Galeria prac Belvedere. Austriacka Galeria Belvedere. Wielki dowódca i esteta Eugeniusz Savoysky

Austriacka Galeria Belvedere

Austriacka Galeria Belvedere (Österreichische Galerie Belvedere)

Austriacki Belweder to zespół architektoniczno-parkowy. Pałace Górnego i Dolnego Belwederu zostały zbudowane w XVIII wieku na polecenie księcia Sabaudii. Dziś mieści się w nim Austriacka Narodowa Galeria Sztuki (Österreichische Galerie Belvedere), w której reprezentowani są wszyscy znani artyści i rzeźbiarze z Austrii.

Architekt Johann Lucas von Hildebrandt wzniósł na zlecenie księcia prawdziwe arcydzieło – wiedeński Belweder. Ten niezwykły zamek składa się z dwóch pałaców ogrodowych, Dolnego i Górnego Belwederu, zbudowanych w latach 1714-1716. i 1721-1722 Pałace mieszkalne poza murami miasta były wówczas bardzo cenione, żaden z nich nie mógł się jednak równać z Belwederem księcia Eugeniusza, który jako najwyższy dowódca sił cesarskich, namiestnik Niderlandów Hiszpańskich i książę rodu panującego książąt Sabaudii pełnił funkcję drugiego cesarza Wiednia.

Stosunkowo skromny Dolny Belweder służył jako letnia rezydencja księcia, natomiast znacznie bardziej luksusowy Górny Belweder miał pomieścić jego kolekcję dzieł sztuki i być miejscem uroczystości dworskich. Zespół zamkowy jest wspaniałym przykładem organizacji wnętrz barokowych, w których architektura wkomponowana jest w kompozycję ogrodów, tarasów, ramp, wspaniałych alejek, fontann i stawów.

W 1903 roku w Oranżerii Dolnego Belwederu otwarto „Galerię Nowoczesną”. Nazwę muzeum wkrótce zmieniono na „Cesarska Austriacka Galeria Państwowa”, a po upadku monarchii w 1918 r. na „Galerię Austriacką”.

W 1923 roku w Dolnym Belwederze otwarto Muzeum Barokowe, a rok później w Górnym Belwederze pojawiła się „Galeria XIX wieku”.

Po II wojnie światowej w oranżerii Dolnego Belwederu mieściło się Muzeum Sztuki Średniowiecznej. Muzeum Barokowe pozostało w Dolnym Belwederze, natomiast zbiory z XIX i XX wieku zachowały swoje miejsce w Górnym Belwederze.

Zbiory Belwederu obejmują okres od średniowiecza do współczesności, a jedynie stosunkowo niewielka część zbiorów może być eksponowana na stałe, gdyż powierzchnia wystawiennicza, pomimo wielkości pałacu, jest ograniczona.

Galeria, w której prezentowane są dzieła mistrzów malarstwa IX i XX wieku, francuskich impresjonistów, zlokalizowana jest w Górnym Belwederze. Pałac budowano z myślą o uroczystych przyjęciach. Jego wnętrza: główna klatka schodowa; pełna wdzięku Sala Terren, która służy jako przedsionek; sala marmurowa, pomalowana freskami Carlone'a i ozdobiona sztukaterią; Przykładem ceremonialnego barokowego luksusu mogą być lampy sufitowe mistrza Giacomo del Po. Można tu zobaczyć dzieła typowych przedstawicieli wczesnego austriackiego ekspresjonizmu Oskara Kokoschki, Egona Schiele, a także współczesnych mistrzów i artystów okresu biedermeier (G. Waldmüller, R. von Alt, Georg Waldmüller, F. von Amerling i in.) .
Jednak głównym atutem galerii są obrazy Gustava Klimta. W Górnym Belwederze znajduje się znaczący zbiór jego dzieł, a wśród nich: „Pocałunek” – najsłynniejsze dzieło artysty; „Złota Adela” "Adam i Ewa". Afirmujące życie, „słoneczne” obrazy Klimta uważane są za ucieleśnienie stylu „wiedeńskiej secesji” - secesji. W kolekcji znajduje się także wiele dzieł mistrzów niemieckich i włoskich, a także dzieł artystów holenderskich i austriackich.

W 1903 roku w szklarni Dolnego Belwederu, za namową współczesnych artystów wiedeńskich, otwarto austriacką Galerię Belwederską – „Galerię Nowoczesną”. Jest to zbiór sztuki barokowej i średniowiecznej (eksponowane są w szklarni). Odbywają się tu czasowe wystawy tematyczne. Dolną salę pałacu zdobią freski autorstwa Martino Altomonte. Dolny Belweder posiada doskonale zachowany wystrój wnętrz i zabytkowe meble.

1. Egona Schiele. Pocałunek.

2. Auguste Rodin. Pomnik Victora Hugo. 1909. Terakota

3.Balthasar Permoser. Triumf księcia Eugeniusza. 1718-1721

4.Sala Marmurowa w Dolnym Belwederze

6. Widok ogólny Belwederu. Rycina wykonana przez I.A.Corviniusa na podstawie rysunku Solomona Kleinera. 1740

7. Książę Eugeniusz Sabaudii. 1716

8.Georg Donner. Wenus w kuźni Wulkana. 1735

9.Sala Marmurowa w Górnym Belwederze

10. Gustav Klimt

11.Nieznany mistrz. Upadek. 1521

12. Gustav Klimt

13.

14.Sala Marmurowa w Górnym Belwederze

15.Franz Ksawery Messerschmidt. Wściekły jak cholera. 1770

16. Nieznany rzeźbiarz. Madonna z Dzieciątkiem. 1360

17. Hol wejściowy w Górnym Belwederze

18. Wielka klatka schodowa w Górnym Belwederze.

19. Nieznany rzeźbiarz. Klęczący anioł. 1380

20. Andreas Urtheil. Stojąca postać z uniesionymi ramionami (Strach). 1958. Brąz

21.Fernand Knopff. Nimfa. 1896. Gips

22. Johann Georg Dorfmeister. Apollo i Minerwa. 1761

23. Auguste Rodin. Gustava Mahlera. 1909. Brąz

24. Franz Xavier Messerschmidt. Maria Teresa. 1765

25. Kąpiący się. Pierre'a Augusta Renoira.

Zespół pałacowy Belweder i Wiedeń od dawna są nierozłącznymi pojęciami. Jeśli pierwsze dwa pałace wiedeńskie – Hofburg i Schönbrunn – należały do ​​władców Habsburgów, to Belweder był „skromną azylą” księcia Sabaudii, wielkiego dowódcy Świętego Cesarstwa Rzymskiego, którego Austria wraz z Niemcami i Republika Czeska, była częścią XVII wieku.

Dlaczego warto odwiedzić: jeden z głównych pałaców Wiednia, który oprócz luksusu zewnętrznego, bogaty jest także w piękno wewnętrzne – prezentowane są tu słynne dzieła austriackich artystów.
Godziny pracy: Górny Belweder czynny jest codziennie od 9:00 do 18:00, dolny Belweder od 10:00 do 18:00. Piątek to w obu pałacach dzień wydłużony – wszystkie budynki kompleksu czynne są do godziny 21:00.
Jaka jest cena: bilet łączony na obejrzenie całego kompleksu kosztuje 25 €, dzieci i młodzież do lat 19 wchodzą bezpłatnie!
Gdzie jest: Współrzędne GPS: 48.19259, 16.3807 // Adres kompleksu: Prinz Eugen-Straße 27, 1030 Wien (mapa i więcej szczegółów jak dojechać w artykule poniżej).

