Często sztukę naiwną utożsamia się z prymitywizmem. Ale choć te dwa kierunki w sztuce są bardzo bliskie, to nie są tym samym.
Sztuka naiwna łączy twórczość amatorską, sztukę artystów samouków. Jeśli chodzi o prymitywizm, to jest to styl malarstwa powstały w XIX wieku, który jest świadomym uproszczeniem obrazu, prymitywizowaniem jego form. To jest obraz profesjonalistów.
Art brut jest bliższy sztuce naiwnej. Sztuka naiwna jest reprezentowana we wszystkich formach: malarstwie, rysunku, sztuce dekoracyjnej, rzeźbie, architekturze. Rosyjska awangarda również skłaniała się ku sztuce naiwnej.
Niko Pirosmani (1852-1918)
Być może najsłynniejszym przedstawicielem sztuki naiwnej jest Niko Pirosmani (Nikolai Aslanovich Pirosmanishvili). To o nim piosenka „Million Scarlet Roses”. Urodził się w Gruzji w rodzinie chłopskiej. Nie otrzymał nie tylko sztuki, ale też w ogóle nie otrzymał wykształcenia. Umiał czytać tylko po gruzińsku i rosyjsku. Malarstwa studiował u artystów wędrownych, którzy malowali szyldy sklepów i dukhanów. Swoją kreatywność stworzył na jedynej rzeczy, która była zawsze pod ręką - na prostej ceratce zdjętej ze stołu.
N. Pirosmani „Port Batumi”
Latem 1912 roku kubo-futuryści zainteresowali się dziełem Pirosmaniego i zaczęli je promować: Ilja i Kirill Zdanevich, Michaił Le-Dantyu i inni.Cyryl Zdanevich nabył dużą liczbę obrazów od Pirosmaniego, a Ilja Zdanevich opublikowanych w 1913 w gazecie „Mowa zakaukaska” artykuł o twórczości Pirosmanishvili pod tytułem „Artysta-samorodek”. 24 marca 1913 r. w Moskwie na wystawie „Cel”, wraz z dziełami znanych artystów (Larionowa i Gonczarowej), wystawiono kilka obrazów Pirosmaniego, przywiezionych z Tbilisi przez Ilję Zdanevicha. Twórczością Pirosmaniego zainteresowali się młodzi gruzińscy artyści, a David Szewardnadze zaczął gromadzić kolekcję jego prac. Ale to nie zapewniło Pirosmaniemu pomyślności życia - w 1918 zmarł z głodu i chorób.
N. Pirosmani „Sarenka na tle pejzażu” (1915). Państwowe Muzeum Sztuki Gruzji, Tbilisi
Szczególne miejsce w twórczości artysty zajmują wizerunki zwierząt. Jeden z gruzińskich artystów zauważył, że zwierzęta na obrazach mają oczy samego artysty.
Sztuka naiwna jako fenomen kultury artystycznej wykracza poza ramy sztuki profesjonalnej. Jej zrozumienie i uznanie zaczęły kształtować się dopiero na początku XX wieku, ale sztuka naiwna miała i nadal wpływa na twórczość profesjonalnych artystów w Rosji i Europie Zachodniej. W okresie władzy sowieckiej przedstawienia amatorskie służyły pracy ideologicznej. Ale sztuka naiwna pozostała wierna wartościom etycznym: wiara w przyszłość, szacunek dla przeszłości. Jego główną różnicą w stosunku do sztuki oficjalnej i oportunistycznej jest brak zainteresowania.
Siergiej Zagraevsky „Martwa natura”. Ten autor jest również określany jako prymitywizm.
W wielu krajach istnieją muzea sztuki naiwnej: w Niemczech jest to Muzeum Charlotte Zander. W muzeum Carycyno kolekcja sztuki naiwnej została zgromadzona przez właścicieli ziemskich. Państwowy Rezerwat Suzdal posiada dużą kolekcję sztuki naiwnej. W Moskwie znajduje się Muzeum Sztuki Naiwnej w Novogireevo. W kolekcjach prywatnych znajduje się również wiele obrazów artystów amatorów. W Nicei (Francja) działa Muzeum Sztuki Naiwnej im. A. Żakowskiego.
Dzieła sztuki naiwnej są bardzo atrakcyjne. Chcę na nie patrzeć i patrzeć, być zaskoczonym i uśmiechniętym, smutnym i podziwianym. Czasami wydaje się, że nie jest taka naiwna, jest sztuką, jeśli budzi tyle uczuć. To tak, jakby pochodziło z innego świata. Ale to jest osobista postawa i osobiste emocje. Ale jak eksperci oceniają naiwną kreatywność?
Opublikowała kilka książek o współczesnej sztuce naiwnej K. Czeski. Zwrócimy się do jej książki „Sztuka naiwna”, gdy mówimy o twórczości Pawła Leonowa.
Paweł Pietrowicz Leonow (1920-2011)
Paweł Leonow (2001)
„Leonov nazwał swoje kompozycje konstrukcjami. Te konstrukcje są porośnięte miąższem koloru. Postacie ludzi są najczęściej czarne - jakby wszyscy, jak więźniowie w obozie, ubrani byli w czarne grochowe marynarki. Ale czasami ubierają się na biało. Małe czarne ptaszki, tykające na bladym niebie wczesnych obrazów, stają się mięsistymi czarnymi gawronami w błękicie późniejszych, a potem przylatują tu białe ptaki.
