powodzeniem i nazywane sezonami rosyjskimi, organizował od 1907 r. postać teatralna S.P. Diagilew. Rosyjski Balet Diagilewa dał początek nowym zespołom baletowym, które unowocześniły tradycyjne formy tańca klasycznego.

W XX wieku. balet z powodzeniem rozwija się w wielu krajach świata. Wybitnymi baletmistrzami zachodnimi są Ninette de Valois, Frederic Ashton, Margot Fontaine (Wielka Brytania), Roland Petit, Maurice Bejart, Yvette Chauvireux (Francja), Agnes de Mille, George Balanchine, Jerome Robbins, Robert Joffrey (USA) i wielu innych.

Kraje socjalistyczne wnoszą własny wkład w rozwój baletu (patrz Teatr krajów wspólnoty socjalistycznej). Znana jest więc sztuka trupy baletowej utalentowanej tancerki i choreografki Alicii Alonso, która powstała na Kubie w 1948 r. W 1959 r. trupa ta została nazwana Baletem Narodowym Kuby.

W Rosji rozwój sztuki baletowej poszedł własną drogą. Pierwszym rosyjskim choreografem był Iwan Iwanowicz Valbergh (Lesogorov) (1766-1819), którego prace obejmowały zarówno wątki literackie, jak i wydarzenia współczesnego życia, w szczególności Wojnę Ojczyźnianą z 1812 roku. scena rosyjska - divertissement przedstawiający obrazy z życia ludowego.

Powstanie baletu rosyjskiego ułatwiła praca Charlesa Louisa Didelota. Wśród jego uczniów są choreograf Adam Glushkovsky (1793-1870), baleriny Avdotya Istomina (1799-1848) i Ekaterina Teleshova (1807-1857), śpiewane przez A. S. Puszkina i A. S. Gribojedowa. Didlo wzbogacił repertuar rosyjskiego teatru baletowego o spektakle, w których potępiał tyranię i ujawniał wysokie walory moralne zwykłych ludzi. Położył podwaliny pod balet Puszkinizm, wystawiając w 1823 r. spektakl Więzień Kaukazu, czyli cień panny młodej (na podstawie wiersza Puszkina).

Wybitną przedstawicielką rosyjskiego baletu romantycznego była baletnica Ekaterina Sankovskaya (1816-1878), której sztukę wysoko cenili V.G. Belinsky i A.I. Herzen.

Rosyjski Teatr Baletowy twórczo przerabiał odkrycia baletu zachodniego i wystawiał spektakle zgodnie z narodowymi tradycjami. Tak więc na scenie rosyjskiej sentymentalna historia Giselle zamieniła się w wiersz o wzniosłym bezinteresownym uczuciu, które zwycięża zło, ciemność, śmierć. I to była znaczna zasługa pierwszego wykonawcy roli Giselle w rosyjskim teatrze, Eleny Andreyanowej (1819-1857).

Marius Petipa, który przybył do Rosji w 1847 roku, wystawił na petersburskiej scenie ponad 60 baletów. W swoich przedstawieniach baletów L. Minkusa „Don Kichot”, „Śpiącej królewny” i „Jeziora łabędziego” P. I. Czajkowskiego (wystawionych wspólnie z L. I. Iwanowem), „Raymonda” A. K. Głazunowa i innych najpełniej ujawniły unikalny styl szkoły rosyjskiej tańca klasycznego, który charakteryzuje się ucieleśnieniem treści spektaklu baletowego w doskonałych formach akademickich. Utalentowani rosyjscy tancerze - Elena Andreyanova, Pavel Gerdt, Matilda Kshesinskaya, Nikolai and Sergey Legaty, Olga Preobrazhenskaya, Anna Pavlova, Michaił Fokin - wystąpili w przedstawieniach Petipy...

W tym samym czasie, co M. Petipa w Petersburskim Teatrze Maryjskim (obecnie Leningradzki Teatr Opery i Baletu im. S. M. Kirowa), nad wystawianiem baletów pracował wspaniały choreograf Lew Iwanowicz Iwanow (1834-1901). Wśród jego dzieł są tańce połowieckie w operze Książę Igor A.P. Borodina, balety P.I.Czajkowskiego Dziadek do orzechów i Jezioro łabędzie (wraz z M.I.Petipą), a każdy z nich świadczy o głębokim zrozumieniu mistrza choreografii muzycznych kompozycji dramatycznych, o jego pragnieniu wyrażenia treść spektaklu w doskonałych plastikowych obrazach.

Koniec XIX wieku - to czas nowatorskich reform P. I. Czajkowskiego w muzyce baletowej, następnie wspieranych i rozwijanych przez innych kompozytorów - A. K. Głazunowa, I. F. Strawińskiego, S. S. Prokofiewa. Czajkowski uważał, że przedstawienie baletowe powinno być budowane zgodnie z prawami dramaturgii muzycznej, wyrażać najbardziej złożone emocje i przeżycia duszy ludzkiej, afirmować wzniosłość i poetycką naturę uczuć.

Na początku XX wieku, kiedy zachodni teatr baletowy przechodził okres kryzysu, w Rosji natomiast sztuka baletowa przeżywała twórczy rozkwit. Zespoły baletowe teatrów Maryjskiego i Bolszoj z powodzeniem działają w Petersburgu i Moskwie. W Petersburgu w Teatrze Maryjskim tancerz i choreograf Michaił Michajłowicz Fokin (1880-1942) prowadzi twórcze poszukiwania gatunku baletu jednoaktowego w dwóch kierunkach: opracowuje zasady inscenizacji baletu opartego na muzyce symfonicznej ( Chopiniana do muzyki F. Chopina) i jednocześnie rozwija formę zwaną fabułą-baletem z rzetelną interpretacją wydarzeń, ukazującą uczucia i charaktery bohaterów, ich relacje („Noce egipskie” A.S. Arensky'ego, „Pietruszka” I. F. Strawińskiego itp.). W Moskwie w Teatrze Bolszoj swoje spektakle wystawiał Aleksander Aleksiejewicz Gorski (1871-1924). Był to czas powstania Moskiewskiego Teatru Artystycznego, kierowanego przez K.S. Stanisławskiego i Vl. I. Niemirowicza-Danczenko. Poszukiwania innowatorów w sztuce teatralnej porwały i uchwyciły młodego Gorskiego. A w swoich przedstawieniach Don Kichota Minkusa, Salambo Arendsa i innych starał się realizować na scenie baletowej zasady wybitnych mistrzów teatru. Spektakle Gorskiego wyróżniały się autentycznością historyczną, dokładnością dramaturgii i starannie opracowanymi cechami postaci.

W spektaklach baletowych Fokina występowali tak znakomici artyści jak Anna Pawłowa, Tamara Karsavina, Wacław Niżyński, Jekaterina Geltser, Michaił Mordkin, Wasilij Tichomirow i inni.