Pałac Belweder w Wiedniu - recenzja ze zdjęciami, historią

Pałac Belweder jest letnią rezydencją księcia Sabaudii. Jest słusznie uznawany za cenną perłę Austrii, prawdziwy przykład baroku i dziedzictwa architektonicznego kraju.

W 1955 roku w jego mieszkaniu podpisano Deklarację Niepodległości kraju. Dziś w pałacu mieści się państwowa galeria narodowa, w której prezentowane są dzieła wielkich mistrzów.

Belvedere dosłownie tłumaczy się jako „piękny widok”. Panorama rozciągająca się od pałacu do katedry św. Szczepana i Wiednia poniżej jest naprawdę piękna.

Zespół pałacowy Belweder w Wiedniu położony jest na wzgórzu i obejmuje Dolny i Górny Belweder. Pałac Dolny został wzniesiony w 1716 roku przez księcia Eugeniusza Sabaudzkiego. Położony jest w ogromnym kwitnącym parku, ozdobionym rabatami kwiatowymi i fontannami.

Rok później książę podjął decyzję o budowie kolejnego pałacu, przeznaczonego na uroczyste przyjęcia. I tak pojawili się dwaj bracia, którzy razem stworzyli cały zespół pałacowy ze wspaniałymi budynkami i cudownymi ogrodami.

Obydwa pałace są dziś dostępne do zwiedzania. Przyjrzyjmy się bliżej schematowi zespołu i każdemu z pałaców z osobna.

Schemat kompleksu Belweder

Poniżej schemat zespołu pałacowego Belvedere w Wiedniu.

Wynika z niego, że składa się z trzech budynków i ogromnego terenu parkowego.

Belweder 21

Budynek w formie dużego szklanego sześcianu mieści Muzeum Sztuki Współczesnej Belvedere 21. Powstał dopiero w 1958 roku, więc w zasadzie nie ma nic wspólnego z zespołem pałacowym z XVIII wieku. Jest gospodarzem różnorodnych wystaw i spotkań przedstawicieli sztuki współczesnej w Austrii.

Dolny Belweder w Wiedniu

W Dolnym Belwederze sale i pokoje, w których mieszkał sam Eugeniusz Savoysky, są otwarte dla publiczności. Wyposażenie lokalu jest po prostu luksusowe, zwiedzający mogą zobaczyć kolekcję rzeźb i obrazów zdobiących jadalnię i sypialnię księcia, Złoty Gabinet i Salę Lustrzaną.

Cały wystrój pomieszczeń zachował się niemal w oryginalnym stanie.

Górny Belweder w Wiedniu

Górny Belweder wygląda znacznie bardziej luksusowo niż jego młodszy brat. Znajdują się w nim zbiory sztuki z XIX i XX wieku. Znajdują się tu obrazy Renoira, Van Gogha, Moneta i austriackiego malarza Gustava Klimta, w tym jego słynny „Pocałunek”.

Arcydzieła artystów i piękne rzeźby znajdujące się w salach pałacu pozostawiają niezapomniane wrażenie w Belwederze w Wiedniu.

W budynku Górnego Belwederu mieści się słynna galeria wiedeńska.

Galeria Belvedere w Wiedniu

Kolekcja sztuki galerii obejmuje kilka tysięcy dzieł reprezentujących osiemset lat historii sztuki. W swojej reorganizowanej kolekcji na rok 2018 muzeum prezentuje sztukę austriacką od średniowiecza po współczesność z nowego punktu widzenia.

Prace takich artystów jak Rüland Fruauf Starszy, Franz Xaver Messerschmidt, Ferdinand Georg Veldmüller, Gustav Klimt, Erika Giovanna Klien, Egon Schiele, Helena Funke czy Oskar Kokoschka splatają się w wieloaspektowym dialogu.

Schemat sal Górnego Belwederu

Sale na pierwszym piętrze podkreślają historię Belwederu jako obiektu architektonicznego i muzeum. Dzięki temu powstaje sprzeczność pomiędzy odniesieniami do historii i nowoczesności, co pozwala na świeże spojrzenie na to, co wydawało się znane od dawna. Szczegółowe podpisy pod obrazami i wymowne teksty w salach potęgują wrażenie muzeum.

Kliknij na diagram, aby zobaczyć go bardziej szczegółowo (otwiera się w nowym oknie)

Prezentacja obrazów ułożona jest chronologicznie według epok i przerywana jest nowatorskimi salami tematycznymi poświęconymi zagadnieniom austriackiej historii, tożsamości i sztuki.

Wycieczki do wiedeńskiego Belwederu

Najlepszym sposobem na poznanie Wiednia są spacery edukacyjne z lokalnymi mieszkańcami, którzy mogą opowiedzieć wiele ciekawych rzeczy o mieście, które są ukryte przed zwykłym okiem turysty. Jest to szczególnie ważne przy zapoznawaniu się z wyrafinowaną sztuką wiedeńską. W Belwederze odbywają się następujące wycieczki z zawodowymi historykami sztuki w języku rosyjskim:

• — wycieczka grupowa za 20 € za osobę;
• — wycieczka indywidualna za 250 € za grupę do 4 osób.

Z reguły cena wycieczki nie obejmuje opłaty za wstęp do muzeum. Bilety do kompleksu pałacowego można nabyć osobno.

Ceny za zwiedzanie

• 25 € – wizyta w Górnym i Dolnym Belwederze oraz nowoczesnym Muzeum Belvedere 21.
• 22€ – kolekcja dzieł Gustava Klimta;
• 15 € – wizyta w Górnym Belwederze;
• 13 € — koszt zwiedzania Dolnego Belwederu;
• 8€ – Muzeum Belvedere 21.

Wygodne jest to, że możesz odwiedzić każdy pałac z osobna, wybierając ten, który Ci odpowiada. Jednocześnie bardziej opłacalny będzie bilet ogólny na zwiedzanie całego kompleksu Belweder.

Belweder Wiedeń na mapie

Na mapie wiedeńskich atrakcji oznaczyłem zespół pałacowy Belweder karmazynowym znakiem z ikoną pałacu na wschodzie stolicy.

W celu wygodnego przeglądania mapy, w razie potrzeby można ją zmniejszyć lub powiększyć. Ponadto po kliknięciu w tagi pojawiają się szczegółowe informacje o każdym z ciekawych miejsc w Wiedniu.

Jak dojechać do zamku Belweder

W tramwajach nr 71 – przystanek Unteres Belvedere przy Dolnym Belwederze lub tramwajem D do przystanku Zamek Belweder- wejście bezpośrednio do Górnego Belwederu i kasy biletowej, także tramwajem D, a także liniami nr 18 i O, do których można dojechać Dzielnica Belvedere- to jest po drugiej stronie skrzyżowania od wejścia do Parku Belwederskiego, stąd widać główną fasadę Pałacu Górnego.

Bezpośrednio przy zespole pałacowym nie ma stacji metra. Zatem jest to albo 10-15 minut spacerem od nich, albo nadal można tam dojechać tramwajem. Na stację można dojechać metrem linii czerwonej Główny dworzec kolejowy. Stąd trzeba przejść trzy przecznice lub przejechać jeden przystanek tramwajem nr 18.

Pałac i Muzeum Belweder w Wiedniu jest dziedzictwem kulturowym Austrii. Niesamowita jest nie tylko architektura zewnętrzna „wyszywana” barokowymi lokami, ale także wystrój wnętrz zespołu pałacowego. Szczególnie interesująca jest bezcenna kolekcja obrazów w Galerii Belvedere.