Triumf snu nad życiem, plan nad wcieleniem, tak tkwiący w Leonowie, jest charakterystyczną cechą narodowego charakteru rosyjskiego ”(K. Bohemskaya).
P. Leonov „Cześć, Puszkin!”
Te projekty Leonova są wielopoziomowe, rozłożone na całej powierzchni płótna. A płótna są ogromne, co pozwala autorowi żyć w swoim obrazie, żyć w świecie, który przedstawia. Jego obrazy przedstawiają przeszłość, ale jednocześnie upiększając przeszłość, zdają się opowiadać o lepszej przyszłości. „Obrazy Leonowa mają w sobie taką witalność, że podbijają każde serce otwarte na artystyczne wrażenia i nie zepsute normami konsumpcji muzealnych okazów”.
P. Leonov „I mogę latać…”
„Stworzona poza granicami profesjonalnej szkoły i stylu, marginalna kreatywność rodzi się z potrzeb dalekich od pragnienia artystycznej chwały. Jej twórcami są dziwni ludzie - ekscentrycy, wyrzutkowie. Projektują w swoich pracach obrazy i wizje ze wspomnień, snów i snów. Mówią do siebie językiem obrazów. Rysują tak, jakby czarowali, tworząc wokół siebie własny świat, otulając ich kokonem z rzeczywistości” (K. Bohemskaya).
P. Leonov „W krainie, gdzie palmy i cytryna”
„... Mijają lata i dla wszystkich będzie oczywiste: Leonow jest wielkim rosyjskim artystą. Nie będą już pamiętać definicji „naiwny”. Tak więc najsłynniejszym artystą w Szwajcarii został Adolf Wölfli. Tak więc wielkim artystą Gruzji jest Niko Pirosmanishvili.
Leonow stworzył własny obraz Rosji, którego jeszcze nie było. Stworzył styl, który do niego należał i jego uduchowiony kolor.
Spuścizna Leonowa, składająca się z półtora tysiąca dużych płócien, podobnie jak spuścizna innych wielkich artystów, jest ogromnym własnym światem, w którego fasetach odbijają się i załamują różne aspekty otaczającego świata.
Wartość Leonowa zostanie oceniona przez przyszłość, która będzie wymagała fundamentów pod budowę budynku kultury narodowej ”(K. Bohemskaya).
Z biografii
P. Leonow „Autoportret” (1999)
Pavel Pietrowicz Leonow urodził się w prowincji Oryol. Jego życie było ciężkie, pracował w fabrykach, ścinał drewno, naprawiał statki, budował drogi, był stolarzem, tynkarzem, piecykiem, blacharzem, malarzem, grafikiem. Mieszkał w Orelu, Ukrainie, Azerbejdżanie, Gruzji, Uzbekistanie. Był kilkakrotnie aresztowany w latach 1940-1950.
Zaczął malować w latach 50. na Kamczatce. W 1960 roku studiował u Roginsky'ego. Roginsky nazwał go „Don Kichotem z czasów sowieckich”. Najbardziej owocny okres jego twórczości rozpoczął się w latach 90., kiedy jego prace były aktywnie skupowane przez moskiewskich kolekcjonerów, chociaż stale żył w potrzebie, w trudnych warunkach bytowych.
Po śmierci żony nie pracował i mieszkał z synem we wsi Savino w obwodzie iwanowskim. Tam jest pochowany.
Elena Andreevna Volkova (1915-2013)
W jej pracach jest coś dziecinnego, ciepłego i wzruszającego. Nie są jak słynne klasyki. Ale poznanie ich przynosi szczęście duszy.
E. Volkova „Świnia ukryła” (1975-1980)
Wśród winogron, ogórków, jabłek, gruszek i grzybów, w samym centrum eleganckiej martwej natury, położyła się świnia. „Nie myśl, że to galaretowata świnia”, powiedziała za każdym razem Elena Andreevna, pokazując tę pracę. „Po prostu uciekł od matki i ukrył się wśród owoców”.
Elena Andreevna Volkova odtwarza w swoich obrazach radosny światopogląd swojego dzieciństwa.
E. Volkova „Koń w srebrnym lesie”
„Wszystko, co teraz piszę na swoich płótnach, rodzi się we mnie od dzieciństwa. To wszystko było moim marzeniem, wszystko obejrzałem, uchwyciłem wszystko od dzieciństwa do dnia dzisiejszego. Nigdy nie przejdę obok jakiegoś piękna, lubię wszystko wokół mnie. Wszystko jest bardzo piękne na swój sposób” (z książki „Sztuka naiwna” K. Bohemskiej).
Od dzieciństwa, będąc muzykalna, postrzega zły kolor jako zły głos, psujący cały chór. Jej obrazy wnoszą ciepło i radość, duchową czystość i samo życie w całej jego wszechstronności.
E. Volkova „Pokój wszystkim!” (1984)
Jej rzeczywistość jest wypełniona miłością. Jej świat to absolutne światło i spokój.