Po Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej w sztuce sowieckiej rozwinęło się jasne i oryginalne zjawisko - wielonarodowy teatr baletowy. Powstał w oparciu o rosyjską szkołę tańca klasycznego. Przy pomocy utalentowanych mistrzów z Moskwy i Leningradu, rozumiejąc dorobek rosyjskiej szkoły baletowej, opanowując jej repertuar, postacie narodowych scen choreograficznych zbudowały na tej podstawie oryginalny budynek swojego teatru, twórczo wykorzystując narodowe cechy i tradycje sztuki. Począwszy od lat 20-tych. W całym kraju sowieckim powstają profesjonalne zespoły choreograficzne. Narodowe teatry baletowe wzajemnie wzbogacały swoje doświadczenia twórcze, w tym doświadczenie baletu rosyjskiego. Szeroką popularność zyskały balety K.F. Dankevicha, A.M. Balanchivadze, K.A. Karaev, A.P. Skulte, SA Balasanyan, F.Z. Yarullin i innych krajowych kompozytorów.

Wśród wybitnych choreografów radzieckich, którzy przyczynili się do rozwoju baletu sowieckiego, są Fiodor Wasiljewicz Łopuchow (1886-1973) i Kasjan Jarosławicz Golejzowski (1892-1970).

Radziecka sztuka baletowa wyróżnia się głębią i niejednoznacznością treści tematycznej przedstawień. Rozwijając i wzbogacając tradycje rosyjskiej sztuki tanecznej, radzieccy mistrzowie zwracają się przede wszystkim w stronę dzieł literatury klasycznej i współczesnej – Lope de Vegi, Szekspira, Balzaka, Puszkina, Lermontowa, Gogola, Dostojewskiego, Lwa Tołstoja, Czechowa, Kuprina, Zielonego, Bułhakowa, Ajtmatow.. Zakrojone na wielką skalę problemy ideologiczno-filozoficzne, moralne, jakie stawiane są w najlepszych dziełach literatury światowej, postacie baletu sowieckiego starają się ucieleśnić na scenie za pomocą swojej sztuki. Na przykład kompozytor B. V. Asafiev i choreograf R. V. Zacharov w balecie Fontanna Bachczysaraju podkreślili główną ideę wiersza Puszkina o tym samym tytule, sformułowanego niegdyś przez V. G. Belinsky'ego: „odrodzenie” dzikiej duszy przez wysokie uczucie miłości” . Rostisław Władimirowicz Zacharow (1907-1984) postawił sobie za cel wystawienie baletu, aby sztuka tańca była sposobem wyrażania głębokich myśli i uczuć tkwiących w twórczości Puszkina.

Wielkie zainteresowanie ukazywaniem życia wewnętrznego człowieka jest jednym z ważnych wyróżników sowieckiego teatru baletowego. I niezależnie od gatunku, do którego należało przedstawienie - do ludowo-historycznej powieści baletowej („Płomienie Paryża”, kompozytor B.V. Asafiev, choreograf V.I. Vainonen), heroicznej tragedii („Laurencia”, A.A. Kerin i V.M. Chabukiani), filozoficznej i dramat psychologiczny („Romeo i Julia”, S. S. Prokofiew i L. M. Ławrowski), komedia choreograficzna („Młoda dama-Chłopka”, B. V. Asafiew i R. V. Zakharov; „Mirandolina”, S. N. Vasilenko i V. I. Vainonen), balet -bajka, balet-legenda („Kamienny kwiat”, S. S. Prokofiew i Yu. N. Grigorovich; „Icarus”, S. M. Słonimsky i V. V. Vasiliev), jej autorzy zawsze rozwiązywali główne zadanie - jak najpełniej przedstawić widzowi osobę w całym bogactwie swoich myśli i uczuć ukazać za pomocą plastycznych wyobrażeń drogę kształtowania swojego charakteru, osiągania wysokich zasad moralnych.

Pierwszy sowiecki balet Czerwony mak R. M. Gliera, wystawiony w Teatrze Bolszoj w 1927 roku z okazji 10-lecia października, położył podwaliny pod takie podejście do przedstawiania bohatera spektaklu choreograficznego. Ekaterina Vasilievna Geltser (1876-1962) stworzyła na scenie baletowej wizerunek współczesnej bohaterki - chińskiej tancerki Tao Hoa, subtelnie oddając swoje duchowe odrodzenie pod wpływem idei października. Idee te ucieleśniali w balecie marynarze sowieckiego statku, którego uogólniony heroiczny i żałosny wizerunek ucieleśnia wielkoformatowy ludowy element tańca Jabłoczko. Tak więc w Czerwonym maku określono inną cechę baletu sowieckiego - interpretację tematu bohaterskiego jako jednego z najważniejszych. Temat ten został następnie rozwinięty i wzbogacony w takie kompozycje jak nazwane już „Płomienie Paryża”, „Laurencia” i inni główni wykonawcy.

Pod koniec lat 60. praca nad bohaterskim tematem nabrała nowego rozmachu dzięki nowatorskiemu przedstawieniu Jurija Nikołajewicza Grigorowicza (ur. 1927) baletu AI Chaczaturiana „Spartakus” w Teatrze Bolszoj. Niejednoznaczne i głębokie zrozumienie przez choreografa figuratywnej istoty tańca klasycznego pomogło mu stworzyć wspaniałe płótno sceniczne, na którym wydarzenia starożytnej historii zostały filozoficznie ujmowane z punktu widzenia dzisiejszej rzeczywistości, w złożonym splocie ludzkich relacji ujawniły się silne, znaczące postacie , czyny, namiętności i krąg ujawniły się w ich zderzeniach i konfliktach, ważnych dla naszych czasów problemach ideowych i obyczajowych.

Wzbogacenie teatru baletowego o nowoczesne intonacje, dogłębne przedstawienie postaci są nieodłączne we wszystkich kreacjach J. Prokofiewa, „Legenda miłości” A. D. Melikova, „Angara” A. Ya. Eshpaya, „The Legend of Love” Złoty Wiek” do muzyki D. D. Szostakowicza).

Współczesne intonacje są charakterystyczne dla przedstawień baletów sowieckich (Główny inspektor, Rycerz w skórze Pantery, Pancernik Potiomkin) w wykonaniu O. M. Vinogradova, głównego choreografa Leningradzkiego Teatru Opery i Baletu im. S. M. Kirowa. Rodzą się ciekawe dzieła baletowe na scenach i innych miastach naszego kraju.

Niezwykłe umiejętności sowieckich tancerzy baletowych znane są na całym świecie.

Ballerina Marina Semenova pokazała w całej pełni i przepychu możliwości tańca klasycznego. Stworzyła obrazy dumnych, zbuntowanych bohaterek w baletach „Jezioro łabędzie” P. I. Czajkowskiego, „Raymond” A. K. Glazunowa, „Płomienie Paryża” B. V. Asafiewa.