Luksusowy zespół pałacowy Belweder, Wiedeń, słusznie nazywany jest austriackim Wersalem – architektura budynków jest niezwykle bogata, a park otaczający zadanie elegancki. Kilka wieków temu zamki zostały zbudowane jako rezydencja księcia Eugeniusza Sabaudzkiego. Kilka wieków później w salach pałaców podpisano fatalny Protokół Wiedeński, a nieco później - Deklarację Niepodległości Austrii. Obecnie w rezydencji mieści się Galeria Narodowa, gdzie każdy turysta może podziwiać najlepsze dzieła znanych austriackich impresjonistów i ekspresjonistów.

Historia Belwederu

Nazwę zespołu pałacowego, położonego na zboczu wzgórza, w języku austriackim tłumaczy się jako „piękny widok”. Rzeczywiście, malowniczy krajobraz był jednym z powodów, dla których w 1716 roku wybrano te tereny pod budowę rezydencji dowódcy wojskowego Eugeniusza Sabaudzkiego.

Wracając po wyczerpującej wojnie z Turkami, książę zapragnął mieć luksusowy zamek na letnie wakacje. I zbudowany przez słynnego architekta Johanna Lucasa von Hildebrandta Pałac Belweder w pełni spełnił oczekiwania wielkiego wodza.

Później jednak okazało się, że książę potrzebował innego budynku, w którym można byłoby organizować bale, oficjalne przyjęcia i audiencje. Tak rozpoczęła się budowa drugiego zamku z niezwykle bogatym wnętrzem, majestatyczną salą, licznymi freskami i rzeźbami.

Po śmierci Eugeniusza właściciele rezydencji zmieniali się kilkakrotnie: budynki znajdowały się zarówno w posiadaniu rodziny cesarskiej, jak i we własności miejskiej. Dzisiaj Zespół pałacowy Belweder– siedziba największej galerii sztuki i jednej z najsłynniejszych atrakcji w Austrii.

Galerii Belweder

Dziś dyskretny na zewnątrz Dolny Belweder ma status muzeum malarstwa i rzeźby Cesarstwa Austriackiego XVII-XVIII wieku. Zachowało się oryginalne wyposażenie zamku ze stiukowymi płaskorzeźbami, freskami, posągami i unikalnymi malowidłami ściennymi. Zdecydowanie powinieneś sprawdzić:

• Sale Marmurowe i Lustrzane;
• Sala Grotesek;
• sypialnia i gabinet księcia.

Górny Belweder V Wiedeń dziś jest to prawdziwe miejsce pielgrzymek koneserów dzieł Gustava Klimta, Van Gogha, Renoira i innych malarzy XIX-XX wieku. Koszt dzieł prezentowanych na zamku szacuje się na miliardy euro. Choć starożytne wnętrza sal nie zachowały się, majestatyczne fasady ozdobione ogromnymi rzeźbami robią naprawdę wrażenie.

Aby zwiedzanie muzeum było dla turystów wygodniejsze, w każdym pałacu znajdują się garderoby, kawiarnie i sklepy z pamiątkami.

Nie mniej majestatyczne są zamkowe stajnie ceremonialne, kute bramy ozdobione posągami oraz ogromny trzypoziomowy park z basenami i wodospadem.

Jak się tam dostać

Więc jak dojechać do Belwederu Można dojechać metrem lub tramwajem, atrakcję można zwiedzać samodzielnie. Najbliższa stacja metra to Taubstummengasse, skąd można szybko dojść do Pałacu Górnego. Jeśli jednak planujesz rozbudowaną trasę turystyczną, warto zacząć od zwiedzania Dolnego Belwederu. Można tu dojechać tramwajami następującymi trasami:

• 71 (przystanek Unteres Belvedere);
• D (przystanek Schloss Belvedere).

Po zwiedzeniu dawnej rezydencji książęcej można przespacerować się po luksusowym parku, podziwiać obrazy w Górnym Belwederze, a następnie udać się do Muzeum Sztuki Nowoczesnej lub innych atrakcji znajdujących się w centrum miasta.

Jeśli nie wiesz, gdzie w Wiedniu znajduje się Belweder i jak dojechać do zamku, możesz wezwać taksówkę. Oficjalny adres zespołu pałacowego to Wiedeń, Prinz Eugen Str. 27.

Bilety i godziny otwarcia

Ceny biletów różnią się w zależności od miejsc, które planujesz odwiedzić.

• Bilet jednorazowy do Górnego Belwederu kosztuje 14 EUR (11,5 w cenie ulgowej).
• Jednorazowa wizyta w Dolnym Belwederze i szklarni kosztuje 11 EUR (8,5 ze zniżką).
• Bilet pełny, uprawniający do zwiedzania obu zamków, oranżerii, Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Pałacu Zimowego, kosztuje 31 EUR (26,5 EUR - cena ulgowa).

Z biletu można skorzystać więcej niż raz – ważny jest przez 30 dni od pierwszej wizyty.

Zniżki na bilety przysługują studentom i seniorom (powyżej 65. roku życia) posiadającym dokumenty potwierdzające. Osoby poniżej 18 roku życia mogą zwiedzać muzea bezpłatnie.

Drzwi pałaców otwarte są dla zwiedzających codziennie od 10 do 18, a w środę muzeum czynne jest do 21.00. W dzień można bezpłatnie spacerować po kompleksie parkowym.

Galeria Belvedere (Wiedeń, Austria) - wystawy, godziny otwarcia, adres, numery telefonów, oficjalna strona internetowa.

• Wycieczki na Nowy Rok do Austrii
• Wycieczki last minute do Austrii

Poprzednie zdjęcie Następne zdjęcie

Wiedeński Belweder jest interesujący sam w sobie, ale miłośników sztuki przyciąga tu także wspaniała kolekcja obrazów i rzeźb. Galerię o tej samej nazwie otwarto w 1903 roku, kiedy stowarzyszenie artystyczne Secesja zaprosiło Wiedeńczyków do zapoznania się z twórczością artystów austriackich i zagranicznych, którzy odrzucali malarstwo klasyczne. Organizatorzy przekazali do nowego muzeum większość eksponatów, w tym obraz Van Gogha „Równina Auvers”. Nikt wówczas nie miał pojęcia o ich przyszłej wartości.

„Trzon” galerii stanowią 24 obrazy Gustava Klimta wystawione w Pałacu Górnym, wśród których „Pocałunek” to autoportret artysty z przyjaciółką Emilią Flege. Piękne są także inne jego dzieła ze „złotego okresu”: „Judyta”, „Adam i Ewa”, „Fritz Ridler”. W wyniku powojennej restytucji 10 obrazów, w tym obie słynne Adele, wróciło do spadkobierców poprzednich właścicieli, ale co pozostaje niespodzianek i zachwytów.

Dużym zainteresowaniem cieszą się obrazy Egona Schielego „Rodzina” i „Uściski”. Alegoryczny cykl Hansa Makarta „Pięć zmysłów” utrzymany w akademickim stylu wydaje się obcy wśród malarstwa modernistycznego, ale to właśnie on uważany jest za prekursora Gustava Klimta. Marmurową salę Pałacu Dolnego zdobią freski Martino Altomonte o tematyce mitologicznej. Prezentuje sztukę średniowieczną i barokową. Na terenach bezpłatnych organizowane są wystawy tematyczne i wystawy czasowe.