E. Volkova „Wiosna”
Z biografii
Urodziła się w Chuguev, niedaleko domu, w którym urodził się Ilya Repin, w prostej rodzinie. Pracowała jako asystentka operatora przy mobilnej instalacji filmowej. Jej mąż zginął podczas wojny. E. Volkova zaczęła malować w latach 60. w wieku 45 lat, nie mając wykształcenia artystycznego. Jeden z założycieli ukraińskiej awangardy Wasilij Jermiłow nabył szereg jej obrazów. Sergey Tarabarov z moskiewskiej galerii sztuki naiwnej „Dar” w 2000 roku uważa Volkovę za jednego z najciekawszych artystów działających w stylu sztuki naiwnej w Rosji.
Elena Volkova została pierwszą naiwną artystką, która miała indywidualną wystawę w Galerii Trietiakowskiej.
Ostatnie lata mieszkała w Moskwie. Zmarła w wieku 99 lat.
Taisiya Shvetsova (ur. 1937)
Artysta z regionu Wołogdy. Nie ma specjalnego wykształcenia artystycznego. Maluje od 1996 roku. Jej obrazy to święto hojności i życzliwości.
T. Shvetsova "Koń" (2008)
T. Shvetsova „Cztery święta” (2007)
Holenderska artystka Ina Freke (ur. 1941)
Ina Freke urodziła się w mieście Hroningen (Holandia). Woli jasne kolory lata od spokojnych krajobrazów swojego rodzinnego kraju. Artystka wzięła do ręki pędzel, by zrekompensować utratę życia (śmierć męża). Szok, którego doznała, był łatwiejszy do zniesienia, kiedy rzeźbiła i malowała obrazy. Wielu przychodzi do sztuki naiwnej po głębokich doświadczeniach lub stresie.
Ulubione motywy rysunków Iny to egzotyczny świat Afryki, fantazja o kosmicznych podróżach i romans młodości. Oddzielenie jasnych plam barwnych liniami muzycznymi to styl Frequeta.
Ina Freke „Pokrywa”
I. Freke „Planeta Utopia”
Szkoda, że dla szerokiego grona miłośników sztuki i profesjonalistów sztuka naiwna nadal pozostaje tylko marginalnym, niezrozumiałym i zabawnym zjawiskiem kultury. To jest cały świat, do którego wystarczy wejść, aby go zrozumieć. Co więcej, wejść bez uprzedzeń, z czystym sercem – w końcu z czystym sercem powstały te dzieła.
Obraz naiwny „Kapelusz i róże”
„Zrodziło się we mnie pragnienie malowania farbami olejnymi. Nigdy wcześniej ich nie malowałem: a potem postanowiłem przeprowadzić eksperyment i skopiowałem swój portret na płótnie ”- napisał w swoim dzienniku szlachcic Tula Andriej Bołotow jesienią 1763 r. Minęło ponad dwa i pół wieku, a „polowanie na malowanie farbami” nadal pokonuje naszych współczesnych. Ludzi, którzy nigdy nie wzięli do ręki ołówka i pędzla, nagle ogarnia nieodparta pasja do sztuk pięknych.
Pojawienie się nowego kierunku
Sztuka naiwna XX - początku XXI wieku znacznie różni się od sztuki prymitywnej wieków poprzednich. Przyczyny tego, co dziwne, leżą w rozwoju sztuki „naukowej”. Pod koniec XIX wieku czołowi europejscy mistrzowie byli świadomi „zmęczenia” swojej współczesnej kultury. Starali się czerpać witalność z dzikiego, prymitywnego świata, który istniał w przeszłości lub wciąż zachował się w odległych zakątkach planety. Paul Gauguin był jednym z pierwszych, którzy podążyli tą ścieżką. Rezygnując z dobrodziejstw podupadłej cywilizacji europejskiej, artysta starał się utożsamiać "prymitywne" życie z "prymitywną" twórczością, chciał poczuć się jak człowiek z krwią dzikusa w żyłach. „Tu, w pobliżu mojej chaty, w całkowitej ciszy, śnię o gwałtownej harmonii wśród zapachów natury, które mnie odurzają” – pisał Gauguin o swoim pobycie na Tahiti.
Wielu mistrzów początku ubiegłego wieku przeszło pasję do prymitywu: Henri Matisse zbierał rzeźbę afrykańską, Pablo Picasso nabył i powiesił w widocznym miejscu w swoim studio portret Henri Rousseau, Michaiła Larionowa na wystawie Target pokazał publiczności szyldy rękodzieła, prace Niko Pirosmanashvili i rysunki dzieci.
Od lat 10 XX wieku prymitywni artyści mieli okazję wystawiać swoje prace obok prac profesjonalnych mistrzów. W efekcie dokonała się uderzająca zmiana u prymitywów: uświadomił sobie własną wartość artystyczną, przestał być fenomenem kultury peryferyjnej. Prostota prymitywu staje się coraz bardziej wyobrażona. Rousseau przyznał na krótko przed śmiercią: „Zachowałem swoją naiwność… Teraz nie mogłem już zmienić swojego sposobu pisania, nabytego ciężką pracą”.
W tym momencie sztuka naiwna powstaje jako szczególne zjawisko artystyczne, odmienne od prymitywnego. Często twórczość artystów naiwnych określa się jako sztukę nieprofesjonalną, podkreślając brak przygotowania artystycznego modelu akademickiego. Ale to wyraźnie nie wystarczy, aby zrozumieć różnicę między dyletantyzmem i rzemiosłem. „Naiwny” przenosi uwagę z rezultatu na przyczyny wewnętrzne. To nie tylko „nieuczone”, ale także „proste”, „wyrafinowane” – bezpośrednie, niezróżnicowane, nie znające odbić sensu rzeczywistości.