Wyjątkowa sztuka Galiny Ulanowej ucieleśnia najlepsze cechy rosyjskiego baletu - wyrazistość, głębię, duchowość, klasyczną doskonałość wykonania. Niezapomniane są stworzone przez nią na scenie obrazy Maryi („Źródło Bachczysaraju” Asafiewa), Giselle („Giselle” A. Adama), Kopciuszka („Kopciuszek” S. S. Prokofiewa), Julii („Romeo i Julia” reż. Prokofiewa) itp.

Twórczość Natalii Dudinskiej charakteryzuje głębia psychologiczna i emocjonalna ekspresja. Była pierwszym wykonawcą głównych ról w wielu baletach sowieckich.

Charakterystycznymi cechami talentu Olgi Lepeszyńskiej były optymizm i temperament, które ze szczególną siłą przejawiały się w baletach Don Kichot L. Minkusa, Płomienie Paryża Asafiewa, Kopciuszek Prokofiewa i innych.

Maja Plisiecka łączy w swojej twórczości tradycje rosyjskiej szkoły choreograficznej z nowatorskimi aspiracjami baletu sowieckiego. Wirtuozeria baletnicy utrwalona jest w wielu partiach wykonywanych przez nią w klasycznych i współczesnych przedstawieniach baletowych. Wśród jej najlepszych ról są Odette i Odile w Jeziorze łabędzim Czajkowskiego, Carmen w Carmen Suite - Szczedrina Bizeta, Anna Karenina w balecie R. K. Szczedrina i inne.

Taniec Raisy Struchkovej jest pełen wyjątkowej gracji i wdzięku. Jej talent artystyczny został żywo wyrażony w rolach Marii, Julii, Kopciuszka w bogatym repertuarze koncertowym.

Umiejętności wykonawcze Iriny Kolpakowej wyróżniają klasyczna ekspresja i piękno form. Sztuka Mariny Kondratieva przyciąga duchowością i głębokim liryzmem.

Asaf Messerer był znakomitym wykonawcą partii w baletach klasycznych.

Liryczny taniec męski w sowieckiej sztuce baletowej znalazł swoje najbardziej uderzające ucieleśnienie w twórczości Konstantina Siergiejewa, w rolach Wacława (Fontanna Bachczysaraju Asafiewa), Romea (Romeo i Julia Prokofiewa) itp. Wystawił szereg baletów - Prokofiewa Kopciuszek, „Ścieżka piorunów” Karaev...

Bohaterski początek tkwił w sztuce Aleksieja Ermolajewa (1910-1975), który grał role Filipa („Płomienie Paryża”), Tybalta („Romeo i Julia”) itp.

Jedną z najjaśniejszych postaci sowieckiej sztuki baletowej był Vakhtang Chabukiani. Jest cały w żywiole tańca, natchnionym impulsem. W spektaklach Serce gór A. M. Balanchivadzego, Otella A. D. Machavarianiego i temperamentnym wykonaniu głównych ról w tych baletach Chabukiani afirmował triumf heroicznego tańca męskiego.

Kiedy Ekaterina Maksimova gra rolę Kitri w Don Kichocie, jej błyskotliwy taniec oddaje charakter temperamentnej Hiszpanki. A w balecie „Spartakus” A. I. Chaczaturiana tworzy zupełnie inny obraz - delikatną, oddaną, a następnie załamaną kobietę.

Władimir Wasiliew łączy w swojej pracy niezrozumiałą wirtuozerię i najlepsze umiejętności aktorskie. Piękny jest jego odważny Spartakus, odważny Ikar w balecie S. M. Słonimskiego o tej samej nazwie, od którego W. Wasiljew rozpoczął swoją działalność choreograficzną.

Natalya Bessmertnova nazywana jest „sowiecką romantyczną baletnicą” ze względu na jej natchnione wykonanie partii repertuaru klasycznego i nowoczesnego.

Nina Timofeeva, Ludmiła Semenyaka, Gabriela Komleva, Michaił Ławrowski, Maris Liepa, Nikołaj Fadeechev i wielu innych artystów gloryfikowało radziecką szkołę baletową na całym świecie.

Nadieżda Pawłowa, uczennica Permskiej Szkoły Choreograficznej, otrzymała najwyższą nagrodę na II Międzynarodowym Konkursie Baletowym w Moskwie. Publiczność ciepło wita tę baletnicę, która została solistką Teatru Bolszoj.

Tadżycka baletnica Malika Sabirova (1942-1982) umiejętnie uosabiała w swojej twórczości temat miłości i wierności. Jej najlepsze role to role w baletach Giselle, Don Kichot, Leyli i Majnun.

Talent Eleny Gvaramadze i Very Tsignadze rozkwitł w słonecznej Gruzji. Kirgiska baletnica Bubusara Beishenalieva (1926-1973) pozostawiła wyraźny ślad w sztuce sowieckiego teatru baletowego. Tancerka baletowa Larisa Sakhyanova zachwyciła publiczność ekspresją tańca. Wybitnymi przedstawicielami sowieckiego baletu wielonarodowego są ukraińskie tancerki Elena Potapova i Valentina Kalinovskaya. Uzbeckie baletnice Galia Izmailova i Bernara Karieva w swoich tańcach uosabiały postacie wyzwolonych kobiet sowieckiego Wschodu. Znane są nazwiska białoruskich tancerzy baletowych Lidii Riazhenowej, Ludmiły Brzozowskiej, Jurija Trojana, azerbejdżańskiej baletnicy Gamara Almaszade, ormiańskiego tancerza Wilena Galstyana i wielu innych.

Widzowie na wszystkich kontynentach entuzjastycznie oklaskują balet sowiecki. Wybitni artyści radzieccy i całe grupy baletowe Moskiewskiego Teatru Bolszoj i Teatru Muzycznego im. K.S. Stanisławskiego i Vl. I. Niemirowicza-Danczenki, Teatr Leningradzki im. S. M. Kirowa, Teatr Kijowski im. T. G. Szewczenki i inne radzieckie teatry z wielkim sukcesem jeżdżą za granicą, zawsze podziwiając ich niezrównaną sztukę.

W naszym kraju powstają nowe niezależne zespoły choreograficzne - teatry baletowe, zespoły baletu klasycznego, balet kameralny, dramat plastyczny. Pomaga to identyfikować nowe talenty i pomagać im w sztuce.

rodzaj sztuk scenicznych. Specyfiką baletu jest przekaz treści za pomocą tańca, w obrazach muzycznych i choreograficznych. Z reguły muzykę komponują kompozytorzy specjalnie na dany balet na podstawie scenariusza literackiego (libretta).

Balet europejski, którego ojczyzną są Włochy, zaczął nabierać kształtów w okresie renesansu. Ostatecznie powstał w XVIII wieku.