Praktyczne informacje

Adres: Wiedeń, Prinz-Eugen-Strasse, 27. Strona internetowa (w języku angielskim).

Jak dojechać: tramwajem nr 71 do przystanku. Unteres Belvedere lub nr D, 2 do przystanku. Schwarzenbergplatz.

Godziny otwarcia: codziennie od 10:00 do 18:00. Cena biletu dla dorosłych wynosi 22 EUR, dla emerytów i studentów – 19 EUR, wstęp dla młodzieży do lat 18 jest bezpłatny. Ceny na stronie są aktualne na listopad 2018.

Gustava Klimta. Ogród wiejski z kwiatami (Ogród browaru Litzlberg nad Attersee). Około 1906 roku

Sztuka pierwszej połowy XX wieku

Ferdynand Hodler (1853–1918). Podniecenie. 1900

Szwajcarski artysta Ferdinand Hodler jest najwybitniejszym przedstawicielem symboliki. Już za życia zyskał sławę jako jeden z najwybitniejszych przedstawicieli estetyki epoki secesji. Styl Hodlera jest rozpoznawalny: tworzył dzieła o monumentalnej prostocie, dekoracyjnej dwuznaczności, w których jedną z głównych ról odgrywa symbolika koloru i kompozycji.

Na uwagę zasługuje przestrzenność i kolorystyka obrazu. Hodler uwielbiał przedstawiać izolowane postacie ludzi, jakby spoza czasu i przestrzeni. Jego bohaterowie nie są portretami, ale typami; są wartościowi nie sami w sobie, ale jako charakterystyka pewnych stanów lub działań. Konwencjonalność przestrzeni i specyficzny kolor tłumaczy się głębokim zainteresowaniem artysty średniowiecznym malarstwem religijnym. Uchwycony moment jest bardzo prosty i wymyka się interpretacji, a jednocześnie posiada niesamowitą atrakcyjność i subtelną dwuznaczność. W tym poczuciu znaczenia ważną rolę odgrywa monumentalność ukazanej postaci.

Franz von Matsch (1861–1942) Hilda i Franzi Matsch 1901

Austriacki artysta i rzeźbiarz Franz von Match to wybitny przedstawiciel wiedeńskiej secesji. Jugendstil to jedna z nazw sztuki współczesnej w ogóle, nurtu artystycznego przełomu XIX i XX wieku, charakteryzującego się szeroką gamą cech. Cechami wspólnymi są rewizja suchych akademickich zasad malarstwa, zainteresowanie autoekspresją lub określoną koncepcją artystyczną (historyzm, orientalizm), eksperymenty z kompozycją, wewnętrzna wartość symbolicznych lub zdobniczych interpretacji tematu. Franz von Match próbował swoich sił w wielu gatunkach i technikach. Był autorem nagrobków i fontann, projektował kostiumy dla aktorek, a także wspólnie z Gustavem Klimtem zaprojektował i wykonał monumentalne freski dla Uniwersytetu Wiedeńskiego. Jedną z atrakcji Wiednia jest stworzony przez niego słynny zegarek Anker-Ur.

Obraz ten jest portretem zbiorowym, artysta przedstawił swoje córeczki. Szczególnie zauważalny jest wpływ symboliki, której zwolennicy przywiązywali dużą wagę do koloru. Autorka przemienia biały kolor sukni i włosów jednej z córek w srebro, które mieni się nieziemskim blaskiem. Światło na zdjęciu jest konwencjonalne, postacie i przedmioty nie są oświetlone naturalnie, z cieniami, ale równomiernie. Wydaje się, że kochający ojciec stara się nie tylko pojmać swoje dzieci, ale stworzyć dla nich cały świat, z dala od niepokojów współczesności. Na uwagę zasługuje zastosowanie ulubionej techniki nowatorskich artystów przełomu XIX i XX wieku: postać po lewej stronie została przycięta wzdłuż krawędzi, podobnie jak figurka zabawkowego konia, co oznacza odrzucenie konwencjonalnych zasad przedstawienie, intencja wyrwania chwili z biegu życia. Jednocześnie jednak dziewczyny patrzą bezpośrednio na widza, widać, że pozują celowo. Takie połączenie intencjonalności i przypadku jest charakterystyczne dla malarstwa tego okresu.

Claude Monet (1840–1926). Droga w ogrodzie Moneta w Giverny. 1902

Głównym celem impresjonistów było malowanie natury „takiej, jaka jest”, a nie „takiej, jaka powinna być” według akademickich kanonów. Dlatego w ich twórczości dużą rolę odgrywają natychmiastowe wrażenia, interakcja fal światła i koloru oraz niestabilne stany powietrza.

Prezentowany obraz przedstawia słynny ogród Claude'a Moneta. Związany jest z nim okres 43-letniego życia twórczego mistrza - namalowano tu prawie wszystkie pejzaże. Gęsta zielona uliczka, bujne zarośla i kwiaty wypełniają płótno niezliczoną ilością kolorowych plam, wszystko zlewa się w ciepły ruch powietrza, jakby ożywało w bajkowym śnie.

Tina Blau (1845–1916). Cryo w Praterze. 1902

Tina Blau to jedna z najbardziej utalentowanych i znanych austriackich artystek XIX i początku XX wieku. Obok takich mistrzów jak Karl Moll, Jakob Schindler i Marie Egner uważana jest za przedstawicielkę impresjonizmu. Blau zasłynęła dzięki pejzażom, a także martwym naturom i portretom innych wiedeńskich malarzy, które stworzyła pod koniec swojej kariery.

Pejzaże artysty wyróżniają się powściągliwą kolorystyką, są bardzo solidne, kompozycyjnie wręcz neoklasyczne. Blau łączy zainteresowanie impresjonistyczną interpretacją otaczającego środowiska powietrznego oraz modelowaniem światła i cienia z wyraźną, niemal geometrycznie ścisłą strukturą do konstruowania widoku krajobrazu. Należy zwrócić uwagę na główną cechę stylu autora - charakter pisarstwa artysty ma bardzo płaską fakturę, różni się od klasycznego francuskiego impresjonizmu, którego mistrzowie woleli nakładać farbę bardzo gęsto i pastowato. Blau całe życie poświęciła malarstwu pejzażowemu, opracowała specjalny kierunek studiów dla studentów i przez wiele lat z sukcesem zajmowała się nauczaniem. Artystka spędziła dziesięć lat na twórczych podróżach po Włoszech, odwiedziła wiele europejskich miast, po czym stworzyła dużą liczbę płócien.

Cała seria obrazów, która przyniosła Blauowi sukces wśród publiczności, poświęcona jest najsłynniejszemu parkowi miejskiemu w Wiedniu – Praterowi. Artysta mieszkał blisko niego przez długi czas. Płótno przedstawia widok na pierwszy austriacki tor wyścigowy Krio. Dzieło, jak wszystkie dzieła Blaua, wyróżnia się powściągliwą kolorystyką, doskonałą techniką malarską i subtelnym lirycznym nastrojem, który tworzą impresjonistycznie precyzyjne kreski.