Cechy charakterystyczne
Samouk, w poszukiwaniu autoekspresji, nieświadomie zwraca się ku formom dziecięcej twórczości - do konturowania, spłaszczenia przestrzeni, dekoracyjności jako podstawowych elementów tworzonego przez siebie nowego świata. Dorosły nie może rysować jak dziecko, ale może w dziecinny sposób bezpośrednio postrzegać otoczenie. Cechą charakterystyczną sztuki naiwnej nie są twórczość artysty, ale jego umysł. Obraz i przedstawiony na nim świat autor odczuwa jako rzeczywistość, w której on sam istnieje. Ale nie mniej realne dla artysty i jego wizji: „To, co chcę napisać, jest zawsze ze mną. Od razu widzę to wszystko na płótnie. Przedmioty natychmiast proszą o płótno, gotowe zarówno w kolorze, jak i kształcie. Kiedy pracuję, kończę wszystkie przedmioty, aż poczuję pod pędzlem, że są żywe i poruszają się: zwierzęta, postacie, woda, rośliny, owoce i cała przyroda ”(E. A. Volkova).
Prototypy przedstawionych obiektów istnieją w wyobraźni autora w postaci zmaterializowanych, ale nieożywionych fantomów. I dopiero w trakcie tworzenia obrazu animują. To życie stworzone na płótnie to narodziny nowego mitu.
// pichugin2
Naiwny artysta przedstawia nie tyle to, co widzi, ile to, co wie. Chęć przekazania swoich wyobrażeń o rzeczach, ludziach, świecie, aby odzwierciedlić najważniejsze momenty w toku życia, mimowolnie prowadzi mistrza do schematyzacji i jasności - stanu, w którym rzeczy prostsze stają się tym bardziej znaczące.
Jezioro z kaczkami, praca w polu iw ogrodzie, pranie, demonstracja polityczna, wesele. Świat na pierwszy rzut oka jest zwyczajny, zwyczajny, nawet trochę nudny. Przyjrzyjmy się jednak bliżej tym prostym scenom. W nich opowieść toczy się nie tyle o życiu codziennym, ile o byciu: o życiu i śmierci, dobru i złu, miłości i nienawiści, pracy i świętowaniu. Obraz konkretnego epizodu jest tu odbierany nie jako utrwalenie chwili, ale jako budująca na zawsze opowieść. Artysta niezręcznie wypisuje szczegóły, nie potrafi oddzielić głównego od drugorzędnego, ale za tą nieudolnością kryje się system światopoglądu, który całkowicie odrzuca to, co przypadkowe, chwilowe. Niedoświadczenie zamienia się w wgląd: chcąc opowiedzieć o konkretach, naiwny artysta opowiada o tym, co niezmienne, wiecznie istniejące, niewzruszone.
Sztuka naiwna paradoksalnie łączy nieoczekiwaność artystycznych decyzji i pociąg do ograniczonego zakresu tematów i wątków, cytując kiedyś odnalezione techniki. Sztuka ta opiera się na powtarzających się elementach, które odpowiadają uniwersalnym ludzkim wyobrażeniom, typowym formułom, archetypom: przestrzeń, początek i koniec, ojczyzna (utracony raj), obfitość, święto, bohater, miłość, ojciec chrzestny.
Podstawa mitologiczna
W myśleniu mitologicznym istota i pochodzenie zjawiska są identyczne. W swojej wędrówce w głąb mitu naiwny artysta dociera do archetypu początku. Czuje się blisko pierwszej osoby, która odkrywa świat na nowo. Rzeczy, zwierzęta i ludzie pojawiają się na jego płótnach w nowej, nierozpoznawalnej formie. Podobnie jak Adam, który nadaje nazwy wszystkiemu, co istnieje, artysta naiwny nadaje nowe znaczenie zwykłemu. Temat niebiańskiej błogości jest mu bliski i zrozumiały. Sielanka rozumiana jest przez artystę jako pierwotny stan nadany człowiekowi od urodzenia. Sztuka naiwna zdaje się powracać do dzieciństwa ludzkości, do błogiej ignorancji.
Ale nie mniej powszechny jest motyw jesieni. Popularność fabuły „wypędzenie z raju” świadczy o istnieniu swego rodzaju rodzinnego związku między mitem pierwszych ludzi a losami naiwnego artysty, jego postawą, jego duchową historią. Wygnańcy, rajskie lumpy – Adam i Ewa – dotkliwie odczuwają utratę błogości i niezgodę z rzeczywistością. Są blisko naiwnego artysty. W końcu zna zarówno dziecinny spokój, jak i euforię tworzenia i gorycz wygnania. Sztuka naiwna dobitnie ujawnia sprzeczność między pragnieniem artysty poznania i wyjaśnienia świata a pragnieniem wprowadzenia do niego harmonii, wskrzeszenia utraconej integralności.
Poczucie „raju utraconego”, często bardzo silne w sztuce naiwnej, pogłębia poczucie osobistej niepewności artysty. W efekcie na płótnach często pojawia się postać broniącego się bohatera. W tradycyjnym micie wizerunek bohatera uosabia zwycięstwo zasady harmonicznej nad chaosem.