W Rosji występy baletowe stały się regularne od lat 30. XVIII wieku. Opanowując doświadczenie zagranicznych choreografów, studiując ludową kulturę tańca, rosyjscy artyści stopniowo stworzyli oryginalny styl wykonania, oryginalną szkołę tańca, która ostatecznie ukształtowała się w drugiej połowie XIX wieku. Szczytem tej sztuki XIX wieku była praca rosyjskich choreografów M. Petipy i L. Iwanowa, którzy stworzyli styl baletu akademickiego („Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna”).

Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

BALET

fr.-balet, z późnej łaciny. taniec balowy) - rodzaj teatru muzycznego. Specyfiką B. jest przekaz treści za pomocą tańca, w obrazach muzycznych i choreograficznych (Choreografia). B. - sztuka syntetyczna: jej treść, obok tańca, wyznacza scenariusz, muzyka i środki wyrazu teatralnego (projekt, reżyseria, aktorstwo); czasami może zawierać wokale - zarówno jako samodzielne numery, jak i jako dodatkowy lub jedyny akompaniament muzyczny. W wyniku interakcji z kinematografią rodzi się obecnie nowy gatunek – balet filmowy. Charakter B. jest dwojaki: z jednej strony skłania się ku muzyce i odpowiadającym jej metodom wyrazu, z drugiej rozwija się jako sztuka teatralna. Historia B. zna okresy, w których K.-l. z dwóch początków stał się wiodącym, decydującym o oryginalności powstających wówczas spektakli i ich gatunku: od symfonii tanecznej po choreodramat. Z reguły muzykę komponuje kompozytor specjalnie na dany B. na podstawie scenariusza literackiego, rzadziej wybierana jest z utworów gotowych. W tradycyjnym europejskim kultura B. obok tańca klasycznego i charakterystycznego dla ludu można wykorzystać pantomimę. W XX wieku. Materiałem do tworzenia obrazów choreograficznych jest także taniec swobodny, taniec nowoczesny, inne rodzaje tańca lub ich elementy w połączeniu z tańcem klasycznym. europejski B., którego ojczyzną są Włochy, zaczął kształtować się w okresie renesansu. Później pojawił się w Anglii, Austrii, Francji. Ostatecznie ukształtował się w XVIII wieku. W Rosji występy baletowe stały się regularne od lat 30. XX wieku. 18 wiek Opanowanie doświadczenia choreografów zagranicznych, badanie ludowej kultury choreograficznej, Rus. mistrzowie tańca stopniowo stworzyli oryginalny styl wykonania, rus. narodowa szkoła tańca, która ostatecznie ukształtowała się w drugiej połowie XIX wieku. Szczyt teatru baletowego XIX wieku. była kreatywność Rosjanina. choreografowie M. I. Petipa i L. I. Ivanov, którzy stworzyli styl baletu akademickiego (Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna, Raymonda, Dziadek do orzechów). Pojawiły się złożone formy symfoniczne tańca klasycznego, a B. spotkał się z muzyką kompozytorów symfonicznych P. I. Czajkowskiego i A. K. Glazunowa. Do początku XX wieku. B. wszedł do skarbca narodowego Rosjanina. kultura, podczas gdy teatr baletowy na Zachodzie podupadł, zdegenerował się do postaci rozrywkowego spektaklu. Wycieczki zagraniczne rus. B. w tym czasie (sezony paryskie S.P. Diagilewa) były w istocie ponownym odkryciem tego typu sztuki dla zachodnich widzów, dały impuls do odrodzenia B. w wielu kraje. Sowiecki B. odziedziczył po rosyjskim wszystko, co najlepsze. B. rozwinął swój dorobek, zaproponował nowe zasady ideologiczne i estetyczne. Na podstawie rosyjskiego B. urodził się jako narodowy B. republik związkowych, razem z nim tworzący wielonarodową sowiecką sztukę baletową.

Historia baletu zaczyna się w okresie renesansu (XV-XVI w.) we Włoszech. Wyrosła z uroczystych przedstawień, jakie dla arystokratów wystawiali ich służący: muzycy i tancerze na dworze. W tym czasie balet był jak niedoświadczony osiemnastoletni młodzieniec: niezdarny, ale z ogniem w oczach. Rozwinął się niezwykle szybko. Jak ten sam młody człowiek, którego po raz pierwszy wpuszczono do warsztatu i wezwał praktykanta.
W tym czasie moda na balet była zupełnie inna: kostiumy odpowiadały czasowi, tutus i pointe po prostu nie istniały, a publiczność miała okazję uczestniczyć w nim do końca spektaklu.

Katarzyna Medycejska staje się znaczącą postacią w historii rozwoju baletu. Z Włoch sprowadza tę sztukę do Francji, aranżuje spektakle dla zaproszonych gości. Na przykład ambasadorowie z Polski mogli obejrzeć wspaniały spektakl Le Ballet des Polonais.
Uważa się, że arcydzieło Ballet Comique de la Reine było naprawdę bliskie nowoczesnemu baletowi, który trzymał publiczność w napięciu przez ponad pięć godzin. Został umieszczony w 1581 roku.

XVII wiek to nowy etap w rozwoju baletu. Oderwana od prostego tańca, przekształciła się w niezależną sztukę, którą z pasją wspierał Ludwik XIV. Dla niego Mazarin zamówił choreografa z Włoch, który wystawiał balety z udziałem króla.
W 1661 r. Louis utworzył Pierwszą Akademię Tańców, która nauczała baletu. Pierwszy choreograf Ludwika XIV, M. Lully, przejął stery pierwszej szkoły baletowej w swoje ręce. Pod jego kierownictwem Akademia Tańców poprawiła się i nadała ton całemu światu baletu. Zrobił wszystko, co możliwe, aby z młodego i niedoświadczonego młodzieńca z ogniem w oczach zmienić balet w dostojnego, przystojnego mężczyznę, znanego i szanowanego na całym świecie. W 1672 przy jego wsparciu powstała akademia tańca, do dziś znana na całym świecie jako Balet Opery Paryskiej. Nad terminologią tańca pracował inny nadworny choreograf Ludwika XIV, Pierre Beauchamp.
1681 był kolejnym znaczącym rokiem w historii baletu. Po raz pierwszy dziewczyny brały udział w produkcji Mr. Lully. 4 piękności wdarły się do świata tańca i utorowały drogę reszcie. Od tego pamiętnego momentu dziewczyny zaczęły angażować się w balet.

W XVIII wieku balet nadal podbijał serca miłośników dobrego tańca na całym świecie. Ogromna ilość spektakli, nowe formy wyrażania swojego "ja" na scenie, sława daleka od bycia w wąskich kręgach dworskich. Do Rosji dotarła także sztuka baletowa.
W 1783 roku Katarzyna II stworzyła Imperialny Teatr Opery i Baletu w Petersburgu i Teatr Bolszoj Kamenny w Moskwie, a w Petersburgu otwarto Cesarską Szkołę Baletową.
Im bliżej połowy stulecia, tym jaśniejsza stawała się sztuka baletowa. Europa była nim zafascynowana, większość wysoko postawionych osób interesowała się baletem. Wszędzie otwarte szkoły baletowe. Rozwinęła się również moda baletowa. Dziewczyny zdjęły maski, zmieniły się fasony ich ubrań. Teraz tancerki przebierają się w lekkie stroje, co pozwala im wykonywać wcześniej niemożliwe pasy.