Ryszard Gerstl (1883–1908). Wróżkowe siostry. 1905

Odwiedzający Galerię Belvedere mają niepowtarzalną okazję zapoznać się z twórczością austriackiego artysty Richarda Gerstla, którego twórczość rozwijała się pod znakiem ekspresjonizmu. Na uwagę zasługuje jego tragiczny los. Pewnego dnia poznał rodzinę wielkiego kompozytora Arnolda Schönberga i to wydarzenie odmieniło życie malarza. Urzekła go Matylda Schoenberg, żona mistrza, spędził z nią nawet lato 1908 r. Jednak romans nie trwał długo, kobieta wkrótce wróciła do męża. Oszołomiony rozstaniem Gerstl zamknął się w swojej pracowni, spalił część korespondencji miłosnej, być może także obrazy, po czym popełnił samobójstwo. Miał zaledwie 25 lat. Krewni zebrali pozostałe 66 obrazów i przechowali je w magazynie sklepu starszego brata artysty. Zaledwie dwadzieścia lat później, na początku lat trzydziestych, pokazał obrazy handlarzowi dziełami sztuki. Był zszokowany ich siłą wyrazu i talentem nieznanego autora.

Jednak los nie był łaskawy dla Gerstla nawet po śmierci. Jakiś czas po otwarciu pierwszej wystawy jego prac Austria została przymusowo przyłączona do hitlerowskich Niemiec. Prace artysty zostały zakazane pod etykietą „sztuka zdegenerowana”. Dopiero po obaleniu reżimu faszystowskiego obrazy tego niezasłużenie zapomnianego mistrza zaczęły wracać do publiczności.

Gerstl był znakomitym portrecistą, o czym świadczy ten obraz. Tworzył obrazy sióstr, które urzekają widza swoją niepewnością, wrażliwością i szczególnym naiwnym spojrzeniem na świat. Kobiety patrzą ufnie i z uśmiechem. Artystka maluje bardzo swobodnie, wybierając konwencjonalne, brązowe, płaskie tło. Konwencjonalność wzmacnia celowo dziecinny sposób rysowania oraz pozornie przypadkowe pociągnięcia i podkreślenia.

Pierre Auguste Renoir (1841–1919) Dziewczyna o blond włosach 1904–1906

„Akt” reprezentuje cały cykl obrazów Renoira. Dzieło to pochodzi z późnego okresu twórczości, w całej okazałości ujawniły się w nim główne cechy malarstwa artysty: rzeźbiarska i mocna konstrukcja postaci, zamiłowanie do skomplikowanych zestawień kolorów, rzucanych matowym, tajemniczym blaskiem. Portret jest pełen zmysłowości, cała uwaga mistrza skierowana jest na młodość, dostojność dziewczyny, malarz dosłownie rozkoszuje się fizycznością modelki. W ostatnich dziesięcioleciach Renoir cierpiał na artretyzm, choroba bardzo utrudniała mu pracę, a pod koniec życia artysta był unieruchomiony.

Karol Moll (1861–1945). Brzozowy las

Karl Moll malował obrazy pełne symbolicznego, mistycznego brzmienia. Cechą charakterystyczną twórczości mistrza jest to, że tajemniczy świat swoich płócien stworzył nie za pomocą znaków, alegorii czy wątków literackich, ale poprzez ukazanie w szczególny sposób fragmentów natury.

Pejzaż ten namalowany jest w sposób konwencjonalny (co jest charakterystyczne dla artysty). Zielone trawy o złotym blasku i srebrno-złote niebo przyciągają uwagę swoją niezwykłością. Twórczość Molla była bezpośrednio powiązana z praktyką twórczą wielkiego Gustava Klimta, który jeszcze bardziej pogłębił konwencjonalną polisemię barw w malarstwie. Ponadto sposób nakładania farby i szczególna wizja natury wskazują na silny wpływ na autora twórczości Vincenta van Gogha (Moll kochał i aktywnie promował jego sztukę w Austrii). Na uwagę zasługuje sposób, w jaki malarz pracuje z fakturą: czarno-białą farbą rzeźbi pnie brzóz, nadając im szorstkość, co bardzo efektownie kontrastuje z umownością całego pejzażu. Płótno, charakterystyczne dla sztuki symbolicznej w ogóle, jest portretem stanu natury i samego autora. Takie pejzaże portretowe były kontynuacją nurtu, który pojawił się wśród romantyków w pierwszych dekadach XIX wieku. Na początku XX wieku tradycja została wzbogacona o nowe rozwiązania kolorystyczne i kompozycyjne. Artyści przestali ślepo podążać za naturą, lecz uporządkowali zjawiska naturalne w sposób metaforyczny i symboliczny.

Edvarda Muncha (1863–1944). Park w Kösen. 1906

Norweg Edvard Munch to artysta XX wieku, zasłynął z malarstwa, grafiki, pracował dla teatru, tworzył prace teoretyczne na temat sztuki. Styl Muncha ukształtował się bezpośrednio pod wpływem paryskiej szkoły malarstwa, w szczególności takich mistrzów jak Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh. Munch wypracował szeroki, swobodny sposób nakładania lokalnych farb, które często – jak w tej pracy – miesza się bezpośrednio na płótnie, a nie na palecie. Mistrz preferował tematy związane z filozofią symboliki. Rozwinął artystyczne metafory samotności, wyginięcia i śmierci.

Na początku XX wieku artysta nieustannie cierpiał na napięcia nerwowe, dlatego przyjaciele zaprosili go na relaks w spokojnym niemieckim miasteczku Bad Kösen. Tam przebywał u doktora Maxa Linde, konesera i konesera sztuki. Obraz przedstawia jego park, w którym zainstalowano kopię słynnego posągu „Myśliciela”, wykonanego przez samego Rodina. Munch przedstawił ją tutaj, w prawym górnym rogu, a później osobno. Pejzaż wyróżnia się bardzo żywą, świeżą paletą, autor niczym w zabawie swobodnie stosuje farby.

Bronzia Koller-Pinel (1863–1934). Zbieranie chleba. 1908

Bronzia Koller-Pinel to utalentowana austriacka artystka pierwszych dekad XX wieku, na którą wpływały wszystkie główne nurty secesji. Jej styl ewoluował od impresjonizmu na początku kariery, secesji, do ekspresjonizmu i „Nowej Materialności” w ostatnich latach jej życia. Największy wpływ na Kollera-Pinela wywarli mistrzowie francuskiego postimpresjonizmu, tacy jak Vincent Van Gogh i Paul Gauguin. Ślad neoprymitywizmu jest wyraźny: jej prace wyróżniają się bezpośredniością spojrzenia na otaczający je świat.

W 1902 roku artysta wstąpił do kręgu Gustava Klimta i mistrzów secesji wiedeńskiej. Jej dom zdobiły takie gwiazdy secesji jak Joseph Hofmann i Koloman Moser. Koller-Pinel organizował w nim wieczory towarzyskie, w których uczestniczyli filozofowie, muzycy i malarze, a wśród nich słynny Egon Schiele.

Na tym obrazie artysta ucieleśniał jeden z ulubionych tematów postimpresjonistów, a temat zbiorów był gloryfikowany przez Van Gogha. Tradycyjnie oznacza chęć twórcy, aby za pomocą malarstwa symbolicznie dotknąć prostego ludzkiego życia. Ówcześni mistrzowie szukali źródła oczyszczenia od zgiełku miasta w głębinach chłopskiego życia. Widz nie widzi twarzy bohaterów, a jedynie ich zgarbione sylwetki. Bezimienni bohaterowie skupieni są na swojej pracy, są zbyt mali na tle sięgającej za horyzont ziemi. Snopy wykonane są niemal naiwnie i swoją monotonią tworzą niepowtarzalną ozdobę.