W pracach artystów naiwnych wygląd zwycięzcy, dobrze znanego z popularnych grafik - Ilji Muromca i wojownika Aniki, Suworowa i zdobywcy Kaukazu generała Jermolowa - nabiera cech bohatera wojny domowej Czapajewa i marszałka Żukowa. Wszystkie są interpretacją obrazu wężowego wojownika, przechowywanego w głębinach pamięci genetycznej, i nawiązują do ikonografii św. Jerzego zabijającego smoka.
Przeciwieństwem wojownika-obrońcy jest kulturowy bohater-demiurg. Co więcej, w tym przypadku nacisk zostaje przeniesiony z działania zewnętrznego na wewnętrzne napięcie woli i ducha. W rolę demiurga może wcielić się postać mitologiczna, np. Bachus, który uczył wytwarzania wina, lub znana postać historyczna - Iwan Groźny, Piotr I czy Lenin, uosabiająca ideę autokrata, założyciel państwa lub, odwołując się do podtekstów mitologicznych, protoplasta.
Ale wizerunek poety jest szczególnie popularny w sztuce naiwnej. Najczęściej stosuje się tę samą technikę kompozycyjną: siedzącą postać przedstawia się z kartką papieru i długopisem lub tomikiem poezji w rękach. Ten uniwersalny schemat służy jako formuła poetyckiej inspiracji, a surdut, skrzydlica, husarz czy kosoworotka pełnią rolę „historycznych” detali, potwierdzających głęboką autentyczność tego, co się dzieje. Poetę otaczają bohaterowie swoich wierszy, przestrzeń stworzonego przez siebie świata. Ten obraz jest szczególnie bliski naiwnemu artyście, ponieważ zawsze widzi siebie w obrazowym uniwersum obok swoich bohaterów, wciąż na nowo doświadczając inspiracji twórcy.
Ideologia sowiecka miała wielki wpływ na twórczość wielu naiwnych artystów. Zbudowany według wzorców mitologicznych, tworzył obrazy „początku nowej ery” i „przywódców narodów”, zastąpił żywe ludowe święto obrzędami sowieckimi: oficjalne demonstracje, uroczyste spotkania i uroczystości, nagrody dla czołowych robotników i lubić.
Ale pod pędzlem naiwnego artysty przedstawione sceny zamieniają się w coś więcej niż ilustracje „sowieckiego stylu życia”. Portret osoby „zbiorowej” budowany jest z mnogości obrazów, w których to, co osobiste jest rozmyte, zepchnięte na dalszy plan. Skala postaci i sztywność póz podkreślają dystans między liderami a tłumem. W efekcie przez płótno zewnętrzne wyraźnie wyłania się poczucie braku wolności i sztuczności tego, co się dzieje. W kontakcie ze szczerością sztuki naiwnej, ideologiczne zjawy, wbrew woli autorów, zamieniają się w postacie teatru absurdu.
// pichugin
Esencja naiwności
W sztuce naiwnej zawsze występuje faza kopiowania modelu. Kopiowanie może być etapem w procesie stawania się indywidualnym stylem artysty lub świadomą samodzielną techniką. Na przykład często dzieje się tak podczas tworzenia portretu ze zdjęcia. Naiwny artysta nie ma nieśmiałości wobec „wysokiego” standardu. Patrząc na dzieło, zostaje uchwycony przez doświadczenie, a to uczucie przekształca kopię.
Wcale nie zakłopotany złożonością zadania, Aleksiej Piczugin wykonuje „Ostatni dzień Pompejów” i „Poranek egzekucji Streltsy” na malowanej drewnianej płaskorzeźbie. Dość dokładnie podążając za ogólnymi zarysami kompozycji, Pichugin fantazjuje ze szczegółami. W Ostatnim dniu Pompejów spiczasty rzymski hełm na głowie wojownika niosącego starca zamienia się w kapelusz z okrągłym rondem. W „Poranku egzekucji Streltsy” tablica dekretów w pobliżu egzekucji zaczyna przypominać tablicę szkolną - z białym tekstem na czarnym tle (Surikov ma kolor niepomalowanego drewna, a tekstu w ogóle nie ma). Ale co najważniejsze, zdecydowanie zmienia się ogólny kolor prac. To już nie jest ponury jesienny poranek na Placu Czerwonym, a nie południowa noc rozświetlona błyskami płynącej lawy. Kolory stają się tak jasne i eleganckie, że wchodzą w konflikt z dramaturgią wątków i zmieniają wewnętrzny sens prac. Tragedie ludowe w przekładzie Aleksieja Piczugina przypominają raczej zabawy na wesołym miasteczku.