Na początku XIX wieku aktywnie rozwijała się teoria baletu. W 1820 roku Carlo Blasis napisał „Podstawowy traktat o teorii i praktyce sztuki tańca”. Rozpoczyna się przejście od ilości do jakości, coraz większą uwagę przywiązuje się do detali.
A co najważniejsze, to, co początek XIX wieku wnosi do baletu, to taniec na wyciągnięcie ręki. Innowacja została dostrzeżona z hukiem i podchwycona przez większość choreografów.
Ogólnie rzecz biorąc, te sto lat wiele dało sztuce baletowej. Balet zamienił się w taniec niezwykle lekki i zwiewny, niczym letni wiatr, który rodzi się w promieniach wschodzącego słońca. Teoria i praktyka szły ręka w rękę: opublikowano wiele prac naukowych, które do dziś są wykorzystywane w nauczaniu baletu.

XX wiek minął pod znakiem baletu rosyjskiego. W Europie i Ameryce na początku wieku zainteresowanie baletem słabło, ale po przybyciu mistrzów z Rosji ponownie rozgorzała miłość do sztuki baletowej. Rosyjscy aktorzy organizowali długie trasy koncertowe, dając każdemu możliwość cieszenia się swoimi umiejętnościami.
Rewolucja 1917 roku nie mogła powstrzymać rozwoju baletu. Nawiasem mówiąc, znana nam baletowa tutu pojawiła się mniej więcej w tym samym czasie, a występy stały się głębsze.
W XX wieku balet to sztuka nie tylko dla arystokratów i rodów szlacheckich. Balet staje się własnością publiczności.

W naszych czasach balet pozostaje tą samą magiczną sztuką, w której za pomocą tańca mogą opowiedzieć o wszystkich ludzkich emocjach. Ciągle się rozwija i rośnie, zmieniając się wraz ze światem i nie tracąc na znaczeniu.

Balet to rodzaj sztuki, w której za pomocą choreografii ucieleśnia się ideę twórcy. Spektakl baletowy ma fabułę, temat, ideę, treść dramatyczną, libretto. Tylko w rzadkich przypadkach odbywają się balety bez fabuły. W pozostałej części, za pomocą środków choreograficznych, tancerze muszą przekazać uczucia bohaterów, fabułę, akcję.

Tancerz baletowy to aktor, który za pomocą tańca przekazuje relacje między bohaterami, ich komunikację między sobą, istotę tego, co dzieje się na scenie.

Od „Giselle” do „Spartakusa”. Balety trzeba zobaczyć.

„Gizelle”

Historia: premiera baletu odbyła się 28 czerwca 1841 w Paryżu. Rosyjska publiczność zobaczyła spektakl w murach Teatru Bolszoj dopiero dwa lata później. Od tego czasu Giselle przez długi czas nigdy nie opuściła rosyjskiej sceny. Tancerze pierwszej wielkości błyszczeli na obrazie głównej bohaterki: Pavlova, Spesivtseva, Ulanova, Bessmertnova, Maksimova i inni.

Fabuła: Historia pierwszej miłości i brutalnej zdrady. Przebrany za chłopa szlachcic Albert uwodzi niczego nie podejrzewającą wiejską dziewczynę. Ale oszustwo szybko się ujawnia. Kiedy Giselle dowiaduje się, że jej kochanek ma już pannę młodą z wyższych sfer, szaleje i umiera.
W nocy Albert przychodzi na grób dziewczyny, gdzie prawie ginie z rąk jeepów – panny młodej, która zginęła przed ślubem. To Giselle ratuje młodego człowieka.

"Jezioro łabędzie"

Historia: balet do muzyki Piotra Iljicza Czajkowskiego nie od razu zakochał się w publiczności. Debiut zakończył się kompletną porażką. Publiczność doceniła „Jezioro łabędzie” dopiero po zredagowaniu oryginalnej choreografii przez choreografów Lwa Iwanowa i Mariusa Petipy. Nowa wersja spektaklu została pokazana publiczności w 1895 roku na scenie Teatru Maryjskiego. W czasach sowieckich to właśnie „Jezioro łabędzie” stało się znakiem rozpoznawczym kraju. Balet został pokazany wszystkim wysokiej rangi gościom, którzy odwiedzili Moskwę.

Fabuła: Produkcja oparta jest na legendzie o księżniczce Odetcie, która została zamieniona w łabędzia przez złego czarnoksiężnika Rothbarta. Ten, kto szczerze ją kocha i złoży przysięgę wierności, może ją uratować. Książę Zygfryd składa taką obietnicę, ale łamie ją podczas balu, gdy pojawia się na nim Odile, jak dwie krople wody podobne do Odety. Dla łabędzi oznacza to tylko jedno - nigdy nie będzie mogła wrócić do swojego poprzedniego życia.

"Romeo i Julia"

Historia: Muzykę do znanego na całym świecie baletu napisał Siergiej Prokofiew już w 1935 roku, ale samą produkcję widzowie obejrzeli trzy lata później i to nie w Moskwie czy Leningradzie, ale w Czechach, w Brnie. Tragedia Szekspira została pokazana w Związku Radzieckim dopiero w 1940 roku. Legendarna Ulanova błyszczała wtedy w tytułowej roli. Nawiasem mówiąc, tancerz (jak wielu innych) nie rozumiał muzyki mistrza. Po premierze wzniosła żartobliwy toast: „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż muzyka Prokofiewa w balecie”.

Fabuła: balet całkowicie i całkowicie pokrywa się z interpretacją Szekspira – kochankowie z walczących rodzin biorą ślub w tajemnicy przed bliskimi, ale giną w tragicznym wypadku.

„Bajadera”

Historia: Bajadera to jeden z najsłynniejszych baletów rosyjskiej sceny imperialnej. Spektakl został po raz pierwszy zaprezentowany szerokiej publiczności w 1877 roku na scenie Teatru Bolszoj w Petersburgu. A w 1904 choreograf Aleksander Gorski przeniósł ją do stolicy. Z biegiem czasu „Bajadera” ulegała licznym przeróbkom, niezmieniona pozostała jedynie scena „Cienia” w wykonaniu korpusu baletowego. Słusznie uważana jest za prawdziwą ozdobę całego spektaklu i prawdziwe osiągnięcie choreografa Petipy.