Koller-Pinel to jedna z nielicznych kobiet tamtych czasów, która potrafiła osiągnąć sukces i uznanie na polu malarstwa. Być może dlatego, mimo doskonałej jakości jej twórczości i wysokiego profesjonalizmu, jej twórczość często spotykała się z atakami krytyki. W naszych czasach nazwa Koller-Pinel na stałe zakorzeniła się w historii sztuki europejskiej.

Lovis Korynt (1858–1925). Pani w akwarium ze złotą rybką. 1911

Lovis Corinth to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli niemieckiego impresjonizmu. Artysta próbował swoich sił w różnych tematach: był mistrzem portretu i owocnie pracował nad tematami z mitologii starożytnej. Od 1891 roku Korynt dołączył do secesji berlińskiej. Wraz z innym znanym niemieckim impresjonistą Maxem Liebermannem malarz uchodził za najpopularniejszego i poszukiwanego artystę tego genialnego berlińskiego stowarzyszenia.

Rok 1909 spędził w kurorcie w Meklemburgii. Obrazy z tego okresu wyróżniają się szczególnym spokojem i ciepłem domowej atmosfery. Prezentowane płótno przedstawia żonę autora. Dzieło zostało wykonane w najlepszych tradycjach impresjonizmu. Przestrzeń została kreowana po mistrzowsku: na płótnie praktycznie nie ma pustej, niewypełnionej przestrzeni. Widz trafia do przytulnego, pięknie urządzonego mieszkania, gdzie wszystko jest otoczone zielenią. Uwagę zwraca poza kobiety: wydaje się, że właśnie usiadła na sofie. Odnosi się wrażenie, że w tym ruchu, w skupieniu i spokoju spojrzenia na książkę, oddaje się istota komfortu rodzinnego, jakim artystka prawdziwie otoczona była dzięki opiece żony. Znanych jest kilka innych znakomitych portretów rodzinnych mistrza.

Koloman Moser (1868–1918). Portret kobiety z profilu. Około 1912 roku

Koloman Moser to jeden z najwybitniejszych artystów secesji wiedeńskiej, założyciel stowarzyszenia Warsztaty Wiedeńskie. Jego zasady twórcze, szczególnie w grafice i projektowaniu, miały fundamentalne znaczenie dla rozwoju tych dziedzin w XX wieku. W trakcie swojego intensywnego życia twórczego tworzył książki, prace graficzne – od pocztówek po winiety do magazynów, pracował z modnymi ubraniami, tworzył witraże, zastawę stołową, biżuterię i meble. Artysta uwielbiał malować proste postacie męskie i kobiece, które swoją monumentalnością i prostotą przypominają dzieła innej znanej postaci secesji, Ferdynanda Hodlera. Moser preferował odcienie błękitu i różu – typowe kolory symboliczne, które oznaczały mistyczny świat narodzin, samotności i śmierci.

Kobieta pokazana z profilu wydaje się być wybielona przez światło, ale jej pochodzenie jest niejasne. Wydaje się, że nie jest to światło słoneczne, ale światło księżyca, a nawet odbicia niektórych pożarów niewidocznych dla widza. W ten sposób, posługując się środkami czysto obrazowymi, mistrz stworzył tajemniczą, dwuznaczną atmosferę swojej lakonicznej twórczości. Ukazanie postaci z profilu, gdy wzrok modela prowadzi widza gdzieś poza krawędź obrazu, jest także charakterystyczne dla artystów ostatniej dekady XIX i początku XX w., symbolistów i prerafaelitów.

Oskar Kokoschka (1886–1980.) Portret artysty Karla Molla. 1913

Oskar Kokoschka to jeden z najsłynniejszych i najbardziej oryginalnych artystów austriackich, znany z zapadającego w pamięć ekspresjonistycznego stylu malarstwa.

Największą sławę mistrzowi przyniosły portrety. Oto portret artysty Karla Molla. Postać przedstawionej osoby i jej duże dłonie robią wrażenie. Duże dłonie to jedna z tradycyjnych technik, co oznacza, że ​​widz jest człowiekiem pracy. Artysta, zdaniem Kokoschki, to przede wszystkim pracowity, a nie bezczynny przedstawiciel bohemy. Portret namalowany jest w tradycyjny dla autora sposób: nakłada farbę gęsto, aktywnie załamuje przestrzeń, sprawia wrażenie, jakby zaginała się wraz z postacią Moll.

Oskar Laske (1874–1951). Statek głupców. 1923

Austriak Oscar Laske znany jest ze swoich dzieł malarskich i architektonicznych. Duża część spuścizny artysty składa się ze szkiców z jego podróży po Europie i Afryce Północnej. Laske zajmował się pejzażem i malarstwem miejskim, jego płótna wyróżniają się jasną, przeszywającą barwą. Mistrz brał udział w bitwach I wojny światowej, a to doświadczenie wywarło ogromny wpływ na jego światopogląd, co znalazło odzwierciedlenie w dużej liczbie obrazów o tematyce wojskowej i o charakterze moralnym.

„Statek głupców” to dzieło obnażające przywary, gorzka krytyka ludzkich grzechów. To alegoryczny obraz o złożonej, wielowymiarowej i rozgałęzionej fabule. Jej temat nie jest nowy w sztuce: znane jest dzieło o tym samym tytule (1495–1500, Luwr, Paryż) wielkiego Holendra Hieronima Boscha. Można patrzeć na płótno bardzo długo i znajdować coraz to nowe metafory i pouczające historie. Na przykład scena Ukrzyżowania ma pokazać, że Chrystus oddał swoje życie na próżno za grzechy ludzkości. Po prawej stronie, niemal pośrodku, duża kolejka na giełdzie pracy, wskazująca na kryzys gospodarczy, jakiego doświadczyły kraje niemieckojęzyczne na przełomie lat 10. i 20. XX wieku. Oscar Laske, wzorując się na swoich średniowiecznych poprzednikach, potępia grzechy lubieżności, cudzołóstwa, krzywoprzysięstwa i chciwości. Artysta wprowadza wizerunki przedstawicieli bohemy, próżniaczej publiczności, a obok nich znajdują się sceny cudzołóstwa, średniowieczne wizerunki śmierci w postaci szkieletu z kosą, diabła we fraku, żarłoków w postaci brzuchatego potwory i wiele więcej.

Takie obrazy, dziedzicząc i aktualizując moralizujące tendencje kultury średniowiecznej, cieszyły się dużym zainteresowaniem po pierwszej wojnie światowej. Artyści próbowali zrozumieć cel i ofiary największej i najbardziej bezlitosnej masakry tamtych czasów.

Gustava Klimta

Gustava Klimta. Węże wodne I. 1904–1907

Gustaw Klimt (1862–1918). Portret Sonyi Knips. 1898

Gustav Klimt to jeden z najpopularniejszych artystów naszych czasów. Jego dzieła wyróżniają się najwyższym kunsztem i wirtuozerią wykonania.