„Twórczy kompleks niższości” mistrza, który był jednym z atrakcyjnych aspektów „starego” prymitywu, jest obecnie krótkotrwały. Artyści szybko odkrywają, że ich niezbyt umiejętne kreacje mają swój urok. Nieświadomymi winowajcami tego są historycy sztuki, kolekcjonerzy i media. W tym sensie, paradoksalnie, destrukcyjną rolę odgrywają wystawy sztuki naiwnej. Niewielu udaje się, jak Rousseau, „zachować swoją naiwność”. Czasem wczorajsi naiwnicy – świadomie lub nieświadomie – wkraczają na drogę kultywowania własnej metody, zaczynają stylizować dla siebie, ale częściej, wciągnięci w nieubłagane elementy rynku sztuki, wpadają w ramiona kultury masowej, szerokie jak bramy .
sztuka naiwna, naiwna - (angielska sztuka naiwna)- jeden z obszarów sztuki prymitywnej XVIII-XX wieku, w tym sztuki amatorskiej (malarstwo, grafika, rzeźba, sztuka dekoracyjna, architektura), a także plastyki artystów samouków. Do dzieł sztuki naiwnej należą obrazy wybitnego francuskiego artysty A. Rousseau, nazywanego bowiem Celnikiem. był z zawodu celnikiem i wspaniałymi prowincjonalnymi portretami narodu rosyjskiego z XVIII - XIX wieku. nieznanych artystów.
Artysta „naiwny” różni się od artysty „nienaiwnego”, tak jak szaman różni się od profesora: obaj są specjalistami, każdy na swój sposób.
Wyjątkowość prymitywnego portretu codziennego wynika nie tylko ze specyfiki języka artystycznego, ale w równym stopniu z natury samej natury. Generalnie schemat kompozycyjny portretu kupieckiego zapożyczony jest ze współczesnej sztuki profesjonalnej. Jednocześnie surowość twarzy, wyostrzone wyczucie sylwetki, technika malarska skłaniają do przywołania ikonografii. Ale połączenie z lubokiem jest jeszcze bardziej odczuwalne. Przejawia się to przede wszystkim w samym podejściu do natury, które artystka odbiera naiwnie i holistycznie, dekoracyjnie i barwnie. Narodowy rosyjski typ etniczny jest wyraźnie widoczny na twarzy i ubraniach. Sumienne odtworzenie głównego i wtórnego doprowadziło do stworzenia całościowego obrazu, uderzającego siłą witalności.
Sztuka naiwna łączy w sobie oryginalny blask fantazji figuratywnej, świeżość i szczerość postrzegania świata z brakiem umiejętności zawodowych w zakresie rysunku, malarstwa, kompozycji, modelowania itp.
Dzieła sztuki naiwnej są niezwykle zróżnicowane pod względem formy i indywidualnego stylu, ale wiele z nich charakteryzuje się brakiem perspektywy liniowej (wielu prymitywistów stara się przekazać głębię za pomocą figur o różnych skalach, specjalnej organizacji kształtów i mas kolorów ), płaskość, uproszczony rytm i symetria, aktywne wykorzystanie barw lokalnych, uogólnienie form, podkreślenie funkcjonalności obiektu dzięki pewnym deformacjom, wzrost znaczenia konturu, prostota metod technicznych.
Sztuka naiwna z reguły jest optymistyczna w duchu, afirmująca życie, wieloaspektowa i różnorodna, a najczęściej ma dość duże znaczenie estetyczne. Sztuka naiwna jest jakby przeciwwagą dla „technicznego”. W sztuce naiwnej nie ma techniki, szkoły, nie da się jej nauczyć, po prostu „pędzi” przed tobą. Jest samowystarczalny. Nie obchodzi go, jak oceniają go jego mistrzowie, do jakiego stylu należy. To taka pierwotna twórczość duszy, a studiowanie raczej odbierze jej siłę niż ją udoskonali.
Jedną ze stron sztuki naiwnej jest naiwność lub prostota form, obrazów, technik; nie ma dumy, narcyzmu, roszczeń. Ale za naiwnością formy wyraźnie widać głębię znaczeń (inaczej pozostając naiwnym, przestaje być sztuką). To jest prawdziwe. Jest dostępny dla każdego – dziecka i starca, osoby niepiśmiennej, doktora nauk.
Artyści prymitywni XX wieku, obeznani z klasyczną i współczesną sztuką zawodową, często podchodzą do ciekawych i oryginalnych rozwiązań artystycznych, gdy próbują naśladować pewne techniki sztuki profesjonalnej przy braku odpowiedniej wiedzy i umiejętności technicznych.
Przez długi czas w Rosji dominowała opinia o pewnej „mniejszości” sztuki naiwnej. W języku rosyjskim (oraz w niektórych innych) termin „prymitywny” jako jeden z głównych ma znaczenie wartościujące (a dokładnie negatywne). Dlatego bardziej właściwe jest zastanowienie się nad pojęciem sztuki naiwnej. W najszerszym znaczeniu jest to określenie sztuki plastycznej, która wyróżnia się prostotą (lub uproszczeniem), przejrzystością i formalną bezpośredniością języka obrazowego i ekspresyjnego, za pomocą którego powstaje szczególna wizja świata nieobciążonego konwencjami cywilizacyjnymi jest wyrażony. Jednocześnie zapomnieli, że wcześni awangardyści, postmoderniści i artyści konceptualni w poszukiwaniu nowych form malarskich zwrócili się ku bezpośredniości i prostocie naiwności. Chagall wykazywał zainteresowanie twórczością samouka, Malewicz zwrócił się do popularnego druku rosyjskiego, a naiwność zajmowała szczególne miejsce w twórczości Larionowa i Gonczarowej. W dużej mierze dzięki technikom i obrazom sztuki naiwnej sukcesowi towarzyszyły pokazy prac Kabakowa, Bruskina, Komara i Melamida. Różnorodne techniki i elementy języka prymitywistów wykorzystywało w swojej twórczości wielu wybitnych artystów XX wieku. (ekspresjoniści, P. Klee, M. Chagall, J. Miro, P. Picasso i inni). W sztuce naiwnej wielu przedstawicieli kultury szuka sposobów wyjścia kultury artystycznej z cywilizacyjnych ślepych zaułków.