Fabuła: Miłość wybucha między Solorem a bajaderą (tancerką) Nikiyą. Jednak dziewczyna lubi nie tylko swojego wybrańca, ale także Wielkiego Bramina, który otrzymawszy odmowę piękna, postanawia się na niej zemścić. Raja Dugmanta również pragnie śmierci bajadery, bo marzy o poślubieniu córki Solora. W wyniku spisku dziewczyna umiera od ukąszenia węża, którego wrogowie ukrywają w bukiecie.
Najmocniejszą częścią „Bajadery” jest scena „Cień”. Kiedy Solor zasypia, widzi niesamowity obraz: taniec cieni zmarłych dusz spływa długą linią wzdłuż wąwozu wśród Himalajów, wśród nich Nikiya, która go do siebie wzywa.

„Spartakus”

Historia: premiera baletu odbyła się 27 grudnia 1956 w Petersburgu, aw 1958 w Moskwie. Być może najsłynniejszymi wykonawcami głównych ról męskich w okresie sowieckim można nazwać Vladimir Vasiliev i Maris Liepa. Za podstawę scenariusza posłużyły różne materiały historyczne i beletrystyka.

Fabuła: W tym balecie linia miłosna schodzi na dalszy plan na tle konfrontacji dwóch głównych bohaterów Spartakusa i Krassusa.
Spartakus wznieca powstanie wśród gladiatorów, udaje mu się wygrać, ale Krassus nie chce się poddać i rozpoczyna nową kampanię przeciwko wrogowi. Tym razem szczęście jest po jego stronie. Spartakus walczy do końca, ale ginie w nierównej walce: większość jego sojuszników po prostu stchórzyła i odmówiła odparcia wroga.

Balet (balet francuski, z łac. ballo - tańczę) to rodzaj sztuki scenicznej, której głównymi środkami wyrazu są muzyka i taniec, które są ze sobą nierozerwalnie związane.

Najczęściej balet oparty jest na jakiejś fabule, projekcie dramatycznym, libretto, ale zdarzają się też balety bez fabuły. Główne rodzaje tańca w balecie to taniec klasyczny i taniec postaci. Ważną rolę odgrywa tu pantomima, za pomocą której aktorzy przekazują uczucia bohaterów, ich „rozmowę” między sobą, istotę tego, co się dzieje. Elementy gimnastyki i akrobatyki są również szeroko stosowane we współczesnym balecie.

Narodziny baletu

Balet powstał we Włoszech w okresie renesansu (XVI w.), początkowo jako scena taneczna połączona jedną akcją lub nastrojem, epizodem w spektaklu muzycznym, operą. Zapożyczony z Włoch we Francji balet dworski rozkwita jako wspaniałe, uroczyste widowisko. Muzyczną podstawę pierwszych baletów (Balet Komediowy Królowej, 1581) stanowiły tańce ludowe i dworskie, które były częścią dawnej suity. W drugiej połowie XVII wieku pojawiły się nowe gatunki teatralne, takie jak komedia-balet, opera-balet, w których istotne miejsce zajmuje muzyka baletowa i próbuje się ją dramatyzować. Jednak balet stał się samodzielnym typem sztuki scenicznej dopiero w drugiej połowie XVIII wieku dzięki reformom francuskiego choreografa J.J. Novera. Opierając się na estetyce francuskich oświecaczy, stworzył spektakle, w których treść ujawnia się w dramatycznych, ekspresyjnych obrazach plastycznych i aprobował aktywną rolę muzyki jako „programu, który determinuje ruchy i działania tancerza”.

Dalszy rozwój baletu

Dalszy rozwój i rozkwit baletu przypada na epokę romantyzmu.

Nowoczesny kostium baletowy (kostium wróżki Dragee ze sztuki „Dziadek do orzechów”)

Powrót w latach 30. XVIII wieku. Francuska baletnica Camargo skróciła spódniczkę (tutu) i porzuciła szpilki, co pozwoliło jej wprowadzić do tańca kapcie. Pod koniec XVIII wieku. strój baletowy staje się znacznie lżejszy i swobodniejszy, co w dużej mierze przyczynia się do szybkiego rozwoju techniki tanecznej. Starając się, aby ich taniec był bardziej zwiewny, performerzy starali się stanąć na czubkach palców, co doprowadziło do wynalezienia butów pointe. W przyszłości aktywnie rozwija się technika palca kobiecego tańca. Pierwszą, która jako środek wyrazu użyła tańca pointe, była Maria Taglioni.

Dramatyzacja baletu wymagała rozwoju muzyki baletowej. Beethoven w swoim balecie Stworzenia Prometeusza (1801) podjął pierwszą próbę symfonizacji baletu. Romantyczny kierunek wyznaczają balety Adama Giselle (1841) i Le Corsaire (1856). Balety Delibesa Coppelia (1870) i ​​Sylvia (1876) uważane są za pierwsze balety symfoniczne. Jednocześnie zarysowano również uproszczone podejście do muzyki baletowej (w baletach C. Pugny, L. Minkusa, R. Drigo itp.), jako muzyki melodycznej, klarownej w rytmie, służącej jedynie jako akompaniament do tańca .

Balet przenika do Rosji i zaczyna się rozprzestrzeniać nawet pod Piotrem I na początku. 18 wiek W 1738 r. na prośbę francuskiego mistrza tańca Jean-Baptiste Lande otwarto w Petersburgu pierwszą w Rosji szkołę tańca baletowego (obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego im. A. Ya. Vaganowej).

Historia baletu rosyjskiego zaczyna się w 1738 roku. To właśnie wtedy, dzięki petycji pana Landego, pojawiła się pierwsza szkoła sztuki baletowej w Rosji - Petersburgska Akademia Tańca im. Agrypiny Jakowlewnej Waganowej, obecnie znana całemu światu. Władcy rosyjskiego tronu zawsze dbali o rozwój sztuki tanecznej. Michaił Fiodorowicz jako pierwszy z rosyjskich carów wprowadził do sztabu swojego dworu nową pozycję tancerza. Zostali Iwanem Lodyginem. Musiał nie tylko sam tańczyć, ale także uczyć tego rzemiosła innych. Do jego dyspozycji oddano dwudziestu dziewięciu młodzieńców. Pierwszy teatr pojawił się za cara Aleksieja Michajłowicza. Wtedy zwyczajowo pokazywano taniec sceniczny między aktami sztuki, który nazywano baletem. Później specjalnym dekretem cesarza Piotra Wielkiego taniec stał się integralną częścią dworskiej etykiety. W latach 30. XVIII wieku młodzież szlachecka została zobowiązana do nauki tańca. W Petersburgu taniec towarzyski stał się obowiązkową dyscypliną w szlacheckim korpusie kadetów. Wraz z otwarciem teatru letniego w Ogrodzie Letnim, teatru zimowego w skrzydle Pałacu Zimowego, kadeci zaczynają uczestniczyć w tańcach baletowych. Instruktorem tańca w budynku był Jean-Baptiste Landet. Doskonale zdawał sobie sprawę, że w przyszłości szlachta nie poświęci się baletowi. Chociaż wraz z profesjonalistami tańczyli w baletach. Lande, jak nikt inny, widział potrzebę rosyjskiego teatru baletowego. We wrześniu 1737 r. złożył petycję, w której udało mu się uzasadnić potrzebę utworzenia nowej szkoły specjalnej, w której dziewczęta i chłopcy prostego pochodzenia uczyli się sztuki choreograficznej. Wkrótce takie pozwolenie zostało wydane. Spośród pałacowych sług, których Lande zaczął uczyć, wybrano dwanaście dziewcząt i dwunastu szczupłych młodych mężczyzn. Codzienna praca przynosiła efekty, publiczność była zachwycona tym, co zobaczyła. Od 1743 dawni uczniowie Lande zaczęli otrzymywać pensje jako tancerze baletowi. Szkoła bardzo szybko zdołała dać rosyjskiej scenie znakomitych tancerzy corps de ballet i znakomitych solistów. Do historii pozostały nazwiska najlepszych uczniów pierwszego zestawu: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov

Tożsamość narodowa baletu rosyjskiego zaczęła się kształtować na początku XIX wieku dzięki twórczości francuskiego choreografa Ch.-L. Didlo. Didlo podkreśla rolę corps de ballet, połączenia tańca z pantomimą, podkreśla priorytet tańca kobiecego.

Prawdziwej rewolucji w muzyce baletowej dokonał Czajkowski, wprowadzając do niej ciągły rozwój symfoniczny, głęboką treść figuratywną i dramatyczną ekspresję. Muzyka jego baletów Jezioro łabędzie (1877), Śpiąca królewna (1890), Dziadek do orzechów (1892) nabrała, obok muzyki symfonicznej, zdolności ujawniania wewnętrznego toku akcji, ucieleśniania w ich interakcja, rozwój, walka. W choreografii innowację Czajkowskiego ucieleśniali choreografowie Marius Petipa i LI Iwanow, którzy zainicjowali symfonizację tańca. Tradycję symfonizowania muzyki baletowej kontynuował Głazunow w baletach Raymonda (1898), Młoda panna (1900) i Pory roku (1900).

Początek XX wieku to nowatorskie poszukiwania, chęć przełamywania stereotypów i konwencji baletu akademickiego XIX wieku. W swoich baletach choreograf Teatru Bolszoj A. A. Gorsky dążył do konsekwentnego rozwoju akcji dramatycznej, dokładności historycznej, starał się wzmocnić rolę korpusu baletowego jako postaci masowej, przezwyciężyć rozdzielenie pantomimy i tańca. M. M. Fokin wniósł duży wkład w rosyjską sztukę baletową, znacznie poszerzając zakres pomysłów i obrazów w balecie, wzbogacając go o nowe formy i style. Jego występy dla baletów „Pory Rosyjskie” „Chopiniana”, „Pietruszka”, „Ognisty ptak” i innych przyniosły sławę rosyjskiemu baletowi za granicą. Światową sławę zdobyła miniatura „Umierający łabędź” (1907), stworzona przez Fokina dla Anny Pawłowej. W latach 1911-13, na podstawie sezonów rosyjskich, utworzono stałą grupę, Rosyjski Balet Diagilewa. Po odejściu z trupy Fokina jej choreografem został Wacław Niżyński. Jego najsłynniejszym przedstawieniem był balet Święto wiosny do muzyki Strawińskiego.

Taniec współczesny

Taniec współczesny to kierunek w sztuce tanecznej, który pojawił się na początku XX wieku w wyniku odejścia od sztywnych norm baletowych na rzecz swobody twórczej choreografów.

Z baletu odrzucono taniec swobodny, którego twórcy interesowali się nie tyle nową techniką tańca czy choreografią, ile tańcem jako szczególną filozofią, która mogła zmienić życie. Ruch ten, który powstał na początku XX wieku (za jego przodka uważana jest Isadora Duncan), stał się źródłem wielu kierunków tańca współczesnego i dał impuls do reformy samego baletu.

Balet, najpiękniejszy ze wszystkich sztuk, opowiada historie o miłości i śmierci w języku zrozumiałym dla wszystkich ludzi na Ziemi. Trwałe wartości, powtarzające się zbrodnie i cuda wiary, przysięgi i obowiązku znajdują swój wyraz w tańcach. „Na początku było Słowo”, mówi Biblia, ale Maja Plisiecka sprzeciwia się: „Na początku był gest!” Sztuka cichego ruchu nie wymaga ludzkiego języka i tłumaczenia. Piękno ciała w ruchu, ciało jako narzędzie tworzenia sztuki, teraz samo służy jako „fabuły” tańców bez fabuły. Balet nie jest możliwy bez techniki tańca klasycznego, bez natury ciała, bez poświęcenia i bezwarunkowej miłości, bez potu i krwi. A jednak balet to doskonały ruch, który sprawia, że ​​zapomina się o wszystkim, co małostkowe i ziemskie.

Krótka historia baletu rosyjskiego.

Pierwsze przedstawienie baletowe w Rosji odbyło się 17 lutego 1672 r. na dworze cara Aleksieja Michajłowicza w Preobrażenskim. Przed rozpoczęciem spektaklu na scenę wszedł aktor w roli Orfeusza i zaśpiewał niemieckie kuplety, przetłumaczone carowi przez tłumacza, w których wychwalano piękne właściwości duszy Aleksieja Michajłowicza. W tym czasie po obu stronach Orfeusza znajdowały się dwie piramidy ozdobione sztandarami i oświetlone wielobarwnymi światłami, które po pieśni Orfeusza zaczęły tańczyć. Za Piotra I w Rosji pojawiły się tańce we współczesnym znaczeniu tego słowa: wprowadzono menuety, tańce wiejskie itp. Wydał dekret, zgodnie z którym taniec stał się główną częścią etykiety dworskiej, a szlachetna młodzież była zobowiązana do nauki tańca . W 1731 r. w Petersburgu otwarto Korpus Szlachecki, który miał stać się kolebką baletu rosyjskiego. Ponieważ absolwenci korpusu musieli w przyszłości zajmować wysokie stanowiska rządowe i potrzebowali znajomości obyczajów świeckich, w korpusie istotne miejsce zajmowało studiowanie sztuk pięknych, w tym tańca towarzyskiego. 4 maja 1738 r. Francuski mistrz tańca Jean-Baptiste Lande otworzył pierwszą szkołę tańca baletowego w Rosji - „Szkołę Tańca Jej Cesarskiej Mości” (obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego im. A. Ya. Vaganova).