„Portret Sonyi Knips” jest przykładem wczesnej twórczości artystki. Warto powiedzieć kilka słów o modelu. Sonya Knips, z domu baronowa Poitiers, była kobietą o doskonałej organizacji duchowej i wyszła za mąż za bogatego mężczyznę. Jej życiowym dziełem było wspieranie słynnych Warsztatów Wiedeńskich. Zgodziwszy się pozować dla Klimta, zrobiła odważną rzecz - wsparła skandalicznego artystę: faktem jest, że Klimt stworzył już wcześniej freski do dekoracji Uniwersytetu Wiedeńskiego, które klient uznał za pornograficzne. Na tym zdjęciu autor rymuje się z delikatnym odcieniem białych kwiatów i sukienką bohaterki. Przed widzem stoi klasyczny portret spełniający ideały modernizmu. Artystka podziwia rysy twarzy Sonyi, jej skupiony, „hipnotyzujący” wygląd. Na uwagę zasługuje poza dziewczyny: wydawało się, że właśnie usiadła i na chwilę zamarła. „Starożytna patyna” nadaje portretowi szczególnego wyrafinowania: suknia przypomina średniowieczne stroje angielskich królowych, kwiaty zdają się pochodzić z holenderskich martwych natur, a czarne tło było bardzo popularne w europejskich portretach szlachty XV – XVIII w. Blade rysy twarzy i ubranie Sonyi są na nim jeszcze wyraźniejsze. Wokół kobiety pojawia się szczególna tajemnicza aura, jakby artysta uchwycił jej stan ducha, pełen spokojnej godności. Portret oczywiście powinien schlebiać klientowi.

Gustaw Klimt (1862–1918). Judyta I. 1901

Gustaw Klimt (1862–1918). Judith I. 1901 (fragment)

„Judyta I” to jeden z najsłynniejszych obrazów Gustava Klimta. Dzieło powstało w tzw. złotym okresie, który stał się szczytem jego twórczości. Typ femme fatale najbardziej pociągał mistrza. Modelką płótna była Adele Bloch-Bauer, żona filantropa, bogatego przemysłowca, który był sponsorem mistrza. Adele pozowała do kilku znanych dzieł Klimta (Portret Adele Bloch-Bauer I, Judith II), wszystkie charakteryzujące się zmysłowością. Erotyczny wizerunek Judyty jest poszukiwany od czasów renesansu. Tutaj artysta przedstawia Judytę z głową Holofernesa. Bohaterka jest symbolem narzędzia zwycięstwa w rękach Pana. Płótno jest bardzo bogate w fakturę: autor intensywnie wykorzystuje złocenie i bawi się zestawieniem gęstej czarnej barwy włosów z półprzezroczystą tkaniną peleryny.

Gustava Klimta. Pocałunek. 1907–1908

Obraz „Pocałunek” to jedna z perełek kolekcji Galerii Belvedere, arcydzieło, które nie straciło jeszcze swojej urzekającej mocy. Dzieło charakteryzuje się wyrafinowaną dekoracyjnością, wyrafinowaną erotyzmem i wielowymiarową metaforą. Dzieło to stanowi najsłynniejszy etap twórczości mistrza, w sposób naturalny nazywany „złotym okresem”. Złocenie pojawiło się w twórczości Klimta po podróży do Włoch, zwłaszcza do Wenecji i Rawenny, gdzie urzekło go złoto bizantyjskich mozaik i nabrał przekonania, że ​​lakonizm, płaskość i umowność przestrzeni mają wyjątkową siłę oddziaływania. Płaskie i zdobnicze właściwości monumentalnego malarstwa secesyjnego pozwoliły artyście harmonijnie zintegrować spirytualizm starożytnej sztuki sakralnej. Mistrz stworzył niezapomniany autorski styl, łącząc organizm z przenikliwą dekoracyjnością secesji, symboliką koloru i nastrojem epoki dekadencji.

Połączenie konwencjonalnego złotego tła i osłon postaci z realistyczną i bardzo zmysłową interpretacją twarzy robi wrażenie. Złote tło z połyskującymi kropkami, szczerze ozdobny wzór kwiatów, polana wyglądająca jak ścieżka klejnotów oraz dosłownie przyciągająca wzrok leniwa zmysłowość i otwartość kobiecego spojrzenia sprawiły, że obraz „Pocałunek” był jednym z najbardziej rozpoznawalnych wpisuje się w światową historię sztuki. To alegoryczne płótno ma także charakter symboliczny ze względu na semantyczny ładunek koloru. Twórczość „złotego okresu” mistrza wpłynęła na zasady sztuki i gust społeczny publiczności kulturalnej pierwszych dekad XX wieku.

Gustaw Klimt (1862–1918). Portret Johanny Staude

Gustav Klimt zasłynął z serii portretów kobiet. Swoje wizerunki zamawiali u niego najsłynniejsi, bogaci i wpływowi Europejczycy początku XX wieku. Prezentowane płótno przedstawia Johannę Staude (1883-1967), dzieło to jest jednym z ostatnich dzieł mistrza. Uwagę zwraca szlachetna prostota kompozycji, bohaterka patrzy prosto przed siebie. Johanna nie raz pozowała Klimtowi (swoją drogą była też modelką Egona Schiele). Jasna maska ​​​​na twarz jest otoczona niebiesko-czarnymi włosami i futrzanym boa. Klimt stosuje estetyczne i przenikliwe połączenie jaskrawego błękitu, bogatej czerwieni i czerni. W wielu późniejszych pracach portret ten wyróżnia się prostotą, która podkreśla piękno kobiety. Modelka ma na sobie strój ze słynnych Warsztatów Wiedeńskich.

Gustav Klimt (1862–1918) Portret kobiety w bieli. Około 1917–1918

Galeria Belvedere posiada największą kolekcję dzieł Gustava Klimta. Austriacki malarz był współtwórcą słynnej Secesji Wiedeńskiej i organizatorem wystaw z lat 1908–1909, które przybliżały kręgom artystycznym Austrii dorobek światowej awangardy. Klimt za życia odniósł ogromny sukces wśród publiczności i klientów, a najbogatsze i najbardziej wpływowe rodziny w Europie chciały mieć jego obraz. W wieku 56 lat mistrz niespodziewanie zmarł na zapalenie płuc, pozostawiając wiele niedokończonych dzieł, jednym z nich jest „Portret damy w bieli”.

Warto zwrócić uwagę na kwadratowy format płótna – często stosował go Klimt. Kwadrat oznacza matematyczną harmonię, równość poziomu (światowego) i pionowego (boskiego). Estetyczna czystość równych linii figury i jej równowaga doskonale wpisywały się w lakoniczne, wyrafinowane wnętrza klientów Klimta, koneserów stylu Art Nouveau. Harmonia widoczna jest także w niemal dekoracyjnej kompozycji płótna. Autor dzieli obraz na pół po przekątnej na czarno-biały. Umieszcza twarz nieznanej kobiety dokładnie pośrodku. Dzięki temu widz ma możliwość prześledzenia procesu powstawania dzieła sztuki. Mistrz przeszedł od symetrii i czystych geometrycznych linii do eleganckiego dekoryzmu w końcowym wykończeniu. Kobieta, podobnie jak wiele innych bohaterek, ma bardzo jasną twarz przypominającą maskę. To zarówno artystyczna przesada, jak i podążanie za ówczesną modą. Choć obraz nie jest jeszcze ukończony, posiada atrakcyjność charakterystyczną dla dzieł Klimta.

Egona Schiele

Egona Schiele. Matka z dwójką dzieci. 1915–1917

Egona Schielego (1890–1918). Mały Rayner (Herbert Rayner w wieku około sześciu lat). 1910

Wraz z Oskarem Kokoschką i Gustavem Klimtem Egon Schiele jest jednym z liderów wiedeńskiej secesji. Wystawy życiowe młodego artysty odbywały się w największych ośrodkach sztuki w Europie, w takich miastach jak Wiedeń, Praga, Zurych, Berlin czy Paryż. Schiele wypracował rozpoznawalny styl autorski, który łączył ozdobną płaskość secesji, nerwowe, wyraziste linie konturu i niemal naturalistyczne detale mięśni ciała. Wszystkie postacie w jego pracach wyglądają jak szkielety i mniej więcej odzwierciedlają fizjologiczne cechy samego mistrza. Eksperci widzą w tym także jego ciągłe zainteresowanie wewnętrznymi, duchowymi mocami człowieka, symboliką sięgającą sztuki duchowej północnego renesansu. Schiele zajmuje się ludzkimi uczuciami i emocjonalnością, znajdują one odzwierciedlenie w dosłownie odpychających cechach cielesnych.