Sztuka naiwna pod względem wizji świata i sposobów jego artystycznego przedstawiania jest nieco bliska z jednej strony sztuce dzieci, z drugiej zaś twórczości osób chorych psychicznie. Jednak w swej istocie sztuka naiwna różni się od obu. Sztuka naiwna ludów archaicznych i aborygenów Oceanii i Afryki jest najbliższa światopoglądowo sztuce dziecięcej. Jej zasadnicza różnica w stosunku do sztuki dziecięcej polega na jej głębokiej świętości, tradycjonalizmie i kanoniczności. Dziecięca naiwność i bezpośredniość postrzegania świata wydawały się w tej sztuce zamrożone na zawsze, jej ekspresyjne formy i elementy artystycznego języka przepełnione były sakralnym znaczeniem magicznym i kultową symboliką, która ma dość stabilne pole irracjonalnych znaczeń. W sztuce dziecięcej są bardzo mobilne i nie niosą kultowego ładunku. Natomiast sztukę chorych psychicznie, często bliską jej w formie, cechuje bolesna obsesja na punkcie tych samych motywów, pesymistyczno-depresyjny nastrój i niski poziom artyzmu.
Siedzę w kawiarni. Przy moim stole siada starsza kobieta – widać, że bogactwo wcale nie jest wielkie. Wyciąga arkusze A3, węgiel. – Chcesz, żebym cię narysował? Nie zgadzam się, ale nie odmawiam - ciekawe. Mamrocząc coś pod nosem, kobieta dosłownie rysuje mój portret w 5 minut i proponuje mi go odebrać – oczywiście nie za darmo. Kilka minut później idę już do metra, trzymając w rękach prześcieradło z bardzo prymitywnym obrazem mnie. Zapłaciłem za to pięćdziesiąt rubli.
Ta kobieta przywiodła mi na myśl sztukę naiwną. Encyklopedia Sztuki podaje taką definicję tego gatunku: „tradycyjna sztuka ludowych rzemieślników, a także artystów samouków, zachowująca dziecięcą świeżość i bezpośredniość wizji świata”. Może zetknąłeś się z tymi obrazami - prostymi, szczerymi, wydaje się, że namalowało je dziecko, ale w rzeczywistości autorstwo należy do osoby dorosłej. W większości są to osoby starsze. Mają swój zawód - z reguły pracują. Mieszkają na wsiach i codziennie chodzą do pracy. Sztuka naiwna to dość stary nurt. Jeszcze w XVII wieku nieprofesjonalni artyści tworzyli swoje „bezlitośnie prawdziwe” portrety, a w XX w. naiwność wyłoniła się jako odrębny kierunek, wolny od akademickich reguł i norm.
Malowanie ikon uważane jest za protoplastę naiwności. Widząc takie ikony, z pewnością łatwo odróżnisz je od tradycyjnych. Są nieproporcjonalne, prymitywne, wręcz niechlujne. Wszystkie te cechy można zastosować do każdego obrazu sztuki naiwnej, nie tylko do ikon.
Jeden z najjaśniejszych przedstawicieli naiwnych -. Uważany jest także za twórcę sztuki naiwnej. Rousseau napisał swoją pierwszą pracę w wieku 42 lat – pracował jako celnik, a zaczął pisać dopiero po przejściu na emeryturę. Ci artyści nie mają czasu na profesjonalną kreatywność i nie chcą. Tyle, że czasami w wolnym czasie rysują to, co widzą. „Zbieranie jabłek”, „Młócenie”, „Wzburzona rzeka”, „Białe płótna” - to nazwy obrazów naiwnych artystów.
Twórczość Rousseau była często wyśmiewana i ostro krytykowana, zwłaszcza na początku. A artysta zyskał szeroką popularność po tym, jak Camille Pissarro został sprowadzony do jednego z jego obrazów - chcieli się bawić, a mistrz zaczął podziwiać styl artysty i chwalić obraz. To był wieczór karnawałowy, 1886.
Szczegóły krajobrazu są zbyt starannie rozpisane, a konstrukcja planów bawiła publiczność, ale to właśnie podziwiał Pissarro.
Innym, nie mniej znanym artystą naiwnym jest gruziński Niko Pirosmani. Na początku XX wieku, kiedy Pirosmani zaczął aktywnie angażować się w sztukę, malował domowymi farbami na ceratach - białym lub czarnym. Tam, gdzie trzeba było zobrazować te kolory, artysta po prostu zostawił ceraty niepomalowane - i tak opracował jedną ze swoich głównych technik.
Pirosmani uwielbiał przedstawiać zwierzęta, a jego przyjaciele mówili, że w tych zwierzętach raczej sam się rysuje. I rzeczywiście, „twarze” wszystkich zwierząt Pirosmaniego niewiele przypominają prawdziwe zwierzęce kagańce, a wszystkie wyglądają tak samo: smutne i bezbronne, czy to żyrafa (1905), czy niedźwiedź w księżycową noc (1905).