W specjalnie wyposażonych salach Pałacu Zimowego Lande rozpoczął szkolenie 12 rosyjskich chłopców i dziewcząt. Uczniowie byli rekrutowani z dzieci prostego pochodzenia. Nauka w szkole była bezpłatna, uczniowie mieli pełne wsparcie. Balet w Rosji był dalej rozwijany za panowania Elżbiety Pietrownej. Wśród kadetów Korpusu Lądowego Nikita Beketov wyróżniał się w tańcu. Co więcej, Beketov, który później stał się ulubieńcem Elżbiety, cieszył się szczególną łaską cesarzowej, która sama ubierała młodego mężczyznę, który doskonale wykonywał role kobiece. W 1742 r. utworzono pierwszą trupę baletową z uczniów szkoły Lande, aw 1743 r. zaczęto płacić jej uczestnikom składki. 1 sierpnia 1759 r., w dzień imienin cesarzowej i z okazji zwycięstwa nad wojskami pruskimi pod Frankfurtem, wystawiono uroczyście dramat baletowy „Schronienie cnót”, który odniósł ogromny sukces.

Za panowania Katarzyny II balet w Rosji zyskał jeszcze większą popularność i był dalej rozwijany. Z okazji jej koronacji w Pałacu Moskiewskim wystawiono wspaniały balet „Radosny powrót do arkadyjskich pasterzy i pasterzy bogini wiosny”, w którym brali udział najszlachetniejsi szlachcice. Wiadomo, że następca tronu Paweł Pietrowicz często tańczył w przedstawieniach baletowych w teatrze dworskim. Od czasów Katarzyny II w Rosji pojawiła się tradycja baletów pańszczyźnianych, kiedy to właściciele ziemscy zakładali trupy złożone z pańszczyźnianych. Spośród tych baletów największą sławę cieszył balet ziemianina Nashchokina.

W 1766 roku wypisany z Wiednia choreograf i kompozytor Gasparo Angiolini dodaje do przedstawień baletowych rosyjskiego posmaku – w muzyczny akompaniament przedstawień baletowych wprowadza rosyjskie melodie, co zaskoczyło wszystkich i zyskało dla siebie powszechną pochwałę. Na początku panowania Pawła I balet wciąż był w modzie. Co ciekawe, za Pawła I wydano specjalne zasady dotyczące baletu - nakazano, aby podczas występu na scenie nie było ani jednego mężczyzny, role mężczyzn tańczyły Evgenia Kolosova i Nastasya Berilova.

Trwało to aż do przyjazdu Auguste Poirot do Petersburga. Za panowania Aleksandra I balet rosyjski kontynuował swój rozwój, osiągając nowe wyżyny. Rosyjski balet swój sukces w tym czasie zawdzięcza przede wszystkim zaproszonemu francuskiemu choreografowi Carlowi Didelotowi, który przybył do Rosji w 1801 roku. Pod jego kierownictwem takie tancerki i tancerki jak Maria Danilova, Evdokia Istomina zaczęły błyszczeć w rosyjskim balecie. W tym czasie balet w Rosji osiągnął niespotykaną popularność. Derżawin, Puszkin i Gribojedow zaśpiewali balety Didelota oraz jego uczniów Istomina i Teleszowej. Cesarz uwielbiał przedstawienia baletowe i prawie nigdy nie opuścił żadnego. W 1831 r. Didelot opuścił petersburską scenę w wyniku konfliktu z dyrektorem teatrów, księciem Gagarinem. Wkrótce na petersburskiej scenie zaczęła świecić gwiazda Balet europejski Maria Taglioni.

Zadebiutowała 6 września 1837 roku w balecie La Sylphide i wzbudziła zachwyt publiczności. Taka lekkość, tak czysty wdzięk, tak niezwykła technika i mimika nigdy nie zostały pokazane przez żadnego z tancerzy. W 1841 pożegnała się z Petersburgiem, tańcząc w tym czasie ponad 200 razy.

W 1848 roku do Petersburga przyjechała rywalka Taglioniego, Fanny Elsler, znana z wdzięku i wyrazu twarzy. Po niej Carlotta Grisi odwiedziła Petersburg, która zadebiutowała w 1851 roku w Giselle i odniosła wielki sukces, pokazując się jako pierwszorzędna tancerka i znakomita mimika. W tym czasie choreografowie Marius Petipa, Joseph Mazilier i inni konsekwentnie wystawiali luksusowe balety i, przyciągając utalentowanych artystów, starali się proponować spektakle baletowe, które dzięki włoskiej operze zaczynały stygnąć. Wśród ówczesnych krytyków baletowych był Wissarion Bieliński, znany z artykułów o Taglionim, Guerino i Sankowskiej. Za panowania Aleksandra II w rosyjskim balecie rozpoczyna się promocja rodzimych talentów. Wielu utalentowanych rosyjskich tancerzy i tancerzy uświetniło scenę baletową. Choć w przedstawieniach baletowych poczyniono duże oszczędności, doświadczenie Mariycy Petipy pozwoliło na wystawienie eleganckich przedstawień baletowych przy niskich kosztach finansowych, czemu sukces znacznie ułatwiła znakomita scenografia artystów. W tym okresie rozwoju baletu rosyjskiego tańce mają pierwszeństwo przed plastyką i mimiką.

Za panowania Aleksandra III balety w Teatrze Maryjskim odbywały się dwa razy w tygodniu - w środy i niedziele. Choreografem był nadal Marius Petipa. W tym czasie w Petersburgu koncertowały zagraniczne baleriny, m.in. Carlotta Brianza, która jako pierwsza wcieliła się w rolę Aurory w balecie Śpiąca królewna Piotra Czajkowskiego. Czołowymi tancerzami byli Wasilij Geltser i Nikołaj Domashev. W XX wieku - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Michaił Fokin, 1909. Na początku XX wieku strażnikami tradycji akademickich byli artyści: Olga Preobrazhenskaya, Matylda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu N. Sedova, Agrippina Vaganova , Olga Spesivtseva. W poszukiwaniu nowych form Michaił Fokin opierał się na współczesnej sztuce plastycznej.

Anna Pawłowa. Zaproszenie do tańca aka Zaproszenie do Walu.

Ulubioną formą sceniczną choreografa był jednoaktowy balet o lakonicznej, ciągłej akcji, o wyraźnie wyrażonej stylistycznej kolorystyce. Michaił Fokin jest właścicielem baletów: Pawilon Armidy, Chopiniana, Noce Egipskie, Karnawał, 1910; „Pietruszka”, „Tańce połowieckie” w operze „Książę Igor”. Tamara Karsavina, Wacław Niżyński i Anna Pawłowa zasłynęli w baletach Fokina. Pierwszy akt baletu „Don Kichot” do muzyki Ludwiga Minkusa dotarł do jego współczesnych w wersji Aleksandra Gorskiego.

Rosyjski balet XX wieku.

Galina Ulanova w balecie „Giselle”.

Pas de deux z baletu „Jezioro łabędzie” Czajkowskiego.

Rosyjski balet XXI wieku.

Pas de deux z baletu „Le Corsaire” Adany.

Pas de deux z Don Kichota Minkusa.

Pas de deux z baletu „Bajadera” Minkusa.

Adagio i pas de deux z baletu „Giselle” Adama.