Artysta wielokrotnie malował małego Rainera, jeden rysunek znajduje się w Metropolitan Museum of Art. Portret z Belwederu jest bardzo dowcipny i bogaty w dekoracje. Chłopiec przedstawiony jest w stylizowanym orientalnym stroju i pozie. Ma na sobie kosztowną, dobrze uszytą jedwabną szatę. Dominującym kolorem płótna jest bogaty karmazynowy kolor. Widz jest pod wrażeniem kontrastu spokojnej, zrelaksowanej, dosłownie medytacyjnej, ale monolitycznej, skupionej pozycji bohatera i figlarnej zabawy na jego twarzy. Schiele podkreśla duże dłonie dziecka. Wydłużone nerwowe palce są oznaką duchowej subtelności człowieka i jego przynależności do bohemy.

Egona Schielego (1890–1918). Słoneczniki. 1911

Austriacki artysta Egon Schiele stał się jednym z najważniejszych przedstawicieli epoki secesji. Wybór tematu dzieła „Słoneczniki” nie jest przypadkowy: został on napisany śladami słynnych „Słoneczników” Vincenta van Gogha. Obraz mistrza cieszył się ogromną popularnością wśród austriackich artystów, gdyż był kilkakrotnie wystawiany w najważniejszych galeriach Wiednia. Schiele, podobnie jak Van Gogh, na nowo zastanawia się nad metaforą kruchości wszystkich rzeczy, wprowadzając do swojej twórczości motyw powstawania i rozkładu. Kwiaty tradycyjnie służyły jako symbol życia i piękna, skazane na śmierć. Pod wpływem Van Gogha słoneczniki malował także inny mistrz, Gustav Klimt, bliski Schiele. Płótno ma charakter kompozycji niemal abstrakcyjnej. Jasne plamy kwiatów wplecione są w ciemne liście. Ta na wpół martwa natura, na wpół pejzaż przedstawia krąg ludzkiego życia.

Egon Schiele (1890–1918) Uścisk 1917

Prace Egona Schiele z gatunku pejzażu, portretu i aktu są nasycone dramatycznym kontrastem życia i śmierci, miłości i poczucia samotności, statyki i dynamiki. Wątkiem przewodnim, głównym tematem, który dał impuls twórczej inspiracji artysty, był temat erotyki, seksu i cielesnej miłości. Krytycy sztuki dostrzegają w twórczości mistrza twórczą refrakcję poglądów Zygmunta Freuda na temat decydującego znaczenia libido w życiu człowieka. W spuściźnie Schiele znajdują się setki prac graficznych i malarskich przedstawiających wyraźne sceny miłosne, erotyczne wizerunki kobiet i szkice aktów seksualnych.

Drugi tytuł prezentowanego obrazu to „Para miłosna II, mężczyzna i kobieta”. Temat ten upodabnia Schiele do innego znanego przedstawiciela austriackiej secesji, Gustava Klimta, jednak twórczość tego pierwszego jest bardziej fizjologiczna, wyrazista w swoim naturalizmie. Artystka przedstawia ciała dosłownie okryte skórą, na których widać każdy napięty mięsień. Na uwagę zasługuje ich charakterystyka kolorystyczna: jasny odcień skóry bohaterki i ciemny odcień skóry mężczyzny. Od czasów starożytnej sztuki egipskiej mężczyźni byli tradycyjnie przedstawiani z ciemniejszymi kolorami ciała. Istotna jest także ogólna skala obrazu. Schiele operuje w palecie postimpresjonistycznej i awangardowej; to połączenie oliwki, ochry, beżu, ciemnego brązu i bieli, obrysowane na czarno, odnajdujemy na przykład u Picassa z lat 1907–1914.

Egon Schiele (1890–1918) Cztery drzewa 1917

Egon Schiele słynie z rozpoznawalnego stylu autorskiego, który ukształtował się na styku secesji i ekspresjonizmu. Z secesji artysta zaczerpnął wdzięk linii, subtelność zdobniczego detalu i estetyczne zestawienia eleganckich odcieni kolorystycznych. Styl ekspresjonizmu wyrażał się w sposobie przedstawiania ludzkich ciał, dosłownie naelektryzowanych erotyzmem. Pejzaże zajmują honorowe miejsce w twórczym dziedzictwie Schielego, choć nie są tak znane szerszej publiczności jak jego rysunki erotyczne.

Autorka buduje pracę „Cztery drzewa” na warstwach rysunkowych: każda pozioma linia jest oddzielona od poprzedniej grubym, kolorowym konturem. Technika ta daje podwójny efekt: czyni pejzaż dekoracyjnym, a dzięki zabarwieniu warstw przenikliwymi barwami różu i błękitu nabiera egzystencjalnego charakteru. Kolor obrazu wywołuje niepokojące, a nawet groźne wrażenie, ponieważ kolory różowy i niebieski były dla współczesnych artystów symbolami życia i śmierci. Jak powiedział sam Schiele, ruchy chmur, konstrukcja drzew, wody, gór przypominają mu ruchy ludzkich ciał. Mistrz uważał, że impulsy płynące z natury są pokrewne ludzkim emocjom, odczuciom i stanom. Cztery drzewa naprawdę wyglądają jak cztery osoby o różnych osobowościach, zachowaniu i wyglądzie.

Egona Schielego (1890–1918). Rodzina. 1918

Wielki austriacki artysta Egon Schiele miał krótkie, ale bardzo jasne życie, pełne twórczych odkryć i już w młodym wieku zaznał sławy. W Belwederze znajduje się jedna z najciekawszych i najbardziej reprezentatywnych kolekcji jego dzieł. Malarz, obok Gustava Klimta, uważany jest za najwybitniejszego przedstawiciela estetyki i kultury europejskiej secesji.

Aby zrozumieć tę pracę mistrza, musisz poznać jego biografię. W 1918 roku, kiedy Schiela miał zaledwie 28 lat, w Europie rozpoczęła się ciężka epidemia grypy, słynna „hiszpanka”, która pochłonęła życie ponad 20 milionów ludzi. Artysta zaczął malować „Rodzinę”, gdy nie przeczuwał jeszcze rychłego końca: zmarł trzy dni po śmierci ciężarnej żony. Po zachorowaniu malarz zaczął przerabiać płótno. Co ciekawe, przedstawiona kobieta nie jest jego żoną, ale nieznaną modelką, postać mężczyzny ma cechy autoportretu. Praca pozostała niedokończona. Wygląd bohaterów jest uderzająco przenikliwy. Pogodzeni z losem, patrzą gdzieś w dal. Gest mężczyzny robi wrażenie – dotyka serca, jakby składał przysięgę wierności swojej rodzinie. Na płótnie dominują brązowe, ziemiste kolory, jakby bohaterowie byli już na łonie ziemi. W tej pracy styl Schielego zmienia się, staje się bardziej realistyczny, nastrój obrazu jest bardzo miękki, uległy, a nawet oświecony. Z ekspresjonizmu pozostała jedynie dramatyczna symbolika koloru.