Niko Pirosmani zmarł w bezdomnej nędzy z głodu i deprywacji. I to pomimo tego, że od czasu do czasu miał pracę przy projektowaniu szyldów dla gastronomii publicznej.
Większość przedstawicieli naiwnych w ogóle nie zarabia na swojej twórczości artystycznej, zostawiając na to co najwyżej kilka godzin dziennie, jako hobby. Nie można przez to wykonywać zawodów - to odróżnia naiwnych artystów do odrębnej kasty. To bardzo szczera sztuka, całym sercem - nie ma nad artystą ucisku nakazów ani materialnego uzależnienia od twórczości. Po prostu rysuje, bo to kocha — i żniwa, rytuały swatania i ojczystą rzekę w lesie. Kocha i śpiewa tak, jak potrafi.
Rumuński artysta naiwny potrafi to zrobić w bardzo szczególny sposób. Jego prace są podobne do ilustracji do książek dla dzieci - są kolorowe, miłe i bajeczne. Daskaloo różni się od wielu artystów sztuki naiwnej tym, że przedstawia fabuły fantasy, a nie sytuacje z życia codziennego. Jest dom butów, karły z olbrzymami i latające jednorożce. Jednocześnie jego obrazy nie przestają być proste – zarówno w formie, jak i treści. Patrząc na nie, chcę ponownie przeczytać moje ulubione bajki i trochę pomarzyć.
Naiwność obejmuje twórczość sztuki samouków i sztuki amatorskiej. „Naiwny” nie oznacza „głupi” lub „inteligentny”. Jest to raczej sprzeciw wobec sztuki profesjonalnej. Artyści sztuki naiwnej nie posiadają profesjonalnych umiejętności artystycznych. Taka jest ich różnica w stosunku do artystów prymitywizmu: ci, będąc profesjonalistami, stylizowali swoją pracę na „nieudolną” i prostą. A co najważniejsze, artyści naiwni nie starają się rysować zgodnie z kanonami, profesjonalnie. Nie chcą rozwijać swojej sztuki i robić z niej zawodu. Artyści naiwni malują świat nie tak, jak uczą, ale tak, jak go odczuwają.
Na początku wydawało mi się, że sztuka naiwna jest jak pieśni. Byłem bardzo zadowolony z tego porównania - wyszło bardzo kolorowo i jasno. Ale kiedy się domyśliłem, zdałem sobie sprawę, że się myliłem. Sztuka naiwna jest bardzo jasna, ale „żeliwa poważna”. Nie ma w nim, w przeciwieństwie do żrących przyśpiewek, humoru, groteski, karykatury – choć na pierwszy rzut oka wydaje się to zupełnie inne. Autor naiwnie zawsze entuzjastycznie postrzega to, co przedstawia. A tam, gdzie nie ma entuzjazmu, nie ma sztuki naiwnej – po prostu nie pokazują tych dziedzin życia. Naiwność to szczery podziw.
W Moskwie znajduje się Muzeum Sztuki Naiwnej - jego pracownicy wykonują poważną pracę kolekcjonowania eksponatów, komunikowania się z autorami. Obecnie w muzeum znajduje się około 1500 prac, ale miejsc do pokazów jest niewiele, więc ekspozycje zmieniają się prawie co miesiąc.
Ten tekst nie opowie wszystkiego o artystach sztuki naiwnej, ale niech przynajmniej zainteresuje i zainspiruje do dotarcia do muzeum lub przejrzenia tych naiwnych zdjęć w wyszukiwarce. Ci artyści dorosłych marzycieli zasługują na prostą uwagę - choć bez podziwu i uznania na świecie, ale spróbujmy przynajmniej ich poznać.
Anna Silivonchik urodziła się w 1980 roku w Homelu. Od 1992 do 1999 studiował w Republikańskim Liceum Artystycznym (Mińsk, Białoruś). 1999-2007 - staż w Białoruskiej Państwowej Akademii Sztuki na wydziale malarstwa sztalugowego w Mińsku. Od 1999 udział w wystawach regionalnych i republikańskich. Dyplom 4. Międzynarodowego Biennale Sztuki Współczesnej w Taszkencie (2007).
Obecnie mieszka i pracuje w Mińsku.
Wśród młodych białoruskich malarzy jest słusznie uważana za jasną osobowość ze względu na jej niezwykle oryginalny styl autorski, stworzyła szczególny świat obrazów. Źródeł estetycznych wskazówek Anny należy szukać w fantastycznym realizmie M. Chagalla, naiwnej sztuce prymitywistów początku XX wieku oraz oczywiście w sztuce i rzemiośle ludowym oraz folklorze.
Anna pracuje w tradycyjnej technice malarstwa olejnego, ale nieustannie eksperymentuje z różnymi środkami wizualnymi, wykorzystując fakturę i wzór płótna, które dobiera specjalnie do każdego dzieła. Bardzo subtelne wyczucie koloru i przemyślana linia, dokładna praca nad detalami pozwalają bardzo dokładnie oddać pewien nastrój.
Musimy oddać hołd: prace artysty nasycone są sporą dozą subtelnego humoru i dają odbiorcy silny ładunek emocjonalny, uderzając metaforyką, budząc wiele nieoczekiwanych skojarzeń.
Prace znajdują się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Mińsku na Białorusi oraz w kolekcjach prywatnych w Rosji i za granicą.
artnow.ru
